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Swans kehren mit 'Birthing' zurück, dem neuesten Album, das im Laufe einer einjährigen Tournee 2023-2024 entstand.

'Birthing' wird über Mute und Young God Records veröffentlicht. Die Erstpressungen der Deluxe-Vinyl und CD enthalten eine Bonus-DVD mit Swans Live 2024 (Rope) The Beggar, einem Konzertfilm von Marco Porsia, der die letzte US-Tour der Band dokumentiert. Die DVD enthält außerdem 'I Wonder If I'm Singing What You're Thinking Me To Sing', eine Dokumentation von Christopher Nicholson über Michael Gira's Solotournee 2022.

'Birthing', das durch unerbittliche Improvisation und Live-Performance sowie neu komponierte Studiostücke verfeinert wurde, ist ein Zeugnis von Michael Giras kompromissloser klanglicher Vision. Die Songs, die als akustische Kompositionen begannen, wurden im Studio mit langjährigen Live-Mitgliedern und Kollaborateuren schrittweise erweitert und transformiert.

"Dieses Album, zusammen mit der kürzlich erschienenen Live-Veröffentlichung Live Rope, ist mein letzter Ausflug (als Produzent/Impresario) in die alles verzehrenden Klangwelten, die mich seit Jahren besessen haben. Wir werden in diesem Modus gegen Ende 2025 eine letzte Tournee machen, und das war's dann. Danach wird es mit Swans weitergehen, so lange ich dazu in der Lage bin, allerdings in einer deutlich reduzierten Form. Hinweise auf diese Richtung sind in einigen Momenten auf dem aktuellen Album zu finden. In der Zwischenzeit hoffe ich, dass die Musik eine positive und fruchtbare Atmosphäre bietet, in der man träumen kann." - Michael Gira / Swans

Produziert von Gira, wurde 'Birthing' in der Soundfabrik Berlin aufgenommen, im Candy Bomber Studio von Ingo Krauss gemischt und von Doug Henderson bei Micro-Moose gemastert.

Wah Wah 45s präsentiert die Debüt-LP eines aufregenden, neuen Signings 2025: Isaac de Martin (IKE) vermischt Jazz und elektronische Einflüsse zu warmen, sanften und oft filmischen Klanglandschaften. Ein gewisser Eklektizismus ist nicht überraschend für einen in Italien in eine Musikerfamilie mit britischen Wurzeln geborenen Komponisten, Produzenten und Gitarristen, der seinen Stil durch kreatives Experimentieren und interdisziplinäre Zusammenarbeit mit Künstlern aus verschiedenen Ländern entwickelte. Ein längerer Aufenthalt in Ägypten dient ihm als Erzählung und Metapher für eine gelassene und befreiende Einstellung zum Leben, die sich in einer Vintage- und dennoch dynamischen Atmosphäre des Albums widerspiegelt.

Remedy Entertainment und Laced Records präsentieren die wegweisende, unvergessliche Musik des preisgekrönten Videospiels 'Alan Wake 2' auf Vinyl.

Remedy und sein Creative Director Sam Lake sind wohl unübertroffen in ihrem Engagement für die Musik in ihren Spielen. Für den Soundtrack verfolgten sie vier kreative Hauptstränge: Der langjährige Mitarbeiter Petri Alanko (Alan Wake, Quantum Break, Control) kehrte als leitender Komponist zurück und lieferte einen bissigen und doch gefühlvollen dramatischen Horror-Score sowie die bei den Fans beliebte Hausmeister-Ballade „Yötön Yö“, gesungen von Martti Suosalo (Ahti).

Der Musikkünstler POE und Sam Lake haben sich zusammengetan, um vier Teile des spiralförmigen, melancholischen Epos „This Road“ zu schaffen, das das Ende von Wakes Reise durch den Dark Place darstellt.

Die Poets of the Fall schlüpften erneut in die Rolle der alten Götter von Asgard und schufen mehrere Prog-Opera, darunter das monumentale „Herald of Darkness“ mit dem Gesang von Matthew Porretta (Alan Wake) und David Harewood (Mr. Door).

Schließlich versammelte die Musikproduktionsfirma Fried Music in Zusammenarbeit mit Nordic Music Partners eine kleine Armee außergewöhnlicher Songwriter-Talente, um die vielseitigen, atmosphärischen und im Universum angesiedelten „Chapter Songs“ zu komponieren.

Shai Maestro ist einer der einfallsreichsten und einflussreichsten Pianisten seiner Generation. Seit seinem 2011er Debüt mit seinem Trio hat er eine unverwechselbare musikalische Stimme entwickelt - fließend, ausdrucksstark und zutiefst lyrisch. Sein künstlerisches Können hat ihn zu einer treibenden Kraft des zeitgenössischen Jazz gemacht. Er verbindet Improvisation, Komposition und globale Einflüsse zu einem Sound, der sowohl filmisch als auch zutiefst persönlich ist. Nun präsentiert er sein erstes Klaviersoloprojekt beim renommierten Label naïve. Das Album 'Solo: Miniatures & Tales' bewegt sich zwischen Komposition und Improvisation und lässt uns in die reiche Palette an Nuancen und Sensibilitäten eintauchen, die die einzigartige Klangidentität des Pianisten prägen. Mit seinen jüngsten Veröffentlichungen bei ECM Records, produziert von Manfred Eicher, reiht sich Maestro in die Riege legendärer Pianisten wie Keith Jarrett, Paul Bley und Chick Corea ein. Sein Quartett erweitert weiterhin die Grenzen des modernen Jazz. 2025 begibt sich Shai Maestro auf eine neue Reise: Seine erste Soloaufnahme markiert den Beginn einer fortlaufenden Reihe. Dieses Projekt erforscht die empfindliche Balance zwischen Struktur und Spontaneität und spiegelt seine sich entwickelnde Beziehung zu Komposition und Improvisation wider. LP-only auf schwarzem Vinyl!

Ihr neuestes Werk "The Regeneration Itinerary" ist eine transzendente Entdeckungsreise in die Dualität von Licht und Dunkelheit. Aufgenommen in den Hallen von SoundSpiral Audio und perfekt abgemischt im Necromorbus Studio, webt dieses Album eine Geschichte, die so alt ist wie die Zeit und doch erfrischend modern. Mit Tracks wie dem ätherischen, technolastigen "Inertiae" und dem eindringlichen "Förnyelse i Tre Akter" entfaltet sich Mathias Lillmåns' lyrisches Können über Timo Kontios und Antti Simonens meisterhaften Kompositionen, wobei jede Note vor existenziellen Überlegungen und messerscharfen Riffs trieft. Stell dir vor, du wirst von einem sibirischen Sturm umarmt, während du über den Kosmos nachdenkst - das ist die elektrisierende Wirkung, die diese Songs haben. Das herausragende "Prophetical Mercury Implement" bietet einen inbrünstigen Einblick in die Musikalität der Band und verspricht eine ebenso tiefgründige wie raue akustische Reise. Vom melodischen "I am Coin, I am Two" bis zum unerbittlich treibenden "The Fire in Which We Burn" navigiert diese Reise durch das empfindliche Gleichgewicht, in dem Schatten die Morgendämmerung küssen!

Ihr neuestes Werk "The Regeneration Itinerary" ist eine transzendente Entdeckungsreise in die Dualität von Licht und Dunkelheit. Aufgenommen in den Hallen von SoundSpiral Audio und perfekt abgemischt im Necromorbus Studio, webt dieses Album eine Geschichte, die so alt ist wie die Zeit und doch erfrischend modern. Mit Tracks wie dem ätherischen, technolastigen "Inertiae" und dem eindringlichen "Förnyelse i Tre Akter" entfaltet sich Mathias Lillmåns' lyrisches Können über Timo Kontios und Antti Simonens meisterhaften Kompositionen, wobei jede Note vor existenziellen Überlegungen und messerscharfen Riffs trieft. Stell dir vor, du wirst von einem sibirischen Sturm umarmt, während du über den Kosmos nachdenkst - das ist die elektrisierende Wirkung, die diese Songs haben. Das herausragende "Prophetical Mercury Implement" bietet einen inbrünstigen Einblick in die Musikalität der Band und verspricht eine ebenso tiefgründige wie raue akustische Reise. Vom melodischen "I am Coin, I am Two" bis zum unerbittlich treibenden "The Fire in Which We Burn" navigiert diese Reise durch das empfindliche Gleichgewicht, in dem Schatten die Morgendämmerung küssen!

