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Die Alben ".neon", "Agape" und "Melting Sun" der Post Black Metaller LANTLÔs nun auf farbigem Vinyl!

Die Alben ".neon", "Agape" und "Melting Sun" der Post Black Metaller LANTLÔs nun auf farbigem Vinyl!

Die Rough Trade Shops präsentieren die neueste Ausgabe ihrer jährlichen Counter Culture-Reihe. Ihr jährlicher Almanach der wildesten, schrägsten und wunderbarsten Hits, zu denen wir bis 2023 jammen werden. Wenn es nach diesem Jahrgang von Counter Culturisten geht, dann wird es ein verdammt gutes Jahr werden. Kaufen Sie eine für sich selbst, kaufen Sie eine für Ihre Oma, kaufen Sie eine für Ihren Milchmann, kaufen Sie eine für seinen Hamster, hier ist für jeden etwas dabei.

High Roller Records, black vinyl, extensive 24 page booklet, Gemeinhin wurde Epic Doom Metal in der Vergangenheit überwiegend als Hoheitsgebiet amerikanischer (Warlord) oder schwedischer (Sorcerer) Formationen angesehen. Durch den Erfolg von Atlantean Kodex ist allerdings auch Deutschland in letzter Zeit auf der Landkarte erschienen. Nicht zuletzt dank Hoffnungsträgern wie den 2014 in Landstuhl, Rheinland-Pfalz, entstandenen Lord Vigo. Nach »Under Carpathian Sun« (2015), »Blackborne Souls« (2017), »Six Must Die« (2018) sowie »Danse De Noir« (2020), erscheint jetzt das neue Meisterwerk namens »We Shall Overcome«.

High Roller Records, black vinyl, extensive 24 page booklet, Gemeinhin wurde Epic Doom Metal in der Vergangenheit überwiegend als Hoheitsgebiet amerikanischer (Warlord) oder schwedischer (Sorcerer) Formationen angesehen. Durch den Erfolg von Atlantean Kodex ist allerdings auch Deutschland in letzter Zeit auf der Landkarte erschienen. Nicht zuletzt dank Hoffnungsträgern wie den 2014 in Landstuhl, Rheinland-Pfalz, entstandenen Lord Vigo. Nach »Under Carpathian Sun« (2015), »Blackborne Souls« (2017), »Six Must Die« (2018) sowie »Danse De Noir« (2020), erscheint jetzt das neue Meisterwerk namens »We Shall Overcome«.

High Roller Records, black vinyl, extensive 24 page booklet, Gemeinhin wurde Epic Doom Metal in der Vergangenheit überwiegend als Hoheitsgebiet amerikanischer (Warlord) oder schwedischer (Sorcerer) Formationen angesehen. Durch den Erfolg von Atlantean Kodex ist allerdings auch Deutschland in letzter Zeit auf der Landkarte erschienen. Nicht zuletzt dank Hoffnungsträgern wie den 2014 in Landstuhl, Rheinland-Pfalz, entstandenen Lord Vigo. Nach »Under Carpathian Sun« (2015), »Blackborne Souls« (2017), »Six Must Die« (2018) sowie »Danse De Noir« (2020), erscheint jetzt das neue Meisterwerk namens »We Shall Overcome«.

High Roller Records, black vinyl, extensive 24 page booklet, Gemeinhin wurde Epic Doom Metal in der Vergangenheit überwiegend als Hoheitsgebiet amerikanischer (Warlord) oder schwedischer (Sorcerer) Formationen angesehen. Durch den Erfolg von Atlantean Kodex ist allerdings auch Deutschland in letzter Zeit auf der Landkarte erschienen. Nicht zuletzt dank Hoffnungsträgern wie den 2014 in Landstuhl, Rheinland-Pfalz, entstandenen Lord Vigo. Nach »Under Carpathian Sun« (2015), »Blackborne Souls« (2017), »Six Must Die« (2018) sowie »Danse De Noir« (2020), erscheint jetzt das neue Meisterwerk namens »We Shall Overcome«.

“This is me at my most imaginative, freakiest, and yet still most grounded and introspective,” says Japanese American rapper/actor Lyrics Born not only about his new album Vision Board, but also his “self” and his existence. “I feel like a new man! I’m healthier physically, spiritually, mentally, and emotionally.” The lead single and video “Diamond Door” is a pop/rap banger that lands you with an infectious barb and keeps you hooked for days, and is a thinly-veiled tribute to a particular style of female appreciation, but it can also be taken as a welcome mat to the new era of Lyrics Born. The accompanying video which shows Lyrics Born in his current physical form - svelte, stylish and with a confident swagger - reinforces this next chapter in his life. 60 pounds lighter, he lost the weight during the pandemic when he knew he needed to make a change. “Touring was becoming harder, and I was having all these weird health problems, but nothing that anybody could put their finger on,” he explains “My anxiety was high. I was not sleeping well. I was on the verge of really bad health.” And this improvement brought more confidence which shows in his new album. Vision Board is a focused affair that found him stretching his creativity farther and challenging himself to write in a way he’s never written before. Recorded primarily in New Orleans and produced by Rob Mercurio of Galactic (who also produced 2015’s Real People and 2018’s Quite a Life), it posited him in a new environment that helped his creative juices flow even more fluidly. “There’s nothing like recording in the Crescent City. It just gets in your blood, and the results are always funky and wild.” “This is about as psychedelic as I’ve ever been,” LB says. “I’m so proud of this album. I’m in a different space. The world is in a different space, and I wanted to celebrate that, loosen up and really create some imagery and share some emotion that I never have. I was listening to a lot of Shuggie Otis; a lot of obscure psychedelic soul and later Temptations,” he explained. “This is like if Alice in Wonderland was Japanese.” Vision Board was also inspired by another Bay Area rap luminary, although one who’s no longer with us - Gift of Gab. The dexterous Blackalicious MC and fellow Quannum Projects alum had a profound effect on Lyrics Born’s life, both creatively and philosophically. “I asked myself on some of these songs: ‘How would Gab approach them?’” he said. “I’d play with certain cadences, certain styles; I tried to stretch stylistically, lyrically and vocally on every single song. None of the patterns are the same.” Lyrics Born’s vulnerability shines through on the nine-track effort, something he’s not ashamed to admit (nor should he be). At one point during the pandemic, he was losing one friend, peer or family member every other week - from Zumbi of Zion I to Gift of Gab to Digital Underground’s Shock G. While many of the songs are deeply introspective, he had to “write some fun shit,” too. Celebratory horns, uptempo rhythms and fiery bars pepper the project from start to finish, and truly encapsulate Lyrics Born’s evolution of not just a groundbreaking Asian-American MC but also a human being. As the only Asian-American MC to release 10 studio albums, the first Asian-American to play major music festivals like Coachella and Lollapalooza and the first Asian-American to release a greatest hits compilation, Lyrics Born has been breaking barriers his entire life - and he’s not going to stop anytime soon. From the bombastic and tribal “I’m the Best Rapper in the World” with its self-winking boastfulness to the playful scat of “Bang Bang Bang” that slinks like an outtake from West Side Story, to the smooth and seductive “Who's The Best? (Dear Young LB)," to the psychedelic and swoony ”Alligator Boots” with it dreamy “Walk on the Wildside”-esque reverby sway, Vision Board sees Lyrics Born tackling different tones, textures and genres without fear and making them completely his own. It's an eclectic body of work that boasts more synths, more psychedelia and is generally more abstract.

