Search:dj uber

Nach Paramores Coverversion von "Burning Down The House", Teezo Touchdowns "Making Flippy Flop" und Lordes "Take Me To The River" hat A24 Music nun das vollständige Tracklisting und das Veröffentlichungsdatum für “Everyone's Getting Involved: A Tribute to Talking Heads' Stop Making Sense” bekannt gegeben. Das Projekt wird am 17. Mai digital erscheinen, die physischen Formate folgen am 26. Juli und können ab sofort vorbestellt werden. Die 16 frischen, aufregenden und überraschenden Neuinterpretationen umfassen die gesamte Tracklist des Originalalbums und schaffen neue Inhalte für langjährige Talking Heads-Fans, während sie eine neue Generation mit der Magie dieser Songs bekannt machen. Die brillante Auswahl der Künstler kontextualisiert Stop Making Sense in der populären Musik und Kultur neu, wobei der Schwerpunkt auf der generations- und stilübergreifenden Bandbreite liegt.

Forever Friends' ist viel mehr als ein Album; es ist ein Manifest. Durch die Verschmelzung von elektronischer Musik und Klavierkunst weben die beiden Künstler eine Klangkreation, die die Komplexität und Schönheit menschlicher Beziehungen widerspiegelt. Die Klaviernoten von Sofiane Pamart, Stammgast auf renommierten Bühnen in Frankreich und im Ausland, vermischen sich hier mit dem melodischen Techno des Produzenten NTO, der auch in Frankreich und darüber hinaus ein großes Publikum anzieht. 2021, nach der Veröffentlichung der ersten gemeinsamen Single 'Invisible' (mehr als 25 Millionen Streams bislang) tat sich NTO mit Sofiane Pamart zusammen, um eine musikalisch zarte, poetische Version zu kreieren. Jetzt kommen die beiden Künstler auf einem ersten gemeinsamen Album mit 11 Titeln wieder zusammen. Über NTO: der französische DJ ist Teil der neuen Welle elektronischer Musikkünstler. Er kreiert gefilterte, helle Melodien und sein letztes Album 'APNÉA' aus 2021 ist eine fesselnde musikalische Reise durch melodischen Minimal-Techno. Der Pianist Sofiane Pamart wird als "Pianist des französischen Rap" bezeichnet. Nach zahlreichen Kollaborationen mit Rappern wie SCH, VALD und MAES erlangte er 2022 erstmalig öffentliche Aufmerksamkeit. Sein Talent ermöglicht es ihm, klassische Musik mit Pop und Hip-Hop und nun erstmals in Kollaboration mit NTO auch elektronischer Musik zu verbinden.

Bereiten Sie sich darauf vor, mit der kommenden Veröffentlichung von Iptamenos Discos aus Berlin in ein Reich der klanglichen Verzauberung entführt zu werden. Boys' Shorts, das dynamische Queer-Duo aus Griechenland, bestehend aus Vangelis (ehemals LAGASTA) und dem in London lebenden Tareq, wird seine neue "Something To Forget" EP veröffentlichen, begleitet von fesselnden Remixen von Gabe Gurnsey und Whitesquare.

