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GAVIAL sind zurück. Deutlicher. Verletzlicher. Größer als je zuvor. Fast drei Jahre sind vergangen, seit Gavial mit "VOR" ein kraftvolles Statement abgegeben haben. Drei Jahre voller politischer Brüche, gesellschaftlicher Abgründe und persönlicher Erschütterungen. Drei Jahre, die Spuren hinterlassen haben - hörbar, fühlbar, unausweichlich. Jetzt kehrt das Quartett aus Dresden/Leipzig/Berlin mit einem neuen Album zurück. Hier prallen Soul und Gospel auf Country, Psychedelic-Blues auf pure, unverstellte Emotion. Gavial erschaffen Klangwelten, in denen Gitarren, Bass und Stimme zu etwas Größerem verschmelzen. Melancholie, die nachhallt. Hypnose durch Klang. Energie, die nicht mehr loslässt. Mit Vehemenz präsentieren sich Gavial so roh und kompromisslos wie noch nie. Ihre Songs sind Spiegel - von allem, was brennt: Eine Welt, die sich selbst zerfrisst. Gesellschaften, die verlernt haben zuzuhören. Technologien, die uns überholen. Militarismus, der zurückkehrt. Menschenrechte, die zu Worthülsen verkommen. Institutionen, die versagen. Und Egoismus, der gedeiht. "Thanks, I Hate It" ist keine Kapitulation. Es ist ein Soundtrack zu einer Zeit, die uns täglich prüft. Gavial sind hier, um uns zu erinnern: Wir sind noch da. Wir fühlen noch. Wir hören noch zu. Und manchmal lautet die einzig ehrliche Antwort auf diese Welt: Thanks, I Hate It.

“Free For All” gilt vielen Kritikern als das beste Album, das Art Blakey mit seinen Jazz Messengers in der
legendären Sextett-Besetzung aufgenommen hat. Die Band spielte bereits seit 1961 in dieser Formation
zusammen, war aber für Blue Note über zwei Jahre lang nicht mehr im Studio gewesen. Die Musik des im
Februar 1964 entstandenen Albums (das ursprünglich den Titel “Free Fall” erhalten sollte) ist deutlich von
der Bürgerrechtsbewegung jener Zeit geprägt und strotzt nur so vor Energie.

Die Dave Clark Five verkauften mit ihrem einzigartigen Musikstil über hundert Millionen Tonträger. „All
The Hits“ ist die ultimative Sammlung ihrer größten Hits, darunter „Glad All Over“, das die Beatles in
Großbritannien von Platz 1 der Charts verdrängte, „Bits & Pieces“, „Do You Love Me“ und „Over and
Over“, das in den USA die Spitze der Charts erreichte. Diese Neuauflage erscheint als 1-CD-Digisleeve mit
Booklet und als 1-LP auf schwarzem Vinyl und enthält alle großen DC5-Hits.
Die Dave Clark Five waren die erste englische Band, die in den USA tourte und die British Invasion anführte.
In ihren ersten zwei Jahren in den USA landeten sie nicht weniger als fünfzehn Top-20-Hits in Folge – mehr
als jede andere Band außer den Beatles. Sie eroberten die Welt im Sturm und prägten die Rockmusik
maßgeblich, indem sie einen Hit nach dem anderen über die Radiosender der Welt verbreiteten.

Seit über fünfzig Jahren steht Yes an der Spitze des Rock und zeichnet sich durch seine unvergleichliche
Handwerkskunst, Kreativität und Innovationskraft aus, mit der es symphonische Meisterwerke schafft, die
bis heute inspirieren.
Am 23. Januar 2026 veröffentlicht Mercury Studios „Yes Symphonic Live“, eine herausragende LiveSammlung mit 14 Songs, die in High Definition gefilmt wurde. Sänger Jon Anderson, Bassist Chris
Squire, Leadgitarrist Steve Howe und Schlagzeuger Alan White haben die dramatische Intensität ihres
2001 erschienenen Albums „Magnification“ wiederaufleben lassen, dem ersten Yes-Album ohne Keyboards
und dem letzten Yes-Album mit Anderson.
Zur Unterstützung ihres symphonischen Albums Magnification gingen sie 2001 mit einem neuen Ansatz
für ihre Live-Sets auf Tournee. Sie holten sich die Hilfe des European Festival Orchestra unter der Leitung
von Wilhelm Keitel, um ihren Live-Sets neue, üppige Texturen zu verleihen und so den Geist ihres neuen
Albums auf der Bühne zum Leben zu erwecken. Sie spielten nicht nur Titel aus Magnification, sondern
auch neu interpretierte Versionen ihrer zeitlosen Hits.
Klassiker wie „Owner Of A Lonely Heart”, „Long Distance Runaround” und „I’ve Seen All Good People”
klangen noch nie so grandios.

Jason ".idk." Mills' neuestes Projekt, Even The Devil Smiles, ist eine fesselnde Reflexion über Überleben, Transformation und die Schicksalsmomente, die seinen Weg für immer verändert haben. Ausgehend von seiner eigenen Geschichte der Inhaftierung und einer entscheidenden Wendung des Schicksals, die es ihm ermöglichte, seine Freiheit vorzeitig wiederzuerlangen, lässt er diese gelebte Erfahrung in ein Werk einfließen, das sowohl eindringlich als auch unerschrocken ehrlich wirkt. Durch seine lebhafte Erzählweise behandelt er Themen wie Verrat, spirituelle Konflikte und Widerstandsfähigkeit. Jeder Track pulsiert vor der Spannung gelebter Erfahrungen und fängt die Herausforderungen, Entscheidungen und Durchbrüche ein, die seinen Weg geprägt haben. Getreu Mills' multidisziplinärer Vision ist ,Even The Devil Smiles" mehr als nur Musik. Es präsentiert sich als kulturelles Artefakt, das eine Brücke zwischen der Mixtape-Ära des Hip-Hop und zeitgenössischem Design und hoher Kunst schlägt. Das Ergebnis ist ein Projekt, das die Härte und Unmittelbarkeit des rohen, Hardcore-Rap in sich trägt und sich gleichzeitig als Sammlerstück positioniert, das über die Musik hinaus Resonanz findet und Zuhörer und Trendsetter gleichermaßen einlädt, sich sowohl mit einer zutiefst persönlichen Erzählung als auch mit einem bleibenden kulturellen Statement auseinanderzusetzen.

With her new album, Spira (Sprout), Olof Arnalds has found her joy in writing songs rekindled. In many ways it harkens back to her debut: it is exclusively in Icelandic, the arrangements are markedly stripped back compared to her last two records, and it is mostly recorded in single takes in the control room of Sundlaugin, much like Vio og vio. Although a classically trained singer and violinist, Olof has been an active practitioner of popular music for thirty years, the watershed moment was the 2007 release of her debut solo album Vio og vio (Now and Again, wider international release in 2009), produced by Sigur Ros' Kjartan Sveinsson in the band's converted swimming-pool studio Sundlaugin. It seemed to appear fully formed out of the ether, and became a local classic almost overnight, winning accolades such as 'Best Alternative Album' at the Iceland Music Awards, named 'Record of the Year' by Iceland's principal daily newspaper and recognised as one of the decade's 100 best albums by eMusic. Spira is produced by Skuli Sverrisson, who also contributes bass and guitar. His mind-melting resume includes musical direction for Laurie Anderson, recordings with Blonde Redhead and work with artists such as David Sylvian, Jon Hassell, Ryuichi Sakamoto, Bill Frisell and Arto Lindsay. Davio por Jonsson contributes piano and guitar to the record-much as he did during Olof's busiest touring schedule nearly fifteen years ago when the two of them toured the world for months on end. There is hardly a jazz musician in Iceland he hasn't played with but lately he is perhaps best known for his close collaboration with Ragnar Kjartansson, one of this century's most celebrated visual artists.

