quête:i fan

A l’occasion des 20 ans de cet album devenu culte, Record Makers réédite une version spéciale anniversaire limitée (vinyles transparents – 500 exemplaires) qui ravivera la flamme des fans de la première heure, des nouveaux fans et des collectionneurs. "Vive la Vie" est aujourd’hui un album référent pour les amateurs de rap, reconnu par ses pairs lyricistes, c’est un de ses albums qui marquent à jamais une époque, celle des années 2000 et de son rap aux rimes fines et puissantes.



Le 15 novembre 2004 sortait "Vive la Vie" le premier album du Klub des Loosers.



On ne présente plus le Klub des Loosers et son unique membre Fuzati. Pourquoi ? parce qu'on en a un peu honte quand même. Imaginez un jeune versaillais que tout prédestinait à devenir écrivain maudit ou chanteur d'un groupe de pop répétant dans le garage parental le dimanche de 16h à 20h. Le genre de type qui passait ses samedis après-midi à la bibliothèque municipale, ses samedi soir à boire de la bière dans les squats de jeunes où on recense une fille pour dix mecs et où la phrase qui revient le plus souvent est "qui roule un joint ?"

Imaginez maintenant que ce type ait une illumination, au milieu de ces jeunes que tout prédestine à la réussite (HEC, science-po) et qui lorsqu'ils se retrouvent ensemble ne savent pas faire autre chose que de se défoncer. "Nous sommes un klub de loosers".



Comme il n'aime pas trop les gens, Fuzati fondera un klub dont il sera le seul membre. Comme il n'a pas de guitare que le hip hop est son seul ami il se dit qu'il fera ça comme musique. Bah oui c'est sympa le hip hop. Comme on lui a dit qu'il n'avait pas une tête de rappeur et que les casquettes à l'envers lui vont mal il ne montrera jamais son visage et portera un chapeau. S'en suivra un parcours classique de MC underground qui rappe pour la rue (mais aussi les avenues) et représente ses refrés illégalement enfermés derrière les murs des prépas t'as vu. Mixtapes, nombreux freestyles dans l'émission Greckfrite diffusée sur la chaine internet Canalweb, concert à la MJC de Versailles mais aussi dans un entrepôt désinfecté à Dunkerque.



En 2003 Il signe sur le label parisien Record Makers parce qu'on lui a appris qu'il ne fallait pas trop se mélanger avec les gens d'autres milieux. Sortiront deux EP, "Baise les Gens" et "La Femme de Fer" qui sont déjà des classiques pour au moins 32 personnes. La même année sort également l'album de l'atelier "Buffet des Anciens Elèves" auquel il participe avec Tékilatex du groupe TTC, James Delleck, Cyanure et deux producteurs de talent, Tacteel (Lex Records) et ParaOne (Institubes). En juillet 2004 sort le maxi du Klub des Loosers où collaborent MF DOOM, légende hip hop, et Jean-Benoit Dunckel, moitié du groupe AIR.

Rockets Audio proudly presenst SEPP !
His fantastic track called "FIGHTA" comes here together woth great remixes by Cesare vs Disorder,
by label Boss MATHEIU himself and in collaboration with Max Jacobson as duo called M&M.
Highly recommended!

OVERVIEW: DUB TREES is one of Youth’s most revered dub projects, it helped define the Liquid Sound Design sound that fans around the world hold dear. This project is the third in a triptych of albums Youth has made with a specific Celtic / Hindu fusion. Starting out with the classic Celtic Cross ‘Hicksville’ 20 years ago, featuring the mythical Simon Posford (Shpongle) through to ‘East of the River Ganges’ (ft Klaus Shultz / Tangerine Dream amongst many others) in 2004 followed by the last piece of this mystical puzzle ‘Celtic Vedic’ ,released on compact disc only in 2016 , which charts the journey of the Celt from Northern India to Snowdonia. The idea stems from Youth’s firm belief that there is a strong correlation between Celtic and Vedic cultures and their Northern Indian roots. Youth has assembled a host of collaborators to weave their labrynthine magic on ‘Celtic Vedic’: Jah Wobble (PiL) on bass, Matt Black/Coldcut (Ninja Tunes) on warped soundscaping duties, Galician Celtic pipe and flute player Daniel Romar, Bollywood contemporary Indian singer Shridevi Keshavan and Elfic Circle. It features many field recordings made by Youth on his various Indian odysseys and is all harnessed together with cutting-edge electronica that the Liquid Sound Design team pioneered 20 years ago. The team today are still pioneering new directions within ‘Downtempo Electronica Music’ and beats that create 3 dimensional landscapes for the helioscopic imagination to explore and psychoactive maps for the inner astronaut in all of us. ‘Celtic Vedic’ promises unchartered bass annihilation and heliotropic soundscapes, pounding basslines overlayed on 3D holographic beats and wrestles with serpentine melodies and psychedelic textures.

Cyphon is excited to announce the release of an amazing new EP from Domenic Cappello. Titled Galactic Praise, this four-track masterpiece pays homage to the rich heritage of Detroit Techno while seamlessly incorporating Cappello's innovative sound design, displaying his golden ear for what makes a discerning dance floor tick.

A key figure in the electronic music scene through his long-standing residency at Glasgow's legendary Sub Club, Domenic captivates audiences globally with his unique blend of tough, pulsating beats, heartfelt melodies, and deeply immersive soundscapes. His position as booker and resident (alongside Harri) at Sub Club has allowed him to hone his craft and connect with some of the finest talents in House and Techno, influencing his distinctive style. With Galactic Praise, he takes listeners on an exhilarating journey through the heart of techno, inspired by the pioneering music that emerged from the golden era of Motor City sounds.

Dat Thing sets the tone. A driving house track that encapsulates the raw energy and spirit of Detroit, featuring hypnotic synth lines and robust bassline that give a hint of melancholy whilst maintaining a stripped back groove for maximum club impact.

Niamh’s Song is a deeper exploration of melody and rhythm, showcasing Cappello's masterful ability to weave complex harmonies into an intoxicating, otherworldly groove.

Flip over for Galactic Praise, a tribute to the roots of Techno, this track combines classic 909 and 303 elements with ethereal pads creating a heavier, timeless sound that will resonate with both longtime fans of the genre and newcomers alike.

Closing out this special EP we have Neon Skyline, a pumping yet reflective piece that captures the essence of late-night drives through urban landscapes blending chiming arpeggios, a driving synth bassline and tough beats making for an immersive experience.

As Domenic puts it: 'This EP is a tribute to the roots of techno that have inspired me since my formative years. My experiences at the Sub Club have been crucial in shaping my sound and approach to my own productions, inspiring me to create something that captures the energy and emotion of that packed dance floor and incredible sound system. I can’t wait to share it with everyone!'

Renowned electronic duo Session Victim are set to enchant fans with their latest EP entitled Sidequests Chapter One. Featuring four originals and one remix, Sidequests melds Session Victim’s signature blend of tripped-out hazy house , broken beat and trip hop with their trademark fat production and positive vibes. Infusing their love for live instruments, sampled sounds, and organic beats, the opener Pulse Of Memory is the first collaborative effort in a series of tunes written together with renowned producer and synth wizard Viken Arman.

Adding to this already bumper package we have a stellar remix by Dutch underground house hero Frits Wentink. Known for his innovative approach to old school house rhythms and sounds, Wentink’s reinterpretation offers a fresh take on Pulse Of Memory, bringing a heavier house bounce for the clubs.

This release marks the first part of a Trilogy with subsequent EP’s featuring further explorations in creative rhythm and the nostalgic echoes of adventure, not to mention some banging remixes from Ian Pooley and Jimpster.