Nach ihrer von der Presse hochgelobten "New Era" EP, welche bei RBB Radioeins Monatelang auf höchster Rotation lief, und dem Remix für Local Suicide’s "Eros Anikate" sind Boys' Shorts mit "Something To Forget" zurück auf Iptamenos Discos. Das Duo besteht aus Vangelis und Tareq, die seit über einem Jahrzehnt befreundet sind und ein äusserst erfolgreiches Jahr hinter sich haben, mit einer Reihe von Veröffentlichungen auf Permanent Vacation, Live At Robert Johnson, HE.SHE.THEY & Pets Recordings und DJ-Sets in angesehenen Venues wie dem Londoner E1 und dem Berliner Berghain sowie einem offiziellen Remix für Alison Goldfrapp und als Support auf ihrer Tour. "Something To Forget", die erste Single und gleichzeitig Titeltrack, beginnt mit einem starken Kick und einer markanten Snare, die durch den Mix drückt und zu einer treibenden Kraft wird, die den Track verankert. Die federnde und energiegeladene Bassline steht im Kontrast zu den Texten, die etwas melancholisch sind, jedoch auf eine Art und Weise vorgetragen werden, die ihnen ein unterschwelliges Gefühl von Optimismus verleiht.
Der äußerst talentierte Produzent Gabe Gurnsey, ein regelmäßiger Gast bei Phantasy Sound und Mitglied von Factory Floor, legt einen tanzflächenorientierten Remix von "Something To Forget" vor, der das Tempo erhöht und den Fokus auf die Bassline verlagert, wobei er die Vocals anfangs nur bruchstückhaft anreißt und sie erst nach dem Break für einen Moment in voller Länge erklingen und entfalten lässt. "Flying Away" zeichnet sich durch verwaschene Synthesizer mit viel Hall und verträumte, emotionale Vocals aus, die einem im Kopf herumschwirren und zwischen fröhlich und traurig schwanken, wobei sie nie ganz auf einer der beiden Seiten landen und es dem Hörer überlassen, sie zu interpretieren. Der in Rom ansässige DJ und Produzent Whitesquare ist für den grandiosen Remix von "Flying Away" verantwortlich und wirft mit der Einführung einer euphorischen und nostalgischen Pianomelodie im Breakdown, die jedem ein Lächeln ins Gesicht und eine Welle positiver Energie auf die Tanzfläche zaubert, alle Fragen über den weiteren Verlauf des Tracks weg.
Die komplette EP mit beiden Remixen wird am 14. Juni 2024 auf allen Digital-/Streaming-Plattformen verfügbar sein und zusätzlich auf weissem 12"-Vinyl (gestempelt & nummeriert) erscheinen.

Format: Limitiertes nummeriertes & gestempeltes Color-Vinyl (weiss) im schwarzen Outersleeve mit Sticker

Sein drittes Studioalbum “The Learning Of Urgency“ erscheint Anfang Juni 2024 auf ODESZAs angesehenem Label, Foreign Family Collective.

Für Kasbo ist „The Learning Of Urgency“ ein extrem wichtiges Konzept. Das Songwriting kreist um das Thema Entschleunigung, da die letzten Jahre seines Lebens von einem Gefühl des akuten Drucks geprägt waren, der sich in einem unterbewussten Zwang manifestierte, ständig mehr zu erreichen und zu tun. Das Ergebnis hätte ihn fast seine Karriere gekostet, da er einen seltenen, stressbedingten Hörverlust entwickelte. Das Ende der Pandemie relativierte diese Stressfaktoren, und indem er sich mit ihnen auseinandersetzte, war er in der Lage, persönlich und beruflich wieder auf Kurs zu kommen und dieses neue Album zu schreiben. Vier Jahre lang nahm Kasbo „The Learning Of Urgency“ auf, während er hauptsächlich in Göteborg und Stockholm lebte. Er hatte die Gelegenheit, im geschichtsträchtigen Aufnahmestudio Riksmixningsverket (RMV) zu arbeiten, das auf der Insel Skeppsholmen in Stockholm liegt und dessen Besitzer:innen niemand geringeres als ABBA sind. Das Studio ist in einem 150 Jahre alten Lagerhaus untergebracht, das früher von der schwedischen Marine betrieben wurde. Kasbos Musik hat bis heute über 500 Millionen Streams erreicht. Er wurde mit dem schwedischen P3 Gold Award in der Kategorie „Dance Artist Of The Year“ ausgezeichnet und erhielt Lob von Billboard, The FADER, Stereogum und anderen. Mit seinen sich ständig erweiternden Fähigkeiten hat Kasbo als Live-Performer, DJ und Produzent die Dreifaltigkeit der modernen Tanzmusik erreicht.