VERVE ACOUSTIC SOUNDS SERIE: komplett analog von Ryan K. Smith bei Sterling Sound von den Originalbändern gemastert, QPR-Pressung (180 g), stabiles Tip-On-Gatefold (Stoughton Printing), wattierte Innenhülle, Gatefold Sleeve.

Ein einzigartiges Blues-Album, auf dem eines der dynamischsten Duos des Chicago Blues - Buddy Guy (Gitarre, Gesang) und Junior Wells (Mundharmonika, Gesang) - 1969 in einer entspannten Session auf den Jazzpianisten Junior Mance traf. Mit “Buddy And The Juniors” erfüllte sich Buddy Guy, der in Louisiana mit Swamp-Blues aufgewachsen war, den lange gehegten Traum, einmal ein rein akustisches Album aufzunehmen.

Fantastisches Album mit 12 Liedern der Begena-Musiker Tafese Tesfaye, Admassu Fikre, Seyoum Mengistu und Alemu Aga. ""Die Begena ist eines jener seltenen Musikinstrumente, das seit über 5800 Jahren existiert. Faszinierend an ihr ist nicht nur ihr Alter, sondern auch die Tatsache, dass sich ihre Herstellung und ihr Verwendungszweck über all die Jahre hinweg nicht verändert haben. ... Während des Derg-Regimes, nach dem Sturz von Kaiser Haile Selassie, wurde sie nicht mehr als wichtig erachtet. ... Aber besonders in den letzten 15-16 Jahren hat es eine Renaissance erlebt. Es gibt viele, meist junge Begena-Spieler, von denen ich über 500 Schüler unterrichtet habe. Es gibt auch Begena-Bauer, die das Instrument für neue Schüler bauen. Das Interessante an diesem Instrument ist, dass die Musik, der Klang, der aus diesem Instrument kommt, die besondere Kraft hat, Menschen zur Konzentration, zur Ruhe und zum Nachdenken zu bewegen. Das ist eine besondere Qualität. Man muss kein Äthiopier sein, jeder kann es hören, es wird ihn automatisch zur Ruhe und Konzentration anregen."" – Alemu Aga (aus einem Interview mit Pit Budde für den WDR, Köln, 2008)

A band that quit at the top... but now they're back! Sun-Rot was one of the most promising acts of the Hungarian indie scene with their floating, soulful, dreamy, yet psychedelic sound reaching it’s peak on their 2023 album, Mirage. Unfortunately, the band split up just after the album's release, however, after a two-year hiatus,

they have now reunited and are already working on new material. Budabeats Records is not letting Mirage be forgotten by releasing this little gem for the first time on vinyl, in the form it rightfully diserves: on 180 gram marbled vinyl, limited to 200 copies worldwide.

Credits:

Vocals: Míra Mészáros
Guitars: Péter Mónos, Gergo Balla
Bass: Gergo Dorozsmai,
Drums: Timár Benjámin
Music by Péter Mónos, Benjámin Timár, Péter Gál
Cover art by Máté Kováts, Péter Mónos
Sleeve layout: Miklós Fekete
Recorded, mixed and mastered at Tom-Tom Studios by Gergo Dorozsmai
Mastered by Anders Peterson (GS Mastering & Post)
A&R: Dj Gandharva & Von Yodi

Seit 2007 bricht das schwedische Power-Disco-Quartett Royal Republic mit allen Rock'n'Roll-Normen, verweigert sich Klischees und schafft mit seinem fünften Studioalbum "LoveCop" eine rebellisch brillante Mischung. Gegründet mit Hits wie "Tommy Gun", entwickelte sich Royal Republic durch Alben wie "Save The Nation" und "Club Majesty" weiter. Mit Hits wie "My House" und "LoveCop" zeigt das Album, das in den Hansa Studios in Berlin von Michael Ilbert und Adam Grahn aufgenommen wurde, durch charakteristisch freche Riffs und Wortspiele, eine Fortsetzung ihres unwiderstehlichen Sounds. Vollgepackt mit intelligenten Drum-Beats und groovigen Bass-Lines ist es eine schweißtreibende Fusion aus Metallica und Michael Bolton. Macht Euch bereit für eine musikalische Achterbahnfahrt, wenn "LoveCop" die Herzen zum Schmelzen bringt und gleichzeitig die Lautsprecher in Brand setzt. Es ist die Befreiung von allen Fesseln mit dem Recht einfach mal wieder laut zu sein! Nehmt die Hände hoch und tanzt zu den unaufhaltsamen Beats von Royal Republic.

Fantastisches Album mit 12 Liedern der Begena-Musiker Tafese Tesfaye, Admassu Fikre, Seyoum Mengistu und Alemu Aga. ""Die Begena ist eines jener seltenen Musikinstrumente, das seit über 5800 Jahren existiert. Faszinierend an ihr ist nicht nur ihr Alter, sondern auch die Tatsache, dass sich ihre Herstellung und ihr Verwendungszweck über all die Jahre hinweg nicht verändert haben. ... Während des Derg-Regimes, nach dem Sturz von Kaiser Haile Selassie, wurde sie nicht mehr als wichtig erachtet. ... Aber besonders in den letzten 15-16 Jahren hat es eine Renaissance erlebt. Es gibt viele, meist junge Begena-Spieler, von denen ich über 500 Schüler unterrichtet habe. Es gibt auch Begena-Bauer, die das Instrument für neue Schüler bauen. Das Interessante an diesem Instrument ist, dass die Musik, der Klang, der aus diesem Instrument kommt, die besondere Kraft hat, Menschen zur Konzentration, zur Ruhe und zum Nachdenken zu bewegen. Das ist eine besondere Qualität. Man muss kein Äthiopier sein, jeder kann es hören, es wird ihn automatisch zur Ruhe und Konzentration anregen."" – Alemu Aga (aus einem Interview mit Pit Budde für den WDR, Köln, 2008)

Felix Kubin's Der Tanz Aller is an energetic, rhythmically charged soundtrack created for the performance of the same title by the experimental arts collective LIGNA. The group specialized in site-specific, participatory works. Der Tanz Aller is based on Rudolf von Laban's radical 1920s concept of 'Bewegungschoere' (movement choirs), collective dances in public space that aimed to reimagine social order through shared movement. Combining minimal electronics, acoustic percussion, and brass, Kubin's compositions reflect both the experimental spirit of Laban and the political charge of mass choreography, inviting listeners to become dancers themselves.

Die dritte LP der australischen Surf-Pop-Band The Terrys ist selbstbetitelt, selbstbewusst und ihr bisher bestes Album. Der Nachfolger der Erfolgsalben "Skate Pop" (2024) und "True Colour" (2022) wird mit der Single "Catalonia Dream" vorgestellt. Produziert und gemischt von ihren langjährigen Kooppartnern Tasker (3%, Chillint, Tia Gostelow), Paddy Cornwall und Taras Hrubyj-Piper, erweitert die Band ihren Horizont und erzeugt mit integrierten, ätherischen Synthesizern einen schwebenden und eindringlichen Soundtrip. Dieser versprüht selbstverständlich den typischen Terrys-Charme und ihr Lebensmotto: Positiv bleiben, einen Tag nach dem anderen nehmen und mit einem Lächeln und idealerweise einem Bier in der Hand zum Horizont blicken.

2LP, schwarzes Vinyl. Erstmals auf Vinyl erhältlich - das 1996er Album der Band. Electric Orange ist eine deutsche Psychedelic- und Krautrock-Band, die 1992 von Keyboarder Dirk Jan Müller gegründet wurde. Mit ihrem hypnotischen Mix aus analogen Synthesizern, spacigen Soundflächen und treibenden Grooves knüpft die Gruppe an die Tradition klassischer Krautrock-Acts der 1970er-Jahre an, bleibt dabei jedoch stets experimentierfreudig und modern. Über die Jahre wurde Electric Orange vor allem für ihre intensiven Live-Improvisationen und atmosphärisch dichten Studioalben bekannt, die von elektronischen Klangexperimenten bis hin zu schweren, rockigen Passagen reichen. Die Band hat sich in der internationalen Psychedelic- und Spacerock-Szene einen festen Platz erarbeitet und gilt heute als einer der spannendsten Vertreter des zeitgenössischen Krautrocks.

