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Dieser Tage erscheint das Ted Kessler Buch "To Ease My Troubled Mind: Die autorisierte unautorisierte Geschichte von Billy Childish". Als die Idee für das Buch die Idee für das Buch aufkam, wollte Billy ein prägnantes Doppelalbum zusammenstellen, das die 47 Jahre seines musikalischen Schaffens zusammenfasst. Dies ist das Ergebnis. Mein Name ist William Ivy Loveday, alias Steve Hamper, alias Guy Hamper, alias Jack Ketch, alias Billy Childish. Ich wurde in Medway, Kent, geboren, wo ich immer noch lebe. Ich verließ die Schule 1976, als ich 16 war. Da ich keinen Schulabschluss hatte, wurde ich von der Kunstschule abgelehnt und ging in der Werft von Chatham als Steinmetzlehrling arbeiten. Später schaffte ich es, aufgrund meiner Bilder in einen Malkurs an der St. Martin's School of Art aufgenommen zu werden. Ich, Bruce, Big Russ und Little Russ gründeten 1977 The Pop Rivets und machten unsere ersten Aufnahmen. Unsere Inspiration war Punkrock, TV21 und The Swinging Blue Jeans. Ich lernte Gitarre zu spielen und arbeitete 1979 vier Wochen lang im Oakwood Mental Hospital als Pförtner, dann gründeten ich, Mick und Bertie The Milkshakes. Unsere Inspirationen waren Link Wray, die Beatles-Live-at-the-Star-Club-LP, der Song "Gotta Get the First Plane Home" von den Kinks und unser Hass auf die New Romantics-Szene. Dann wurde ich von der St. Martin's School of Art verwiesen, weil ich etwas geschrieben hatte, das als "die schlimmste Art von Toilettenwand-Humor" bezeichnet wurde. Ich verprügelte meinen Vater, als er aus dem Gefängnis kam, wo er wegen Drogenschmuggels gesessen hatte. Wir haben uns bei The Milkshakes nie selbst bezahlt und das ganze Geld in die Herstellung unserer eigenen Platten gesteckt. Ich bewahrte das Geld auf einem Bankkonto unter dem Namen Kurt Schwitters auf. Ich lebte 12 Jahre lang von der Sozialhilfe. Im Jahr 1985 gründeten wir Thee Mighty Caesars. Unsere Inspiration waren Bo Diddley und The Troggs. Ich wurde Mitglied von Greenpeace. 1989 gründeten Bruce und ich Thee Headcoats. Unsere Inspiration waren Son House und Downliners Sect. 1999 gründeten ich, Wolf und Johnny Barker The Buff Medways. Unsere Inspiration war Jimi Hendrix in Beatle-Stiefeln und The Who, bevor Roger Daltry anfing, die Vorhänge seiner Oma zu tragen. Etwa 2008 gründeten Julie und ich The Musicians of the British Empire. Daraus wurde dann CTMF. Daraus wurden dann die Chatham Singers. Unsere Inspiration basierte auf uns selbst. Als Nächstes war es an der Zeit, dass Neil und ich die Spartan Dreggs gründeten, inspiriert von Homer und A. E. Housman. Andere Gruppen entstanden und zerfielen - damit niemand wusste, wer wir waren oder warum. Im Jahr 2019 entstand The William Loveday Intention - inspiriert von Hollis Brown und den Mississippi Sheiks. Das Guy Hamper Trio tauchte noch einmal auf, zusammen mit Jamie an der Hammond. Einige dieser Gruppen sind geblieben, viele haben sich zu fernen Ufern mit scharfen, versteckten Felsen aufgemacht. Hauptsächlich male ich und schreibe Gedichte und Romane. Zusammen mit der Musik, die ich spiele, ist nichts, was ich tue, jemals besonders modisch gewesen, aber genau darum geht es auch. Schon 1977 haben wir gerne Nein gesagt. Dann, als der Punk sich in New Romantic verwandelte, fielen wir in den frühen Rock 'n' Roll und den Blues zurück. Bei The Milkshakes sagte man uns, dass wir zu viele LPs veröffentlichten und damit kommerziellen Selbstmord begingen, also brachten wir an einem Tag vier verschiedene LPs heraus. Ab und zu kommt jemand Berühmtes vorbei und ein kleiner Krümel rollt über den Tisch und spritzt in unsere lauwarme Suppe. Ein anderes Mal eifern uns Unbekannte nach und erweisen sich nur als besser. Ich liebe Pop, aber keine Popstars. Ich interessiere mich nur für Klang und Farbe und das in einem kleinen Maßstab zu sein. Ich verstecke mich nicht hinter Lautstärke und Off-Stage-Mixing. Ich brauche keine Show zu spielen, weil ich lieber daheimsitze und eine Tasse Tee trinke. Meine Arbeit gehört nach unten, zum Instinkt und zum Elementaren, und ist nahe am Boden. Ich glaube an selbstgemachte Musik, selbstgemachte Kunst und selbstgemachtes Kochen. Die Musik war über die Jahre hinweg ein lohnendes Hobby. Ich habe viele gute Freunde getroffen und mit ihnen gearbeitet, und Gott hat mich vor dem Ruhm bewahrt. Ich möchte die Straßenbahn und das Pferd zurückbringen.

Was klingt, wie die begehrteste Mailadresse der Klasse 11b, ist das zweite Album der Berliner Indie-Pop-Band Von Wegen Lisbeth und hört auf den einzigartigen Namen sweetlilly93 @ hotmail . com . Und wer Angst hatte, der einstige Geheimtipp sei drei Jahre nach dem Debütalbum GRANDE nun im Mainstream angekommen, kann sich beruhigt zurücklehnen: Von Wegen Lisbeth bringen zwar mittlerweile problemlos die Konzerthallen von Kiel bis Freiburg zum Tanzen, klingen aber trotz Refrains, die einem wochenlang im Ohr bleiben, auch 2019 noch angenehm sperrig und dabei stets unverwechselbar.

Auf dem nun erscheinenden Album kümmert sich die Band, die in ihrem Proberaum wohl genug skurrile Instrumente hortet, um jegliche Flohmärkte Neuköllns zu füllen, um die kleinen alltäglichen Momente ihrer Umgebung und sagt dabei dank pointierter Ironie trotzdem mehr über unsere Gesellschaft aus, als man manchmal wahrhaben möchte. Von Wegen Lisbeth erzählen von der unübersehbaren Gentrifizierung im Viertel, dem Döner an der Ecke und dem Schweigen, das manchmal lauter scheint als der Presslufthammer vor dem Fenster.

Nach ersten Supporttouren für die Kölner von AnnenMayKantereit oder Sven Regeners Element of Crime haben sich Von Wegen Lisbeth längst in der deutschen Musikszene etabliert, ihr Album GRANDE erntete zurecht positive Kritik, nun legen die Berliner mit sweetlilly93@ hotmail . c om musikalisch und textlich nochmal einen drauf. Bereits mit der Single Lieferandomann erscheint ein erster Vorgeschmack auf das neue Album.

»Ist das 2Pac oder Brecht? Swipe' ich nach links oder nach rechts?«

LIMBONIC ART kehren mit "Opus Daemoniacal" zurück! Das neunte Album der norwegischen Black Metal Pioniere ist schwarz wie ein Rabe, grimmig wie ein Wolf, majestätisch wie ein Adler und so mächtig wie die frühen Werke der legendären Band, die Sänger und Multi-Instrumentalist Vidar "Daemon" Jensen im Jahr 1993 gegründet hat. Auf "Opus Daemoniacal" bleibt der Norweger seinem geradlinigen schwarzen Kurs treu, den er zuletzt eingeschlagen hatte. Doch das Album lehnt sich gleichzeitig auch bewusst an die atmosphärische Dichte und das cineastische Gefühl von LIMBONIC ARTs bahnbrechenden Frühwerken an. Nach dem Anwachsen zu einem Duo erschien das Debütalbum "Moon in the Scorpio" im Jahr 1996 bezeichnenderweise über Nocturnal Art Productions - dem Label von EMPEROR-Gitarrist Samoth alias Tomas Thormodsæter Haugen. Die einzigartige Kombination aus hartem nordischen Black Metal mit erhabenen Kopfkino-Elementen, die ihre Inspiration aus romantischer und klassischer Orchestermusik bezogen, erwies sich in den folgenden Jahren als äußerst einflussreich. Mit dem Nachfolger "In Abhorrence Dementia" (1997) und dem dritten Album "Epitome of Illusions" (1998) reduzierten LIMBONIC ART allmählich die symphonischen Elemente in ihrem Sound. Im Februar 2003 löste sich das Duo auf, aber Daemon reformierte die Band im Jahr 2006. Es folgten die LIMBONIC ART Alben "Phantasmagoria" (2010) und "Spectre Abysm" (2017). "Opus Daemoniacal" verbindet die Gegenwart mit dem frühen Klanggefühl der norwegischen Kultband, was sowohl Freunde der ersten Werke als auch eine neue Generation von Liebhabern des klassischen nordischen Black Metal ansprechen wird.

THE OMEGA SWARM, eine atmosphärische Death-Metal-Band aus Deutschland, begann im Jahr 2022, sehr bescheiden, sehr zurückgezogen. T., der bereits vier großartige Alben mit Sulphur Aeon veröffentlicht hat, hatte keinen vollwertigen Live-Act im Sinn, als er frühe Demos komponierte und das Skelett seiner - damals noch namenlosen - neuen Kreatur formte. Im Herzen ein wahrer Schöpfer, umarmt T. die akribische Arbeit an Riffs, Tönen, Klängen, den abenteuerlichen Geist des Aufbaus und der Verwirklichung von Ideen, das Experimentieren mit seinen geliebten Gitarren und Synthesizern, um erstaunliche Vibes und Songs zu produzieren, die bedeutungsvoll und doch extrem, melodisch und doch hart sind und sich in THE OMEGA SWARMs Debütalbum vereinen, einer Platte, einem Zeugnis, das der Essenz der Kunst selbst gewidmet ist.

