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Magisch wie immer, aber besser denn je präsentiert sich die international renommierte und vielseitige Künstlerin auch optisch im neuen Look: Der Jazzsängerin und Komponistin Simone Kopmajer gelingt es mit ihrem neuen CHRISTMAS ALBUM einmal mehr, bekannten Klassikern wie "Let It Snow" oder "Süßer die Glocken nie klingen" u.v.m. mit ihrer ausdrucksstarken und zugleich einfühlsamen Stimme einen modernen Twist zu verleihen – ohne dabei das Traditionelle und Ursprüngliche zu vernachlässigen. Die bei Fans so beliebte Verschmelzung von Jazz und Volksmusik erlebt in den unterschiedlichen Arrangements eine neue musikalische Ebene. Nicht zuletzt auch durch die erstmalige Zusammenarbeit mit einem österreichischen Kinderchor oder ihre ganz individuelle Interpretation des Erzherzog-Johann-Jodlers mit Herbert Pixner.

The Numero Group guide to private issue new age. Featuring Laraaji, Iasos, Joanna Brouk, Don Slepian, Peter Davison, Master Wilburn Burchette, Jordan De La Sierra, David Casper, Robert Slap and 9 other pioneers of the Perrier underground. Adorned with Marcus Uzilevsky's Linear Landscapes, this 2xLP compilation is housed in a sturdy tip-on jacket and is accompanied by a 32-page booklet. The fourth world awaits.

The Numero Group guide to private issue new age. Featuring Laraaji, Iasos, Joanna Brouk, Don Slepian, Peter Davison, Master Wilburn Burchette, Jordan De La Sierra, David Casper, Robert Slap and 9 other pioneers of the Perrier underground. Adorned with Marcus Uzilevsky's Linear Landscapes, this 2xLP compilation is housed in a sturdy tip-on jacket and is accompanied by a 32-page booklet. The fourth world awaits.

Lara Sarkissian’s long-awaited debut full-length, ‘Remnants’ is an ornate patchwork of ancient and modern sonic shapes that uses the vernacular of electronic music to reformulate Armenian traditions and memories. Taking digitally modeled instruments (such as the kanun, a large zither, and the duduk, an ancient double reed woodwind instrument), vocals, davul and dhol drums, tenor saxophone (from acclaimed Paris-based player Adrien Soleiman) and myriad electronic elements and techniques, Sarkissian tangles the old and the new, creating an immersive, narrative-driven experience that’s powered by history, mythology and her own familial connection to the West Asian landscape. It’s an album that’s best absorbed like a film; only multiple encounters can reveal its layered themes and references to industrial music, noise, various club styles, ambient and traditional folk.

Born and raised in San Francisco and currently based in Los Angeles, Sarkissian has developed her unique approach to composition over years of relentless experimentation across various disciplines. Her interest in music production initially stemmed from her filmmaking and video editing work, when she began to sculpt her own sound collages and scores to accompany the visuals. Since then, she’s constantly blurred the boundary between dance and experimental music, DJing around the world, producing AV installations and scoring film and video projects that have been exhibited in Berlin’s Gropius Bau, Montréal’s Musée d’art contemporain, the Music Center Los Angeles and other prestigious institutions, and releasing music with labels such as Tresor, Knekelhuis, All Centre, Silva Electronics and CLUB CHAI, the label and event series she co-founded. In recent years, she’s also been able to advance the theory behind her art, publishing a conversation with ethnomusicologist Sylvia Alajaji in the Journal of the Society of Armenian Studies in 2021, and unveiling her methodology in Norient’s ‘This Track Contains Politics – The Culture of Sampling in Experimental Electronica’ a year later.

‘Remnants’ is a new stage in Sarkissian’s evolution as an artist; not only is it her first proper album, but it’s the inaugural release on her new platform btwn Earth+Sky. She sees the label as a place to encourage collaborations between musicians and producers and prioritize sound in visual arts realms, and ‘Remnants’ is the ideal proof of concept. It opens with ‘Heaven, or Paradise; and Hell’, a track that’s inspired by the layout of the Armenian sharakan (or hymn) ‘Aravot Luso’. Sarkissian imagines the original piece’s harmonies and melodies as parts of a dreamy electronic opera, using digital kanun sounds to punctuate her woozy, evocative synths. Soleimen joins on tenor sax in the third act, while Sarkissian repeats the chant and Jace Akira adds ghostly traces of electric guitar and bass. And on the rousing ‘Our Dead Can’t Rest (Old Jugha Flute Dance)’, Sarkissian chops urgent davul and dhol drum rhythms with spine-chilling shvi woodwind sounds lifted from a documentary about Old Jugha. The title is a reference to the moving of graves by Armenian families; the area initially housed over 10,000 elaborately carved khachkars (cross stones), one of which is pictured on the album’s cover, provided by historian Argam Aivazian’s archive.

On ‘Miracle’, Sarkissian samples atmospheres from the post-Soviet Armenian comedy film ‘Կիսանդրի’ (Kisandri). She takes this opportunity to lighten the mood a little, powdering her smudged samples with tightly edited breaks and bass thumps. It’s not until the album’s middle section that the duduk, perhaps Armenia’s best-known instrument, makes its appearance. Its familiar reedy tones, popularized by Djivan Gasparyan on his many Hollywood soundtrack appearances, emerge on ‘Unraveling (Interlude)’, weaving through the acidic ‘Zephyr’ and ‘Far from the eye far from the Heart’, a post-punk inspired stomper. Sarkissian mutates the instrument almost beyond recognition, pitching and layering it into a voice-like wail that creeps between her woody, dancefloor-primed percussion on the former, and turning it into a gentle, ghostly moan on the latter. And she brings ‘Remnants’ to a close with two of her most cryptic tracks, marrying digital kanun strings with Soleiman’s resonant tenor hums on ‘What Solace Can I Give’, and looping the same saxophone sounds until they dissolve into the air on the beatless closer ‘…nothing matters more than touching you although i haven’t touched you yet’.