Re-issued! 1993 nahmen PROPAGANDHI ihr erstes Album "How to Clean Everything" auf und veröffentlichten es über das damals noch junge Label Fat Wreck Chords. Es versteht sich von selbst, dass das Album nicht nur das Label bekannt machte, sondern vor allem PROPAGANDHI als eine der großen Kräfte in der Punkszene etablierte. "How To Clean Everything" war ein Start nach Maß und lehnte sich noch eher an die Skate-Punk-Tradition an als die folgenden Werke der Band. Trotzdem voller aggressiver Metal/HC-Riffs und jungenhafter, bissiger Texte über Menschenrechte, Gleichberechtigung und radikale linke Politik. Sänger/Gitarrist Chris Hannah erklärt seine Gründefür die Neuauflage (mit einem Hauch seines geliebten sarkastischen Humors): ,Vielleicht liegt es an den Badesalzen, aber ich bin zu der Überzeugung gelangt, dass es wertvoll ist, etwas zu haben, das einen bis zum Tod verfolgt. Ich präsentiere euch "How To Clean Everything". Die 2026 Neuauflage enthält wie die 20th Anniversary Edition das komplette Originalalbum plus die drei Outtakes, die Fat Mike für Fat Wreck seinerzeit für die Vinylveröffentlichung rausgenommen hatte. Natürlich wurde das Album auch von den originalen Analogbändern remastert. Schwarzes und farbiges Vinyl wieder erhältlich.
















[p] SEEMED FUNNY THE FIRST TIME [BONUS TRACK]
[q] NOT TO BE GENDER SPECIFIC, OF COURSE [BONUS TRACK]

Auf dem vierten Album von Chrystia Cabral als SPELLLING verwandelt die Künstlerin aus der Bay Area ihr gefeiertes Avant-Pop-Projekt in einen Spiegel. Cabrals Texte auf „Portrait of My Heart“ befassen sich mit Liebe, Intimität, Angst und Entfremdung und tauschen den allegorischen Ansatz vieler ihrer früheren Werke gegen einen Blick in ihr menschliches Herz. Die thematische Unverblümtheit des Albums spiegelt sich in den Arrangements wider und macht es zum bisher schärfsten und direktesten SPELLLING-Album. Vom düsteren Minimalismus ihrer frühesten Musik über den üppig orchestrierten Prog-Pop von „The Turning Wheel“ aus dem Jahr 2021 bis hin zu diesem neuen energiegeladenen Ausdruck ihres kreativen Geistes hat Cabral immer wieder bewiesen, dass SPELLLING alles sein kann, was sie braucht. Der Titeltrack mit seinem treibenden Drum-Groove und dem hymnischen Refrain von „I don't belong here“ ist die stärkste Verkörperung der Hinwendung des Albums zu emotionaler Direktheit. Sobald sich die Hauptmelodie herauskristallisiert hatte, nutzte Cabral den Song als Werkzeug, um ihre Ängste als Performerin zu verarbeiten, und entschied sich für eine straffere, rockigere Komposition. Diese Transformation spiegelt die allgemeine Verlagerung des Albums in Richtung Energie und Unmittelbarkeit wider, die von der Kernband Wyatt Overson (Gitarre), Patrick Shelley (Schlagzeug) und Giulio Xavier Cetto (Bass) vorangetrieben wird, deren Zusammenarbeit neue Konturen des SPELLLING-Sounds offenbart. Cabral schreibt und demontiert immer noch alleine, aber die Präsentation der Songs für „Portrait of My Heart“ vor ihren Bandkollegen hat ihr geholfen, die späteren lebendigen, organischen Formen zu entdecken. Das gilt auch für die Zusammenarbeit mit einem Produzententrio: Drew Vandenberg, der Tontechniker von „The Turning Wheel“, Rob Bisel, der mit SZA zusammenarbeitet, und Psymun, der Produzent von Yves Tumor. Wichtige Gastbeiträge prägen das Album zusätzlich. Chaz Bear (Toro y Moi) liefert SPELLLINGs erstes Duett auf „Mount Analogue“, Turnstile-Gitarrist Pat McCrory verwandelt Cabrals ursprüngliches Piano-Demo für „Alibi“ in die knackige, rifflastige Version, die auf dem Album zu hören ist, während Braxton Marcellous von Zulu „Drain“ seine schlammige Wucht verleiht. Diese Teile fügen sich nicht nur nahtlos in das Album ein, sie fühlen sich wie ein integraler Bestandteil seines Universums an. Letztendlich ist Portrait of My Heart jedoch niemandes Platte, sondern die von Cabral. Sie zieht furchtlos den Vorhang über Teile ihrer selbst zurück, die sie in SPELLLING noch nie gezeigt hat - ihre Gefühle als Außenseiterin, ihre übermäßig vorsichtige Art, die Art und Weise, wie sie sich rücksichtslos in intime Beziehungen stürzen kann, um sie dann genauso schnell wieder abzubrechen. „Es ist wie ein offenes Tagebuch all dieser Empfindungen“, sagt sie.

Jeder, der mit dem zähneknirschenden, blutigen Punk-Knurren von Kid Kapichi vertraut ist, kennt ihre „Fearless Nature“, daher sollte es auf den ersten Blick keine Überraschung sein, dass das vierte Album der Band aus Hastings diesen Titel trägt. Der erste veröffentlichte Track, „Stainless Steel“, wird von Frontmann Jack Wilson als Brücke zwischen dem alten und dem neuen Kid Kapichi beschrieben. Mit seiner tödlichen, straffen und kraftvollen Effizienz trägt er zwar eindeutig die Handschrift des klassischen Sounds der Band, aber die Reife seiner Sichtweise und der Mut in seiner Verletzlichkeit sind etwas Neues. Das hört man auf dem gesamten Album „Fearless Nature“, das von Momenten der Selbstzweifel durchzogen ist und von einer Band stammt, die nach Jahren an vorderster Front mutig genug geworden ist, die Einschusslöcher in ihrer Rüstung zu zeigen. „Fearless Nature“ ist auch im wahrsten Sinne des Wortes eine Brücke zu einem neuen Kid Kapichi.

Im Mai 2025 gaben Gitarrist Ben Beetham und Schlagzeuger George Macdonald bekannt, dass sie die Band verlassen würden – eine Entscheidung, die sie bereits etwa sechs Monate zuvor intern getroffen hatten. Die Entscheidung fiel einvernehmlich, und „Fearless Nature“ steht an der Schnittstelle zwischen zwei Generationen: Die Songs wurden mit der alten Besetzung geschrieben, aufgenommen und produziert (Co-Produktion: Beetham und Mike Horner), werden nun aber mit der neuen Besetzung auf Tournee gehen. Gitarrist Lee Martin und Schlagzeuger Miles Gill sind beide langjährige Freunde von Wilson und Bassist Eddie Lewis und Veteranen unzähliger hart spielender Bands auf der Live-Szene im Süden Englands.

Die politische Botschaft der Band mag unverändert geblieben sein, aber mit „Fearless Nature”, das ihr Repertoire erweitert, hat sie nun Gesellschaft bekommen. Ihre Entscheidung, emotionale Komplexität in ihre lyrische Perspektive einfließen zu lassen, ist ein großer Schritt nach vorne, und die Vorteile liegen auf der Hand, aus denen alle Kraft schöpfen können.

