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Die Songs, die auf 'The Pronoia Sessions' neu interpretiert werden, reichen zurück bis zum 2004er Album 'The Curse' ('Right Side of the Bed') und dem 2006er Album 'A Death-Grip On Yesterday' ('Ex's & Ohs', 'Theft'). Zwei ihrer größten Hits, 'Warrior' und 'Save Us', wurden von 'Baptize' aus dem Jahr 2021 überarbeitet. Und es gibt neue Versionen von 'Gone' und 'Drowning' von ihrer letzten Veröffentlichung, 'The Beautiful Dark of Life' von 2023.

Zusätzlich zu ihren eigenen Songs bieten ATREYU düstere Versionen des Tom Petty and the Heartbreakers-Klassikers 'Mary Jane's Last Dance' und der ewigen Audioslave-Ballade 'Like a Stone' unter der Leitung von Chris Cornell.

- Ltd. Col. LP: (Gold Vinyl)

Vor zwanzig Jahren veröffentlichte Matt Elliott (auch Third Eye Foundation) Drinking Songs, den ersten Teil einer bedeutenden Trilogie düsterer Folk-Alben mit acht Songs, die bis heute die meistgehörten auf Streaming-Plattformen sind und von den Fans des aus Bristol stammenden Musikers hoch gelobt werden. Drinking Songs ist eine tiefgründige Erkundung des menschlichen Zustands und eine Reise durch die unzugänglichsten Ecken der Seele. Zur Feier des 20-jährigen Jubiläums des ikonischen Werks präsentiert Matt Elliott nun Drinking Songs Live 20 Years On, eine Sammlung alternativer Versionen, die er als Trio live aufgenommen hat.Was Matt Elliott auszeichnet, ist seine Fähigkeit, verschiedene Stile miteinander zu verschmelzen, indem er kammermusikalischen Folk mit osteuropäischer Kabarettmusik mischt und gleichzeitig seinen Hintergrund in der elektronischen Musik, insbesondere seine Beherrschung von Sampling und Effekten, in den Dienst des Songs stellt. Nach mehreren hundert Konzerten in ganz Europa und sieben Alben präsentiert Matt Elliott nun Drinking Songs Live 20 Years On und lässt dieses bahnbrechende Album wieder aufleben. Aufgenommen im L'Autre Canal in Nancy, wo der Engländer seit einigen Jahren lebt, enthält dieses Album bisher unveröffentlichte Trio-Versionen, mit Musikern, die ihn regelmäßig auf der Bühne begleiten: Anne-Elisabeth de Cologne (Kontrabass) und Barbara Dang (Klavier). Jeder, der ihn schon einmal solo oder mit diesem Trio erlebt hat, weiß, wie gerne Matt Elliott auf die Stücke von Drinking Songs zurückgegriffen hat. Diese Zusammenarbeit geht über die Studioversion hinaus und fängt die rohen Emotionen eines Matt Elliott ein, der mit 50 Jahren auf dem Höhepunkt seiner Kunst zu sein scheint. Unabhängig davon, ob man die Studioversionen kennt oder nicht, muss man vom ersten Track an gefesselt sein, einer Verflechtung, einer Überlagerung der ersten beiden Tracks des Originalalbums: ,CF Bundy / Trying to Explain". Siebzehn Minuten, größtenteils instrumental, wunderbar zu Tränen rührend, vor Milz und Absinth triefend. Indem er seinen Drinking Songs zwanzig Jahre später neues Leben einhaucht, hat Matt Elliott uns ein kostbares Geschenk gemacht: die Möglichkeit, Drinking Songs zum ersten Mal wieder zu hören. Erhältlich als 2LP sowie CD!

4LP Vinyl-Box oder Doppel-CD-Set!

Vor zwanzig Jahren veröffentlichte Matt Elliott (auch Third Eye Foundation) Drinking Songs, den ersten Teil einer bedeutenden Trilogie düsterer Folk-Alben mit acht Songs, die bis heute die meistgehörten auf Streaming-Plattformen sind und von den Fans des aus Bristol stammenden Musikers hoch gelobt werden. Drinking Songs ist eine tiefgründige Erkundung des menschlichen Zustands und eine Reise durch die unzugänglichsten Ecken der Seele. Zur Feier des 20-jährigen Jubiläums des ikonischen Werks präsentiert Matt Elliott nun Drinking Songs Live 20 Years On, eine Sammlung alternativer Versionen, die er als Trio live aufgenommen hat.Was Matt Elliott auszeichnet, ist seine Fähigkeit, verschiedene Stile miteinander zu verschmelzen, indem er kammermusikalischen Folk mit osteuropäischer Kabarettmusik mischt und gleichzeitig seinen Hintergrund in der elektronischen Musik, insbesondere seine Beherrschung von Sampling und Effekten, in den Dienst des Songs stellt. Nach mehreren hundert Konzerten in ganz Europa und sieben Alben präsentiert Matt Elliott nun Drinking Songs Live 20 Years On und lässt dieses bahnbrechende Album wieder aufleben. Aufgenommen im L'Autre Canal in Nancy, wo der Engländer seit einigen Jahren lebt, enthält dieses Album bisher unveröffentlichte Trio-Versionen, mit Musikern, die ihn regelmäßig auf der Bühne begleiten: Anne-Elisabeth de Cologne (Kontrabass) und Barbara Dang (Klavier). Jeder, der ihn schon einmal solo oder mit diesem Trio erlebt hat, weiß, wie gerne Matt Elliott auf die Stücke von Drinking Songs zurückgegriffen hat. Diese Zusammenarbeit geht über die Studioversion hinaus und fängt die rohen Emotionen eines Matt Elliott ein, der mit 50 Jahren auf dem Höhepunkt seiner Kunst zu sein scheint. Unabhängig davon, ob man die Studioversionen kennt oder nicht, muss man vom ersten Track an gefesselt sein, einer Verflechtung, einer Überlagerung der ersten beiden Tracks des Originalalbums: ,CF Bundy / Trying to Explain". Siebzehn Minuten, größtenteils instrumental, wunderbar zu Tränen rührend, vor Milz und Absinth triefend. Indem er seinen Drinking Songs zwanzig Jahre später neues Leben einhaucht, hat Matt Elliott uns ein kostbares Geschenk gemacht: die Möglichkeit, Drinking Songs zum ersten Mal wieder zu hören.

wieder lieferbar Die Camouflage? Ja, richtig: die Camouflage, Meister der Traurigkeit im Kleid des elektronischen Songs. 1987 eroberte die deutsche Band mit "The Great Commandment" Platz eins der US-Billboard-Dance-Charts, die Musik verband genialisch die Kühle von Kraftwerk, den Pop von OMD und die melancholische Düsternis von Depeche Mode. Jetzt erscheint "Greyscale": ein frappierend aktuelles, zwingendes Album. Untätig war die Gruppe seit den späten 80ern ohnehin nicht: Regelmäßig erschienen Alben, zuletzt 2006 das Album "Relocated" und 2014 eine Single-Compilation - auf Facebook zählt die Gruppe über 50.000 Fans. Die Musik auf "Greyscale" klingt weit und atmosphärisch und gleichzeitig zwingend und dicht. Produziert hat Mastermind Heiko Maile, der auch als Filmmusikkomponist Erfolge feiert. Stilsicher kontrastiert er elektronische Elemente mit akustischen, neben Beats und Gitarren sind auch ein Kinderchor und das Streicherensemble des Deutschen Filmorchesters Babelsberg zu hören. Songs für den Tanzboden und fürs Herz - und auf einem ist gar Peter Heppner zu hören.

Das zweite Album von The 69 Eyes, „Savage Garden“, erscheint im November 2024 über Svart Records.
1995 veröffentlichten The 69 Eyes ihr zweites Album „Savage Garden“ auf Gaga Goodies. Dieses Album enthielt die ersten Hinweise auf die
Gothic-Richtung, in die sie sich bewegten, während sie immer noch die Fahne des Sleaze-Rocks schwenkten, für den sie zu dieser Zeit bekannt waren.
Krawallige Rockmusik und viel geradlinige, eingängige Energie mit garantiert düsterer Atmosphäre.
„Savage Garden“ wurde von Mika Jussila in enger Zusammenarbeit mit den Mitgliedern der Band in den Finnvox Studios für Vinyl neu gemastert.

Das zweite Album von The 69 Eyes, „Savage Garden“, erscheint im November 2024 über Svart Records.
1995 veröffentlichten The 69 Eyes ihr zweites Album „Savage Garden“ auf Gaga Goodies. Dieses Album enthielt die ersten Hinweise auf die
Gothic-Richtung, in die sie sich bewegten, während sie immer noch die Fahne des Sleaze-Rocks schwenkten, für den sie zu dieser Zeit bekannt waren.
Krawallige Rockmusik und viel geradlinige, eingängige Energie mit garantiert düsterer Atmosphäre.
„Savage Garden“ wurde von Mika Jussila in enger Zusammenarbeit mit den Mitgliedern der Band in den Finnvox Studios für Vinyl neu gemastert.