So bodenständig T. auch ist, er ist nicht der Typ Mensch, der sich an eine Klangformel hält, er sucht nach "etwas mehr", "etwas anderem". Nachdem Sulphur Aeon mit dem monumentalen "Seven Crowns and Seven Seals" von 2023 vorerst abgeschlossen haben, was sie ausdrücken wollten, sind THE OMEGA SWARM jetzt sein Hauptaugenmerk, und das Line-up der Band, das von Sänger Christian Schettler (bekannt durch seine Arbeit bei den Labelkollegen Wound) und Schlagzeuger Max Scheefeldt (ex Misanthrope Monarch) komplettiert wird, passt perfekt zusammen. Musikalisch entstanden THE OMEGA SWARM aus T.s Experimenten mit rhythmischen Mustern, übereinanderliegenden Synthesizern, ausgefeilten Leads und etwas technischeren Riffingstrukturen.

Die wohl einzigen offensichtlichen Parallelen zu Sulphur Aeon sind die Betonung einer dichten, fesselnden Atmosphäre, epische Elemente und eine übergreifende Dunkelheit sowie die Erkenntnis nach der Fertigstellung der ersten Aufnahmen, dass auch THE OMEGA SWARM die Qualität besitzen, mehr als nur ein 'Schlafzimmerprojekt' zu sein.
Aufgenommen in den Studios von Feire Records und s/w records, gemischt und produziert von Langzeitpartner Simon Werner, wurde V. Santura (Triptykon, Dark Fortress) für das Mastering angeheuert und sorgte für den letzten Schliff von "Crimson Demise", einem Album, das stolz und mühelos zwischen Death und Black Metal changiert und von einer herausragenden Gesangsleistung abgerundet wird, bei der Chris eine ähnliche Bandbreite an Growls, Screams und cleanen Parts erreicht wie Peter Tägtgren in seinen besten Zeiten.

Vom Konzept her verzichtet die Gruppe auf uralte Lovecraft'sche Schrecken und wendet sich stattdessen geradlinigen apokalyptischen Themen zu. Ob Viren, bösartige Bakterien, verrückte Diktatoren, Klimawandel, religiöse und politische Ideologien, korrupte Technologie, Terrorismus oder Krieg, die Menschheit hat sich selbst für den Untergang gezeichnet - in leuchtenden Neonfarben, damit selbst eine außerirdische Spezies, die Galaxien entfernt ist, erkennen kann, was für Narren wir wirklich sind. "Die Menschheit kann sich nicht auf eine gemeinsame Wahrheit einigen, geschweige denn auf eine Strategie zur Lösung ihrer mannigfaltigen Probleme", erklärt Chris, "und bildet somit überhaupt keine Einheit. Der einzige gemeinsame Nenner, der uns alle eint, ist unsere Zerstörungswut, die irgendwann die gesamte Existenz der Menschheit gefährden könnte. Die Utopie wurde durch dystopische Szenarien ersetzt. Welche Formen des negativen menschlichen Verhaltens uns und die Gesellschaft derzeit beeinflussen und letztlich in eine zukünftige Endzeit führen, ist Teil des lyrischen Konzepts von THE OMEGA SWARM."
Aber keine Angst, bevor die Weltuntergangsuhr zum letzten Mal schlägt, soll euch das Vergnügen vergönnt sein, ein abwechslungsreiches, intensives und fesselndes Stück Metal zu erleben, das das neu formierte Trio aus dem Schlafzimmer auf die Bühne bringen will!

Die schwedische Post-Rock-Band OH HIROSHIMA kehrt zurück, um in einem Zeitalter der verblassten Jugend und der Ernüchterung für Wunder und Ehrfurcht einzutreten. All Things Shining", das fünfte Studioalbum der Band, zeigt das auf einen brüderlichen Kern reduzierte Projekt, während es sich immer weiter in neue klangliche Gefilde ausdehnt. Vor über 15 Jahren als DIY-Post-Rock-Aufnahmeprojekt in Kristinehamn gegründet, ist Oh Hiroshima stetig über seine schwedische Heimatstadt hinausgewachsen und zu einem hoch angesehenen Studio- und Live-Projekt in der internationalen Post-Rock-Szene geworden. Nach vier abwechslungsreichen Alben, die Elemente von Shoegaze, Electronica, Post-Punk und tanzbarem Indie-Rock beinhalten, stellt Oh Hiroshimas bevorstehende fünfte Veröffentlichung All Things Shining" eine bedeutende Entwicklung im Songwriting und Sounddesign der Band dar. All Things Shining" ist eine musikalische Reflexion über den bisherigen Lebensweg der Band und darüber, dass das Staunen über die Welt heutzutage so viel schwieriger zu erreichen ist - ein weiterer bedeutender Meilenstein in Oh Hiroshimas Reise. Das Album, das gleichzeitig persönlich und universell ist, dient als klangliche Erkundung der zweischneidigen Natur des Alterns; das zweischneidige Schwert der Anhäufung lebensbejahender Erfahrungen, die unweigerlich unsere Wahrnehmung der Welt um uns herum trüben. Wie der Titel schon andeutet, betonen Oh Hiroshima jedoch, dass noch nicht alles verloren ist. Mit Songs, die von zeitlosen literarischen Werken inspiriert sind, die für Jakob und Oskar im Laufe ihres Lebens von zentraler Bedeutung waren, ist "All Things Shining" eine Erinnerung daran, dass es im Gegensatz zu den anderen Bands, die sich mit dem Alter befassen, noch etwas gibt.

Die schwedische Post-Rock-Band OH HIROSHIMA kehrt zurück, um in einem Zeitalter der verblassten Jugend und der Ernüchterung für Wunder und Ehrfurcht einzutreten. All Things Shining", das fünfte Studioalbum der Band, zeigt das auf einen brüderlichen Kern reduzierte Projekt, während es sich immer weiter in neue klangliche Gefilde ausdehnt. Vor über 15 Jahren als DIY-Post-Rock-Aufnahmeprojekt in Kristinehamn gegründet, ist Oh Hiroshima stetig über seine schwedische Heimatstadt hinausgewachsen und zu einem hoch angesehenen Studio- und Live-Projekt in der internationalen Post-Rock-Szene geworden. Nach vier abwechslungsreichen Alben, die Elemente von Shoegaze, Electronica, Post-Punk und tanzbarem Indie-Rock beinhalten, stellt Oh Hiroshimas bevorstehende fünfte Veröffentlichung All Things Shining" eine bedeutende Entwicklung im Songwriting und Sounddesign der Band dar. All Things Shining" ist eine musikalische Reflexion über den bisherigen Lebensweg der Band und darüber, dass das Staunen über die Welt heutzutage so viel schwieriger zu erreichen ist - ein weiterer bedeutender Meilenstein in Oh Hiroshimas Reise. Das Album, das gleichzeitig persönlich und universell ist, dient als klangliche Erkundung der zweischneidigen Natur des Alterns; das zweischneidige Schwert der Anhäufung lebensbejahender Erfahrungen, die unweigerlich unsere Wahrnehmung der Welt um uns herum trüben. Wie der Titel schon andeutet, betonen Oh Hiroshima jedoch, dass noch nicht alles verloren ist. Mit Songs, die von zeitlosen literarischen Werken inspiriert sind, die für Jakob und Oskar im Laufe ihres Lebens von zentraler Bedeutung waren, ist "All Things Shining" eine Erinnerung daran, dass es im Gegensatz zu den anderen Bands, die sich mit dem Alter befassen, noch etwas gibt.

Zweimal jährlich, wenn die Sonne direkt über dem Äquator steht, sind Tag und Nacht fast gleich lang. Sofia degli Alessandri-Hultquist, alias Drum & Lace, fasziniert diese Symmetrie. Ihr neuestes Album 'ONDA', inspiriert von den Wellen des Ozeans, spiegelt ihre musikalische Reise wider, von der Kindheit in Florenz bis zur elektronischen Avantgarde.

'ONDA' vereint Tanzrhythmen und tiefe Bässe, eine Hommage an ihre Zeit in Florenz und ihre Leidenschaft für europäische House-Musik und experimentelle Klänge. Drum & Lace verbindet darauf elektronische Texturen mit natürlichen Aufnahmen und schafft so eine erdverbundene, organische Klangwelt.

Sofia studierte Musiktechnologie an der NYU und wurde u.a. von Größen wie Morton Subotnik inspiriert. Ihre bisherigen Alben 'Natura' (2022) und 'Frost' (2023), sind beide stark von der Natur beeinflusst. In Live-Performances kombiniert sie audiovisuelle Elemente und teilte bereits die Bühne mit Künstlern wie Suzanne Ciani, William Basinski oder Kaitlyn Aurelia Smith.

'ONDA' (Fabrique Records), das sich tief in Tanzrhythmen und die Schönheit des Ozeans vertieft, markiert auch einen neuen musikalischen Weg für Drum & Lace.

- Ltd. LP: (Transparent Vinyl)

Das Album "Songs in A&E" erscheint in Neuauflage. Die britischen Space-Rocker Spiritualized, die aus der Band Spaceman 3 hervorgingen, veröffentlichten es ursprünglich 2008, woraufhin es auf Platz 15 der UK-Albumcharts einstieg.

Songs in A&E ist ein wunderschönes, beängstigendes Album, und es war beinahe das letzte, was J Spaceman jemals veröffentlichen würde. Im Jahr 2005, als die Schreib- und Aufnahmearbeiten bereits in vollem Gange waren, wurde Spaceman mit einer doppelten ungenentzündung ins Royal London Infirmary eingeliefert. Das Cover dieser
iederveröffentlichung zeigt ein Foto, das aufgenommen wurde, als er auf dem Sterbebett lag, wie seine engen Freunde und seine Familie zu diesem Zeitpunkt befürchteten. "Wir dachten, er sei tot", erinnerte sich sein Bandkollege John Coxon an diese Zeit.