Für Fans von: Fontaines DC / Gorillaz / Blur / Yard Act / Soft Play / Demob Happy / Queens of The Stone Age

Jeder, der mit dem zähneknirschenden, blutigen Punk-Knurren von Kid Kapichi vertraut ist, kennt ihre „Fearless Nature“, daher sollte es auf den ersten Blick keine Überraschung sein, dass das vierte Album der Band aus Hastings diesen Titel trägt. Der erste veröffentlichte Track, „Stainless Steel“, wird von Frontmann Jack Wilson als Brücke zwischen dem alten und dem neuen Kid Kapichi beschrieben. Mit seiner tödlichen, straffen und kraftvollen Effizienz trägt er zwar eindeutig die Handschrift des klassischen Sounds der Band, aber die Reife seiner Sichtweise und der Mut in seiner Verletzlichkeit sind etwas Neues. Das hört man auf dem gesamten Album „Fearless Nature“, das von Momenten der Selbstzweifel durchzogen ist und von einer Band stammt, die nach Jahren an vorderster Front mutig genug geworden ist, die Einschusslöcher in ihrer Rüstung zu zeigen. „Fearless Nature“ ist auch im wahrsten Sinne des Wortes eine Brücke zu einem neuen Kid Kapichi.

Im Mai 2025 gaben Gitarrist Ben Beetham und Schlagzeuger George Macdonald bekannt, dass sie die Band verlassen würden – eine Entscheidung, die sie bereits etwa sechs Monate zuvor intern getroffen hatten. Die Entscheidung fiel einvernehmlich, und „Fearless Nature“ steht an der Schnittstelle zwischen zwei Generationen: Die Songs wurden mit der alten Besetzung geschrieben, aufgenommen und produziert (Co-Produktion: Beetham und Mike Horner), werden nun aber mit der neuen Besetzung auf Tournee gehen. Gitarrist Lee Martin und Schlagzeuger Miles Gill sind beide langjährige Freunde von Wilson und Bassist Eddie Lewis und Veteranen unzähliger hart spielender Bands auf der Live-Szene im Süden Englands.

Die politische Botschaft der Band mag unverändert geblieben sein, aber mit „Fearless Nature”, das ihr Repertoire erweitert, hat sie nun Gesellschaft bekommen. Ihre Entscheidung, emotionale Komplexität in ihre lyrische Perspektive einfließen zu lassen, ist ein großer Schritt nach vorne, und die Vorteile liegen auf der Hand, aus denen alle Kraft schöpfen können.

Für Fans von: Fontaines DC / Gorillaz / Blur / Yard Act / Soft Play / Demob Happy / Queens of The Stone Age

„Deadline Season“ ist das Debütalbum von Lucy Liebe. Einigen könnte sie bereits als Gründungsmitglied von Bokoya sowie durch Konzerte mit douniah und Gianni Brezzo bekannt sein. Lucy ist Multiinstrumentalistin: Sie spielt Schlagzeug, Keys, Flöte, Trompete, Gitarre und Bass – und singt. Unterstützung erhält Lucy zudem von Sänger*innen AKA Kelzz, Coco Elane, garrrog, Giaa, Laíz und Rosa Landers sowie Trompeter Pachakuti.

Das Album entstand nach Lucys Umzug von Köln nach Berlin. „Ich war neu in der Stadt und wusste, dass ich nicht einfach weitermachen wollte wie zuvor", erinnert sie sich. „Also wurde ich sehr aktiv: habe Leute angeschrieben, Ordner mit Beats verschickt, Kontakte geknüpft. Parallel bewarb ich mich bei verschiedenen queeren Organisationen auf Forschungsstellen – ohne Erfolg. Was aber klappte, war eine Albumförderung. Und ich hatte ohnehin schon viel Material in Arbeit. Die meisten Songs sind während Sessions von Grund auf entstanden, mit Gästen, mit denen ich mich einfach treffen und gemeinsam etwas Neues schaffen wollte."

Musikalisch bewegt sich Deadline Season in viele Richtungen, bleibt dabei aber immer punktgenau und zu 100 Prozent Lucy Liebe. „Ich nenne es gerne Alternative R&B – vielleicht die 2025er-Version von Neo-Soul? Meine Jazz-Einflüsse sind auf jeden Fall noch da."

COLORS OF BACH: Violinistin Eldbjørg Hemsing lässt die Musik von Bach in völlig neuen Klangfarben leuchten Auf ihrem neuen Album COLORS OF BACH lässt Violinistin Eldbjørg Hemsing die ausdrucksstarke Musik von Johann Sebastian Bachs in völlig neuen Arrangements erklingen und eröffnet zeitgenössische Perspektiven auf sein Werk.Vielschichtig, fein nuanciert und mit ungezügelter Spielfreude, schöpft das Album seine Inspiration aus der strukturellen Raffinesse und der expressiven Schönheit von zwanzig ausgewählten Werken. Die renommierten Arrangeure Tim Allhoff, Jan-Peter Klöpfel und Jarkko Riihimäki rücken bekannte Meisterwerke durch buchstäblich neue "Farben", die in Bachs Musik eingeführt werden - durch Klang, Harmonie und Emotion - in neues Licht.Im Zentrum des Projekts steht eine gemeinsame künstlerische Philosophie: Bachs Musik zu erweitern, neu zu denken und zu formen - ohne sie zu verfälschen. Die Arrangeure schöpfen ihre Inspiration aus der positiven und universellen Kraft seiner Themen und Harmonien und bewahren dabei die innere Zuversicht, die Bachs Werk so einzigartig macht.Von der verspielten Brillanz der Partita Variation bis zur tief berührenden Neuinterpretation von Bachs Brandenburgischem Konzert - ikonische Melodien erhalten neue Vitalität, eröffnen emotionale Dimensionen, bewahren aber zugleich größten Respekt vor den originalen Meisterwerken. Die dichte, melodische Gestaltung des Orgelpräludiums in C-Dur geht nahtlos in eine virtuose Fassung für Solovioline und Streichorchester über und schafft ein fesselndes Hörerlebnis. Air nimmt die Eleganz eines italienischen Konzerts an, während das geliebte Erbarme Dich aus der Matthäuspassion als intime instrumentale Ballade neu erstrahlt. Gemeinsam zeigen diese kreativen Arrangements die Wandlungsfähigkeit und Zeitlosigkeit von Bachs Musik - und entfalten ein eindrucksvolles Kaleidoskop musikalischer Farben."Bach ist so ein genialer Komponist", reflektiert Eldbjørg Hemsing, "dass es unendlich viele Möglichkeiten gibt, seine Formen und Strukturen zu betrachten. Jede Melodie, die er geschrieben hat, vereint auf faszinierende Weise technische Präzision und tiefes Gefühl - und genau darin liegt die unerschöpfliche Vielfalt seiner Musik." COLORS OF BACH ist eine Hommage an diese zeitlose Musikalität - eine Einladung an die Hörerinnen und Hörer, Bachs Werke auf spielerische Weise neu zu entdecken. Im Herzen des Albums stehen Freude, Hoffnung und ein Sinn für Leichtigkeit. "Wir wollten dem Publikum die Möglichkeit geben, sich mit diesen bedeutenden Werken der Musikgeschichte neu zu verbinden", sagt Eldbjørg. "Und vielleicht dabei auch ihre ganz persönliche Interpretation zu entdecken."Eines der emotionalsten Arrangements des Albums ist Air. Das Stück, das oft mit Abschied und Trauer in Verbindung gebracht wird, hat für Eldbjørg eine tief persönliche Bedeutung: "Dieses Werk ist eines der wichtigsten, die ich je gespielt habe", erzählt sie. "Es wurde bei der Beerdigung meines Vaters aufgeführt, und ich habe es lange mit dem Schmerz des Verlustes verbunden. Aber so wollte ich ihn nicht in Erinnerung behalten. Musik hat die Kraft, unsere Emotionen zu lenken - und indem ich diesem Stück eine neue Perspektive gebe, kann ich selbst entscheiden, wie ich mich damit verbinden möchte. Genau das ist der Geist dieses Albums."COLORS OF BACH bildet eine Brücke zwischen Vergangenheit und Gegenwart. Mit seinen überraschenden Momenten, facettenreichen Klangbildern und tief empfundenen Arrangements lädt das Album sowohl neue als auch erfahrene Hörerinnen und Hörer ein, die unendlichen Farben in Bachs Musik neu zu entdecken.