LP im Klappcover mit bedruckter Innenhülle. Nach zwei Jahren ist Coyote Butterfly das erste Album mit neuen Songs von Simon Joyner, dem Singer-Songwriter aus Omaha, NE. Zwei Jahre, nachdem sein Sohn Owen im August 2022 an einer Überdosis gestorben war. Das bekenntnissreiche Album ist zunächst eine Hommage an Owen, aber was Joyner hier ebenso großzügig wie berührend teilt, ist ein intimer Einblick in den Versuch, Unfassbares zu begreifen. "Wie geht es jetzt weiter?" Diese Frage hat Simon Joyner auf nahezu all seinen Alben als Ausgangspunkt seiner Songs versucht zu beantworten. Er schrieb über das menschliche Dilemma im Allgemeinen. Um schwierige Wahrheiten zu erzählen nutze er die Fiktion seiner Charaktere, die sich durch persönliche Krisen in einer unzureichenden amerikanischen Gesellschaft kämpfen. Etwas durchgängig düsteres lag über den Erzählungen, die im Wesen allerdings nie nihilistisch waren. Das Brüchige, das auch Stilmittel seiner Musik, vor allem seiner Stimme ist, war etwas, das es anzunehmen und auszuhalten galt. Um die Eingangsfrage zu beantworten, um im Leben zu Bestehen, um zu überleben, müssen wir wissen, wo wir stehen. Auf seinem neuen Album Coyote Butterfly fehlt erstmals dieser fiktive Charakter. Es ist sicher sein persönlichtes Werk. Dennoch bietet es einen universellen Aspekt und die Antwort auf Frage, wie es weiter geht, ist diesmal die Platte und der Prozess des Songwritings und der Aufnahmen selbst. Coyote Butterfly wurzelt im Schmerz des Vaters Simon Joyner über den Tod des Sohnes, der sich überraschend kurz nach Veröffentlichung seines 2022er Albums "Songs From A Stolen Guitar" ereignete. Zwei Jahre hat es gedauert, bis sich seine Trauer zu Liedern formen konnte. Joyner fand so ein Ventil für seinen Schmerz und einen Kanal, um die unzähligen Emotionen zu verarbeiten, die seine Erfahrung umkreisen. Umgeben von einer Reihe enger Freunde, darunter David Nance, James Schroeder, Kevin Donahue, Ben Brodin und Michael Krassner, ist das Album sparsam, aber nicht karg. Eingerahmt wird es von zwei field recording-artigen Instrumentals. Dazwischen setzt sich Joyner in acht Songs mit Trauer, Angst, Scham und Liebe auseinander, legt die Kämpfe derjenigen offen, die im Kielwasser einer persönlichen Katastrophe zurück bleiben. Mit einem Album von solcher Intimität erinnert uns Joyner daran, wie wichtig es ist, Kunst zu nutzen, um das zutiefst Persönliche, auch vermeintlich Unfassbare in Schönheit umzuwandeln. Der Hörer ist eingeladen, sich mit ihm in solch eine Situation zu denken und das eigene Herz zu öffnen. Coyote Butterfly ist eine ehrliche, somit wunderschöne Beschwörung der Trauer eines Vaters, aber auch ein universelles Zeugnis für die Liebe und für das Leben, das nach einem Verlust weitergeht.

'Oase' ist das zweite Album des in Berlin ansässigen Progressive-Rock-Kollektivs Weite, und der Nachfolger des 2023 erschienenen Debütalbums der Band. Mit einer Laufzeit von fast einer Stunde nimmt das Album die Zuhörer mit auf eine komplexe und vielschichtige Reise, die vom Pioniergeist des Psychedelic Rock der 1970er Jahre inspiriert ist und Einflüsse aus "Canterbury Scene"-Prog, Krautrock, früher Electronica, Postrock und Americana vermischt. Man möge sich hierzu nur die über 10-minütige Vorab-Single 'Roter Traum' anhören.
Das neue Album zeigt Weites Fähigkeit, das Alte mit dem Neuen zu verschmelzen und einen eindringlichen, forschenden Sound zu schaffen, der von kontemplativ und pastoral zu riffig und düster wechselt, ohne jemals die Melodie zu opfern. 'Oase' zeichnet sich durch längere, weitläufige, atmosphärische Kompositionen aus, ist aber zweifellos kompositorisch durchdachter als das Debüt der Band. Mit dem Fokus auf Melodie, Textur und Stimmung - wenn auch nicht unbedingt immer in dieser Reihenfolge - kreieren Weite einen komplexen und meditativ klingenden Sound, der den Hörer einlädt, sich auf eine Reise durch wechselnde Klanglandschaften und sich entwickelnde musikalische Erzählungen zu begeben. Weite wurde im Winter 2022 in Berlin von Bassist Ingwer Boysen (delving) gegründet, der Schlagzeuger Nick DiSalvo (Elder, delving) und die Gitarristen Michael Risberg (Elder, delving) und Ben Lubin (Lawns) rekrutierte. Ursprünglich als einmalige Aufnahmesession gedacht, erkannten die vier eine offensichtliche musikalische Chemie und Gemeinsamkeiten und beschlossen, das Projekt in eine richtige Band umzuwandeln. Keyboarder Fabien de Menou (Perilymph) kam 2024 dazu. 'Oase' ist auf 180Gr. Pink-marmorierter Doppel-LP erhältlich.

Die Debut-EP ,Kingdom of Decay" umreißt in vier Songs alle Stilwelten, aus denen Silverships aus Hamburg ihre Inspirationen schöpfen. Der Desert Rock der 90er und 2000er bildet das Fundament des Trios. Viele Spuren von Queens Of The Stone Age finden sich in den Songs wieder, in den brachialen Passagen fühlt man sich an Kyuss erinnert. Auch Klangmalereien der 70er Jahre Pink Floyd tauchen immer wieder auf. Psych-Poppige Momente der frühen Tame Impala werden abgelöst von düsterer, fast beklemmender Atmosphäre, die den Vibe von The Doors einfängt und sich auch als Soundtrack eines noch zu drehenden Films wohlfühlen würde. Charakteristisch für die Band ist neben opulenten Arrangements und abwechslungsreichem Songwriting die Liebe zu B-Parts, die die Songs mit vielen Ausrufezeichen beenden. Hinter der kraftvollen Produktion steckt Hauke Albrecht, der mit Mountain Witch den letzten größeren Stoner Export aus Hamburg produzierte. Für das Artwork konnte die Band BEWITCHED Graphics bzw. Benjamin Nickel gewinnen, der mit seinen psychedelischen Arbeiten z. B. schon das Reeperbahn Festival versorgt hat.

35. Jubiläumsfeier von MÖTLEY CRÜEs Nr. 1 in den Billboard Top 200 und 6-fach Platin-Album. Enthält
die Hit-Singles „Kickstart My Heart“, „Dr. Feelgood“, „Don’t Go Away Mad (Just Go Away)“, „Without
You“ und „Same Ol’ Situation (S.O.S.). CD und schwarze Vinyl-LP mit limitierter Auflage, neu gestaltetem
Cover und neu gemastertem Audio.

Mit fünf riesigen Hit-Singles, die die Wunsch-Hotlines von Radio und MTV überlasteten, war MÖTLEY
CRÜE auf der Dr. Feelgood World Tour über 2 Jahre lang mit ihrem eigenen Privatjet unterwegs und in
der Luft. Die erste Single „Dr. Feelgood“ mit ihrem sofort einprägsamen Anfang, dem eingängigen Refrain
und dem düsteren Musikvideo gab den Ton an und erreichte die Top 10 der US Hot 100 Single-Charts.
„Kickstart My Heart“ war bei seiner Veröffentlichung ursprünglich ein Top-30-Hit und entwickelte sich zu
MÖTLEY CRÜEs beliebtestem Meilenstein. Von der Kreissägen-Einleitung über den Cheating-Death-Text
bis hin zum Musikvideo, das bei einer seltenen Rückkehr zu einer Clubshow im weltberühmten Whisky-ago-go in Hollywood gedreht wurde, hat es mittlerweile weit über 1,5 Milliarden Streams verzeichnet und ist
fast täglich in Filmen, Werbespots, Videospielen und Sportveranstaltungen auf der ganzen Welt zu hören!

35. Jubiläumsfeier von MÖTLEY CRÜEs Nr. 1 in den Billboard Top 200 und 6-fach Platin-Album. Enthält
die Hit-Singles „Kickstart My Heart“, „Dr. Feelgood“, „Don’t Go Away Mad (Just Go Away)“, „Without
You“ und „Same Ol’ Situation (S.O.S.). CD und schwarze Vinyl-LP mit limitierter Auflage, neu gestaltetem
Cover und neu gemastertem Audio.