Das Album ist eine Sammlung anmutiger, Country-beeinflusster Songs, die vertraute Themen wie Liebe, Tod, Hoffnung und Hoffnungslosigkeit aufgreifen. Das Country-Element wurde durch eine kleine schwarze 1928er Gibson Akustikgitarre geprägt, die er in Cincinnati gekauft hatte, als die Band auf Tournee für das Album Amazing Grace war. Spaceman nannte sie "The Devil".

Seit über 20 Jahren sind The Decemberists eine der originellsten, gewagtesten und spannendsten amerikanischen Rockbands. Gegründet im Jahr 2000, setzten sich The Decemberists mit ihrer unverwechselbaren Form von Folk-Rock von Anfang an von der Masse ab, als sie 2001 Debüt veröffentlichten. Seitdem hat die Band neun Alben in voller Länge veröffentlicht, die nicht an ein bestimmtes Genre gebunden und äußerst ambitioniert sind und von an Americana angelehnten Storytelling-Epen bis hin zu Elementen des 70er Jahre Prog, Hard Rock und Disco reichen.

Jetzt meldet sich die beliebte Indie-Band mit ihrem ersten neuen Werk seit sechs Jahren zurück. Ihre neueste Single "Burial Ground", die bereits nach ihrem Live-Debüt im letzten Jahr ein Fan-Favorit war, nimmt den unverhohlenen Fatalismus des 2018 erschienenen Albums I'll Be Your Girl auf und verbindet ihn mit dem Jangle-Pop von The Dentists und den verträumten Harmonien der Beach Boys (mit Unterstützung von James Mercer von The Shins).

Esfand ist der letzte Monat des persischen Kalenders, der mit dem Nouruz-Frühlingsfest endet. Seit 2020 ist ESFAND auch eine Band - bestehend aus dem Iraner Rouzbeh Esfand und dem Neuseeländer Patrick Stewart. Ein Duo, das traditionelle iranische Folk-Elemente mit westlichen Beats und Vocal-Features bekannter exil-iranischer Künstler*innen zu etwas völlig Neuem verschmilzt. Ihr Debütalbum "Piltan" ist ein fulminant tanzbares Statement ohne Anflüge von Ethno-Kitsch. Pure Instinktmusik. "Wir haben die Samples ausschließlich aus musikalischen Gesichtspunkten ausgewählt. Das Folk-Element in unserer Musik ist groß, aber es ist nicht unsere Aufgabe, die Reinheit dieser Kultur zu wahren. Wir werfen iranische Traditionen nicht weg, wir behalten einfach die, die am besten passen. Am Ende des Tages sind alles nur Sounds." "Piltan" ist eine akustische Reise quer durch ein riesiges Land voller kultureller Eigenheiten: von den Zar-Ritualen aus dem Persischen Golf im Süden zum Reiter-Volk der Bachtiaren im Südwesten, bis hin zu den Qaschqai im Westen und zu den Kurden im nordwestlichen Iran mit ihren Derwisch-Ritualen. Die ersten beiden Songs haben ihren Ursprung in den repetitiven Rhythmen der Zar-Rituale, bei denen der Dämon Zar Personen in Form eines Windes befällt. Der Begleiter der zu behandelnden Person wiederholt bestimmte Phrasen immer wieder, um den Patienten in Ekstase zu versetzen. Auf die von Handtrommeln befeuerten Techno-Beats in "Bibi Saghi" folgen die düster-hektischen Synthie-Grooves von "O"seda". Ob der dunkle Dub von "Shawl" oder die maschinell stampfenden "Zar Bits" und "Without Foot, Without Head" - alle acht Songs sind raffinierte Produktionen auf höchstem technischem Niveau. Auf zwei Songs ist der Sänger und Perkussionist Habib Meftah vertreten (Rouzbeh: "Ich liebe seinen Instinkt für Songs!"). Auf "Shawl" gastiert Mohsen Namjoo, der sich ähnlich viel mit Folklore befasst hat und hier Texte der bekannten iranischen Dichter Daqiqi und Farrukhi Sistani singt. Aus einer jüngeren Generation stammt die Londoner Sängerin Misagh Moradi. Ihr "Without Foot, Without Head" basiert auf Texten des weltbekannten Dichters Rumi. Sich im Moment verlieren, sich dem Rhythmus hingeben, ganz unabhängig vom eigenen Hintergrund - das geht mit der jahrhundert- und grenzüberschreitenden Musik von ESFAND. Loslassen, abschalten, ohne Kopf und Füße zu kontrollieren. Darum geht es ESFAND. Übersetzt heißt es im Text von "Without Foot Without Head": "Oh du mit der anmutigen Taille, wirbele herum! Tanze weiter!"

Seit langer Zeit kursierten die Can LPs nur als Bootlegs, jetzt gibt es endlich die offiziellen Vinyl Reissues via Spoon Records! Die limitierte Erstveröffentlichung des Albums erschien im August 1969 auf dem Label Music Factory noch unter dem Namen THE CAN. Die zweite Veröffentlichung, mit neuem Artwork wie man es heute kennt, erfolgte auf Liberty Records im darauf folgenden Jahr. Aufgenommen wurde das Album im Schloss Nörvenich mit Cans erstem Sänger Malcolm Mooney. Das Albumdebüt der Band verband Elemente unterschiedlichster Stilrichtungen aus Psychedelic Rock, Blues, Fee Jazz und World Music. Die Nutzung der Improvisation, des Editings und des Layerings der unterschiedlichen Sounds setzte den Standard für alle folgenden Can Alben!

Favorite Recordings presents Faché, a new long awaited EP by Voilaaa, including 3 brand new tracks from the Afro-Disco maestro, and tasty exclusive versions. This is also a first taste of the upcoming 4th album, which is planned to be released in September this year. The EP opens with “Faché”, and it includes all the elements of Voilaaa’s famous style and skills: killer Afro-Disco production with heavy bass, hot percussions and playful horns and keyboards, coming with French spicy vocals by longtime partner Pat Kalla. A dub version is provided then. Next track is “Trouble Travel”, which is displayed in a “Garage Version” fully exclusive to this release and perfectly tailored to kill any dancefloor. It features upraising singer Nai-Jah collaborating for the first time with Voilaaa. On the B-side, you’ll find a surprising and blowing version of Jamiroquai’s “Too Young to Die”. The classic hit taking a new life in a Tropical perfect suit, with stunning Creole vocals by Olivya (Dowdelin). Voilaaa is back and ready to delight your summer!!



c A3. Trouble Travel (Garage version) feat. Nai-Jah

BLOODORN, eine neue Power-Metal-Band des Lead-Gitarristen von SIRENIA, Nils Courbaron. Die Band wurde im Jahr 2020 während der Pandemie gegründet. SILENT WINTER-Sänger Mike Livas, FREEDOM CALL-Bassist Francesco Saverio Ferraro und SIRENIA-Schlagzeuger Michael Brush traten der Band bei, nachdem sie die ersten Demos des Albums gehört hatten. Beeinflusst von Bands wie GAMMA RAY, ANGRA und BEAST IN BLACK, greift die Band auch auf einige Elemente aus der extremen Metalszene zurück. Die Musik von BLOODORN ist sehr schnell und technisch, manchmal sogar brutal, aber auch sehr melodisch und eingängig: Extreme Power Metal! Der Name BLOODORN ist ein Wortspiel aus der Wikinger-Foltermethode "Blôdörn" (besser bekannt als "Blutadler") und "Blut". Im Universum der Band ist der BLOODORN wie ein REAPER - ein Monster, das bereit ist, alles zu töten und zu zerstören, was sich ihm in den Weg stellt. BLOODORN handelt vom Kampf gegen Unterdrückung, Autorität und Tyrannei, aber auch von düsterer Gothic-Fantasy, Schattenkulten, Krieg, innerer Stärke, Ehre, nordischer Mythologie und sogar einigen Videospiel-Referenzen. All diese Konzepte werden durch das Erscheinungsbild und die Kleidung von BLOODORN noch verstärkt.

Auch im deutschsprachigen Raum spätestens seit dem massiven ESC-Hit "Calm After The Storm" (mit The Common Linnets) vor exakt 10 Jahren eine feste Größe, verbindet die niederländische Singer-Songwriterin Ilse DeLange ihre Country-Wurzeln fürs neue Kapitel mit einer massiven Dosis zeitgenössischem Pop und druckvollem Rock , um zwischendurch auch Eighties-, Indie- und Electro-Elemente aufblitzen zu lassen.

Seit über 4 Jahrzehnten erforscht Uli John Roth nun die Grenzen des Gitarrenspiels. Bis hin zu seiner legendären Sky-Guitar, ein 6 Oktaven umfassendes Lead-Instrument! Vor seiner Reise in die Sphären von Musik in Verbindung von Philosophie uns Spirit war er aber Lead Gitarrist der Scorpions und hat damit Geschichte geschrieben! Nach all der Zeit hat Uli John Roth einen Blick zurück gewagt, auf eine legendäre Zeit und Alben wie »Fly To The Rainbow«, »In Trance« oder »Virgin KIller«! Er stellte ein Band zusammen, kam nach Hannover und spielte diesen musiklaischen Rückblick in eben der Halle ein, in der die Scorpions in den Jahren 1973 - 1978 probten. So schließt sich ein fulminanter Kreis zu einem elementaren Album!

"Es ist kein Gospel, kein Soul, kein Blues, kein Rock'n'Roll. Es ist alles davon - und das aus gutem Grund.", sagt der Künstler selbst über sein neues Album 'Cut To Black', sein erstes Studioalbum seit 'Know Where To Run' von 2016 und sein insgesamt zehntes. Wenn man so will die musikalische Fortsetzung seiner im September 2021 erschienenen Memoiren "Up Above The City, Down Beneath The Stars".