„Prism Of Pleasure“ wurde in 18 Monaten geschrieben und fasst Elkkas Wesen als eine LGBTQI+-Künstler:in zusammen, die Freiheit und Sinnlichkeit in den Vordergrund ihrer Arbeit stellt. Das war nicht immer so: Geboren und aufgewachsen in Südwales, wo es so gut wie keine Queer-Community in ihrer unmittelbaren Umgebung gab, musste Elkka ihre Identität langsam und neugierig zusammensetzen und dabei allmählich zu sich selbst finden. Nachdem sie sich geoutet hatte und in ihren 20ern nach London zog, begann die Musikerin mit dem Auflegen, Schreiben und Produzieren, was schließlich dazu führte, dass sie ihr eigenes Plattenlabel, femme culture, gründete und ihre eigenen queeren Clubnächte veranstaltete. „Prism Of Pleasure“ ist wie ein weiblicher Blick in einen dampfenden Raum voller Wunder (ein Konzept, das sich wunderbar im pinkfarbenen Albumcover widerspiegelt, das von Elkkas Frau und langjähriger kreativer Mitarbeiterin Alex Lambert fotografiert wurde), das sich um den Begriff der queeren Intimität dreht. Von den sanften, seidigen Vocals von „Crushhh“ bis zu den sich langsam entwickelnden, gehauchten Beats von „Your Skin“ („I'm breathing you in, I want to taste every inch of your skin“) und den gleichmäßigen, wogenden Synthesizer-Mustern von „surrender2me“ entfaltet sich „Prism Of Pleasure“ wie ein Patchwork aus schweißtreibenden Nächten, emotionaler Verbundenheit und versteckten Freuden. Elkka wurde von vielen Kolleg:innen unterstützt, darunter Four Tet, Floating Points, TSHA, Caribou, Sofia Kourtesis, Jon Hopkins, Ben UFO und SHERELLE, und gewann kürzlich einen AIM Award in der Kategorie „Bester Remix“ für ihre Überarbeitung von Ela Minus' „Megapunk“. Letztes Jahr veröffentlichte Elkka eine 4-Track-EP mit energiegeladenen Club-Tools unter dem Titel „DJ Friendly“ und trug auch zur bahnbrechenden DJ-Kicks-Reihe mit einem fesselnden Mix bei, der ihre Liebe zu Frauen und der LGBTQI+-Dance-Community zum Ausdruck brachte, zu der Elkka gehört und regelmäßig in intimen Räumen und auf Queer-Partys wie in der Panorama Bar und FEEL IT auftritt.

Blue Vinyl

Die Produzentin, DJ, Pianistin und Aktivistin LP Giobbi veröffentlicht ihr mit Spannung erwartetes Debütalbum, „Light Places“ auf Counter Records. Musikalisch ist LP Giobbi, eins der populärsten aufstrebenden Talente der elektronischen Musik, irgendwo zwischen ODESZA, Bonobo, Bicep und TSHA einzuordnen.

„Light Places“ entstand zu einem großen Teil zwischen den Wolken, in Flugzeugen hoch über der Realität und anderen Ablenkungen, wo LP Giobbi Ideen und Melodien locker niederschreiben konnte, bevor sie im Studio umgesetzt wurden. Der Aufnahmeprozess des Albums war eine Reise an sich, die sie auf neue Weise herausforderte und ihre künstlerischen Fähigkeiten über die Grenzen einzelner Singles hinaus erweiterte. Es erlaubte ihr, außerhalb der Tanzfläche zu experimentieren und zu erforschen, mit einer Verbindung zu ihren improvisierten Jazz- und Jam-Band-Grundlagen, womit alles einst begann. Auf „Light Places“ sind zudem beeindruckende Features zu Gast, wie bspw. SOFI TUKKER, Little Jet, Caroline Byrne, Monogem, DJ Tennis und Joseph Ashworth zu hören. LP Giobbi zelebriert die Freuden der Zusammenarbeit, der Improvisation und der Erschaffung von Musik durch Freundschaft - eine Hommage an die Menschen und die Musik, die sie als Künstlerin geprägt haben.

Der Guardian of HipHop, der König der Mongos, der Freak, das Ex-Deichkind, das Reimemonster, der Punk-Rock-Rapper und Schauspieler .. Sascha Reimann aka Ferris MC lässt sein Alter Ego wieder auferstehen und löst endlich sein Versprechen ein, das er der Generation gab, die er als Künstler wie kein anderer Rapper geprägt und versaut hat. Ferris MC hat seine bösen Dämonen besiegt, ist nun von allen bösen Geistern verlassen und nimmt seine Fans mit dem neuen Album „Mortal Comeback“ mit auf eine Zeitreise – positiv, überraschend und mit ein bisschen Nostalgie wird das „Früher-Gefühl“ ins Hier und Jetzt katapultiert. Er macht Musik wie und weil er es will, nicht weil er muss. Für Ferris MC ist es wichtiger wahrhaftig zu sein, als einem längst überholten Image treu zu bleiben. Die Texte schreibt sein Leben und so nimmt er seine Hörer:innen mit in seine Welt – so, wie er es schon vor 30 Jahren getan hat. Als Ausnahmekünstler ist und bleibt er auch mit „Mortal Comeback“ zeitlos. Zwar kommt er aus der alten Schule, schafft aber den Spagat in die Moderne, ohne irgendwelchen Trends hinterher zu jagen. Er hat keine Angst davor, sich weiterzuentwickeln und bleibt dabei authentisch – seine Authentizität ist sein USP, sein Entertainment-Faktor. Für Ferris MC gibt es keine Szene, der er angehört, er ist seine eigene Szene. Schließt euch dieser Szene an und heißt den Asi mit Niveau, der seine Schwächen in Stärken verwandelt hat, herzlich willkommen zurück! Ferris MC ist und bleibt ein Unikat, die Hoffnung der Hoffnungslosen mit der Stimme aus Eisen und voller Emotionen. Er ist zurück um zu teilen und wenn ihr es wollt, wird er auch bleiben.

