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Knives - What We See In Their Eyes (Mini-Album)

Das Noise-Kollektiv Knives aus Bristol hat die britische Alternative-Szene mit ihrer poppigen Mischung aus Post-Punk, Hardcore, Rap und Noise im Sturm erobert. Die Band kehrt mit ihrem Mini-Album "What We See In Their Eyes" zurück, um ihre Unzufriedenheit mit bestimmten Personen aus Bristol zum Ausdruck zu bringt, die dem einladenden Image der Stadt widersprechen. Die EP ist ein vertontes Spiegelbild und lädt den Hörer dazu ein, sich in die Lage der Unzufriedenen zu versetzen. Die Knives haben eine beeindruckende Resonanz zu ihren Live Shows erfahren. Vom ausverkauften Rough Trade Bristol bis hin zu Auftritten an der Seite von Bands wie Mclusky, CLT DRP, Tokky Horror, LIFE und Enola Gay - ihr chaotisches Liveset zieht jeden im Publikum in seinen Bann. 2024 wird ein aufregendes Jahr für die Knives werden, denn sie versprechen weitere schreiende Hymnen, die unsere gesellschaftlichen Herausforderungen kritisieren, sowie viele weitere Shows in ganz Großbritannien und der EU.

Ltd 140G Crystal-Clear-White Marbled Vinyl und 140G schwarzes Vinyl erhältlich!

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Knives - What We See In Their Eyes (Mini-Album)

Ltd Edition!

Das Noise-Kollektiv Knives aus Bristol hat die britische Alternative-Szene mit ihrer poppigen Mischung aus Post-Punk, Hardcore, Rap und Noise im Sturm erobert. Die Band kehrt mit ihrem Mini-Album "What We See In Their Eyes" zurück, um ihre Unzufriedenheit mit bestimmten Personen aus Bristol zum Ausdruck zu bringt, die dem einladenden Image der Stadt widersprechen. Die EP ist ein vertontes Spiegelbild und lädt den Hörer dazu ein, sich in die Lage der Unzufriedenen zu versetzen. Die Knives haben eine beeindruckende Resonanz zu ihren Live Shows erfahren. Vom ausverkauften Rough Trade Bristol bis hin zu Auftritten an der Seite von Bands wie Mclusky, CLT DRP, Tokky Horror, LIFE und Enola Gay - ihr chaotisches Liveset zieht jeden im Publikum in seinen Bann. 2024 wird ein aufregendes Jahr für die Knives werden, denn sie versprechen weitere schreiende Hymnen, die unsere gesellschaftlichen Herausforderungen kritisieren, sowie viele weitere Shows in ganz Großbritannien und der EU.

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Keys N Krates - IN:TENSION LP

Das elektronische Musik-Trio Keys N Krates legt mit IN:TENSION sein drittes Studioalbum vor, ein prägnantes Werk, auf dem die Band aus Toronto ihre lebenslangen Einflüsse und ihre vielseitigen
produktionsfähigkeiten zu einem leidenschaftlichen Projekt voller Talente verschmilzt. IN:TENSION enthält Tracks mit R&B-Superstar Ciara, der Sängerin Lion Babe sowie den aufstrebenden Sängern Taite Imogen, Dana Williams und dem verstorbenen, großartigen Sänger Aaron Carl.

Seit ihrer Gründung vor über einem Jahrzehnt haben Keys N Krates ihren eigenen Weg in der Musik gefunden, indem sie die Bereiche Hip-Hop,
Elektronik und mehr miteinander verschmolzen haben. Die Gruppe - bestehend aus dem Schlagzeuger Adam Tune, dem Keyboarder David Matisse
und dem Turntablist Greg Dawson - hat sich durch ihre Instrumentierung auf der Bühne und ihre energiegeladenen Sets einen ehrwürdigen Ruf als
einer der führenden Live-Elektronik-Acts unserer Zeit erarbeitet.

pré-commande03.05.2024

il devrait être publié sur 03.05.2024

Pachyman - At 333 House LP

Pachyman

At 333 House LP

12inchATO0671
ATO Records
03.05.2024

Im Geiste der klassischen jamaikanischen Aufnahmen der späten 70er und frühen 80er Jahre präsentiert uns Pachyman sein zweites Album mit Ausflügen in Dub und Roots Reggae. Inspiriert von der Roots Radics Band, erweitert Pachyman diesmal seine Erkundung des frühen Studio One-Sounds, Sly & Robbies Steppers-Stil und ein wenig Soul-Jazz-Reggae. Gemischt mit den Techniken von Scientist und King Tubby zollt Pachyman der Klangpalette der Dub-Meister Tribut. Aufgenommen zwischen April und Oktober 2019 in seinem eigenen 333 House Studio.

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SHEHERAZAAD - QASR

Sheherazaad

QASR

12inchERATPLP164
Erased Tapes
02.05.2024

Sheherazaad ist eine US-amerikanische Komponistin und Sängerin, derenzeitgenössische Folk-Pop-Synthese, produziertvon Arooj Aftab, einer neuen Welle der klanglichen Innovation aus der Diaspora Teil wird. In der modernen Welt ist Migration omnipräsent. Sie durchzieht sämtliche Lebens- und Alltagsbereiche, steckt oftmals verschlüsselt in unseren Gewohnheiten. Während unzählige Menschen sowohl mental als auch körperlich mit nie da gewesener Aggressivität die Globalisierung vorantreiben, werden einst stabile "Genres" und Identitäten jeder Art zerlegt - aufgespalten und abgeschafft, überflüssig gemacht und wieder neu geboren. Alles migriert, alles ist in Bewegung. In genau diesem fluktuierenden Feld findet Sheherazaad Inspirationen für ihre Songs. Ihr Minialbum Qasr entstand während einer Phase der familiären Entfremdung. Auch die Trauer über einen Todesfall in der Familie und die rassistische Polarisierung ihres Landes, das plötzlich kaum wieder zu erkennen war, prägten die Aufnahmen. Der Titel des Albums bedeutet auf Urdu (der Nationalsprache in Pakistan und einigen indischen Bundesstaaten) so viel wie "Burg" oder "Festung". Und tatsächlich ist Qasr ein Monument: Es verkörpert die Last der Vertreibung, die widersprüchlichen Sog- und Anziehungskräfte der Diaspora - und das schreckliche Problem der Auslöschung, des Vergessens der eigenen Wurzeln. Um genau diese Art der Erfahrung geht es, um die Gewalt, die Hysterie, auch um die Romantisierungen, die damit einhergehen, wenn Sheherazaad klanglich eintaucht in jenes In-Between - ins Reich des Dazwischen. Die Aufnahmen fanden im Herzen von Brooklyn im Glass Wall Studio statt. Die unbeschreibliche Energie der nächtlichen Sessions speiste sich dabei vor allem aus der einzigartigen (und einzigartig internationalen) Konstellation der Mitwirkenden: u.a. mit dabei waren auch Basma Edrees (Ägypten), Gilbert Mansour (Libanon) und Firas Zreik (Palästina); gemastert von Heba Kadry (Björk, Ryuichi Sakamoto). Auf Qasr lädt uns Sheherazaad in eine betörende und vollkommen neue Klangwelt ein: in ein Reich der Musik, das genau genommen noch gar nicht von dieser Welt zu sein scheint. Zugleich lässt sie die Fackel der nomadischen Erfahrung auflodern, gibt auch diesem Feuer einen sehr viel prominenteren Platz. Insgesamt entwirft die Künstlerin mit diesem betörenden Album ihre eigene Festung. Denn sie will auch uns dazu ermutigen, unsere eigenen Festungen, unsere eigenen klanglichen König:innen-Reiche und unmöglichen Traumwelten zu entwerfen

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Kamasi Washington - Fearless Movement LP 2x12"

Tanz ist das zentrale Thema des fünften Studioalbums "Fearless Movement" von Kamasi Washington. Dass er sich dem Tanz zuwendet und das Publikum mitnimmt, ist eine natürliche Weiterentwicklung von Washingtons fortwährender Beschäftigung mit Musik als Mittel der zwischenmenschlichen Verbindung. "The Epic" von 2015 und "Heaven and Earth" von 2018 waren Alben, die Genregrenzen überwunden haben und eine neue Generation in die Jazz Musik einführte. Beide Platten waren musikalischen Epen mit viel Chor und Streichern, "Fearless Movement" hingegen bietet etwas anderes. Es klingt immer noch gewaltig, aber rhythmischer - denn dieses Mal hat er den Rap in seinen musikalischen Kosmos geholt. "Die Welt ist stehen geblieben, aber ich habe definitiv nicht aufgehört", sagt Washington. "Fearless Movement" begann in den Tagen der globalen Pandemie. "Meine Tochter wurde genau in der Mitte davon geboren. Das sind zwei ziemlich große und monumentale Dinge, die gleichzeitig passieren". Das Elternsein hat Washington ein neues Gefühl der Dankbarkeit gegeben. Während die Tourneen pausierten, verbrachten sie die ersten Jahre damit, gemeinsam Washingtons Lieblingsplatten von John Coltrane, Ornette Coleman und Eric Dolphy zu hören. "Ich wollte ihr all die beste Musik zeigen", sagt er. Und eines Tages, als sie knapp zwei Jahre alt war, fiel ihr eine Melodie ein. "Wir spielten auf dem Klavier, und sie spielte sie einfach immer wieder", sagt er. Aus dieser Melodie wurde der Song "Asha The First". Washington und seine langjährigen Bandmitglieder nahmen die Melodie auf und ließen einige Lücken offen, die ein potenzieller Gast füllen sollte. " In Leimert Park, wo ich aufgewachsen bin, ist die Schnittmenge zwischen Jazz und Hip-Hop sehr groß". Also zog er Taj und Ras Austin hinzu, das Rap-Duo Coast Contra und Söhne des L.A.-Rappers Ras Kass, die er beim Herumstöbern auf YouTube entdeckt hatte. Washingtons langjähriger Freund und Kollaborateur Thundercat ist ebenfalls auf "Asha The First" zu hören. Washington ist nicht der Einzige, der auf "Fearless Movement" mit den Konventionen bricht. Andre 3000, der vielleicht beste Stilist des Rap, spielt sein allererstes Flötenfeature auf "Dream State". "Fearless Movement" vermittelt ein Gefühl der Verbundenheit, das Washingtons Arbeit über die Zeit hinweg mit der Black Music in L.A. verbindet - von der Vergangenheit über die Gegenwart bis zur Zukunft. Auf dem entspannten und funkigen "Get Lit", bei dem es darum geht, das Licht in jedem von uns zu nutzen, um unsere Gemeinschaften aufzubauen, bringt Washington den legendären Bandleader George Clinton und den Rapper D Smoke für einen der coolsten Tracks des Albums zusammen. Dieses Ethos der Elastizität und der Möglichkeiten erstreckt sich auch auf die Mitglieder von Washingtons Band, von denen einige auf dem Album zu hören sind. Unter ihnen auch Sängerin Patrice Quinn, Saxophonist Terrace Martin, Bassist Thundercat und Schlagzeuger Ronald Bruner Jr., DJ Battlecat und BJ The Chicago Kid. Die stetige Bewegung und Flexibiltät verleiht den neuen Songs eine gewisse Geschmeidigkeit, sowohl thematisch als auch musikalisch.