It’s an album that ties up Sarkissian’s various interests and experiences, finding a romantic, poetic glimmer of light in history’s darkness. But most of all, ‘Remnants’ is about the optimism of starting anew, and rebuilding a life from the pieces of everything that’s been left behind.

Neue Farbe des 2019 Album in GOLD / BONE MERGE Vinyl!

NOTON is pleased to announce the release of Xerrox Vol. 5, the final installment of Alva Noto’s Xerrox series.

For anyone who has been following the series since its inception in 2007, the concept of Xerrox no longer requires introduction. Originally, it aimed to create copies of images—both visual and acoustic—that are more memorable than the originals. The exploration of the relationship between the original and the copy, along with the invention of the copier, not only inspired the series name but also informed its underlying concept. In 2024, this series comes to an end, marking the culmination of a journey that began with the first recording in 2005/2006. Over nearly two decades, the five albums in this series have accompanied the artist's evolving perspective and conceptual approach.

Initially characterized by rawness and a conceptual focus on seeking resolution in white noise, the later works engage with themes of dissolution while shifting their emphasis toward acoustic particles. The copying process is now less visible through software manipulation; rather, it unfolds as the artist describes melodic and acoustic images that are then manipulated, copied, and transformed into new patterns during composition.

Nicolai describes this evolution as a journey encompassing buildup, exploration, and resolution, drawing parallels to the Odyssey and the stories of Jules Verne, particularly those featuring Captain Nemo.

The conclusion of this album holds a sense of finality for the artist. “I aimed to create a whole cycle of tracks that frame both the beginning and the end,” Nicolai explains. “The motif of the journey continues, but this time, the story reaches a dissolution through a conceptual object that embarks on its own journey into infinity. The word “dissolution” (“Auflösung” in German) is a wonderful concept. On one hand, you can solve a riddle, on the other hand, a pill can completely dissolve in water. Here, I am deliberately describing the process of dissolution.”
In crafting Volume 5, Nicolai has evolved his compositional process, eschewing samples in favor of original melodies. “This album probably took the longest to complete,” he reveals. “I first created melodic sketches, which became the foundation for the pieces. These recordings are created entirely from scratch. Based on these sketches, I constructed the process of copying, manipulating, and reshaping.”

Drawing from his recent experiences working with film and larger ensembles, Nicolai's approach to composition reflects a growing influence of classical instrumentation. “This experience of working with acoustic classical instruments has flowed into the compositional process for Xerrox Vol. 5. Certain instruments are designed with potential orchestral translation in mind.”

The sonic atmosphere of Xerrox Vol. 5 is one of profound dissolution. “I wasn’t initially interested in strong, emotional melodic aspects,” Nicolai shares, “but I realized that the fragment plays a central role.” This shift leads to an emotionally charged experience, imbued with melancholy and the bittersweet essence of farewell. The passing of Ryuichi Sakamoto, an admirer of the series, has further deepened the album’s emotional resonance.

“Xerrox Vol. 5 has a lot to do with farewell,” the artist explains. "Not only the farewell to the series itself, which I’ve nurtured for almost two decades, but also there have been many farewells to people who were close to me. I believe these people are recognizable in the music. It’s a very emotional, personal album.”

Listeners can expect a visual dimension to the music, though Nicolai intentionally leaves this open to interpretation. “I prefer to allow the music to evoke personal experiences and images rather than dictate a specific narrative,” he states. The result is a layered listening experience that invites tenderness and introspection.

This star-studded John Prine tribute album is now available on vinyl from Oh Boy Records. Featured artists include The Avett Brothers, Drive-By Truckers, Justin Townes Earle, and Justin Vernon of Bon Iver.

Über diese beiden Mirwood floorfiller muss man nicht viel sagen, nur beide Tracks auf derselben 45er zu haben, ist ein wahrer Luxus. 'That Beatin' Rhythm' ist der Inbegriff der Northern Soul-Tanzszene und seit nunmehr 50 Jahren ein echter Hit. Die Instrumentalversion (die dem eigentlichen Sänger der A-Seite zugeschrieben wird) war damals ebenso populär, wurde in den letzten Jahren jedoch etwas vernachlässigt - die Gesangsversion wird von den meisten DJs gespielt.

*Includes download code

In the performance of this work, "Plan for Sleep" (1986), created simultaneously with “Every Dog Has His Day” (1985), Yamanaka took on the role of sound operation. The performance begins with a minimal piece where the tones of the electronic organ and striking phrases from the piano and saxophone race forward in syncopation. Following this, various sound fragments drift over a deafening industrial beat reminiscent of machine noises. There are also pieces that transform the typing sounds of a typewriter into rhythm, showcasing a range of experiments inspired by the then-novel sampling technology, beautifully intertwining with the physicality of the performance.

Additionally, influenced significantly by film music, Yamanaka incorporates a rich tapestry of colors through melancholic melodies that evoke various scenes, from secular jazz to other influences. This work constructs a uniquely original and sophisticated worldview that stands out even when surveying the canon of avant-garde performance art from around the globe in the postmodern era.

DUMB TYPE is a multimedia performance art group based in Kyoto that was formed in 1984 and continues to be active at the forefront of the art scene. We are excited to announce the simultaneous release of two cassette book works produced by musician Toru Yamanaka and the late Teiji Furuhashi, a central figure of the group, for works from the early DUMB TYPE Theatre era: "Every Dog Has His Day (recorded in 1985)" and "Plan For Sleep (recorded in 1986)," now available for the first time on vinyl.

Since the founding of DUMB TYPE, Yamanaka has primarily been responsible for music production, while the late Furuhashi played a crucial role in translating Yamanaka’s compositions into stage direction. Their collaboration began with previous groups ORG and R-STILL, and was influenced by the NEW WAVE and progressive rock trends they were pursuing at the time, as well as by artists like Laurie Anderson, Meredith Monk, and Robert Wilson, who fused minimal music and avant-garde performance. Moreover, their bold incorporation of cutting-edge sampling and house music during that era laid the foundation for DUMB TYPE's sound, marking an important intersection in the history of minimalism, ambient music and performance art in Japan.