Mit fünf riesigen Hit-Singles, die die Wunsch-Hotlines von Radio und MTV überlasteten, war MÖTLEY
CRÜE auf der Dr. Feelgood World Tour über 2 Jahre lang mit ihrem eigenen Privatjet unterwegs und in
der Luft. Die erste Single „Dr. Feelgood“ mit ihrem sofort einprägsamen Anfang, dem eingängigen Refrain
und dem düsteren Musikvideo gab den Ton an und erreichte die Top 10 der US Hot 100 Single-Charts.
„Kickstart My Heart“ war bei seiner Veröffentlichung ursprünglich ein Top-30-Hit und entwickelte sich zu
MÖTLEY CRÜEs beliebtestem Meilenstein. Von der Kreissägen-Einleitung über den Cheating-Death-Text
bis hin zum Musikvideo, das bei einer seltenen Rückkehr zu einer Clubshow im weltberühmten Whisky-ago-go in Hollywood gedreht wurde, hat es mittlerweile weit über 1,5 Milliarden Streams verzeichnet und ist
fast täglich in Filmen, Werbespots, Videospielen und Sportveranstaltungen auf der ganzen Welt zu hören!

35. Jubiläumsfeier von MÖTLEY CRÜEs Nr. 1 in den Billboard Top 200 und 6-fach Platin-Album. Enthält
die Hit-Singles „Kickstart My Heart“, „Dr. Feelgood“, „Don’t Go Away Mad (Just Go Away)“, „Without
You“ und „Same Ol’ Situation (S.O.S.). CD und schwarze Vinyl-LP mit limitierter Auflage, neu gestaltetem
Cover und neu gemastertem Audio.

Mit fünf riesigen Hit-Singles, die die Wunsch-Hotlines von Radio und MTV überlasteten, war MÖTLEY
CRÜE auf der Dr. Feelgood World Tour über 2 Jahre lang mit ihrem eigenen Privatjet unterwegs und in
der Luft. Die erste Single „Dr. Feelgood“ mit ihrem sofort einprägsamen Anfang, dem eingängigen Refrain
und dem düsteren Musikvideo gab den Ton an und erreichte die Top 10 der US Hot 100 Single-Charts.
„Kickstart My Heart“ war bei seiner Veröffentlichung ursprünglich ein Top-30-Hit und entwickelte sich zu
MÖTLEY CRÜEs beliebtestem Meilenstein. Von der Kreissägen-Einleitung über den Cheating-Death-Text
bis hin zum Musikvideo, das bei einer seltenen Rückkehr zu einer Clubshow im weltberühmten Whisky-ago-go in Hollywood gedreht wurde, hat es mittlerweile weit über 1,5 Milliarden Streams verzeichnet und ist
fast täglich in Filmen, Werbespots, Videospielen und Sportveranstaltungen auf der ganzen Welt zu hören!

Die neuseeländische Künstlerin und Produzentin Fazerdaze (Amelia Murray) erforscht auf ihrem zweiten Album 'Soft Power' die Komplexität des Frauseins.

In den 11 Tracks, die sie selbst als 'Schlafzimmer-Stadion' bezeichnet, verschmilzt Amelia verträumte Synthies und elektronische Beats mit Rockband-Elementen und schafft so einen Sound, der die Balance zwischen düsterer Authentizität und raffinierter Pop-Brillanz hält. 'Soft Power' wurde von Amelia selbst aufgenommen und produziert und handelt von Themen wie Hingabe, starkem Selbstmitgefühl und reifer Selbsterkenntnis.

'Soft Power' folgt auf Fazerdaze's 2017er Debütalbum 'Morningside' und die 2022er 'Break!' EP.

- Ltd. Col. LP: (Silberfarbenes Vinyl)

Die neuseeländische Künstlerin und Produzentin Fazerdaze (Amelia Murray) erforscht auf ihrem zweiten Album 'Soft Power' die Komplexität des Frauseins.

In den 11 Tracks, die sie selbst als 'Schlafzimmer-Stadion' bezeichnet, verschmilzt Amelia verträumte Synthies und elektronische Beats mit Rockband-Elementen und schafft so einen Sound, der die Balance zwischen düsterer Authentizität und raffinierter Pop-Brillanz hält. 'Soft Power' wurde von Amelia selbst aufgenommen und produziert und handelt von Themen wie Hingabe, starkem Selbstmitgefühl und reifer Selbsterkenntnis.

'Soft Power' folgt auf Fazerdaze's 2017er Debütalbum 'Morningside' und die 2022er 'Break!' EP.

070 Shake kehrt am 15.11. mit ihrem neuen Alternative-Album „Petrichor“ zurück. Der Titel bezieht sich
auf den charakteristischen Duft des Sommerregens, den die 27-jährige Künstlerin mit ihrer Heimatstadt
New Jersey verbindet. Mit ihrer rauchigen Stimme und düsteren, persönlichen Texten hat sie sich als
einzigartige Künstlerin in der Musikszene etabiliert.
Die geborene Danielle Balbuena ist nicht nur Solo-Künstlerin, sondern auch Mitglied des Musikkollektivs 070, von dem sie ihren Künstlernamen übernommen hat. 2016 erlangte sie mit dem viralen Hit „Trust
Nobody“ erste Aufmerksamkeit und arbeitete seither mit namhaften Künstlern wie Kanye West und Lil
Yachty zusammen. Nach ihrem Debütalbum „Modus Vivendi“ im Jahr 2020, das auf zahlreichen BestOf-Listen landete, und dem darauffolgenden Album „You Can’t Kill Me“ von 2022, hebt sie sich nun mit
ihrem dritten Studioalbum “Petrichor” erneut auf ein neues musikalisches Level.

Interpol feiert den 20. Jahrestag der Veröffentlichung ihres Kultalbums "Antics", das ursprünglich am 27. September 2004 veröffentlicht wurde. Das zweite Studio-Album der US-Amerikaner festigte Interpols Position als eine der einflussreichsten Bands ihrer Generation. Interpol erlangte mit ihrer einzigartigen Mischung aus Post-Punk, Shoegaze und Dark-Wave-Einflüssen schnell große Bekanntheit. Die düsteren und atmosphärischen Klanglandschaften in "Antics" vereint mit Frontmann Paul Banks unverkennbarer Stimme, brachten darunter Single-Klassiker "Slow Hands", "Evil" und "C"mere" hervor. Zur Feier des 20. Jubiläums von "Antics" veröffentlichen Interpol gemeinsam mit Matador Records eine erweiterte digitale Neuauflage. Diese enthält eine neue B-Seite "Direction" und eine bisher unveröffentlichte komplette Live-Aufnahme des legendären Auftritts der Band 2005 im Palacio de los Deportes in Mexiko-City. In diesem Herbst wird die Band auf Tournee durch die USA, Großbritannien, Irland und der EU gehen. In Deutschland wird man sie an den folgenden Terminen sehen können.

The Twilight Sad feiern das 15-jährige Jubiläum ihres zweiten Studioalbums 'Forget The Night Ahead' mit einer sehnsüchtig erwarteten Vinyl-Wiederveröffentlichung, die eine neue Variante des Originalartworks enthält.

'Forget The Night Ahead' ist ein noch düstereres Werk als sein gefeierter Vorgänger 'Fourteen Autumns and Fifteen Winters', wobei James Grahams unheimliches Talent für beunruhigende Lyrics, die er mit seiner ureigenen kaledonischen Stimme vorträgt, weiterhin gut zur Geltung kommt.

Produziert von Gitarrist Andy MacFarlane und aufgenommen und abgemischt von Paul Savage in den Chem19 Studios in Schottland, enthält das Album die Singles 'I Became a Prostitute', 'Seven Years of Letters' und 'The Room'.

- Ltd. 2LP: (Schwarzes Vinyl)

Geboren aus dem elementaren Urgrund der Wurzeln des Heavy Metals, von den vom Krieg gezeichneten Industrielandschaften Birminghams bis zu den heruntergekommenen Bars und Kellern Brooklyns, erscheinen Neon Nightmare wie ein Geist in der Nacht, um die Tradition fortzuführen. Beunruhigende Musik für beunruhigte Menschen. Und obwohl es nichts Neues unter der Sonne gibt, gibt es in den Schatten vielleicht doch eine Chance - es sind eben diese Schatten, aus denen "Faded Dream" aus schimmerndem Stahl geformt wurde.

Der Titel sagt alles: "Faded Dream", das Debütalbum von Neon Nightmare, ist eine Synthese aus emotionalen Höhen und Tiefen und einer düsteren, grüblerischen Atmosphäre, die die Sehnsucht nach Vergangenheit weckt, die einst von jugendlichem Drang und Neugier geprägt war. Mit einem Fundament aus großen Riffs, einer erdrückenden Studioproduktion, die in Fantasie und psychedelische Ornamente getaucht ist, und einem dramatischen Sänger, der in der Lage ist, nahtlos zwischen gespenstischen Gothic-Bariton und klassischem Heavy Metal zu wechseln, ist "Faded Dream" ein Mix, in dem sich Doom, Psych, Shoegaze und Alternative Metal auf eine Weise kreuzen, wie man es seit Jahren nicht mehr gehört hat.

"Faded Dream" hat einen unverkennbar satirischen Zug, denn Neon Nightmare vermeiden geschickt die offenkundige Traurigkeit und das selbsternannte ‚Metalband mit Gothic-Tendenzen'-Milieu. Bei aller echten Vorahnung und Konfrontation mit echter Depression verliert sich "Faded Dream" nie im Sumpf oder gibt seine Vorliebe für spannungsgeladene Vergnügungen und heitere Faszination auf. Die heraufbeschworenen Klänge haben im Laufe der Jahrzehnte der Heavy-Metal-Geschichte viele bedeutsame Formen angenommen, und Neon Nightmare sind hier, um diesen Zyklus fortzusetzen.