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Kamasi Washington - Fearless Movement LP 2x12"

Tanz ist das zentrale Thema des fünften Studioalbums "Fearless Movement" von Kamasi Washington. Dass er sich dem Tanz zuwendet und das Publikum mitnimmt, ist eine natürliche Weiterentwicklung von Washingtons fortwährender Beschäftigung mit Musik als Mittel der zwischenmenschlichen Verbindung. "The Epic" von 2015 und "Heaven and Earth" von 2018 waren Alben, die Genregrenzen überwunden haben und eine neue Generation in die Jazz Musik einführte. Beide Platten waren musikalischen Epen mit viel Chor und Streichern, "Fearless Movement" hingegen bietet etwas anderes. Es klingt immer noch gewaltig, aber rhythmischer - denn dieses Mal hat er den Rap in seinen musikalischen Kosmos geholt. "Die Welt ist stehen geblieben, aber ich habe definitiv nicht aufgehört", sagt Washington. "Fearless Movement" begann in den Tagen der globalen Pandemie. "Meine Tochter wurde genau in der Mitte davon geboren. Das sind zwei ziemlich große und monumentale Dinge, die gleichzeitig passieren". Das Elternsein hat Washington ein neues Gefühl der Dankbarkeit gegeben. Während die Tourneen pausierten, verbrachten sie die ersten Jahre damit, gemeinsam Washingtons Lieblingsplatten von John Coltrane, Ornette Coleman und Eric Dolphy zu hören. "Ich wollte ihr all die beste Musik zeigen", sagt er. Und eines Tages, als sie knapp zwei Jahre alt war, fiel ihr eine Melodie ein. "Wir spielten auf dem Klavier, und sie spielte sie einfach immer wieder", sagt er. Aus dieser Melodie wurde der Song "Asha The First". Washington und seine langjährigen Bandmitglieder nahmen die Melodie auf und ließen einige Lücken offen, die ein potenzieller Gast füllen sollte. " In Leimert Park, wo ich aufgewachsen bin, ist die Schnittmenge zwischen Jazz und Hip-Hop sehr groß". Also zog er Taj und Ras Austin hinzu, das Rap-Duo Coast Contra und Söhne des L.A.-Rappers Ras Kass, die er beim Herumstöbern auf YouTube entdeckt hatte. Washingtons langjähriger Freund und Kollaborateur Thundercat ist ebenfalls auf "Asha The First" zu hören. Washington ist nicht der Einzige, der auf "Fearless Movement" mit den Konventionen bricht. Andre 3000, der vielleicht beste Stilist des Rap, spielt sein allererstes Flötenfeature auf "Dream State". "Fearless Movement" vermittelt ein Gefühl der Verbundenheit, das Washingtons Arbeit über die Zeit hinweg mit der Black Music in L.A. verbindet - von der Vergangenheit über die Gegenwart bis zur Zukunft. Auf dem entspannten und funkigen "Get Lit", bei dem es darum geht, das Licht in jedem von uns zu nutzen, um unsere Gemeinschaften aufzubauen, bringt Washington den legendären Bandleader George Clinton und den Rapper D Smoke für einen der coolsten Tracks des Albums zusammen. Dieses Ethos der Elastizität und der Möglichkeiten erstreckt sich auch auf die Mitglieder von Washingtons Band, von denen einige auf dem Album zu hören sind. Unter ihnen auch Sängerin Patrice Quinn, Saxophonist Terrace Martin, Bassist Thundercat und Schlagzeuger Ronald Bruner Jr., DJ Battlecat und BJ The Chicago Kid. Die stetige Bewegung und Flexibiltät verleiht den neuen Songs eine gewisse Geschmeidigkeit, sowohl thematisch als auch musikalisch.

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COSBY - Loved For Who I Am LP

»Therapie ist ist kein Zeichen von Schwäche, es ist ein Zeichen von Stärke«, so Marie, die Frontfrau und Songwriterin von Cosby, die die letzten Jahre durch extreme Höhen und Tiefen gegangen ist. Alles spitzt sich irgendwann zu, bis es schließlich nicht mehr geht.

»Loved For Who I Am« ist ein Album, das eine persönliche Geschichte in einzelnen Kapiteln erzählt. Kapitel, die aufeinander aufbauen und vieles nach und nach sinnig erscheinen lassen. Kapitel, die – ganz wie ein Prequel – nicht etwa Handlungen fortführen, sondern einen Teil der Vorgeschichte erzählen. Um somit ein großes Ganzes entstehen zu lassen. Ein Ganzes, das sich Leben nennt. Und zeigt, dass jede(r) von uns nur gestärkter und im Reinen mit sich selbst aus Herausforderungen hervortreten kann. Für all das steht der Longplayer. Für all das stehen Cosby. Robin, Kilian, Dave und Marie. »Loved For Who I Am«.

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il devrait être publié sur 01.05.2024

Johannes Mössinger - About Bach LP

Johannes Mössinger

About Bach LP

12inchHGBS202201
HGBSBLUE
26.04.2024

Bach und Jazz - diese Verbindung besteht seit mehr als 60 Jahren und ist mittlerweile längst nicht mehr neu - aber wieder immer neu zu entdecken. Und mit "About Bach" ist die aktuelle LP-Veröffentlichung der Vinyl-Edition Black Forest Sounds ein weiterer musikalischer und klanglicher Leckerbissen für Musikfreunde, eingespielt von Johannes Mössinger im Ensemblehaus des Freiburger Barockorchesters auf einem Steinway D-Flügel. Johann Sebastian Bach (1685-1750) ist unstrittig einer der wichtigsten Komponisten überhaupt. Seine Musik übt auf viele Musiker einen Reiz aus, vor allem aber auf Jazzer. Spätestens seit der Franzose Jacques Loussier Ende der 50er Jahre mit "Play Bach" die Grenzüberschreitung zwischen zwei Musikwelten etablierte, haben sich viele Jazzmusiker vor allem eben mit J.S. Bach beschäftigt und diesen immer wieder neu aufgearbeitet... Hier ein weiteres Meisterwerk, eingespielt vom Freiburger Pianisten Johannes Mössinger, der sich seit vielen Jahren (auch) mit Bach beschäftigt. Der 1964 geborene Musiker ist seit fast 30 Jahren auf der Jazzszene aktiv, unternahm aber Ausflüge in die Klassik und hat seit vielen Jahren immer wieder Bach-Themen aufgenommen. Im Jazz arbeitete er mit zahlreichen US-Musikern, wie Joe Lovano, Joel Frahm, Don Bradon und Adam Nussbaum zusammen, um mit denen vor allem seine eigenen Kompositionen zu präsentieren. Mösssinger hat seine ganz eigene Sichtweise auf Bach und kombiniert Bach mit seiner eigenen Musik: "Wie Mössinger Bach verwandelt, so verwandelt die Musik auch den Zuhörenden: Ein Gang durch eine sorgfältig kuratierte Gegenüberstellung, die den Blick auf Bach schärft, herausfordert und verändert. Bach hat sich bewegt, wurde bewegt, hat seine Räumlichkeit verändert und die Position gewechselt. Am Ende scheint ein anderes Licht darauf", schreibt die Musikerin und Autorin Maria Reich in den Liner Notes zur LP.

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Tygers Of Pan Tang - Live Blood LP 2x12"

FOR FANS OF: IRON MAIDEN, SAXON, THIN LIZZY Mighty Music sind stolz darauf, die Veröffentlichung eines Live-Albums der TYGERS OF PAN TANG mit dem Titel "Live Blood" anzukündigen. Die Veteranen der NWOBHM, die Tygers, feiern derzeit ihr achtjähriges Bestehen bei Mighty Music. In dieser Zeit haben sie drei gut aufgenommene neue Alben veröffentlicht, von denen das letzte, "Bloodlines", im Jahr 2023 von der Kritik durchweg positiv aufgenommen wurde. Die Band, mit Gitarrist Robb Weir an der Spitze, zusammen mit den langjährigen Mitgliedern Jack Meille (Gesang) und Craig Ellis (Schlagzeug), hat für "Bloodlines" zwei neue Mitglieder aufgenommen: Gitarrist Francesco Marras und Bassist Huw Holding. "Live Blood" enthält Material aus der gesamten Bandkarriere, darunter Songs aus den ersten vier Alben bei MCA Records sowie aus den letzten vier Alben mit neuem Material. Jack Meille kommentiert: "Nach all der Zeit mit den Tygers ein Live-Album aufzunehmen? Ich hätte nie gedacht, dass ich das erleben würde, aber mit den Tygers Of Pan Tang habe ich gelernt, dass das "Unmögliche" möglich ist. "Live Blood" fängt die ganze Energie ein, die wir liefern, wenn wir unsere Lieblingssongs live und roh spielen!".
Die Aufnahmen wurden im Sommer 2023 im The Patriot in Wales (UK) gemacht und werden als Einzel-CD und als Doppel-Vinyl mit zusätzlichen Tracks erscheinen. Vor dem Album werden zwei Singles veröffentlicht: der Live-Favorit "Gangland" von ihrem legendären "Spellbound"-Album und das versteckte Juwel "Keeping Me Alive" von "Ambush".

pré-commande26.04.2024

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Ariel Sharratt & Mathias Kom - Never Work

Limitierte LP-Neuauflage: rot-goldfarbenes Vinyl, inklusive eines neu gestalteten Posters zum Ausklappen. Unser Album zum 1.Mai. Zum Tag der Arbeit und für den Kater danach. Die Arbeit verändert sich. Roboter ersetzen uns. Der Kapitalismus zerbröselt. Wir brauchen einen neuen Soundtrack - aber wie klingen work songs in einer Zukunft, in der die Natur der Arbeit selbst so unsicher ist? Mit ihrem zweiten Duo-Album Never Work suchen Ariel Sharratt und Mathias Kom (von der kanadischen Garagen-Folk-Band The Burning Hell) nach Antworten. Einige Songs sind Lieder über Arbeiter, andere sind Lieder für Arbeiter, aber die meisten sind beides zugleich. Musikalisch nutzt Never Work die akustischen Elemente eines Old-School-Folk-Revivals (...Guthrie, Seeger, Dylan..) die, tongue-in-cheek, mit Billig Electronica der 80er versponnen werden. Textlich greifen sie Anregungen von Gewerkschaftsaktivisten und situationistischen Witzbolden auf. Alles in allem die richtigen Instrumente, um die sogenannte Gig-Economy, technologischen Feudalismus, Klassenkämpfe, rebellische self-service Geräte und vollautomatisierten Luxuskommunismus zu erkunden. Sharratt und Kom sind vor allem als Teil der kanadischen Garagen-Folk-Band The Burning Hell bekannt. Seit fast einem Jahrzehnt haben sie sich mit ihren smarten, von dunklem Humor geprägten Songs und ihren dynamischen Live-Shows eine solide Fangemeinde erspielt, teilweise mit Freunden im Geiste, wie Jeffrey Lewis oder The Wave Pictures 2016 legten Sharratt und Kom eine erste Pause vom Bandformat ein, um ihre erste Duo-Platte "Don't Believe The Hyperreal" aufzunehmen. Das Album belebte die Atmosphäre klassischer Pop-Folk-Duette der 60er neu und bot eine intimere Seite ihres Songwritings, darunter den Underground-Hit "Fuck The Government, I Love You". Never Work nun gibt ihrem zweifellos charmanten Duett einen neuen Dreh: weg von der Romantik hin zu selbstreflexiven, zuweilen bissigen Betrachtungen von Arbeit in unserer Gesellschaft. Das beinhaltet ihre eigene Position als Musiker, unser Selbstverständnis in einem bröckelnden System von Arbeit, sowie die Rolle des Kapitals, das uns alle weiterhin prägt, auch wenn wir selbst keins besitzen. Never Work ist eine Protest-Playlist für unsere kollektive Reise ins Vergessen oder an den Strand, ernsthaft und ironisch zugleich.