Bottle Rockets leader Brian Henneman
worked as Uncle Tupelo’s guitar tech
for a couple of years before forming an
alt-country band that rivalled his former
bosses. Released in Atlantic in 1997,
24 Hours a Day represented The Bottle
Rockets’ chance at the big time; it’s
their sole major label release, and they
pulled out all the stops for this one,
hiring former Del Lord Eric “Roscoe”
Ambel to produce and revisiting
“Indianapolis,” the song that got Henneman a record deal back in the early
‘90s. Alas, the record failed to break through commercially; but there will
always be a place in our hearts for this kind of hard-driving, honest, tuneful
rock and roll, best exemplified by “Perfect Far Away” and “When I Was
Dumb.” For its LP debut, we’re pressing this underappreciated classic in
coke bottle (natch) clear vinyl housed inside an album jacket with inner
sleeve…limited to 1000 copies!

Nach der Veröffentlichung ihres ersten Albums 2018 ging das französische Duo auf Welttournee zu Festivals und ausverkauften Hallen. In ihrer Musik mixen The Blaze Einflüsse aus Dub, House und Popmusik. Sowohl Guillaume als auch Jonathan Alric singen auf einigen der Tracks. Als Einflüsse für ihre anspruchsvollen Musikvideos nennen sie die Regisseure Ken Loach, Jean-Pierre und Luc Dardenne sowie den Fotografen Sebastião Salgado. Bereits von ihrer Debüt-EP 'Territory' konnte das damals noch unbekannte Duo aus dem Stand einige Hundert Einheiten auf Vinyl verkaufen!
Guillaume und Jonathan Alric haben ihr neues Album 'Jungle' mit dieser Live-Perspektive komponiert und aufgenommen: introspektive, elektronische Musik, getragen von Bildern und Melodien, die immer voller Emotionen sind. Im Rahmen einer Tour gastieren sie u.a. in der renommierten O2 Academy Brixton als auch im Berliner Velodrom, das bereits jetzt ausverkauft ist. Die beiden bereits vorab veröffentlichten und visuell perfekt umgesetzten Singles 'Eyes' und 'Dreamer' sind Vorboten eines von vielen Fans anspruchsvoller elektronischer Musik erwarteten Albums.

Beide Versionen, LP als auch CD erscheinen mit einem bedruckten Slipcase (CD) bzw. bedrucktem PVC-Outer Sleeve (LP).

Am 17. März meldet sich der mit Platin ausgezeichnete und für einen Grammy nominierte Künstler M83 mit seinem neunten Studioalbum ”Fantasy” zurück.

Über zwei Jahrzehnte hinweg hat sich M83-Mastermind Anthony Gonzalez als ein Künstler etabliert, dessen Werke über bloße Realitätsflucht hinausgehen und stattdessen eine ganz neue Welt erschaffen.

Für Gonzalez war die Richtung und Ästhetik von ”Fantasy” sofort klar. ”Ich wollte, dass diese Platte live sehr eindrucksvoll klingt”, sagt er. ”Die Idee war, dass das Album näher an die Energie von ”Before
The Dawn Heals Us” rankommt. Die Kombination von Gitarren und Synthesizern ist immer Teil meiner Musik, aber auf dieser neuen Platte ist sie vielleicht noch präsenter als auf den vorherigen.”

Gonzalez wollte außerdem den Trend fortsetzen, der sich schon auf seinen letzten Alben immer deutlicher abgezeichnet hat. ”Ich wollte lyrisch und stimmlich präsenter sein, damit das Album persönlicher
wird als meine bisherigen Projekte”, sagt er.
Um die Ausgelassenheit seiner umwerfenden Live-Auftritte einzufangen, änderte Gonzalez seinen typischen Aufnahmeprozess. ”Normalerweise schreibe ich die Demos und gehe dann zu meinem Produzenten, um mit der Arbeit an einem Album zu beginnen”, erklärt er. ”Aber dieses Mal war es ein wenig anders.

Ich wollte einfach die Energie der anderen Musiker spüren. Das Gefühl, dass Musiker zusammen spielen, hatte mir ein bisschen gefehlt.”

BLUE NOTE CLASSIC VINYL EDITION: Stereo, komplett analog von Kevin Gray von den Originalbändern gemastert, Optimal-Pressung (180 g), wattierte Innenhülle.

“Empyrean Isles” war 1964 Herbie Hancocks viertes Soloalbum für Blue Note. Obwohl der Pianist mit “Watermelon Man” von seinem Debütalbum “Takin’ Off” bereits einen echten Hit gelandet hatte, etablierte er sich erst mit “Empyrean Isles” endgültig als eigenständiger Künstler. Wie auf den vorangegangenen Alben
stellte Hancock ausschließlich eigene Kompositionen vor, aus denen vor allem der zeitlose Hit “Cantaloupe Island” hervorstach.
Dem Pianisten zur Seite stehen hier mit Bassist Ron Carter und Schlagzeuger Tony Williams zwei Musiker, mit denen er damals parallel auch im zweiten großen Quintett von Miles Davis
zusammenarbeitete. Zu ihnen gesellte sich außerdem der Trompeter Freddie Hubbard.

Der Saxofonist Sam Rivers hatte sich schon sehr früh in seiner Karriere durch bemerkenswerte Originalität ausgezeichnet. Nach einem kurzen Intermezzo im zweiten großen Quintett von Miles Davis, spielte Rivers im Dezember 1964 für Blue Note sein Debütalbum “Fuchsia Swing Song” ein. Das Repertoire bestand aus sechs Kompositionen von Rivers, die zwar fest im Post-Bop und Blues wurzelten, aber die avantgardistischen Tendenzen des Saxofonisten auch nicht leugnen konnten. Das Highlight des Albums ist
die atemberaubende Ballade “Beatrice”, die später sogar von den Tenor-Giganten Joe Henderson und Stan Getz aufgegriffen und interpretiert wurde

Als Sandrayati aufwuchs, zog sie von Ort zu Ort, um dem Ruf ihrer Eltern im Kampf für die Rechte der Ureinwohner zu folgen. Der ”Safe Ground”, das sichere Zuhause, wurde so durch die menschliche
Verbindung geschaffen. Als Person, die immer das Gefühl hatte, „vielen Orten zuzugehören“, fühlte sich Sandrayati nach den Lockdowns im Jahr 2020 so weit von ihrem Zuhause entfernt, dass sie nicht zurückkehren konnte.

In dieser Zeit entwickelte sie die Überzeugung, dass die sicheren Orte des Lebens manchmal bewusst geschaffen und gepflegt werden müssen – anstatt erwartet zu werden. Produziert vom GRAMMY-nominierten Komponisten Ólafur Arnalds, wurde dieser ”Safe Ground” nun musikalisch in Vinyl zusammengefasst.
Einem ultimativen sicheren Ort für Sandrayati, unabhängig von ihrer Stecknadel auf der Landkarte. Sandrayati beschrieb das Schreiben und Aufnehmen als persönliche „Landung“ und entdeckte in dieser faszinierenden neuen Landschaft eine reife Stimme.

Schließlich sucht sie viele wartende Hände einer neuen Gemeinschaft und hofft, den verlorenen Seelen, die ihre Vorstellung von Zuhause neu erfinden, einen ähnlichen Trost zu bieten.