The analog version of the masterpiece EP "I'll", released in 2018 as a work that expresses the continuation of the world view of the debut album "Grace",
has been repressed on turquoise blue vinyl!

Haruka Nakamura herself is in charge of the lyrics, composition, and all the instrumental parts. Janis Crunch, who was in charge of vocals on "Grace",
is featured again. The dreamy number "I'll" evokes the beginning of spring and hope, which synchronizes with the fantastic world depicted by photographer
Shiori Iwakura, who collaborated with Haruka Nakamura on the jacket and music video, "Arne", a reconstructed version of the famous song "arne" from the
debut album "Grace", and "Lilium", a song that was used in the climax scene of the movie "Every Day", for which Haruka Nakamura was in charge of the
music, are newly recorded and included.

The B-side includes "Anne", which can be called a different version of "Arne", which was included in Schole's compilation "Joy" in 2013, and is exclusive to the LP.
It connects the worlds of "Grace" and "I'll". It also contains warm songs that bring to mind childhood scenes, such as the nostalgic "Abandoned School Organ" and
"Your Canon", which combine church organ, muted piano, and field recordings.

The artwork, like the 8cm CD, depicts beautiful natural scenery, and the jacket and insert feature a series of photos by the immensely popular photographer
Shiori Iwakura, creating a package that beautifully blends the sound world of "I'll" with the scenery. As with the analog version of "Grace", the mastering was
done by Gen Tanabe, a close friend of Haruka Nakamura's who works on the sound of his works. It is a deep sound production that will give new discoveries
to listeners who were captivated by the release of the 8cm CD.

DJ Quik & JasonMartin (formerly known as Problem), are back with their second collaborative project, Chupacabra. As can be the fear with fan-favorite follow-ups, Chupacabra refuses to copy the formula laid out on Rosecrans yet shares the same soul, steeped in the cores of West Coast G-Funk, but alive and grown up, in a more sophisticated tone. With an album that is LA to it’s core (sans a few tasteful features from artists that would get the nod despite not being from there), Chupacabra provides the sounds to a golden summer in the city of Angels. Like the chupacabra, JasonMartin & DJ Quik are both enigmatic and mystical figures in the hip-hop space. A star-studded list of features include The Game, Suga Free, Jay Worthy, Larry June, Channel Tres, Bun B, DOM KENNDEY, & more. 1xLP, pressed on Blue Vinyl.










j B1 | TWO HI (WAVES) feat Wiz Khalifa, Channel Tres, Free Nationals & George Clinton

The always excellent Minimal Wave presents a rare EP from Greek electronic pioneers In Trance 95 here. Alex Machairas and Nik Veliotis formed the duo in 1988 and very much helped define Greece's early electronic scene with their minimal synth and EBM-inspired sound, all of it usually marked by analogue warmth, hypnotic melodies and a futuristic sensibility. This release captures their innovative spirit and cult legacy across six unreleased tracks recorded between the late 80s and early 90s in Athens. It sounds magnificent and is a long-overdue glimpse into their visionary archive for new fans, or a fine reminder of their roots for those who have always been tuned in.

Michael Nau's solo career began with songs crafted and composed in private moments, later to be shared with musical compatriots and reimagined with auxiliary input on records like Michael Nau & The Mighty Thread, Mowing, The Load EP, and Some Twist. These early drafts were stashed away in the vault as Nau strode forward, but after a taxing spring of touring in support of his latest album Less Ready to Go, and recording and self-releasing the stripped-down informal release So On So On, Nau found himself hunkering down at home and rediscovering old gems in his archives. The search yielded a new digital collection of Nau's initial forays into solo work, bundled together as Demo Versions, 2014 to 2017. In their initial incarnations, these songs were less about the end result and more about the discovery. "They're the seed," Nau says of the material. "These recordings are essentially the writing of the songs_ written and recorded at the same time. There's something exciting about them for that reason. It feels magical any time the start of a song arrives, let alone gets `finished.'" These early drafts don't just serve to shed light on the creative process or expose the malleability of Nau's songwriting approach; they often frame the material in an entirely new context. Demo Versions' opening track "The Glass" is a bare-bones affair of acoustic guitar, bass, and vocals_a breezy Sunday morning song that sounds markedly different than the layered lounge-rock approach that later appeared on Mowing. "Light That Ever," with its wall-of-sound production, serves as a climax to Some Twist, but in its infant stage on this collection, it's a beautiful, intimate folk song. Ultimately, all ten songs off Demo Versions, 2014 to 2017 reveal a new side to these fan favorites, with Nau's lush arrangements and unorthodox accompaniments largely absent, and the simple beauty and grace at the heart of the material at front and center.