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BULLION - AFFECTION LP

Bullion ist Nathan Jenkins, ein Produzent und Songwriter der elektronischen Musik, der Künstler, Genres und die britische Subkultur miteinander verbindet. Seine Credits reichen von Carly Rae Jepsen, Ben Howard, Nilüfer Yanya und Avalon Emersons Durchbruchsalbum „& The Charm“ bis zu Platten für Westerman und Joviale. Bullions gefeierte Solo-Veröffentlichungen sind bei Young, The Trilogy Tapes, Jagjaguwar und seinem eigenen Label DEEK Recordings erschienen. Es ist ein kreativer roter Faden, den Bullion auf seinem neuen Überraschungsalbum „Affection“ verknüpft - ein warmes, gelegentlich schräges und wunderschön umgesetztes Pop-Album. Bullions Musik war schon immer schwer zu fassen, aber absolut unverwechselbar - und auf „Affection“ ist es ein großes Vergnügen zu hören, wie dieser kompromisslose Ansatz zum Teil durch Weichheit verstärkt wird. Das Album fragt laut nach der Bedeutung von Intimität in der Beziehung zu anderen und zu sich selbst. Nathan wendet auf Bullions neuestem Album an, was er seinen Künstlerkollegen schon seit Jahren im Studio ans Herz legt: offen für Abenteuer zu sein. „Affection“ betritt einen emotional präsenteren, oft verspielten Raum, mit den Kollaborateuren Carly Rae Jepsen und Charlotte Adigéry, die Songs zieren, in denen Gefühle Vorrang vor festen Bedeutungen haben. „Rare“ zum Beispiel entstand während der Sessions für Jepsens jüngstes Album in Toronto: hohe Energie, die sich schüchtern gibt, um etwas "tief im Herzen" auszudrücken. „World_train“ ist ein exzentrischer und brillant schräger Blickwinkel auf Bullions Liebe zum Pop, der mit seiner Lokomotivkraft eine verlorene Vergangenheit inmitten der Unsicherheiten des Alltags heraufbeschwört. „I can hardly understand what it takes to be a real man'", singt Bullion. „…and nobody can“, bestätigt Adigéry. Dennoch, Verbindungen - verpasste, eingebildete oder immer noch mögliche - umhüllen einen Großteil von „Affection“, mit der Panda Bear Kollaboration „A City's Never“, die entstand, nachdem Noah und Nathan zur gleichen Zeit in Lissabon lebten, sich aber nie wirklich trafen. Für Bullion geht es bei der Bereitschaft, andere in seinen Songwriting-Prozess einzubeziehen, sowohl um die Öffnung der Welt des Albums als auch um die Verbesserung des Werks und der Person. Durch die Vermischung von Beobachtung und Introspektive entzieht sich der Avant-Pop von Affection jeder Kategorisierung. Die Texte des Albums sind ebenso unaufdringlich und hingebungsvoll wie neugierig auf alternative Möglichkeiten des Seins. Nathan hat seinen Sound gemeistert, aber das Leben - mit seinen Erwartungen, Widersprüchen, Impulsen und Sehnsüchten - bleibt unkontrollierbar. „Affection“ ist ein unaufdringlich kraftvolles Streben nach einer mitfühlenderen Form des Vertrauens.

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BULLION - AFFECTION LP

Bullion ist Nathan Jenkins, ein Produzent und Songwriter der elektronischen Musik, der Künstler, Genres und die britische Subkultur miteinander verbindet. Seine Credits reichen von Carly Rae Jepsen, Ben Howard, Nilüfer Yanya und Avalon Emersons Durchbruchsalbum „& The Charm“ bis zu Platten für Westerman und Joviale. Bullions gefeierte Solo-Veröffentlichungen sind bei Young, The Trilogy Tapes, Jagjaguwar und seinem eigenen Label DEEK Recordings erschienen. Es ist ein kreativer roter Faden, den Bullion auf seinem neuen Überraschungsalbum „Affection“ verknüpft - ein warmes, gelegentlich schräges und wunderschön umgesetztes Pop-Album. Bullions Musik war schon immer schwer zu fassen, aber absolut unverwechselbar - und auf „Affection“ ist es ein großes Vergnügen zu hören, wie dieser kompromisslose Ansatz zum Teil durch Weichheit verstärkt wird. Das Album fragt laut nach der Bedeutung von Intimität in der Beziehung zu anderen und zu sich selbst. Nathan wendet auf Bullions neuestem Album an, was er seinen Künstlerkollegen schon seit Jahren im Studio ans Herz legt: offen für Abenteuer zu sein. „Affection“ betritt einen emotional präsenteren, oft verspielten Raum, mit den Kollaborateuren Carly Rae Jepsen und Charlotte Adigéry, die Songs zieren, in denen Gefühle Vorrang vor festen Bedeutungen haben. „Rare“ zum Beispiel entstand während der Sessions für Jepsens jüngstes Album in Toronto: hohe Energie, die sich schüchtern gibt, um etwas "tief im Herzen" auszudrücken. „World_train“ ist ein exzentrischer und brillant schräger Blickwinkel auf Bullions Liebe zum Pop, der mit seiner Lokomotivkraft eine verlorene Vergangenheit inmitten der Unsicherheiten des Alltags heraufbeschwört. „I can hardly understand what it takes to be a real man'", singt Bullion. „…and nobody can“, bestätigt Adigéry. Dennoch, Verbindungen - verpasste, eingebildete oder immer noch mögliche - umhüllen einen Großteil von „Affection“, mit der Panda Bear Kollaboration „A City's Never“, die entstand, nachdem Noah und Nathan zur gleichen Zeit in Lissabon lebten, sich aber nie wirklich trafen. Für Bullion geht es bei der Bereitschaft, andere in seinen Songwriting-Prozess einzubeziehen, sowohl um die Öffnung der Welt des Albums als auch um die Verbesserung des Werks und der Person. Durch die Vermischung von Beobachtung und Introspektive entzieht sich der Avant-Pop von Affection jeder Kategorisierung. Die Texte des Albums sind ebenso unaufdringlich und hingebungsvoll wie neugierig auf alternative Möglichkeiten des Seins. Nathan hat seinen Sound gemeistert, aber das Leben - mit seinen Erwartungen, Widersprüchen, Impulsen und Sehnsüchten - bleibt unkontrollierbar. „Affection“ ist ein unaufdringlich kraftvolles Streben nach einer mitfühlenderen Form des Vertrauens.

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CNTS - Thoughts & Prayers LP

CNTS sind zurück!

Nach einem Wirbelsturm von Tragödien, sowohl global als auch persönlich, sind Gitarrist Mike Crain (Dead Cross, Retox, Festival Of Dead Deer), Schlagzeuger Kevin Avery (Retox, Planet B) und Sänger Matt Cronk (Qui) mit dem neuen Gitarristen Koko Arabian und Bassist Rico Adair zurück, um ihr zweites Album zu veröffentlichen.

Nach der Veröffentlichung ihres Debüts "Cunts" (2019) konnten CNTS eine kurze Tour einschieben, bevor die Welt auf Eis gelegt wurde. In der Pause wurden Aufnahmen gemacht und Pläne für die Zukunft geschmiedet. Alle Pläne wurden jedoch über den Haufen geworfen, als Matt Cronk bei einem Autounfall verletzt wurde, was zu einem chirurgischen Missgeschick führte und ihn mit einem gelähmten Stimmband zurückließ, unfähig zu sprechen, geschweige denn zu singen. CNTS gaben schweren Herzens ihr Ende bekannt. Bis zum Winter 2023 widmeten sich die Mitglieder von CNTS anderen Projekten, als Cronks verletztes Stimmband entgegen den Prognosen seiner Ärzte zu heilen begann und seine Stimme innerhalb von zwei Monaten zurückkehrte. Im März dann waren CNTS zuversichtlich, dass sie es noch einmal versuchen könnten.

Gestärkt durch Cronks Genesung und die neue Besetzung, verbrachten CNTS den Rest des Jahres mit der Arbeit an ihrem neuen Album Thoughts & Prayers, dessen Titel von der Banalität unserer kollektiven Reaktion auf Krisen inspiriert ist. Inspiriert von ihren jüngsten Herausforderungen haben CNTS mehrere Jahre der Frustration und des Elends in ein gut artikuliertes und aggressives Statement kanalisiert. Songs wie "Smart Mouth" und "Thoughts And Prayers" erzählen von Cronks Schmerz und Wut während seiner verschiedenen Verletzungen und der anschließenden Genesung. "I Don't Work For You" und Eating You Alive" handeln von der Ungerechtigkeit des modernen Lebens. "For A Good Time (Don't Call Her)" ist eine Wutrede auf das uralte Thema des Streits mit dem romantischen Partner.

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Elena Rud - Heimlich weinen (LP)

Chasing dopamine in free fall through a burning world. Looks that make you want to go swimming, even though you know you're going to drown. Where is my value? Who do I want to be? And who do I definitely not want to be?



Mental health, body positivity, queerness, sexualized violence and self-determination: Elena Rud sings about these things, loud and wild. With a voice that sometimes seems on the verge of breaking and then hangs deep in the ear canal again. As raspy as after a handful of cigarettes. So distinctive that you will recognize them again and again from a big bunch of newcomer bands.



Because the songs go through the marrow and bone. Under the skin or into the heart. Maybe left in and right out, but it's good in between. Because you feel that you're no longer quite so alone with yourself and this shitty world.