"Instant Holograms On Metal Film" ist das erste Stereolab-Album seit 15 Jahren mit 13 neuen Studioaufnahmen. Eingespielt wurde das Werk von Laetitia Sadier, Tim Gane, Andy Ramsay, Joe Watson und Xavi Muñoz, mit Gastbeiträgen von Cooper Crain und Rob Frye von Bitchin Bajas, Ben LaMar Gay (Komponist/Jazz-Multiinstrumentalist), Holger Zapf (Cavern Of Anti Matter), Marie Merlet (Monade) und Molly Read, und weiteren. Die Band wird das ganze Jahr 2025 über live spielen - in Europa, Nordamerika, Südamerika und Großbritannien. Das neue Album folgt auf "Not Music" aus dem Jahr 2010, remasterte und erweiterte Neuauflagen von sieben ihrer Alben im Jahr 2019 sowie die Bände 4 und 5 der "Switched On"-Reihe, die 2021 bzw. 2022 erschienen.

BED ist eine neue in Berlin gegründete Band, im Kern ein queeres Musikprojekt mit einem Sound, der in Shoegaze, Dream Pop und Post Punk verwurzelt ist. BED's Texte sind traurig und sexuell, während sie Fäden von Verletzlichkeit und Begehren verweben und so ein Werk schaffen, das den normativen kreativen Ausdruck in Frage stellt. Dies zeigt sich auch in den Vocals, die absichtlich geschlechtsneutral sind und eine fließende Identität darstellen. In den Kompositionen von "everything hurts", dem Debütalbum der Band, eineComing-of-age Story, in der es ein Gefühl geht, ein bestimmtes Alter im Leben zu erreichen, eine zweite Jungfräulichkeit in ihrer musikalischen Praxis zu verlieren, Unschuld zurückzugewinnen und die Wunden des Erwachsenenlebens zu pflegen. Es gibt narrative Aspekte, die HörerInnen fesseln, Interludes, die ein Geheimnis flüstern und der Erzählung des Albums Tiefe verleihen. "everything hurts" ist ein zartes und doch raues, lautes und gleichzeitig dramatisches Werk, das einem sensiblen Publikum gehört - jemanden, der auf der Suche nach tief empfundenen Melodien und autobiografischen Geständnissen ist, gepaart mit post-produzierten vocals und druckvollen elektronischen Beats.

Die kompromisslose Fusionen aus klassischem Death Metal und Melodie, sowie kraftvolle Riffs, die an die alte Göteburger Schule erinnern, treffen auf mitreißende Grooves, die direkt zum Head bangen einladen. Stellt euch vor, At the Gates, Dark Tranquillity, Morbid Angel, Obituary, Death und Carcass vereinen ihre Kräfte - schnell, melodiös, präzise und gleichzeitig tödlich! Dennoch be halten Helldrifter ein sehr gutes Maß zwischen Härte und Melodie, sowie Geschwindigkeit und Groove. Alle Lieder überzeugen mit Abwechslung und geschickt gewählte Kompositionen. Teilwei se erinnert "Helldrifter - Shell Of Inexsistence" an Klassiker wie Death's Symbolic oder The Sound of Perseverance - aber frisch und nicht als eingestaubte Kopie!

Lyrisch befasst sich "Shell Of Inex sistence" mit düsteren und existenzbedrohenden Themen: Vom atomaren Ende der Menschheit, über die Psychoanalyse der menschlichen Seele, bis hin zu sozialkritischen Themen, wie Kriegen und Suizid. "Shell of Inexistence" ist nicht nur ein kraftvolles musikalisches Statement, sondern auch ein intensives lyrisches Werk, das tief in die Abgründe der Psyche und Gesellschaft eintaucht.

"Shell Of Inexsistence" wurde unter der Leitung von Roland Böffgen und Helldrifter, in den Hard Drive Sound Studios in Stuttgart aufgenommen, produziert und gemixt. Die Gitarren- und Bassspu ren wurden unter der Leitung von Vasilis Monopoulos in dem bandeigenen Studios aufgenommen. Der finale Feinschliff und das Mastering wurde von Kai Stahlenberg, im Kohlekeller Studio in See heim-Jugenheim, durchgeführt. Für die visuelle Umsetzung wurde Giannis Nakos (Remedy Design) beauftragt, der unter anderem bereits die Artworks für Suffocation, Morbid Angel, Cryptopsy oder The Crown realisierte.

"Shell of Inexistence" ist ein kraftvolles Statement im Death Metal, das Fans des Genres genauso fesseln wird wie Neulinge!

WINDOWS ist ein Live-Album von JON LORD und dem deutschen Dirigenten und Komponisten Eberhard Schoener . Es wurde bei einem Konzert in München 1974 aufgenommen und die Musik ist eine Mischung aus Progressive Rock und orchestralen Stilen der Spätromantik/Moderne. Zu hören sind Musiker aus der Rockwelt wie David Coverdale und Glenn Hughes. Dark Horse Records feiert den 50. Jahrestag von Windows mit einer limitierten Farbvinylpressung.

Die Herzschmerz-Verkäufer Nature TV verkaufen von Tür zu Tür ein Elixier aus Jangle-Indie und melancholischem Yacht-Rock. Ihr Debütalbum "Unlucky For Some" ist eine Sammlung von 7 EPs, die ewig liebeskranken Dream-Pop mit klassischer Soundinnendekoration und kompositorischen Wendungen paaren. Die reichhaltigen Songs setzen das Thema Liebeskummer in High-Fidelity fort. Das Ergebnis ist eine LP, die mit akribischer Liebe zum Detail summt und sich dennoch so benommen anfühlt wie die Einnahme von Beruhigungsmitteln im Whirlpool. Eine Indie-Jangle-Partyband auf dem Höhepunkt ihres Könnens, nur dass die Party vorbei ist und sie mit dem Soundtrack für das Aufräumen beauftragt wurden. Jemand liegt bewusstlos im Gartenstuhl, Zigarettenstummel stecken in leeren Dosen, eine Tür ist aus den Angeln gerissen, der Pool ist halb versickert, Regen strömt an den Fenstern herunter und alle müssen morgen früh arbeiten. FFO-Immobilien, Ducktails, Glitzerparty.

- "Verträumt schöner Indie-Pop mit einem subtilen Hauch von Introvertiertheit." - CLASH

- "Ein Song für die Heimreise am späten Freitagabend, wenn Ihre Hoffnungen zerstört wurden und Sie etwas Zuneigung brauchen." - Line Of Best Fit

- "Indies neuste strahlende Sterne." - DIY

'Hand to Mouth' ist ein bewusster Umgang mit Raum und Zurückhaltung. Keeley Forsyth - Komponistin, Sängerin und Schauspielerin aus Oldham im Nordwesten Englands - und ihr langjähriger Kollaborateur Matthew Bourne schöpfen aus der Erfahrung, die sie in den letzten Jahren mit dem Zusammenspiel von Stimme und Harmonium gesammelt haben. 'Hand to Mouth' greift diese Sensibilität auf und verfeinert sie durch minimale, hypnotische Texturen und elliptische musikalische Strukturen.