[a] a1 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet & Tim Bach Partita Variation (After Violin Partita No. 3 in E Major, BWV 100: I. Preludio) [Arr. for Violin, String Quintet & Piano by Tim Allhoff] 2:18
[b] a2 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet & Tim Ertönt uns durch dein Güte Variation (After Jesus nahm zu sich die Zwölfe, BWV 22, No. 5: Ertöt uns durch dein Güte) [Arr. for Violin, String Quintet & Piano by Jan-Peter Klöpfel] 2:58
[c] a3 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet & Tim Ave Maria Variation (After The Well-Tempered Clavier I: Prelude and Fugue No. 1 in C Major, BWV 846: I. Prelude) [Arr. for Violin, String Quintet and Piano by Tim Allhoff] 2:08
[d] a4 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet & Tim Minuet in G Major Variation (After Notebook for Anna Magdalena Bach, BWV Anh.116, No. 7: Menuet in G Major) [Arr. for Violin, String Quintet & Piano by Jan-Peter Klöpfel] 2:12
[e] a5 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet & Tim Concerto in A Minor Variation (After Violin Concerto No. 1 in A Minor, BWV 1041: II. Andante) [Arr. for Violin, String Quintet & Piano by Jan-Peter Klöpfel] 2:30
[f] a6 Eldbjørg Hemsing & Martynas & Norwegian String Qui Melancholy Variation (After Concerto for Violin & Oboe in C Minor, BWV 1060R: III. Allegro) [Arr. for Violin, Accordion, String Quintet & Piano by Jan-Peter Klöpfel] 3:11
[g] a7 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet & Tim Herz und Mund und Tat und Leben Variation (After Herz und Mund und Tat und Leben, BWV 147: VI. Wohl mir, daß ich Jesum habe) [Arr. for Violin, String Quintet & Piano by Jan-Peter Klöpfel] 2:42
[h] a8 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet Air Variation (After Orchestral Suite No. 3, BWV 1068: II. Air) [Arr. for Violin & String Quintet by Tim Allhoff] 2:37
[i] a9 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet & Tim Bach Brandenburg Concerto Revisited (After Brandenburg Concerto No.1 in F Major, BWV 1046: I. Allegro) [Arr. for Violin, String Quintet & Piano by Jarkko Riihimäki] 2:11

[k] b2 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet & Tim Aria Goldberg Variation (After Goldberg Variations, BVW 988: Aria) [Arr. for Violin, String Quintet & Piano by Tim Allhoff] 1:48
[l] b3 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet & Tim Prelude in C Major Variation (After Prelude and Fugue in C Major, BWV 553: I. Prelude) [Arr. for Violin, String Quintet & Piano by Tim Allhoff] 1:57
[m] b4 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet & Tim Es ist gewisslich an der Zeit Variation (After Nun freut euch, lieben Christen gmein, BWV 734) [Arr. for Violin, String Quintet & Piano by Jarkko Riihimäki] 1:27
[n] b5 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet Invention in F Major Variation (After Invention in F Major, BWV 779) [Arr. for Violin & String Quintet by Jan-Peter Klöpfel] 1:57
[o] b6 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet Organ Sonata Variation (After Organ Sonata No. 4 in E Minor, BWV 528: II. Andante) [Arr. for Violin & String Quintet by Tim Allhoff] 2:42
[p] b7 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet Befiehl du deine Wege Variation (After Matthäuspassion, BWV 244, No. 53: Befiehl du deine Wege) [Arr. for Violin & String Quintet by Tim Allhoff] 1:33
[q] b8 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet & Tim Erbarme dich, mein Gott Variation (After Matthäuspassion, BWV 244, No. 47: Erbarme dich, mein Gott) [Arr. for Violin, String Quintet & Piano by Tim Allhoff] 2:08
[r] b9 Eldbjørg Hemsing & Louisa Tuck & Tim Allhoff Ich ruf zu dir, Herr Jesu Christ Variation (After Ich ruf zu dir, Herr Jesu Christ, BWV 639) [Arr. for Violin, Cello & Piano by Tim Allhoff] 2:39
[s] b10 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet Concerto in D Minor Variation (After Concerto in D Minor, BWV 974: III. Presto) [Arr. for Violin & String Quintet by Jan-Peter Klöpfel] 2:06
[t] b11 Eldbjørg Hemsing & Norwegian String Quintet Choral Aria Variation (After Widerstehe doch der Sünde, BWV 54: I. Aria) [Arr. for Violin & String Quintet by Tim Allhoff] 3:37

Schwarze Vinyl LP Edition. Inklusive 7’’ Vinyl mit unveröffentlichten Bonus Tracks.

10-Jahre-Jubiläums-Reissue von Twit Ones wegweisendem Album „The Sit-In“ aus dem Jahr 2015. Von vielen Twit-Aficionados als eines seiner besten Werke gefeiert, unterschied sich „The Sit-In“ bei seinem Erscheinen deutlich von seinen vorherigen Alben – und Twits Musik war noch nie leicht vorhersehbar. „The Sit-In“ war die erste Twit-Platte, zu der man Räucherstäbchen anzünden kann, und auch zehn Jahre später hat sie nichts von ihrem Zauber verloren. Mit Sängerin May sowie den Poeten PB Louison und Imam Ally-Salaam. Artwork von Van Lagerstein und Robert Winter. Das 10-Jahres-Jubiläums-Reissue enthält außerdem eine Bonus 7"" mit vier neuen Tracks.

Sir Colin Davis wählte die Musik von Sibelius, um eines seiner Konzerte als erster Gastdirigent des BSO im
Oktober 1972 zu eröffnen. Es war ein entscheidender Moment: Davis hatte die Bostoner Sibelius-Tradition
wiederbelebt. Dieses Album mit den Sinfonien Nr. 5 und 7 war sowohl die erste Veröffentlichung des
mittlerweile legendären Davis/Boston-Sibelius-Zyklus als auch eine der letzten Quadrophonie-Aufnahmen
bei Philips. „Niemand, der Colin Davis’ Zyklus der Sibelius-Sinfonien hört, wird daran zweifeln, dass er ein
geborener Sibelius-Interpret ist.“ – Gramophone Magazin
Erstmals als Doppel-LP konnte der Klang des Albums weiter verbessert und außerdem ”Tapiola” von
Sibelius inkludiert werden.
Die vollständig analoge Vinyl-Serie DECCA PURE ANALOGUE punktet mit einigen der legendärsten Aufnahmen aus den Archiven von Decca & Philips. Die Serie wird von Rainer Maillard gemastert und von
Sidney C. Meyer in den renommierten Emil Berliner Studios geschnitten, bei Pallas auf 180-Gramm-Vinyl
gepresst und in luxuriösen Gatefolds in handnummerierten, limitierten Auflagen präsentiert.
Es werden ausschließlich originale analoge Quellen verwendet, in diesem Fall vierspurige QuadrophonieBänder.
Jedes Album enthält das Original-Artwork und die Original-Liner Notes, Archivfotos und Faksimiles der
Original-Aufnahmeprotokolle sowie neu verfasste Anmerkungen, die die Geschichte der Aufnahme, den
technischen Hintergrund und den Mastering-Prozess detailliert beschreiben