Mental Health, Body Positivity, Queerness, sexualisierte Gewalt und Selbstbestimmung: Elena Rud singt von diesen Dingen, laut und wild. Mit einer Stimme, die mal kurz vorm Wegbrechen scheint und dann wieder ganz tief im Gehörgang hängt. So kratzig wie nach einer Handvoll Selbstgedrehten. So markant, dass man sie aus einem großen Haufen Newcomer-Bands immer und immer wieder erkennen wird.
Mittlerweile hat Elena ein Rudel aus vier Jungs dazu gewonnen. Ein Rudel, das seiner Frontfrau nicht nur den Rücken stärkt, sondern sich auch gegen die toxischen Ideale wehrt, an denen sie selbst gemessen werden - für mehr Schwäche, Unsicherheit und GlitzerMakeup statt Dominanz, Unterdrückung und Aggression. Auch in Sachen Sound. Die fünf Münchner:innen klingen ehrlich, tanzbar und wild. Nach Indie-Rock und Punk. Oder nach NDW

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OU - II: Frailty LP

Ou

II: Frailty LP

12inch19658870721
Inside OutMusic
26.04.2024

Die chinesische Progressive-Metal-Band OU wird auf ihrem kommenden zweiten Album "II: Frailty" ihren hypnotischen Sound entfesseln. "II: Frailty" beschäftigt sich mit der volatilen Natur des Lebens und fängt Momente ein, die so flüchtig sind wie ein verwelktes Blatt, das aus dem Fluss der Zeit geboren wird. Produziert und abgemischt von Devin Townsend, der auch im hypnotischen Song Purge" zu hören ist, verspricht "II: Frailty" ein klangliches Meisterwerk, das Dich auf eine transformative Erfahrung vorbereitet, während OU durch die Tiefen des Progressive Metal navigieren und eine einzigartige Perspektive auf die Zerbrechlichkeit und Schönheit unserer Existenz bieten.

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Dettinger - Oasis LP  (Remastered 2024)

Dettinger’s Intershop and Oasis have long been held, by many fans of ambient and electronic music, to be some of the finest albums in their field. Produced by the mysterious Olaf Dettinger, about whom not much is publicly known, they were some of the earliest full-lengths released by the then-nascent Kompakt, and in many ways, they both articulated and defined the sound that would come to be known as Pop Ambient, while also existing, somehow, to the leftfield of any clearly recognisable genre.

Beautiful, sui generis works, it is a rare pleasure to see them being reissued on vinyl for a new generation of listeners to embrace. Originally released on CD only in 1999, Intershop was Kompakt’s first artist full-length. The music here simmers and broods, with opulent banks of tone marking out territory for rhythms that seem to be built from the clacking detritus of technology – hisses, thunks, knocks. Bass is deployed carefully, each drop a dubbed-out depth charge; drones spin and spiral, warping and weaving between the beats.

Oasis, released in 2000, refined the palette that Dettinger had explored on its predecessor. A blurred crusade of ambient texturology, its unassuming patterns, and subtle, incremental dynamics, admit to real beauty, and a kind of abstract sensuality that you don’t often experience with music that is, perhaps, similarly tooled, but not as poetic. Through seemingly simple gestures – whether lushly expansive repetitions, hyper-acute tremolo tones, or ear-tickling rhythms – it builds complex emotional resonance. It’s no surprise to discover Oasis is held in high esteem by artists like Panda Bear of Animal Collective, who once said of Dettinger, “For us, he was the dude.”

There is, of course, other music to know Dettinger by, too – his three excellent EPs for Kompakt, Blond (1998), Puma and Totentanz (1999), the latter of which, Michael Mayer once argued, “invented dubstep.” There is also a small, yet graceful run of compilation contributions, many of which can be found on Kompakt’s Total and Pop Ambient series. All this music has plenty to recommend it, sharing a clarity of purpose, and a rare, human warmth and depth. But Intershop and Oasis are the releases that distil Dettinger’s singular vision, and allow him, should he wish, to claim his place as a modern master of ambient and electronic music.

Dettingers Intershop und Oasis werden von vielen Fans von Ambient und elektronischer Musik seit langem als einige der besten Alben in diesem Bereich angesehen. Produziert von dem mysteriösen Olaf Dettinger, über den nicht viel bekannt ist, gehörten sie zu den ersten Alben, die von der damals aufstrebenden Plattenfirma Kompakt veröffentlicht wurden. In vielerlei Hinsicht formulierten und definierten sie den Sound, der später als Pop-Ambient bekannt werden sollte, während sie gleichzeitig irgendwie links von jedem klar erkennbaren Genre existierten.

Es ist eine seltene Freude zu sehen, dass diese wunderschönen Werke auf Vinyl wiederveröffentlicht werden, um sie einer neuen Generation von Hörern zugänglich zu machen. Ursprünglich wurde Intershop 1999 nur auf CD veröffentlicht und war Kompakts erstes komplettes Künstleralbum. Die Musik hier brodelt und brütet, mit opulenten Klangbänken, die das Territorium für Rhythmen abstecken, die aus dem klappernden Gerümpel der Technik gebaut zu sein scheinen – Zischen, Klopfen, Schaben. Der Bass wird sorgfältig eingesetzt, jeder Drop ist eine synchronisierte Tiefenladung; Drones drehen und winden sich spiralförmig und verflechten sich zwischen den Beats.

Oasis, das im Jahr 2000 erschien, verfeinerte die Palette, die Dettinger auf seinem Vorgänger erkundet hatte. Ein verschwommener Kreuzzug der Ambient-Texturologie, dessen unaufdringliche Muster und subtile, schrittweise Dynamik echte Schönheit und eine Art abstrakter Sinnlichkeit zulassen, die man nicht oft bei Musik erlebt, die vielleicht ähnlich ausgestattet, aber nicht so poetisch ist. Durch scheinbar einfache Gesten – seien es üppig ausladende Wiederholungen, hyperakute Tremolotöne oder ohrenbetäubende Rhythmen – baut sie eine komplexe emotionale Resonanz auf. Es ist keine Überraschung, dass Oasis von Künstlern wie Panda Bear von Animal Collective hoch geschätzt wird, der einmal über Dettinger sagte: “Für uns war er DER Typ”.

Es gibt natürlich auch noch andere Musik, die Dettinger bekannt macht – seine drei ausgezeichneten EPs für Kompakt, Blond (1998), Puma und Totentanz (1999), von denen letztere, wie Michael Mayer einmal kühn behauptete, “den Dubstep erfand”. Es gibt auch eine kleine, aber feine Reihe von Compilation-Beiträgen, von denen viele auf Kompakts Total- und Pop-Ambient-Serien zu finden sind. All diese Musik ist sehr empfehlenswert und zeichnet sich durch eine klare Zielsetzung und eine seltene, menschliche Wärme und Tiefe aus. Aber Intershop und Oasis sind die Veröffentlichungen, die Dettingers einzigartige Vision destillieren und es ihm ermöglichen, seinen Platz als moderner Meister der Ambient- und elektronischen Musik zu behaupten, sollte er dies wünschen.

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Dettinger - Intershop LP (Remastered 2024)

Dettinger’s Intershop and Oasis have long been held, by many fans of ambient and electronic music, to be some of the finest albums in their field. Produced by the mysterious Olaf Dettinger, about whom not much is publicly known, they were some of the earliest full-lengths released by the then-nascent Kompakt, and in many ways, they both articulated and defined the sound that would come to be known as Pop Ambient, while also existing, somehow, to the leftfield of any clearly recognisable genre.

Beautiful, sui generis works, it is a rare pleasure to see them being reissued on vinyl for a new generation of listeners to embrace. Originally released on CD only in 1999, Intershop was Kompakt’s first artist full-length. The music here simmers and broods, with opulent banks of tone marking out territory for rhythms that seem to be built from the clacking detritus of technology – hisses, thunks, knocks. Bass is deployed carefully, each drop a dubbed-out depth charge; drones spin and spiral, warping and weaving between the beats.

Oasis, released in 2000, refined the palette that Dettinger had explored on its predecessor. A blurred crusade of ambient texturology, its unassuming patterns, and subtle, incremental dynamics, admit to real beauty, and a kind of abstract sensuality that you don’t often experience with music that is, perhaps, similarly tooled, but not as poetic. Through seemingly simple gestures – whether lushly expansive repetitions, hyper-acute tremolo tones, or ear-tickling rhythms – it builds complex emotional resonance. It’s no surprise to discover Oasis is held in high esteem by artists like Panda Bear of Animal Collective, who once said of Dettinger, “For us, he was the dude.”

There is, of course, other music to know Dettinger by, too – his three excellent EPs for Kompakt, Blond (1998), Puma and Totentanz (1999), the latter of which, Michael Mayer once argued, “invented dubstep.” There is also a small, yet graceful run of compilation contributions, many of which can be found on Kompakt’s Total and Pop Ambient series. All this music has plenty to recommend it, sharing a clarity of purpose, and a rare, human warmth and depth. But Intershop and Oasis are the releases that distil Dettinger’s singular vision, and allow him, should he wish, to claim his place as a modern master of ambient and electronic music.
Dettingers Intershop und Oasis werden von vielen Fans von Ambient und elektronischer Musik seit langem als einige der besten Alben in diesem Bereich angesehen. Produziert von dem mysteriösen Olaf Dettinger, über den nicht viel bekannt ist, gehörten sie zu den ersten Alben, die von der damals aufstrebenden Plattenfirma Kompakt veröffentlicht wurden. In vielerlei Hinsicht formulierten und definierten sie den Sound, der später als Pop-Ambient bekannt werden sollte, während sie gleichzeitig irgendwie links von jedem klar erkennbaren Genre existierten.

Es ist eine seltene Freude zu sehen, dass diese wunderschönen Werke auf Vinyl wiederveröffentlicht werden, um sie einer neuen Generation von Hörern zugänglich zu machen. Ursprünglich wurde Intershop 1999 nur auf CD veröffentlicht und war Kompakts erstes komplettes Künstleralbum. Die Musik hier brodelt und brütet, mit opulenten Klangbänken, die das Territorium für Rhythmen abstecken, die aus dem klappernden Gerümpel der Technik gebaut zu sein scheinen – Zischen, Klopfen, Schaben. Der Bass wird sorgfältig eingesetzt, jeder Drop ist eine synchronisierte Tiefenladung; Drones drehen und winden sich spiralförmig und verflechten sich zwischen den Beats.

Oasis, das im Jahr 2000 erschien, verfeinerte die Palette, die Dettinger auf seinem Vorgänger erkundet hatte. Ein verschwommener Kreuzzug der Ambient-Texturologie, dessen unaufdringliche Muster und subtile, schrittweise Dynamik echte Schönheit und eine Art abstrakter Sinnlichkeit zulassen, die man nicht oft bei Musik erlebt, die vielleicht ähnlich ausgestattet, aber nicht so poetisch ist. Durch scheinbar einfache Gesten – seien es üppig ausladende Wiederholungen, hyperakute Tremolotöne oder ohrenbetäubende Rhythmen – baut sie eine komplexe emotionale Resonanz auf. Es ist keine Überraschung, dass Oasis von Künstlern wie Panda Bear von Animal Collective hoch geschätzt wird, der einmal über Dettinger sagte: “Für uns war er DER Typ”.

Es gibt natürlich auch noch andere Musik, die Dettinger bekannt macht – seine drei ausgezeichneten EPs für Kompakt, Blond (1998), Puma und Totentanz (1999), von denen letztere, wie Michael Mayer einmal kühn behauptete, “den Dubstep erfand”. Es gibt auch eine kleine, aber feine Reihe von Compilation-Beiträgen, von denen viele auf Kompakts Total- und Pop-Ambient-Serien zu finden sind. All diese Musik ist sehr empfehlenswert und zeichnet sich durch eine klare Zielsetzung und eine seltene, menschliche Wärme und Tiefe aus. Aber Intershop und Oasis sind die Veröffentlichungen, die Dettingers einzigartige Vision destillieren und es ihm ermöglichen, seinen Platz als moderner Meister der Ambient- und elektronischen Musik zu behaupten, sollte er dies wünschen.