Ein dynamisches und erhabenes Werk voller Emotionen und Sensibilität, "From Where You Came" als eine Reihe nächtlicher Übertragungen, altertümlicher Verfeinerungen und lebendiger Geschichten, die reich an erhellenden Qualitäten sind. Die Kombination von programmatischer Musik des 19. Jahrhunderts mit Jazz aus der Mitte der 70er Jahre und ihrem unverwechselbar farbenfrohen und mehrdimensionalen Kompositionsansatz, der die Improvisation einschließt, ermöglicht Coverdale die Synthese mit Live-Instrumenten in einer genrefreien, aber deutlich erkennbaren Geste der Wiederverbindung mit Land und Körper durch Klang zu verbinden. Sie betrachtet Komposition als diagnostische Methodik zu spirituellen Zwecken, leitet emotionale Resonanz wie Ladungsströme und verdrahtet das rein Gefühlte in elektronische Signale. Obwohl sie auf mehreren Kontinenten komponiert und aufgenommen hat, unter anderem im GRM Studio in Paris und dem Elektronmusikstudion EMS in Stockholm, wurde "From Where You Came" im ländlichen Ontario, Kanada, fertiggestellt. Mit Beiträgen der multidisziplinären Klangkünstlerin und Cellistin Anne Bourne und dem mit einem Grammy ausgezeichneten Posaunen-Wunderkind Kalia Vandever, enthalten die 11 ausgedehnten und doch verdichteten Kompositionen des Albums Streicher, Holzbläser, Blechbläser, Tasten, Software und modulare Synthese, die eine musikalische Sprache einschreiben, die Animationen mit ungefilterter, beeindruckender Klarheit wiedergibt. ,Alles kann eine Stimme haben", sagt sagt Coverdale. ,Für mich ist die Stimme mehr als nur menschlich." Passenderweise ist es die eigene Stimme der Künstlerin die sich im einhüllenden Schwellwerk des Albumauftakts in Luft auflöst: ,Everything you know is real", singt sie in ,Eternity`, "I'm sorry, life is beautiful." Als zwischen Animismus und Animalismus oszilliert, ist das folgende Album absolut voll von Leben in all seiner atemberaubenden Komplexität. Coverdale rechnet mit der Erfahrung von Trauer, Entwurzelung und dem Druck der totalen Freiheit und Unabhängigkeit ab, und beweist eine übernatürliche Fähigkeit, die Trübsal in höchst fantasievolle und inspirierende Fantasy-Epen aus Klang zu verwandeln.

"FURIE" ist Musik. Freude. Gegenwart und Avantgarde. Im Mai 2025 löst Alicia Edelweiss mit ihren zweiten Studio-Album "FURIE" das Versprechen ein, das ihr sechs Jahre zuvor erschienenes Debut-Album gab: der Pop-Landschaft etwas tatsächlich Neues und ehrlich Interessantes hinzufügen. "FURIE" enthält 8 Songs von heute sehr selten gewordener Länge. Sie haben ausreichend Raum und Zeit, um ihre eigenen kleinen Panoramen zu entfalten - die Künstlerin selber vergleicht sie mit Kurzfilmen, auf deren Handlungswendungen und Plot Twists man achten muss. Es sei gar nicht ihre Entscheidung, die Songs so lang zu machen, erzählt sie, sondern sie nicht zu kürzen. Für deren Länge und Konsequenz nutzt die Künstlerin das Wort Integrität. Was für ein wunderschöner Anspruch an die eigene Musik. Daher ist "FURIE" auch ein Album im fast altmodischen, im engsten, Sinne: Was einem heute wirklich sehr selten begegnet und was es zu einer echten Ausnahme macht, ist, dass wir tatsächlich vor gleichberechtigten und gleichermaßen qualitätvollen Songs stehen. Diese Stücke sind, da darf man das Wort Pop nicht falsch verstehen, nie vorhersehbar, niemals nur geschrieben - sie sind erdichtet, erdacht und komponiert. Zuweilen erkämpft. Das freilich, merkt man ihnen nicht an. Die Musikerin hat das Heavy Lifting übernommen - wir bekommen den Schwebezustand. Dieser gestaltet sich vor allem über Klang, Sound und Melodie, die als vielschichtige, komplexe Stimmungsträger funktionieren. Instrumentiert ist "FURIE" ungewöhnlich reich - mit Gitarre, Drums, Klavier, Akkordeon, vor allem mit Streichern, mit Tierstimmen, Geräuschen, Synthesizern, Glocken, Trompeten... für ein Lied ist der eigene Gesang unter Wasser aufgenommen worden. Es ist ein groß dekoriertes Album geworden. Es ist Verletzlichkeit und Maximalismus; im Ergebnis komplexer als das vorangegangene Debut. FURIE strebt nach Exzellenz. Gerade dort, wo das Schöne in dem Risiko liegt, nicht perfekt zu sein, sondern richtig.

Lisa Wilhelms neues Album SO CLOSE erscheint am 9. Mai 2025 bei BERTHOLD records und bringt eine spannende Weiterentwicklung ihrer Musik. In Zusammenarbeit mit Lukas Wögler (Saxophon), Moritz Langmaier (Klavier), Franz Blumenthal (Bass) und Lisa Wilhelm (Komposition und Schlagzeug) kombiniert sie lyrischen Jazz mit verträumten Pop-Klängen. Das Album erweitert das ursprüngliche Jazz-Quartett um Gesangseinlagen von Mareike Riegert, Nate Dailey und Nico-Alexander Wilhelm sowie ein Streichquartett. Wilhelms Kompositionen sind tief von persönlichen Erlebnissen und literarischen Entdeckungen inspiriert. Die Reise von SO CLOSE führt die Hörer durch intime Erinnerungen und emotionale Momente, die in Klänge übersetzt werden. Lieder wie "Change the Game", geschrieben für ihren Bruder, sprechen von den Herausforderungen von Druck und Erfolg, während "Four Voices" die inneren Kämpfe junger Frauen thematisiert. Mit SO CLOSE setzt Wilhelm mehr auf arrangierte Kompositionen, während sie ihre jazzigen Wurzeln und improvisierten Elemente beibehält. Die Klanglandschaften des Albums, inspiriert von unerwarteten Begegnungen und Geschichten, bieten eine tiefgründige emotionale Reise, die Pop, Folk und Jazz vereint. SO CLOSE stellt Lisa Wilhelm als Komponistin und Schlagzeugerin auf ein neues kreatives Niveau und verspricht ein berührendes und vielschichtiges Hörerlebnis.

Der Dresdner Komponist und Produzent Sven Helbig kreierte anlässlich des 80. Jahrestages des Endes des Zweiten Weltkriegs das Requiem A, das die Opfer des Krieges ehrt und ein tiefes Plädoyer für den Frieden darstellt. Requiem A vereint liturgische und neue Texte. Das ‘A’ im Titel steht für ‘Anfang’ und mahnt in poetischen Bildern zu Versöhnung und Neubeginn. „Aufbruch“, „Asche“ und „Atmen“ sind Schlüsselwörter in den Texten, die einen Weg aus der Trauer in das Leben suchen.

Die Uraufführung fand am 9. Februar 2025 in der Dresdner Kreuzkirche statt, aufgeführt vom Dresdner Kreuzchor, der Sächsischen Staatskapelle und dem gefeierten Bassbariton René Pape. Am 8. Mai, dem 80. Jahrestag des Ende des Zweiten Weltkrieges, wird das Werk auf dem Heldenplatz vor der Hofburg in Wien aufgeführt. Die Aufnahme erscheint am 9. Mai 2025 bei der Deutschen Grammophon. Dieses ergreifende Werk soll als universelle Botschaft der Erinnerung, der Versöhnung und des kulturellen Austauschs dienen.

"Falling For You" ist eine massive neue 2025er Soulnummer der aufstrebenden Soulsängerin Windy Karigianes aus Las Vegas. Der Song wurde von Soul-Veteran Randy Hall komponiert und u.a. mit dem Teena Marie-Bassisten Allen McGrier aufgenommen. Da Windy ein Teena Marie-Fan mit ähnlicher Stimme ist, sprang Georgie B ein und schuf mit seiner Version sowohl eine Hommage als auch einen frischen modernen Soul-Groove. Ein Original jenseits der Nostalgie und ein Mix, der derzeit die britischen Soul-Charts anführt - beide zusammen auf einer 7".