For a quarter of an hour, Zürich was the navel of the world. Let's look back: at New York's CBGB's, pre-punks were shredding away, Malcolm McLaren, as a man with a fine-tuned taste for the hip, imported the sound to London, where his sweetheart Vivienne Westwood dressed the test-tube band The Sex Pistols. A few pop magazines later (we are in an analog world!) punk bands sprouted everywhere, like shiny pimples on poorly fed teenagers. Contrary to legend, even back then, it was often those with a musical background who were the most successful. One such example, Henrich "Wüste" Zwahlen, who had learned the violin, attended a jazz school and went into prog-rock before joining the Nasal Boys, one of the first punk bands in Zürich. The scene included the female band Kleenex (cover: Fischli of art heroes Fischli/Weiss), whose minimalism was praised by the London music press, while the world's most important rock theorist, Greil Marcus, wrote an ode highlighting Zürich's role as the birthplace of Dadaism. A fertile ground for the militant youth movement that exploded in 1980 and stirred up the city of banks, protestantism and boredom with raw wit and expressive violence. Gathering at concerts of local bands and fueled by endogenous and artificial substances - they paid homage to exuberance and self-indulgence.
The mantra of "everything-is-possible" was driven forward on the musical front by progress in terms of means of production: analog electronic instruments were no longer reserved for hippie nerds, who sat in front of large plug-in boards like autistic-psychedelic switchboard operators connecting cables for their sound carpets. Now snazzy stage personnel elicited fast-paced sounds from handy devices often made in Japan. Kraftwerk was fashionable, the Zurich duo Yello experimented with new synthetic sounds, and the groundbreaking album "Alles Ist Gut" by the Düsseldorf based duo D.A.F. (Deutsch Amerikanische Freundschaft) was released, which chanted its program of provocation times danceability with lines such as "Tanz den Jesus Christus, tanz the Mussolini, tanz the Adolf Hitler." In England meanwhile, electronically backed New Romantic bands were replacing New Wave. The Human League, Heaven 17, Duran Duran, OMD, Depeche Mode or Visage stormed the charts.
In Zürich's underground, the duo Aboriginal Voices caused a stir at that time. A couple, good-looking, styled, looking cool into the cold neon light, with a danceable beat and sequenced electro sounds, to which Micheline gave a very unique touch when she sang in French and English. Micheline had a classical piano education, had left home early, worked as a lighting technician in a strip joint and at Booster, the hottest boutique in town (one of the relicts that still exists). Voilà: a musician who was as stylish as she was tough. She was already playing with Wüste in the band "Doobie Doos", a band where everyone played an instrument they didn't master. In 1980 the Aboriginal Voices were formed, initially with vocalist Magda Vogel (of later UnknownmiX fame), who was trained as a classical singer.

Frustrated by organizational friction and constant hassles with band lineups, Wüste and Misch decided to do everything as a twosome: self-mixed, self-styled, self-produced. With the top-of-the-line Linn drum machine clocking the beat, Wüste's guitar and Micheline on the Yamaha synthesizer created a unique sound of danceable electronic music. Whereby the Aboriginal Voices acted as a kind of proto-influencer, receiving the latest equipment to try out, especially since they made it a point not to work with tapes, but to design everything for live shows. They had an interface built for the legendary Roland MC-4B, who sequenced the modular Roland System 100M but where one output controlled a light show synchronized with the sound. A pioneering act that fit well into the DIY spirit of punk, with its self-distributed tapes and fuck-you attitude towards the cretins of the music industry. Consequently only two cassettes and an EP were released. There was something futuristic about the sound, the vestiary style and the electronics, while the attitude remained rebellious. Of course something so deeped in the Zeitgeist wasn't meant to last. Wüste moved to New York, Micheline stayed in Zurich, both still active in the music scene to this day.

Sven Regener, head of the band Element of Crime and one of Germany's most successful pop writer said a few years ago when asked if he knew of any Swiss music: "Of course! In 1983, a Swiss band called Aboriginal Voices played with us at a festival in Zurich. Great, avant-garde electro-pop. That was my first encounter."

If you ever saw them live, you never forgot them, and so over the years you belonged to a teeny-tiny circle of insiders, happy to be joined after all these years by new aficionados who appreciate the sound of that quarter-hour, when Zurich was ravishing, creative and exciting.

- Thomas Haemmerli

Second part of the legendary "Screen" series.

It was hard to imagine a follow up to Yellow Screen as it was so successful. The pressure on our shoulders was quite high and rightly so, so we had to outdo ourselves for sure.

The first one to be « see the light » was New-York Philharmonic. A tasty mix of breakbeat, techno and trance. The main melody is just hypnotizing and gives a real feeling of escape. This track was chosen to be the main track of the EP.

Strawberry Milk is the most "underground" track of the EP. It is above all a personal pleasure of producers & composers in studio. We knew that New-York Philharmonic was going to be a hit so we had fun without any pressure on this track. It's a much more "mental" track that still gives off a certain melancholy.

Friday Sickness is without a doubt Mr Sam's favorite of all the tracks in the "Screen" series. It just contains all the elements that make a track perfect. It was as its name indicates composed and finished on a Friday when Mr Sam was sick.

The track was played the next day on CD at La bush and gave the audience a great moment of emotion. Mr Sam knew right away that the track was going to be a big success.

This EP is a perfect symbiosis of Mr. Sam's and Fred Baker's vision and proved that their relationship would only result in one classic release after another. The duo was only at the beginning of a great journey.

Official Reissue of the 1992's “A Tone Colour Of Onirico” classic! Back to Life is proud to presents another gem produced by Emanuele Luzzi, under the Oneiric name.
This is one of the release that made the history of House and Techno scene worldwide.

Shahrokh Dini delivered two top notch EPs in 2022, “Now We Can Dance” w/ Illinois and “Ubuntu”. After gathering some decent remixes, a proper vinyl release became self-evident. Here we go now with splendid re-works by the likes of Lehar, David Mayer, Omer Tayar, Tooker, Kovi, Patrick Zigon and Apoena. A superb package!

Shahrokh Dini left Karlsruhe, while he is even more active than ever in his old and new basecamp Berlin. Not even that he played a lot of nice gigs during summer (Amsterdam, few times on Ibiza, lot of gigs in Berlin, Italy, Corfu, Sardinia), he is also busy in the studio with several releases and remixes (btw.: one for Compost artist Felix Laband). “Now We Can Dance” with the strong and lovely vocals by Illinois is a contemporary house smash with an 80ties indie dance twist. Shahrokh met Illinois at the Garden Of Babylon parties, where Shahrokh is virtually the resident DJ, too.
Further we have stunning remixes by Lehar (Diynamic Music, Connaisseur Recordings), David Mayer (formerly Keinemusik, Ouïe), Apoena (Freerange), Omer Tayar (The Gardens of Babylon/Tel Aviv), Patrick Zigon (Biotop, Traumraum), Tooker (Ouïe, Crosstown Rebels), Kovi (Compost, Frau Blau).

Shahrokh Dini has a long lasting release history, among them a lot on Compost, also under his moniker Shahrokh Sound Of K. Check both his discographies on Discogs.

"Snake Bite Love" ist das 14. Studioalbum von Motörhead und wurde am 10. März 1998 veröffentlicht. Studioalbum von Motörhead.

Das Album zeigt die weniger harte Seite der Band, mit mehreren Tracks, die langsamer sind als man es von Motörhead erwarten würde.
Dennoch hat "Snake Bite Love" immer noch die klassische Mischung aus echtem Heavy Metal und Rock n'Roll, die Motörhead so gut beherrschen.

Das Album erscheint erstmals auf transparentem, rotem Vinyl und neu als Digipak.

Tartelet Records is thrilled to present the debut album from Doc Sleep – 10 tracks of exquisitely rendered melodies and rhythms shaped with grit and beauty in equal measure. Birds (in my mind anyway) is a widescreen vision of electronica as a medium to express your personal situation and respond to your environment – a rave adjacent art form free from the perceived rules of the dancefloor. To date, Melissa Maristuen known as Doc Sleep has established herself in the context of the club – first engaging with the culture in San Francisco before moving to Berlin. She helps run the Room 4 Resistance party, DJs on Refuge Worldwide, co- owns the Jacktone label and has released on Detour, Dark Entries and her own label. But in making Birds (in my mind anyway) she set herself an ultimatum.