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KARL BARTOS - COMMUNICATION LP

Karl Bartos

COMMUNICATION LP

12inchTR20611
Trocadero
26.04.2024

2024 Repress

"Communication", das erste, wirkliche Soloalbum des Ex-Kraftwerkers Karl Bartos, kam 2003 in die Läden und damit 13 Jahre nach Bartos" Ausstieg bei den Düsseldorfer Elektronikern. 2016, und damit wiederum 13 Jahre später, erscheint das Album, komplett remastert und mit dem Bonustrack "Camera Obscura", erneut. "Communication" ist jedoch keine bloße Wiederveröffentlichung. Es ist der Reload eines Pop-Klassikers, der heute thematisch aktueller ist denn je. ""Communication" handelt davon, wie Bilder unsere Sicht auf die Welt bestimmen und wie sich durch elektronische Medien die Inhalte unserer Kultur verändern", so Bartos anlässlich der Veröffentlichung im Jahr 2003. 2016 hat dieses Thema an Dringlichkeit und Wahrhaftigkeit nichts eingebüßt. Ganz im Gegenteil. Heute ist die Medienwelt, die das Album beschreibt, so alltäglich geworden, dass ihre Wirkmächtigkeit gar nicht mehr wahrgenommen wird. Spannend: Obwohl zehn Jahre früher erschienen, kann "Communication" energetisch nahtlos an Bartos" gefeiertes letztes Album "Off The Record" (2013) anschließen.

pré-commande26.04.2024

il devrait être publié sur 26.04.2024

Natacha Fink - Pirarublue 72

Irresistible Brazilian blues reggae from the heart of the Amazon rainforest. A psychedelic guarana induced trip and ode to the fading indigenous cultures and shifting hegemony in Brazil. This one-off release by Manaus native Natacha Fink was originally written in 1986 as the lead track on NOSSA MUSICA - a compilation celebrating regional music from the Amazon. Emerging out of the dictatorship, Natacha and her fellow artists rejected the aesthetic standards driven by internal colonialism and sought out new ways to express themselves away from the styles of the dominant Rio-São Paulo axis. What surfaced was a melodic blend of genres, with Natacha’s haunting vocals and playful lyrics gliding over an arrangement of guitars and double bass. Vocal backing is led by Torrinho, well known for his layered composition style, whose song ‘Porto de Lenha’ is recognised throughout Amazonas as an unofficial anthem. Hidden within the Amazon, Pirarublue lies in that wonderful space between innocence and honesty. Proudly exploring cultural and ecological spaces through a refreshing, ghostly infectious groove. For fans of Gal Costa, Elis Regina, Chico César, Jorge Ben Jor and Joni Mitchell.

Accompanying Natacha’s beguiling single is the field recording “Unseen Songlines” by artist and academic Nimalan Yoganathan. The composition immerses the listener in the soundscapes of Mamori Lake, a remote village inside the Brazilian Amazon. Nimalan explores the ambiguous perception of sounds emanating from the dense rainforest and deep beneath the Amazon River, where we hear the sounds but cannot see their sources: an acousmatic concert performed by the rainforest itself. Processed field recordings of birds and frogs, as well as underwater hydrophone recordings of dolphins and fish subtly weave throughout electroacoustic textures and beats. The listener is invited to hone in on the musical subtleties hidden throughout the environment. The compositional methods employed in this piece draw on the concepts of sonic rupture, presence, absence and memory found in the dub music tradition.

This limited edition 7” by Sticky Buttons puts these two outlying works together for a unique listening experience, combining the human and more-than-human experience of life at the heart of Brazil. Both uniquely Amazonian but with a universal appeal.

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Fred Hersch - Silent, Listening LP

Silent, Listening ist eine essentielle Ergänzung zu ECMs renommierter Reihe von Solo-Klavieraufnahmen mit einem der herausragendsten improvisierenden Pianisten unserer Zeit: Fred Hersch. Das Album umfasst sieben Eigenkompositionen sowie eine Handvoll Standards, darunter Billy Strayhorns ”Star-Crossed Lovers”, Sigmund Rombergs ”Softly, As In A Morning Sunrise”, Alec Wilders ”Winter Of My Discontent” und Russ Freemans ”The Wind”. Hersch geht die Musik durchweg mit jener seltenen Konzentration, Sensibilität und Eleganz an, für die der Jazz-Doyen bekannt ist. Das Album wurde mit dem Produzenten Manfred Eicher in der besonderen Akustik des Studios in Lugano entwickelt und im Mai 2023 aufgenommen.

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Dool - The Shape Of Fluidity  LP Bundle

Alles fließt, nichts bleibt wie es ist. Diese philosophische Erkenntnis gilt auch für das dritte Studioalbum der aufstrebenden niederländischen Rockband DOOL. Der treffende Titel "The Shape of Fluidity" zielt keineswegs nur auf die musikalische Innovation. Sondern das Album dreht sich um Themen wie persönlicher Wandel, physische Veränderung, psychologische Weiterentwicklung und die sich erneuernde Welt um uns herum. DOOL und insbesondere Sänger/in und Gitarrist/in Raven van Dorst stellen Fragen: Wie wirkt sich der Wandel auf uns aus? Wie bleiben wir uns selbst in einer Welt treu, die so unglaublich herausfordernd und aggressiv gegenüber dem Individuum ist? Wir müssen so fließend wie Wasser sein, um in diesem Ozean von Möglichkeiten und Ungewissheiten erfolgreich zu navigieren - und Frieden mit Chaos und Unbeständigkeit zu schließen. Musikalisch setzen DOOL den auf den beiden vorangegangenen Studioalben eingeschlagenen Weg fort, der emotionale Rockmusik mit Elementen aus dem Metal kombiniert. Dabei demonstrieren die Niederländer eine auffällige Reife und Kontrolle im Songwriting, die aus Jahren der Erfahrung gewachsen sind. "The Shape of Fluidity" zeigt eine eklektische, aber nahtlose Verschmelzung von Progressive und Post-Rock sowie Doom und Heavy Metal, die mit einer stets präsenten Eingängigkeit und hintergründigen Dynamik kombiniert sind. Es ist offenkundig, dass sich das Album thematisch mit dem Konzept der Identität vor dem Hintergrund einer sich ständig verändernden Welt befasst. Die Texte des Albums sind eng mit der Biografie von Leadsänger/in Raven verknüpft. Von Geburt an intersexuell, entschieden die Ärzte chirurgisch, dass der Säugling als Mädchen durchs Leben gehen solle. Dies führte zu einer Existenz auf der Suche nach der eigenen Seele, dem Kampf gegen Tabus und die Überschreitung von Grenzen, bis Raven vor kurzem beschloss, das zurückzufordern, was andere versuchten hatten, ihnen wegzunehmen - und ihre hermaphroditische Natur zu akzeptieren. Der Bandname DOOL leitet sich vom niederländischen Wort für "Wandern" ab. Bereits das im Jahr 2017 erschienene Debütalbum "Here Now, There Then" landete einen sofortigen Volltreffer. Der frisch-wilde Rock- und Metalsound aus den Niederlanden wurde von den renommierten deutschen Magazinen Metal Hammer und Rock Hard zum "Album des Monats" gekürt. Auch Vice (US), Aardschok (NL) und De Volkskrant (NL) überschütteten die junge Band mit Lob. Mit ihrem zweiten Album "Summerland", das 2020 erschien, übertrafen DOOL die ohnehin schon hochgesteckten Erwartungen. Es gab weitere "Album des Monats"-Auszeichnungen in den deutschen Magazinen Rock Hard (10/10) und Sonic Seducer sowie eine #2 Soundcheck-Position in Metal Hammer (DE) und Metal.de, und eine weitere #1 im polnischen Metal Hammer - mit einem Berg herausragender Kritiken auf beiden Seiten des Atlantiks. Mit "The Shape of Fluidity" bieten DOOL sehr viel mehr als nur verdammt coole Musik. Die zusätzlichen Dimensionen von Tiefe und Bedeutung sind Teil ihres einzigartigen Reizes und kommen auf dem neuen Album deutlich zum Vorschein. Mögen sich alle, die wandern, unter der fluiden Flagge von DOOL versammeln!

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il devrait être publié sur 19.04.2024

Medieval Steel - Medieval Steel

Medieval Steel wurden ursprünglich im Frühling 1982 in Memphis, Tennessee gegründet. Die Band trat in lokalen Clubs auf, bevor sie ihr eigenes Material zu schreiben begann (welches später mit Queensryche und Crimson Glory verglichen wurde).

"Sobald wir unsere Besetzung gefestigt hatten, intesivierten wir unsere Live-Aktivitäten", erklärt Sänger Bobby Franklin heute."Außerdem war uns klar, dass wir als nächsten Schritt unser eigenes Material komponieren mussten, um in diesem Geschäft Fuß fassen zu können."

Zwei weitere Jahre dauerte es, bis mit "Medieval Steel", "Warlods", "Battle Beyond The Stars" und "Echoes" die vier Songs für ihre heute legendäre Debüt-EP gefunden waren. "Als ich das Material geschrieben und aufgenommen hatte, konnte ich noch nicht ahnen, dass es einmal ein Eigenleben annehmen würde", meint Bobby Franklin. Und weiter: "Ich glaube, wir konnten unter zehn oder elf Stücken auswählen. Aus finanzielen Gründen nahmen wir kein vollständiges Album auf. Die Recordings an sich gingen schnell und problemlos über die Bühne. Wir haben zwei Wochen lang drei oder vier Stunden am Tag geübt, um bestmöglich vorbereitet zu sein. Zu jener Zeit waren wir alle noch junge Burschen und hatten reguläre Jobs. Wir waren uns sicher, dass unsere Musik das gewisse Etwas besaß."

Die besagte EP erschien 1984 über das in Memphis ansässige Label SUR Records, das auch ein eigenes Studio betrieb: "Sie hatten keine Metal-Bands unter Vertrag und haben überwiegend Country und Blues gemacht. Es war ein wirklicher Schock für sie, als wir angekommen sind. Aber es waren nette Leute, die uns gut behandelt haben. Jack Holder war der Tontechniker und Co-Produzent. Er spielte in einer Band namens Cobra und hat danach entschieden, Tontechniker zu werden, worin er sehr gut war. Ich glaube mich zu erinnern, dass 3.000 Vinyl-Exemplare sowie 1.000 Kassetten gefertigt wurden. Sofort nachdem man in Europa von der EP Wind bekommen hatte, war sie im Nu ausverkauft."

Medieval Steel arbeiten zurzeit an einem brandneuen Studioalbum!

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Medieval Steel - Medieval Steel

Medieval Steel wurden ursprünglich im Frühling 1982 in Memphis, Tennessee gegründet. Die Band trat in lokalen Clubs auf, bevor sie ihr eigenes Material zu schreiben begann (welches später mit Queensryche und Crimson Glory verglichen wurde).

"Sobald wir unsere Besetzung gefestigt hatten, intesivierten wir unsere Live-Aktivitäten", erklärt Sänger Bobby Franklin heute."Außerdem war uns klar, dass wir als nächsten Schritt unser eigenes Material komponieren mussten, um in diesem Geschäft Fuß fassen zu können."