Geboren aus dem elementaren Urgrund der Wurzeln des Heavy Metals, von den vom Krieg gezeichneten Industrielandschaften Birminghams bis zu den heruntergekommenen Bars und Kellern Brooklyns, erscheinen Neon Nightmare wie ein Geist in der Nacht, um die Tradition fortzuführen. Beunruhigende Musik für beunruhigte Menschen. Und obwohl es nichts Neues unter der Sonne gibt, gibt es in den Schatten vielleicht doch eine Chance - es sind eben diese Schatten, aus denen "Faded Dream" aus schimmerndem Stahl geformt wurde.

Der Titel sagt alles: "Faded Dream", das Debütalbum von Neon Nightmare, ist eine Synthese aus emotionalen Höhen und Tiefen und einer düsteren, grüblerischen Atmosphäre, die die Sehnsucht nach Vergangenheit weckt, die einst von jugendlichem Drang und Neugier geprägt war. Mit einem Fundament aus großen Riffs, einer erdrückenden Studioproduktion, die in Fantasie und psychedelische Ornamente getaucht ist, und einem dramatischen Sänger, der in der Lage ist, nahtlos zwischen gespenstischen Gothic-Bariton und klassischem Heavy Metal zu wechseln, ist "Faded Dream" ein Mix, in dem sich Doom, Psych, Shoegaze und Alternative Metal auf eine Weise kreuzen, wie man es seit Jahren nicht mehr gehört hat.

"Faded Dream" hat einen unverkennbar satirischen Zug, denn Neon Nightmare vermeiden geschickt die offenkundige Traurigkeit und das selbsternannte ‚Metalband mit Gothic-Tendenzen'-Milieu. Bei aller echten Vorahnung und Konfrontation mit echter Depression verliert sich "Faded Dream" nie im Sumpf oder gibt seine Vorliebe für spannungsgeladene Vergnügungen und heitere Faszination auf. Die heraufbeschworenen Klänge haben im Laufe der Jahrzehnte der Heavy-Metal-Geschichte viele bedeutsame Formen angenommen, und Neon Nightmare sind hier, um diesen Zyklus fortzusetzen.

Matthew Herbert setzt seine Soundtrack-Produktionsreihe mit der Musik für den britischen Horrorfilm "Starve Acre" des Regisseurs Daniel Kokotajlo mit Matt Smith und Morfydd Clark in den Hauptrollen fort, der im September 2024 erscheinen soll - eine düstere Untersuchung von Trauer, Glauben und Übernatürlichem, die stark auf Folklore und Mythologie zurückgreift. Der OST folgt auf Arbeiten für Independentfilme wie "The Wonder", "The Cave" oder den Oscar-nominierten "A Fantastic Woman" und ist eine minimalistische Übung in Spannung und Zerbrechlichkeit, die geduldige Instrumentierungsfäden mit atmosphärischem Sounddesign verbindet – romantische Wogen der Orchestrierung gegen drohenden Druck im unteren Frequenzbereich und körperlose, unnatürliche Stimmen, die die bösartigen Kräfte darstellen, die im gesamten Film angedeutet werden. Er enthält zusätzlich zwei Versionen von "Let Me In", einer Interpretation des englischen Volksliedes "It Hails, It Rains, It Snows, It Blows" aus dem frühen 20. Jahrhundert, gesungen von Matt Smith und gespielt vom Folk-Elektronica-Duo Crewdson & Cevanne (Hugh Jones & Cevanne Horrocks-Hopayian) - ein bezauberndes Finale für die allgegenwärtige Düsterkeit der weiteren Partitur.

Julie Kuhl, geboren 2005 in Châtillon-sur-Seine in Frankreich, ist eine junge Singer-Songwriterin aus Frankfurt a.M, die in den vergangenen zwei Jahren von sich hören gemacht hat. Bereits als kleines Kind fing Julie an, in Chören zu singen, Instrumente zu lernen (Gitarre, Klavier, Bratsche) und erste Songs selbst zu schreiben. Im Alter von 15 Jahren folgt dann ihre erste Single und kurz darauf ihr Debütalbum „flowers & candles“. 2022 – mit 17 Jahren – erschien Julies zweites Album „Born With Nostalgic Bones“ auf dem Frankfurter Jazz-Label „Jazz Montez Records“.

Chris Douridas, Musikdirektor des kalifornischen Radiosenders KCRW zählt bereits zu ihren Fans. Nach unzähligen Auftritten in Frankfurt, teils auf großen Bühnen (wie auf der EM Eröffnungszeremonie in Frankfurt oder dem Holidays Festival), teils klein folgt nun eine Zusammenarbeit mit dem Kölner Musiker Gianni Brezzo (Marvin Horsch), der mit ihr gemeinsam 5 Songs im Stile von Genevieve Stokes, Arlo Parks & Clairo produziert hat.
Die IndiePop-Hymne DAMAGE drückt den Schmerz der Jugend und ihre düsteren Herausforderungen mit ihrer eigenen Perspektive aus & die kraftvolle Piano-Produktion lässt Julies klassisch ausgebildeten Gesang einfließen.
Julie: "Es geht um Jemanden, mit dem man Abschließen will und um dem Konflikt mit sich selbst, da man immer noch ganz viel Liebe für die Person hat, aber zeitgleich weiß, dass sie einem nicht gut tut. Ein präsentes Thema ist auch die Verzweiflung darüber, dass die Person keine Einsicht zeigt und sich ihrer Taten gar nicht bewusst ist.“

Die EP CLOUDS OF GRIEF erscheint 01.11.2024 auf dem „Jakarta Records“ Sublabel „ASMARA RECORDS“ (Woman & XulZolar). In Japan erscheint die EP auf P-Vine Records. Brain Marrow übernimmt die PR (inkl. Radio) in UK & Achim Launert bemustert die Radiosender im deutschsprachigen Raum. Begleitet wird das Release von einer Digitalen Marketingkampagne (Konversion) auf Instagram.

Die neuseeländische Musikerin und Produzentin Princess Chelsea präsentiert ihr kommendes "nervous breakdown album" "Everything Is Going To Be Alright", das im pastoralen Aotearoa Neuseeland aufgenommen wurde und eine Art Trostspender ist. Es sind keine traurigen Lieder, sondern die beiden Eröffnungs- und Schlusstracks erzählen von Chelseas Genesung und sind als kathartischer Hörgenuss für alle gedacht, die es brauchen könnten. "If you feel you want to die / trust me darling / it just takes time", singt sie in "Time". In der Zwischenzeit zeigen Chelseas sorgfältig geschichtete Gesangsmelodien über Mellotron-Flöten und Harfe, verwoben mit Live-Cello und Violine, ihre Fähigkeiten als Arrangeurin und Produzentin. Princess Chelseas cineastischer, verträumter Pop hat sich in elf Jahren, fünf Alben, einer EP und elf Singles weiterentwickelt. Ihre Vortragsweise und ihr Songwriting zeichnen sich dadurch aus, dass sie eine fast naive Ernsthaftigkeit mit zynischem, augenzwinkerndem Witz und akustischen Funken überlagert. Ihr Grunge-Girlgroup-Song "I Love My Boyfriend" aus dem Jahr 2018 und ihr von Nancy & Lee inspiriertes "Cigarette Duet" aus dem Jahr 2011 haben ihren Bekanntheitsgrad durch den Einfluss einer neuen TikTok-Generation in das öffentliche Bewusstsein gerückt. Für dieses Album wurden Chelseas Instrumentalarrangements von ihrer Live-Band inspiriert, die die Schlafzimmerdemoaufnahmen mit einem überraschenden Sound interpretiert hat. Es klingt anders, als man vielleicht erwarten würde. "The Forest" wurde live in einem Take mit Chelsea und der gesamten Band im beliebten neuseeländischen "The Lab" aufgenommen und zeigt dynamische Gitarrenwände und eine leidenschaftliche Gesangsperformance. Es ist eine markante Abweichung von ihrem bisherigen Schaffen und stellt eine weitere Einführung in das dar, was sie seit der Veröffentlichung der verträumten und doch düsteren Single "Everything is Going To Be Alright" im Februar als ihr "Gitarrenalbum" bezeichnet hat. Chelseas Fähigkeiten als Arrangeurin und Produzentin kommen auf dem Album voll zur Geltung, aber oft in Form von komplizierten Gitarrenarrangements, die an The Cars und die Breeders ("Forever is a Charm") und an klassische neuseeländische Flying Nun-Bands der 80er und 90er Jahre ("Love is More") erinnern. Obwohl das Album eine deutliche musikalische Entwicklung darstellt, sind ihre Markenzeichen immer noch da - klassische 80er Jahre Synths (Yamaha DX7, Roland D-50), vielschichtige Melodien, orchestrale Instrumente, verträumter Gesang, verdrehter Pop, der oft Vergleiche mit Julee Cruise oder Enya gezogen hat.

