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Opeth wurde von den Kritikern für ihre Kombination aus progressiven Einflüssen und vernichtendem schwedischem Death Metal gelobt. Diese farbigen 140g Re-Issues sind ein Muss für Fans und Sammler, denn sie wurden von keinem Geringeren als Jens Bogren (Opeth, Katatonia, Amorphis, Sepultura) mit Unterstützung von Mikael Åkerfeldt ein liebevoll remastert. Die Aufnahmen wurden mit halber Geschwindigkeit in den berüchtigten Abbey Rd von Miles Showell (ABBA, Beatles) geschnitten, und das gesamte Artwork wurde von Dan Capp sorgfältig restauriert und so gestaltet, wie es die Band ursprünglich beabsichtigt hatte.

Es gibt nur wenige Bands, die es mit den Schweden von Opeth aufnehmen können oder wollen. Seit ihrer Gründung 1990 in dem kleinen Stockholmer Vorort Bandhagen haben die Schweden alle Konventionen über den Haufen geworfen, sich trotzig gegen alle Widrigkeiten durchgesetzt und - was am wichtigsten ist -12 atemberaubend schöne und intensive Alben geschaffen und sich damit zu einer der besten Bands der Welt entwickelt.

Streng limitierte Stückzahlen!

Opeth wurde von den Kritikern für ihre Kombination aus progressiven Einflüssen und vernichtendem schwedischem Death Metal gelobt. Diese farbigen 140g Re-Issues sind ein Muss für Fans und Sammler, denn sie wurden von keinem Geringeren als Jens Bogren (Opeth, Katatonia, Amorphis, Sepultura) mit Unterstützung von Mikael Åkerfeldt ein liebevoll remastert. Die Aufnahmen wurden mit halber Geschwindigkeit in den berüchtigten Abbey Rd von Miles Showell (ABBA, Beatles) geschnitten, und das gesamte Artwork wurde von Dan Capp sorgfältig restauriert und so gestaltet, wie es die Band ursprünglich beabsichtigt hatte.

Es gibt nur wenige Bands, die es mit den Schweden von Opeth aufnehmen können oder wollen. Seit ihrer Gründung 1990 in dem kleinen Stockholmer Vorort Bandhagen haben die Schweden alle Konventionen über den Haufen geworfen, sich trotzig gegen alle Widrigkeiten durchgesetzt und - was am wichtigsten ist -12 atemberaubend schöne und intensive Alben geschaffen und sich damit zu einer der besten Bands der Welt entwickelt.

Streng limitierte Stückzahlen!

Here our first reference with tracks by Pergo, Glenn Wilson, Jheal Bashta and Crystal Geometry. In which we can find that each track faithfully represents the style of each artist. Pure and Real techno.

Jaguar was formed in December 1979 in Bristol. After intensive touring they released their debut album Power Games, in 1983. An album with a no-nonsense high-speed approach. Jaguar played faster and more aggressively than any other band during the early days of the NWOBHM movement and according to the band’s history, they are considered among the inventors of the speed metal and thrash metal subgenres. They were influential for many other bands in later years including bands such as Metallica.

Power Games is available as a limited edition of 1000 individually numbered copies on red and silver mixed vinyl.

Tuff Darts was an American punk rock band. They reached their greatest fame in the mid-late 1970s with such songs as “Slash”, “(Your Love Is Like) Nuclear Waste” and their biggest single, “All for the Love of Rock and Roll”, which was originally recorded by Ram Jam. The band appeared at popular New York City clubs like Max’s Kansas City and CBGB and featured Tommy Frenzy (vocals), Jeff Salen (guitar), Bobby Butani (guitar), John DeSalvo (bass), and John Morelli (drums). In 1978, the group released their debut album Tuff Darts!, on Sire Records, produced by Bob Clearmountain and Tony Bongiovi.

This NYC punk rock classic, Tuff Darts!, is available as a limited edition of 750 individually numbered copies on translucent red coloured vinyl and includes an insert.

Die Blue Flames 7"-Singles sind unter Sammlern und werden von Liebhabern des frühen R&B und des Proto-Mod-Sounds sowie von denen, die ihre Freude am Ska-Beat gesucht. Obwohl sie vor fast einem halben Jahrhundert veröffentlicht wurden, wurden sie tatsächlich bis heute nie wieder auf Vinyl neu aufgelegt. Für Ace schien es eine Selbstverständlichkeit zu sein, sie auf dieser Blue Flames-EP zu kombinieren. Für das Sleeve hat Ace das Titelfoto von Georgie Fame direkt vom original Fotograf Val Wilmer lizenziert. Auch Dean Rudland würdigt in den Liner Notes die Story dieser Georgie Fame-Band. Zu sagen, dass diese vier Tracks großartig klingen, ist untertrieben - diese Blue Flames kochen auf Gas.

Jackson Bailey aka Tapes joins MIDA with a 7” packed to the brim with jazzy vignettes. This little plate holds six servings. Finely tuned frequency signals as cymbals & drums, nutty gliding arps, playful keys shot all over the place backed by a firm low end. Sweet kooky business. Moving around with ease, it’s surely got dub sprayed all over it, but in its fidgety core lies a deep nod to library music.

Since we've known him, Robert Lloyd has made quite clear his enormous affection for the songs and sounds of Freakwater, the duo of Janet Beveridge-Bean and Catherine Irwin who've been wrongly denied their place as rightful and willful progenitors of alt-country's 'movement', which (frankly) is to their credit. Their genius in offering absolute authentic to the sound old-time Appalachian folk music with a modern façade that in no way negates tradition (one of their albums is titled Feels Like The Third Time) is unparalleled within the genre, and Freakwater remain under-appreciated. After the start of Covid, Robert dared approach Janet with the idea of recording together. Over the course of the long pandemic, songs were bandied about for months, and when recording was finally practical, a band was assembled with dates set up for a recording session in Valencia, Spain. Robert and Janet were joined by Robert's long-time ally, Pete Byrchmore, the musical foil for Robert's solo album on Virgin and a former Nightingale, Mark Bedford, the bassist for Madness and Terry Edwards' Near Jazz Experience, and Pablo Roda, Spanish mystery drummer, couldn't have worked out more perfectly. Tracks were selected without regard for collective presentation, just the goal of walking out of the studio with an album of perfect gems. Forget Lee & Nancy or George & Tammy, Rob and Janet have an immediate chemistry that only sounds long-lived - and too uniquely them to merit any comparison. The title track, Black Cat, Dark Horse is the sole Lloyd / Bean / Byrchmore composition and one of the record 's highlights. Jim Elkington, collaborator with Jeff Tweedy and Richard Thompson, contributes Heavy Reckonings and a song written with Janet, The True Lovers' Knot And The Lie, while Robert adds reworkings from past releases - Sweet Georgia Black and Black Country (with Pete) - not to mention the unreleased Eggs And Bacon. Janet brought One Shot and the unheard Freakwater song Arc Of A Smile. Covers of tunes from Dion and The Monkees and a magnificent Jon Langford song, "Tears Like Stars" round out the album. We daresay the album is among the finest you'll hear in 2023. That it doesn't fit perfectly into any preconceived genre is a testament to its quality. "Songcraft" is a word used infrequently today, yet Black Cat, Dark Horse will show that good songs endure. We're proud that Robert and Janet will find some new admirers through this album's release. The Michael Cumming / Stewart Lee film King Rocker made a case for Robert Lloyd-as-losthero; this album furthers that idea and shows a compelling side of Janet's talent and abilities which will be a surprise to her fans and serve as an entry point to exploring her many other compelling projects.