L.A. Witch haben schon immer eine Aura müheloser Coolness ausgestrahlt, sei es in Form des Americana Noir und des lakonischen Back-to-Basics-Rock'n'Roll ihres selbstbetitelten Debüts oder des glühend strengen Abenteurertums ihres zweiten Albums "Play With Fire". Die Band - bestehend aus Sade Sanchez (Gitarre/Gesang), Irita Pai (Bass) und Ellie English (Schlagzeug) - begann als informelle Angelegenheit, aber die schwülen und betörenden, von Hall umhüllten Songs, die sie schufen, fanden beim Publikum Anklang und brachten das Projekt über den isolierten Raum von Freunden und Gleichgesinnten in Südkalifornien hinaus in die weite Welt. Auf ihrem neuesten Album "DOGGOD" geht das Trio über die bisherigen kreativen und geografischen Grenzen hinaus - das Material wurde in Paris produziert und die Tracks im Motorbass Studio in der Rue de Martyrs aufgenommen. "DOGGOD" erkundet ein breiteres klangliches Terrain, setzt ein größeres Arsenal an Sounds ein und erforscht größere existenzielle und kosmische Themen, ohne dabei den für die Band typischen Sinn für das Verbotene, das Verlassene und die Vorahnung zu verlieren. "DOGGOD" ist ein Weg, das universelle Rätsel der spirituellen Natur von Liebe und Hingabe anzugehen. "Ich habe das Gefühl, eine Art Dienerin oder Sklavin der Liebe zu sein", sagt Sanchez. "Ich bin bereit, für die Liebe zu sterben, indem ich ihr diene, für sie leide oder nach ihr suche - so wie ein treuer, ergebener Diensthund es tun würde." Der Titel des Albums ist ein Palindrom, das DOG und GOD zusammenfasst - eine Verherrlichung des Unterwürfigen und eine Subversion des Göttlichen. Es ist eine Anspielung auf die Reinheit von Hunden und eine Anerkennung ihrer bedingungslosen Liebe und ihres beschützenden Wesens, die im Widerspruch zu den verschiedenen abwertenden Assoziationen stehen, die mit dieser Spezies verbunden werden. "Es gibt diese symbolische Verbindung zwischen Frauen und Hunden, die die untergeordnete Stellung der Frau in der Gesellschaft zum Ausdruck bringt", erklärt Sanchez. "Und alles, was solche göttlichen Eigenschaften verkörpert, hat es nicht verdient, als Schimpfwort benutzt zu werden." Diese widersprüchlichen Erkundungen von Liebe und Unterwerfung manifestieren sich in der sanften und rauchigen Garagerock-Alchemie der Band, mit einer neu entdeckten Nutzung der disziplinierten Zurückhaltung und eisigen Instrumentierung des Post-Punk. Der Album-Opener "Icicle" zeigt, wie L.A. Witch aus dem Proto-Punk, der Psychedelia und den düsteren Riffs der 70er Jahre in die von Refrains durchtränkten Gitarren und den verlorenen Minimalismus von Joy Division und den frühen The Cure reist. Es wird eine Parallele zwischen romantischem Selbstmord und Märtyrertum gezogen, die sich im zweiten Song, "Kiss Me Deep", fortsetzt. Hier beschreibt Sanchez eine Liebe, die so rein ist, dass sie die Zeit übersteigt und sich über mehrere Leben erstreckt. Es ist ein Lied über Leidenschaft, vorgetragen mit dem weltlichen und verletzten Stoizismus der frühen Goth-Pioniere. Von dort aus geht die Band zur Leadsingle "777" über, einem Song über Hingabe bis hin zum Tod. Ein treibender Beat, ein treibendes, verzerrtes Riff und Sanchez' ätherischer Gesang vereinen sich zu einem Song, der sowohl düster in seinem Fatalismus als auch sinnlich in seiner treuen Leidenschaft ist. Auf dem gesamten Album "DOGGOD" weichen L.A. Witch nie von ihrer Muse ab. In "I Hunt You Pray" legt Pai einen hypnotischen Basslauf hin, während English einen zyklischen Krautrock-Groove einsetzt und Sanchez das Bild eines verlassenen Hundes am Straßenrand malt, der allein in der Nacht ist und sowohl als Jäger als auch als Gejagter lebt. Auf "Eyes of Love" macht sich die Band die meditativen Mid-Tempo-Wiederholungen, dekonstruierten Akkorde und esoterischen Betrachtungen über Liebe, Tod und Spiritualität zunutze, die Lungfish zu einer so beliebten Band gemacht haben. Es unterstreicht die Parallele zwischen der unerschütterlichen Liebe in den Augen eines Hundes und der Selbstaufopferung eines Erlösers. Auf "The Lines" nimmt die Band den treibenden Puls des Post-Punk und fügt dem Mix eine Extraportion Chorus hinzu. "Chorus ist ein moderner Effekt, der auf der Idee beruht, die leichten Tonhöhenunterschiede eines Chors nachzubilden. Es gibt eine schimmernde Qualität, die uns zurück zu diesem spirituellen, göttlichen Gefühl bringt", erklärt Sanchez. Gepaart mit dem Einsatz von Orgel und einer grüblerischen Moll-Melodie, beschwört der Song gleichzeitig das Heilige und das Sakrileg. Der Titeltrack "DOGGOD" hat vielleicht die größte Ähnlichkeit mit dem Material des Vorgängeralbums "Play With Fire", in den schlanken und gemeinen Gitarren auf eine raue Rhythmusgruppe und verträumten Gesang treffen. Aber während ihr vorheriges Album ein Aufruf war, seinen eigenen Weg zu gehen, bleibt "DOGGOD" dem "Bis dass der Tod uns scheidet"-Thema des Albums treu und geht sogar so weit, ein Maß an Unterwerfung zu beschreiben, das in gefährliche und ungesunde Gefilde übergeht, wobei Sanchez singt "hang me on a leash / `til I wait for my release". Letztendlich ist "DOGGOD" eine perfekte Verkörperung des Ansatzes von L.A. Witch. Es ist gleichzeitig romantisch und bedrohlich, ehrfürchtig und profan, eine Feier und ein Klagelied. Es spannt den Bogen zwischen Vergangenheit und Gegenwart, indem es vertraute Klänge aufgreift und sie für die Jetztzeit aufbereitet. Aber es läutet auch eine neue Ära für die Band ein, die über die Kodachrome-Erinnerungen an das Amerika der Jahrhundertmitte hinausgeht und tiefer in den mittelalterlichen und gotischen Energien von Paris und darüber hinaus gräbt, während sie gleichzeitig ein besudeltes Herz erforscht.

The songwriter Joseph Allred is always prolific, but breaks up their string of solo releases for one of the most orchestrated offerings since the excellent Branches And Trees. Allred’s often monastic guitar works are fleshed out here on Old Time Fantasias, turning them towards ensemble visions of country, Americana, and Appalachia. Album opener, “The Groundhog,” features the distinctive piano of Hans Chew, with bass from Daniel Kimbro and brass from Mikey Allred. Elsewhere the new album features Kelby Clark, Courtney Werner (Magic Tuber String Band), Evan Morgan (Magic Tuber String Band), Lydian Bramblia, and Jack Bird in the mix. “I started recording this album in Spring ‘23, thinking I might be making a mostly solo acoustic album with a couple of duets thrown in for good measure. I met Hans Chew at a Nashville show a few months earlier and sent him a few tracks to see if he wanted to add anything to them. Before long the ‘solo acoustic album’ had given way to what’s probably the most involved and densely orchestrated album I’ve made to date. “I enjoyed following some threads of influence that aren’t as easily discernible in my solo playing—I hear some classic country and psychedelic flourishes, baroque pop glockenspiel and horns, percussion ideas that may be cribbed from Danny Elfman and Tom Waits albums, nods to post-rock-filtered western guitar twang, and a little Cocteau Twins dreaminess. “All in all this was a satisfying record to make. I’m especially grateful to the collaborators for adding their touches and making it a less solipsistic affair than it would have been otherwise. The political climate has changed so much over the last two years that I find it hard to imagine I could make a record with this kind of fantastic mood if I started now. I hope that it can maybe re-enchant those of us who are felling disillusioned.” —Joseph Allred

Crafted entirely on an analog monophonic synthesizer with no overdubs, Pièces Monophoniques is a tribute to simplicity in an era of limitless digital possibilities. Since his debut album, Music For Prophet (Les Disques du Festival Permanent, 2017), Majorca-born composer Marc Melià, now a long-time resident of Brussels, has been redefining the contours of electronic music through a minimalist, reductionist approach. Much like a solitary hike through the vastness of mountains, where one carries only the essentials, Melià’s work invites listeners on a journey stripped of excess, focusing instead on the purity of sound and intention.
While some have dismissed monophonic music as overly simplistic, others have embraced its distinct charm. Historical records, such as those by Johannes Quasten, reveal that early Church leaders were drawn to monophonic music because it resonated with the era's cosmological beliefs, highlighting the harmony and unity of all creation. In an age of digital abundance, Marc Melià deliberately embraces constraint, crafting an album that thrives within a limited palette of choices. Yet, from these self-imposed boundaries emerges a stunning universe, brimming with rich textures and elegant harmonies. For his debut album, Melià worked exclusively with a Sequential Prophet. With Pièces Monophoniques, his third LP, he returns armed solely with an analog monophonic synthesizer and handcrafted MIDI sequences etched directly onto a single stereo track. These recordings seek to uncover beauty within the boundaries of limitations and simplicity, rejecting any embellishments that are not essential. Melià presents the bare skeleton of music, highlighting the power of absence and silence as creative forces. Like the hidden mass of an iceberg, what is not heard becomes as significant as what is heard.
The album navigates the boundary where the quest for an uninhibited emotional response intersects with the mechanical sounds generated by synthesizer circuitry. Despite being a collection of beatless tracks, a pulse occasionally surfaces, like in the closing piece, "224 Steps. A sharp sequence blended with multiple delays and reverbs creates the vaporous celestial specter of multiple voices in "Illusions of Polyphony", while "Échoes et Fantasies" conjures the illusion of dual harmony. The expansive reverbs and silences between the euphoric synth phrases in "Overture" transport us to an imaginary magestic landscape shaped out of an electric field. "Resonances," a one-note drone-like sequence, embodies the album's aims as a series of resonances created with the synth filter emerge from the fundamental note.
"Pièces Monophoniques," aims to contribute to a tradition that dates back to the dawn of humanity. After all, there is no denying that the earliest music crafted by humanity was monophonic, from the soothing lullabies sung to newborns to Gregorian chants, traditional labor songs, and the repertoire of solo compositions by countless composers.