“At the time of recording this album, my life, all my routines and priorities had to change – music was no exception. I decided if I couldn't be happy making an album free of the dancefloor, I was finally going to be done with music. Instead, I found a musical voice free of tempo and textural restriction. Eventually, I had a sound, and once I had the sound, the album came pretty quickly. It was a very different process writing music for no one...except myself.”

If the impression given is one of a consistent style across the album, think again. Doc Sleep moves freely between tempos and themes, even if there are some recurring qualities binding the music together. She weaves fluttering arps with poise, lending them an almost choral quality which gives the album a very human touch. But they’re equally emotionally ambiguous or pockmarked with sonic interference – reflections of the collisions and conflicts
that typify the human experience.

Every inch of the album is a personal touch – the title was pulled from Doc Sleep’s mother’s response to hearing the album, while her friend Kiernan Laveaux offered a beautiful text which appears on the back. Those closest to her all fed into the artwork process, which captures the curious dichotomy between urban brutalism and botanical finery often found in the parks of Berlin – a vital place of respite when she was making the album.

The talented producer and sound designer that is Farron is an artist also known as Lachriz, Quiem and Twuan and has made notable moves on Forbidden Planet, Renascence, and his own Shaw Cuts label. The good folk at Kimochi sign up his widescreen sounds here on a gorgeous 7 track 12" that mixes up plenty of slick techno & ambient styles. There are spacious and jittery rhythms with moody ambient pads, immersive and beatless dreamscapes, dubbed out rhythms and body-popping broken beat workouts with war undercurrents of sub-bass. It's a stylish record that is captivating throughout and looks as good as it sounds with its hand-sprayed sleeve.

Hailing from the Netherlands, Roberto Auser has been a mainstay of the underground electronic scene for over a decade. With a passion for vintage synthesizers and a knack for crafting irresistible beats, he has released a string of critically acclaimed albums and EPs that have won him a dedicated following around the world.

His new release for Ferry Lane sees Roberto on a synthwave tip, and it is a testament to his skill and creativity as a producer. Flush, with its infectious beats and hypnotic synth lines, is a prime example of Roberto's ability to create music that is both danceable and emotionally resonant. On the flip, Spy Satellite showcases his versatility and range with its haunting melodies and atmospheric textures.

Limited to 200 copies, hand-stamped labels.

RIYL Martial Canterel, Wierd, June

The Mothership has come! It has arrived in the form of the strictly limited collection box “Music Is The Healing Force Of The Universe”, containing all singles released on the label between 2019 and 2021. The Höga Nord – galaxy resounds of all good between strict electro and loose jams, fluffy krautrock and moist world music to underwater techno and space funk. Although, what it is that defines the Höga Nord sound is not genres, instead it is, to cite Mathias Nilsson, founder of and boss for the label, music “strongly connected to fantasy, to the creative world.” Creativity over profit!

The collection is an overview on Gothenburg’s underground music and on an international scene that breathes similar air as the local Swedish acts that Höga Nord Rekords has chosen to highlight. The kinship between Jesse’s 80’s varnish sports car-electro and Purple Desert Rain God’s more traditional mountain sound can appear distant but the artists come together in their free spirited approach to their own productions – what all acts on this collection has in common is that they move toward something new, something beyond the genre they are in.

“Music Is The Healing Force Of The Universe ” mark the closer for Höga Nords first run. The 2010s are over and the 2020s lies open for further investigation of the cream of the Swedish and international of underground scenes!

Hotflush Recordings celebrates 20 years in the game this year, with a triple pack vinyl compilation featuring some of the key musical events in the label’s catalogue.

Born in 2003, Hotflush stands as one of electronic music’s most influential labels. A multi-dimensional imprint that helped define the development of bass music throughout the mid-2000s, in the last decade it would evolve towards the liminal spaces between house, techno, and beyond - a journey which has given the dancefloor some of its true underground classics.

This celebratory release covers every era and stylistic area of the Hotflush output. 2005’s proto-dubstep face melter ‘The Knowledge’ by Toasty kicks off Side A, with the key sides of bass music development all covered with tracks from James Blake, Loefah, Sepalcure, and Scuba.

UK techno legend Surgeon appears with his seminal remix of Scuba’s ‘Ruptured’ (2008), while the early Paul Woolford classic ‘MDMA’ reminds us of how ended up working with Diplo.

George FitzGerald and Recondite reprise some of their key formative material, while newer names Lawrence Hart, OR:LA and breakout Seoul artist Closet Yi also make appearances.

Canadian mastermind Jacques Greene rounds off the release with his slamming remix of Kiimi’s Breaking My Mind.

This is a compilation 20 years in the making, containing some of the key tracks from the electronic underground - curated and compiled by label boss Scuba.

'The dynamic pop-meets-R&B duo, Two Another, today announce their hotly anticipated debut album “Back to Us”, an album that traverses themes of self-acceptance, queer identity, letting go of the idea of perfection and hope for the future. Blending alt-pop, funk and R&B, the upbeat buoyancy of Two Another’s sleek yet energetic productions on “Back To Us” has an infectious potency to transform a mood or an outlook track after track. The duo again confirm their unparalleled talent as they channel raw emotion into undeniable grooves across the ten tracks which are pumped with compelling stories executed by the honeyed melodies of Eliot Porter and the joyous synths of Angus Campbell.

NYC's Disco powerhouse West End Records should need no intro. The home of too-numerous-to-list club classics for over 30+ years is still impacting today on what we know to be club culture. The label started by one Mel Cheren (RIP) with assistance from Larry Levan and more way back in 1976 is still held in such high regard today with it's catalogue constantly being played, rediscovered, reinterpreted and loved by waves and waves of new fans and admirers. One such admirer is one of the UK's longest serving DJ's and editors, a truly legendary Northern selector who's unique reel to reel DJ sets and reworks has gained him fans worldwide and continues to do so. Ladies and gentlemen, we give you Greg Wilson's West End versions, 4 tracks of unparalleled funk touched by the man himself who has also kindly supplied some choice words about this special release:

"West End has a particular place in my heart. Along with Prelude, it was my main go-to label during the early '80s, an underground New York powerhouse issuing a relentless run of now classic and cult-classic club cuts during the time I was DJing at Legend in Manchester. For me personally, the label is forever connected with this then futuristic venue, West End's progressive approach to dance music, incorporating electronic elements to play a key role in ushering in the Electro-Funk era, finding its perfect environment at Legend, with tracks by Stone, and especially the Peech Boys' hugely influential 'Don't Make Me Wait', providing major stepping stones. This is a project that holds a deeper resonance for me, given my personal relationship with the label, and I'm so happy to contribute the series; the 4 favourites tracks I selected for this release illustrating West End's best qualities - serious grooves and soulful vocals.

The edit of 'You Can't Take Your Cake And Eat It Too' by B.T. (Brenda Taylor) was originally featured on my first Credit To The Edit compilation, back in 2005, whilst Raw Silk's 'Do It To The Music' was also edited around the same period, but has never been made available until now. 'Keep On Dubbin'' by Forrrce, although not as big as the other inclusions at the time, was an ahead of its time hybrid, mixed by Francois Kevorkian, whose dub awakening had taken place the previous year, and Shirley Lites 'Heat You Up (Melt You Down)', which draws from the instrumental 'Melt Down Mix', the version of choice at Legend, where dub and instrumental mixes often trumped the main vocal versions"

A truly golden era of dance music history, all killer - no filler! All tracks featured re-edited by Greg Wilson and re-mastered, re-pressed and re-released with the permission of and in conjunction with West End Records, New York City / BMG. '

Private Funk-Shun were a band formed in 1984 originating from the Loughton and Tottenham areas of north east London & Essex, and featured the vocal talents of Maxeen Edman-Messam - who would later go on to find fame in the early 1990s as key street soul artist Maxeen.