Das selbstbetitelte Debüt von ENVY OF NONE, der bunten Zusammenrottung von Gitarrist/Keyboarder Alf Annibalini, Rush-Gitarrist Alex Lifeson, Bassist Andy Curran (Coney Hatch) und Singer/Songwriterin Maiah Wynne war eine der spannendsten Grenzgänger-Platten des Jahres 2022 und hat sich bis heute nicht abgenutzt. Die Band schreibt schlicht verdammt gute, emotional greifbare und musikalisch fesselnde Lieder in einem Spannungsfeld aus State-of-the-Art-Elektronik und Rock/Pop-Tradition.

Die nun nachgeschobene EP "That Was Then, This Is Now" dient ihrem Titel entsprechend als Standortbestimmung und enthält zwei Tracks aus den Debüt-Sessions, zwei Remixe und das erste nach "Envy of None" komponierte ´That Was Then´. Stilistisch war das Quartett von Beginn an so vielseitig, dass man nun nicht von einer zusätzlichen Erweiterung ihres Repertoires sprechen kann - doch das famose Songwriting bleibt erhalten, und für Rush-Fans noch besser: Lifesons Spiel schimmert noch einen Tick präsenter durch.

´Lethe River´ ist dem Album-Opener ´Never Said I Love You´ relativ ähnlich, aber insgesamt doch ruhiger. Darauf folgt mit ´You´ll Be Sorry´ sachte brodelnder und zischender Industrial light, der ebenfalls auf "Envy of None" hätte stehen können - was ja auch plausibel erscheint, weil beide Stücke im gleichen Rutsch entstanden sind.

'All Of This Will End' markiert für Indigo De Souza eine wärmere und kühne Ära. Es ist eine Aussage darüber, sich furchtlos von der Vergangenheit in eine von Dankbarkeit erfüllte Gegenwart zu bewegen, jeden Schritt zu fühlen und sich dafür zu entscheiden, liebevolles Bewusstsein zu verkörpern. Über 11 Songs hinweg ist das Album ein radikal optimistisches Werk, das sich mit Sterblichkeit, der Verjüngung, die die Gemeinschaft bringt, und der Wichtigkeit, sich jetzt zu zentrieren, auseinandersetzt.

eid bereit für die unbesiegbaren Schweizer Hardrock-Legenden SHAKRA! Nach dem Erfolg ihres letzten Albums "Mad World" musste die Band einen plötzlichen Stillstand in der Welt hinnehmen. Doch davon ließen sie sich nicht aufhalten. Stattdessen steckten sie ihre Energie in die Entwicklung ihres neuesten Albums "Invincible". Mit Thom Blunier an der Leadgitarre und Mark Fox' gefühlvoller Stimme liefert das Album einen ausgefeilten und definierten Sound, der SHAKRA von ihrer besten Seite zeigt.

Mit "Invincible" beweist SHAKRA, dass sie noch lange nicht am Ende sind. Fans von Hard Rock und klassischem Metal werden von dieser neuen Veröffentlichung nicht enttäuscht sein. Das Album erscheint am 09. Juni 2023 und wird als Digipak und farbige 2-Vinyl-Edition erhältlich sein. Lasst euch diese epische Veröffentlichung einer der bekanntesten Schweizer Bands nicht entgehen!

Die 2006 im nordspanischen Bilbao (Baskenland) gegründete Melodic-Death-Metal-Band Rise To Fall hat sich in den vergangenen 17 Jahren ihren wohlverdienten Platz in der Metal-Szene etabliert.

Mit einem konstanten Output und zahlreichen Live-Shows und Festivalauftritten sind Rise To Fall für die Bereitstellung von Musik auf höchstem Niveau und ihre verheerenden Live-Shows bekannt geworden. Mit der Veröffentlichung von vier Studioalben hat die Band die Messlatte immer höher gelegt, was nicht nur zu zahlreichen Tourneen durch Europa, sondern auch zu Headliner-Touren in Japan und China sowie zu Tourneen mit Soilwork führte! Rise To Fall, die 2022 bei Noble Demon und Massive Music Booking Agency unter Vertrag genommen wurden, bereiten sich derzeit auf die Veröffentlichung des mit Spannung erwarteten fünften Studioalbums "The Fifth Dimension" vor, das am 9. Juni 2023.

Also macht euch bereit für das nächste Kapitel von Rise To Fall, das wieder einmal ihre eigenen Maßstäbe setzt und ihre Musik auf der ganzen Welt verbreitet!

Vinyl Only

Hidden behind the walls lies a world of people, words, music and machines.

Yuna has arrived.

The Mystery Continues..

‘Deep Blue Dreams’ ist das Debütalbum des in Berlin lebenden, 26jährigen Musikers, Sängers und Produzenten Lucas Herweg alias LLUCID. Inspiriert von Vorbildern wie Kendrick Lamar, J. Cole, Frank Ocean oder Ty Dolla $ign, lässt LLUCID jegliche Grenzen zwischen Rap und R&B konsequent verwischen. Die 12 Songs stehen fernab aller Stil- und Genreschubladen und liefern Banger zwischen Rap und Trap, sanfte Soundwellen mit exquisiten Beats und traurigem Autotune, hymnisch-sakralen Hip-Hop und ein ungewöhnliches Duo mit der britischen Sängerin Kimbra, die mit ‘A Reckoning‘ bereits eines der Alben des Jahres veröffentlichte. Nach Kollaborationen mit Samy Deluxe, Hundreds und Wallis Bird und der ersten 6-Track-EP ‘Getting In Touch’ im Frühjahr 2022 auf Grönland pusht LLUCID jetzt konsequent sein Solowerk.

"Come, Sweet Death" wechselt zwischen Brutalität und sich windenden Single-String-Melodien, die einen in die goldenen Zeiten des schwedischen Death Metal zurückversetzen!

Man sagt, dass je mehr sich die Dinge ändern, desto mehr bleiben sie gleich. Wenn es eine Sache gibt, die stabil geblieben ist, obwohl wir im Jahr 2023 leben, dann ist es, dass wir schwedischen Death Metal lieben. Dieser Stil hat sich in den letzten 35 Jahren zu einem unsererFavoriten entwickelt.
Irgendetwas am Gitarrensound macht einfach Lust, jede Veröffentlichung zu verschlingen, die als "inspiriert von frühen Entombed und Dismember" beschrieben werden kann. Das Gute daran ist, dass es eine unglaubliche Fülle von Bands gibt, die aus dieser Quelle schöpfen. Das Schlechte ist, dass dieser Reichtum dazu führt, dass viele Bands nicht mehr zu unterscheiden sind, weil sie sich so sehr ähneln.