Zwei weitere Jahre dauerte es, bis mit "Medieval Steel", "Warlods", "Battle Beyond The Stars" und "Echoes" die vier Songs für ihre heute legendäre Debüt-EP gefunden waren. "Als ich das Material geschrieben und aufgenommen hatte, konnte ich noch nicht ahnen, dass es einmal ein Eigenleben annehmen würde", meint Bobby Franklin. Und weiter: "Ich glaube, wir konnten unter zehn oder elf Stücken auswählen. Aus finanzielen Gründen nahmen wir kein vollständiges Album auf. Die Recordings an sich gingen schnell und problemlos über die Bühne. Wir haben zwei Wochen lang drei oder vier Stunden am Tag geübt, um bestmöglich vorbereitet zu sein. Zu jener Zeit waren wir alle noch junge Burschen und hatten reguläre Jobs. Wir waren uns sicher, dass unsere Musik das gewisse Etwas besaß."

Die besagte EP erschien 1984 über das in Memphis ansässige Label SUR Records, das auch ein eigenes Studio betrieb: "Sie hatten keine Metal-Bands unter Vertrag und haben überwiegend Country und Blues gemacht. Es war ein wirklicher Schock für sie, als wir angekommen sind. Aber es waren nette Leute, die uns gut behandelt haben. Jack Holder war der Tontechniker und Co-Produzent. Er spielte in einer Band namens Cobra und hat danach entschieden, Tontechniker zu werden, worin er sehr gut war. Ich glaube mich zu erinnern, dass 3.000 Vinyl-Exemplare sowie 1.000 Kassetten gefertigt wurden. Sofort nachdem man in Europa von der EP Wind bekommen hatte, war sie im Nu ausverkauft."

Medieval Steel arbeiten zurzeit an einem brandneuen Studioalbum!

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Medieval Steel - Medieval Steel

Medieval Steel wurden ursprünglich im Frühling 1982 in Memphis, Tennessee gegründet. Die Band trat in lokalen Clubs auf, bevor sie ihr eigenes Material zu schreiben begann (welches später mit Queensryche und Crimson Glory verglichen wurde).

"Sobald wir unsere Besetzung gefestigt hatten, intesivierten wir unsere Live-Aktivitäten", erklärt Sänger Bobby Franklin heute."Außerdem war uns klar, dass wir als nächsten Schritt unser eigenes Material komponieren mussten, um in diesem Geschäft Fuß fassen zu können."

Zwei weitere Jahre dauerte es, bis mit "Medieval Steel", "Warlods", "Battle Beyond The Stars" und "Echoes" die vier Songs für ihre heute legendäre Debüt-EP gefunden waren. "Als ich das Material geschrieben und aufgenommen hatte, konnte ich noch nicht ahnen, dass es einmal ein Eigenleben annehmen würde", meint Bobby Franklin. Und weiter: "Ich glaube, wir konnten unter zehn oder elf Stücken auswählen. Aus finanzielen Gründen nahmen wir kein vollständiges Album auf. Die Recordings an sich gingen schnell und problemlos über die Bühne. Wir haben zwei Wochen lang drei oder vier Stunden am Tag geübt, um bestmöglich vorbereitet zu sein. Zu jener Zeit waren wir alle noch junge Burschen und hatten reguläre Jobs. Wir waren uns sicher, dass unsere Musik das gewisse Etwas besaß."

Die besagte EP erschien 1984 über das in Memphis ansässige Label SUR Records, das auch ein eigenes Studio betrieb: "Sie hatten keine Metal-Bands unter Vertrag und haben überwiegend Country und Blues gemacht. Es war ein wirklicher Schock für sie, als wir angekommen sind. Aber es waren nette Leute, die uns gut behandelt haben. Jack Holder war der Tontechniker und Co-Produzent. Er spielte in einer Band namens Cobra und hat danach entschieden, Tontechniker zu werden, worin er sehr gut war. Ich glaube mich zu erinnern, dass 3.000 Vinyl-Exemplare sowie 1.000 Kassetten gefertigt wurden. Sofort nachdem man in Europa von der EP Wind bekommen hatte, war sie im Nu ausverkauft."

Medieval Steel arbeiten zurzeit an einem brandneuen Studioalbum!

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Thief - Bleed, Memory

Demenz ist ein Dieb. Die bösartige Krankheit raubt ihren Opfern erst Stück für Stück ihr Gedächtnis, dann ihre Identität, schließlich Familie und Freunde - und oft genug sogar ihre Menschenwürde. Die in Los Angeles ansässigen Electro-Forscher THIEF nehmen auf ihrem vierten Album "Bleed, Memory" das Thema "Erinnerung" sowohl lyrisch als auch musikalisch unter die Lupe, was sich wie ein roter Faden durch das gesamte Album zieht. Der Kopf des Soloprojekts, Dylan Neal, wurde zu diesem Album durch das Schicksal seines Vaters inspiriert, der nach der Diagnose einer Demenz von leichter Vergesslichkeit und Verwirrung unaufhaltsam zu akuten Episoden von falschen Erinnerungen, Wahnvorstellungen, Visionen und seltsamem Verhalten überging. Das macht "Bleed, Memory" zu einer sehr persönlichen Schöpfung. Durch die harte Erfahrung begann Neal damit, erst seine eigenen Erinnerungen zu hinterfragen und dann mit der Erforschung, wie sie seine Identität und Realität formen. Erinnerung besteht nicht nur aus den Geschichten, die wir uns selbst und anderen erzählen. Neal vergleicht sie mit Geistern, die keine physische Existenz haben und dennoch unter denen Schrecken verbreiten, die an sie glauben. Das Rückgrat von THIEF bilden wieder einmal gesampelte sakrale Gesänge. Einige wurden beim Wühlen in digitalen Kisten gefunden und gesampelt, andere in verschiedenen orthodoxen Kirchen aufgenommen. Diese Samples wurden gedehnt, geschnitten, verstümmelt, umgeformt und gepitcht, um letztlich so wie jedes andere Instrument zu funktionieren. Neal hat "Bleed, Memory" bewusst so gestaltet, dass es gespenstisch klingt. Eine der Techniken, die er zur Erzielung dieses Effekts einsetzte, ist "Granular Synthesis". Der verstärkte Einsatz der Methode auf diesem Album bedeutet, dass Samples in kleine Audioschnipsel zerlegt wurden, die kaum mehr als 100 Millisekunden andauern. Dieser einzigartige Ansatz, der musikalische Elemente aus Ambient, Industrial, Chormusik, Black Metal und Trip-Hop sowie andere Einflüsse zu einem neuen Klangerlebnis verschmelzen lässt, hat THIEF unter Eingeweihten längst Kultstatus verschafft. Den Großteil des Albums hat Neal wieder einmal in seiner Wohnung aufgenommen und abgemischt. Für das Mastering konnte er erneut John Greenham gewinnen, der mit Künstlern von THE LOCUSTS über KATY PERRY bis hin zu DEATH GRIPS zusammengearbeitet hat und für sein Mastering für BILLIE EILISH im Jahr 2019 mit drei Grammy Awards ausgezeichnet wurde. Mit "Bleed, Memory" liefern THIEF eine verstörende und doch wunderschöne künstlerische Betrachtung eines grausamen Leidens, die gleichzeitig Emotionen wie Wut, Melancholie, Trauer und Verlust als lyrisches, musikalisches und visuelles Gesamtkunstwerk verarbeitet. Aber Vorsicht! Dieser Geist aus Klängen wird lange in der Erinnerung seiner Hörer spuken!

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BÄRCHEN UND DIE MILCHBUBIS - DIE RÜCKKEHR DES BUMM! LP

Älter geworden sind sie, milde jedoch nicht, denn Anlass zum Wütend-Sein und Feiern gibt es noch immer. Über 40 Jahre später folgt nun mit ihrem zweiten Album also Die Rückkehr des Bumm! Ende der Siebziger begannen Annette "Bärchen" Simons und eine Gruppe Teenager-"Milchbubis", Hannover unsicher zu machen. Von da an war die Band mit ihren humorvoll-subversiven Texten breitflächig vertreten: Von Jugendzentren, Underground-Tapes und nischigen Fanzines über die Bravo bis ins BRD-Fernsehen sowie auf den großen Bühnen des Landes - viele waren dem Bärchen-Charme verfallen. Nach einer LP und einer EP folgte 1983 mit der Label- auch die Bandauflösung und die Gruppe verschwand vorerst von der Bildfläche. 2021 meldeten sich Bächen und die Milchbubis dann mit der Werkschau Endlich Komplett Betrunken zurück. Es folgten Auftritt-Anfragen kleinerer Punk-Festivals: Hätte die Band nicht Lust, nach all der Zeit mal wieder live aufzutreten? Und wie sie es hatte! Annette Simons, die zu Gründungszeiten "nur" Sängerin war, hat sich ganz in Punk-Manier das Gitarrenspielen beigebracht. Auch Kai Nungesser bleibt an Bass und Gesang erhalten. Neuzugang ist der ehemalige Rotzkotz-Schlagzeuger Markus Joseph. Bärchen und die Milchbubis kitzeln die Wut vom ernsten Punk-Habitus am verkrampften Bierbauch und vertonen das unfreiwillige Lachen, das dabei rauskommt. Entstanden ist so also ein Album, das den Punk ins Jahr 2024

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BÄRCHEN UND DIE MILCHBUBIS - DIE RÜCKKEHR DES BUMM! LP

Älter geworden sind sie, milde jedoch nicht, denn Anlass zum Wütend-Sein und Feiern gibt es noch immer. Über 40 Jahre später folgt nun mit ihrem zweiten Album also Die Rückkehr des Bumm! Ende der Siebziger begannen Annette "Bärchen" Simons und eine Gruppe Teenager-"Milchbubis", Hannover unsicher zu machen. Von da an war die Band mit ihren humorvoll-subversiven Texten breitflächig vertreten: Von Jugendzentren, Underground-Tapes und nischigen Fanzines über die Bravo bis ins BRD-Fernsehen sowie auf den großen Bühnen des Landes - viele waren dem Bärchen-Charme verfallen. Nach einer LP und einer EP folgte 1983 mit der Label- auch die Bandauflösung und die Gruppe verschwand vorerst von der Bildfläche. 2021 meldeten sich Bächen und die Milchbubis dann mit der Werkschau Endlich Komplett Betrunken zurück. Es folgten Auftritt-Anfragen kleinerer Punk-Festivals: Hätte die Band nicht Lust, nach all der Zeit mal wieder live aufzutreten? Und wie sie es hatte! Annette Simons, die zu Gründungszeiten "nur" Sängerin war, hat sich ganz in Punk-Manier das Gitarrenspielen beigebracht. Auch Kai Nungesser bleibt an Bass und Gesang erhalten. Neuzugang ist der ehemalige Rotzkotz-Schlagzeuger Markus Joseph. Bärchen und die Milchbubis kitzeln die Wut vom ernsten Punk-Habitus am verkrampften Bierbauch und vertonen das unfreiwillige Lachen, das dabei rauskommt. Entstanden ist so also ein Album, das den Punk ins Jahr 2024