Als Gaerea aus dem pandemischen Limbo auftauchten, brachte die maskierte Band eine Vision von Black Metal auf die Bühne, die sich nicht von Mythen oder heidnischem Glauben leiten ließ - sondern von einer Läuterung der Gefühle. Die Welt nahm diese Vision schnell an und folgte ihnen auf Festivals, u.a. Hellfest, bis hin zu gut besuchten Touren durch China und die USA.

Mit "Coma" sind Gaerea nicht mehr nur Black Metal. Obwohl ihr viertes Album wieder von ihrem Vertrauten Miguel Tereso produziert wurde, erweitert es ihren charakteristischen Sound, indem es ihn in zwei scheinbar entgegengesetzte Richtungen führt. Es gibt mehr Momente von intensiver Schönheit, aber sie verstärken nur die darauf folgende Brutalität.
"World Ablaze" läutet diese neue Ära von Gearea ein, indem es eine konventionellere Songstruktur über feurigem Tremolo-Picking aufbaut. "Hope Shatters" stellt selbst die höchsten Fan-Erwartungen auf den Kopf: nachdem der Song unter seiner rasenden Schwere zusammenbricht, hängt die Melodie gefährlich in der Luft, wie ein schwankender Kronleuchter, bevor sie von hämmernden Bässen und erschütternden Blastbeats zertrümmert wird.

"I've known faces within me", schreit der Sänger nach einem langsamen und düsteren Gitarrensolo, bevor "Unknown" in eine messerscharfe Hook einrastet. “I transform with every passing moment”.

Mit "Coma" setzen sich Gaerea endgültig an die Spitze des extremen Metal!

FFO: Orbit Culture, Zeal & Ardor, Bad Omens

Als Gaerea aus dem pandemischen Limbo auftauchten, brachte die maskierte Band eine Vision von Black Metal auf die Bühne, die sich nicht von Mythen oder heidnischem Glauben leiten ließ - sondern von einer Läuterung der Gefühle. Die Welt nahm diese Vision schnell an und folgte ihnen auf Festivals, u.a. Hellfest, bis hin zu gut besuchten Touren durch China und die USA.

Mit "Coma" sind Gaerea nicht mehr nur Black Metal. Obwohl ihr viertes Album wieder von ihrem Vertrauten Miguel Tereso produziert wurde, erweitert es ihren charakteristischen Sound, indem es ihn in zwei scheinbar entgegengesetzte Richtungen führt. Es gibt mehr Momente von intensiver Schönheit, aber sie verstärken nur die darauf folgende Brutalität.
"World Ablaze" läutet diese neue Ära von Gearea ein, indem es eine konventionellere Songstruktur über feurigem Tremolo-Picking aufbaut. "Hope Shatters" stellt selbst die höchsten Fan-Erwartungen auf den Kopf: nachdem der Song unter seiner rasenden Schwere zusammenbricht, hängt die Melodie gefährlich in der Luft, wie ein schwankender Kronleuchter, bevor sie von hämmernden Bässen und erschütternden Blastbeats zertrümmert wird.

"I've known faces within me", schreit der Sänger nach einem langsamen und düsteren Gitarrensolo, bevor "Unknown" in eine messerscharfe Hook einrastet. “I transform with every passing moment”.

Mit "Coma" setzen sich Gaerea endgültig an die Spitze des extremen Metal!

FFO: Orbit Culture, Zeal & Ardor, Bad Omens

Als Gaerea aus dem pandemischen Limbo auftauchten, brachte die maskierte Band eine Vision von Black Metal auf die Bühne, die sich nicht von Mythen oder heidnischem Glauben leiten ließ - sondern von einer Läuterung der Gefühle. Die Welt nahm diese Vision schnell an und folgte ihnen auf Festivals, u.a. Hellfest, bis hin zu gut besuchten Touren durch China und die USA.

Mit "Coma" sind Gaerea nicht mehr nur Black Metal. Obwohl ihr viertes Album wieder von ihrem Vertrauten Miguel Tereso produziert wurde, erweitert es ihren charakteristischen Sound, indem es ihn in zwei scheinbar entgegengesetzte Richtungen führt. Es gibt mehr Momente von intensiver Schönheit, aber sie verstärken nur die darauf folgende Brutalität.
"World Ablaze" läutet diese neue Ära von Gearea ein, indem es eine konventionellere Songstruktur über feurigem Tremolo-Picking aufbaut. "Hope Shatters" stellt selbst die höchsten Fan-Erwartungen auf den Kopf: nachdem der Song unter seiner rasenden Schwere zusammenbricht, hängt die Melodie gefährlich in der Luft, wie ein schwankender Kronleuchter, bevor sie von hämmernden Bässen und erschütternden Blastbeats zertrümmert wird.

"I've known faces within me", schreit der Sänger nach einem langsamen und düsteren Gitarrensolo, bevor "Unknown" in eine messerscharfe Hook einrastet. “I transform with every passing moment”.

Mit "Coma" setzen sich Gaerea endgültig an die Spitze des extremen Metal!

FFO: Orbit Culture, Zeal & Ardor, Bad Omens

Since first bonding over Slowdive at a Texas karaoke bar six years ago, musicians Uriel Avila and Jonathan Perez have grown trauma ray into Fort Worth's foremost flag bearer of crushing shoegaze. A five-piece rounded out by bassist Darren Baun, drummer Nicholas Bobotas, and guitarist Coleman Pruitt, the band's debut album, Chameleon, captures their evolving sound at an apex of majestic devastation. A fusion of downer hooks, gauzy melancholia, and bulldozer riffs, the album heaves and crashes across 50 minutes of stacked amplifier alchemy. Lyrically the songs trace similarly lofty and brooding terrain; Avila says "The theme is death. And a chameleon, like death, can shape-shift in and out our lives in different forms." Chameleon opens with "Ember," dreamy and distant, alternately anthemic and apocalyptic, defeated and deafening. Lead single "Bishop" perfectly encapsulates trauma ray's depth and dimension, ripping out of the gate with "the biggest, baddest, saddest wall of sound." Lyrics about being burnt at the stake and "tossed in the flame" float above a stop-start assault of precision distortion, eventually expanding into a lush, heavy, sorrowful end coda. "Spectre" is a mysterious, introspective dirge, envisioned as a "mellow, slowcore, Duster-thing," all feeling and heavy fuzz chords (with no lead guitar). Avila wrote it, "to be a hymnal" from the perspective of someone who won't let go - a ghost, an ex, a shadow self. Although the album is rich with subtleties, graceful lulls, and "breaths of air," the band's three guitar attack is its defining force, a power flexed to its peak on "Bardo." Perez's intentions were blunt: "I wanted to write a riff that was hard as fuck." The result is alternately mean and eerie, veering between noisy one string bends and surging headbang, mapping a middle ground between Unwound and early-Deftones. One of trauma ray's greatest gifts is their ability to make doomy, sledgehammer heaviness sound like an earworm, without production tricks or gimmicks: "Riff, verse, chorus, three guitar parts - that's all you need." This quality is particularly apparent on the title track, a churning slab of amplifier worship, swirling chords, and heavenly, defeated vocals about not belonging, shape-shifting, and death ("A twisted face / Void of attention / An empty space / In your reflection"). "U.S.D.D.O.S" closes the album, swaying across seven minutes of grey skied guitar and haunted voice, subtly thickening as it deepens. Feedback and shrapnel gradually begin raining down, like a satellite disintegrating in the atmosphere. Titled as an acronym after a poem by Chilean writer Roberto Bolaño that loosely translates to "a dream within a dream," the melody softens, smears, and then disappears, slowly swallowed by the gravity of eternal descent. Chameleon is a masterpiece of craft, balance, melody, lyricism, and gravity, flexing a fresh vision of loud-quiet-loud architectures and the vertigo depths of blasted harmonics. From Slowdive to Nothing, to Hum and beyond, the band absorb and expand on their influences into a rare and dedicated alchemy. trauma ray's cinematic tempest is a gathering storm only just taking flight.