Das Neujahrskonzert 1979 in Wien war sowohl musikalisch als auch technisch ein Höhepunkt. Es war sowohl
das Ende einer goldenen Ära für Willi Boskovsky, längjähriger Konzertmeister der Wiener Philharmoniker
und Dirigent sensationeller Neujahrskonzerte, als auch der Beginn eines neuen Zeitalters in der Aufnahmetechnik. Lange Zeit als erste digital aufgenommene Veröffentlichung von Decca gefeiert, hat die jüngste
Recherche eine Reihe von analogen Sicherheitsmastern zutage gefördert, die fast ein halbes Jahrhundert
lang unberührt in den Archiven der Decca schlummerten – bis heute. „Dies ist eine sensationelle Veröffentlichung.“ – Gramophone Magazin
Deccas vollständig analoge Vinyl-Serie DECCA PURE ANALOGUE punktet mit legendären Aufnahmen
aus den Archiven von Decca und Philips. Die Serie wurde von Rainer Maillard gemastert und von Sidney
C. Meyer in den renommierten Emil Berliner Studios geschnitten, bei Pallas auf 180-Gramm-Vinyl gepresst
und in luxuriösen Gatefolds in handnummerierten, limitierten Auflagen präsentiert.
Es werden ausschließlich originale analoge Quellen verwendet – in diesem Fall erstmals analoge Master
früher digitaler Aufnahmen – und es kommen keine zusätzlichen Geräte im Signalweg zum Einsatz.
Jedes Album enthält das Original-Artwork und die Original-Liner Notes, Archivfotos und Faksimiles der
Original-Aufnahmeprotokolle sowie neue Anmerkungen, die die Geschichte der Aufnahme, den technischen
Hintergrund und den Mastering-Prozess detailliert beschreiben

Das dritte Album von Jana Horn wurde in New York geschrieben und in der Wüste von Texas aufgenommen. Horn begab sich mit Jade Guterman (Bass) und Adam Jones (Schlagzeug) ins Sonic Ranch Studio, um ihr selbstbetiteltes Album aufzunehmen, das aus zehn Klanglandschaften besteht, die nicht wirklich so klingen, als kämen sie von irgendwoher. Frühere Vergleiche mit Yo La Tengo und Phil Elverum sind nach wie vor zutreffend für ,Love" und ,All in bet", während sparsame Post-Punk-Rhythmen ,Designer" und ,Don't Think" prägen. Im Jahr 2023 schrieb The New Yorker: ,Horns Werk reiht sich in eine Gemeinschaft der Einsamen ein, die Genregrenzen überschreitet: Spuren von Young Marble Giants, Syd Barrett und Broadcast schweben durch ihre Songs."

Sassy 009 ist das wandelbare Projekt der in Oslo ansässigen Produzentin, Songwriterin und Sängerin Sunniva Lindgård. Dreamer+ ist ein Album, das Lindgård seit Jahren in Gedanken mit sich trägt: ein konzeptgetriebenes Werk, zusammengesetzt aus fast vier Jahren Studioarbeit – und ein ambitionierter Versuch, die volle Kontrolle über ihre Kunst auszuüben.
Gelenkt von frisch verzerrten Vocals und Elementen aus Grunge, Shoegaze, 90er-Beatronica und schimmerndem Hyperpop ist das Album zugleich ein Protokoll der Selbstentdeckung und Selbstaufgabe, durchzogen von Gastbeiträgen von Blood Orange, BEA1991 und Yunè Pinku.
Dreamer+ ist im Kern ein fiktionales Werk, ein düsteres Märchen, in dem Träume und Emotionen durch eine Landschaft von Gestaltwandlerfiguren, dunklen Kräften und moralischen Verantwortungen verarbeitet werden. Auf eine Mission in eine verlassene Stadt geschickt, wird Lindgård zur eigenen Hauptfigur, hineingestoßen in eine „magische, aber verzerrte traumähnliche Welt“ nach einer fatalen Begegnung: „Ihre Liebe zu Jakov ist absurd eng mit seinem Sterben verwoben; kein Weg könnte sie davon fortführen."

Vier Jahrzehnte nach ihrer Gründung schreiben Ian Astbury und Billy Duffy ein neues Kapitel in der Geschichte von The Cult. Gemeinsam mit John Tempesta (Bass) und Charlie Jones (Schlagzeug) ließen sie 2023 ihre legendäre Frühphase Death Cult für eine exklusive Konzertreihe wieder aufleben - eine Hommage an die Ursprünge einer der einflussreichsten britischen Rockbands der 1980er-Jahre. Das Ergebnis dieser intensiven Rückkehr erscheint am 16. Januar 2026 unter dem Titel "PARADISE LIVE" - ein 16 Songs starkes Live-Album, aufgenommen am 18. November 2023 in der ehrwürdigen Albert Hall in Duffys Heimatstadt Manchester. "PARADISE LIVE" erscheint als Doppel-LP im exklusiven "Black on White"-Splatter-Design, auf CD sowie digital. Das edle Artwork zeigt ein schwarz auf schwarz geprägtes Schmetterlingsmotiv - entworfen von Ian Astbury und kunstvoll neu interpretiert von Carter O"Sullivan (Beggars Art Department). Die Black-Splatter-Edition ist ausschließlich über den Band-Webshop erhältlich, während die White-Splatter-Edition im regulären Handel erscheint. Der Weg von The Cult begann 1981 mit Southern Death Cult, deren gleichnamiges Album posthum 1983 erschien. Noch im selben Jahr gründeten Astbury und Duffy Death Cult - der Beginn einer kreativen Partnerschaft, die seit über 40 Jahren Bestand hat. Bereits 1984 entwickelte sich daraus The Cult, die im selben Jahr ihr gefeiertes Debüt "Dreamtime" veröffentlichten. Mit "PARADISE LIVE" schließen Astbury und Duffy den Kreis - ein intensives, authentisches Live-Dokument, das Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft einer außergewöhnlichen Band miteinander verbindet.

Die Jimi Barbiani Band ist das aktuelle Projekt des italienischen Blues-Rock-Slide-Gitarristen Jimi Barbiani, der zu den besten seines Fachs in Europa zählt. Sein Stil ist geprägt von den Einflüssen Jimi Hendrix", Joe Bonamassa, Jeff Beck, Free und Gov"t Mule. Die einzigartige Soundmischung der Band entsteht in der Wechselwirkung der unterschiedlichen Persönlichkeiten ihrer Mitglieder. Eine treibende Rhythmus-Sektion legt den Teppich für das fulminante und beeindruckende Gitarrenspiel des Maestros. Die drei Alben der Band ("Back On The Tracks", "Blue Side" und "Boogie Down The Road - Live!") verkauften sich nicht nur in seiner Heimat sehr gut, sondern fanden auch in den USA ihre Liebhaber. Videos von Jimi Barbiani erreichen mitunter Klickzahlen von über 500.000 Views. Bevor es im Winter/Frühjahr 2026 wieder auf Tournee durch Europa geht - es stehen auch einige Festivals an - erscheint mit "Still In Love" der neue Longplayer auf CD, Vinyl und natürlich digital. Kernstück des Albums ist die fast achtminütige Version von Prince" "Purple Rain". Hier zieht Barbiani alle Register - das Genie aus Minnesota hätte seine Freude daran gehabt. Der JBB beherrscht aber auch durchaus leisere und sanftere Töne, wie der verträumte akustische Instrumentaltrack "Little Martha" zeigt. Das anfänglich leicht schleppende "Spend Me Your Light" hingegen versprüht reichlich Southern-Feeling, während bei "We Must Dream" dem Boogie gehuldigt wird - irgendwo zwischen Canned Heat und ZZ Top. Wer auf bodenständigen, eingängigen Bluesrock steht, ist hier richtig.

Barry Adamsons Original-Soundtrack versetzt uns in die Unterwelt des nächtlichen Londons – ein lebhafter Soundtrack zum Underground-Kino und zur kulturellen Rebellion.