Jawad Nawfal and Mazen El Sayed, better known by their stage names of MUNMA and EL RASS, met for the first time in Beirut, during the summer of 2011. A common friend told Jawad wonders about an MC who rapped and slammed in the classical Arabic language, as opposed to the vernacular Lebanese dialect. The two musicians met in a small café in Beirut’s Hamra neighborhood, spoke of music, argued about politics, and decided to collaborate at once. They began working on tracks the following day. A month later, they had already produced a dozen sketches, instrumental beds and accapella vocal tracks. These demos eventually landed in the hands of Ziad Nawfal and Fadi Tabbal, who set out to bring to life the duo’s first recorded album. “Kachf el Mahjoub” (the title is from a Sufi master-work penned some 900 years ago) was eventually released as a limited edition of 500 CD’s, during a launch event at then-budding alternative venue Metro al Madina in Hamra, on the 22nd of February 2012. These CDs went out of print in record time, as can be expected, and the album’s mythical status became reinforced over time – El Rass & Munma collaborated sporadically during the next ten years, but never fully grasped the level of musical intensity and explosive tension attained on this first outing. It has been a longstanding dream of ours, here at Ruptured, to produce a vinyl version of this album, and we are thrilled to say this moment has finally come. Artist ALI RAFEI’s original artworks have been painstakingly reproduced, the music has been dutifully remastered for vinyl by CEDRIK FERMONT, and the records were pressed by our friends at Mother Tongue in Verona. We added bonus track "Fi Kala'at Tarablus" to this 10th anniversary reissue for good measure – recorded during the same sessions that yielded “Kachf el Mahjoub”, it appears on the digital version of the album. “Kachf el Mahjoub” is a landmark album in Lebanon’s alternative music scene, and the MENA region’s hiphop and indie scenes writ large. At the time of their collaboration, El Sayed was a prolific writer and musician, at ease with a variety of instruments, notorious for his masterful flow in the classical Arabic language, with lyrics tackling both social and political sensitive subjects; Nawfal has previously released an impressive number of albums and EPs, exploring downtempo electronica and ambient dubstep, for a number of Lebanese and international labels. The collision of the former’s brazen, slammed vocals and the latter’s harsh beats works wonders on “Kachf el Mahjoub”, Munma’s sound-world perfectly fitting El Rass’s agitated discourse, alternating between broken beats, elaborate percussion, and ambient layers of synths. At times reminiscent of mutant hiphop outfit Shabazz Palaces, at others of the collaboration between dubstep producer Kode9 and the late vocalist The SpaceApe, this album is an uncanny meeting of Arabic hip-hop and electronica, an exceptional event in the realm of contemporary Lebanese alternative music.

Geplant war es von Omega damals logischer Weise nicht, die eigene Karriere in Genre-Phasen einzuteilen. So etwas machen später Musikjournalisten und Fans - und unter ihnen besonders die Statistiker. Nach deren Lesart gilt die zweite Hälfte der Siebziger als Space-Rock-Ära der ungarischen Band. Abgebildet wird sie durch die Trilogie "Time Robber" (1976), "Skyrover" (1978) und schließlich "Gammapolis" (1979). Zwar waren sphärische Klänge bereits davor und auch danach noch im Schaffen des Budapester Quintetts zu vernehmen, derart konzeptionell fokussiert zeigten sich Omega jedoch tatsächlich nur auf diesem Triple. Nimmt man die Erfolgs-LP "Time Robber" weiterhin als Qualitätsmaßstab, hielt auch "Gammapolis" mühelos mit. Die Kompositionen der Gruppe um Sänger Jànos Kòbor waren melancholischer geworden, die bittersüßen Melodien schmeichelten. Das galt besonders für den siebenminütigen Opener "Dawn In The City" ("Hajnal a város felett"), dem Titelsong "Gammapolis" und "Silver Rain" ("Ezüst esö"). Zwischen der westeuropäischen, englischsprachigen Version und dem ungarischen "Original" gibt es neben dem Gesang und der Sprache in der Titelreihenfolge und bei der Songlänge einige kleine Unterschiede. Minimal ließen Omega die instrumentalen Passagen einiger Stücke auf der Muttersprachenvariante länger fließen. Für die westeuropäischen Omega-Platten-Käufer jedoch hatten diese feinen Unterschiede keine Relevanz, kannten sie meist die ungarischen Songs gar nicht. Ebenso wenig dürften sie registriert haben, dass GAMMAPOLIS in Omegas Heimat mit fast einer dreiviertel Million Einheiten die am besten verkaufte LP der Band-Karriere wurde. Das deutsche Cover-Artwork wich jedoch von der ungarischen Version erheblich ab: Zeigte die Bacillus/Bellaphon-Variante die Silhouetten der Musiker vor einem von Flak-Scheinwerfern durchschnittenen Nachthimmel, war auf dem Pepita-Album offenbar die zwar futuristische, allerdings auch karge Welt auf einem fremden Planeten zu sehen.

Heartbreak, Misery & Death is the seventh studio album by beloved Alabama-based troubadour Grayson Capps--joined by his long-standing guitarist Corky Hughes-- turning his attention to 16 traditional and folk songs by artists ranging from Doc Watson and Jerry Jeff Walker to Randy Newman and Gordon Lightfoot. Introduced as a child to these timeless touchstones by his father, they'd catalyze Capps' love for music at a young age, while informing the Southern Gothic vernacular that he'd go onto so eloquently explore and reimagine in his own body of work.

Honest is the second album by the English rock and pop band Dave Stewart and the Spiritual Cowboys released in 1991.

The bandmembers on this album include Chris Bostock from JoBox-ers, Jonathan Perkins, Olle Romo and Nan Vernon,

but also include Martin Chambers from the band The Pretenders and John Turnbull from Ian Dury and The Blockheads.

Honest is available as a limited edition of 750 numbered copies on translucent magenta coloured vinyl and includes an insert with lyrics.