Glücklicherweise gelingt es lmperishable mit "Come, Sweet Death", aus der Masse herauszustechen, was nicht zuletzt daran liegt, dass sie sich von den üblichen Merkmalen des Genres lösen. Und in gewisser Weise ist das keine Überraschung, denn die Bandmitglieder waren oder sind an Vampire, Portrait, Nominon und Dr. Living Dead beteiligt! Wie Sie vielleicht schon gemerkt haben, hat die Band vieleEinflüsse aus der Stockholmer Szene, insbesondere von Dismember, was nicht zu leugnen ist

FÜR FANS VON: DEEP PURPLE, STATUS QUO, LYNYRD SKYNYRD, MOLLY HATCHET

Nach neun Jahren Pause sind KICKHUNTER zurück, um wieder besten Kick-Ass Rock’n Roll abzuliefern. Im Jahr 2000 von Gitarrist Stefan Aurel und Schlagzeuger Karsten Kreppert gegründet, hat die in Hamburg ansässige Formation bisher vier Alben veröffentlicht. Mit ihrem Debütalbum "Hearts & Bones" tourten sie 2003 gleich mit DEEP PURPLE und LYNYRD SKYNYRD durch Europa und gewannen viele neue Anhänger. Der international hochgelobte Nachfolger „Little Monsters“ erschien 2007. KICKHUNTER veröffentlichten im Sommer 2010 ihr drittes Meisterwerk „All In“. 2013, kurz bevor sie ihr viertes Album „Southern Kicks“ veröffentlichten, begleiteten sie die US-Southern-Rock-Legende MOLLY HATCHET auf ihrer Deutschlandtour.

Jetzt melden sich KICKHUNTER mit ihrem 5. Album „Now Or Never“ zurück. Produziert von der Band und gemischt und gemastert
von Eike Freese (DEEP PURPLE, EISBRECHER, GAMMA RAY u.a.) und Dennis Ward (PINK CREAM 69, MAGNUM, KYHMERA u.a.). Das Album enthält auch einen Gastauftritt von keinem geringeren als Gründungsmitglied und HELLOWEEN-Bassisten Markus Großkopf! Markus, der durch sein Engagement bei HELLOWEEN zeitlich sehr eingeschränkt ist, kann KICKHUNTER im Moment live leider nicht unterstützen. Für ihn konnten die fünf verbliebenen Originalmitglieder Tim Schwarz (XANDRIA, HARDBONE) als neuen Bassisten gewinnen. Außerdem gibt es mit Gitarrist Gerd Lehmkuhl einen Neuzugang an der Gitarre, der die Triple-Axe-Attack komplettiert!!! Wer nach echter handgemachter Rockmusik mit dreckigen Riffs, kraftvollen Hammond-Sounds und groovigen Drums sucht, der wird KICKHUNTER lieben!!!

In the KID BE KID superhero universe, the fact that she is not only a singer but also a virtuoso pianist goes without saying. So much talent in one person would hardly be bearable if KID BE KID wasn't, above all, such a lovable funky freak!
"Naked Times! No More Lies! Here I am strippin' straight in front of your eyes," she chants in a futuristic dress with a gigantic shoulder width, and in the video clip she skillfully oscillates between the authenticity of her live performance and the complete unreality of the production.
Musically, it sounds like a finely curated neo-soul record collection pushed through a 2030s cyber-sound AI. Except that with KID BE KID, the beats don't come from the hard drive, but from her body: Human Beat Boxing. So hip-hop community members are welcome to nod their heads here.

In the 10 songs contained on "Truly A Live Goal But No Ice Cream" KID BE KID reflects on our existence between Internet publicity and Home Sweet Home, in which the mere start of the day can become a regular challenge! KID BE KID arms herself against the personified time and gives it an ultimatum: "Don't you dare not be better than last year!". As a result, everything in her life as well as musically finally takes a turn for the better...

KID BE KID has been touring Europe almost non-stop since last summer, has been recording vocals for Netflix ("Rumsspringa") and, in her remaining free time, has been hanging out in the young Berlin jazz and abstract beats scene.
All these influences can now be heard on her fantastic new album, where KID BE KID seems extremely determined to make the world a little bit better with her art:
"We are here for a reason, Move! Be the better Move!", she challenges herself and us in her song "Move" and of course: KID BE KID is a movement we are only too happy to join in 2023.

She has been a celebrated sensation for years for her live performances anyway, so it's no wonder that she is only too happy to make fun of all the boring online productions, including bloated self-marketing in her lyrics: "You'll have to post 5 times a week, at least 5 videos and one pic, if not your audience won't grow".
But since we have all become little self-marketing monsters with the desire for constant virtual pats on the back, KID BE KID directs this criticism primarily at herself: "Of course: For love everybody seeks, But it makes me sick, to do so, too" it also says in the song ("News Feed").

Well, when this album comes out in June, the ice cream parlors should finally be open again in real life. Walking there, with KID BE KID on the AirPods, we make a few jumps of joy! Because, honestly? This is really so incredibly good.

Silbermond zählen seit ihrem Durchbruch zu den deutschen Top-Acts – und haben die Entwicklung deutschsprachiger Rock-Musik maßgeblich beeinflusst. Die Hymnen mit Texten aus eigener Feder sind längst Teil des kollektiven musikalischen Gedächtnisses. Nach mehr als 6 Millionen verkauften Tonträgern, hunderten von ausverkauften Konzerten und dutzenden von Gold- und Platinauszeichnungen, nach fast 20 Jahren unter Strom im Musikgeschäft, nach Hymnen wie „Symphonie“, „Durch die Nacht“, „Das Beste“, „Krieger des Lichts“, „Irgendwas Bleibt“ und „Leichtes Gepäck“, veröffentlichten Silbermond 2019 ihr sechstes Studioalbum „Schritte“.

Donovan Woods was curious: What if he re-recorded Both Ways, his acclaimed 2018 record that won him a Juno Award for contemporary roots album, and distilled its 12 songs to their bare essence? An “acoustic reimagining,” if you will. “We started from scratch,” he says, from the instrumentation to his vocals to a fresh understanding of the heartache and regret that underpinned those songs. “There are no recording elements carried over from that album. It’s all brand-new.” Woods ended up with The Other Way, his album that brims with inspired interpretations of Both Ways that are intimate yet startling in their urgency. Released on May 3, 2019 on Meant Well, this release is a reminder of why the Canadian artist has become such a sought-after songwriter whose work has been recorded by Tim McGraw (“Portland, Maine”) and Lady Antebellum’s Charles Kelley (“Leaving Nashville”), with Spotify streams approaching nearly 90 million. You’ve always been able to hear and connect with Woods’ words. But an odd sensation washes over you when the varnish is wiped off of Woods’ songs. Somehow the lyrics burrow with even greater resonance and then linger like little smoke rings. For a producer, Woods enlisted ace guitarist Todd Lombardo, who produced Woods’ song “Portland, Maine” in 2015 and wrote and played most of the guitar parts on Kacey Musgraves’ Grammy-winning Golden Hour. Woods gave Lombardo artistic license not only to change the chords and song structures but to overhaul the arrangements with acoustic instruments and Lombardo’s luminous guitar work as the centerpiece. “I think this album draws out the pain and the darkness of these songs,” Lombardo says. “The record is about loss and failure and feeling like you fucked it up, and there’s no mistaking that. You hear every single word – and feel it, too.” Coming on the heels of “Go to Her,” Woods’ first song of 2019, The Other Way is so revelatory that it makes you wonder why he didn’t try this approach sooner. “It’s always been an interesting idea to me, especially when you’re an artist like me who inherently disappoints some people anytime your sound gets bigger,” Woods says. “But a really good song is a good song in any arrangement. It’s like a beautiful hardwood floor. You can put any furniture in there, and it’s going to look good.”