Light Yagami, a gifted young student, one day picks up the "Death Note", a notebook previously kept by a shinigami (God of death), Ryuk, who apparently was bored in his world. Just write the name of a person in this notebook, and this one dies (according to certain conditions that the shinigami will explain to Light during their meeting). Thus, with the "Death Note" in hand, Light decides to rid the planet of all criminals to make it a just world, a perfect world. However, who is he to judge people? He therefore becomes the worst wanted criminal on the whole planet.. Two composers and arrangers composed for this work: Hideki TANIUCHI (HAJIME NO IPPO, NANA) and Yoshihisa HIRANO (FINAL FANTASY, HUNTER X HUNTER).

Light Yagami, a gifted young student, one day picks up the "Death Note", a notebook previously kept by a shinigami (God of death), Ryuk, who apparently was bored in his world. Just write the name of a person in this notebook, and this one dies (according to certain conditions that the shinigami will explain to Light during their meeting). Thus, with the "Death Note" in hand, Light decides to rid the planet of all criminals to make it a just world, a perfect world. However, who is he to judge people? He therefore becomes the worst wanted criminal on the whole planet.. Two composers and arrangers composed for this work: Hideki TANIUCHI (HAJIME NO IPPO, NANA) and Yoshihisa HIRANO (FINAL FANTASY, HUNTER X HUNTER).

The story of Eyeshield 21 follows the protagonist Sena, the whipping boy of his classmates, who wants to earn respect by joining a club at the start of the school year. He crosses paths with Hiruma, head of the American soccer club, who recruits him for his exceptional running skills. They must quickly find 11 other players, as the inter-school championship begins in 24 hours.

Numerous artists and composers were involved in creating the theme music and accompanying songs, including Kosuke Morimoto, who contributed to various theme songs for Fullmetal Alchemist and One Piece. Any fan of the series will have a strong feeling of nostalgia when they recall the music that marked them during their teenage years. The very Pop-rock and J-pop tones will remind them of those after-school afternoons watching episodes of this epic anime on Game One. You'll also be able to hear the voices of the Japanese cast, including the voice of the main character, Sena Kobayakawa, on many of the credits and accompanying songs.

The manga turns 21 in 2023. To celebrate, the author wrote a 55-page one-shot called “Brain X Brave”, which appeared in early January 2024 in Weekly Shonen Jump. The anime has been broadcast frequently on Game One since September 2009 and on France Ô since September 2012.

Das Eels Album 'Souljacker' (2001) wieder verfügbar auf rotem Vinyl! 'Souljacker' ist ein wildes, ungezähmtes Biest - eine Mischung aus rauem Gutter-Blues und verstörender Wiegenlied-Ästhetik. Produziert von John Parish (PJ Harvey), tauscht Mark Oliver Everett (E) die orchestrale Wärme von 'Daisies of the Galaxy' gegen eine kantigere, düsterere Klangwelt ein: verzerrte Gitarren, gespenstische Loops und Texte, die zwischen Bedrohung und Melancholie balancieren. Vom entfesselten Stampfen von 'Dog Faced Boy' bis zur filmischen Weite von 'Fresh Feeling' - Souljacker ist ruhelos, unberechenbar und fängt das Beste aus Tom Waits’ rauer Poesie, Becks Exzentrik und der dunklen Seite amerikanischen Storytellings ein. Diese Reissue auf rotem 1LP-Vinyl holt das finstere Herz des Albums zurück ans Licht.

Don't Die Before You're Dead', AJ Traceys lang erwartetes drittes Album, an dem er mehr als drei Jahre gearbeitet hat, markiert einen Meilenstein in seiner Karriere - seine Rückkehr nach einer selbst gewählten Pause und eine erneute Bestätigung seiner Position als eine der einflussreichsten Stimmen der britischen Musikszene.

Mit einem so deutlichen Titel wie 'Don't Die Before You're Dead' wird sich das Album aller Erwartung nach mit Themen wie Ehrgeiz und Widerstandskraft auseinandersetzen, sowie damit das Leben in vollen Zügen zu genießen - Werte, die AJs Weg von Ladbroke Grove an die Spitze der britischen Rap-Szene bestimmt haben.

Es ist ein reifer Sound des kreativen Westlondoners und ein Moment, in dem AJs Wachstum und Entwicklung in seiner Karriere zum Ausdruck kommt. Die Fans können sich auf ein Werk freuen, das nicht nur seine Entwicklung als Künstler zeigt, sondern auch die Grenzen der britischen Musik weiter verschiebt.

AJ Tracey kann auf zahlreiche Nominierungen für den BRIT Award, einen erstklassigen Auftritt auf der Pyramid Stage in Glastonbury und eine Reihe von Charterfolgen zurückblicken. Seine mit Dreifach-Platin ausgezeichnete Single Ladbroke Grove wurde zur meistverkauften Independent-Single des Jahres 2019. Seine Vielseitigkeit zeigte sich in Kollaborationen mit Jorja Smith, Stormzy, Headie One und Aitch.

Don't Die Before You're Dead', AJ Traceys lang erwartetes drittes Album, an dem er mehr als drei Jahre gearbeitet hat, markiert einen Meilenstein in seiner Karriere - seine Rückkehr nach einer selbst gewählten Pause und eine erneute Bestätigung seiner Position als eine der einflussreichsten Stimmen der britischen Musikszene.

Mit einem so deutlichen Titel wie 'Don't Die Before You're Dead' wird sich das Album aller Erwartung nach mit Themen wie Ehrgeiz und Widerstandskraft auseinandersetzen, sowie damit das Leben in vollen Zügen zu genießen - Werte, die AJs Weg von Ladbroke Grove an die Spitze der britischen Rap-Szene bestimmt haben.

Es ist ein reifer Sound des kreativen Westlondoners und ein Moment, in dem AJs Wachstum und Entwicklung in seiner Karriere zum Ausdruck kommt. Die Fans können sich auf ein Werk freuen, das nicht nur seine Entwicklung als Künstler zeigt, sondern auch die Grenzen der britischen Musik weiter verschiebt.

AJ Tracey kann auf zahlreiche Nominierungen für den BRIT Award, einen erstklassigen Auftritt auf der Pyramid Stage in Glastonbury und eine Reihe von Charterfolgen zurückblicken. Seine mit Dreifach-Platin ausgezeichnete Single Ladbroke Grove wurde zur meistverkauften Independent-Single des Jahres 2019. Seine Vielseitigkeit zeigte sich in Kollaborationen mit Jorja Smith, Stormzy, Headie One und Aitch.

Motorjesus aus Mönchengladbach sind zurück – und mit „Streets of Fire“ drehen sie den Motor weiter auf Anschlag! Ihr mittlerweile achtes Studioalbum führt ihren unverkennbaren High Octane Heavy Rock in eine neue, noch explosivere Dimension.
Mit Vollgas voraus präsentieren sie eine Mischung aus Motörhead-infiziertem Rotzrock, hymnischem 80er-Jahre-Metal im Stil von Judas Priest und Iron Maiden sowie einer starken Prise Punk-Attitüde. Das Ergebnis: Ein kompromissloses Heavy- Rock-Feuerwerk, das sowohl alte Fans als auch neue Hörer mitreißen wird.