Hawksmoor’s new album ‘Oneironautic’ on Soul Jazz Records follows on from last year’s critically acclaimed ‘Telepathic Heights’, as well as a re-release of his album ‘Saturnalia’ on the Library of the Occult label earlier this year.
James McKeown, AKA Hawksmoor, continues his fascination with the sounds and sensibilities of 70s/80s German electronic groups – think early CLUSTER, HARMONIA, CAN, NEU!, HANS-JOACHIM ROEDELIUS and MICHAEL ROTHER.
On this new album ‘Oneironautic’, he successfully combines these pulsating ripples of Germanic electronica with a number of decidedly English references: the soaring, hypnotic and pastoral qualities of BRIAN ENO, circa ‘Another Green World’; the long, sustained lines of ROBERT FRIPP’S FRIPPERTONICS; and the poetic feel of early DURUTTI COLUMN.
McKeown combines all of these elements while also remaining with one foot firmly in the British melodic hauntological modular synth aesthetic of hauntology – Ghost Box, Mount Vernon Arts Lab, Focus Group et al.
Once again using strictly modular synths, electronic drum rhythms, and guitars, Hawksmoor has created an electronic landscaped music world that is both new and old, immediately identifiable and yet utterly unique.

Munich-based quintet Fazer return to Squama with their fourth studio album, ‘Yamaha’, a record that melds indie jazz and psychedelic rock with humour and depth.
The band recorded the album in their own studio for the first time, taking time time to experiment with sound and overdubs, while retaining the vigour of a live performance.
Suspenseful two-voiced themes and tickling solo interplay by Matthias Lindermayr on trumpet and Paul Brändle on guitar is still at the core of Fazer’s music, as well as the meticulous work of their two drummers Simon Popp and Sebastian Wolfgruber, whose grooves are more rooted in the rock vernacular compared to previous records. The restrained playing of bassist and producer Martin Brugger remains a grounding force that rounds out the sound of the group.

Skinshape (aka Will Dorey) releases his ninth studio album titled Another Side Of Skinshape on 27th September via Lewis Recordings. As the album title suggests, Dorey’s latest body of work is somewhat unlike anything in his prior discography. However, there is always a consistent Skinshape thread which pulsates throughout all of his music - a kind of sonic dreamscape which echoes a mystical nostalgia for a sun dappled afternoon.

Taking inspiration from childhood memories, Ethiopian rhythms, and even calls to prayer, Another Side Of Skinshape gained access to the most esoteric corners of Dorey’s mind. Whilst ‘It’s About Time’ and ‘Ananda’ display a slightly more synthesised palette than we typically hear of a Skinshape tune, singles ‘Stornoway’ and ‘Lady Sun’ (which features the hazy soul vocals of West London’s Hollie Cook) replicate the same lifeblood heard on albums Nostalgia, or Craterellus Tubaeformis.

Speaking on the album, Dorey says “Some songs pay homage to the 90s whilst others the 60s and 70s. Yet you may not perceive all of these in the form that they are presented. In any case I hope that the album is enjoyable and will fit casually into the flow of your day.”

Whilst making this album, Dorey experimented with various keyboards and drum machines, which are at times layered over the excellent drumming of Thomas Blunt, who played live onto tape. Blunt is well versed in the Skinshape vernacular, also being part of Dorey’s live band. Indeed, Another Side Of Skinshape is due for release just before a run of UK and US live dates, which will be the first time the band has ever hit the open road.

Dorey is a former member of the band Palace, has played Glastonbury, BBC Maida Vale and Shepherd’s Bush Empire to name a few. Skinshape’s ‘I Didn’t Know’ has streamed over 50 million times. He is proudly from Swanage, Dorest.

LTD BLOOD-SPLATTER VINYL W/ LYRIC BOOKLET & CUT OUT MASK JEWEL CASE CD W/ LYRIC BOOKLET Just in time for Halloween. Zombina and the Skeletones are returning from the dead to bring you their first full-length album in ten years ‘The Call of Zombina’. The Band Under Your BedTM returned to the studio (or in this case a creepy old church in Liverpool) to make their first album in ten years, with Stephen Cole from the avant garde “post-music” act a.P.At.T producing. ‘The Call Of Zombina’ is Hammer Horror melodrama as art-therapy, the pank roots of goth-rock meets the strings and harpsichords of baroque. ‘The Call Of Zombina’ seeks to mirror the clamic portmantean horror of ‘The House That Dripped Blood’ or ‘Asylum’, with each track telling its own self-contained story. Musically it’s death rock/ baroque, Joe Meek and James Bernard meets The Damned uptown. Lyrically, the schlocky Americanistas of old have been eschewed in favour of the no less pulpy vernacu lar of Pan Classics paperbacks... and of course the whole thing was recorded in an old spooky church, to captare some of that creaky atmosphere and gigantic reverb.

Aki is an emerging jazz collective led by drummer Anke Verslype. The core of the group consists of guitarist Willem Heylen, bassist Ruben De Maesschalck and harpist Marjolein Vernimmen. They perform atmospheric jazz with at its base uncomplicated, restrained melodies whose boundaries are pushed during improvisations.

With two previous EPs, "Warm Days" and "Niobe," aki has already impressed. In the fall of 2022, they surprised their audience with the debut of their first full-length album,

titled "Nader," released under W.E.R.F. records. This album featured an exciting collaboration with Joachim Badenhorst on clarinet, who added a new dimension to their sound.

For theirlatest album and upcoming tour, aki once again joins forces with Joachim Badenhorst and asked Niels Van Heertum (euphonium) as a guest. This expansion enriches the color palette of their music and brings out a new depth. Together they create a unique sound that takes listeners on a journey of warmth and melancholy, somewhere between cinematic landscapes, jazz and minimalism.