Originally performing under the name of Slipstream, but changing to Private Funk-Shun in 1985 after finding out another group were operating under with the same name, they toured around London & South East bringing a dedicated brit-funk following with them. Despite writing approximately 20 original tracks in their time, this self-released two-track 7" from 1986 was their only official output and has since become a certified rare groove, fetching upwards of £250 on the secondhand market.

Japan's guitar hero Takeshi Terauchi reworks traditional songs and lets everything go wild with his magnificent and frenzied guitar sound. Enter the electrifying world of Eleki!

Gatefold 180g heavy vinyl LP, reverse board print. Comes with extensive liner notes by Japanese pop culture writer Julien Seveon (Cinexploitation)

All tracks licensed by King Record Co., Ltd., Tokyo, Japan.

Mastering and lacquer cut by Jukka Sarapää at Timmion Cutting Lab, Helsinki, Finland.

Artwork by Nker

The aftermath of World War II gave rise to a global phenomenon that saw new generations of young people rise up determined to forge new paths from their elders – culturally, politically, and musically. Japan was no exception and the recent past made the local youth angrier, hungrier and even more determined to fully experience something different from their parents. The country caught on to the early rock & roll craze almost in tandem as it was happening in the States. Teenager Chiemi Eri singing "Rock Around The Clock" and Kazuya Kosaka with "Heartbreak Hotel" were among the first to make what would soon be called Rokabiri accessible to a large audience. Teacher and parent associations showed concern regarding this new music when teenagers started missing school to attend afternoon shows – one of which most notably being the Nichigeki Western Carnival where all the top names of Rokabiri played to sold out audiences. But by the end of the 1950s, the youth of Japan had moved on to something else entirely: Eleki.

The 50s and 60s were a time of rapid change that saw trends come and go. Japan, like all other industrial countries, saw its youth move from one musical sensation to the next. And in the early 60s, there was one band in particular that created a distinct new flavor: The Ventures. Leaving behind vocals and focusing strictly on the impact of the sound of the electric guitar, The Ventures drove kids crazy all over the world. Other bands followed, most notably The Shadows, but in Japan, no other instrumental rock band managed to leave such an impact. The sound of The Ventures helped boost guitar sales in Japan and soon hundreds of cover bands were popping up all over the country. The Eleki Bumu (electric boom) was now in full effect with Takeshi Terauchi emerging as its first and greatest guitar hero.

Terauchi was born January 1939 in the prefecture of Tochigi, north of Tokyo. His mother taught music and played the shamisen – a traditional Japanese stringed instrument – while his father ran, among other things, an electronics shop. Their respective professions were to be decisive in the path that Terauchi would later take. Serendipitously, at the age of five, Takeshi was given his first instrument – a guitar. His destiny sealed, he quickly began experimenting with different tools from his father's shop to give his instrument a stronger sound. The technological approach came from his father, the technique from his mother. Terauchi's signature playing style owes a lot to his mother's instrument of choice, as he attacks the notes on his guitar as one plucks the strings of a shamisen.

This exceptional compilation you are holding in your hands explores some of the best works by Takeshi Terauchi, recorded between 1966 and 1974, where the guitar hero looks inwards to Japan for inspiration. A meeting between traditional folk songs and the unique way Terauchi and his band play: the content is explosive, inspired, and highly addictive! The 60s and 70s were undoubtedly Terauchi's finest hours, and in the late 60s, one Japanese critic said that Terauchi was not only the best guitarist in Japan, but also in the world. You can now find out why.

"El Pasaje del Aumento" is a collection of syncopated rhythms for hypnotic slow dance. An accident of oppressive atmospheres with a humorous sense of rhythm and composition, which moves between downtempo, African rhythms and dub. With a certain oriental softness, it introduces you into a state of enchantment, spell... a hypnotic and mysterious restlessness, almost uncomfortable. Sentuhlà squeezes his Yamaha Rm1x on this second album, creating rhythms that you would never believe possible with a single synthesizer. He spins, twists and strangles it to the limit, til getting the last drop of frequency and oscillation.

Without too obvious references, it recalls the rhythms of Toulouse Low Trax or Wolf Müller, the experimentation of Muslimgauze, the repetition of Huerco S... But if you ask Sentuhlà himself, he will also mention Fela Kuti, Sun Ra, Can, Cabaret Voltaire, Tom Zé or Lee Scratch Perry...

Sentuhlà is one of the many aliases of musical jack of all trades José Guerrero, a long-standing figure in the already rich underground scene of Valencia. In this solo excursion, he explores the vast possibilities of mechanical repetition, the machine funk of dirtbag rhythms, and proper boogie DIY synth music, sculpting a syncopated sound that is both modern and atavistic. Coming from a deep knowledge and ability to communicate very diverse sounds, slow jams unfold into dance music for clear-eyed lounge lizards for whom sleaze comes not dizzy but focused. Whitened African rhythms beat up no-wave disco pleasure points, managing the hard task of being very cool and nonchalant, but also hot and dedicated.

“Exploration is in our nature. We began as wanderers, and we are wanderers still. We have lingered long enough on the shores of the cosmic ocean. We are ready at last to set sail for the stars.” - Carl Sagan.

In Kenyan cultural communities’ musical performance has always been linked with a long chain of related events and ideas. Music was often used to illuminate a specific topic and its implications to society. Through this method of explanation, musicians were able to reveal several underlying social concepts that determined people’s behaviour towards each other and the community.

This common recurring theme was seen mostly in ceremonies. African musical productions are abstract configurations that demonstrate a common fundamental creative principle of mediating the physical and metaphysical worlds. INSHA is centered on time and the evolution/relationship of these cultural-creative influences. The compilation inquires aspects of traditional cultures, physical or metaphysical from communities in Kenya, and act as inspirations and sonic paraphernalia. INSHA serves as a bridge between the past and future music creators on a more fundamental level than usual record keeping.

Dismantling the acoustic to feed the electronic, Editions Mego presents Telepath, the new album by Material Object. Born out of a single improvised recording session with a lone Violinist, Telepath is a startling album of future electronic music, resulting in an LP of unique and timeless tracks that reimagine a classic sound for an endless future.

Boldly departing from his previous canon of largely 'ambient' work, Material Object's Telepath renders itself out as something much stranger, something more spacious, more subtle and gradual. Moments of bouncing minimalism meet moirés of delayed pure tones phasing in and out of resolution, giving way to a series of strobing foreground gestures arranged and offset in disorienting landscapes which scatter themselves asymmetrically amongst crystal pools of reverb.

Revelling in the creative dismemberment of the original source material, Material Object slowly and patiently induces the violin to undergo every category of torsion, pressure and rupture. Its vivid acoustic qualities pass over and across the event horizon of the digital domain. Shattering then crystallising into points and coordinates, intersections, disjunctions, planes and reverberant figures. An uncanny geometry perceived only between the ears, at once dissolving and reconstructing itself.

Not to be missed here is the essential, but bonus only, add-on (available with all Bandcamp purchases) "Auxiliary Apparition", a hallucinatory expanse that traverses the same liminal geography as the LP proper but as some refracted, ghostly counterpoint. More nocturnal, overpowering phantasms looming out of a droning noise floor before fading away. A hypnotic and time-dilated recapitulation of what's gone before as if looking back from beyond a mirror. When it finally resolves in the closing moments and returns you home, you realise you haven't really moved at all.

Equally abstract, haunting and daring, Material Object’s Telepath is a singular work that abandons all notions of genre. Erupting with a tension of opposites that unfolds as a truly unique story, told in four dimensions and draped in deafening colour.