Es ist durchaus eine kleine Sensation, dass dieser Tage ein weiteres MORBID SAINT-Album erscheint, also mehr als 30 Jahre, nachdem ihre zweite LP „Destruction System“ aufgenommen, aber bis zu ihrer offiziellen Veröffentlichung vor kurzem nicht fertiggestellt worden war. Allerdings war die Aussicht, neue Musik in ihrem einzigartigen Death/Thrash-Metal-Stil zu schreiben, einer der Hauptgründe dafür, dass sich die Kernmitglieder 2010 überhaupt wieder vereinten. Während ihrer ersten aktiven Phase von 1984 bis ’94 konnte die Band ihr Potenzial längst nicht ausschöpfen, insbesondere im Hinblick auf ihre bahnbrechende erste Platte „Spectrum of Death“ (1990). Das neue Werk entstand im kreativen Fernaustausch, wobei sich alle Mitglieder gegenseitig Ideen zuspielten, um ein Breitseite aus zehn Extrem-Metal-Tracks abzufeuern, wie man sie heute kaum mehr hört – absolut verheerend und doch musikalisch anspruchsvoll, Grenzen überschreitend, aber nicht auf Teufel komm raus, und abgerundet von einem Artwork des legendären Ed Repka (Death, Megadeth). „Swallowed By Hell“ wurde von Chris Djuricic (Num Skull, Disinter) im The Belle City Sound Company aufgenommen und erhielt den letzten Schliff von Scott Elliott in den Chernobyl Studios. Es riecht nach alter Schule, steht aber mit beiden Beinen im Hier und Jetzt. „Eine bessere Besetzung könnte man sich nicht wünschen“, sagt Gitarrist und Mitbegründer Jim Fergades. „Wir freuen uns jetzt über alle Möglichkeiten, und je nachdem, welche sich uns bieten, kann eine Menge passieren.“

Atmosphere, die vielen als eines der beständigsten und produktivsten Duos im Independent-Hip-Hop gelten, erreichten zwischen Juli 2007 und April 2008 einen selbst für ihre Verhältnisse außergewöhnlichen Output. Innerhalb dieser 9 Monate veröffentlichten sie ein komplettes Album, vier EPs und ein 42-minütiges Mixtape mit exklusivem Material, insgesamt 48 neue Songs, und das alles, während sie ständig auf Tournee waren. Diese rasante Veröffentlichungsreihe brachte einige ihrer bis dato populärsten Songs hervor und zeigte ihre dynamische Bandbreite, von stimmungsvoll und nachdenklich über fröhlich und optimistisch bis hin zu einem Boom-Bap-Rap-Stil, der auf dem Mixtape am deutlichsten zu hören war. Das am Weihnachtstag 2007 veröffentlichte Mixtape war ein "Geschenk" an die Fans in Form eines kostenlosen Downloads mit dem treffenden Titel „Strictly Leakage“ - eine Anspielung sowohl auf die Abkehr von den standardisierten Praktiken der Industrie zugunsten des Verschenkens der Musik als auch auf einen anderen prominenten Albumtitel aus der Ära. „Strictly Leakage“ überraschte Fans und Kritiker gleichermaßen, nicht nur, weil die Einladung zum Download ohne Vorwarnung im Posteingang auftauchte, sondern auch, weil das Projekt so einzigartig anders klang als die typischen Aufnahmen von Atmosphere. Ant griff tief in die Funk- und Soulkiste, zog Samples der Live-Instrumentierung vor und produzierte Tracks, die klangen, als seien sie neben Hip-Hop-Klassikern der späten 80er und frühen 90er Jahre entstanden. Slug rappte mit neuer Leidenschaft und klang dabei irgendwie lässiger und unbekümmerter und lieferte endlose Wortspiele mit technischeren Reimschemata als bei anderen Atmosphere-Veröffentlichungen. Gemeinsam schufen sie 13 exklusive Songs, die so klangen, als hätten sie einfach nur Spaß daran, sie zu machen, ohne den Druck irgendwelcher Album-Erwartungen - zweifellos eine ebenso lohnende Übung für sie selbst wie für die Hörer. Zu Beginn wurde „Strictly Leakage“ in einer limitierten Auflage auf Vinyl und CD gepresst, aber es dauerte nicht lange, bis sie ausverkauft waren und die Fans sich auf die Jagd nach Streams und digitalen Dateien machen mussten, um das Projekt zu hören. Nun ist „Strictly Leakage“ auf Vinyl-LP und CD zurück und wird für den Handel verfügbar gemacht, damit Hip-Hop Fans überall dieses einzigartige Kapitel in der Geschichte von Atmosphere besitzen und schätzen können.