Seit ihrer Gründung 2014 in Melbourne, Florida, haben Bodysnatcher nichts anderes als das Feinste an wütender, extremer Musik zu bieten. Durch
die Kombination von erdrückenden Breakdowns mit unheimlicher Atmosphäre, vernichtenden Riffs und gruseligen Grooves ist die Band zu einem
Synonym für "heavy" geworden, das in jeder Stadt, die sie besuchen, Gewalt hervorruft und Moshpits hervorruft, die nichts als Krater in ihrem
Kielwasser hinterlassen. Jetzt, mit der bevorstehenden Veröffentlichung ihrer 2024 EP, Vile Conduct, ist die Band zurück mit einer weiteren
Demonstration purer Kraft, die einmal mehr zeigt, dass Bodysnatcher aus konventionellen Genre-Zwängen ausbrechen, um etwas herauszubringen,
das einfach nur... heavy ist. Produziert vom legendären Will Putney (Fit for an Autopsy, END, Knocked Loose), erzählt Vile Conduct von persönlichen
Geschichten über den Verlust durch Sucht und Drogen, alles durch eine einzigartige Linse aus bitterer Reue und gnadenloser Aggression, wie sie nur
Bodysnatcher bieten können.

"Still", eine Kollaboration der beiden Pianisten The Vernon Spring und Gwilym Gold, besteht aus vier meditativen Werken, die aus dreieinhalb Stunden kollektiver Klavierimprovisationen nach einem Trauerfall entstanden sind. Die Aufführung erfolgte am präparierten Klavier und Flügel, die beide mit dem Mechanical Resonator Piano (einer Andrew McPherson-Erfindung) ausgestattet sind. Das Ergebnis ist gekennzeichnet von Freundschaft und Grosszügigkeit in einer Zeit der Verletzlichkeit und unterstreicht die Schönheit sowohl der reinen menschlichen Interaktion als auch der modernen technologischen Instrumentierung.

Celebrating their 10th anniversary, Slowly Rolling Camera's sixth studio release, 'Silver Shadow,' is inspired by the dynamic interplay of film montages—infused with soul-stirring rhythms, magnetic melodies, and a lush spectrum of emotional tones.

Since bursting onto the scene in 2013, Cardiff's Slowly Rolling Camera has crafted a distinctive niche in the European jazz tapestry, effortlessly weaving together soul-stirring rhythms, magnetic melodies, and a rich palette of emotional hues. Known for alchemical compounds of jazz finesse, cinematic gravitas, and electronic flair, Slowly Rolling Camera fashions sound, perpetually pushing the boundaries of musical creativity.

"This album reflects our fascination with the cinematic approach, not just in sound, but in how we construct our music". SRC’s latest album, 'Silver Shadow,' delves even deeper into that cinematic realm. Inspired by the visual and musical interplay infilm montages, 'Silver Shadow' centers around a fictional protagonist, encapsulated both in the album’s narrative arc and its striking artwork. The tracks, concise and emotionally consistent, mark a departure from earlier long-form composition, aiming instead for more immediate impact.The core trio of Dave Stapleton (keys), Deri Roberts (sound design & production), and Elliot Bennett (drums) drive the band's collective ethos, further ornamented by a vibrant ensemble of collaborators including Jasper Høiby on bass, Josh Arcoleo onsax, Stuart McCallum on guitar, and Verneri Pohjola on trumpet. The band’s genre-defying approach and profound emotional depth has earned comparison with iconic groups The Cinematic Orchestra and GoGo Penguin and captured the hearts ofmany thousands of fans worldwide.

Repress auf purple & red splatter Vinyl. Das zweite, alles auf seinem Weg liegende vernichtende Album der Hardcore Thrasher aus Texas: POWER TRIP. Möglicherweise das beste Thrash Album des letzten Jahrzehnts! Massiv, riesig, über alle Dimensionen. Aufgenommen von Arthur Rizik (INQUISITION), gemastert von Joel Grind (POISON IDEA, TOXIC HOLOCAUST) mit Coverartwork von Paolo Girard. POWER TRIP sind eine echte Band, unvergleichlich. Ihre rohe Intensität, ihr musikalisches Können, die perfekte Songstruktur, fetter Sound, wilde Riffs, ihre Entschlossenheit und ihre bloße Einstellung machen sie zu einer der Speerspitzen im Metal, Punk und Hardcore Underground der USA. In den letzten Jahren haben POWER TRIP beinahe non-stop getourt und dabei Bands wie ANTHRAX, LAMB OF GOD, CRO-MAGS, NEGATIVE APPROACH, TURNSTILE, BACKTRACK, EYEHATEGOD, BANE, OFF! Und weitere supportet und Festivals in den USA, Europa und darüber hinaus beehrt.

At the latest with the release of the albums "Zauberberg" and "Königsforst", in the mid-1990s, one associates GAS, Wolfgang Voigt's very own artistic cross-linking of the spirit of Romanticism and the forest as an artistic fantasy projection surface, with intoxicatingly blurred boundaries of post-ambient infatuation and the impenetrable thicket of abstract atonality. The distant, iconic straight bass drum marching through highly condensed, abstract sounds taken from classical music by the sampler or modulated accordingly, and the enraptured gaze through pop art glasses into the hypnotic thicket of an imaginary forest, manifested over the years this unique connection of audio and visual, which to understand fully, then as now, would be neither possible nor desirable.

Quite the opposite. The album GAS - DER LANGE MARSCH once again invites us to follow the deep sounding bass drum, to give in to its irresistible pull into a psychedelic world of 1000 promises. In the process, the journey leads us past stations of memories sounding from afar, from "Zauberberg" to "Königsforst" and "Pop", from "Oktember" to "Narkopop" and "Rausch", back and forth, now and forever.

Way. Destination. Loop. - Forest loop.

No beginning. No end.
Spätestens mit der Veröffentlichung der Alben „Zauberberg“ und „Königsforst“, Mitte der 1990er Jahre verbindet man mit GAS, Wolfgang Voigts ganz eigene künstlerische Vernetzung mit dem Geist der Romantik und dem Wald als künstlerische Fantasie-Projektionsfläche, rauschhaft verschwimmender Grenzen von post-ambienter Betörung und dem undurchdringlichen Dickicht abstrakter Atonalität. Die entfernt, durch stark verdichtete, abstrakte, der Klassik durch den Sampler entnommene oder entsprechend modulierte Klänge marschierende, ikonische gerade Bassdrum, der entrückte Blick durch die Pop-Art Brille hinein in das hypnotische Dickicht eines imaginären Waldes, manifestierten über die Jahre diese einzigartige Verbindung von Audio und Visuellem, die ganz verstehen zu können, damals wie heute, weder möglich noch wünschenswert wäre.