Bečva is a river located in the Eastern part of Czech Republic. In September 2020, several chemical leaks into the river caused the poisoning and subsequent death of 40 tons of wildlife in the waterway – an unprecedented catastrophe. Growing up in Přerov, Bečva was an ever-present part of Tomáš Niesner's youth and this environmental disaster affected him deeply. In an effort to understand the river better and inspired by Werner Herzog's 'Of Walking in Ice', Niesner set out on a journey from the spring of Bečva to its confluence with river Morava, a journey of over 100km. It was a romantic quest in wholly unromantic circumstances, an attempt to expiate the irreversible.

Bečvou, the album, is a travelogue of sorts, an aural chronicle of this journey. Arranged and composed around field recordings from the river banks, it also features Tomáš Niesner on guitar, zither and modular synthesizer, unlike many of his previous releases where he'd zero in on one instrument. Combining elements of fingerstyle guitar, musique concrete and drone, it's an elemental tapestry of enveloping textures, shimmering guitar motifs and soaring synth sounds. At one moment reminiscent of the meandering improvisations of East of the Valley Blues, at others calling to mind the ecstatic minimalistic compositions of Caterina Barbieri and oscillating between moods like dread and hope thoughout, Bečvou is Tomáš Niesner's most complete statement to date, fascinating in both concept and execution.

Freestyle puts out another reissue 12" in their drive to unearth rare and classic UK funk, soul & boogie records - this time a much needed pressing of the late Candy McKenzie's heavy boogie-funk cover of Patrice Rushen's classic Remind Me. Produced by Candy's late cousin, and seasoned session bass player, John McKenzie (and licensed from the family estate) this was originally released in 1983 - and comes with an excellent dubbed-out 'Different Style' instrumental version on the flip.

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Candy McKenzie (1953-2003) was a North West London-based vocalist from a Guyanese family heavily steeped in musicianship . She began learning the piano at a young age, picking up vocal harmony from her father, a jazz bass player. Her brothers Bunny & Binky, were also celebrated bassists. Candy would marry young in 1970 at the age of 17, though just one year later her brother Binky (who played with the likes of Cream, Alexis Korner & John Mclaughlin in the late 60s) tragically killed her mother and father, along with Candy's husband in an attack at the family home to which Candy was present. Candy was also injured but escaped with her life.

In the years that followed the tragedy Candy, regularly accompanied by her brother Bunny, would find reggae vocal session work - often at the Chalk Farm Studios frequented by many key producers & acts. She found her way onto Aswad's first album and Keith Hudson's legendary Flesh Of My Skin Blood Of My Blood LP - and a little while later on a couple of sessions with Bob Marley for Island, under the supervision of Lee Perry.

The latter two parties took a keen interest in Candy, with Island wisking her away to Jamaica in 1977 to record an album at the legendary Black Ark. Her vocals found their way onto The Congos seminal Heart of the Congos LP, but the album she recorded with Perry was shelved - with just the Black Art holy grail 12" Disco Fits / Breakfast in Bed finding it's way to release at the time.

Back in London, Candy spent the early to mid 80s recording various lovers and funk/soul 12"s, including this fantastic cover of Patrice Rushen's Remind Me, produced by her cousin John. She went on to record singles for labels like Elite & Cooltempo throughout the '80s and early '90s, and appeared as backing vocalist with the likes of Leonard Cohen, Whitney Houston, Elton John and Diana Ross. She passed away in 2003, with her one and only album recorded at the Black Ark finally seeing release on Trojan in 2011.

Candy's cousin John McKenzie got his starts in the music industry in the mid 70s as part of prog group Man and communal festival rockers Global Village Trucking Co., as well as playing with the likes of Annette Peacock and Steve Hillage. His father Mike McKenzie was also a key Carribbean jazz figure in the UK throughout the early 1950s, through to the '60s and '70s. John would become a heavily in-demand session musician - playing with everyone from the Eurhythmics to Bob Dylan - while also finding time to produce this record, alongside a couple of excellent 12"s with Mel Gaynor as Finesse, between 1982 and '83. He would regularly tour the world as a live musician for a huge array of headline acts, appearing on multiple chart hits, and in his later years was a member of the excellent group Ibibio Sound Machine. He lost his battle with cancer in 2020.

This reissue is dedicated to the memory of both John & Candy McKenzie.

Die Versuchung ist groß, hoid als Sibylle Kefers "opus magnum" zu bezeichnen. Diese Sammlung von 13 Liedern ist ein eindrucksvolles, stimmiges und zugleich vielfältiges künstlerisches Statement der in Wien lebenden und arbeitenden Musikerin, eine Kulmination ihres ständigen Wachsens als Künstlerin. Die reichen Facetten von Kefers Zugang zu Musik, die Qualitäten und das ganze Spektrum dessen, was sie als Komponistin, Texterin und Instrumentalistin - Singer/Songwriterin oder Liedermacherin dafür als Beschreibung zu ungenau, zu eng - macht und zum Ausdruck bringt, macht diese Lieder aus ...hoid als seit 2020 entstandenes, geschriebenes und aufgenommenes Album ist eine Brücke, eine Klammer, für vermeintlich widersprüchliche Erfahrungen und künstlerische Reaktionen darauf. Unser aller spezieller Lebenssituationen durch die Corona-Pandemie, den unmenschlichen Krieg in der Ukraine und den drohenden ökologischen Kollaps sind sein so verunsicherndes größeres wie dynamisches Setting. Mit dem Sibylle Kefer in ihren Liedern nicht zuletzt Rücksprache hält, Fragen dazu stellt und Widerworte oder Anschlüsse sucht. Das Musikmachen, das Liederschreiben schon für sich ein Stück Normalität und Positionierung zugleich. So sehr Sibylle Kefer sich in diesen Liedern mit Ungleichbehandlung, Ungerechtigkeiten und Grenzüberschreitungen befasst, so sehr klingt dabei immer ihre prinzipiell positive, hoffnungsvolle Grundhaltung durch, baut sie immer bewusst "Hoffnungsanstöße" in ihre Lieder ein: "Damit man weiß, wogegen, woran, womit man arbeitet, es zu tun hat."Die Lieder des Albums hat Kefer dabei zunächst im home-recording aufgenommen und zu produzieren begonnen, sich dabei über das Schreiben der Texte und Musik hinaus ein zusätzliches Skill-Set erarbeitet. Da ein Wesen der Musik, des Musikmachens von Sibylle Kefer immer Zusammenarbeit und Austausch bleiben, fanden sich auch in der Immer-Wieder-Isolation der Pandemie Möglichkeiten, mit vielen befreundeten und geschätzten Musiker_innen zu arbeiten. Nicht zuletzt formierte Sibylle Kefer, selbst bei Ernst Molden & das Frauenorchester nicht wegzudenken, während der Arbeit an hoid ihr eigenes Trio, ihre Band. Mit E-Bassistin Sarah Brait und Schlagzeuger Chris Pruckner wird sie zukünftig (nicht nur) die Songs von hoid auf die Konzert-Bühnen bringen. Ganz zentral für die Fertigstellung des Albums die Arbeit mit Martin Siewert, gemeinsam mit dem Musiker und Komponisten wurden die Lieder schließlich in ihre endgültige Form gebracht, in der sie nun auf hoid zu hören sind und darauf warten ihrem Publikum zu begegnen.

Krieg, steigende Energiekosten, Inflation. Eine politische Klasse und ein gespaltenes Land. Das Unbehagen nach dem Brexit, Akte nationaler Selbstbeschädigung und verhängnisvolle Realitätsfluchten. Verzweiflung, Wut und Entfremdung. War es jemals schlimmer da draußen?
Willkommen bei „UK Grim”. Das zwölfte Album der Sleaford Mods baut auf den einzigartigen, aufrührerischen Stärken früherer Alben auf und verfeinert sie gleichzeitig auf eine neue Weise. Es handelt sich um nichts Geringeres als eine Band und eine Stimme ihrer Generation, so wie es The Jam, The Clash oder Public Enemy zuvor waren.