Deutsche Grammophon veröffentlicht Shostakovich: The Piano Concertos | Solo Works, in einer mitreißend virtuosen Einspielung von Starpianistin Yuja Wang. Das Album krönt den zehnjährigen, mit vier GRAMMY Awards® ausgezeichneten Schostakowitsch-Zyklus des Boston Symphony Orchestra und erscheint anlässlich des 50. Todestages des Komponisten. Zu hören sind die Interpretationen der Pianistin mit dem BSO unter Leitung seines Chefdirigenten Andris Nelsons. Yuja Wang spielt Shostakowitschs kontrastierende Klavierkonzerte – Nr. 1 in c-Moll und Nr. 2 in F-Dur (sie »meistert beide Werke mit Ausdruckskraft und souveräner Technik« – Boston Globe) sowie eine Auswahl der teuflisch schwierigen Präludien und Fugen des Komponisten, selektiert von der Pianistin selbst. Diese wurden in Wangs ersten Studiosessions seit vielen Jahren aufgenommen und zeichnen sich durch faszinierende Virtuosität aus.

Halo Studios und Laced Records haben sich zusammengetan, um die ikonische Musik der ursprünglichen Halo-Trilogie zum ersten Mal auf Vinyl zu veröffentlichen.

Dieses 3-teilige LP-Set enthält die Musik des monumentalen Sequel, die speziell für Vinyl neu gemastert und auf Heavyweight-LPs gepresst wurde. Die Platten befinden sich in einer breitrandigen Außenhülle und drei bedruckten Innenhüllen.

Das Original-Cover-Artwork stammt von Art Director und Concept Artist Isaac Hannaford (alias Rhizus / Space Ship Guru), dem ehemaligen Lead Concept Artist und Mitwirkenden an Halo 3, Halo 3: ODST und Halo Reach. Das zusätzliche Artwork des Sets wurde von der Grafikdesignerin Maren Landsnes erstellt.

Für Halo 2 haben sich die Komponisten mit hochkarätigen Musikern zusammengetan und dem Halo-Thema mit dem neuen „Mjolnir Mix“ ein Heavy-Metal-Makeover verpasst. Es war auch der erste Soundtrack zu einem Videospiel, der es in die Billboard 200 schaffte.

- 26 speziell remasterte Titel aus dem Spiel von 2004
- Cover-Artwork von Isaac Hannaford (ehemaliger Lead Concept Artist bei Bungie)

Der Titel dieser Arbeit von Beatrice Dillon ist dem Begriff ,basho" entnommen, der von Kitaro Nishida, dem japanischen Philosophen und Vater der Kyoto-Schule, entwickelt wurde. Kitaros ,basho" bezieht sich auf einen grundlegenden Ort oder ein Feld, in dem Dinge existieren und interagieren. Dabei geht es nicht nur um einen physischen Ort, sondern um einen abstrakteren Raum, in dem alle Erfahrungen, Gedanken und Phänomene miteinander verbunden sind. In Nishidas Philosophie ist ,basho" ein dynamischer, lebendiger Ort, an dem Subjekt und Objekt, Selbst und Welt, nicht getrennt sind, sondern sich gegenseitig bedingen. Inspiriert davon entwickelt Beatrice Dillon eine Musik von komplexer Natur, die nie aufhört, sich als reine Präsentation zu konstituieren, die ständig neu belichtet wird und in jedem Moment sowohl das Objekt der Aufmerksamkeit als auch den Hörer, der darauf zielt, reaktiviert. Dillons Basho, das sowohl seine Klänge (die keinen wirklichen Ursprung oder inneren Raum haben) als auch seine Idiome aus der elektronischen Musik entlehnt, ist eine Ablenkung, eine Neuanordnung, die uns durch vertraute, aber plötzlich fremde Elemente in ein Feld des reinen Hörens zurückführt. Still Forms des japanischen Komponisten Hideki Umezawa schöpft sein Klangmaterial aus der Erforschung der Baschet-Klangstrukturen, Instrumente, die von den Brüdern Bernard und François Baschet in den 1950er Jahren entwickelt wurden und seitdem in der Welt des zeitgenössischen Musikschaffens hoch geschätzt werden. Diese Strukturen wurden 1970 auf der Weltausstellung in Osaka vorgestellt, und einige sind in Japan geblieben. In verschiedenen Aufnahmesitzungen in Japan, aber auch in Frankreich, erforscht Hideki Umezawa das faszinierende klangliche Potenzial dieser atypischen Instrumente neu, um sie in eine hochgradig beherrschte Komposition einzubinden, in der Klänge akustischen Ursprungs und elektronische Texturen aufeinander reagieren, wie in der verzerrten Reflexion der Resonatoren der Baschet-Strukturen. Still Forms ist somit eine Hommage an und eine Zeitreise durch die unglaubliche Inspirations- und Erfindungskraft dieser Klangstrukturen, aber auch ein zugespitzter Vorschlag für eine zeitgenössische elektroakustische Komposition, die sich zu erneuern weiß, ohne ihre Ursprünge zu verleugnen.

Macht Euch bereit für die Magie von "LOVE", dem neuen Studioalbum der schwedischen Prog-Rock-Legende The Flower Kings, die auf eine über 30-jährige Karriere zurückblicken. Als The Flower Kings am 20. August 1993 ihr allererstes Konzert in Schweden gaben, ahnten sie wahrscheinlich noch nicht, dass sie im Begriff waren, Prog-Rock-Geschichte zu schreiben. Mit nunmehr 17 Studioalben, unzähligen Live-Aufnahmen, welt-weiten Tourneen und Festivalauftritten hat die Band ein Vermächtnis geschaffen, das nur von wenigen Bands übertroffen werden kann - und sich als Pioniere der Wiedergeburt des Prog-Rock erwiesen. Das Line-Up besteht aus den drei Originalmitgliedern Roine Stolt, Hasse Fröberg und Michael Stolt sowie den später hinzuge-kommenen Mitgliedern Mirko DeMaio und Lalle Larsson. Gemeinsam haben sie ein Album geschaffen, das den wahren Geist dessen einfängt, was Progressive Rock immer sein sollte: eine kreative Revolution, frei von den Zwängen kommerzieller Hitfor-meln. "LOVE" erinnert an die goldene Ära der späten 60er und frühen 70er Jahre und strotzt nur so vor Vintage-Vibes, epischen Kompositionen und einer reichen Mischung an Einflüssen - von Klassik und Jazz bis hin zu elektronischer Musik und Filmsound-tracks.Auf "LOVE" bieten The Flower Kings über 70 Minuten klangliche Erkundung in 12 Tracks, die von ausgedehnten 12-Minuten-Epen bis hin zu prägnanten 3-Minuten-Perlen reichen. Das Album verwebt Themen zu einem kohärenten Ganzen, das man am besten als eine zusammenhängende Reise erlebt: zugängliche Melodien gepaart mit experimentellen Momenten, wilden Gitar-rensoli und virtuoser Synthesizerarbeit, die an ihre frühen Werke erinnern. Mit neuem Selbstbewusstsein und neuer Kreativität beweisen die Flower Kings einmal mehr, warum sie die Könige des Progres-sive Rock sind. Zur Erinnerung: Krieg ist nur Angst und Versagen, Angst, die sich in kleinen Leuten mit zweifelhaften politischen oder religiösen Absichten manifestiert - LIEBE ist immer der Sieger.