Die Londoner Band Home Counties veröffentlicht nach ersten EPs ihr Debütalbum 'Exactly As It Seems', produziert von Bandgitarrist Conor Kearney und gemischt von Andy Savors (Black Country New Road, Rina Sawayama, Sorry). Home Counties haben sich als eine der wichtigsten neuen Alternative-Bands Großbritanniens etabliert, die mit Shame, Psychedelic Porn Crumpets, FEET, Courting und bdrmm auftraten und von BBC Radio-DJs sowie Elton John (Apple 1) unterstützt werden. Der Band gelingt es, lyrische Offenheit über die besch******* Details des modernen Lebens und musikalischen Schwung mit Begeisterung in Einklang zu bringen. Nach dem treffenden Motto: 'Mein Leben ist ruiniert, weil ich mir die Miete nicht leisten kann, aber ich werde darüber tanzen.'

Auf seinem neuen Album präsentiert der französische DJ/Produzent/Multiinstrumentalist Will Galland aka Quiet Dawn eine Reihe von abwechslungsreichen Broken Beat-Varianten mit Gastvocals von Szenekoryphäen wie der legendären Bembe Segue, LyricL und Oliver Night von der CoOp Presents-Crew. Galland ist seit einer Dekade Mitglied der First-Word-Familie, wo er sein breites musikalisches Spektrum von organischem Ambient-Jazz über Lofi-Instrumentals im Dilla-Stil und Kopfnicker-Hip-Hop bis zu Headz und Broken Beat zelebriert.

Die Londoner Band Home Counties veröffentlicht nach ersten EPs ihr Debütalbum 'Exactly As It Seems', produziert von Bandgitarrist Conor Kearney und gemischt von Andy Savors (Black Country New Road, Rina Sawayama, Sorry). Home Counties haben sich als eine der wichtigsten neuen Alternative-Bands Großbritanniens etabliert, die mit Shame, Psychedelic Porn Crumpets, FEET, Courting und bdrmm auftraten und von BBC Radio-DJs sowie Elton John (Apple 1) unterstützt werden. Der Band gelingt es, lyrische Offenheit über die besch******* Details des modernen Lebens und musikalischen Schwung mit Begeisterung in Einklang zu bringen. Nach dem treffenden Motto: 'Mein Leben ist ruiniert, weil ich mir die Miete nicht leisten kann, aber ich werde darüber tanzen.'