Nach neun Studioalben, darunter das 96er Werk 'Oedipus Schmoedipus', (mit Gastperformances von Jarvis Cocker, Nick Cave und Billy McKenzie (The Associates)), das Mercury Prize nominierte 'Soul Murder' (1999), und sein jüngstes Album, 'Know Where To Run', das durch eine US-Tour mit Nick Cave & The Bad Seeds - nach 23 Jahren - inspiriert wurde, bewegt sich das neue Album des Magazine, The Birthday Party und ehemaligen The Bad Seeds Bassisten, das Elemente aus Soul, R&B, Hip-Hop und Funk mit künstlicher Intelligenz kombiniert, Stilistisch von hedonistischen Limousinenfahrten durch die Disco der frühen Achtziger ('Manhattan Satin') bis zur futuristischen Klanglandschaft eines Stücks wie 'Was it a Dream?'. Im Zentrum stehen drei Tracks, die mit dem alten Aberglauben an den Blues als Musik des Teufels und der Kirche als Zentrum von Beichte und Erlösung aufräumen: 'These Would Be Blues', 'Please Don't Call On Me' und 'Amen White Jesus'. Wie immer erfreut sich Adamson an raffinierten Wortspielen und assoziativen Klang- und Bildwelten.

MARTY FRIEDMANs Präsenz in der Welt der Musik, der Welt der Gitarre und der japanischen Popkultur ist rätselhaft, bizarr und geradezu inspirierend.Von seinen bahnbrechenden Anfängen mit Cacophony an der Seite des legendären Jason Becker bis hin zu seiner entscheidenden Rolle, Megadeth mit seiner atemberaubenden Bandbreite und seinem unorthodoxen melodischen Gespür auf den Gipfel der Popularität zu treiben, hat MARTY seinen Status als einzigartige Gitarrenikone gefestigt.

MARTY kündigt mit "Drama" sein neuestes Soloalbum an, auf dem er die atmosphärischen Elemente seines gefeierten Albums "Scenes" aus dem Jahr 1992 nur geringfügig aufgreift und sie zu einer modernen und exotischen Sammlung von extravaganten und unverkennbar emotionalen Mini-Symphonien erhebt. Das gesamte Album stellt MARTYs hypnotisierende Melodien, überraschende Arrangements und Motive noch stärker in den Vordergrund als alle seine früheren Werke. In Italien aufgenommen, wo MARTY neben seinen modernen Signature-Modellen auch Zugang zu einer Fundgrube von Vintage-Gitarren hatte, ist "Drama" ein reines Vergnügen für jeden, der Musik schätzt, die Emotionen weckt.

BOTANIST nehmen uns auf ihrem zwölften Album "Paleobotany" auf eine Reise mit, die 70 Millionen Jahre zurück in eine Zeit führt, in der Dinosaurier den Planeten beherrschten und die ersten Wälder zu Kohle wurden. Bevor der apokalyptische Einschlag des Chicxulub-Asteroiden das Zeitalter der Giganten in Flammen untergehen ließ, wuchsen auch viele Pflanzen, deren Artenfamilien auch heute noch Nachkommen haben, zu erstaunlichen Größen heran. "Paleobotany" kommt mit all jenen Markenzeichen daher, die BOTANIST aus der Masse aller Metal-Acts auf diesem Planeten hervorheben. Lyrisch dreht sich bei der Band aus San Francisco, Kalifornien alles um Pflanzen - ein klarer Bruch mit den üblichen Genre-Klischees wie Satan, Drachen und Bier. Ihre Musik ist einerseits deutlich im "Metal" verankert, doch statt 6-saitiger Gitarren verwenden die Amerikaner 110-saitige Hackbretter. Zur Verwirrung aller Traditionalisten statten BOTANIST die perkussiven Saiteninstrumente aus der Folklore mit magnetischen Tonabnehmern aus und verzerren sie mit verschiedenen Mitteln, die von Verstärkern über analoges Tonband bis hin zu digitaler Manipulation reichen. Der daraus resultierende Sound ist ebenso einzigartig wie spektakulär. Die kontinuierliche klangliche Entwicklung von BOTANIST begann an einem hörbar vom nordischen Black Metal geprägten Ausgangspunkt. Die Band entwickelte aber bald einen offeneren, avantgardistischeren Stil, der zu einer wachsenden Komplexität führte. Auf "Paleobotany" haben die Kalifornier einige der verschlungenen progressiven Elemente zugunsten songorientierterer Arrangements wieder abgelegt, die dennoch weiterhin detailreich bleiben und voller Überraschungen stecken. Dies wird dadurch verstärkt, dass das Album vom renommierten schwedischen Produzenten Fredrik Nordström (DIMMU BORGIR, OPETH, AT THE GATES) im Studio Fredman abgemischt wurde. BOTANIST bleiben eine einzigartige Band. "Paleobotany" erweitert die dunkelgrüne Klangpalette ihres Avantgarde-Metal-Sounds zu einem zugänglicheren und dynamischeren Klangerlebnis. Pflanzen bevölkerten schon weit vor den vierbeinige Giganten die Erde - und sie werden immer noch wachsen, wenn die Menschheit längst wieder zu Sternenstaub zerfallen ist. BOTANIST gewinnen ihre musikalische Zukunft, indem sie mit "Paleobotany" Millionen von Jahren in die Vergangenheit reisen!

Death Is Not The End präsentiert eine limitierte LP-Pressung ihrer Sammlung unheimlich-brütender Flamenco-Aufnahmen aus den frühen 1900er bis in die späten 1930er Jahre. Diese Überblick konzentriert sich auf den Cante Jondo-Stil ("tiefer Gesang"), der als ursprüngliche Manifestation des Flamenco-Gesangs gilt – aus dem andere Elemente wie Tanzen und Spielen hervorgingen – und erfasst und dokumentiert Titel der frühesten aufgenommenen Stars dieser Form.

"Rantanplan" sind seit fast 30 Jahren eine feste Institution und das schon lange nicht mehr "nur" innerhalb der Subkulturen, haben mit ihrem letzten Album "AHOI" 2023 nur knapp die Top Ten verfehlt (Platz 11 / 03.03.2023). Mit dem unveröffentlichten und exklusiv auf Vinyl erhältlichen Song "Am Meer" meldet die Band sich auf Sunny Bastards Records zurück. "Am Meer" ist genau der richtige Ohrwurm "um am Strand zwischen 3 Elementen zu liegen" und gut gelaunt den Sommer mit einem kühlen Bier zu genießen! Extrem tanzbarer Ska-Punk und klarer Hit von der Waterkant! Die B-Seite "Sand am Meer" greift nur vordergründig das unbeschwingte Sommergefühl auf, denn Rantanplan waren schon immer mehr als nur eine Spaßkapelle und verpacken ihre gesellschaftspolitischen Botschaften subtil statt plakativ in ihre Musik. "Idioten gibt's wie Sand am Meer"_wer will da schon widersprechen? Bislang nur online aus "Ahoi"-Sessions als Single Digital 2021 veröffentlicht, gibt es den Song jetzt endlich auch erstmals auf Vinyl! Streng limitiert auf insgesamt 500 Exemplare erscheint die 7" im Hardcover in bunter Vielfalt als red'n'white inside out und clear with blue & black splatter vinyl (je 200 copies ww). Für Puristen natürlich auch als black vinyl (100 copies ww) erhältlich.

"Rantanplan" sind seit fast 30 Jahren eine feste Institution und das schon lange nicht mehr "nur" innerhalb der Subkulturen, haben mit ihrem letzten Album "AHOI" 2023 nur knapp die Top Ten verfehlt (Platz 11 / 03.03.2023). Mit dem unveröffentlichten und exklusiv auf Vinyl erhältlichen Song "Am Meer" meldet die Band sich auf Sunny Bastards Records zurück. "Am Meer" ist genau der richtige Ohrwurm "um am Strand zwischen 3 Elementen zu liegen" und gut gelaunt den Sommer mit einem kühlen Bier zu genießen! Extrem tanzbarer Ska-Punk und klarer Hit von der Waterkant! Die B-Seite "Sand am Meer" greift nur vordergründig das unbeschwingte Sommergefühl auf, denn Rantanplan waren schon immer mehr als nur eine Spaßkapelle und verpacken ihre gesellschaftspolitischen Botschaften subtil statt plakativ in ihre Musik. "Idioten gibt's wie Sand am Meer"_wer will da schon widersprechen? Bislang nur online aus "Ahoi"-Sessions als Single Digital 2021 veröffentlicht, gibt es den Song jetzt endlich auch erstmals auf Vinyl! Streng limitiert auf insgesamt 500 Exemplare erscheint die 7" im Hardcover in bunter Vielfalt als red'n'white inside out und clear with blue & black splatter vinyl (je 200 copies ww). Für Puristen natürlich auch als black vinyl (100 copies ww) erhältlich.

"Rantanplan" sind seit fast 30 Jahren eine feste Institution und das schon lange nicht mehr "nur" innerhalb der Subkulturen, haben mit ihrem letzten Album "AHOI" 2023 nur knapp die Top Ten verfehlt (Platz 11 / 03.03.2023). Mit dem unveröffentlichten und exklusiv auf Vinyl erhältlichen Song "Am Meer" meldet die Band sich auf Sunny Bastards Records zurück. "Am Meer" ist genau der richtige Ohrwurm "um am Strand zwischen 3 Elementen zu liegen" und gut gelaunt den Sommer mit einem kühlen Bier zu genießen! Extrem tanzbarer Ska-Punk und klarer Hit von der Waterkant! Die B-Seite "Sand am Meer" greift nur vordergründig das unbeschwingte Sommergefühl auf, denn Rantanplan waren schon immer mehr als nur eine Spaßkapelle und verpacken ihre gesellschaftspolitischen Botschaften subtil statt plakativ in ihre Musik. "Idioten gibt's wie Sand am Meer"_wer will da schon widersprechen? Bislang nur online aus "Ahoi"-Sessions als Single Digital 2021 veröffentlicht, gibt es den Song jetzt endlich auch erstmals auf Vinyl! Streng limitiert auf insgesamt 500 Exemplare erscheint die 7" im Hardcover in bunter Vielfalt als red'n'white inside out und clear with blue & black splatter vinyl (je 200 copies ww). Für Puristen natürlich auch als black vinyl (100 copies ww) erhältlich.