Donovan Woods’ album is a study in contrasts, as one would expect from its name: Both Ways. That push-and-pull, especially in relationships, has long been Woods’ stock in trade. As the lead track of Both Ways, “Good Lover” unfolds with acoustic instruments and Woods’ quietly compelling delivery -- not what a listener might expect from the title alone. That masterful perspective has led to nominations for the Polaris Prize and the Juno Awards. In addition, his single “What Kind of Love Is That?” climbed to No. 1 on the CBC Top 20 Chart, while his catalog has accrued over 45 million streams. Woods is also a notable songwriter in Nashville with credits by Billy Currington, Charles Kelley, Tim McGraw and Charlie Worsham. NPR Music stated, "There are very few writers who can make you laugh and break your heart in the same song.” No Depression noted that Woods’ style is “as fresh and captivating as any out there.” Asked if he writes differently for himself than he does for other artists, Woods replies, “I used to think that there was a difference. I know now there's no difference. You just try to write the best thing. Everything I wrote where I said, ‘This is mine and I’m going to put it out’ – every song like that gets recorded by somebody else. I know now that I just try and write a song that I would want to do.”

Ltd. LP/White Vinyl

Musik ist in der letzten Zeit wichtiger denn je geworden. Aus diesem Grund kommt die triumphale Rückkehr von AMARANTHE besonders gelegen. Die sechsköpfige schwedische Band hat sich in den letzten zehn Jahren als eine beeindruckende, positive und inbrünstige melodische Kraft für metallisches Wohlbefinden etabliert.
Manifest wurde in Dänemark mit seinem langjährigen Mitarbeiter Jacob Hansen aufgenommen und ist ein Album mit vielfältigen Stimmungen und Texturen, von immenser Kraft und Aggression und von erlesener Schönheit. Diese kühne Vermischung unterschiedlicher Elemente war schon immer Teil des Ethos von AMARANTHE, aber auf ihrem sechsten Album zeigt die Band einen verstärkten Sinn für lyrische und konzeptuelle Substanz. Mit Liedern, die alles von der drohenden Klimakatastrophe bis zur theistischen Mythologie berühren, sind Olof und Elize als Kommentatoren der Prüfungen und Drangsale der Menschheit wahrhaft aufgeblüht. Es sind aufregende, akribisch gearbeitete Future-Metal-Hymnen, die eigens dafür gebaut wurden, um Köpfe platzen zu lassen, die aber von einem tiefen Sinn für Menschlichkeit und emotionaler Ehrlichkeit untermauert werden. Wie die Vorab-Single Do Or Die - die am Valentinstag dieses Jahres veröffentlicht wurde und auf der die legendäre Angela Gossow zu hören ist - ist Manifest eine Platte, die der realen Welt ebenso viel verdankt wie der Fantasie und dem Realitätsverlust.

Warmongers run the newspapers, the daily podcasts, the social media feeds. Capital creates and harvests our despair. Cultural heroes are as money-mad as bankers, standing on corpses, wearing diamonds. The songs of this age are hopeless. In this world of lies, Spider Bite celebrate truth: raw, ragged, and full of brave energy, bravely dreaming of possible futures in the immediate and active now, in this exact and ever active present: after the flood, in the ruins of love.

Spider Bite is the sound of Daniel Romano (The Outfit, Ancient Shapes, Attack In Black), Ian Romano (Daniel Romano’s Outfit, Career Suicide) and Steven Lambke (Constantines) returning to their roots in the thriving pit of DIY punk with a perspective, skill, and energy that can only be gained from long experience in music, art, and stubborn cultural creation. Spider Bite began in the depths of the first COVID-19 lockdown, a world poised between protests and rebellions, when a fearful silence held its breath, twitching the curtains, and strange imaginations ran unleashed through dark streets. Long-time collaborators Daniel Romano and Steven Lambke, who together established the artist run record label You’ve Changed Records in 2009, and monster drummer Ian Romano chose this moment to indulge their shared love of energetic street punk, releasing the self-titled debut as a Bandcamp-only release in May 2020. The album was enthusiastically embraced and even cracked the best of lists on some of the more adventurous independent music blogs.

But still. Time passes. More wars. More storms. More ruin caused by greed. Spider Bite reconvened in the spring of 2022, recording The Rainbow and The Dove, an album that assembles the wisdom teachings of punk elders into a passionate rejection of settler-colonialism, environmental racism, and the general exploitation of the world by monarchs and resource extraction companies. Every moment is historical. Spider Bite celebrate a continuity of protest and refusal, and the communal joy of loud energy. Animated by a surprising humor and immense instrumental power, Spider Bite create a vibrant portrait of living in violent times.

Black + White Haze Vinyl. With a sound that was swampy, primal and modern-urban all at once_as much in the tradition of rock n' roll and punk rock as it was a rejection of those things, the Scientists' formula was as universal as it was specific to their own experience. The themes of getting wasted, driving around in hotted-up cars, being trapped in crap jobs, and paranoia were their subject matter. Machine throb bass and drums with jagged car-wreck guitars were their modus operandi. Fitting into no place or time they spurned all but the most rudimentary and elemental of rock structures to create a sound all their own. Quadruple CD includes their complete studio recordings, live recordings, and a previously unissued set from Adelaide UniBar, plus dozens of previously unpublished photographs, discography, and fold out Perth Punk family tree. Double LP version boils the box down to 22 essentials, plus unpublished photographs, discography, and fold out Perth Punk family tree.




















t 20 THIS IS MY HAPPY HOUR LIVE AT ADELAIDE UNIBAR
u 21 FIRE ESCAPE [LIVE AT ADELAIDE UNIBAR]
[v] 22 WHEN WORLDS COLLIDE [LIVE AT ADELAIDE UNIBAR]
[w] 23 RAVER [LIVE AT ADELAIDE UNIBAR]
[x] 24 THE SPIN [LIVE AT ADELAIDE UNIBAR]
[y] 25 CLEAR SPOT [LIVE AT ADELAIDE UNIBAR]
[z] 26 REV HEAD [LIVE AT ADELAIDE UNIBAR]
[xa] 27 SET IT ON FIRE [LIVE AT ADELAIDE UNIBAR]
[xb] 28 BURN OUT [LIVE AT ADELAIDE UNIBAR]
[xc] 29 THIS LIFE OF YOURS [LIVE AT ADELAIDE UNIBAR]
[xd] 30 SOLID GOLD HELL [LIVE AT ADELAIDE UNIBAR]
[xe] 31 BLOOD RED RIVER [LIVE AT ADELAIDE UNIBAR]
[xf] 32 DON'T LIE TO ME [LIVE AT THE LOFT]