Tanz ist das zentrale Thema des fünften Studioalbums "Fearless Movement" von Kamasi Washington. Dass er sich dem Tanz zuwendet und das Publikum mitnimmt, ist eine natürliche Weiterentwicklung von Washingtons fortwährender Beschäftigung mit Musik als Mittel der zwischenmenschlichen Verbindung. "The Epic" von 2015 und "Heaven and Earth" von 2018 waren Alben, die Genregrenzen überwunden haben und eine neue Generation in die Jazz Musik einführte. Beide Platten waren musikalischen Epen mit viel Chor und Streichern, "Fearless Movement" hingegen bietet etwas anderes. Es klingt immer noch gewaltig, aber rhythmischer - denn dieses Mal hat er den Rap in seinen musikalischen Kosmos geholt. "Die Welt ist stehen geblieben, aber ich habe definitiv nicht aufgehört", sagt Washington. "Fearless Movement" begann in den Tagen der globalen Pandemie. "Meine Tochter wurde genau in der Mitte davon geboren. Das sind zwei ziemlich große und monumentale Dinge, die gleichzeitig passieren". Das Elternsein hat Washington ein neues Gefühl der Dankbarkeit gegeben. Während die Tourneen pausierten, verbrachten sie die ersten Jahre damit, gemeinsam Washingtons Lieblingsplatten von John Coltrane, Ornette Coleman und Eric Dolphy zu hören. "Ich wollte ihr all die beste Musik zeigen", sagt er. Und eines Tages, als sie knapp zwei Jahre alt war, fiel ihr eine Melodie ein. "Wir spielten auf dem Klavier, und sie spielte sie einfach immer wieder", sagt er. Aus dieser Melodie wurde der Song "Asha The First". Washington und seine langjährigen Bandmitglieder nahmen die Melodie auf und ließen einige Lücken offen, die ein potenzieller Gast füllen sollte. " In Leimert Park, wo ich aufgewachsen bin, ist die Schnittmenge zwischen Jazz und Hip-Hop sehr groß". Also zog er Taj und Ras Austin hinzu, das Rap-Duo Coast Contra und Söhne des L.A.-Rappers Ras Kass, die er beim Herumstöbern auf YouTube entdeckt hatte. Washingtons langjähriger Freund und Kollaborateur Thundercat ist ebenfalls auf "Asha The First" zu hören. Washington ist nicht der Einzige, der auf "Fearless Movement" mit den Konventionen bricht. Andre 3000, der vielleicht beste Stilist des Rap, spielt sein allererstes Flötenfeature auf "Dream State". "Fearless Movement" vermittelt ein Gefühl der Verbundenheit, das Washingtons Arbeit über die Zeit hinweg mit der Black Music in L.A. verbindet - von der Vergangenheit über die Gegenwart bis zur Zukunft. Auf dem entspannten und funkigen "Get Lit", bei dem es darum geht, das Licht in jedem von uns zu nutzen, um unsere Gemeinschaften aufzubauen, bringt Washington den legendären Bandleader George Clinton und den Rapper D Smoke für einen der coolsten Tracks des Albums zusammen. Dieses Ethos der Elastizität und der Möglichkeiten erstreckt sich auch auf die Mitglieder von Washingtons Band, von denen einige auf dem Album zu hören sind. Unter ihnen auch Sängerin Patrice Quinn, Saxophonist Terrace Martin, Bassist Thundercat und Schlagzeuger Ronald Bruner Jr., DJ Battlecat und BJ The Chicago Kid. Die stetige Bewegung und Flexibiltät verleiht den neuen Songs eine gewisse Geschmeidigkeit, sowohl thematisch als auch musikalisch.