Begonnen haben die Arbeiten zum neuen Album in den Lockdowns von 2021. Schließlich setzte man die Arbeit im JT Soars fort, dem Arbeitsraum und der Kreativzelle der Band, und vollendet „UK Grim“ dann im Heimstudio des musikalischen Kopfes Andrew Fearn. Das Album präsentiert die Band in ihrer makellosesten Wut, gepaart mit wilder Poesie. Nach „Spare Ribs“ von 2021 (ihrem dritten UK-Top-Ten-Album seit 2019 und ihrem bisher erfolgreichsten) ist es, wie alle ihre Platten, eine Diagnose der Krankheiten der Gesellschaft.

Obwohl „UK Grim“ größtenteils vor den Turbulenzen des Jahres 2022 entstanden ist, nimmt es die Erschütterungen einer Gesellschaft, die den Verstand verliert, auf unheimliche Weise vorweg, erzählt von einem Mann, der entschlossen ist, sich mit Heucheleien auseinanderzusetzen, insbesondere mit seinen eigenen. Die 14 Tracks klingen nach knarzigem Punk, widerspenstiger Elektronik und Elementen von Hip-Hop. Sie beschreiben die Realität in zu brutaler Unverblümtheit, um nur einfache Protestsongs zu sein. Sie sind zu Vinyl gewordene Wut, aufgekocht von den Großmeistern des pointierten Zorns – den Sleaford Mods! Wie bei den „Spare Ribs“ Kollaborationen mit Billy Nomates und Amy Taylor helfen auch bei „UK Grim“ Freunde aus: Florence Shaw von Dry Cleaning ist auf dem schaurigen „Force 10 From Navarone“ zu Gast. Williamson ist ein Fan der Band und sagt: "Sie erinnert mich wirklich an die frühen Sachen, die ich gemacht habe, einfach die Art und Weise, wie sie ein einziges Wort benutzt, um eine ganze Geschichte zu erzählen." Perry Farrell von Jane's Addiction rappt auf dem bizarren „So Trendy“, einem Song, von dem Williamson sagt, er sei "sehr vorsichtig... ein wirklich seltsamer Track“.

Seit ihrem Durchbruch-Album "Divide and Exit" von 2014 hatten die Sleaford Mods immer mehr Gelegenheit zum offenen Austausch, sowohl im In- als auch im Ausland. Sie sind eine unermüdlich arbeitende Band, die mit ihren minimalistischen Liveshows unter anderem 2021 in der 10.000 Zuschauer fassenden Nottingham Motorpoint Arena auftrat. Zu den weiteren Meilensteinen ihres Erfolgs gehören Auftritte im US-Late-Night-TV, Headliner-Auftritte auf Festivals und Chart-Platzierungen in ganz Europa mit „Spare Ribs”. Ein großer Bewunderer ist Iggy Pop, der der Band mit einer persönlichen Version des Drogenrausch-Grand-Guignols „Chop Chop Chop” Tribut gezollt hat.

Krieg, steigende Energiekosten, Inflation. Eine politische Klasse und ein gespaltenes Land. Das Unbehagen nach dem Brexit, Akte nationaler Selbstbeschädigung und verhängnisvolle Realitätsfluchten. Verzweiflung, Wut und Entfremdung. War es jemals schlimmer da draußen?
Willkommen bei „UK Grim”. Das zwölfte Album der Sleaford Mods baut auf den einzigartigen, aufrührerischen Stärken früherer Alben auf und verfeinert sie gleichzeitig auf eine neue Weise. Es handelt sich um nichts Geringeres als eine Band und eine Stimme ihrer Generation, so wie es The Jam, The Clash oder Public Enemy zuvor waren.

Begonnen haben die Arbeiten zum neuen Album in den Lockdowns von 2021. Schließlich setzte man die Arbeit im JT Soars fort, dem Arbeitsraum und der Kreativzelle der Band, und vollendet „UK Grim“ dann im Heimstudio des musikalischen Kopfes Andrew Fearn. Das Album präsentiert die Band in ihrer makellosesten Wut, gepaart mit wilder Poesie. Nach „Spare Ribs“ von 2021 (ihrem dritten UK-Top-Ten-Album seit 2019 und ihrem bisher erfolgreichsten) ist es, wie alle ihre Platten, eine Diagnose der Krankheiten der Gesellschaft.

Obwohl „UK Grim“ größtenteils vor den Turbulenzen des Jahres 2022 entstanden ist, nimmt es die Erschütterungen einer Gesellschaft, die den Verstand verliert, auf unheimliche Weise vorweg, erzählt von einem Mann, der entschlossen ist, sich mit Heucheleien auseinanderzusetzen, insbesondere mit seinen eigenen. Die 14 Tracks klingen nach knarzigem Punk, widerspenstiger Elektronik und Elementen von Hip-Hop. Sie beschreiben die Realität in zu brutaler Unverblümtheit, um nur einfache Protestsongs zu sein. Sie sind zu Vinyl gewordene Wut, aufgekocht von den Großmeistern des pointierten Zorns – den Sleaford Mods! Wie bei den „Spare Ribs“ Kollaborationen mit Billy Nomates und Amy Taylor helfen auch bei „UK Grim“ Freunde aus: Florence Shaw von Dry Cleaning ist auf dem schaurigen „Force 10 From Navarone“ zu Gast. Williamson ist ein Fan der Band und sagt: "Sie erinnert mich wirklich an die frühen Sachen, die ich gemacht habe, einfach die Art und Weise, wie sie ein einziges Wort benutzt, um eine ganze Geschichte zu erzählen." Perry Farrell von Jane's Addiction rappt auf dem bizarren „So Trendy“, einem Song, von dem Williamson sagt, er sei "sehr vorsichtig... ein wirklich seltsamer Track“.

Seit ihrem Durchbruch-Album "Divide and Exit" von 2014 hatten die Sleaford Mods immer mehr Gelegenheit zum offenen Austausch, sowohl im In- als auch im Ausland. Sie sind eine unermüdlich arbeitende Band, die mit ihren minimalistischen Liveshows unter anderem 2021 in der 10.000 Zuschauer fassenden Nottingham Motorpoint Arena auftrat. Zu den weiteren Meilensteinen ihres Erfolgs gehören Auftritte im US-Late-Night-TV, Headliner-Auftritte auf Festivals und Chart-Platzierungen in ganz Europa mit „Spare Ribs”. Ein großer Bewunderer ist Iggy Pop, der der Band mit einer persönlichen Version des Drogenrausch-Grand-Guignols „Chop Chop Chop” Tribut gezollt hat.