Motorjesus haben den Tank randvoll gefüllt und treten das Gaspedal durch! Nach ihrem letzten Album „Hellbreaker“, das Platz 20 der deutschen Albumcharts erreichte und der Band Festival-Auftritte auf Summer Breeze, Rock Hard Festival und vielen weiteren Bühnen sicherte, setzen sie mit „Streets of Fire“ neue Maßstäbe. Das Album strotzt nur so vor kraftvollen Hymnen, die zum Mitsingen und Fäuste-in-die-Luft- Recken einladen. Diesmal bewusst ohne Balladen, sondern mit noch mehr Speed,

Groove und treibenden Riffs, die sofort ins Ohr gehen.
Produzenten-Legende Dan Swanö (Opeth, Dissection, Edge of Sanity) ist begeistert: „Diese Songs haben einen neuen Fokus und eine unglaubliche Energie – ich habe mir beim Mischen buchstäblich den Fuß wundgetreten!“
Mit ihrem unverwechselbaren Sound, der Hard Rock, Metal und Punk-Einflüsse vereint, beweisen Motorjesus einmal mehr, dass sie zu den beständigsten und kraftvollsten Heavy-Rock-Bands Deutschlands gehören. Ihre unbändige Live-Energie konnten sie bereits auf Touren mit Motörhead, Anthrax, Mustasch und Prong unter
Beweis stellen – und auch auf „Streets of Fire“ liefern sie wieder pure Rock’n’Roll- Power ohne Kompromisse!

The Bug Club sind wieder da, für ihren jährlichen Termin auf dem Markt der Garagen-Rock-Macher, wo sie eine weitere reinrassige Platte anpreisen. LP-Nummer vier, "Very Human Features", erscheint kurz nach der ersten Sub Pop-Veröffentlichung der Band, "On the Intricate Inner Workings of the System" von 2024. Mit dieser Platte setzte die Band ihre Liebesbeziehung zu BBC Radio 6 fort, begann dank einer Session mit KEXP eine neue und tauchte auf den Seiten des NME auf. Gibt es noch etwas auf der Liste? Oh ja, Festivalauftritte, unter anderem im heimischen Green Man's Walled Garden, das bis auf den letzten Platz gefüllt ist. Dann Auftritte in den USA an den Orten, von denen die Briten immer nur hören. Dieses Album - eine neue Ladung typisch verspielter, riffgeladener, intelligenter Bug Club-Songs - gibt der Band einen Vorwand, ihre nicht enden wollende Tournee fortzusetzen und ihre schreienden Fans zu füttern, die dank der unermüdlichen Veröffentlichungswelle dieser Band überschwänglich und erwartungsvoll sind. Auf "Very Human Features" haben The Bug Club ihre Gewohnheit fortgesetzt, sich als ein kollektiver Geist zu präsentieren. Zwei in Einem. Selten findet man eine Band mit zwei kreativen Kräften, die eine so einzigartige, gemeinsame Perspektive, Sinn für Humor und ein Händchen für Popmelodien haben. In "Beep Boop Computers" wechseln Sänger Sam (auch an der Gitarre) und Tilly (am Bass) zwischen I's, my's und we's hin und her, als ob es da keinen Unterschied gäbe, während sie zwischenmenschliche Beziehungen und Erfahrungen in einer glorreichen Glam-Rock-Demontage der menschlichen Aspekte, auf die der Titel des Albums verweist, auf die Schippe nehmen. Um beim Thema zu bleiben: "How to Be a Confidante" macht das, was The-Bug-Club wirklich können, indem sie, wieder als zwei Stimmen aus demselben Kopf, allgemeine Aspekte unseres Lebens herausgreifen und sie lächerlich klingen lassen. Das Surreale liegt im Vertrauten, nicht im Ignorieren des Vertrauten - The Bug Club wissen das, und dieses Verständnis bildet zusammen mit einer unerbittlichen Basslinie das Rückgrat dieses Garagenrock-angehauchten Gassenhauers. Nachdem The Bug Club in den USA dank der kräftigen Garagen-Punk-Scheibe "On the Intricate Inner Workings of the System" und der anschließenden US-Tournee eine entsprechend große Fangemeinde gewonnen haben, wird die fruchtbare Partnerschaft mit Sup Pop mit "Very Human Features" noch schmackhafter. Die neue Platte ist ein sicherer und unendlich witziger Wirbelwind aus literarischem, selbstreferenziellem und gut gelauntem Rock'n'Roll. Die Band reitet auf der immer weiter anschwellenden Welle ihrer Popularität, als ob sie auf Rollschuhen schnell über den Aldi-Parkplatz in Caldicot flitzen würde. Möge es lange so weitergehen.

49th & Main veröffentlichen ihr lang-erwartetes Deübtalbum ‘Happy Tears’ im Juni auf Counter Records.

Mit über 200 Millionen Streams, 2 Millionen monatlichen Spotify-Hörer:innen, zahlreichen von den Medien unterstützten Veröffentlichungen und einer Berücksichtigung in den NME 100 sind die beiden zu einem der populärsten Acts der irischen Musikszene geworden und stehen weltweit an der Spitze der Indie-Elektro-Musik. Von der Selbstveröffentlichung von Tracks im irischen Kilkenny bis hin zu ausverkauften internationalen Tourneen haben 49th & Main einen Sound entwickelt, der UK-Garage, Jazz-infizierten House und emotionsgeladenen Indie-Pop miteinander verbindet. Sie haben sich entgegen dem traditionellen Schema der Branche vom Tiktok-Buzz zu großen Festivalauftritten beim Glastonbury Festival, Electric Picnic und The Great Escape entwickelt. „Happy Tears“ ist ihr bisher wichtigstes Statement - ein Album, das alles, was 49th & Main ausmacht, in 21 (!) Tracks bündelt. Es fängt den Rausch der Live-Musik und die Katharsis des Songwritings ein, kanalisiert alles, von der chaotischen Schönheit einer Nacht bis zum Schmerz der Nostalgie in einer vertrauten Melodie oder der flüchtigen Klarheit eines Sonnenaufgangs nach dem Schlaf. 49th & Main haben ein Album geschaffen, das den Puls der Indie-Elektronik einfängt und gleichzeitig eine Fülle von Klangelementen einfließen lässt. Seit ihrem kühnen Aufstieg von Kilkenny zu internationalem Ruhm hat das Duo einen unkonventionellen und inspirierenden Weg eingeschlagen. Ihre Mischung aus von der Kritik gefeierten Live-Auftritten, der Unterstützung von Fachmedien, dem viralen Streaming-Erfolg und einer tiefen Verbindung zu den emotionalen Strömungen der heutigen Jugend hat sie zu einem kulturellen Phänomen gemacht. 49th & Main sind eine Geschichte, die die Aufmerksamkeit verlangt, die sie verdientermaßen bekommen.