Tanz ist das zentrale Thema des fünften Studioalbums "Fearless Movement" von Kamasi Washington. Dass er sich dem Tanz zuwendet und das Publikum mitnimmt, ist eine natürliche Weiterentwicklung von Washingtons fortwährender Beschäftigung mit Musik als Mittel der zwischenmenschlichen Verbindung. "The Epic" von 2015 und "Heaven and Earth" von 2018 waren Alben, die Genregrenzen überwunden haben und eine neue Generation in die Jazz Musik einführte. Beide Platten waren musikalischen Epen mit viel Chor und Streichern, "Fearless Movement" hingegen bietet etwas anderes. Es klingt immer noch gewaltig, aber rhythmischer - denn dieses Mal hat er den Rap in seinen musikalischen Kosmos geholt. "Die Welt ist stehen geblieben, aber ich habe definitiv nicht aufgehört", sagt Washington. "Fearless Movement" begann in den Tagen der globalen Pandemie. "Meine Tochter wurde genau in der Mitte davon geboren. Das sind zwei ziemlich große und monumentale Dinge, die gleichzeitig passieren". Das Elternsein hat Washington ein neues Gefühl der Dankbarkeit gegeben. Während die Tourneen pausierten, verbrachten sie die ersten Jahre damit, gemeinsam Washingtons Lieblingsplatten von John Coltrane, Ornette Coleman und Eric Dolphy zu hören. "Ich wollte ihr all die beste Musik zeigen", sagt er. Und eines Tages, als sie knapp zwei Jahre alt war, fiel ihr eine Melodie ein. "Wir spielten auf dem Klavier, und sie spielte sie einfach immer wieder", sagt er. Aus dieser Melodie wurde der Song "Asha The First". Washington und seine langjährigen Bandmitglieder nahmen die Melodie auf und ließen einige Lücken offen, die ein potenzieller Gast füllen sollte. " In Leimert Park, wo ich aufgewachsen bin, ist die Schnittmenge zwischen Jazz und Hip-Hop sehr groß". Also zog er Taj und Ras Austin hinzu, das Rap-Duo Coast Contra und Söhne des L.A.-Rappers Ras Kass, die er beim Herumstöbern auf YouTube entdeckt hatte. Washingtons langjähriger Freund und Kollaborateur Thundercat ist ebenfalls auf "Asha The First" zu hören. Washington ist nicht der Einzige, der auf "Fearless Movement" mit den Konventionen bricht. Andre 3000, der vielleicht beste Stilist des Rap, spielt sein allererstes Flötenfeature auf "Dream State". "Fearless Movement" vermittelt ein Gefühl der Verbundenheit, das Washingtons Arbeit über die Zeit hinweg mit der Black Music in L.A. verbindet - von der Vergangenheit über die Gegenwart bis zur Zukunft. Auf dem entspannten und funkigen "Get Lit", bei dem es darum geht, das Licht in jedem von uns zu nutzen, um unsere Gemeinschaften aufzubauen, bringt Washington den legendären Bandleader George Clinton und den Rapper D Smoke für einen der coolsten Tracks des Albums zusammen. Dieses Ethos der Elastizität und der Möglichkeiten erstreckt sich auch auf die Mitglieder von Washingtons Band, von denen einige auf dem Album zu hören sind. Unter ihnen auch Sängerin Patrice Quinn, Saxophonist Terrace Martin, Bassist Thundercat und Schlagzeuger Ronald Bruner Jr., DJ Battlecat und BJ The Chicago Kid. Die stetige Bewegung und Flexibiltät verleiht den neuen Songs eine gewisse Geschmeidigkeit, sowohl thematisch als auch musikalisch.

Die Band The Reds, Pinks & Purples aus San Francisco bleibt auf ihrem einmal eingeschlagenem Pfad und kündigt ein neues Album an, das im April erscheinen wird. RPPs Gehirn Glenn Donaldson hält es düster - wie könnte es anders sein - mit Titeln wie "What's Going On With Ordinary People", "We Only Hear The Bad Things People Say" und "Dead Stars In Your Eyes". Die DIY-Pop-Titanen The Reds, Pinks & Purples kristallisieren auf "Unwishing Well" den tragischen, sich selbst feiernden Reichtum der glücklichen Versager, der falschen Helden und der Menschheit mit all ihren romantisierten Sich-Wundern - und nehmen die Fäden der Hoffnung mit ungebremster Hingabe ins Visier. Das Album, das sich über 10 wunderschöne Stücke erstreckt, ist ein weiterer Beweis für Glenn Donaldsons makellose Beherrschung des intimen, aber dennoch ausladenden, niedergeschlagenen Pops. In den letzten fünf Jahren haben The Reds, Pinks & Purples sechs Alben, mehrere EPs und zahllose Singles veröffentlicht, die sich alle dem Ziel verschrieben haben, dem Independent-Guitar Pop neues Leben einzuhauchen, der die düsteren Teenager, College-Radio-DJs und Plattenladenangestellten der 80er und 90er Jahre animierte. Vorbilder wie The Go-Betweens, The Smiths, Magnetic Fields, Felt und andere sind offensichtliche Inspirationen, aber Donaldsons unermüdliches Talent für Stimmung und Melodie hat praktisch ein eigenes Genre geschaffen, und "Unwishing Well" ist dessen bisher reinste Verkörperung. Die erste Single des Albums ist ein großartiges Beispiel für die Weltanschauung von RPP, ein Blick auf die Zugeständnisse des Popstars durch die Augen eines Ausgestoßenen mit dem Titel "Your Worst Song Is Your Greatest Hit". Über verträumten, grauen Gitarren- und Synthie-Waschungen beklagt Donaldson: "Deine erste Idee wurde verwässert" und fügt hinzu: "Nur die schlimmsten Teile konnten gefunden werden." Weißes Vinyl und/oder CD, für Freunde von The Field Mice, Blue Boy, The Clientele, Cindy...