Der Jazz-Schlagzeuger und Komponist Tarun Balani veröffentlicht am 16. Mai sein neues Album Kadahin Milandaasin über BERTHOLD records. Das Werk ist eine tief persönliche Auseinandersetzung mit seinem Sindhi-Erbe und erzählt die Geschichte der Migration seines Großvaters von Sindh nach Neu-Delhi. Der Titel Kadahin Milandaasin bedeutet "Wann werden wir uns wiedersehen?" und greift Themen wie Sehnsucht, Identität und kulturelle Bewahrung auf. In seinen Kompositionen verbindet Balani traditionelle Sindhi-Folklore mit modernem Jazz, geprägt von komplexen Rhythmen und improvisatorischer Tiefe. Gemeinsam mit seiner Band Dharma - Olli Hirvonen (Gitarre), Sharik Hasan (Piano) und Adam O'Farrill (Trompete) - erschafft er ein einzigartiges Klangbild, das Vergangenheit und Gegenwart vereint. Mit Kadahin Milandaasin erforscht Balani seine musikalischen Wurzeln und öffnet eine emotionale Klangwelt voller Geschichte und persönlicher Reflexion. Jazz drummer and composer Tarun Balani is set to release his new album Kadahin Milandaasin on May 16th through BERTHOLD Records. This deeply personal work explores his Sindhi heritage, tracing the migration journey of his grandfather from Sindh to New Delhi. The album's title Kadahin Milandaasin, translates to "When Will We Meet?" and reflects themes of longing, identity, and cultural preservation. Balani's compositions blend traditional Sindhi folk music with contemporary jazz, creating a rich tapestry of rhythm and improvisation. Together with his band Dharma - Olli Hirvonen (guitar), Sharik Hasan (piano), and Adam O'Farrill (trumpet) - he crafts a sonic landscape that bridges the past and present. With Kadahin Milandaasin, Balani embarks on a deeply personal journey, offering a poignant musical reflection on his roots.

Alexandre Tharaud mit drei Uraufführungen
Das neue Album des vielseitigen französischen Star-Pianisten Alexandre Tharaud enthält drei Klavierkonzerte, allesamt Uraufführungen, die für ihn geschrieben und ihm gewidmet wurden. O-Töne der Komponisten zu ihren Werken:

Alex Nante: „Das Spiel von Alexandre Tharaud war für mich während der gesamten Komposition des Stücks eine Inspiration. Von der ersten Toccata im Barockstil über die geschmeidige, kristalline Atmosphäre von Anunciación bis hin zu den energischen und kraftvollen Klängen von Toccata II war es meine Absicht, in diesem Werk besondere interpretatorische Facetten zu erforschen, über die er verfügt."
Thierry Pécou: “Cara Bali“ könnte man mit ‚Bali-Stil‘ übersetzen. Mir ging es nicht darum, das Unnachahmliche zu imitieren, sondern im Kopf Assoziationen zu wecken (...) - eine Art imaginärer Umweg oder Szenenwechsel bei einem Projekt, das mich glücklicherweise wieder mit meinem treuen Komplizen Alexandre Tharaud zusammengebracht hat...“
Ramon Lazkano: „Dieses Konzert ist in erster Linie die Frucht einer großen Freundschaft zwischen Alexandre Tharaud und mir und unserer Liebe zu unserem Instrument, dem Klavier, mit all seinen vertrauten Merkmalen, aber auch mit seinen verborgenen Formen der Verzauberung.“

Im Jahr 1988 erschien das bahnbrechende, aber zu seiner Zeit noch weitgehend unverständliche Album MYSTERY. Diese einzigartige Mischung aus Progressive-ThrashCrossover polarisierte bei seiner Veröffentlichung und wurde sowohl gefeiert als auch kritisiert. Während die deutsche Metal Hammer-Redaktion nur eine mittelmäßige Bewertung vergab, lobte das britische Kerrang! das Album als „den interessantesten Progressive-Thrash-Crossover, den ich seit Langem gehört habe“. Mit seinem futuristischen Cover und eigenwilligen, innovativen Songs stellte MYSTERY alles in Frage, was man damals von Metal erwartete. Die Kompositionen ließen vermuten, dass hier keine jungen Heavy Metal Fans am Werke waren, die auf den Pfaden ihrer Idole wanderten. Die Songs stecken voller Ideen, die die meisten Metalmusiker niemals in dieser Form gehabt hätten. Und auch die Umsetzung ließ schon immer den Verdacht aufkommen, dass hier Profimusiker aus einem anderen Genr beauftragt wurden, ein Heavy Metal Album zu schreiben und aufzunehmen – natürlich standesgemäß mit Künstlernamen wie The Lion oder Mike Battista. Ein Verdacht, der sich nach Jahren der Recherche nun bestätigt hat. Auch heute wird nich jeder Metalfan in die Welt von Mystery hineinfinden, doch we es schafft, hat ein Album fürs Leben gefunden und muss sich der Suchtgefahr hingeben. Gleichförmige Metalalben gab es i den letzten 40 Jahren schon genug…

Dieses exklusive LP-CD Paket enthält nicht nur die ursprüngliche LP, sondern auch die CD des Albums, sodass man das Meisterwerk in beiden Formaten genießen kann.

Die Kölner Band Schmitz & Niebuhr hat ein bahnbrechendes Progrock-Konzeptalbum mit dem Titel "Porz 1975" aufgenommen. Porz? Heute größter Stadtbezirk der Millionenstadt Köln, bis 1975 eigenständige Stadt, in der die MusikerInnen aufwuchsen und teils wieder leben. Dogma: Nur Instrumente - elektronisch, elektrisch und akustisch - die 1975 bereits existierten, wurden eingesetzt. Ein Stück für jeden der 16 damaligen Porzer Stadtteile . OK, mit Intro und Outro (Spielmannszug!) sind es 18. Deshalb benötigte man zwei LPs und reaktivierte die wunderbare C-90 Musikkassette. Gitarrensoli sind erlaubt, allerdings ohne . Sie wissen schon. PORZ 1975 ist ein akustisches Roadmovie durch die 70er Jahre. Ein Jahrzehnt geprägt von Ideenreichtum, kompositorischem Wagemut und dem Vertrauen, dass Hörerinnen und Hörer sich Zeit für Musik nehmen. Ebenso skizziert das Konzeptalbum die Traumata der kommunalen Gebietsreform - die damit einhergehenden Verwerfungen und Wendungen werden auf musikalischer Ebene gespiegelt, das 16-seitige Booklet gewährt hierzu einen Einblick. Das Doppelalbum - voll mit Referenzen an den Art Pop und Progressive Rock - funktioniert aber auch allein. Üppig Instrumentiert, ausufernde Improvisationen sind aber eher spärlich gesät, die Songs sind geistreich durchkomponiert und -arrangiert.

Lucas und Arthur Jussen gehören zu den gefragtesten Klavierduos unserer Zeit. Die niederländischen Geschwister gelten dank ihrer internationalen Karriere mittlerweile zu den großen Aushängeschildern der Klassik in ihrem Heimatland. Ihr neues Projekt Cantus/Rêve ist nun die Kulmination ihrer Arbeit der letzten Jahre: es vereint die beiden bislang nur digital veröffentlichten Alben ”Cantus” - mit Kompositionen von Brahms, Bach und Arvo Pärt - und ”Rêve” - mit Stücken von Debussy, Hahn und Koechlin - erstmals im physischen Format. Die wunderschöne Gatefold-LP mit sechs Tracks pro Seite zieren Schwarz-Weiß Fotos des Geschwisterduos. „Diese Musik strahlt so viel Vertrauen und Frieden aus, und wir hoffen, ihr schätzt sie genauso wie wir“, sagen Lucas und Arthur. Zu den Höhepunkten ihres gefüllten Konzertkalenders 2024/25 gehören Auftritte mit dem Konzerthausorchester Berlin, Bamberger Symphoniker, Dresdner Philharmonie, sowie eine anschließende Europatournee mit dem Gewandhausorchester. ”Die beiden Niederländer sind großartige Klangerzähler, sie schlagen mit ihrem Sinn für Licht-und-SchattenWirkungen die Zuhörer in ihren Bann. ” - Der Tagesspiegel

Wie kann es sein, dass das 1969er Album „Off Centre“ als eines der gesuchtesten britischen Jazz-Alben gilt und nur für größere Summen den Besitzer wechselt, obwohl Frontman John Cameron kein namhafter Jazzmusiker ist?