Since first bonding over Slowdive at a Texas karaoke bar six years ago, musicians Uriel Avila and Jonathan Perez have grown trauma ray into Fort Worth's foremost flag bearer of crushing shoegaze. A five-piece rounded out by bassist Darren Baun, drummer Nicholas Bobotas, and guitarist Coleman Pruitt, the band's debut album, Chameleon, captures their evolving sound at an apex of majestic devastation. A fusion of downer hooks, gauzy melancholia, and bulldozer riffs, the album heaves and crashes across 50 minutes of stacked amplifier alchemy. Lyrically the songs trace similarly lofty and brooding terrain; Avila says "The theme is death. And a chameleon, like death, can shape-shift in and out our lives in different forms." Chameleon opens with "Ember," dreamy and distant, alternately anthemic and apocalyptic, defeated and deafening. Lead single "Bishop" perfectly encapsulates trauma ray's depth and dimension, ripping out of the gate with "the biggest, baddest, saddest wall of sound." Lyrics about being burnt at the stake and "tossed in the flame" float above a stop-start assault of precision distortion, eventually expanding into a lush, heavy, sorrowful end coda. "Spectre" is a mysterious, introspective dirge, envisioned as a "mellow, slowcore, Duster-thing," all feeling and heavy fuzz chords (with no lead guitar). Avila wrote it, "to be a hymnal" from the perspective of someone who won't let go - a ghost, an ex, a shadow self. Although the album is rich with subtleties, graceful lulls, and "breaths of air," the band's three guitar attack is its defining force, a power flexed to its peak on "Bardo." Perez's intentions were blunt: "I wanted to write a riff that was hard as fuck." The result is alternately mean and eerie, veering between noisy one string bends and surging headbang, mapping a middle ground between Unwound and early-Deftones. One of trauma ray's greatest gifts is their ability to make doomy, sledgehammer heaviness sound like an earworm, without production tricks or gimmicks: "Riff, verse, chorus, three guitar parts - that's all you need." This quality is particularly apparent on the title track, a churning slab of amplifier worship, swirling chords, and heavenly, defeated vocals about not belonging, shape-shifting, and death ("A twisted face / Void of attention / An empty space / In your reflection"). "U.S.D.D.O.S" closes the album, swaying across seven minutes of grey skied guitar and haunted voice, subtly thickening as it deepens. Feedback and shrapnel gradually begin raining down, like a satellite disintegrating in the atmosphere. Titled as an acronym after a poem by Chilean writer Roberto Bolaño that loosely translates to "a dream within a dream," the melody softens, smears, and then disappears, slowly swallowed by the gravity of eternal descent. Chameleon is a masterpiece of craft, balance, melody, lyricism, and gravity, flexing a fresh vision of loud-quiet-loud architectures and the vertigo depths of blasted harmonics. From Slowdive to Nothing, to Hum and beyond, the band absorb and expand on their influences into a rare and dedicated alchemy. trauma ray's cinematic tempest is a gathering storm only just taking flight.

Dimmu Borgir, die Meister des symphonischen Black Metal, sind stolz darauf, die Wiederveröffentlichung ihres bahnbrechenden Albums Abrahadabra auf einer spektakulären grünen Gatefold-Doppel-LP anzukündigen. Ursprünglich am 8. Oktober 2010 veröffentlicht, ist Abrahadabra ein monumentales Werk, das das Genre neu definiert und dunkle orchestrale Elemente mit der wilden Intensität der Band verbindet.

Diese exklusive Doppel-LP-Wiederveröffentlichung bietet eine neu gemasterte Version des Albums, die es in seiner vollen Pracht mit verbesserter Tiefe und Klarheit präsentiert. Abrahadabra ist bekannt für seine epischen, cineastischen Kompositionen, und diese Vinyl-Wiederveröffentlichung fängt jedes noch so kleine Detail ein, so dass der Hörer voll und ganz in die majestätischen und düsteren Klangwelten des Albums eintauchen kann.

Erleben Sie die donnernde Kraft von Tracks wie "Gateways" und "Dimmu Borgir" wie nie zuvor, mit der Wärme und dem Reichtum, den nur Vinyl bieten kann. Diese Wiederveröffentlichung ist mehr als nur ein Sammlerstück - es ist eine Reise zurück in die schattigen Gefilde, wo Metal und Orchester in perfekter, dunkler Harmonie aufeinandertreffen

Pøltergeist haben bei Bad Omen Records (Watch Hazel, Satan's Satyrs) unterschrieben, und die Kanadier veröffentlichen ihr Debütalbum. Pøltergeist wird als eine Mischung aus Post-Punk, traditionellem Metal und Shoegaze aus den frostigen Ebenen beschrieben und spielt treibenden Coldwave, der einen Weg von den Katakomben in den Kosmos zeichnet. Die vielleicht prägenste Destillation des Pøltergeist-Stils kommt mit der Vorab-Single 'Children Of The Dark', einem eingängigen, stürmischen Rocksong, der auch thematisch auf einer doppelten Ebene funktioniert. Sänger Kalen Baker hegt seit langem eine Vorliebe für die mystischen Metal-Klänge von Angel Witch, Cauldron oder Blue Öyster Cult und war sowohl von der zeitgenössischen Post-Punk-Band Spectres als auch von der britischen Melancholie von 'Script From The Bridge' der Chameleons berührt. Ganz zu schweigen von Gothic- und Post-Punk-Legenden wie Sisters Of Mercy, The Sound und Paradigmen des Himmlischen wie Cocteau Twins, Slowdive und My Bloody Valentine. Gestärkt durch den lyrischen Einfluss spiritueller Vorläufer wie Moorcock, Lovecraft, Poe und David Lynch von Twin Peaks wurde der Sound von Pøltergeist geboren; ein düsteres, aber magisches Reich, in dem dämmrige Intensität in einem psychischen Kampf mit metallischer Stärke verbunden wird. 'Nachtmusik' bleibt Bakers Vision eines "Kaleidoskops aus Emotionen, Klängen und Ideen" treu. Dies ist eine Platte, die sich im Herzen nach dem spirituellen Reich der 1980er Jahre sehnt, aber mit den Füßen fest im Hier und Jetzt des 21. Jahrhunderts steht. Während sich am Himmel Gewitterwolken zusammenbrauen, beginnt Pøltergeists Reise in die Dunkelheit gerade erst.

Deaf Forever
8/10
"'Nachtmusik' alles mit, was eine gute Postpunk-Platte braucht: eingängige, gekonnt komponierte Songs, schwermütige Atmosphäre, guten Gesang mit klassisch monoton-melodischer Stimme und einen Spritzer Shoegaze"

Metal Hammer
5.5 / 7
"NACHTMUSIK fa?ngt die Sehn- sucht und dunkle A?sthetik des Achtziger Jahre-Deathrock fu?r die Gegenwart ein - ohne zu kopieren. Ganz ohne Zwang, dafu?r mit jeder Menge emotionalem Tiefgang und einem gewissen Gruselfaktor. Ein starker Auftakt und definitiv ein of- fenes Ohr wert - nicht nur an regne- rischen, euphorieberaubten Herbsttagen".

Rock Hard
8/10
"Wer auf Unto Others, In Solitude, Lunar Shadow oder Tribulation steht, wird mit ziemlicher Sicherheit auch Gefallen an der Musik von PØLTERGEIST finden, die für ihr Debütalbum "Nachtmusik" Elemente aus Gothic Rock, Heavy Metal, Post-Punk und Hardrock in einen Hexenkessel schmeißen, einmal kräftig durchrühren und die Suppe mit einer kräftigen Geisterbahn-Lyric-Würzmischung (in Anlehnung an weltbekannte Horror-Autoren wie Edgar Allan Poe und H.P. Lovecraft) abschmecken".

Orkus
"Dieses Debütalbum wartet auf mit charmanter Dunkelheit, gehüllt in einen intensiven Sound, der über Post-Punk-, Metal- und Death-Rock-Ein-Aüsse hinausgeht. Stimmungsvolle Vocals, starke Atmosphären und eingängige Dynamiken tragen Arrangements, in die man nur zu gerne versinkt".

Es ist das Jahr 1998: Alexander Veljanov, der bereits mit seiner Band Deine Lakaien große Erfolge feiern
konnte und unter Fans der düster-melancholischen Sounds Kultstatus erlangte, wagt sich an seine erste
Solo-Platte.
„Secrets Of The Silver Tongue“, charakterisiert durch einen neuen, unverwechselbaren Sound zeigt dabei
neue Facetten des Sängers auf. Seine Ausstrahlung und poetischer Charme, geprägt durch Texte über
Liebe, Hingabe und Vergänglichkeit, bleiben auch auf Solopfaden erhalten, der musikalische Ausdruck ist
neu. Ruhigere Soundlandschaften schaffen eine Klangwelt, über die sich seine voluminös-umfangreiche
Stimme frei zu entfalten, entgegenzusetzen und zu unterwerfen weiß.
„I feel it coming“, singt Veljanov in der zweiten Single des Albums „The Past And Forever“ – und nach 25
Jahren, passend zum Jubiläum, ist es nun endlich so weit: Das Vinyl-Album ist ab sofort in streng limitierter Auflage, inklusive handsigniertem Beileger auf einer cool grey, semitransparenten Vinyl vorbestellbar.
Zusätzlich ist das Innersleeve mit den Album-Lyrics und persönlichen, vom Künstler verfassten, Liner Notes
bedruckt.

AMPUTATE präsentieren auf ihrem neuen Album "Abysmal Ascent" rohen und ehrlichen Death Metal ohne Schnickschnack.
Diese Veröffentlichung ist fast schon ein Statement für die Kunst selbst.
AMPUTATE sind mit diesem Album den konträren Weg zu vielen anderen Bands gegangen. Ihr vorheriges Konzeptalbum beschäftigte sich mit dem Thema künstliche Intelligenz, aber dieses Mal sind die Songs alle individuell und behandeln verschiedene, meist düstere Themen.