[xh] 34 MELODRAMATIC TOUCH [LIVE AT STOREY HALL]
[xi] 35 SLOW DEATH [LIVE AT STOREY HALL]
[xj] 36 STRANGERS IN THE NIGHT [LIVE AT THE SYDNEY UNI]
[xk] 37 I'VE HAD IT [LIVE AT LE TOTE]
[xl] 38 GONNA MAKE YOU [LIVE AT THE PRINCE OF WALES HOTEL]
[xm] 39 WHEN WORLDS COLLIDE [LIVE AT SYDNEY TRADE UNION CLUB]
[xn] 40 GHOST TRAIN [LIVE AT THE PRINCE OF WALES HOTEL]
[xo] 41 THE OTHER PLACE [1985 FLEXI DISC]
[xp] 42 SHE CRACKED [1985 FLEXI DISC]

Nachdem seine intime Underplay-Show-Tour „SHHH“ im März binnen Sekunden ausverkauft war, kündigt Archy Marshall sein mittlerweile viertes Studioalbum „Space Heavy“ als King Krule an. Erscheinen wird es am 9. Juni bei XL Recordings. Zehn Jahre nach der Veröffentlichung seines umjubelten Debütalbums „6 Feet Beneath the Moon“ zeigen die 15 neuen Songs den britischen Songwriter auf der Höhe seines Schaffens.



Entstanden ist das Album zwischen 2020 und 2022, als Archy Marshall sowohl London als auch Liverpool seine Heimat nannte und viel Zeit auf den Reisen von einem zum anderen Ort verbrachte. Während diesen Trips entstand seine Faszination für „the space between“, wie er es nennt: die Orte, die von Träumen voller Liebe verfolgt werden, während sich Archy in seinen Texten mit persönlichen Verlusten befasst. Nachdem die Texte fertig waren, entstand die Musik gemeinsam mit dem Produzenten Dilip Harris sowie seiner langjährigen Band, bestehend aus Ignacio Salvadores (Saxophone), George Bass (Schlagzeug), James Wilson (Bass) und Jack Towell (Gitarre).



In den 15 Songs von „Space Heavy“ verbinden sich viele Elemente seiner bisherigen Karriere mit dem klanglichen Kosmos, der ihm das Attribut als eine der Stimmen seiner Generation einbrachte. Die dichten Lyrics seines Debüts, die Verschiebung seines Sounds bei „The OOZ“ (2017), die Ursprünglichkeit von „Man Alive!“ und die rohe Verletzlichkeit, die er auf „You Heat Me Up, You Cool Me Down“ zeigte, fließen in den Sound seines neuen Albums ein.



Mit der Albumankündigung erscheint die erste Single „Seaforth“ mitsamt Video, bei dem seine regelmäßige Kollaborateurin und Visual Artist Jocelyn Anquetil Regie geführt hat.

From 1989 onwards, Richard was an obsessive collector of house and techno music, frequenting legendary London record shops such as Fat Cat, Silverfish, Trax and Red Records. He took record buying trips to NewYork to find second-hand disco, house and techno 12”s, which were lying around in bargain bins. The selection for this compilation are his own personal favourites from that era.

Back then, electronic dance music was young, innocent and fun; it hadn’t been analysed, theorised and fragmented into the multi-genre industry it is today.


What you hear on this compilation reflects what he was playing at that time; joining the dots between ambient, techno, tribal house, breakbeat and early trance productions from the UK.

Much house and techno from the US, Belgium, Germany and Holland has been well documented, but some of the more obscure British productions are lesser known and need to be showcased.

Hopefully, these tracks will inspire and educate a new generation of electronic music fans who weren’t born then and also trigger some acid flashbacks for the older,ravers as they take a trip down memory lane.

Nein, so richtig hatte keiner mit dem Erfolg von „Crucchi Gang“ gerechnet. Das Mitte 2020 erschienene Debütalbum des gleichnamigen Bandprojekts basierte schließlich nicht auf irgendeinem ausgeklügelten Business-Plan, sondern auf einer spontanen Idee von Musikmanagerin Charlotte Goltermann, Element of Crime-Sänger und Autor Sven Regener sowie Francesco Wilking (Die höchste Eisenbahn, Tele).

Deutschsprachige Musiker und Musikerinnen singen ihre eigenen Songs auf Italienisch. Mit auf der ersten Platte waren Von Wegen Lisbeth, Faber, Sophie Hunger und viele mehr.

Jetzt folgt mit „Fellini“ die zweite Runde. Sie ist eigentlich eine nahtlose Fortsetzung der ersten, denn auch Wilking und Reising fanden Gefallen an den kleinen Fluchten aus dem Alltag – und entschieden sich, ohne große Pause weiterzumachen. Diesmal sind Musiker und Musikerinnen wie Tocotronic, Tristan Brusch und
Antje Schomaker dabei und interpretieren ihre Songs auf Italienisch.

Das Album macht Lust darauf, sofort südwärts zu reisen. Es ist gleichzeitig der Beweis dafür, dass Musik eine Sprache ist, die man auch dann versteht, wenn man die eigentliche Sprache nicht versteht. Klingt kompliziert? Ist es überhaupt nicht.
Setzen Sie sich in ihren Lieblingssessel. Schließen die Augen. Schenken Sie sich einen Drink ein. Wenn Sie rauchen, zünden Sie sich eine Zigarette an. Wenn nicht, holen sie sich ein Eis aus der Gefriertruhe. Und jetzt drücken Sie auf die Abspieltaste – capirete cosa voglio dire.

Albert’s Favourites label founder Scrimshire is set to release bold new album 'Paroxysm'. In the last few weeks of October 2022, Scrimshire wrote a new collection of songs with the descriptive working title "Scream". A direct response to the absurdity of the breakdown in the UK government, the horror of the treatment of refugees arriving on our shores and the callous disregard for the trauma being caused to low-income people or anyone considered "other". While self-preserving Conservative MPs fought for their jobs, record profits were announced by energy companies as they were gouging crippling amounts of money from people's pockets. The anger, sadness, mourning, and frustration he felt was poured into these recordings.

Originally named “Scream 8”, ‘Unity Gain’ was one of the early outpourings from those sessions. Piano and drums bubble up until it fully boils over with huge stabbing synthesiser and string sounds in an outburst of frenetic energy. "Division seems to characterise our daily experience”, says Scrimshire. “How does a society stop the callousness and corruption from seeping into its bones?".