Das Dream-Pop-Duo Sorry Girls aus Montreal kehrt mit seinem dritten Album "Dreamwalker" zurück, das über Arbutus Records erscheint. Ihre exzentrische Mischung aus nostalgischen 70er-Jahre-Powerballaden und 80er-Jahre-Kitsch durchbricht neue Schwellen, zerlegt vergebliche Illusionen, um der Kälte zu trotzen und zu fragen, was vor uns liegt. Seit ihrer Gründung im Jahr 2015 haben Heather Foster Kirkpatrick und Dylan Konrad Obront ihre eigene Marke von üppigem, vergnügungssüchtigem Synth-Pop geschaffen. Dank ihrem Talent, persönliche Texte mit einem schrägen Sound zu verbinden, ist ihre durch David Lynch geprägte Welt frei und unheimlich. Alles scheint vertraut, eine Melodie plätschert durch eine alte Traumlandschaft, und doch ist etwas nicht in Ordnung. Die Band debütierte 2019 mit dem selbstproduzierten "Deborah", das von Pitchfork und Gorilla vs Bear gelobt wurde. Ihr temperamentvolles zweites Album "Bravo!" aus dem Jahr 2023 präsentierte einen mehr auf die erweiterte Live-Band ausgerichteten Sound. Inspiriert von Fleetwood Macs Tusk-Ära schlugen Sorry Girls ihr Lager für mehrere Monate im Two Sisters Recording Studio in Montreal auf, um "Dreamwalker" aufzunehmen. Da die Zeit knapp bemessen war, wollten sie mehr mit den Livemusikern zusammenarbeiten und schnelle und entschiedene künstlerische Entscheidungen treffen, um der Musik so treu wie möglich zu bleiben. Das Ergebnis ist ein Sound, der ernsthaft, emotional und klar ist. Verwaschene Produktionstechniken und druckvolle Basslinien paaren sich mit sanfteren, skurrilen Klaviertrillern und entspannten Drums, die das thematische Hin und Her zwischen zwei Welten wiedergeben. Die Texte spielen mit idyllischen Visionen von Liebesobjekten, Fantasien von zukünftigen Utopien und der obsessiven Sehnsucht nach einer Leichtigkeit und Neuheit, die sich durchsetzt. "Dreamwalker" ist selbstbewusst und ironisch selbstbescheiden, gefangen in der Spiegelung eines Fensters. Das Album fordert dazu auf, mutig zu sein - die Griffe aufzuschieben und ins Unbekannte zu treten. Musik für Fans von Haim, Men I Trust, Fleetwood Mac, TOPS

Graham Hunt hat die intuitive Fähigkeit, sich seinen eigenen Platz in der langen, verwirrenden Geschichte der amerikanischen Popmusik zu schaffen. Der Songwriter aus Wisconsin hat in den letzten vier Jahren hart an Platten gearbeitet, die zeitlosen Gitarren-Pop mit einem vielschichtigen Produktionsansatz und einem schlauen lyrischen Auge verbindet. Seine Musik verbindet das Surreale mit dem Alltäglichen, das Melodische mit dem Rhythmischen, das Kryptische mit dem Triumphalen - und beweist oft, dass Slacker Verspieltheit und Heartland-Ehrlichkeit sich nicht gegenseitig ausschließen. "Timeless World Forever" - die erste Veröffentlichung von Hunt für Run For Cover - bildet den Abschluss einer beeindruckenden Reihe von Songs und öffnet die Tore für eine neue Phase in der langen, produktiven Karriere des Künstlers. Seit Jahren ist Hunt eine feste Größe in der Indie-Rock-Welt des Mittleren Westens, seit seiner Zeit als Kopf von Midnight Reruns und Auftritten mit Künstlern wie Mike Krol und Disq. 2019 veröffentlichte er sein erstes Soloalbum "Leaving Silver City", aber es war 2022 das Album "If You Knew Would You Believe It?", mit dem er seinen Durchbruch hatte. Das 2023er Album "Try Not To Laugh" folgte schnell, und jetzt nimmt "Timeless World Forever" diese Fäden wieder auf. Die drei Platten sind aus einem Guss: alle entstanden im selben Keller in Madison mit einer Beat-getriebenen Dichte und einer klanglichen Fantasie, die Rap und Rave ebenso zu verdanken ist wie dem Power Pop. Es ist schwer, gleichzeitig nach hinten und nach vorne zu schauen, ohne mit den Rädern in einem schlammigen, zeitlosen Schlamm stecken zu bleiben. "Timeless World Forever" ist der Sound eines eines Lebenskünstlers, der einen höheren Gang einlegt, den Fuß auf das Pedal drückt und den Highway in Angriff nimmt.

TWICE A MAN pflanzten die Saat für "The Coloured Breeze Is a New Dimension" mit dem Song 'Dahlia', einem "neuen" Stück, das sie zur Ergänzung der Albumkompilation "Songs of Future Memories" geschrieben hatten. Drei Jahre lang düngte und hegte das schwedische Dark-Electronic-Trio den Keim, bis er feste Wurzeln in ihrem musikalischen Erbe fand und damit begann, neugierige Ableger in neue fruchtbare Böden jenseits der zuvor errichteten Klanggartenmauern zu senden. "The Coloured Breeze Is a New Dimension" ist ein organisches Gebilde, das etwas Neues schafft, indem es seine musikalische DNA auf verschiedene Weise rekombiniert. Als Ergebnis erblühen die frischen Songs in vielen elektronischen Farbnuancen. TWICE A MAN waren schon immer Vorreiter. In ihrem Heimatland Schweden waren sie die anerkannten Pioniere der elektronischen Musik. Und schon lange bevor es in Mode kam, positionierten sich die Schweden als selbstbewusste Umweltschützer. Musikalisch wurden sie liebevoll mit Bezeichnungen versehen wie: "Ultravox auf Gras - wenn auch melancholisch und ohne zuckriges Pathos" oder "wie ein trauriger Gary Numan, aber mit einem warmen, organischen Touch". In ihrem Sound finden sich auch sanfte Anklänge an TANGERINE DREAM, KLAUS SCHULZE und THE HUMAN LEAGUE neben vielen anderen möglichen Referenzen. Als sich Sänger, Gitarrist und Keyboarder Dan Söderqvist im Jahr 1977 mit dem Synthesizer-Spieler Karl Gasleben zusammenkam, gründete das Duo zunächst COSMIC OVERDOSE, die erste elektronische Band Skandinaviens, aus der dann TWICE A MAN hervorging. Während ihrer bemerkenswerten Karriere veröffentlichten die Schweden zahlreiche Alben, inklusive spezieller Projekte, und zwei Kompilationen. Sie spielten zahllose Konzerte und schufen den Soundtrack für sieben abendfüllende Theateraufführungen im Königlichen Dramatischen Theater in Stockholm, Musik für Filme, Ausstellungen, Tanzaufführungen und sogar Computerspiele. Die Natur spielt auch in den Texten und im Sound von "The Coloured Breeze Is a New Dimension" wieder eine große Rolle. TWICE A MAN haben ein musikalisches Äquivalent dazu geschaffen, Trost in der Natur, Kunst und der Freude an Büchern zu finden, um zumindest für eine Weile den Übeln der modernen Welt zu entkommen.

NIGHTBEARER melden sich mit ihrem dritten Albumkracher "Defiance" zurück. Die deutschen Death-Dealer aus der ostwestfälischen Stadt Paderborn bleiben dabei dem typischen HM-2 Kettensägen-Gitarrensound ebenso treu wie auch ihrer unverhohlene Liebe zum melodischen Death Metal schwedischer Prägung. Dabei markiert "Defiance" dennoch einen weiteren Schritt in der ebenso stetigen wie umsichtigen Evolution ihres Sounds, indem sie ihrem Old-School-Stil beispielsweise angeschwärzte Passagen und doomige Momente hinzufügen. Das Ergebnis dieser Horizonterweiterung ist ein enorm atmosphärisches Werk, das perfekt zu seinem lyrischen Konzept passt. Denn dieses Album wurde direkt von der berühmten "His Dark Materials"-Trilogie des englischen Autors Sir Philip Pullman inspiriert. Auf einer tieferen Bedeutungsebene drehen sich die Texte um die Emanzipation der Menschheit von ihrer Unterdrückung durch Religion. Als NIGHTBEARER im Jahr 2017 von Sänger Michael Torka und Gitarrist Dominik Hellmuth gegründet wurden, bestand ihre Motivation an erster Stelle aus der brennenden Leidenschaft zum Old School Death Metal - und besonders dessen goldenen Zeiten in den glorreichen 1990er Jahren. Im Gefolge der 5-Track-EP "Stories from Beyond" (2018) erreichte ihr Debütalbum "Tales of Sorcery and Death" (2019) auf Anhieb eine Top Ten Position (#8) im Soundcheck des deutschen Rock Hard Magazins; neben reichlich weiterem Lob von Fans und Kritikern. Auf ihrem zweiten Studioalbum "Ghosts of a Darkness to Come" (2022) erweiterten NIGHTBEARER den Rahmen ihrer lyrischen Themen auf konzeptionelle Größe, indem sie den Hörer auf eine Reise in die dunklen Ereignisse von Robert Jordans epischer Saga "Das Rad der Zeit" mitnahmen. Mit ihrem dritten und bisher komplettesten Album beweisen NIGHTBEARER ein perfektes Gespür für das richtige Timing, indem sie der Welt mit "Defiance" einen ebenso wörtlichen wie metaphorischen Death Metal Akt des Widerstands auf Grundlage der "His Dark Materials" Trilogie präsentieren!