Barry Adamson, Gründungsmitglied von Magazine und Nick Cave and the Bad Seeds sowie gefeierter Solokünstler und Komponist, kehrt mit dem Soundtrack zu „SCALA!!!“ zurück, dem vielgelobten Dokumentarfilm über die Geschichte des berüchtigtsten Independent-Kinos Londons. Adamson, bekannt für seine Filmarbeiten, darunter Kooperationen mit David Lynch, bringt seine charakteristische Mischung aus Noir, Jazz, Funk und Atmosphäre in eine Filmmusik ein, die ebenso bewegend ist wie das Scala selbst.



Das Album fängt den Geist des Kinos ein: lange Nächte, klebrige Böden, schäbige Underground-Vorführungen und die berauschende Welt subversiver Kunst. In den 22 Titeln zaubert Adamson Stimmungen, die von grüblerisch und cineastisch bis verspielt und chaotisch reichen und die wilde Programmgestaltung und kulturelle Rebellion widerspiegeln, für die das Scala stand.



Der Film unter der Regie von Jane Giles und Ali Catterall erzählt die Geschichte des legendären Repertoirekinos King's Cross (1978–1993). Mit Interviews mit Mitarbeitern, Stammgästen und Ikonen wie John Waters, Mark Moore, Mary Harron, Isaac Julien und Ben Wheatley sowie seltenem Archivmaterial feiert er einen Ort, der zu einem Schmelztiegel für Gegenkultur, Sexploitation, Horror, Kung-Fu, LGBTQ+-Kino, Live-Musik und Kult-Doppelvorstellungen wurde.




Barry Adamson’s original score plunges us into the underworld of late-night London - a vivid soundtrack to underground cinema and cultural rebellion, available on vinyl and CD via Mute.



Barry Adamson, original member of Magazine and Nick Cave and the Bad Seeds, and a celebrated solo artist and composer, returns with the soundtrack to SCALA!!!, the acclaimed documentary chronicling the history of London’s most infamous independent cinema. Known for his film work, including collaborations with David Lynch, Adamson brings his trademark blend of noir, jazz, funk and atmosphere to a score that’s as evocative as the Scala itself.



The album captures the cinema’s spirit: late nights, sticky floors, sleazy underground screenings, and the intoxicating world of subversive art. Across its 22 tracks, Adamson conjures moods that shift from brooding and cinematic to playful and chaotic, echoing the wild programming and cultural rebellion the Scala embodied.



The film, directed by Jane Giles and Ali Catterall, tells the story of the legendary King’s Cross repertory cinema (1978–1993). Featuring interviews with staff, regulars and icons including John Waters, Mark Moore, Mary Harron, Isaac Julien and Ben Wheatley, alongside rare archival footage it celebrates a venue that became a crucible for counterculture, sexploitation, horror, kung-fu, LGBTQ+ cinema, live music, and cult double bills.

Das zweite Album von Spiritbox, Tsunami Sea, baut auf dem überaus erfolgreichen Debütalbum der Band
aus dem Jahr 2021 „Eternal Blue“ auf, das die Charts anführte und die Jahresendlisten der Kritiker dominierte, sowie auf der EP „Fear of Fear“ aus dem Jahr 2023, die der Band zwei aufeinanderfolgende
Grammy-Nominierungen einbrachte. Das von Mike Stringer und Dan Braunstein von Spiritbox koproduzierte Album zeichnet sich durch den typischen, gefühlsbetonten Sound der Band aus, der in den Singles
„Soft Spine“ und „Perfect Soul“ zu neuen Höhen der Intensität und Musikalität geführt wird.

Als Sir Georg Solti im Herbst 1969 sein Amt als Musikdirektor antrat, verglich er die Stadt Chicago und
ihr berühmtes Orchester einmal mit dem „Dornröschen“-Schlaf. Doch fünf Jahre später war es ein anderes
Ballett – Strawinskys „Le Sacre du Printemps“ –, das zeigte, wie explosiv diese neue Beziehung geworden
war, in einer Aufnahme, die auch ein halbes Jahrhundert nach ihrer Entstehung noch immer aus den Lautsprechern dröhnt. „Glamourös und kraftvoll.“ – Gramophone
Deccas vollständig analoge Vinyl-Serie DECCA PURE ANALOGUE punktet mit einigen der legendärsten
Aufnahmen aus den Archiven von Decca und Philips. Die Serie wurde von Rainer Maillard gemastert und
von Sidney C. Meyer in den renommierten Emil Berliner Studios geschnitten, bei Pallas auf 180-gr.-Vinyl
gepresst und in luxuriösen Gatefolds in handnummerierten, limitierten Auflagen präsentiert.
Es werden ausschließlich originale analoge Quellen verwendet – in diesem Fall 2-Track Stereo-Bänder–
und es kommen keine zusätzlichen Geräte im Signalweg zum Einsatz, d. h. es findet keinerlei digitale
Klangbearbeitung statt.
Die LP wurde für 45RPM gemastert, um einen besseren Hochtonbereich zu erzielen und die ganze „Wucht
und Klarheit“ der Originalaufnahme wiederzugeben.
Jedes Album enthält das Original-Artwork und Original-Liner Notes, Archivfotos und Faksimiles der OriginalAufnahmeprotokolle sowie neu verfasste Anmerkungen, die die Geschichte der Aufnahme, den technischen
Hintergrund und den Mastering-Prozess beschreiben.

Oracle, 1993 aufgenommen und ursprünglich 1994 veröffentlicht, dokumentiert das erste Duo-Aufeinandertreffen
zweier ECM-Legenden: des Kontrabassisten Gary Peacock und Ralph Towner an klassischer und zwölfsaitiger Gitarre (eine weitere Session folgte 1998 mit A Closer View). Wie das Magazin Gramophone damals
feststellte, erzeugen Peacock und Towner auf dem Album eine „intellektuelle Intensität“, die „verführerisch
schön anzuhören“ sei. Bei der Auseinandersetzung mit den eigenen Stücken entfaltet das Duo ein nachdenkliches Zusammenspiel, das komponiertes Material und abenteuerliche Improvisation nahtlos verbindet
und so eindrucksvolle kammermusikalische Dialoge schafft, die die besonderen Klangqualitäten ihrer Saiteninstrumente hervorheben. Das Album wurde von Manfred Eicher produziert. Nun erstmalig auf Vinyl im
Rahmen der Luminessence-Serie von ECM veröffentlicht, erscheint Oracle im Tip-On-Gatefold-Cover mit
Fotos der Aufnahmesession.
Das zauberhafte, nachdenkliche „Oracle“ vermittelt die Vertrautheit und Empathie von Partnern, die seit
Jahren zusammenarbeiten – Leichtigkeit, Feinheit und Sensibilität durchdringen die Session. „Oracle“
besticht mit Wärme und Melodik. – Downbeat, 1994

Selbst in einer Karriere voller krasser Wendungen war ,Joggers & Smoggers" (1989) echt überraschend. Während ,Aural Guerilla" (1988) ein Versuch war, die verrückte Live-Energie der Band im Studio einzufangen, was echt gut geklappt hat, war der Nachfolger ,Joggers & Smoggers" ein Versuch, fast alle Grenzen zu ignorieren. Diese 34 Songs strotzen vor grenzenlosem Eklektizismus und verbinden die legendäre Intensität der Band mit spielerischen Umwegen, literarischen Erfindungen und Referenzen sowie erfolgreichen Kollaborationen (von den Noise-Rockern Thurston Moore und Lee Ranaldo bis hin zu den in Amsterdam ansässigen Improvisatoren Ab Baars und Wolter Wierbos und einer Reihe bereits bekannter Freunde und Verbündeter). Das Ergebnis ist nicht mehr eine streng ausgeführte Reihe von Songs, sondern ein großzügiger Ausbruch von Kreativität. Auf diesem Doppelalbum kombiniert The Ex Unruhe, Verspieltheit, ethnische Einflüsse und improvisatorische Ideen, wie sie bereits auf Veröffentlichungen wie ,Dignity Of Labour" (1983) und ,Blueprints For a Blackout" (1984) angedeutet wurden. Das Ergebnis ist ihr bis dahin umfangreichstes und einzigartigstes Album, vielleicht eine ihrer wirklich ,wichtigsten Veröffentlichungen", die die Grundlage für ihre bevorstehende Zusammenarbeit mit Tom Cora bildete.