Singer Faye Houston features on both ‘Eyes Shut’ as well as, alongside saxophonist, composer, and multi-wind instrumentalist Tamar Osborn, on ‘Flames’. About the latter Scrimshire explains, “One person can breathe fire into your life and the world, leaving an indelible mark. The album was influenced hugely by a friend we sadly have lost. I think of it like the heat you still feel after a fire has gone out”.

London-based poet and emcee The Repeat Beat Poet captures moments of time, thought, and feeling on ‘What Is The State Of Our State’, a furious yet succinct stream-of-consciousness diatribe in two parts. From afrobeat and reggae-influenced London band Soothsayers, clarinetist and saxophonist Idris Rahman features on ‘Your Invasion Is A Lie’, an ever-progressing, cosmic-jazz track.

The elegiac ‘Unforgotten, Unforgiven’ features saxophonist Nat Birchall, on which Scrimshire says "This is dedicated to the politicians who have forced refugees into life-threatening decisions. Pushing people into the hands of traffickers, into small boats and too many beneath the waves of our seas. Who force the lives of men, women, and children into more danger, in the hope of escaping war, poverty and persecution only to meet more cruelty and persecution. It won't be forgotten, and it won't be forgiven".

Scrimshire’s last album, 2021’s 'Nothing Feels Like Everything', received an Album of the Year nomination at the Gilles Peterson Worldwide Awards and last March he was named by the Guardian as one of three producers behind the new wave of UK soul, alongside Inflo (Michael Kiwanuka, Sault, Lil Simz) and Swindle (Joel Culpepper, Greentea Peng, Kojey Radical). Albert’s Favourites was formed by Adam, Dave Koor, and Jonny Drop, who designed the logo and artwork, and has released records by The Expansions, Hector Plimmer, Huw Marc Bennett, Pie Eye Collective, Qwalia, Ronin Arkestra.


Early support from Huey Morgan, Amazing Radio specialist playlist, Gideon Coe. Previous support from Gilles Peterson, Mary Anne Hobbs, Jamz Supernova

Bright & Findlay - James Alexander Bright und Tom Findlay (Groove Armada) - eint ihre gemeinsame Liebe zu Machine-Funk, Outsider-Soul, 70'/80'er Nautica und Basement-Disco des 21. Jahrhunderts. Auf ihrem Debütalbum 'Everything Is Slow' auf Athens Of The North präsentieren sie eine atemberaubende Bewegung und Atmosphäre, vollgepackt mit Sunshine Boogie, Cosmic Disco, einer Prise balearischem Funk und Inspirationen und Widmungen von Dâm Funk bis Metro Area.

Like the winged half-man/half-bull that dominates its outrageous cover, Cleveland Eaton's Half And Half is a mutant bass-heavy monster that absolutely slays. Incredible jazz-funk from 1973, it's been largely overlooked for decades, and unfairly so. This is just sensational music - a crate digger's delight. It's super funky throughout, with lots of layers, jazz breaks for days, dripping with style and gritty class. This is the first reissue of what has been a hard to find record for many years; it's long overdue. Joyous music for mind, soul and body.

Cleveland Eaton was a revered bassist who played an active role in the backing of Count Basie, the Donald Byrd Quintet, The Ramsey Lewis Trio, Terry Callier and Minnie Riperton; amongst many, many others. Half And Half was the first album released under his own name, initially released as a private press record on his - awkwardly named - Cle An Thair Records. It was then picked up by Gamble & Huff for Gamble Records. Varied, string-adorned and with stupid funky grooves, it's just exceptionally good.

Whilst Half And Half is treasured for its famously brilliant interpretations of gold funk-soul standards, Eaton proves an imaginative composer in his own right. Indeed, the album opens with a striking original; the earthy, laconic jazz-guitar-funk fusion of "Keep It Funky". Cleveland and co. do exactly that. Up next is a properly moving cover of Aretha Franklin's eternal "Day Dreaming". The flute and guitar combo truly achieve celestial greatness here. "Here Comes Funky Lou" rides a bassline from the Gods and a driving soul-jazz groove allows the track to go off in all sorts of directions. Serene guitar soul of the breezy variety one moment, crazy hectic violin-driven wig outs the next, courtesy of Ed Green who played with Dorothy Ashby and Alice Coltrane.

His blistering two track salvo of Stylistics covers to close out this A-Side of A-Sides will leave your jaw dropped, and they're likely the reason you're here for this. And why not? "Betcha By Golly Wow", which uses a bed of acidy synths and harmonica to create a unique atmosphere, is on some next level business. Melancholic, wistful, beautiful. "People Make the World Go Round" is so good, dripping in wonderful horns and ace percussive breaks, it could even be regarded as the definitive version. Seriously!

Opening Side B, War's gigantic "Slipping Into Darkness" is tightly tailored to Eaton's funky flute fusion arrangement whilst the insistent "Missing You" is a swaggering horn-heavy version of Luther Ingram's track from the Dilla/Ghostface-linked LP, I've Been Here All The Time. The creeping, screeching guitar-drenched original "John's Groove" features more fantastic horn lines and neck-snapping percussion whilst "The Love Gangster", written by Bill Wyman and Stephen Stills for his seminal Manassas LP, contains a heavy break with slick drums high in the mix and fuzzy guitars.

The album closes with two more Eaton originals. Written with Johnny Guitar Watson, "Lie" is one hell of a funky string and guitar-driven gem whilst the wild, celebratory "Ah Movin' On" cleverly quotes "Wade In The Water" (which he'd recorded with Ramsey Lewis in 1966) folding it into his new free-jazz composition. A message to his old boss, perhaps, as a sign-off?

We've worked on this reissue for 3.5 years, spending the whole time making it sound super sharp and looking as perfect as it possibly can. An absolute must-have for fans of soulful jazz-funk, Half And Half was mastered for vinyl by Simon Francis and cut by Pete Norman at Final Tweak. The bizarre artwork, mutant beast and all, was restored at Be With HQ over many painstaking months! Hopefully, this new edition, a real labour of love, should bring Cleveland Eaton into the homes and record boxes of many more people.

Black Light Smoke is the electronic music moniker of Jordan Lieb - producer, songwriter, and award winning film and TV composer. A Chicago native, Jordan transplanted to New York City in 2001, where his career as a multi-disciplined musician has taken flight in many forms.

Currently residing in upstate New York, Black Light Smoke returns to Scissor and Thread for his first full length debut-album: Ghosts.
The 12 tracks (plus three digital bonus tracks) span everything from 90s house, smooth and deep soulful beats, dusty grooves and thoughtful treaties on the state of creativity, capitalism and identity.
It’s a collection that sits together as a listening experience perfectly, building peaks and sliding into serene troughs, all with a strong sense of radical thought and creative experimentation. Tracks bend and warp in unexpected directions, while gritty, distortion and overdrive counterpoint classic rave stabs and vocal samples. Taken as a whole, the album could be the soundtrack to a night drive through the city, as much as certain tracks will no doubt find themselves woven into the sets of the more leftfield and genre pushing DJs. Either way, it’s an essential release from one of the most exciting and vital producers out there and the first artist signed to Scissor and Thread back in 2011.