Ganz einfach: Cameron ist einer der erfolgreichsten und vielseitigsten britischen Studiokünstler, hat Hits für Pop-Stars wie Donovan, Cilla Black und Hot Chocolate arrangiert und Musiken für bekannte Filme und TV-Serien komponiert. Tief im Herzen muss Cameron allerdings ein Jazzmusiker sein, das beweist sein Quartettalbum als Pianist zusammen mit Bassist Danny Thompson (Nick Drake, Kate Bush, Peter Gabriel), Saxofonist & Flötist Harold McNair (Quincy Jones, Blossom Dearie, Ginger Baker) und Drummer Tony Carr (Bryan Ferry, Joan Armatrading, Wings).

Das dynamisch swingende, groovende Album erlebt jetzt seine erste Vinyl-Wiederveröffentlichung, remastert in den Abbey Road Studios von den Original-Analogbändern. Eine großformatige Beilage präsentiert ein ausführliches neues Interview mit John Cameron.

Macht Euch bereit für die Magie von "LOVE", dem neuen Studioalbum der schwedischen Prog-Rock-Legende The Flower Kings, die auf eine über 30-jährige Karriere zurückblicken. Als The Flower Kings am 20. August 1993 ihr allererstes Konzert in Schweden gaben, ahnten sie wahrscheinlich noch nicht, dass sie im Begriff waren, Prog-Rock-Geschichte zu schreiben. Mit nunmehr 17 Studioalben, unzähligen Live-Aufnahmen, welt-weiten Tourneen und Festivalauftritten hat die Band ein Vermächtnis geschaffen, das nur von wenigen Bands übertroffen werden kann - und sich als Pioniere der Wiedergeburt des Prog-Rock erwiesen. Das Line-Up besteht aus den drei Originalmitgliedern Roine Stolt, Hasse Fröberg und Michael Stolt sowie den später hinzuge-kommenen Mitgliedern Mirko DeMaio und Lalle Larsson. Gemeinsam haben sie ein Album geschaffen, das den wahren Geist dessen einfängt, was Progressive Rock immer sein sollte: eine kreative Revolution, frei von den Zwängen kommerzieller Hitfor-meln. "LOVE" erinnert an die goldene Ära der späten 60er und frühen 70er Jahre und strotzt nur so vor Vintage-Vibes, epischen Kompositionen und einer reichen Mischung an Einflüssen - von Klassik und Jazz bis hin zu elektronischer Musik und Filmsound-tracks.Auf "LOVE" bieten The Flower Kings über 70 Minuten klangliche Erkundung in 12 Tracks, die von ausgedehnten 12-Minuten-Epen bis hin zu prägnanten 3-Minuten-Perlen reichen. Das Album verwebt Themen zu einem kohärenten Ganzen, das man am besten als eine zusammenhängende Reise erlebt: zugängliche Melodien gepaart mit experimentellen Momenten, wilden Gitar-rensoli und virtuoser Synthesizerarbeit, die an ihre frühen Werke erinnern. Mit neuem Selbstbewusstsein und neuer Kreativität beweisen die Flower Kings einmal mehr, warum sie die Könige des Progres-sive Rock sind. Zur Erinnerung: Krieg ist nur Angst und Versagen, Angst, die sich in kleinen Leuten mit zweifelhaften politischen oder religiösen Absichten manifestiert - LIEBE ist immer der Sieger.

Der Grammy-nominierte, New Yorker Komponist/Perkussionist Eli Keszler präsentiert sein neues, selbstbetiteltes Album. In den letzten Jahren kollaborierte Keszler mit Oneohtrix Point Never, Skrillex, Rashad Becker und Laurel Halo, komponierte die Filmsoundtracks für Olmo Schnabels "Pet Shop Days" (2023), Lotfy Nathans "Harka" (2022) und Dasha Nekrasovas "The Scary Of Sixty First" und lieferte mit Daniel Lopatin die Filmmusik für "Uncut Gems" (2019). Nach gefeierten Alben wie "Icons" (2021) und "Stadium" (2018) ist sein neuestes Werk ein freizügiger, Lynch-artiger Songzyklus, in dem Keszlers virtuose Darbietungen eine lebendige Landschaft abstrakt-elektronischer Klänge durchqueren. Das Album atmet, knarrt und seufzt auf 12 Tracks. Noir-artige Jazz-Torch-Songs machen huschenden Trommeln und filmischen, dubartigen Texturen Platz. Die Texte werden von fast unhörbaren Stimmen geflüstert und geweint, als kämen sie aus einem entfernten Raum. Mit Gastauftritten von Sängerin Sofie Royer und Saxophonist Sam Gendel.

m Herbst 2022 reiste Jerome Reuter, der luxemburgische Singer-Songwriter und Kreativkopf von ROME, erneut auf die grüne Insel, um dort einige entspannte Wochen mit seinen irischen Freunden zu verbringen. Wie nicht anders zu erwarten war, wurde viel getrunken und gelacht. Es entstanden aber auch Songs. Und am Ende der Reise erblickte eine weitere, faszinierende "Dublin Session" das Licht der Welt.

Wurden die Tracks der ersten Dublin Session noch im legendären "Sonic Studio" in der irischen Hauptstadt aufgenommen, zog man sich für die zweite Session bewusst in die grünen Hügel von Wexford County zurück, um in Brian Brodys "Ballycale Studio" vollkommen ungestört und ganz ohne Zeitdruck musizieren zu können. Alle daraus entstanden Lieder der "Dublin Session II" sind unveröffentlichte Neukompositionen, denen Dank renommierter, irischer Musiker der landestypische Folk-Sound innewohnt.

Auf "The Dublin Session II" verbindet sich auf fast schon ganz natürliche und vor allem sehr harmonische Art und Weise ROMEs ureigener Stil aus Proto-Folk mit dem Klang des Traditional Irish Folk. Hierfür rekrutierte Co-Produzent, langjähriger Freund und musikalischer Mitstreiter Brian Brody (Rack & Ruin) kurzerhand das Who-is-Who irischer Musiker wie Ronan O Snodaigh (Dead Can Dance, Kíla) am Bodhran, Eoin O Cionnaith (Van Morrison, Christy Moore) an den Uilleann Pipes, Matthew Hanaphy am Banjo und den Tin Whistles, Goshia Gasior auf der Violine und Andy Slowey am Bass.

Unter den Kompositionen befinden sich Lieder wie das eingängige, fast tanzbare "Hold the Line" oder das bitter-böse "The Tsarist Army", die einen Kontrapunkt zu melancholischeren Kompositionen wie "My White Rose" und "Muse of Fire" setzen. Nicht unbeeinflusst vom Kriegsgeschehen in Europa und den Zeichen der Zeit entstand so ein multilinguales Kleinod mit Liedtexten auf Französisch ("La Peau Dernière"), Deutsch ("An der Landwehr"), Englisch und Gälisch ("Eirigh Anois!" u.a.).

Totgeglaubte leben bekanntlich länger und so stellt man mit ROME fest: Der europäische Geist ist wohlauf!