Als eine der frühen Bastionen des US-Metals sind Attacker aus New Jersey zurück, um ihr 40-jähriges Jubiläum mit einem neuen Album zu feiern, einem triumphal, klassischem Metal-Album mit acht Songs! Bekannt wurde die Band durch ihr einflussreiches Debüt von 1985 und ihr zweites Album 'The Second Coming' drei Jahre später, sowie durch Alben nach der Reformation 2001. 'The God Particle' ist wieder die bewährte Dosis reinen, ungezügelten Heavy Metals mit reichlich Aggression und Melodie - beides dauerhafte Elemente des Attacker-Sounds, der auch von Marc Sassos (Dio, Halford, Marvel) packendem Cover-Artwork unterstrichen wird. Die Band würdigt mit dem neuen Album ihr geschichtsträchtiges Erbe und schafft neue, fesselnde Musik, um eine ihre Fangemeinde zufrieden zu stellen.

Arð stammen aus Northumbrien. Die Erfinder des Monastic Doom Metal errichten mit ihrem sehnsüchtig erwarteten zweiten Album "Untouched by Fire" einen weiteren beeindruckenden Meilenstein auf dem Weg ihres rasanten Aufstiegs. Sowohl musikalisch als auch textlich erklimmt Bandkopf Mark Deeks neue Höhen. Arð setzen ihre Mission fort, die Kultur, das Erbe und die Identität der alten nordenglischen Region Northumbria zu erforschen. Das Debütalbum "Take Up My Bones" folgte den Legenden und dem Jahrhundert der Wanderung der Reliquien des Heiligen Cuthbert von Lindisfarne (634-687). Die Geschichte des neuen Albums, wirft ein Schlaglicht auf eine ganz andere Art von Heiligen. Arð erzählen vom Kriegerkönig Oswald (604-642), der Northumbria mit Feuer und Schwert schmiedete, indem er die Reiche von Bernicia und Deira vereinigte. Seine Zeitgenossen bis ins Frankenreich hinein, sahen Oswald als den mächtigsten angelsächsischen König auf der Insel an. Arð zeichnen mit "Untouched by Fire" seinen Aufstieg zur Macht nach. Die Reise beginnt mit seiner Jugend im Exil. Seine Mutter war aufgrund einer Familienfehde nach Norden in das irische Machtzentrum Dal Riada an der schottischen Westküste geflohen. Oswalds Weg führt weiter über siegreiche Schlachten, in denen Oswald jene Territorien zurückgewann, die bereits sein Vater Æthelfrith beansprucht hatte. Am Ende steht die Gründung des Königreichs Northumbrien. Musikalisch bleiben Arð ihrem ursprünglichen Doom-Kurs treu. Die charakteristischen, Stil prägenden "Mönchschöre" sind weiterhin stark präsent, wie man es von einem Musiker erwarten kann, der neben seiner Tätigkeit als Bestseller-Autor, Klavierlehrer und Keyboarder bei der führenden britischen Black-Metal-Band WINTERFYLLETH auch als Chor-Arrangeur und -Dirigent arbeitet. Doch Deeks bereichert seinen Doom Metal auch durch neue Elemente, wie zum Beispiel über das gesamte Album verstreute, wohlplatzierte Prog-Momente. Die Kompositionen auf "Untouched by Fire" spiegeln die auch auf der Bühne gewachsene Erfahrung und das gewonnene Selbstvertrauen des Bandkopfs in Form eines konzentrierten Songwriting und einer größeren Dynamik wider. Diese Entwicklung wird durch die kraftvolle und organische Produktion von Markus Stock (EMPYRIUM, THE VISION BLEAK) deutlich gemacht - da Arð das Album in der Klangschmiede Studio E aufgenommen haben. Als Deeks Arð im Jahr 2019 gründete, wagte der Komponist nicht einmal in seinen kühnsten Träumen darauf zu hoffen, was alles in den kommenden Jahren passieren würde. Seine Demos brachten ihm bald einen Plattenvertrag ein und die erste Auflage des Debütalbums "Take Up My Bones" (2022) war schon ausverkauft, bevor das Album in die Läden kam. Es folgten mehrere Auflagen und auch alle limitierten Editionen waren schnell vergriffen. Die ersten Auftritte der Band, z.B. beim Prophecy Fest in Balve, verbreiteten den Ruf von Arð als hervorragender Live-Act durch Mundpropaganda wie ein Lauffeuer. Die Band wurde nicht nur in der weltweiten Metal- und Musikpresse gefeiert, sondern landete sogar im deutschen Staatsfernsehen, wurde von der renommierten britischen Zeitung The Guardian interviewt und in der BBC sowie anderen britischen Medien mit ihrem speziellen "Organic Doom" Konzert erwähnt - für die Deeks Stücke von "Take Up My Bones" neu arrangiert hatte, um sie mit Band und einer echten Orgel in Huddersfield zu spielen. Dieses Konzert findet sich in voller Länge als CD und DVD in der limitierten Artbook Edition. Mit dem zweiten Album "Untouched by Fire" legen sich Arð die eigene Messlatte gleich um mehrere Stufen höher auf. Perfekt arrangierte Monastic Doom Songs mit hoher Dynamik und unverfälschtem Songwriting finden in einer opulenten Produktion ihre Entsprechung. Es ist Zeit, die Augen zu schließen und sich von Arð aus Northumbrien in eine Zeit entführen zu lassen, in der germanische Kriegerkönige mit Schwert und Feuer und einem neuen Gott als Sieghelfer an ihrer Seite neue Reiche erschufen. Ein blutiges Fest für die Raben, ein Goldschatz für die Ohren!

Limitierte LP-Neuauflage: rot-goldfarbenes Vinyl, inklusive eines neu gestalteten Posters zum Ausklappen. Unser Album zum 1.Mai. Zum Tag der Arbeit und für den Kater danach. Die Arbeit verändert sich. Roboter ersetzen uns. Der Kapitalismus zerbröselt. Wir brauchen einen neuen Soundtrack - aber wie klingen work songs in einer Zukunft, in der die Natur der Arbeit selbst so unsicher ist? Mit ihrem zweiten Duo-Album Never Work suchen Ariel Sharratt und Mathias Kom (von der kanadischen Garagen-Folk-Band The Burning Hell) nach Antworten. Einige Songs sind Lieder über Arbeiter, andere sind Lieder für Arbeiter, aber die meisten sind beides zugleich. Musikalisch nutzt Never Work die akustischen Elemente eines Old-School-Folk-Revivals (...Guthrie, Seeger, Dylan..) die, tongue-in-cheek, mit Billig Electronica der 80er versponnen werden. Textlich greifen sie Anregungen von Gewerkschaftsaktivisten und situationistischen Witzbolden auf. Alles in allem die richtigen Instrumente, um die sogenannte Gig-Economy, technologischen Feudalismus, Klassenkämpfe, rebellische self-service Geräte und vollautomatisierten Luxuskommunismus zu erkunden. Sharratt und Kom sind vor allem als Teil der kanadischen Garagen-Folk-Band The Burning Hell bekannt. Seit fast einem Jahrzehnt haben sie sich mit ihren smarten, von dunklem Humor geprägten Songs und ihren dynamischen Live-Shows eine solide Fangemeinde erspielt, teilweise mit Freunden im Geiste, wie Jeffrey Lewis oder The Wave Pictures 2016 legten Sharratt und Kom eine erste Pause vom Bandformat ein, um ihre erste Duo-Platte "Don't Believe The Hyperreal" aufzunehmen. Das Album belebte die Atmosphäre klassischer Pop-Folk-Duette der 60er neu und bot eine intimere Seite ihres Songwritings, darunter den Underground-Hit "Fuck The Government, I Love You". Never Work nun gibt ihrem zweifellos charmanten Duett einen neuen Dreh: weg von der Romantik hin zu selbstreflexiven, zuweilen bissigen Betrachtungen von Arbeit in unserer Gesellschaft. Das beinhaltet ihre eigene Position als Musiker, unser Selbstverständnis in einem bröckelnden System von Arbeit, sowie die Rolle des Kapitals, das uns alle weiterhin prägt, auch wenn wir selbst keins besitzen. Never Work ist eine Protest-Playlist für unsere kollektive Reise ins Vergessen oder an den Strand, ernsthaft und ironisch zugleich.

Zehn energiegeladene, klassische Metal-Songs mit 70er-Rock-Attitüde aus den Straßen von New York City! Auf ihrem ersten Studioalbum seit fünf Jahren hauen New York Citys Tower mit Vintage-Metal-Appeal und klassischer Rockattitüde die Jams raus, die die Old-School in die Gegenwart bringen!
Der freie Charakter des Schreib- und Aufnahmeprozesses hat zu mehreren Neuerungen für Tower geführt: Während ihr typischer Vintage-Metal-trifft-70er-Rock Sound immer noch dominant ist, sind dieses mal Elemente wie Thrash und Doom in die Gleichung eingetreten.
Textlich befasst sich "Shock to the System" mit politischen Themen, persönlichen Verlusten und der Volatilität von Beziehungen und dem Leben im Allgemeinen. Das Cover-Artwork stammt von Morgan Jesse Lappin. Die Gefühle der Isolation, die die Pandemie hervorgerufen hat; die vergeblichen Versuche, einer klaustrophobischen und unangenehmen Umgebung zu entkommen, nur um festzustellen, dass sich die reale Welt drastisch verändert hat - werden hierbei perfekt abgebildet.
Hier gibt es nur noch eines zu tun - Shock to the System einschalten und auf 11 aufdrehen!
Endlich erscheint die LP im Gatefold und auf schwarzem Vinyl!

Swansong wurde 2020 in Kuopio, Finnland, gegründet. Die Gründer der Band, die ehemalige Up Yours-Punk-Sängerin Jemiina und der Verjnuarmu-Gitarrist Topi Pitkänen, taten sich zusammen und begannen, gemeinsam Musik zu machen. Swansong bringt etwas Neues in die Metalszene und kombiniert Melodic Death, Heavy und Folk Metal, um nur einige zu nennen. Die kraftvollen Melodien mit knallharten Riffs lassen die 80er und 90er Jahre aufleben. Oldschool-Elemente erhalten durch weibliche Death-Growls und -Schreie einen neuen Twist.