The album title, Ghosts, tells two stories. One is personal - an artist embracing the shadows of his past in order to move forward and complete a body of work. The second story is a search for the original meaning of house music - not just the usual sample, appropriation or casual nod to the originators of house - but a meditation on the living story of Black America in which house music is an inseparable chapter. Both stories are a reflection on grief and the transformation of trauma into celebration.

100% of Jordan Lieb’s personal proceeds from this record will go to Little Bit Foundation, empowering students living in poverty to achieve their academic goals.

Morgan Wallen veröffentlicht sein mit Spannung erwartetes zweites Album „Dangerous“. Der Künstler schrieb die Songs zum größten Teil selbst und wurde in dieser Zeit zum ”am schnellsten aufsteigenden jungen Star des Landes” (Variety). Morgan sagt über sein Album „Ich wollte auch, dass die Lieder mehrere Lebensphasen ansprechen und mehrere verschiedene Klänge haben, je nach meinen Einflüssen und je nachdem, was mir Spaß macht.“ Das Doppelalbum spiegelt somit den unverkennbaren Sound, den Wallen und Produzent Joey Moi auf seinem Platinum Debüt-Album „If I Know Me“ geschaffen haben, wider. Als Vorgeschmack auf „Dangerous“ sind bereits 8 Songs erschienen, darunter die Single „Somebody‘s Problem“ sowie die beiden aktuellen Country-Radio-Singles von Wallen - Top 3 ”More Than My Hometown” und Top 30 ”7 Summers”. Außerdem ist die Country-Album-Version der 3X Platinum Diplo-Kollaboration ”Heartless” enthalten. Künstler wie Ashley Gorley, Shane McAnally, Eric Church und Jason Isbell wirkten bei „Dangerous“ mit. Außerdem sind selbstverständlich Morgan’s engste musikalische Vertraute Hardy, Ernest und Ryan Vojtesak dabei. Wallen ist der Künstler des Country Genres mit den meisten Streams auf allen Plattformen, welche sich auf weit über 3 Billionen belaufen. Außerdem wurde er im November 2020 mit dem CMA Award als „New Artist of the Year“ ausgezeichnet.

Powder Blue Vinyl. In den letzten fünfzehn Jahren haben Beach Fossils ihren Status als eine der definitivsten und beständigsten Bands des New Yorker Undergrounds der 2010er Jahre stetig ausgebaut und neue Hörer erreicht, während sich ihr Sound vom DIY-Soloprojekt von Dustin Payseur zu einer einflussreichen vierköpfigen Dream-Pop-Band entwickelt hat, die selbst produziert, selbst gemanagt und selbst veröffentlicht wird. Bunny steht für Stärke durch Verletzlichkeit. "Bunny" setzt die atemberaubende Entwicklung des Beach Fossils-Sounds fort, indem es Elemente aus der jangligen Melancholie der "What a Pleasure" EP (2011), den düsteren, Post-Punk-inspirierten Tracks von "Clash the Truth" (2013) und den üppigen Arrangements von "Somersault" (2017) aufgreift und ihren "Dream-Pop-Instinkt mit jeder weiteren Veröffentlichung schärft" (INTERVIEW). Inspiriert vom Psych-Pop der frühen Verve- und Spiritualized-Alben sowie von Einflüssen wie The Cure, Wire, den Byrds und Velvet Underground wurde "Bunny" von Payseur selbst produziert und aufgenommen, wobei Lars Stalfors (St. Vincent, Soccer Mommy, Lil Peep) als Mixer fungierte. Payseur merkt an, dass bei der Entstehung dieses Albums mehr Wert auf eine stärkere Ausrichtung auf Popstrukturen gelegt wurde. "Als ich die erste Platte schrieb, gab es keine Refrains, sondern nur instrumentale Gitarrenparts zwischen den Strophen. Dies ist die erste Platte, bei der ich bewusst darüber nachgedacht habe, einen Refrain zu schreiben." Unterstützt wird er dabei von den Bandmitgliedern Tommy Davidson (Gitarre), Jack Doyle Smith (Bass) und Anton Hochheim (Schlagzeug). "Bunny" ist das bisher lebendigste und persönlichste Werk der Band. Die Songs handeln von Depressionen, Liebe, Abenteuern, Verlusten, Fehlern, New York City, Freundschaften, die kommen und gehen - eine Melange aus körnigen Stücken im Prozess der Selbstfindung. Payseurs collageartige Texte kommunizieren durch Ton und Stimmung ebenso wie durch Erzählungen; New Yorker Dichter wie Frank O'Hara, Ted Berrigan und Anne Waldman sind Einflüsse, ebenso wie das Tao Te Ching.

Powder Blue Vinyl. In den letzten fünfzehn Jahren haben Beach Fossils ihren Status als eine der definitivsten und beständigsten Bands des New Yorker Undergrounds der 2010er Jahre stetig ausgebaut und neue Hörer erreicht, während sich ihr Sound vom DIY-Soloprojekt von Dustin Payseur zu einer einflussreichen vierköpfigen Dream-Pop-Band entwickelt hat, die selbst produziert, selbst gemanagt und selbst veröffentlicht wird. Bunny steht für Stärke durch Verletzlichkeit. "Bunny" setzt die atemberaubende Entwicklung des Beach Fossils-Sounds fort, indem es Elemente aus der jangligen Melancholie der "What a Pleasure" EP (2011), den düsteren, Post-Punk-inspirierten Tracks von "Clash the Truth" (2013) und den üppigen Arrangements von "Somersault" (2017) aufgreift und ihren "Dream-Pop-Instinkt mit jeder weiteren Veröffentlichung schärft" (INTERVIEW). Inspiriert vom Psych-Pop der frühen Verve- und Spiritualized-Alben sowie von Einflüssen wie The Cure, Wire, den Byrds und Velvet Underground wurde "Bunny" von Payseur selbst produziert und aufgenommen, wobei Lars Stalfors (St. Vincent, Soccer Mommy, Lil Peep) als Mixer fungierte. Payseur merkt an, dass bei der Entstehung dieses Albums mehr Wert auf eine stärkere Ausrichtung auf Popstrukturen gelegt wurde. "Als ich die erste Platte schrieb, gab es keine Refrains, sondern nur instrumentale Gitarrenparts zwischen den Strophen. Dies ist die erste Platte, bei der ich bewusst darüber nachgedacht habe, einen Refrain zu schreiben." Unterstützt wird er dabei von den Bandmitgliedern Tommy Davidson (Gitarre), Jack Doyle Smith (Bass) und Anton Hochheim (Schlagzeug). "Bunny" ist das bisher lebendigste und persönlichste Werk der Band. Die Songs handeln von Depressionen, Liebe, Abenteuern, Verlusten, Fehlern, New York City, Freundschaften, die kommen und gehen - eine Melange aus körnigen Stücken im Prozess der Selbstfindung. Payseurs collageartige Texte kommunizieren durch Ton und Stimmung ebenso wie durch Erzählungen; New Yorker Dichter wie Frank O'Hara, Ted Berrigan und Anne Waldman sind Einflüsse, ebenso wie das Tao Te Ching.