Aus den Tiefen von Post Punk, Cold Wave und Dancefloor meldet sich Levin Goes Lightly mit neuem Album zurück: Numb ist der Titel des mittlerweile fünften Longplayerst. In den für ihn so charakteristischen schrägen Bildern erzählt Levin Goes Lightly von toxischen Beziehungen, dunklen Lebensabschnitten und der großen Liebe. Der melodische Gesang wechselt zwischen Deutsch und Englisch, das musikalische Grundgerüst sind treibende, elektronische Beats, kühle Synthesizer, und gleichzeitig warme Orgeltöne und wavige Gitarrenparts. Im Song "Headbanging" fragt er "Is it beautiful when it"s sad? / Ist es so schön, weil es so traurig ist?" - und liefert doch selbst den Beweis, dass bittersüße Traurigkeit schön und trotzdem sehr tanzbar sein kann. Die Songs handeln von tief im Meer lebenden Liebenden (oder Seeungeheuern?), die gemeinsam nur zum Licht streben oder die so lange in die Sonne blicken, bis sich ihnen ein gemeinsamer Fleck ins Auge einbrennt - "damit man sich an diesem Fleck für immer erkennt". Darüber, dass man einsehen muss, dass man selbst das Chaos ist, auch wenn man noch so sehr dagegen ankämpft und über Hände, die nur dann nicht taub sind, wenn sie den andern berühren. Engel, die doch nur schrecklich sind und sich auflösen im Rausch. Levin Goes Lightlys Musik ist sophisticated und treibend, seine Auftritte immer schweißtriefend und glamourös. Bei einigen Songs denkt man an die frühen New Order, Boy Harsher oder Grauzone und an die Wärme von Beach House. Das Songwriting ist wie bei den vorherigen Alben geprägt von musikalischer Vielseitigkeit und tiefgründigen, aber auch merkwürdigen Texten. Mit seinen melancholischen Melodien, oft begleitet von kraftvollen Beats, gelingt es ihm tiefe Emotionen einzuweben. Über fünf Alben hat er seinen Sound weiterentwickelt: Vom Lo-Fi zu Postpunk, von Englisch zu Deutsch und wieder zurück. "Numb" ergänzt seinen musikalischen Kosmos um Stücke, die sich nun wieder eher beim düsteren Dance- und Electronic-Sound eines John Maus ansiedeln. Die von ihm entworfenen Klangwelten sind dabei immer treibend und hypnotisch - eine Art Cold Wave, bei dem einem warm ums Herz wird.

Der für seine soundtechnische Vielfalt bekannte Leipziger Rapper und Vocalist softboy ivo wird auf "Seele Aus" über 10 Tracks von Chillhop Legende Philanthrope aus Rotterdam produziert. Herausgekommen ist ein zeitgenössisches Projekt irgendwo zwischen einem Klangteppich der an Lord Folter's "Rouge" erinnert, aber mit Ivo's einzigartigen Neo-Soul Hooks bis hin zu düsteren Nummern auf Griselda Niveau ganz neue Nuancen setzt. Insgesamt auf 300 Stück limitierte 180gr. Vinyl. Features kommen von Wun Two, helmuth und Nuncc.

"Wer hätte gewollt, dass wir eine neue Extrem-Metal-Band gründen? Nun, vielleicht tatsächlich jemand, aber das ist diesmal nicht der Fall, denn wir haben etwas ganz anderes auf dem Teller..." Die nachdenkliche Stimme gehört dem außergewöhnlichen Gitarristen Markus Vanhala (Insomnium, Omnium Gatherum). In der neuen düsteren Band CEMETERY SKYLINE wird Vanhala von Keyboarder Santeri Kallio (Amorphis), Schlagzeuger Vesa Ranta (Sentenced, The Abbey), Bassist Victor Brandt (Dimmu Borgir und viele mehr) und Sänger Mikael Stanne (Dark Tranquillity, The Halo Effect) verstärkt. "Mit CEMETERY SKYLINE begeben wir uns in bisher unbetretene musikalische Richtungen - in jene dunkleren Gassen, die uns am Herzen liegen, die wir aber bisher nicht wirklich durchwandert haben. Und wir sind kollektiv sehr begeistert!" Eines der Schlüsselwörter, Gothic, wurde bereits erwähnt. "Wir alle teilen eine tiefe Liebe für den Goth-Rock der 80er und 90er Jahre - egal, ob es sich um eher synthiegetriebene oder härtere, gitarrenlastige Sachen handelt. Du kennst das mit den besten Bands von The Sisters of Mercy bis Type O Negative", sagt Santeri Kallio, der sich das Songwriting mit Vanhala teilt. "Aber ist CEMETERY SKYLINE eine Gothic-Band? Vielleicht bis zu einem gewissen Grad, aber das ist sicherlich nicht die ganze Geschichte. Wenn ihr die vielfältige Musik von CEMETERY SKYLINE irgendwie beschreiben müsst, tut uns einen Gefallen und nennt uns Botschafter des melodischen, melancholischen und dunklen Rock. Danke." Der Inhalt der Texte ist tief in eine düstere Gothic-Atmosphäre eingebettet. Das von Stanne geschriebene Konzept - zum ersten Mal in seiner bemerkenswerten Karriere verwendet Mikael während des gesamten Albums Clean Vocals - taucht unwiderstehlich in die paradoxe Welt der "nördlichen Einsamkeit" ein. "Die Texte sind tief verwurzelt in der selbstgewählten Einsamkeit der nordischen Menschen, ihrem anti-sozialen Verhalten und ihrem düsteren Sinn für Humor... Beim Schreiben der Texte habe ich mir diese Besonderheit zu Nutze gemacht, die man als den skandinavischen Gothic-Lifestyle bezeichnen könnte", sagt Stanne. "Nordic Gothic" ist erhältlich als: Ltd. CD Digipak, als 180g LP sowie als digitales Album.

Die aus den eisigen Landschaften Norwegens stammenden 1349 haben dem Black Metal ihren Stempel aufgedrückt, indem sie ihre Instrumente wie Kriegsäxte in der Vorhut des unerbittlichen Angriffs des Genres schwangen. Mit einem Vermächtnis, das mit dem Blut der akustischen Extreme getränkt ist, sind sie zu den Vorreitern der unerbittlichen akustischen Kriegsführung geworden, unermüdlich in ihrem Streben nach den dunklen Künsten.

"The Wolf and The King" - der neueste Kataklysmus, den 1349 entfesseln. Eine stürmische Odyssee durch acht Tracks reinen, unverfälschten Black Metals, der die Fähigkeiten der Band in Sachen Chaos und Gemetzel makellos unter Beweis stellt. Vom unersättlichen Ansturm von The God Devourer bis zu den düsteren Tiefen von Fatalist ist jeder Track ein Portal in ein Reich, in dem Schatten regieren und die Luft dick ist vom Gestank des Verfalls. Ash of Ages vermischt Thrash-Einflüsse mit extremen Black-Metal-Elementen zu einer Reise durch das Herz der Finsternis, während Shadow Point und Inferior Pathways ein eisernes Rückgrat aus klassischen Headbanger-Riffs und unerbittlichem Groove formen. Mit The Wolf and The King erweitern 1349 die Grenzen des Genres, indem sie ihre unerbittlichen Blastbeats und sengenden Gitarren mit einer Atmosphäre apokalyptischer Eleganz versehen.

FFO: Marduk, Gorgoroth, Mayhem, Immortal

Die aus den eisigen Landschaften Norwegens stammenden 1349 haben dem Black Metal ihren Stempel aufgedrückt, indem sie ihre Instrumente wie Kriegsäxte in der Vorhut des unerbittlichen Angriffs des Genres schwangen. Mit einem Vermächtnis, das mit dem Blut der akustischen Extreme getränkt ist, sind sie zu den Vorreitern der unerbittlichen akustischen Kriegsführung geworden, unermüdlich in ihrem Streben nach den dunklen Künsten.

"The Wolf and The King" - der neueste Kataklysmus, den 1349 entfesseln. Eine stürmische Odyssee durch acht Tracks reinen, unverfälschten Black Metals, der die Fähigkeiten der Band in Sachen Chaos und Gemetzel makellos unter Beweis stellt. Vom unersättlichen Ansturm von The God Devourer bis zu den düsteren Tiefen von Fatalist ist jeder Track ein Portal in ein Reich, in dem Schatten regieren und die Luft dick ist vom Gestank des Verfalls. Ash of Ages vermischt Thrash-Einflüsse mit extremen Black-Metal-Elementen zu einer Reise durch das Herz der Finsternis, während Shadow Point und Inferior Pathways ein eisernes Rückgrat aus klassischen Headbanger-Riffs und unerbittlichem Groove formen. Mit The Wolf and The King erweitern 1349 die Grenzen des Genres, indem sie ihre unerbittlichen Blastbeats und sengenden Gitarren mit einer Atmosphäre apokalyptischer Eleganz versehen.

FFO: Marduk, Gorgoroth, Mayhem, Immortal

Seitdem sie sich 1992 ihren Weg aus der düsteren Unterwelt Tokios gebahnt haben, haben DEFILED mit ihrer knochenbrechenden Aggression und komplexen Kunstfertigkeit eine blutige Schneise in die globale Death Metal-Szene geschlagen. Sie haben ihr Vermächtnis als Vertreter der Grausamkeit zementiert und ihre unerbittlichen Angriffe sind so unerbittlich wie immer geblieben.
Willkommen in den Abgründen von Horror Beyond Horror, DEFILEDs katastrophalem neuesten Werk, das mit der Bosheit veredelt ist, die nur erfahrene Dämonen des Todes beschwören können. Jeder Track ist eine weitere groteske Erkundung der Tiefen menschlicher Verderbtheit, und das Album verschmilzt auf bösartige Weise die Grausamkeit des Death Metal alter Schule mit Strängen von technischem Thrash und progressiver Psychose.
Schalt DEFILEDs Horror Beyond Horror ein und lass dich vom Wahnsinn befreien - das einzige, was brutaler ist als die Realität, ist dieses Album.