Treten Sie ein in die Swansong-Welt - Geschichten mit Mitternachtskriegern, starken Jungfrauen und kaltem, frostigen Wind! Die Mitglieder der Band sind erfahrene Musiker von Bands wie Verjnuarmu, Tornado, Carnal Demise und Omniversum und die Songs sind seit dem Jahr 2020 in Arbeit.
Die finnischen Melodic-Death-Metal-Newcomer Swansong veröffentlichten am 25.02.2022 ihre erste EP Winter Maiden, produziert von Mathias "Vreth" Lillmåns (Finntroll, ...And Oceans, Dispyt). Swansong hat es sich zum Ziel gesetzt, weiterhin eine eigene Welt voller großartiger Melodien, Geschichten und visueller Elemente zu erschaffen, die bei den Hörern auf der ganzen Welt bereits auf große Resonanz gestoßen ist.

Demenz ist ein Dieb. Die bösartige Krankheit raubt ihren Opfern erst Stück für Stück ihr Gedächtnis, dann ihre Identität, schließlich Familie und Freunde - und oft genug sogar ihre Menschenwürde. Die in Los Angeles ansässigen Electro-Forscher THIEF nehmen auf ihrem vierten Album "Bleed, Memory" das Thema "Erinnerung" sowohl lyrisch als auch musikalisch unter die Lupe, was sich wie ein roter Faden durch das gesamte Album zieht. Der Kopf des Soloprojekts, Dylan Neal, wurde zu diesem Album durch das Schicksal seines Vaters inspiriert, der nach der Diagnose einer Demenz von leichter Vergesslichkeit und Verwirrung unaufhaltsam zu akuten Episoden von falschen Erinnerungen, Wahnvorstellungen, Visionen und seltsamem Verhalten überging. Das macht "Bleed, Memory" zu einer sehr persönlichen Schöpfung. Durch die harte Erfahrung begann Neal damit, erst seine eigenen Erinnerungen zu hinterfragen und dann mit der Erforschung, wie sie seine Identität und Realität formen. Erinnerung besteht nicht nur aus den Geschichten, die wir uns selbst und anderen erzählen. Neal vergleicht sie mit Geistern, die keine physische Existenz haben und dennoch unter denen Schrecken verbreiten, die an sie glauben. Das Rückgrat von THIEF bilden wieder einmal gesampelte sakrale Gesänge. Einige wurden beim Wühlen in digitalen Kisten gefunden und gesampelt, andere in verschiedenen orthodoxen Kirchen aufgenommen. Diese Samples wurden gedehnt, geschnitten, verstümmelt, umgeformt und gepitcht, um letztlich so wie jedes andere Instrument zu funktionieren. Neal hat "Bleed, Memory" bewusst so gestaltet, dass es gespenstisch klingt. Eine der Techniken, die er zur Erzielung dieses Effekts einsetzte, ist "Granular Synthesis". Der verstärkte Einsatz der Methode auf diesem Album bedeutet, dass Samples in kleine Audioschnipsel zerlegt wurden, die kaum mehr als 100 Millisekunden andauern. Dieser einzigartige Ansatz, der musikalische Elemente aus Ambient, Industrial, Chormusik, Black Metal und Trip-Hop sowie andere Einflüsse zu einem neuen Klangerlebnis verschmelzen lässt, hat THIEF unter Eingeweihten längst Kultstatus verschafft. Den Großteil des Albums hat Neal wieder einmal in seiner Wohnung aufgenommen und abgemischt. Für das Mastering konnte er erneut John Greenham gewinnen, der mit Künstlern von THE LOCUSTS über KATY PERRY bis hin zu DEATH GRIPS zusammengearbeitet hat und für sein Mastering für BILLIE EILISH im Jahr 2019 mit drei Grammy Awards ausgezeichnet wurde. Mit "Bleed, Memory" liefern THIEF eine verstörende und doch wunderschöne künstlerische Betrachtung eines grausamen Leidens, die gleichzeitig Emotionen wie Wut, Melancholie, Trauer und Verlust als lyrisches, musikalisches und visuelles Gesamtkunstwerk verarbeitet. Aber Vorsicht! Dieser Geist aus Klängen wird lange in der Erinnerung seiner Hörer spuken!

Alles fließt, nichts bleibt wie es ist. Diese philosophische Erkenntnis gilt auch für das dritte Studioalbum der aufstrebenden niederländischen Rockband DOOL. Der treffende Titel "The Shape of Fluidity" zielt keineswegs nur auf die musikalische Innovation. Sondern das Album dreht sich um Themen wie persönlicher Wandel, physische Veränderung, psychologische Weiterentwicklung und die sich erneuernde Welt um uns herum. DOOL und insbesondere Sänger/in und Gitarrist/in Raven van Dorst stellen Fragen: Wie wirkt sich der Wandel auf uns aus? Wie bleiben wir uns selbst in einer Welt treu, die so unglaublich herausfordernd und aggressiv gegenüber dem Individuum ist? Wir müssen so fließend wie Wasser sein, um in diesem Ozean von Möglichkeiten und Ungewissheiten erfolgreich zu navigieren - und Frieden mit Chaos und Unbeständigkeit zu schließen. Musikalisch setzen DOOL den auf den beiden vorangegangenen Studioalben eingeschlagenen Weg fort, der emotionale Rockmusik mit Elementen aus dem Metal kombiniert. Dabei demonstrieren die Niederländer eine auffällige Reife und Kontrolle im Songwriting, die aus Jahren der Erfahrung gewachsen sind. "The Shape of Fluidity" zeigt eine eklektische, aber nahtlose Verschmelzung von Progressive und Post-Rock sowie Doom und Heavy Metal, die mit einer stets präsenten Eingängigkeit und hintergründigen Dynamik kombiniert sind. Es ist offenkundig, dass sich das Album thematisch mit dem Konzept der Identität vor dem Hintergrund einer sich ständig verändernden Welt befasst. Die Texte des Albums sind eng mit der Biografie von Leadsänger/in Raven verknüpft. Von Geburt an intersexuell, entschieden die Ärzte chirurgisch, dass der Säugling als Mädchen durchs Leben gehen solle. Dies führte zu einer Existenz auf der Suche nach der eigenen Seele, dem Kampf gegen Tabus und die Überschreitung von Grenzen, bis Raven vor kurzem beschloss, das zurückzufordern, was andere versuchten hatten, ihnen wegzunehmen - und ihre hermaphroditische Natur zu akzeptieren. Der Bandname DOOL leitet sich vom niederländischen Wort für "Wandern" ab. Bereits das im Jahr 2017 erschienene Debütalbum "Here Now, There Then" landete einen sofortigen Volltreffer. Der frisch-wilde Rock- und Metalsound aus den Niederlanden wurde von den renommierten deutschen Magazinen Metal Hammer und Rock Hard zum "Album des Monats" gekürt. Auch Vice (US), Aardschok (NL) und De Volkskrant (NL) überschütteten die junge Band mit Lob. Mit ihrem zweiten Album "Summerland", das 2020 erschien, übertrafen DOOL die ohnehin schon hochgesteckten Erwartungen. Es gab weitere "Album des Monats"-Auszeichnungen in den deutschen Magazinen Rock Hard (10/10) und Sonic Seducer sowie eine #2 Soundcheck-Position in Metal Hammer (DE) und Metal.de, und eine weitere #1 im polnischen Metal Hammer - mit einem Berg herausragender Kritiken auf beiden Seiten des Atlantiks. Mit "The Shape of Fluidity" bieten DOOL sehr viel mehr als nur verdammt coole Musik. Die zusätzlichen Dimensionen von Tiefe und Bedeutung sind Teil ihres einzigartigen Reizes und kommen auf dem neuen Album deutlich zum Vorschein. Mögen sich alle, die wandern, unter der fluiden Flagge von DOOL versammeln!

Mit der Veröffentlichung ihres fünften Albums betreten Imminence verschiedenste musikalische Bereiche und zeigen auf ihrer Reise als Band eine große Vielfalt.

Das bahnbrechende Alternative-Metalcore-Ensemble Imminence stammt von der Südküste Schwedens und hat sich in den letzten Jahren mutig eine Nische im Musikbereich geschaffen. Allen Erwartungen zum Trotz hat das Quintett akribisch einen Klangteppich geschaffen, der die Grenzen des Genres überschreitet. Ihre mutige Verschmelzung klassischer Streicharrangements, verwoben mit der rohen Kraft wilden skandinavischen Metals, erschafft ein fesselndes Hörerlebnis. Sowohl klanglich als auch visuell erweisen sich Imminence als ein Leuchtfeuer der Innovation und Spannung und etablieren sich nicht nur als Band, sondern auch als Pioniere, die neue Gebiete in der sich ständig weiterentwickelnden Musiklandschaft erschließen.

Angeführt vom Sänger und Geiger Eddie Berg, den Gitarristen Harald Barrett und Alex Arnoldsson, dem Schlagzeuger Peter Hanström und dem Bassisten Christian Höijer; Imminence entfesseln ihr musikalisches Können auf dem kommenden Album „The Black“. Machen Sie sich bereit und atmen Sie tief durch, während Imminence uns auf den großen Sprung in die Tiefen von „The Black“ vorbereiten, einem kühnen Versprechen einer beispiellosen musikalischen Odyssee, die sich allen Konventionen widersetzt und Sie einlädt, sich auf den Aufstieg eines neuen Genre-Klassikers einzulassen.
Die Band wagt sich in eine düsterere und stärker auf Orchester ausgerichtete Welt vor und definiert die Grenzen der modernen Alternative-Szene immer wieder neu. Imminence Erforschung ist mehr als nur Musik; Es ist ein mutiger Abstieg in unbekannte Gebiete, der ihre Position als Pioniere in der Landschaft einzigartiger und hochinnovativer musikalischer Ausdrucksformen festigt.