Ganz im Gegenteil. Das Album GAS - DER LANGE MARSCH lädt uns einmal mehr ein, der tief tönenden Bassdrum zu folgen, ihrem unwiderstehlichen Sog hinein in eine psychedelische Welt der 1000 Verheißungen nachzugeben. Dabei führt die Reise vorbei an aus der Ferne klingende Stationen der Erinnerungen von “Zauberberg” bis “Königsforst” und “Pop”, von “Oktember” bis “Narkopop” und “Rausch”, vor und zurück, in alle Ewigkeit.

Weg. Ziel. Loop. - Waldloop.

Kein Anfang. Kein Ende.

SPEED und Hardcore sind zwei Worte, die zu einem Synonym geworden sind: Die in Sydney, Australien, ansässige Band hat das Genre durch
berauschende Live-Auftritte, Musikvideos und die Treue zu sich selbst für sich beansprucht.
Die fünfköpfige Band hat den Begriff ONLY ONE MODE geprägt, und so ist es keine Überraschung, dass er auch den Titel ihres ersten Albums darstellt
Das Debütalbum ist ein Beispiel für das Wachstum der Band, ohne dabei den SPEED-Ethos zu vernachlässigen. Das ist es, worum es ihnen geht:
Hardcore, hart gespielt, schnell gespielt, "für uns, von uns" - explizit, unmittelbar, definitiv - in Anspielung auf all die entscheidenden Bands, die vor
ihnen gekommen sind.
Im Juni sind Speed auch in Deutschand live zu erleben

SPEED und Hardcore sind zwei Worte, die zu einem Synonym geworden sind: Die in Sydney, Australien, ansässige Band hat das Genre durch
berauschende Live-Auftritte, Musikvideos und die Treue zu sich selbst für sich beansprucht.
Die fünfköpfige Band hat den Begriff ONLY ONE MODE geprägt, und so ist es keine Überraschung, dass er auch den Titel ihres ersten Albums darstellt
Das Debütalbum ist ein Beispiel für das Wachstum der Band, ohne dabei den SPEED-Ethos zu vernachlässigen. Das ist es, worum es ihnen geht:
Hardcore, hart gespielt, schnell gespielt, "für uns, von uns" - explizit, unmittelbar, definitiv - in Anspielung auf all die entscheidenden Bands, die vor
ihnen gekommen sind.
Im Juni sind Speed auch in Deutschand live zu erleben.

Limited Colored Vinyl. Various Artists Release With Original
tracks by Jnjs, Enzo Leep, Vern, Matpri....

Fin Greenalls introspektives, philosophisches und sanft euphorisches Songwriting wurde mit den langjährigen Bandkollegen Tim Thornton (drums/git) und Guy Whittaker (bass) in völliger Abgeschiedenheit aufgenommen. Der gebürtige, in Berliner lebende Cornwaller suchte die Einsamkeit und Bodenständigkeit des kleinen Dorfes Zennor an der malerischen Atlantikküste Cornwalls, wo die Band das neu errichtete Studio des Produzenten Sam Okell einweihte, des Grammy-prämierten Tontechnikers/Mixers der Beatles-Alben "Get Back" und "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band - 50th Anniversary Release".

In der Vorstellung, dass so ein klassisch-englisches Lo-Fi-Folk-Album entstehen könnte, trieb die gemeinsame kreative Unruhe der Band und Okells "Beauty In Your Wake" stattdessen in die weitläufigen Gefilde von FINKs kommerziell erfolgreichen Alben der 2000-2010er Jahre und ist eine Rückkehr zu sich selbst. Die Musik von FINK war schon immer in ein breiteres globales Geflecht eingebettet, nicht zuletzt, weil sie in zahllosen Film/TV-Soundtracks wie "Better Call Saul", "The Walking Dead" und der neuesten Staffel von "True Detective" und "Ava du Vernays Origin" zu hören war, für die Greenall einen exklusiven Song schrieb.

Greenalls wurde 1997 bei Ninja Tune unter Vertrag genommen. Die neu formierte, klassische FINK-Besetzung ist dieselbe, mit der die Band ihr erstes Album "Biscuits For Breakfast" (2006) aufnahm, das sich als Sprungbrett für internationale Touren erwies. Nach drei weiteren Alben wurde die Band immer experimenteller, live und auf Platte. Mit der jungen Amy Winehouse unterhielt sich Greenall über seine Songwriter-Sessions und arbeitete mit so unterschiedlichen Künstlern wie Mahalia, Banks, Ben Howard und Pino Palladino im Studio und auf der Bühne zusammen. Zu seinen Auszeichnungen gehören drei BMI Songwriting Awards für die Arbeit mit John Legend an dessen "Evolver"-Album, der Nr.1-Single "Green Light" und dessen Soundtrack zu "12 Years A Slave".

Fin Greenalls introspektives, philosophisches und sanft euphorisches Songwriting wurde mit den langjährigen Bandkollegen Tim Thornton (drums/git) und Guy Whittaker (bass) in völliger Abgeschiedenheit aufgenommen. Der gebürtige, in Berliner lebende Cornwaller suchte die Einsamkeit und Bodenständigkeit des kleinen Dorfes Zennor an der malerischen Atlantikküste Cornwalls, wo die Band das neu errichtete Studio des Produzenten Sam Okell einweihte, des Grammy-prämierten Tontechnikers/Mixers der Beatles-Alben "Get Back" und "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band - 50th Anniversary Release".

In der Vorstellung, dass so ein klassisch-englisches Lo-Fi-Folk-Album entstehen könnte, trieb die gemeinsame kreative Unruhe der Band und Okells "Beauty In Your Wake" stattdessen in die weitläufigen Gefilde von FINKs kommerziell erfolgreichen Alben der 2000-2010er Jahre und ist eine Rückkehr zu sich selbst. Die Musik von FINK war schon immer in ein breiteres globales Geflecht eingebettet, nicht zuletzt, weil sie in zahllosen Film/TV-Soundtracks wie "Better Call Saul", "The Walking Dead" und der neuesten Staffel von "True Detective" und "Ava du Vernays Origin" zu hören war, für die Greenall einen exklusiven Song schrieb.