Graues Vinyl, limitiert auf 200 Exemplare. Huntdown ist eine Hardcore-Band aus Paris, gegründet im Jahr 2022. Die Mitglieder sind erfahrene Musiker der französischen Szene und bringen Einflüsse von Metallic Hardcore bis Thrash ein. Ihr Sound ist roh, direkt und kompromisslos - Hardcore ohne Schnörkel. 2023 erschien das Demo First Strike, kurz darauf folgte die EP Chasing Demons, aufgenommen im UFO Studio und gemastert von Chris "Zeuss" Harris. Mit wuchtigen Riffs, Breakdowns und intensiver Live-Energie verkörpert Huntdown die Kraft des Hardcore in seiner reinsten Form.

„Weihnachten ist wirklich die schönste Zeit des Jahres“! „Im Laufe der Jahre habe ich viele originelle Weihnachtslieder geschrieben und ich hatte das Gefühl, dass es jetzt an der Zeit ist, die besten davon auf einem Album zu bündeln. Und hier ist es: Ein wundervolles Weihnachtsalbum mit einer Vielzahl von Liedern, von denen jedes ein wesentliches Element der Weihnachtsstimmung enthält, jetzt in einer Deluxe-Edition. 15 Songs, die ich sorgfältig ausgewählt habe. Ich habe 9 der 11 Originale mit den Amerikanern Jeff Franzel und Maria Christensen geschrieben und die anderen 2 Originalsongs mit den niederländischen Songwritern Simon Gitsels und Karel Schepers. Die Cover auf diesem Album sind Songs, die ich so sehr liebe, dass ich ihnen meine eigene Note geben und ihnen einen Platz auf dem Album geben wollte.“ Vier erfolgreiche Studioalben, mehreren Theatertourneen in den Niederlanden und erste internationale Shows, die allesamt ausverkauft waren. Es folgten bereits zahlreiche Auszeichnungen, darunter eine Goldene Schallplatte und bereits zweimal der renommierte Edison Jazz Award (der Holländische Grammy). Keine alltägliche Errungenschaft im Jazzbereich oder wie „Crooner“ Dennis es lieber nennt, im Swing, einem Stil, der für ihn unvergleichlich ist.

"Control" dokumentiert eine Phase, in der Conrad Schnitzler neue elektronische Technologien testete - inspiriert durch seine Verbindung zu Peter Baumann (Tangerine Dream). Das Album wirkt wie eine Kompilation verschiedener musikalischer Ansätze: Von klassischen Schnitzler-Stücken mit perlenden Klangkaskaden bis zu überraschenden Momenten, in denen er traditionelle Harmonik streift. Die Stücke sind kurz, skizzenhaft, aber präzise - ein akustisches Tagebuch seiner künstlerischen Rastlosigkeit. Die Original-LP von 1981 verzichtete auf Kennrillen, die Tracks fließen ineinander. Auch hier bleibt Schnitzler seinem Prinzip treu: Musik als Bewegung, als Momentaufnahme, als Experiment. "Control" ist eine starke Dosis seines kreativen Elixiers - und ein weiterer Schritt auf dem Weg zum "gesamten Schnitzler".

Maxi Pongratz ist ein außergewöhnlicher Musiker und Künstler, der mit seinem einzigartigen Akkordeon-Stil und seinen hintersinnigen Texten die deutschsprachige Musikszene bereichert. Bekannt wurde er als Mitglied der Band "Kofelgschroa", mit der er drei Alben veröffentlichte, die von Micha Acher ("The Notwist") produziert wurden. Sein musikalischer Weg war keineswegs vorgezeichnet: Ursprünglich gelernter Gärtner, hat er unter anderem Apfelstrudel im Hofbräuhaus gebacken und die Ski-Abfahrt "Kandahar" für den Weltcup präpariert. Doch seine Leidenschaft für Musik führte ihn von Wirtshäusern auf die Bühnen der Kleinkunstszene. Mit seinem vierten Solo-Album "rum&num" widmet sich Maxi Pongratz den großen Fragen des Lebens: Was bedeutet Heimat? Wie viel Ordnung braucht das Leben? Seine Musik bewegt sich zwischen Tradition und Rebellion, Wirtshausmusik und Dadaismus, Poesie und Klang. Er ist ein Grenzgänger, der mit neugierigem Blick und offenen Ohren die Welt erkundet und dabei die deutschsprachige Musikszene mit seiner Authentizität und Kreativität prägt.

Naked Lunch - Songs for the Exhausted (Reissue) 2004 markierte für Naked Lunch einen radikalen Neuanfang. Nach dem kometenhaften Aufstieg in den 90ern, geplatzten Major-Deals und finanziellen Katastrophen stand die österreichische Band vor dem Aus. Doch statt aufzugeben, zog sich das Quartett mit Produzent Olaf Opal (u.a. The Notwist) in ein Studio zurück und schuf über drei Jahre hinweg ein Werk, das als "nicht für möglich gehaltenes Meisterwerk" (Der Standard) gilt. Songs for the Exhausted ist kein leichtes Album: dunkel, intensiv, sperrig - und dennoch tröstend. Es erzählt von Müdigkeit und Wiedergeburt, von kompromissloser Kunst fernab des Pop-Business. 22 Jahre später erscheint dieses Kultalbum erstmals als Vinyl-Reissue bei Tapete Records - ein Muss für Liebhaber anspruchsvoller Indie-Musik.

Mit „Angel’s Share“ veröffentlichen Nathan Evans und SAINT PHNX ihr gemeinsames Debütalbum und
liefern eine Platte voller Emotionen, Energie und dem unverkennbaren Geist ihrer schottischen Herkunft. Ein
Album, entstanden aus Freundschaft, nächtelangen Gesprächen und den besonderen Momenten im Leben,
die uns für immer verbinden. „Angels Share“ vereint die warme Klangwelt des Folk mit mitreißenden,
stadionreifen Hooks und ehrlichem, handgemachten Songwriting. Es ist eine Reise entlang von Küsten,
durch Erinnerungen und unzerbrechliche Verbindungen. Es ist ein Album für gemeinsame Momente, stille
Nächte und all das, was dazwischen liegt. Das Album ist jetzt als CD und Vinyl erhältlich.

Das 4. Album einer der angesagtesten deutschen Black Metal-Bands wird nun endlich neu veröffentlicht. Für viele Jahre war das Album nicht erhältlich und so zahlten Sammler in den letzten Jahren unfassbar viel Geld für das Werk.

Das Artwork wurde von Benjamin Borucki / Irrleuchten in Zusammenarbeit mit der Band neu gestaltet und bietet zusätzlich zum hörbaren Genuss auch eine dem Konzept der Songs angepasste visuelle Aufmachung. Der Fan hat lange gewartet! Geben wir ihm, was er haben will!

Das 4. Album einer der angesagtesten deutschen Black Metal-Bands wird nun endlich neu veröffentlicht. Für viele Jahre war das Album nicht erhältlich und so zahlten Sammler in den letzten Jahren unfassbar viel Geld für das Werk.

Das Artwork wurde von Benjamin Borucki / Irrleuchten in Zusammenarbeit mit der Band neu gestaltet und bietet zusätzlich zum hörbaren Genuss auch eine dem Konzept der Songs angepasste visuelle Aufmachung. Der Fan hat lange gewartet! Geben wir ihm, was er haben will!