- „Dies ist die größte Annäherung an eine selbstbetitelte Veröffentlichung, denn diese Platte spricht Bände darüber, was Imminence als Band ausmacht.“ Durch die Einflüsse aus unserer gesamten Diskographie, gemischt mit unseren skandinavischen Wurzeln, kann man Elemente aus unserer gesamten Geschichte hören, die jedoch von einem unstillbaren Hunger angetrieben werden. Das Album ist wahrscheinlich das konzeptionellste, das wir je geschaffen haben, und ich war noch nie so stolz auf ein Werk. Die lyrischen Konzepte setzen den Weg früherer Veröffentlichungen fort und drehen sich um psychische Gesundheit und Depression. Aber dieses Mal gibt es kein Zurückhalten. Es ist wütend, verzweifelter und aus den Fugen geraten, durchdrungen von Angst und Dunkelheit. Wir haben es uns auch erlaubt, das Album in unerwartete Räume schweben zu lassen und so eine musikalische Reise mit starken Kontrasten zwischen Licht und Dunkelheit zu schaffen. Es ist ein „Eat Your Heart Out“, ein kompromissloser Beweis dafür, was „Imminence“ geworden ist. Das ist das Schwarze.“ – Eddie Berg

Mit der Veröffentlichung ihres fünften Albums betreten Imminence verschiedenste musikalische Bereiche und zeigen auf ihrer Reise als Band eine große Vielfalt.

Das bahnbrechende Alternative-Metalcore-Ensemble Imminence stammt von der Südküste Schwedens und hat sich in den letzten Jahren mutig eine Nische im Musikbereich geschaffen. Allen Erwartungen zum Trotz hat das Quintett akribisch einen Klangteppich geschaffen, der die Grenzen des Genres überschreitet. Ihre mutige Verschmelzung klassischer Streicharrangements, verwoben mit der rohen Kraft wilden skandinavischen Metals, erschafft ein fesselndes Hörerlebnis. Sowohl klanglich als auch visuell erweisen sich Imminence als ein Leuchtfeuer der Innovation und Spannung und etablieren sich nicht nur als Band, sondern auch als Pioniere, die neue Gebiete in der sich ständig weiterentwickelnden Musiklandschaft erschließen.

Angeführt vom Sänger und Geiger Eddie Berg, den Gitarristen Harald Barrett und Alex Arnoldsson, dem Schlagzeuger Peter Hanström und dem Bassisten Christian Höijer; Imminence entfesseln ihr musikalisches Können auf dem kommenden Album „The Black“. Machen Sie sich bereit und atmen Sie tief durch, während Imminence uns auf den großen Sprung in die Tiefen von „The Black“ vorbereiten, einem kühnen Versprechen einer beispiellosen musikalischen Odyssee, die sich allen Konventionen widersetzt und Sie einlädt, sich auf den Aufstieg eines neuen Genre-Klassikers einzulassen.
Die Band wagt sich in eine düsterere und stärker auf Orchester ausgerichtete Welt vor und definiert die Grenzen der modernen Alternative-Szene immer wieder neu. Imminence Erforschung ist mehr als nur Musik; Es ist ein mutiger Abstieg in unbekannte Gebiete, der ihre Position als Pioniere in der Landschaft einzigartiger und hochinnovativer musikalischer Ausdrucksformen festigt.

- „Dies ist die größte Annäherung an eine selbstbetitelte Veröffentlichung, denn diese Platte spricht Bände darüber, was Imminence als Band ausmacht.“ Durch die Einflüsse aus unserer gesamten Diskographie, gemischt mit unseren skandinavischen Wurzeln, kann man Elemente aus unserer gesamten Geschichte hören, die jedoch von einem unstillbaren Hunger angetrieben werden. Das Album ist wahrscheinlich das konzeptionellste, das wir je geschaffen haben, und ich war noch nie so stolz auf ein Werk. Die lyrischen Konzepte setzen den Weg früherer Veröffentlichungen fort und drehen sich um psychische Gesundheit und Depression. Aber dieses Mal gibt es kein Zurückhalten. Es ist wütend, verzweifelter und aus den Fugen geraten, durchdrungen von Angst und Dunkelheit. Wir haben es uns auch erlaubt, das Album in unerwartete Räume schweben zu lassen und so eine musikalische Reise mit starken Kontrasten zwischen Licht und Dunkelheit zu schaffen. Es ist ein „Eat Your Heart Out“, ein kompromissloser Beweis dafür, was „Imminence“ geworden ist. Das ist das Schwarze.“ – Eddie Berg

Wenn Geduld eine Tugend ist, könnten Love Sex Machine genauso gut Heilige sein, wenn auch Heilige mit einer Vorliebe für die dreckigsten Sludge-Metal-Riffs, die durch Downtempo-Post-Metal-Grooves und einen teuflischen Sinn für lyrischen Humor ausgeglichen werden. "Trve" besteht aus 10 neuenTracks voller rechtschaffener Empörung, ironischer sozialer Kommentare und natürlich unsagbar ekelhafter Härte. Von Anfang an zeugt das Album von der jahrzehntelangen Erfahrung der Band als eigenwillige Veteranen der europäischen Sludge-Szene. In den letzten acht Jahren haben die vier Franzosen das Fett von ihren Knochen gestrichen, so dass nur noch ein schlagendes Herz aus bedrohlichen, hypnotischen Riffs übrig geblieben ist, die sich unaufhörlich in dein Gehirn bohren. Obwohl die Band noch nie so rau geklungen hat, gibt es auch eine faszinierende, raffinierte und unbestreitbar poppige Note in "Trve", die dieser musikalischen Konfrontation ein neues Element hinzufügt, in dem Love Sex Machine gedeihen. Atmosphärische Intros, überflüssige Refrains und unheimliche, instrumentale Outros mögen klassische Kennzeichen ihres Genres sein, aber hier findet man nichts davon. Ähnlich wie bei der Vorab-Single "FUCKING SNAKES" sind die meisten Tracks auf "Trve" um die drei Minuten lang und zeichnen sich durch hochoktanige Black-Metal-Riffs aus, die in einer beunruhigend optimistischen Dur-Tonart gespielt werden, durch Synthesizer-Motive, die ans Triumphale grenzen, und - zum ersten Mal bei Love Sex Machine - durch Gesangsharmonien, die den Hörer für einen kurzen, schönen Moment in die Höhe heben, bevor die nächste Welle von groovigem, nihilistischem Schlamm einen wieder in die Knie zwingt.

Wenn Geduld eine Tugend ist, könnten Love Sex Machine genauso gut Heilige sein, wenn auch Heilige mit einer Vorliebe für die dreckigsten Sludge-Metal-Riffs, die durch Downtempo-Post-Metal-Grooves und einen teuflischen Sinn für lyrischen Humor ausgeglichen werden. "Trve" besteht aus 10 neuenTracks voller rechtschaffener Empörung, ironischer sozialer Kommentare und natürlich unsagbar ekelhafter Härte. Von Anfang an zeugt das Album von der jahrzehntelangen Erfahrung der Band als eigenwillige Veteranen der europäischen Sludge-Szene. In den letzten acht Jahren haben die vier Franzosen das Fett von ihren Knochen gestrichen, so dass nur noch ein schlagendes Herz aus bedrohlichen, hypnotischen Riffs übrig geblieben ist, die sich unaufhörlich in dein Gehirn bohren. Obwohl die Band noch nie so rau geklungen hat, gibt es auch eine faszinierende, raffinierte und unbestreitbar poppige Note in "Trve", die dieser musikalischen Konfrontation ein neues Element hinzufügt, in dem Love Sex Machine gedeihen. Atmosphärische Intros, überflüssige Refrains und unheimliche, instrumentale Outros mögen klassische Kennzeichen ihres Genres sein, aber hier findet man nichts davon. Ähnlich wie bei der Vorab-Single "FUCKING SNAKES" sind die meisten Tracks auf "Trve" um die drei Minuten lang und zeichnen sich durch hochoktanige Black-Metal-Riffs aus, die in einer beunruhigend optimistischen Dur-Tonart gespielt werden, durch Synthesizer-Motive, die ans Triumphale grenzen, und - zum ersten Mal bei Love Sex Machine - durch Gesangsharmonien, die den Hörer für einen kurzen, schönen Moment in die Höhe heben, bevor die nächste Welle von groovigem, nihilistischem Schlamm einen wieder in die Knie zwingt.

Mit "Beneath the Threshold" vollenden die erfolgreich wiederbelebten AUSTERE ihren Übergang in die Gegenwart. Das vierte Album der Australier weist auf eine frische Art und Weise in die musikalische Zukunft, die nach einer 13-jährigen Abwesenheit keineswegs voraussetzen war. Als die freiwillige Pause mit der Veröffentlichung von "Corrosion of Hearts" im Jahr 2023 endete, kehrte das Duo Mitchell Keepin und Tim Yatras mit einer reiferen und klarer definierten Version ihres eigensinnigen Black Metal Stils zurück, in dem sich sowohl die größere Erfahrung als auch eine künstlerische Entwicklung widerspiegelten. Während "Corrosion of Hearts" eine Brücke zwischen der Geschichte der Band und einer erneuerten musikalischen Vision schlug, erfolgt auf "Beneath the Threshold" ein stilistischer Sprung. Das klangliche Erbe von AUSTERE bleibt dabei lebendig. Die Wurzeln im frühen nordischen Black Metal und den depressiven skandinavischen Ablegern schimmern weiterhin durch. Gleichzeitig haben die Australier ihre emotionale Ausdruckskraft und auch schon zuvor vorhandene Blackgaze-Anlehnungen soweit gestärkt, dass die stilistische Verschiebung in Letzterem angekommen ist. Auf "Beneath the Threshold" bieten AUSTERE mehr Hooks, Melodien und Harmonien als Ergänzung zu den vielschichtigen, mal harschen und mal verträumten Gitarrenphrasen, die Keepin mit Hilfe von Yatras' gefühlvollem Schlagzeugspiel gekonnt verwebt. Diese Entwicklung wird durch eine entsprechende Produktion unterstrichen, die jedes der Elemente glänzen lässt und die Riffs klar herausarbeitet. AUSTERE haben die Sterne unter dem Kreuz des Südens neu ausgerichtet und die raue, majestätische Schönheit von "Beneath the Threshold" lässt Augen und Ohren zum Nachthimmel wandern, wo sich die gänzlich entfesselte australische Band endlich in ihrer vollen musikalischen Pracht präsentiert.