Greenalls wurde 1997 bei Ninja Tune unter Vertrag genommen. Die neu formierte, klassische FINK-Besetzung ist dieselbe, mit der die Band ihr erstes Album "Biscuits For Breakfast" (2006) aufnahm, das sich als Sprungbrett für internationale Touren erwies. Nach drei weiteren Alben wurde die Band immer experimenteller, live und auf Platte. Mit der jungen Amy Winehouse unterhielt sich Greenall über seine Songwriter-Sessions und arbeitete mit so unterschiedlichen Künstlern wie Mahalia, Banks, Ben Howard und Pino Palladino im Studio und auf der Bühne zusammen. Zu seinen Auszeichnungen gehören drei BMI Songwriting Awards für die Arbeit mit John Legend an dessen "Evolver"-Album, der Nr.1-Single "Green Light" und dessen Soundtrack zu "12 Years A Slave".

Born Samantha Owens in Liverpool, Jones began her recording career in The Vernon Girls, a female singing group affiliated with the Vernon Football Pools company; they created a popular Beatles tribute album in 1964 with producer Charles Blackwell, who launched Jones’ solo career that same year. Blackwell producer a debut solo LP for Ascot in 1968; two years later, Larry Page released sophomore set A Girl Named Sam, with Austrian wunderkind Mark Wirtz casting her in the broad realm of pop, though most of the songs describe romantic failures. The album thus has a tongue-in-cheek cover of Burt Bacharach’s “I’ll Never Fall In Love Again” and credible renditions of Aretha’s “You Make Me Feel Like A Natural Woman” and Jackie DeShannon’s “Put A Little Love In Your Heart.”

Limited green vinyl 180gr press with one bonus track for RSD 2020.

Nanga Boko Records is very proud to present you "Njitna !" ("I'm Coming" in Bamoun
vernacular langage of Cameroun), the official compilation of the finest early recordings (1979/1980) of the Cameroonian composer & musician Théodore Mounta, known on scene as "Ometh".

Deluxe hand-numbered edition, limited to 500, includes a bonus track never released on vinyl before!

Each record comes with an insert that includes exclusive pictures and very detailed biographies in both English and French languages and an HQ Digital Download Card.

Approved by the artist himself, 100 % legit, all 8 tracks are under exclusive license of Nanga Boko Records

Voice of Storms ist ein Triumph der aufsteigenden, vernichtenden Sludge-Prog-Mini-Epen, voll von rasanten Tempi, furchtlosen Hooks und stürmischem Bombast. Das neue Album einer Band, deren letzte Platte sich über mehrere Vinyl-Pressungen ausverkaufte! Horseburner stürmten die Szene mit Vergleichen zu Mastodon und Baroness, mit einem energiegeladenen Sludge-Metal, der aus ihrem Industrial-Hintergrund aus den Appalachen und ihren übergeordneten konzeptionellen Themen entsprang. Sie schalten von hart über zurückhaltend bis hin zu drängend und kantig und unterscheiden sich von ihren Stoner-Psych-Zeitgenossen durch ihre atemberaubende Musikalität, wobei sie endlose musikalische Möglichkeiten einsetzen, die viele Bands einfach nicht im Gepäck haben. Voice of Storms ist ein Sludge-Prog-Triumphzug aus hochfliegenden, vernichtenden Mini-Epen, der an Orte führt, die viele Heavy-Rock-Bands nicht erreichen. Wie ein brutaleres Torche oder ein versierteres High on Fire packen Horseburner den Hörer an der Kehle und tauchen ihn in rasante Tempi, furchtlose Hooks und stürmische Brecher ein, die immer wieder nach vorne drängen und in neue klangliche Gefilde vordringen. Wunderschöne Vinyl-Edition farbigen Vinyl (transparentes Eisblau).

Voice of Storms ist ein Triumph der aufsteigenden, vernichtenden Sludge-Prog-Mini-Epen, voll von rasanten Tempi, furchtlosen Hooks und stürmischem Bombast. Das neue Album einer Band, deren letzte Platte sich über mehrere Vinyl-Pressungen ausverkaufte! Horseburner stürmten die Szene mit Vergleichen zu Mastodon und Baroness, mit einem energiegeladenen Sludge-Metal, der aus ihrem Industrial-Hintergrund aus den Appalachen und ihren übergeordneten konzeptionellen Themen entsprang. Sie schalten von hart über zurückhaltend bis hin zu drängend und kantig und unterscheiden sich von ihren Stoner-Psych-Zeitgenossen durch ihre atemberaubende Musikalität, wobei sie endlose musikalische Möglichkeiten einsetzen, die viele Bands einfach nicht im Gepäck haben. Voice of Storms ist ein Sludge-Prog-Triumphzug aus hochfliegenden, vernichtenden Mini-Epen, der an Orte führt, die viele Heavy-Rock-Bands nicht erreichen. Wie ein brutaleres Torche oder ein versierteres High on Fire packen Horseburner den Hörer an der Kehle und tauchen ihn in rasante Tempi, furchtlose Hooks und stürmische Brecher ein, die immer wieder nach vorne drängen und in neue klangliche Gefilde vordringen. Wunderschöne Vinyl-Edition farbigen Vinyl (transparentes Eisblau).