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BRAINSTORY - SOUNDS GOOD LP

Sounds Good ist ein Album, das, vereinfacht ausgedrückt, seinem Namen alle Ehre macht. Die aktuelle Single Hanging On folgt auf den Bombast-Track Nobody But You und Gift of Life mit Kevins Delfonics-artigem Gesang, der die Bandbreite der menschlichen Erfahrung thematisiert. Kevin und Tony Martin sind Brüder, Eric ist ihr Bruderund langjähriger Freund durch die Musik. Während die anfängliche Verbindung der Band auf der berauschenden Mischung aus Jazz-Performance-fokussierter Musikschule und der Plackerei lokaler Auftritte gründet, wurde ihre Bindung durch unzählige Stunden auf Tour und die Produktion von zwei Studioalben gestärkt – 2019 das Debütalbum Buck und 2021 die EP Ripe. "Being on the road, doing our own tours, and backing incredible people like Lady Wray, has sharpened our skills and really revved us up for this record", sagt Kevin."It's been four years since our last full length record, and with everything that's happened since, it's like we've been catching up to ourselves." Das ist eine Möglichkeit, Veränderungen zu beschreiben: sich selbst einzuholen. Jedes Mitglied von Brainstory hat Veränderungen durchgemacht, sowohl persönlich als auch musikalisch, und all das zieht sich durch diese Platte. Der Weg zur Weiterentwicklung ihrer Musik ist klarer denn je zuvor. Wenn es eine Sache gibt, die auf diesem Album überdeutlich wird, dann ist es, dass Brainstory sich entwickelt haben. Ein Teil ihrer Entwicklung ist zweifellos darauf zurückzuführen, dass sie ihr eigenes Studio in Long Beach haben und dort ständig arbeiten. Ein weiterer wichtiger Faktor ist, dass sich ihre Gemeinschaft erweitert hat. "I've been playing music with my brother all my life and now with Eric for a long time", erzählt uns Tony. "Leon, though, is like another brother I've just met." Aus der Freundschaft ist die Band entstanden, und jetzt trägt die erweiterte Gemeinschaft dazu bei, sie weiter voranzutreiben. Die Sterne stehen günstig, dass sie mit diesem neuen Album einen großen und wohlverdienten Schritt machen, und das hört man ihrer Musik an – music that just Sounds Good.

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BRAINSTORY - SOUNDS GOOD

Brainstory

SOUNDS GOOD

CassetteBCRCASS112
Big Crown Records
19.04.2024

Sounds Good ist ein Album, das, vereinfacht ausgedrückt, seinem Namen alle Ehre macht. Die aktuelle Single Hanging On folgt auf den Bombast-Track Nobody But You und Gift of Life mit Kevins Delfonics-artigem Gesang, der die Bandbreite der menschlichen Erfahrung thematisiert. Kevin und Tony Martin sind Brüder, Eric ist ihr Bruderund langjähriger Freund durch die Musik. Während die anfängliche Verbindung der Band auf der berauschenden Mischung aus Jazz-Performance-fokussierter Musikschule und der Plackerei lokaler Auftritte gründet, wurde ihre Bindung durch unzählige Stunden auf Tour und die Produktion von zwei Studioalben gestärkt – 2019 das Debütalbum Buck und 2021 die EP Ripe. "Being on the road, doing our own tours, and backing incredible people like Lady Wray, has sharpened our skills and really revved us up for this record", sagt Kevin."It's been four years since our last full length record, and with everything that's happened since, it's like we've been catching up to ourselves." Das ist eine Möglichkeit, Veränderungen zu beschreiben: sich selbst einzuholen. Jedes Mitglied von Brainstory hat Veränderungen durchgemacht, sowohl persönlich als auch musikalisch, und all das zieht sich durch diese Platte. Der Weg zur Weiterentwicklung ihrer Musik ist klarer denn je zuvor. Wenn es eine Sache gibt, die auf diesem Album überdeutlich wird, dann ist es, dass Brainstory sich entwickelt haben. Ein Teil ihrer Entwicklung ist zweifellos darauf zurückzuführen, dass sie ihr eigenes Studio in Long Beach haben und dort ständig arbeiten. Ein weiterer wichtiger Faktor ist, dass sich ihre Gemeinschaft erweitert hat. "I've been playing music with my brother all my life and now with Eric for a long time", erzählt uns Tony. "Leon, though, is like another brother I've just met." Aus der Freundschaft ist die Band entstanden, und jetzt trägt die erweiterte Gemeinschaft dazu bei, sie weiter voranzutreiben. Die Sterne stehen günstig, dass sie mit diesem neuen Album einen großen und wohlverdienten Schritt machen, und das hört man ihrer Musik an – music that just Sounds Good.

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LAKE - LET'S BUILD A ROOF

Lake

LET'S BUILD A ROOF

12inchKLPLP213
K Records
19.04.2024

LAKE's neues Album "Let's Build A Roof" KLP213 wurde von Nordwest Legende KARL BLAU produziert und ist süß, funky und nostalgisch - ein Inbegriff psychedelischen Pops. Das Vorgänger Album "Oh, The Places We'll Go" bestand aus leichteren, fröhlicheren Songs. Themen wie Wunder und Idealismus zeichneten aber bereits vor, in welche Richtung es beim nächsten Album gehen würde. "Let's Build A Roof" ist wie ein Reisebericht über die Plätze an denen die Band war, die Geschichten die sich da ergaben und die schönen und unschönen Erinnerungen, die aus ihnen hervorgingen. Eli Moore und Ashley Eriksson's strahlende Songwriting Chemie bildet die Grundlage für "Let's Build A Roof". Ihre Retro-Klimper Pop Ästhetik wird durch eine breite Instrumentierung (Synthesizer, Keyboards, Gitarren, Flöten und ausgewählte Percussion Instrumente) und wechselnde Tempi, die eine fragmentierende, kaleidoskopische Wirkung haben, ausgearbeitet. Jeder Track ist ein einzigartiges Juwel. Und ohne die wundersame und kindhafte Schönheit zu opfern, die LAKE in den letzten 4 Jahren ausgamacht hat, beweisen sie mit "Let's Build A Roof", dass Wundersames und Schönes nicht nur Kinderkram sind. Es ist LAKE's anspruchvollstes Werk bis jetzt.

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Lynks - Abomination LP

Nach drei EPs und ausverkauften UK-Tourneen kündigt Lynks das Debütalbum 'ABOMINATION' an, das über Heavenly erscheint. Auf dem Album nimmt uns Lynks mit auf eine lebendige Tour durch die moderne Queer-Kultur, die von Gelegenheitssex, wilden Fantasien, chaotischen Irrungen und Wirrungen und einer einseitigen Liebesaffäre mit einem heterosexuellen Tennistrainer geprägt ist.

Selbst geschrieben, selbst produziert und selbstverherrlichend vereint das Debütalbum die künstlerische und persönliche Entwicklung der letzten fünf Jahre. Während die früheren Werke einen Stil aus Effekten und gepitchten Vocals verbanden, gibt 'ABOMINATION' Lynks den Raum, auf eine andere Art zu experimentieren – mit einer größeren Bandbreite an Ideen, Gesangsstilen und neuen Genreelementen. Das Ergebnis ist ein Debüt, das mit den Extremen spielt und dabei zwischen abgrundtiefer Scham und hedonistischer Freude schwankt.

- LP: (inklusive DL-Code + 2 Art Prints)

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Marcus King - Mood Swings LP

Mit seiner „Marcus King Band” hat sich der 27-jährige seit 2013 in der Musikwelt einen Namen gemacht. Sein Solo-Debüt „El Dorado” aus 2020 sicherte ihm eine Grammy-Nominierung in der Kategorie „Best Americana Album”. Auf seinem neuesten Werk präsentiert der US-Amerikaner erneut sein breites musikalisches Talent, von Jazz über Hip - Hop bis hin zu modernem Pop. Auf „Mood Swings” bleibt jedoch eine Konstante: Marcus’ soulige Stimme, die seine Gefühle authentisch ausdrückt. Das Album zeigt Marcus bekannterweise von seiner sehr persönlichen Seite und begleitet uns auf einer emotionalen Reise durch Zeiten der Trauer und Hoffnung. “I hope this album can act as a safety blanket, a rescue, or a refuge for anybody struggling with mental health, substance abuse, or relationship issues. That’s what it is for me“, sagt Marcus King über “Mood Swings”.

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Imminence - The Black LP 2x12"

Imminence

The Black LP 2x12"

2x12inchIEF0502
IMMINENCE
12.04.2024

Mit der Veröffentlichung ihres fünften Albums betreten Imminence verschiedenste musikalische Bereiche und zeigen auf ihrer Reise als Band eine große Vielfalt.

Das bahnbrechende Alternative-Metalcore-Ensemble Imminence stammt von der Südküste Schwedens und hat sich in den letzten Jahren mutig eine Nische im Musikbereich geschaffen. Allen Erwartungen zum Trotz hat das Quintett akribisch einen Klangteppich geschaffen, der die Grenzen des Genres überschreitet. Ihre mutige Verschmelzung klassischer Streicharrangements, verwoben mit der rohen Kraft wilden skandinavischen Metals, erschafft ein fesselndes Hörerlebnis. Sowohl klanglich als auch visuell erweisen sich Imminence als ein Leuchtfeuer der Innovation und Spannung und etablieren sich nicht nur als Band, sondern auch als Pioniere, die neue Gebiete in der sich ständig weiterentwickelnden Musiklandschaft erschließen.

Angeführt vom Sänger und Geiger Eddie Berg, den Gitarristen Harald Barrett und Alex Arnoldsson, dem Schlagzeuger Peter Hanström und dem Bassisten Christian Höijer; Imminence entfesseln ihr musikalisches Können auf dem kommenden Album „The Black“. Machen Sie sich bereit und atmen Sie tief durch, während Imminence uns auf den großen Sprung in die Tiefen von „The Black“ vorbereiten, einem kühnen Versprechen einer beispiellosen musikalischen Odyssee, die sich allen Konventionen widersetzt und Sie einlädt, sich auf den Aufstieg eines neuen Genre-Klassikers einzulassen.
Die Band wagt sich in eine düsterere und stärker auf Orchester ausgerichtete Welt vor und definiert die Grenzen der modernen Alternative-Szene immer wieder neu. Imminence Erforschung ist mehr als nur Musik; Es ist ein mutiger Abstieg in unbekannte Gebiete, der ihre Position als Pioniere in der Landschaft einzigartiger und hochinnovativer musikalischer Ausdrucksformen festigt.