"For Japanese people, min'yo is both the closest, and most distant, folk music" explains band-leader Katsumi Tanaka. "We may not feel it in our daily, urban lives, yet the melodies, the style of singing and the rhythm of the taiko drums are engrained in our DNA".

Initially indifferent to min'yo, a tragic event in recent Japanese history set Tanaka on his current path: "Following the Tohoku earthquake of 2011, I reflected on my life, work and identity. A fan of world music, I began searching for Japanese roots music I could identify with. Discovering mid-late 20th century acts like Hibari Misora, Chiemi Eri and the Tokyo Cuban Boys, I was captivated by their eccentric arrangements and how they mixed min'yo with latin and jazz music."

Lead singer Freddie Tsukamoto fell for min'yo after hearing a song from his hometown on a TV competition whilst in a restaurant. It was a revelation – until then he had been an aspiring jazz singer yet was uncomfortable singing in English. The restaurateur told him a min'yo teacher was his neighbour and the two connected. Tanaka and Freddie formed Minyo Crusaders in 2011 in Fussa, a city where the US military Yokota Air Base is located, in western Tokyo.

Recruiting other local musicians versed in afro and latin rhythms, they began hosting jam sessions at the Banana House, a building that was previously part of the military base and that used to house US soldiers. The band started recording their music, and their debut album "Echoes Of Japan" was released in 2017. It received huge acclaim in Japan and abroad, and was also released by British label Mais Um in 2019. Several European tours followed, as well as some US and South America gigs.

In this second opus, the Minyo Crusaders take us on a trip to Japanese folk songs fused with latin rhythms. Their unique arrangements breathe new life to classics like Kiso Bushi, Sado Okesa or Soran Bushi, among many other min'yo songs from all over Japan that were originally performed by Japanese fishermen, coal miners and sumo wrestlers hundreds of years ago. The magical groove created here proves once again that the Minyo Crusaders are one of the most dynamic representatives of the current Japanese world music scene. Yoi Yoi, Enjoy!

Enjoy The Ride Records, in partnership with Paramount Pictures, proudly presents Novocaine (Music from the Motion Picture), featuring Music by Lorne Balfe and Andrew Kawczynski. Nathan Caine can't feel pain. When the girl of his dreams (Amber Midthunder) is kidnapped, everyman Nate (Jack Quaid) turns his inability to feel pain into an unexpected strength in his fight to get her back. Directed by Dan Berk and Robert Olsen, this action comedy will have you laughing (and grimacing) as we follow Nathan through the mishaps and adventures, in order to save Sherry. Balfe and Kawczynski have created an exciting and charged score that is a fantastic adventure, we hope you enjoy it as much as we do! Pressed on limited edition colored vinyl, Novocaine (Music from the Motion Picture) is limited to 1,200 copies across 5 exclusive variants.

In ,What's The Matter, M. Ross?", dem dritten Album des eigenwilligen Autors M. Ross Perkins, befindet sich unser Junge auf einer Reise nach innen, auf der er das Transzendente und und Existenzielles mit seinem lyrisch bisher bekenntnishaftesten Album verbindet. Multiinstrumentalist Perkins muss man dem Singer/Songwriter-Zeitgeist zurechnen, der für MJ Lenderman und Waxahatchee schwärmt und gleichzeitig Optimismus vermittelt. "What's the Matter, M Ross?" wurde komplett von Perkins komponiert, gespielt und in seinem Studio in Dayton, OH aufgenommen. Die Kopfhörer-Symphonien bewegen sich mit einer bedächtigen, komponierten Raffinesse, während die Texte neues Terrain erkunden. Die Eckpfeiler des Psych-Pop bleiben: die Schnörkel von Nilsson sind noch da, aber auch Gram Parsons und Jonathan Richman. Wenn man "What's the Matter, M. Ross?" geografisch einordnen will, dann ist das Album zu gleichen Teilen Laurel Canyon und Big Pink, mehr Woodstock die Stadt als das Festival. Perkins ist ein in sich geschlossener Teenage Fanclub (aus der Spätphase) mit George Harrisons spirituellem Sinn für inneres Fernweh.

Satya is excited to welcome Sweden’s very own Chris Llopis, a veteran of electronic music, with his highly anticipated EP Echo Ridge, to its vinyl only catalog.

Chris has been a prominent figure in electronic music since the late ‘90s, releasing on respected labels like Fabric Records, Tooloop, and Micronica. Inspired by a trip to Spain at age 13, Chris began DJing on Technics SL1210 turntables and later immersed himself in Copenhagen’s vibrant techno scene. His first vinyl release on Tatsu in 1998 brought him global recognition. Today, Chris’s sound blends timeless influences with modern techniques.

Echo Ridge is inspired by Chris’s love for funk-driven bass lines and the energy of underground raves. “I wanted to create tracks with strong rhythms and a playful edge,” he says. “The bass line is the soul of a track, and this EP captures the vibe of late-night moments when everything clicks.” The EP combines the groove-heavy minimal style of the late ‘90s with a fresh, contemporary edge, delivering tracks that energize the dance floor.

Chris’s creative process thrives during early morning studio sessions. “It’s the perfect time for clarity and creativity,” he shares. For Echo Ridge, Chris used iconic gear like the Juno 106, Elektron Analog Four, Eventide H3000, and Roland Space Echo RE-201, alongside Ableton 12 and Max for Live, to craft its warm, textured sound.

Out on the shelves June 13, 2025, the EP is a celebration of Llopis’s evolution as an artist and his deep connection to the dance floor. With its groove-driven energy and meticulous attention to detail, the release is a must-have for fans of minimal house and vinyl enthusiasts alike.

Released in 2015, Adventure is the debut studio album by French electronic music producer Madeon. Fusing electro-pop, house, and synth-pop, the album showcases Madeon’s signature polished production and vibrant soundscapes. Featuring guest vocals from artists like Passion Pit, Dan Smith of Bastille, and Kyan, Adventure blends infectious melodies with emotional depth. Standout tracks like ""Imperium"", ""You’re On"", ""Pay No Mind"" & ""Home"" highlight Madeon’s talent for combining electronic precision with pop sensibility. Critically acclaimed and commercially successful, Adventure solidified Madeon as a leading force in modern electronic music. Its cohesive flow, creative production, and emotive energy make it a defining release of 2010s EDM and synth-pop. A must-listen for fans of genre-blending electronic music with a cinematic touch. Adventure is available as 10th anniversary edition of 1500 individually numbered copies on blue coloured vinyl.

F.G.S.–the musical project of Los Angeles artist Flannery Silva–announces the first-ever vinyl release of her debut album ‘Tinker Bell’s Cough’, arriving May 27 via Scenic Route. Alongside the release comes a new single, ‘The Punisher (Tinker Bell’s Edit)’, and an exclusive vinyl-only live track, ‘Passions (Live at Tinker Bell’s Clubhouse)’.