Wenn sich eine Band HOUSE BY THE CEMETARY nennt, was erwartet einen dann? Richtig! Old School Death Metal mit Horror-Thematik. Definitiv keine neue Erfindung, funktioniert aber immer gut. Anzuführen wären da wohl die großartigen Fulci. Und wenn dann noch Rogga Johansson sein gefühlt fünfzigstes Projekt vorantreibt, kann das eigentlich nur gut werden. Mit Mike Hrubovcak, Ex-Monstrosity, hat er sich dann noch mal richtig Gewalt ans Mikrofon geholt. Album Nummer zwei besticht mit Neunziger-Jahre-Death-Metal mit etlichen Anleihen an zum Beispiel Gorefest, alte Six Feet Under und Bone Gnawer. Midtempo, stampfend - und der Kopf will fast von allein zum Headbangen übergehen. Songs wie 'Cadavers Emerge' sind HM-2-Verneigungen at its best, und das zieht sich durch das ganze Album. Gefällt auch noch nach dem zehnten Durchlauf, was ja bekanntlich nicht immer selbstverständlich ist. (MK)
Rock Hard:
Rogga Johanssons (Paganizer, Massacre u.a.) kreative Energie ist anscheinend endlos, und so gibt es nun auch schon das zweite Album von HOUSE BY THE CEMETARY, dem Projekt mit Mike Hrubovcak (ex-Monstrosity/Vile) am Mikro. Der solide Old-School-Death-Metal geht gut ins Ohr, ist zeitgemäß produziert - und wie bei vielen Johansson-Scheiben in dem Moment vergessen, in dem die Spielzeit vorbei ist. Kann man sich in die Playlist schieben, die Platte im Regal brauchen nur Johansson-Ultras, falls es so was gibt.
6,5

Drei Jahre nach "Symphonies of Horror" und der Split-EP "Greensleeves" mit "THE CRIMSON GHOSTS" im Jahr 2022, präsentieren sie ihr erstes Album im neuen Line-Up. Mehr düsterer, alternativer Rock'n'Horror! Bandgründer und Sänger Slaughter Lamb hat mit Bassist/Gitarrist Chris Cranium (ex-The Other / Sumerian Tombs), Drummer Fab McIan (ex-Schelmish) und Gitarrist Dr. Hoffmann eine stabile Band aufgebaut, die nun ihre Hymns Of The Dead präsentiert. Die vier liefern eine düstere Punk Rock Platte mit Einflüssen aus Gothic Rock und einer Prise Metal, die weit über die üblichen Genregrenzen des Horror Punk hinausgeht. Die zwölf neuen Songs sind schneller, härter und melodiöser als je zuvor. In Tracks wie "Take it all away", "The fiends in me" und "Seasons of my life" erweitern Synthies den Bandsound, während in der Wednesday Addams Verneigung "Her other side" ein Rock'n'Roll Piano zum Shuffle-Groove nicht fehlen darf und hier Szene-Größe NIM VIND Gast-Gesang und Gitarren beisteuert! Textlich ist die Band vielfältiger geworden, deckt neben Horror auch dunkle persönliche Themen und die Schrecken der aktuellen Realität ab. Aber auch die Party kommt wieder einmal nicht zu kurz und so feiern HELLGREASER in "Hymn of the Dead"- zusammen mit Hans von LEFT HAND BLACK - die Szene, die Musik, ihr Außenseiterdasein und sich selbst!

Limitierte Cargo-exklusive Farbe, 100 Stück weltweit.


Drei Jahre nach "Symphonies of Horror" und der Split-EP "Greensleeves" mit "THE CRIMSON GHOSTS" im Jahr 2022, präsentieren sie ihr erstes Album im neuen Line-Up. Mehr düsterer, alternativer Rock'n'Horror! Bandgründer und Sänger Slaughter Lamb hat mit Bassist/Gitarrist Chris Cranium (ex-The Other / Sumerian Tombs), Drummer Fab McIan (ex-Schelmish) und Gitarrist Dr. Hoffmann eine stabile Band aufgebaut, die nun ihre Hymns Of The Dead präsentiert. Die vier liefern eine düstere Punk Rock Platte mit Einflüssen aus Gothic Rock und einer Prise Metal, die weit über die üblichen Genregrenzen des Horror Punk hinausgeht. Die zwölf neuen Songs sind schneller, härter und melodiöser als je zuvor. In Tracks wie "Take it all away", "The fiends in me" und "Seasons of my life" erweitern Synthies den Bandsound, während in der Wednesday Addams Verneigung "Her other side" ein Rock'n'Roll Piano zum Shuffle-Groove nicht fehlen darf und hier Szene-Größe NIM VIND Gast-Gesang und Gitarren beisteuert! Textlich ist die Band vielfältiger geworden, deckt neben Horror auch dunkle persönliche Themen und die Schrecken der aktuellen Realität ab. Aber auch die Party kommt wieder einmal nicht zu kurz und so feiern HELLGREASER in "Hymn of the Dead"- zusammen mit Hans von LEFT HAND BLACK - die Szene, die Musik, ihr Außenseiterdasein und sich selbst!

Drei Jahre nach "Symphonies of Horror" und der Split-EP "Greensleeves" mit "THE CRIMSON GHOSTS" im Jahr 2022, präsentieren sie ihr erstes Album im neuen Line-Up. Mehr düsterer, alternativer Rock'n'Horror! Bandgründer und Sänger Slaughter Lamb hat mit Bassist/Gitarrist Chris Cranium (ex-The Other / Sumerian Tombs), Drummer Fab McIan (ex-Schelmish) und Gitarrist Dr. Hoffmann eine stabile Band aufgebaut, die nun ihre Hymns Of The Dead präsentiert. Die vier liefern eine düstere Punk Rock Platte mit Einflüssen aus Gothic Rock und einer Prise Metal, die weit über die üblichen Genregrenzen des Horror Punk hinausgeht. Die zwölf neuen Songs sind schneller, härter und melodiöser als je zuvor. In Tracks wie "Take it all away", "The fiends in me" und "Seasons of my life" erweitern Synthies den Bandsound, während in der Wednesday Addams Verneigung "Her other side" ein Rock'n'Roll Piano zum Shuffle-Groove nicht fehlen darf und hier Szene-Größe NIM VIND Gast-Gesang und Gitarren beisteuert! Textlich ist die Band vielfältiger geworden, deckt neben Horror auch dunkle persönliche Themen und die Schrecken der aktuellen Realität ab. Aber auch die Party kommt wieder einmal nicht zu kurz und so feiern HELLGREASER in "Hymn of the Dead"- zusammen mit Hans von LEFT HAND BLACK - die Szene, die Musik, ihr Außenseiterdasein und sich selbst!