- „Dies ist die größte Annäherung an eine selbstbetitelte Veröffentlichung, denn diese Platte spricht Bände darüber, was Imminence als Band ausmacht.“ Durch die Einflüsse aus unserer gesamten Diskographie, gemischt mit unseren skandinavischen Wurzeln, kann man Elemente aus unserer gesamten Geschichte hören, die jedoch von einem unstillbaren Hunger angetrieben werden. Das Album ist wahrscheinlich das konzeptionellste, das wir je geschaffen haben, und ich war noch nie so stolz auf ein Werk. Die lyrischen Konzepte setzen den Weg früherer Veröffentlichungen fort und drehen sich um psychische Gesundheit und Depression. Aber dieses Mal gibt es kein Zurückhalten. Es ist wütend, verzweifelter und aus den Fugen geraten, durchdrungen von Angst und Dunkelheit. Wir haben es uns auch erlaubt, das Album in unerwartete Räume schweben zu lassen und so eine musikalische Reise mit starken Kontrasten zwischen Licht und Dunkelheit zu schaffen. Es ist ein „Eat Your Heart Out“, ein kompromissloser Beweis dafür, was „Imminence“ geworden ist. Das ist das Schwarze.“ – Eddie Berg

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Imminence - The Black LP 2x12"

Imminence

The Black LP 2x12"

2x12inchIEF0503
IMMINENCE
12.04.2024

Mit der Veröffentlichung ihres fünften Albums betreten Imminence verschiedenste musikalische Bereiche und zeigen auf ihrer Reise als Band eine große Vielfalt.

Das bahnbrechende Alternative-Metalcore-Ensemble Imminence stammt von der Südküste Schwedens und hat sich in den letzten Jahren mutig eine Nische im Musikbereich geschaffen. Allen Erwartungen zum Trotz hat das Quintett akribisch einen Klangteppich geschaffen, der die Grenzen des Genres überschreitet. Ihre mutige Verschmelzung klassischer Streicharrangements, verwoben mit der rohen Kraft wilden skandinavischen Metals, erschafft ein fesselndes Hörerlebnis. Sowohl klanglich als auch visuell erweisen sich Imminence als ein Leuchtfeuer der Innovation und Spannung und etablieren sich nicht nur als Band, sondern auch als Pioniere, die neue Gebiete in der sich ständig weiterentwickelnden Musiklandschaft erschließen.

Angeführt vom Sänger und Geiger Eddie Berg, den Gitarristen Harald Barrett und Alex Arnoldsson, dem Schlagzeuger Peter Hanström und dem Bassisten Christian Höijer; Imminence entfesseln ihr musikalisches Können auf dem kommenden Album „The Black“. Machen Sie sich bereit und atmen Sie tief durch, während Imminence uns auf den großen Sprung in die Tiefen von „The Black“ vorbereiten, einem kühnen Versprechen einer beispiellosen musikalischen Odyssee, die sich allen Konventionen widersetzt und Sie einlädt, sich auf den Aufstieg eines neuen Genre-Klassikers einzulassen.
Die Band wagt sich in eine düsterere und stärker auf Orchester ausgerichtete Welt vor und definiert die Grenzen der modernen Alternative-Szene immer wieder neu. Imminence Erforschung ist mehr als nur Musik; Es ist ein mutiger Abstieg in unbekannte Gebiete, der ihre Position als Pioniere in der Landschaft einzigartiger und hochinnovativer musikalischer Ausdrucksformen festigt.

- „Dies ist die größte Annäherung an eine selbstbetitelte Veröffentlichung, denn diese Platte spricht Bände darüber, was Imminence als Band ausmacht.“ Durch die Einflüsse aus unserer gesamten Diskographie, gemischt mit unseren skandinavischen Wurzeln, kann man Elemente aus unserer gesamten Geschichte hören, die jedoch von einem unstillbaren Hunger angetrieben werden. Das Album ist wahrscheinlich das konzeptionellste, das wir je geschaffen haben, und ich war noch nie so stolz auf ein Werk. Die lyrischen Konzepte setzen den Weg früherer Veröffentlichungen fort und drehen sich um psychische Gesundheit und Depression. Aber dieses Mal gibt es kein Zurückhalten. Es ist wütend, verzweifelter und aus den Fugen geraten, durchdrungen von Angst und Dunkelheit. Wir haben es uns auch erlaubt, das Album in unerwartete Räume schweben zu lassen und so eine musikalische Reise mit starken Kontrasten zwischen Licht und Dunkelheit zu schaffen. Es ist ein „Eat Your Heart Out“, ein kompromissloser Beweis dafür, was „Imminence“ geworden ist. Das ist das Schwarze.“ – Eddie Berg

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Soap & Skin - Des Teufels Bad LP

Soap&Skin

Des Teufels Bad LP

12inchSOLFO001
SOLFO
12.04.2024

Des Teufels Bad' gibt den unsichtbaren und ungehörten Frauen der bäuerlichen Vergangenheit eine Stimme; es zeigt die Härte ihres Alltags, der von religiösen Dogmen und Tabus bestimmt ist, die bis in die Gegenwart nachwirken. Ein Film auf der Grundlage historischer Gerichtsakten über ein schockierendes, bisher unerforschtes Kapitel der europäischen Geschichte.

Soap & Skin über Entstehungsprozess des Soundtracks "Veronika, Severin und ich waren uns schnell einig, dass wir historische Klangfarben wollten, also eine Klangwelt, die sich auf die Zeit bezieht, nicht unbedingt auf Österreich, und die auch in die Gegenwart weist. So habe ich zum Beispiel eine historische Flöte aus Armenien, die Duduk, die von Veronika Vitazkova gespielt wird, eingebaut und mit Matthias Loibner zusammengearbeitet, der sich diesem wunderbaren Instrument, der Drehleier, verschrieben hat. Diesmal habe ich meine eigene Stimme sphärisch für Agnes innere Stimmen eingesetzt, zum Beispiel mit einem Schrei, der als langgezogener Ton immer wieder auftaucht." Tief, eindringlich und verstörend, die Musik gibt diesem psychodramatischen Film Fleisch und Blut.

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The Church - EROS ZETA & THE PERFUMED GUITARS LP 2x12"

Dies ist das Sequel zum letztjährigen Album The Hypnogue, das neue Songs enthält, die die Geschichte und den Mythos des The Hypnogue-Albums erweitern und bisher nur bei Konzerten erhältlich war. Der Nachfolger oder zweite Teil von The Hypnogue wird in einer Deluxe-Papphülle geliefert (eine Doppel-LP auf Vinyl folgt möglicherweise später im Jahr). Der Schwesteralbum "Eros Zeta & The Perfumed Guitars" führt das Thema des letztjährigen, von der Kritik hochgelobten Erfolgsalbum The Hypnogue fort und erzählt die Geschichte in 15 neuen Songs weiter. Die Doppel-LP kommt in Galaxy green-Vinyl, die CD wird in einer luxuriösen Papphülle mit farbigem Booklet, schwarz bedruckter Stecktasche und wieder mit einem Coverartwork von Christiana Monored präsentiert. 15 großartige neue Songs von The Church, die uns weiter in den Kaninchenbau von Antarctic City führen. This is the companion album to last year's The Hypnogogue, featuring further tracks that expand the story and mythos of The Hypnogogue albums theme, previously available at gigs only. The follow up or second part of The Hypnogogue will be supplied in deluxe gatefold card sleeve (vinyl double LP possibly to follow later the year) Following on the theme from last year's critically acclaimed The Hypnogogue, 15 new songs take the story further. Double vinyl in Galaxy Green colour, CD presented in deluxe card gatefold sleeve with full colour booklet, black printed inners and sleeve with cover art again by Christiana Monored. 15 superb new tunes from the Church taking you further down the Antarctic City rabbit hole.

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LOVE SEX MACHINE - TRVE LP

Wenn Geduld eine Tugend ist, könnten Love Sex Machine genauso gut Heilige sein, wenn auch Heilige mit einer Vorliebe für die dreckigsten Sludge-Metal-Riffs, die durch Downtempo-Post-Metal-Grooves und einen teuflischen Sinn für lyrischen Humor ausgeglichen werden. "Trve" besteht aus 10 neuenTracks voller rechtschaffener Empörung, ironischer sozialer Kommentare und natürlich unsagbar ekelhafter Härte. Von Anfang an zeugt das Album von der jahrzehntelangen Erfahrung der Band als eigenwillige Veteranen der europäischen Sludge-Szene. In den letzten acht Jahren haben die vier Franzosen das Fett von ihren Knochen gestrichen, so dass nur noch ein schlagendes Herz aus bedrohlichen, hypnotischen Riffs übrig geblieben ist, die sich unaufhörlich in dein Gehirn bohren. Obwohl die Band noch nie so rau geklungen hat, gibt es auch eine faszinierende, raffinierte und unbestreitbar poppige Note in "Trve", die dieser musikalischen Konfrontation ein neues Element hinzufügt, in dem Love Sex Machine gedeihen. Atmosphärische Intros, überflüssige Refrains und unheimliche, instrumentale Outros mögen klassische Kennzeichen ihres Genres sein, aber hier findet man nichts davon. Ähnlich wie bei der Vorab-Single "FUCKING SNAKES" sind die meisten Tracks auf "Trve" um die drei Minuten lang und zeichnen sich durch hochoktanige Black-Metal-Riffs aus, die in einer beunruhigend optimistischen Dur-Tonart gespielt werden, durch Synthesizer-Motive, die ans Triumphale grenzen, und - zum ersten Mal bei Love Sex Machine - durch Gesangsharmonien, die den Hörer für einen kurzen, schönen Moment in die Höhe heben, bevor die nächste Welle von groovigem, nihilistischem Schlamm einen wieder in die Knie zwingt.

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LOVE SEX MACHINE - TRVE LP

Wenn Geduld eine Tugend ist, könnten Love Sex Machine genauso gut Heilige sein, wenn auch Heilige mit einer Vorliebe für die dreckigsten Sludge-Metal-Riffs, die durch Downtempo-Post-Metal-Grooves und einen teuflischen Sinn für lyrischen Humor ausgeglichen werden. "Trve" besteht aus 10 neuenTracks voller rechtschaffener Empörung, ironischer sozialer Kommentare und natürlich unsagbar ekelhafter Härte. Von Anfang an zeugt das Album von der jahrzehntelangen Erfahrung der Band als eigenwillige Veteranen der europäischen Sludge-Szene. In den letzten acht Jahren haben die vier Franzosen das Fett von ihren Knochen gestrichen, so dass nur noch ein schlagendes Herz aus bedrohlichen, hypnotischen Riffs übrig geblieben ist, die sich unaufhörlich in dein Gehirn bohren. Obwohl die Band noch nie so rau geklungen hat, gibt es auch eine faszinierende, raffinierte und unbestreitbar poppige Note in "Trve", die dieser musikalischen Konfrontation ein neues Element hinzufügt, in dem Love Sex Machine gedeihen. Atmosphärische Intros, überflüssige Refrains und unheimliche, instrumentale Outros mögen klassische Kennzeichen ihres Genres sein, aber hier findet man nichts davon. Ähnlich wie bei der Vorab-Single "FUCKING SNAKES" sind die meisten Tracks auf "Trve" um die drei Minuten lang und zeichnen sich durch hochoktanige Black-Metal-Riffs aus, die in einer beunruhigend optimistischen Dur-Tonart gespielt werden, durch Synthesizer-Motive, die ans Triumphale grenzen, und - zum ersten Mal bei Love Sex Machine - durch Gesangsharmonien, die den Hörer für einen kurzen, schönen Moment in die Höhe heben, bevor die nächste Welle von groovigem, nihilistischem Schlamm einen wieder in die Knie zwingt.

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