Lanterns On The Lake kündigen ihr neues Album 'Versions Of Us' an, das am 2. Juni über Bella Union erscheint. Die selbstproduzierte fünfte Studio-LP folgt auf das 2020 für den Mercury-Prize nominierte Album 'Spook the Herd'.

Die neun Songs werfen große Gedanken auf, die sich mit den Möglichkeiten des Lebens auseinandersetzen, und der Frage, ob wir unser Schicksal ändern können oder dazu verdammt sind, dieselben Fehler im Leben immer und immer zu wiederholen. Die Stimme von Songwriterin Hazel Wilde liegt schwer über den Songs, die mit melodischen Gitarren, aufwühlenden Vintage-Synthesizern und verträumten Streichern musikalisch und textlich neues Terrain erkunden.

Mental health Probleme und persönliche Konflikte innerhalb der Band hatten einen großen Einfluss darauf, dass eine erste Version des Albums bereits frühzeitig Gestalt annahm, dann aber doch so nicht erschien. Die Band verwarf die Arbeit von fast einem Jahr und ging zu Song-Demos zurück, bei denen nur Hazel Wilde mit Philip Selway von Radiohead am Schlagzeug und an den Percussions neu begann.

- Ltd. Col. LP: (Transparent Orange Vinyl)

Eric Johnson, der mit einem Grammy ausgezeichnete Multi-Genre-Gitarrist, liefert mit Yesterday Meets Today & The Book of Making zwei Geschwister-Alben, die während des Pandemie Lockdowns fertiggestellt wurden. Johnson hat Inventur gemacht - sowohl emotional als auch musikalisch - und die vielen unvollendeten Tracks, Outtakes, Demos und klanglichen Ideen in seinem Archiv durchforstet, um die 18 Songs zusammenzustellen, die schließlich auf den Alben landeten: "Jedes Mal, wenn ich eine Platte mache, mache ich normalerweise zwei Platten; ich lagere einige der Stücke, die ich nicht verwendet habe, im Tresor", erklärt Johnson. Mit dem Luxus der Zeit war Johnson in der Lage, zwei vollwertige Alben abzuliefern, wobei weitere Tracks Ende des Jahres als EP veröffentlicht werden sollen.

Verpackung: Schwarzes Vinyl mit Standardgewicht. Standard-Hülle. Inklusive 11x11 Einleger mit Lyrics und Album Credits

Endlich ist sie erhältlich: Die limitierte Vinyl-Edition von The Book Of Making.
Eric Johnson, der mit einem Grammy ausgezeichnete Multi-Genre-Gitarrist, liefert mit Yesterday Meets Today & The Book of Making zwei Geschwister-Alben, die während des Pandemie Lockdowns fertiggestellt wurden. Johnson hat Inventur gemacht - sowohl emotional als auch musikalisch - und die vielen unvollendeten Tracks, Outtakes, Demos und klanglichen Ideen in seinem Archiv durchforstet, um die 18 Songs zusammenzustellen, die schließlich auf den Alben landeten: "Jedes Mal, wenn ich eine Platte mache, mache ich normalerweise zwei Platten; ich lagere einige der Stücke, die ich nicht verwendet habe, im Tresor", erklärt Johnson. Mit dem Luxus der Zeit war Johnson in der Lage, zwei vollwertige Alben abzuliefern, wobei weitere Tracks Ende des Jahres als EP veröffentlicht werden sollen.

Verpackung: Schwarzes Vinyl mit Standardgewicht. Standard-Hülle. Inklusive 11x11 Einleger mit Lyrics und Album Credits

Deerhoof's fan-favorite breakthrough album, Apple O', gets a 20th-anniversary edition after years of being out of print in the physical realm. They say the fruit from the Tree of Knowledge was actually a pomegranate. But Pomegranate O' did not sound as catchy. Of course, knowledge of what, exactly? Could be the serene and orderly discipline of music, it could be the ability to instantaneously destroy the entire species in an apocalyptic fireball. This album is a love story. It is about Satomi's mom being a Japanese girl when Truman got that ecstatic glint in his eye and blew up chunks of her country in a mushroom cloud, and next thing you know Satomi has moved to San Francisco and taken over an American noise-rock band. It is also about a different US president with an ecstatic glint in his eye, selling a criminal invasion with lies about weapons of mass destruction. This edition of Apple O' is on vinyl the color of cotton candy accompanied by a bonus 7" of previously unreleased live recordings.

Die Benjamins ist ein intergenerationelles Projekt mit Wahnsinnsmelodien. Max Gruber aka Drangsal, Charlotte Brandi, Julian Knoth (Die Nerven) und Thomas Götz (Beatsteaks) haben gemeinsam mit der legendären Hans-A-Plast-Sängerin Annette Benjamin eine erste EP aufgenommen, sie erscheint am 2. Juni 2023. "Ich habe hier so eine Supergroup für dich zusammengestellt", sagte Drangsal eines Tages am Telefon zu Annette Benjamin, nachdem sie jahrzehntelang - nach Hans-A-Plast - ein bürgerliches Leben geführt hatte. Als erstes fragte Drangsal Julian Knoth von der Gruppe Die Nerven. "Ich wusste, dass Julian Hans-A-Plast-Fan ist", sagt Gruber. Knoth wiederum trifft kurz darauf auf einem Konzert den Beatsteaks-Schlagzeuger Thomas Götz. Schließlich kam die Songwriterin, Pianistin und Sängerin Charlotte Brandi dazu, die Gruber bei einem Tristan-Brusch-Konzert getroffen hatte. 2022 nahmen DIE BENJAMINS die fünf Songs der Benjamins-EP in drei Tagen in Thomas Götz' Studio auf. Produziert hat Max Rieger von Die Nerven, das "Mastermind des deutschen Indie-Rock" ("Der Spiegel") hat unter anderem mit Casper und Stella Sommer gearbeitet. Wie gesagt: Supergroup.(Torsten Gross) Die Benjamins is an intergenerational project with insane melodies. Max Gruber aka Drangsal, Charlotte Brandi, Julian Knoth (Die Nerven) and Thomas Götz (Beatsteaks) have recorded a first EP together with the legendary Hans-A-Plast singer Annette Benjamin, it will be released on June 2, 2023. "I've put together such a supergroup for you here," Drangsal said one day on the phone to Annette Benjamin, after she had led a bourgeois life - after Hans-A-Plast - for decades. The first person Drangsal asked was Julian Knoth of the group Die Nerven. "I knew Julian was a Hans-A-Plast fan," Gruber says. Knoth, in turn, meets Beatsteaks drummer Thomas Götz at a concert shortly thereafter. Eventually, they were joined by songwriter, pianist and singer Charlotte Brandi, whom Gruber had met at a Tristan Brusch concert. In 2022 DIE BENJAMINS recorded the five songs of the Benjamins EP in three days in Thomas Götz's studio. Max Rieger from Die Nerven produced, the "mastermind of German indie rock" ("Der Spiegel") has worked with Casper and Stella Sommer, among others. As I said: Supergroup.(Torsten Gross)