Nachpressung: "Beach Umbrella" Vinyl (2LP Blue)! ,Pacific Breeze" dokumentiert die musikalische Explosion Japans in die Stratosphäre. In den 1960er Jahren erreichte die Nation ein Nachkriegswunder und Japan stieg zur zweitgrößten Volkswirtschaft der Welt auf. Blühende Tech-Exporte wie tragbare Kassettenabspielgeräte, funkelnde Videospiele und glänzende Autos boomten weltweit und pumpten japanische Taschen voller Yen. Der finanzielle Aufschwung Japans durchdrang auch die Populärkultur und brachte den City Pop hervor. Dieser neue Sound entstand Mitte der 70er Jahre und zog sich durch die 80er Jahre und kanalisierte die zeitgenössische Psyche des Landes. Es war anspruchsvolle Musik, die Japans Wohlstand widerspiegelte und einen Soundtrack für aufstrebende Urbanisten lieferte. City Pop verkörpert diese Ära. ,Pacific Breeze" ist eine fachmännisch zusammengestellte Kollektion von ausgesuchten Songs, die von seidigen, glatten Easy Listening Grooves über innovative Techno-Pop-Banger bis hin zu allem, was dazwischen liegt, reicht. Diese Musik wurde bisher noch nie außerhalb Japans veröffentlicht, mit dabei sind Schlüsselkünstler wie Taeko Ohnuki und Minako Yoshida, Haruomi Hosono und Shigeru Suzuki, sowie die Kultfavoriten Hitomi Tohyama und Hiroshi Sato und viele andere. Diese lang erwartete Veröffentlichung enthält auch neu in Auftrag gegebene Cover Paintings des in Tokio lebenden Künstlers Hiroshi Nagai, dessen ikonische Bilder des Resort-Lebens auf den Hüllen vieler klassischer City Pop-Alben der 1980er Jahre zu finden sind. Viele der wichtigsten City Pop-Protagonisten kamen aus der japanischen New Music-Szene der frühen 70er Jahre, wie Light In The Attic's gefeierte ,Even a Tree Can Shed Tears - Japanese Folk & Rock 1969-1973" Compilation, die erste Veröffentlichung der laufenden Japan Archival Series, zeigt. ,Pacific Breeze" versammelt nun einige der besten City Pop Stücke: aufregende Easy Listening mit mutierter Exotica, gekipptem Techno-Pop und dampfendem Boogie, der unter dem Neon-Glanz brodelt.

Nachpressung: "Beach Umbrella" Vinyl (2LP Blue)! ,Pacific Breeze" dokumentiert die musikalische Explosion Japans in die Stratosphäre. In den 1960er Jahren erreichte die Nation ein Nachkriegswunder und Japan stieg zur zweitgrößten Volkswirtschaft der Welt auf. Blühende Tech-Exporte wie tragbare Kassettenabspielgeräte, funkelnde Videospiele und glänzende Autos boomten weltweit und pumpten japanische Taschen voller Yen. Der finanzielle Aufschwung Japans durchdrang auch die Populärkultur und brachte den City Pop hervor. Dieser neue Sound entstand Mitte der 70er Jahre und zog sich durch die 80er Jahre und kanalisierte die zeitgenössische Psyche des Landes. Es war anspruchsvolle Musik, die Japans Wohlstand widerspiegelte und einen Soundtrack für aufstrebende Urbanisten lieferte. City Pop verkörpert diese Ära. ,Pacific Breeze" ist eine fachmännisch zusammengestellte Kollektion von ausgesuchten Songs, die von seidigen, glatten Easy Listening Grooves über innovative Techno-Pop-Banger bis hin zu allem, was dazwischen liegt, reicht. Diese Musik wurde bisher noch nie außerhalb Japans veröffentlicht, mit dabei sind Schlüsselkünstler wie Taeko Ohnuki und Minako Yoshida, Haruomi Hosono und Shigeru Suzuki, sowie die Kultfavoriten Hitomi Tohyama und Hiroshi Sato und viele andere. Diese lang erwartete Veröffentlichung enthält auch neu in Auftrag gegebene Cover Paintings des in Tokio lebenden Künstlers Hiroshi Nagai, dessen ikonische Bilder des Resort-Lebens auf den Hüllen vieler klassischer City Pop-Alben der 1980er Jahre zu finden sind. Viele der wichtigsten City Pop-Protagonisten kamen aus der japanischen New Music-Szene der frühen 70er Jahre, wie Light In The Attic's gefeierte ,Even a Tree Can Shed Tears - Japanese Folk & Rock 1969-1973" Compilation, die erste Veröffentlichung der laufenden Japan Archival Series, zeigt. ,Pacific Breeze" versammelt nun einige der besten City Pop Stücke: aufregende Easy Listening mit mutierter Exotica, gekipptem Techno-Pop und dampfendem Boogie, der unter dem Neon-Glanz brodelt.

Oceanhoarse mag ein Neuling auf dem Gebiet des Heavy Metal sein, aber schnell und laut werden sie die Szene im Sturm erobern! Die Helsinki-Band mit Ben Varon (ex-Amoral) an der Gitarre, Bassist Jyri Helko (Warmen, ex-For The Imperium), Oskari Niemi am Schlagzeug und Sänger Joonas Kosonen tourte bereits in Finnland, Tokio, Japan und ganz Europa.
Zweifellos macht die Heavy-Metal-Gruppe ein Statement gegen computerisierte Metal-Musik, bei der es schwer zu wissen ist, was real ist und was nicht: Mit Oceanhoarse, gelobt für ihre wilde Energie auf der Bühne, bekommst du, was du siehst, ohne Backing-Tracks; aber pur, roh und wild - eine Seltenheit in der Heavy-Musik-Welt heutzutage.
Im Juni 2020 veröffentlichten Oceanhoarse The Damage Is Done - LIVE!, ein Album mit 11 Straight-in-Your-Face-Heavy-Metal-Hymnen, die auf einer ausgedehnten Tournee mit Nightwish-Sänger und -Bassist Marko Hietala aufgenommen wurden. Die Singles von Oceanhoarse, die auch auf dem Soundtrack des beliebten Videospiels Wreckfest enthalten sind, wurden bereits fast zwei Millionen Mal allein auf Spotify gestreamt.
Im Jahr 2021 ging die Band mit dem deutschen Label Noble Demon einen Gang höher, das erste Studioalbum der Band veröffentlichte und das Follow-up ist bereits für Anfang 2023 geplant!


Mit ehemaligen und aktuellen Mitgliedern bekannter Bands wie Amoral, Warmen und anderen haben sich Oceanhoarse zu einer Band entwickelt, die bereit ist, die Dinge in ihrem eigenen Stil zu erkunden, anstatt sich an irgendeine Art von Durchschnittsformel zu halten. Nachdem sie 2021 ihr Debütalbum "Dead Reckoning" (Noble Demon) veröffentlicht haben, gefolgt von mehreren Single-Veröffentlichungen und ausgedehnten Tourneen, sind die aus Helsinki stammenden Vierer vielleicht einer der bemerkenswertesten und hart arbeitenden Newcomer. Also macht euch bereit für "Heads Will Roll", ein Album, das ihr im Jahr 2023 nicht verpassen solltet!
Als Bonus gibt es das Live Album von "The Damage is Done" als 2te CD dazu.

Nachdem Steve Winwood die erfolgreiche Spencer Davis Group verlassen und die hellen Lichter zugunsten
der Countryside und der Jam-Sessions mit Jim Capaldi, Dave Mason und Chris Wood hinter sich gelassen
hatte, gründeten sich Traffic in Birmingham im April 1967. Traffic begannen als Psychedelic Rockband
und diversifizierten ihren Sound durch den Einsatz von Instrumenten wie Keyboards sowie durch die Einbeziehung von Jazz- und Improvisationstechniken. Bald darauf, im Dezember 1967, veröffentlichten Traffic
”Mr. Fantasy,” ihr Debütalbum, über Island Records. Das Album nannte der Rolling Stone „one of the
best from any contemporary group“ und es ist zu einem festen Bestandteil fast jeder Umfrage zum besten
Album des 20. und 21. Jahrhunderts geworden!
Nun erscheint das Album als individuelles Re-Issue aus dem phänomenalen ”Traffic 2019 - The Studio
Albums 1967-74 Boxset.” Aus den Originalaufnahmen remastered und auf 180 g schweres Vinyl gepresst,
ist es ein Muss für jeden neuen oder erfahrenen Traffic-Fan.
”Mr. Fantasy” erscheint als Deluxe LP und digital.