Co-created with musician and producer Chase Ceglie, ‘Tinker Bell’s Cough’ is a surreal Americana record that filters the language of girlhood, heartbreak, and fantasy through a warped, theatrical lens. It’s Lana Del Rey meets David Berman in a cartoon whirlwind, with traces of Dolly Parton, Arthur Russell, and David Lynch.

Silva describes the record as “fairy tale theatre”. It’s packed with alt-universe country hits (‘Beth’s Deth’, ‘American Shield’), uncanny ballads (‘I’m Growing A Cross Around My Neck’), and leftfield pop songs rooted in character and place. ‘Passions’, the opening track, was inspired by Mary MacLane’s ‘I Await the Devil’s Coming’, while the title track imagines Tinker Bell herself singing a lullaby to God.

New single ‘The Punisher’ is an anthemic road song about loneliness and transcendence. “It’s about driving north on I-5 in California, worrying my car will overheat, bargaining with God, and falling in love with dust tornados,” Silva says.

Raised in the woods of upstate New York and formerly one half of the cult duo Odwalla88, Silva brings a visual artist’s sensibility to music. She studied art in Baltimore and continues to make sculpture and performance work that informs her songwriting. ‘Tinker Bell’s Cough’ was written on the Rhode Island coast, where she and Ceglie met weekly to write and record—drawing from old texts, visual references, and poetry.

F.G.S. has drawn praise from NTS, The FADER, Gorilla vs. Bear, The Line of Best Fit, Artforum, Sex Magazine, and more. With the reissue of ‘Tinker Bell’s Cough’ and the release of ‘The Punisher’, Silva continues to expand the strange, magnetic world of F.G.S., one that feels both deeply American and entirely her own.

"Ultravisitor" ist seit seinem Release im März 2004 zum Fanliebling und einem der beliebtesten Platten in Squarepushers gesamter Diskographie avanciert. Mit seiner einzigartigen Mischung aus Studio- und Live-Aufnahmen ist es gleichzeitig ein hervorragendes Beispiel für die Vielfalt seiner Musik: vom frenetischen Titeltrack über den funky Jazz von "Iambic 9 Poetry" bis zur sonnendurchfluteten Glückseligkeit von "Tommib Help Buss" und darüber hinaus.

Zum 20. Jubiläum präsentiert Warp eine erweiterte Deluxe-Version in einmaliger, limitierter Auflage, die von Jason Mitchell (Loud Mastering) unter der Ägide von Tom Jenkinson sorgfältig von den Originalbändern remastert. Tom hat die Gelegenheit genossen, die Bänder noch einmal zu überarbeiten und den Stücken neue Dynamik und Details zu verleihen.

Das beigefügte Bonusalbum "Venus No.17 Maximised" besteht aus ultra-raren Tracks einer Ultravisitor-Promo-EP, der "Square Window" 3"-CD (die bei Vorbestellungen über WarpMart gratis mitgeliefert wurde) sowie der "Venus No.17" EP (alle aus 2004). Das beiliegende Booklet enthält seltene Fotos, Flyer und Aufnahmedokumenten, darunter einer Anleitung zu allen Geräten, die Squarepusher damals verwendete.

Motorjesus aus Mönchengladbach sind zurück – und mit „Streets of Fire“ drehen sie den Motor weiter auf Anschlag! Ihr mittlerweile achtes Studioalbum führt ihren unverkennbaren High Octane Heavy Rock in eine neue, noch explosivere Dimension.
Mit Vollgas voraus präsentieren sie eine Mischung aus Motörhead-infiziertem Rotzrock, hymnischem 80er-Jahre-Metal im Stil von Judas Priest und Iron Maiden sowie einer starken Prise Punk-Attitüde. Das Ergebnis: Ein kompromissloses Heavy- Rock-Feuerwerk, das sowohl alte Fans als auch neue Hörer mitreißen wird.

Motorjesus haben den Tank randvoll gefüllt und treten das Gaspedal durch! Nach ihrem letzten Album „Hellbreaker“, das Platz 20 der deutschen Albumcharts erreichte und der Band Festival-Auftritte auf Summer Breeze, Rock Hard Festival und vielen weiteren Bühnen sicherte, setzen sie mit „Streets of Fire“ neue Maßstäbe. Das Album strotzt nur so vor kraftvollen Hymnen, die zum Mitsingen und Fäuste-in-die-Luft- Recken einladen. Diesmal bewusst ohne Balladen, sondern mit noch mehr Speed,

Groove und treibenden Riffs, die sofort ins Ohr gehen.
Produzenten-Legende Dan Swanö (Opeth, Dissection, Edge of Sanity) ist begeistert: „Diese Songs haben einen neuen Fokus und eine unglaubliche Energie – ich habe mir beim Mischen buchstäblich den Fuß wundgetreten!“
Mit ihrem unverwechselbaren Sound, der Hard Rock, Metal und Punk-Einflüsse vereint, beweisen Motorjesus einmal mehr, dass sie zu den beständigsten und kraftvollsten Heavy-Rock-Bands Deutschlands gehören. Ihre unbändige Live-Energie konnten sie bereits auf Touren mit Motörhead, Anthrax, Mustasch und Prong unter
Beweis stellen – und auch auf „Streets of Fire“ liefern sie wieder pure Rock’n’Roll- Power ohne Kompromisse!

Re-Release des Kult-Albums auf purple Doppel-Vinyl

Der Savatage- und Trans-Siberian Orchestra-Gitarrist präsentiert eine sehr persönliche Auswahl von 21 Tracks aus seiner erfolgreichen Solo-Karriere, die sich neben seiner Rolle in den erwähnten Bands mittlerweile über zwei Jahrzehnte erstreckt. Die Zusammenstellung enthält Songs aus seinen früheren Soloalben, sowie seltene und unveröffentlichte Tracks, die Chris für zu wichtig hält, um sie seinen Fans vorzuenthalten.

,Dogs" ist Cash Langdons zweites Album unter eigenem Namen, aber das erste mit seiner Band Meadow Dust (Bassist Matt Whitson und Schlagzeuger Reagan Bruce). Die Aufnahmen fanden größtenteils in den Portside Studios (dem ehemaligen Standort des legendären Muscle Shoals Sound) statt und wurden in nur zwei Tagen aufgenommen. Der Tontechniker Brad Timko (Dan Sartain, St. Paul and The Broken Bones) sorgte dafür, dass das Trio wild und tight klingt. Ihre unscharfe Interpretation von schwerem Country-Rock erinnert an Neil Young & Crazy Horse und verströmt die Hitze von Langdons Heimatstadt Birmingham. Wie bei Young ist seine Stimme gleichzeitig ernst und weltmüde, aber es gibt auch einen Sinn für Humor und die Resignation, weiterzumachen (,Dogs"). Diese Songs sind wunderschöne, brennende, südlich-gotische Zeugnisse der fortwährenden Gewalt, die es bedeutet, wach zu sein für die Welt um einen herum (,Lilac Whiskey Nose") und die Entschlossenheit, trotzdem wach zu bleiben (,Magic Again").

A cosmic fusion of deep funk, interstellar jazz, and avant-garde soundscapes, On Jupiter stands as one of Sun Ra"s most iconic releases. Recorded in 1979 during a prolific period at Variety Arts Studios in New York, this album captures the Arkestra at the height of their creative powers, blending futuristic improvisation with infectious rhythms and otherworldly textures.

REPRESS of the debut full length. Even if the music is not very complex, you can see from miles away that Orchid are fairly good musicians. "Capricorn" is not only very different from the modern metal albums, but also has a character of its own. You would be able to say which song is which after just one listen. Recommended for fans of Black Sabbath, Graveyard, and Saint Vitus.