It’s been one hell of a wild ride for Wine Lips.

Das Quartett konnte sich über die letzten Jahre bereits eine beachtliche Fanbase erspielen, allein das Vorgängeralbum "Mushroom Death Sex Bummer Party” bringt es auf sagenhafte 20 Millionen Spotify-Streams und bescherte der Band und ihrem hochenergetischen Rock, der teils an frühe Hives, Gluecifer oder Hellacopters denken lässt, zahlreiche Headline-Shows und volle Clubs.
"Super Mega Ultra" ist ein absolutes Biest. Aufgenommen von Simon Larochette im The Sugar Shack in Ontario, ist das Album vollgepackt mit 12 überschallschnellen, ohrenbetäubenden akustischen Köstlichkeiten. SMU ist wahrscheinlich das bisher ehrgeizigste musikalische Unterfangen der Band, die thematisch neue Wege beschreitet und dabei ihre unverkennbare Mixtur aus Psych-Garage-Punk-Rock-Elementen beibehält.

Erstmals auf Vinyl erhältlich - das zweite Album der Band. Dunkelgrünes, 180g schweres Vinyl, Gatefold. "A coming storm" - unter diesem Motto stürmen die fünf jungen Musiker erfolgreich die deutsche Metalszene und schaffen es damit innerhalb von nur zwei Jahren, passend zum weltweiten Release ihres zweiten Albums "Kings will fall" bis nach Wacken. Ziel ist es, mit ihrer Leidenschaft für die eigene Musik die Fans in ihren Bann zu ziehen, wobei Winterstorm eine Band ist, die mit ihrem Sound einen frischen Wind in die Metalszene bringt, der bei weitem nicht nur bei eingefleischten Metalfans auf Begeisterung stößt. Dabei war schnell ganz klar, dass sich hier nach jahrelanger Erfahrung bei anderen Projekten endlich genau die richtigen Leute zusammengefunden hatten, um gemeinsam das Metal-Walhalla zu stürmen. Im Vordergrund steht bei Winterstorm ganz klar die Melodie, die sich u.a. in ohrwurmlastigen Refrains und vielen mehrstimmigen Gesängen widerspiegelt. Dabei verschmelzen markante Elemente verschiedener Metalstile miteinander und erhalten so eine ganz neue Bedeutung. Grob kann man sagen, dass sich hier Power, Viking, Folk und Mittelalter mit Epic-Metal vereinigen, welche alle zusammen in einem ganz neuen Glanz erstrahlen. Alles in allem eine explosive Mischung, bei der Fans von Jung bis Alt auf ihre Kosten kommen. So denn, hebt die Hörner und zieht euch warm an - der Wintersturm zieht auf!

Erstmals auf Vinyl - das Debütalbum der Band. Himmelblaues, 180g schweres Vinyl, Gatefold. WINTERSTORM steht für die Vereinigung von stürmischem Powermetal mit Folk- und Vikingmetal aus dem hohen Norden. "A coming storm" - unter diesem Motto wollen die fünf jungen Musiker mit ihrem gleichnamigen Album durchstarten. Ziel ist es, mit ihrer Leidenschaft für die eigene Musik die Fans in ihren Bann zu ziehen, wobei Winterstorm eine Band ist, die mit ihrem Sound einen frischen Wind in die Metalszene bringt, der bei weitem nicht nur bei eingefleischten Metalfans auf Begeisterung stößt. Dabei war schnell ganz klar, dass sich hier nach jahrelanger Erfahrung bei anderen Projekten endlich genau die richtigen Leute zusammengefunden hatten, um gemeinsam das Metal-Walhalla zu stürmen. Im Vordergrund steht bei Winterstorm ganz klar die Melodie, die sich u.a. in ohrwurmlastigen Refrains und vielen mehrstimmigen Gesängen widerspiegelt. Dabei verschmelzen markante Elemente verschiedener Metalstile miteinander und erhalten so eine ganz neue Bedeutung. Grob kann man sagen, dass sich hier Power, Viking, Folk und Mittelalter mit Epic-Metal vereinigen, welche alle zusammen in einem ganz neuen Glanz erstrahlen. Alles in allem eine explosive Mischung, bei der Fans von Jung bis Alt auf ihre Kosten kommen. So denn, hebt die Hörner und zieht euch warm an - der Wintersturm zieht auf!

Voodoo Mambosis And Other Tropical Diseases ist der 2. Teil einer neuen Serie auf Stag-O-Lee. Vier Volumen sind geplant. Die Original Schallplatten stammen aus dem Fundus von unserem geschätzten Duke Jens-O-Matic, seit Jahrzehnten als Grafiker, international gefeierter DJ, Sammler und Jäger unterwegs. Schon damals, als wir Stag-O-Lee das erste Leben einhauchten, war Jens-O-Matic dabei und lieferte vier Volumen der wundervollen Jim Jam Gems 10" Serie ab. Jeweils stilistisch in sich geschlossen. Aktuell arbeitet er an weiteren Jim Jam Gems Volumen, tut sich aber mit den Linernotes schwer, weil, "man hat ja einen pädagogischen Auftrag!". Nun zu dem vorliegenden Tonträger: Was macht ein Freund der obskuren 7", wenn er schon alles im Bereich Rhythm & Blues usw. hat? Er sucht sich weitere Betätigungsfelder. Andere Länder, andere Musik, andere Einflüße. So auch unser Jens-O-Matic. Eine kleine Weltreise hat er für Voodoo Mambosis unternommen, seine neue Liebe den Cumbia einfließen lassen, eine Prise Voodoo drunter gemischt, einige alte Bluesheroen reaktiviert, dazu etwas Exotica - die schadet nie. Die große Kunst ist nun, diese auf Papier disparaten Elemente so zu verbinden, dass etwas einzigartiges, durchweg spannendes entsteht. Voodoo Mambosis And Other Tropical Diseases ist das beste Beispiel dafür! Das Cover, ebenfalls designt von Jens-O-Matic, ist eine Hommage an die wegweisende 84er Compilation Rockabilly Psychosis and the Garage Disease!

Epischer, gewaltiger Doom mit Anspielungen auf Candlemass, Bolt Thrower, My Dying Bride und Iron Maiden! Die US-Doom-Crew Stygian Crown aus Los Angeles kehrt mit ihrem lang erwarteten zweiten Album 'Funeral For A King' auf dem etablierten Label Cruz Del Sur zurück, einer beeindruckenden LP, die auf der Grundlage von epischem Doom- und Death Metal basiert. Der Nachfolger ihres vielbeachteten Debüts aus dem Jahr 2020 bleibt dabei der weitläufigen Doom-Vorlage der Band treu, die auch Elemente des klassischen Metal und Death Metal enthält, aber driftet gelegentlich auch in traditionelles Metal-Territorium ab. Das Album wurde in fünf verschiedenen Studios von Los Angeles bis Melbourne, Australien, aufgenommen. Neben dem CD-Jewelcase gibt es auch eine schwarze Vinyl inkl. Download uns Poster.

Rock Hard:
"...Für den Zweitling hat der Fünfer seine selbst proklamierten, allerdings bereits auf dem Vorgänger höchstens marginal heraushörbaren Death-Metal-Einflüsse noch weiter zurückgestellt. Hier regieren Doom- und Epic Metal in Reinstform. Einen charmanten Farbtupfer setzen die im kurzen Intro ´Let Thy Snares Be Planted´ sowie dem anschließenden Longtrack ´The Bargain´ zum Zuge kommenden Streichinstrumente, die dezent und nicht selbstzweckhaft eingesetzt werden, während der Fokus auf den schweren Gitarren und der fantastischen Arbeit von Sängerin Melissa Pinion verweilt. Was für ein Auftakt ins Doom-Jahr 2024!"

"Bright Future" ist das zweite Solo-Album von Adrianne Lenker, bekannt als Sängerin und Songwriterin der amerikanischen Indie-Band BIG THIEF, auf 4AD. Ihr erstes eigenes Album seit "Songs & Instrumentals" aus dem Jahr 2020 wurde von Philip Weinrobe co-produziert und enstand unter der Mitwirkung von Nick Hakim, Mat Davidson und Josefin Runsteen. Adrianne wagte sie sich ins Unbekannte, fasste sich ein Herz und schrieb ihre bis dato berührendsten Solo-Songs, die sie im Herbst 2022 mit einigen ihrer Lieblingsmenschen aufnehmen konnte. Abseits der Zivilisation und urbanen Einflüssen wagten sich Hakim, Davidson, Runsteen und Lenker ins Ungewisse. Der Co-Produzent und Tontechniker von "Bright Future", Philip Weinrobe, bereitete das Studio vor. Er war schon bei früheren Soloalben Adriannes Partner, aber dieses Mal war es etwas Neues. Adrianne hatte nicht die Absicht, ein Album zu machen. Stattdessen wollten sie die Songs ohne Erwartungen erforschen. Die Geborgenheit und Leichtigkeit des Waldes um das Double Infinity Studio ist ein prägendes Element der Aufnahmen. Das Ergebnis ist, dass "Bright Future" die besten Eigenschaften von filigranen Sounds mit der Spontanität von Field-Recordings vereint. Es gibt Details, die man erst beim zweiten oder dritten Hören entdecken wird und das macht die neuen Songs zu einem ungefilterten Erlebnis und beweist einmal mehr, dass Adrianne Lenker zu den größten Songwriterinnen ihrer Generation gehört. Das Album enthält zudem auch die Originalaufnahme des inzwischen zum modernen Klassiker gereiften Big Thief-Songs "Vampire Empire", der zuletzt sogar in der Playliste von Barack Obama auftauchte - unbewusst gibt der Albumtitel "Bright Future" einen Fingerzeig, wohin sich Adriannes Lenker Karriere als Musikerin entwickeln wird.