FFO: Cryptopsy, Hate Eternal, Dying Fetus

Kreaturen der Nacht sehnen sich in die 80er Jahre des letzten Jahrhunderts zurück. Post-Punk und New Wave stiegen zu glorreichen Höhen auf und diese epische Erforschung dunkler Klangwelten auf der Basis von harten Gitarren und treibender Elektronik fand auf allen alternativen Tanzflächen statt. Klangvolle Namen wie SISTERS OF MERCY, FIELDS OF THE NEPHILIM, DEPECHE MODE, JOY DIVISION, THE HUMAN LEAGUE, ULTRAVOX und viele andere funkeln noch immer in einem magischen Glanz. Zum Glück sind all die subtile Erotik, elektrisierende Spannung und die düstere musikalische Leidenschaft nicht für alle Zeiten verloren gegangen: Die Rettung naht mit SOROR DOLOROSA auf schwarzen Schwingen. Das vierte Album der Franzosen mit dem vielsagenden Titel "Mond" hat musikalische Reißzähne, die schon beim ersten Durchgang köstliches Klangblut sprudeln lassen. Der klassisch-dunkle Post-Punk findet sich ebenso wieder wie Wave-Elemente und ein überwältigender Drang, die Füße in ekstatischen Tänzen unter dem namensgebenden Mond bewegen zu müssen. Doch SOROR DOLOROSA gehen dabei keineswegs mit abgestandenem Nostalgie-Schlangenöl hausieren. Die nach Paris umgezogenen Veteranen haben das klassische Feeling mit dem massiven Sound des neuen Jahrtausends für einen neuen Höhenflug aufgerüstet. Die Idee, den Mix und das Mastering von "Mond" James Kent anzuvertrauen, erweist sich als hervorragender Schachzug. Der PERTURBATOR-Vordenker hat die üppige Produktion dieses epischen Albums mit einer vibrierenden Power und wohltuenden ätherischen Kühle aufpoliert. Textlich bleiben SOROR DOLOROSA dem seit ihrer Gründung im Jahr 2001 in der südfranzösischen Stadt Toulouse eingeschlagenen Weg treu. Die erstmals mit der "Severance" (2009) Debüt-EP manifestierten dunkel-romantischen und kathartischen Gefühlslandschaften lassen noch immer das Herz der Band schlagen. Die Inspiration für "Mond" stammt unter anderen aus den Federn von Dichtern und Schriftstellern wie William Blake und Edgar Alan Poe.

Der Assistent scheint am Ende. In der dubiosen Klinik unter Palmen kommt er umnebelt zu sich. Diagnose: Amnesie am Amazonas! Eine Kakteensaft-Kur soll helfen bei der Spurensuche im Sumpf der Erinnerung. Am Ende bleibt nur die Erkenntnis: "Nichts holt mich ab, so wie die Melancholie."
Wie bei seinem Debut wird der Assistent auch beim zweiten Teil seiner Odyssee von den Klängen der späten siebziger und frühen achtziger Jahre begleitet. Ein Sound wie auf einem Mixtape, das zu lange in der südamerikanischen Sonne auf der Heckablage eines verbeulten Citroën Visa lag. Sein Sofrito aus Library-Muzak, Dub-Rhytmen, japanischem Reggae und Yachtrock, gewürzt mit Latin und Bossanova, serviert er auf zartem Weißbrot-Soul. Die Texte sind bisweilen absurd, stets sehnsuchtsvoll und mindestens doppeldeutig. Hier und da wurde ein Easter Egg versteckt: Jörg Fauser, Raymond Chandler und Agatha Christie lassen grüßen. In bekannter Marlowe-Manier driftet der Erzähler verstrahlt durch die (Alp-)Traumwelten seiner acht Lieder. Ist es Tom Hessler selbst, der dort im Zerrspiegel der Cocktailbar erscheint, oder sein Alter Ego? Der Assistent kehrt zurück als relaxed-verzweifelter Fitzcarraldo, der versucht einen Urlaubsdampfer voller Grooves aus der Spree über einen Zauberberg im Regenwald zu hieven, und dabei in Welten jenseits von Raum und Zeit entschwindet. Dabei helfen Wolfgang Pérez (Golf), Magic Manfred (Stella and the Longos), Pedro Goncalves Crescenti (The Düsseldorf Düsterboys, International Music) u.v.a.

(2018 Remix)

30. Juni 2022 – Im Januar 1977 veröffentlichten Pink Floyd ihr zehntes Studioalbum „Animals“. Das Werk eroberte Platz 1 der deutschen Charts, gilt als eines ihrer besten – und es wird nun, 45 Jahre später, als Deluxe Gatefold, CD, LP und Blu-ray wiederveröffentlicht. Zum ersten Mal überhaupt wird das Album in 5.1 Surround-Sound zu hören sein. Die einzelnen Versionen werden ab dem 16. September 2022 erhältlich sein, die Deluxe-Version folgt am 7. Oktober.

Pink Floyd – David Gilmour, Nick Mason, Roger Waters und Richard Wright – nahmen „Animals“ 1976 und Anfang 1977 in den bandeigenen Britannia Row Studios in London auf und produzierten auch selbst.

„Animals 2018 Remix“ wird als CD, LP (mit Klapphüllen-Artwork), Blu-Ray und als Deluxe-Gatefold-Format veröffentlicht. Die Deluxe-Gatefold-Version beinhaltet eine LP, CD, Audio-Blu-Ray, Audio-DVD und ein 32-seitiges Booklet. Die Audio-Blu-Ray und -DVD enthalten den Remix von 2018 in Stereo, in 5.1 Surround (beide von James Guthrie) und den ursprünglichen Stereo-Mix von 1977. Das 32-seitige Booklet gewährt mit selten gezeigten Fotos einen Blick hinter die Kulissen des Shootings für die Plattenhülle sowie Live-Bilder und Memorabilia. Das Album-Artwork wurde für diese Veröffentlichung mit einem zeitgemäßen Motiv neu interpretiert.

„Animals“ ist ein Konzeptalbum, das sich kritisch mit den sozialpolitischen Verhältnissen im Großbritannien der mittleren 1970er-Jahre auseinandersetzt und damit eine Abkehr vom Stil der früheren Arbeiten der Band markierte. Aus einer Ansammlung ursprünglich nicht miteinander zusammenhängender Songs entwickelten Pink Floyd ein Konzept, das den offenkundigen sozialen und moralischen Verfall der Gesellschaft beschreibt. Inspiriert von George Orwells „Farm der Tiere“, verbildlichen sie die menschliche Natur mit einer Analogie zum Tierreich und teilen die Menschen in drei Klassen von Tieren ein: Die Schweine stehen an der Spitze der sozialen Kette, die Schafe tun als hirnlose Herde, was man ihnen sagt, und die Hunde sind die Geschäftsbosse, die sich am Profit und ihrer Macht über andere schamlos bereichern. Seit 1977 ist viel Zeit vergangen – und dann wieder gar nicht, denn die Erzählung des Albums hat als Kommentar auf unsere gesellschaftliche und wirtschaftliche Situation nichts von ihrer Aktualität verloren.

Das berühmte Cover von „Animals“ zeigt ein aufblasbares Schwein (heute bekannt als Algie), das in luftigen Höhen zwischen zwei Schornsteinen der Battersea Power Station in London schwebt. Die Idee für das Cover kam von Roger Waters, die Umsetzung übernahm der langjährigen Kreativpartner der Band, Storm Thorgerson von Hipgnosis Studios. Für die jetzige Neuveröffentlichung wurde das Artwork von Storms Hipgnosis-Partner Aubrey „Po“ Powell für die heutige Zeit neu gestaltet. Basierend auf neuen Aufnahmen des Gebäudes während der jüngsten Umgestaltungsarbeiten (das ehemalige Kraftwerk wird für die kulturelle und gewerbliche Nutzung umgebaut, gestaltet von Frank Gehry und Norman Foster), experimentierte Po mit neuen Blickwinkeln und erschuf einige beeindruckende neue Varianten des berühmten Originals. Po dazu: „Das Original-Albumcover von 1977 ist ikonisch und steht so sehr für sich, dass ich eine Menge Respekt davor hatte, ihm ein Update zu verpassen. Doch Hipgnosis nahm die Gelegenheit zum Anlass, das Motiv neu zu fotografieren und damit eine sich verändernde Welt widerzuspiegeln. Durch den Einsatz moderner digitaler Färbetechniken konnte ich Pink Floyds düstere Botschaft des moralischen Verfalls beibehalten, und auch die Orwellsche Tier-Analogie in Form des Schweins Algie lebt in dem neuen Artwork fort.“

Pink Floyds „Animals 2018 Remix” kann ab jetzt hier vorbestellt werden.