Zur Feier von Arvo Pärt 90. Geburtstags erscheint das 2023 erschienene Album Tractus nun in einer
eleganten 2-LP-Vinyl-Edition, die alle Texte und Essays in einer hochwertig gedruckten Beilage enthält.
Tractus legt den Schwerpunkt auf Arvo Pärt-Kompositionen, in denen die Klangfarben von Chor und
Streichorchester verschmelzen. Es überwiegen neue Fassungen seiner Stücke mit fokussierten Aufführungen des Tallinner Kammerorchesters und des Estnischen Philharmonischen Kammerchors unter der Leitung
von Tõnu Kaljuste, die zum aufmerksamen und konzentrierten Zuhören einladen. Schon in der Eröffnungskomposition Littlemore Tractus, die von Reflexionen aus einer Predigt von John Henry Newman
ausgeht, schwingt der Gedanke von Veränderung, Verklärung und Erneuerung mit und gibt den Ton für
eine Aufnahme vor, deren Charakter davon definiert wird, Bilanz zu ziehen, nach innen zu schauen und
sich mit der Vergangenheit zu versöhnen. Zu den Kompositionen gehören Littlemore Tractus, Greater
Antiphons, Cantique des degrés, Sequentia, L’abbé Agathon, These Words... und Veni creator. Eine tiefgründige Neubearbeitung von Vater unser für Chor, Streicher und Klavier beschließt das Album. Das im
vergangenen Jahr in Tallinn aufgenommene und von Manfred Eicher produzierte Album Tractus setzt die
Reihe der maßgebenden Arvo Pärt-Alben fort, die 1984 mit dem epochalen Tabula rasa bei ECM New
Series begonnen wurde.

Der englische Patient ist ein romantisches Kriegsdrama aus dem Jahr 1996 unter der Regie von Anthony
Minghella, das bei der 69. Verleihung der Academy Awards zwölf Nominierungen erhielt und neun davon
gewann, darunter für den besten Film, die beste Regie und die beste Originalmusik, die für Gabriel Yareds
unvergessliche Filmmusik vergeben wurde. Dieses Deluxe 2-LP-Set ist die allererste Vinyl-Pressung von
Yareds Originalmusik, plus 3 vom Komponisten ausgewählte Bonustracks.
Ab dem 28. April auf allen Plattformen erhältlich!

Die Violinistin Esther Abrami wirft auf ihrem Album "WOMEN" neue und erhellende Schlaglichter auf Komponistinnen. "Women" legt den Fokus auf die außergewöhnlichen Talente von 14 Komponistinnen aus unterschiedlichen Epochen und Genres und enthält neue Kompositionen der Oscar-Preisträgerinnen Rachel Portman und Anne Dudley sowie neue Arrangements von Werken historischer Komponistinnen wie Pauline Viardot, Chiquinha Gonzaga, Teresa Carreño und Ethel Smyth. Esther Abrami hat selbst einige dieser Stücke neu arrangiert und mit "Transmission" ein eigenes Orchesterstück für das Album komponiert. Im Mittelpunkt von "Women" steht die Weltersteinspielung von Ina Boyles Violinkonzert, eine poetische, spätromantische Komposition. Esther Abrami hat jedes Stück für das Album aufgrund einer besonderen emotionalen Verbindung zu den unterschiedlichen Frauen hinter der Musik ausgewählt: "Solange ich mich erinnern kann, war die einzige klassische Musik, die ich je gehört habe, von männlichen Komponisten geschrieben. Ich habe über 15 Jahre lang klassische Musik an renommierten Musikschulen studiert, aber in all den Jahren kein einziges Stück von einer Frau gespielt. Es war nicht so, dass ich sie diese Stücke aktiv vermieden hätte - sie waren einfach nicht Teil des Kanons. Ich fragte mich 'haben Frauen jemals klassische Musik komponiert?' und es stellte sich heraus, dass sie es taten, und ich entdeckte einen verborgenen Schatz. Ich verbrachte Monate mit Recherchen und tauchte in eine völlig neue Welt der Musik und faszinierenden Geschichten von Frauen ein, die im Schatten der Geschichte geblieben waren. Dieses Album ist meine Hommage an sie und eine Reise durch Jahrhunderte der Musik, erzählt durch die Stimmen von Frauen, die trotz aller Widrigkeiten komponierten, kämpften, lebten und schufen. Die Geschichten dieser Frauen inspirierten mich für meinen Karriereweg und zeigten mir wie wichtig es ist, dass zukünftige Generationen diese entdecken können. Ich hoffe, 'Women' kann eine neue Generation junger Mädchen dazu inspirieren, zu komponieren." Über ihre gesamte noch junge Karriere als professionelle Musikerin hinweg hat sich Esther Abrami dafür eingesetzt, Komponistinnen eine Stimme zu geben. In ihrem Podcast "Women in Classical" spricht sie mit einflussreichen Musikerinnen über ihre Karriere. Auch mit ihrer EP "Spotlight" mit dem Londoner "Her Ensemble", das ausschließlich aus Frauen und non-binären Musiker*Innen besteht, hat sie bereits wortwörtlich ein Schlaglicht auf Komponistinnen geworfen. "Women" führt diesen Weg konsequent fort und versammelt eine Reihe außergewöhnlicher Mitwirkenden, wie das ORF Radio-Symphonieorchester Wien unter der Leitung von Dirigentin Irene Delgado-Jiménez, die Pianistin Kim Barbier, die Harfenistin Lavinia Meijer und das Esther Abrami Quintet."Ich bin unglaublich glücklich mit einem so großartigen Orchester und tollen Musikerinnen an einem so persönlichen Projekt zu arbeiten. Diese Kompositionen mit einem Orchester zum Leben zu erwecken, ist eine Erinnerung, die ich nie vergessen werde."

Die Violinistin Esther Abrami wirft auf ihrem Album "WOMEN" neue und erhellende Schlaglichter auf Komponistinnen. "Women" legt den Fokus auf die außergewöhnlichen Talente von 14 Komponistinnen aus unterschiedlichen Epochen und Genres und enthält neue Kompositionen der Oscar-Preisträgerinnen Rachel Portman und Anne Dudley sowie neue Arrangements von Werken historischer Komponistinnen wie Pauline Viardot, Chiquinha Gonzaga, Teresa Carreño und Ethel Smyth. Esther Abrami hat selbst einige dieser Stücke neu arrangiert und mit "Transmission" ein eigenes Orchesterstück für das Album komponiert. Im Mittelpunkt von "Women" steht die Weltersteinspielung von Ina Boyles Violinkonzert, eine poetische, spätromantische Komposition. Esther Abrami hat jedes Stück für das Album aufgrund einer besonderen emotionalen Verbindung zu den unterschiedlichen Frauen hinter der Musik ausgewählt: "Solange ich mich erinnern kann, war die einzige klassische Musik, die ich je gehört habe, von männlichen Komponisten geschrieben. Ich habe über 15 Jahre lang klassische Musik an renommierten Musikschulen studiert, aber in all den Jahren kein einziges Stück von einer Frau gespielt. Es war nicht so, dass ich sie diese Stücke aktiv vermieden hätte - sie waren einfach nicht Teil des Kanons. Ich fragte mich 'haben Frauen jemals klassische Musik komponiert?' und es stellte sich heraus, dass sie es taten, und ich entdeckte einen verborgenen Schatz. Ich verbrachte Monate mit Recherchen und tauchte in eine völlig neue Welt der Musik und faszinierenden Geschichten von Frauen ein, die im Schatten der Geschichte geblieben waren. Dieses Album ist meine Hommage an sie und eine Reise durch Jahrhunderte der Musik, erzählt durch die Stimmen von Frauen, die trotz aller Widrigkeiten komponierten, kämpften, lebten und schufen. Die Geschichten dieser Frauen inspirierten mich für meinen Karriereweg und zeigten mir wie wichtig es ist, dass zukünftige Generationen diese entdecken können. Ich hoffe, 'Women' kann eine neue Generation junger Mädchen dazu inspirieren, zu komponieren." Über ihre gesamte noch junge Karriere als professionelle Musikerin hinweg hat sich Esther Abrami dafür eingesetzt, Komponistinnen eine Stimme zu geben. In ihrem Podcast "Women in Classical" spricht sie mit einflussreichen Musikerinnen über ihre Karriere. Auch mit ihrer EP "Spotlight" mit dem Londoner "Her Ensemble", das ausschließlich aus Frauen und non-binären Musiker*Innen besteht, hat sie bereits wortwörtlich ein Schlaglicht auf Komponistinnen geworfen. "Women" führt diesen Weg konsequent fort und versammelt eine Reihe außergewöhnlicher Mitwirkenden, wie das ORF Radio-Symphonieorchester Wien unter der Leitung von Dirigentin Irene Delgado-Jiménez, die Pianistin Kim Barbier, die Harfenistin Lavinia Meijer und das Esther Abrami Quintet."Ich bin unglaublich glücklich mit einem so großartigen Orchester und tollen Musikerinnen an einem so persönlichen Projekt zu arbeiten. Diese Kompositionen mit einem Orchester zum Leben zu erwecken, ist eine Erinnerung, die ich nie vergessen werde."

Komponist, Singer-Songwriter, Schauspieler, Autor und Aktivist Sting veröffentlicht am 25.04.2025 sein
„3.0. LIVE“ Album, welches ab sofort als limiterte180g Vinyl und CD vorbestellt werden kann.
Als Solo-Künstler, Front-Sänger von The Police und Rock&Roll Hall of Famer hat Sting zahlreiche Auszeichnungen erhalten, darunter 17 GRAMMY-Awards.
Das Album „3.0 LIVE“ stellt eine Kollektion seiner beliebtesten Live-Hits aus seiner Sting 3.0 Welttour dar.
Die Tracklist umfasst 9 ikonische Fan-Favoriten wie „Message in a Bottle“, „Roxanne“ und „Every Breath
You Take“, aber auch „Be Still My Beating Heart“, das nie zuvor als Live-Version veröffentlicht wurde.

Im Oktober 2023 kehrte der weltberühmte Cellist Yo-Yo Ma in die Boston Symphony Hall zurück, um mit
dem Boston Symphony Orchestra und seinem Musikdirektor Andris Nelsons die beiden Cellokonzerte von
Schostakowitsch zu spielen. Die kontrastierenden Werke erscheinen nun anlässlich des 50. Todestages des
Komponisten bei der Deutschen Grammophon auf CD und Vinyl.
Schostakowitschs Cellokonzert Nr. 1 in Es-Dur stammt aus dem Jahr 1959. Der Komponist widmete
es seinem langjährigen Freund Mstislaw Rostropowitsch, der auch die Uraufführung spielte. Für Yo-Yo Ma
war das anspruchsvolle Werk ein früher Meilenstein in seiner Karriere. Mit der ihm eigenen virtuosen Brillanz bringt er die kontrastreichen Stimmungen der Komposition, von dunkler Ironie bis hin zu ergreifender
Lyrik, zur Geltung.
Mit dem Cellokonzert Nr. 2 in G-Dur, das 1966 ebenfalls von Rostropowitsch uraufgeführt wurde, machte
sich Schostakowitsch selbst ein Geschenk zum 60. Geburtstag. Dieses eher reflektierende, in sich gekehrte
Werk wird seltener aufgeführt als sein Vorgänger. Wie der Boston Globe jedoch feststellte, ”hätte man
sich kaum einen besseren Weg durch dieses weniger vertraute Gebiet wünschen können als den Weg, den
Ma mit Nelsons und dem BSO einschlug“.

Das 1984 erstmals veröffentlichte Album „Mamma“ ist eine Sammlung italienischer Volkslieder, arrangiert
und dirigiert vom amerikanischen Komponisten Henry Mancini, der selbst italienische Wurzeln hatte. In
seinen Anmerkungen zu der Platte erklärte Pavarotti: „Ich bin mit diesen Liedern aufgewachsen, wie viele
andere meiner Generation auch, und sie rufen den Klang meiner Kindheit wach“.
Das Album wird zum ersten Mal seit 1984 wieder auf Vinyl veröffentlicht, und zwar in einem neuen,
remasterten HD-Sound. Als Grundlage dienten die Premaster-Bänder aus den Decca-Archiven, was den
historischen Aufnahmen eine neue, faszinierende Dimension verleiht.
Version: 180g Vinyl

Joe Lovano und seine polnischen Mitstreiter vom Marcin Wasilewski Trio zeigen sich auf ihrem zweiten
gemeinsamen Album für ECM von einer besonders abenteuerlustigen Seite. Aufbauend auf den lyrischen
Stärken der vorherigen Aufnahme der Gruppe (Arctic Riff, 2020), erforscht das Quartett auf Homage
nun auch noch die Art von frei fließendem Zusammenspiel und ausgedehnten Improvisationspassagen, die
schon zu einem festen Bestandteil von Lovanos Unternehmungen mit seinem Trio Tapestry geworden sind.
Zwei lange Kompositionen und der Titeltrack „Homage“ - allesamt Originale von Lovano - bilden mit
einer Länge von jeweils über zehn Minuten das Fundament des Albums und zeigen die Musiker in ihrer
experimentierfreudigsten Form, wobei Joe häufig sein Tenorsaxophon und sein Tárogató gegen diverse
Perkussionsinstrumente tauscht. Bei „Love In The Garden“, einer Komposition des polnischen Geigenvirtuosen Zbigniew Seifert, schmückt die Gruppe die stimmungsvolle Melodie mit fließenden Harmonien aus,
die in eindringliche Rubato-Gefilde gehüllt sind. Improvisierte Miniaturen vervollständigen ein Programm,
das zeigt, dass Wasilewski und seine Trio-Kollegen die ideale Ergänzung zu Lovanos einzigartigen Improvisationslinien sind. Die schlackenlose Chemie der Gruppe wird auf Homage deutlicher denn je. Das Album
wurde von Manfred Eicher produziert.

Mit verschiedenen Ensembles wie seinem World Saxophone Quartet hat US-Saxofonist David Murray Jazz
und Avantgarde zusammengebracht und das Genre über Jahrzehnte hinweg immer wieder maßgeblich
geprägt. Letztes Jahr hat er mit Pianistin Marta Sanchez, Bassist Luke Stewart und Schlagzeuger Russell Carter ein neues Quartett gegründet und einen Vertrag mit dem legendären Coltrane-Label Impulse!
Records abgeschlossen.
Für sein dortiges Label-Debüt hat er sich von Musik inspirieren lassen, die älter als die Menschheit ist:
dem Vogelgesang. “Birdly Serenade” ist Teil des Grammy-ausgezeichneten “Birdsong Project”, sechs der
acht Originale komponierte Murray in einem Künstler-Retreat in den Adirondack Mountains, inmitten
von Seen, Wäldern und endlosem Himmel. Am Anfang des Schreibprozesses standen drei Gedichte von
Francesca Cinelli, die auf dem Album auch mit einer Spoken-Word-Performance zu hören ist. Weiterer
Gaststar ist Sängerin Ekep Nkwelle.
Wer zartes Flötenspiel und “Jazz-Gezwitscher” erwartet, den wird der kraftvolle Saxofon-Sound des im
berühmten Van Gelder Studio aufgenommenen Albums eines Besseren belehen.

1978: Die Radierer werden in Limburg von Jürgen Beuth und C B Bodenstein gegründet und gehören neben DAF, S.Y.P.H. etc. zu den Pionieren des deutschen Postpunk. Der musikalische Kopf, Beuth, Multi-Instrumentalist und Komponist, entwirft das musikalische Szenarium zu den schrillen Texten der Radierer. Der Sequenzer tuckert erbarmungslos, die Gitarre treibt und kratzt und poppige, kindliche Melodien bilden den Zuckerguss. Hemmungslose Experimentierfreude rules! Bodenstein ist der Sänger und Texter. Seine Topics sind die Top Ten der Themen, über die man bei Tisch nicht spricht. Die Lyrics sind bizarre Comic-Fantasien: Subversiv, ätzend sarkastisch, morbide und gerne auch mal am Puls der Zeit. Beste Unterhaltung for adults only! 2025: Die Radierer haben für ihre neue, 7. LP eine Frischzellenkur gemacht und sind wieder einmal in Bestform. Als Gast im Studio: Tom Dokoupil, Keyboarder der Band in den 80ern, liefert ein paar extra crazy Sounds und hilft beim Mix.