Wer sich auf den Weg nach Louisiana macht, kehrt meist nicht auf dem gleichen Weg wieder zurück. Die Songs von BROTHER DEGE atmen die schwüle Luft der sumpfigen Wälder im Mississippi-Delta und beschwören die Geister der Bayous herauf. In den Adern des für den GRAMMY Award nominierten Singer & Songwriter Dege Legg, der seine musikalische Heimat an den Kreuzwegen aus mitreißendem Rock'n'Roll, wortgewandtem American Folk und psychedelischer Glückseligkeit gefunden hat, fließt das heiße Blut seiner Heimat in Form von surrenden Slide-Gitarren, unverfälschtem Gesang und schweißgetränkter Poesie. Mit der Magie des tiefen amerikanischen Südens zieht BROTHER DEGE auf seinem sechsten Album "Aurora" die Hörer in den Banner seiner üppigen musikalischen Welt. Sein Aufstieg fand beinahe im Stillen statt und das, obwohl der Amerikaner zig Millionen Streams generiert hat und seine breite Anerkennung sogar von keinem geringeren als Quentin Tarantino honoriert wurde, der persönlich den Song "Too Old to Die Young" für eine Schlüsselsequenz in seinem Film "Django Unchained" auswählte. Die Musik von Dege Legg lässt kühne Hooks über einer Unterströmung aus bluesiger Verzerrung aufblitzen. Dabei kanalisiert er seine Liebe für die Klassiker der Siebziger und Achtziger in einer höchst individuellen Variante des Southern Rock in den Sound des 21. Jahrhunderts. Aus diesem stilistischen Nebel erwächst eine unvergleichliche Klangvision, die Alt-Americana gleichermaßen Schärfe und Gusto verleiht. Als Dege Legg im Jahr 2004 unter dem Namen BROTHER DEGE mit seinem Debütalbum "Trailerville" in der Szene des Südens aufkreuzte, war sein höchst individueller Sound bereits voll ausgeprägt. Schon der zweite Langspieler "Folk Songs of the American Longhair" brachte gleich mehrere Hymnen hervor, darunter auch "Too Old to Die Young". Dege Legg nutzte diesen Schwung, um gleich eine ganze Reihe von Fan-Favoriten zu veröffentlichen: "How To Kill A Horse" (2013), "Scorched Earth Policy" (2015) und "Farmer's Almanac" (2018). Es lässt sich nicht leugnen, dass BROTHER DEGE stark von der Musik und den Klängen des Deep South der USA beeinflusst ist, gegen die er in seiner wilden Jugend noch rebellierte. Doch obwohl seine Wurzeln stark hervortreten, übersetzt der amerikanische Gitarrist und Sänger die Songs seines neuen Meisterwerks "Aurora" noch einen Schritt weiter in die universelle Sprache des Rock'n'Roll. Aber Vorsicht: Wer sich einfach zurücklehnt, die Augen schließt und dieses wunderbare Album auf sich wirken lässt, könnte in Louisiana aufwachen!

Wer sich auf den Weg nach Louisiana macht, kehrt meist nicht auf dem gleichen Weg wieder zurück. Die Songs von BROTHER DEGE atmen die schwüle Luft der sumpfigen Wälder im Mississippi-Delta und beschwören die Geister der Bayous herauf. In den Adern des für den GRAMMY Award nominierten Singer & Songwriter Dege Legg, der seine musikalische Heimat an den Kreuzwegen aus mitreißendem Rock'n'Roll, wortgewandtem American Folk und psychedelischer Glückseligkeit gefunden hat, fließt das heiße Blut seiner Heimat in Form von surrenden Slide-Gitarren, unverfälschtem Gesang und schweißgetränkter Poesie. Mit der Magie des tiefen amerikanischen Südens zieht BROTHER DEGE auf seinem sechsten Album "Aurora" die Hörer in den Banner seiner üppigen musikalischen Welt. Sein Aufstieg fand beinahe im Stillen statt und das, obwohl der Amerikaner zig Millionen Streams generiert hat und seine breite Anerkennung sogar von keinem geringeren als Quentin Tarantino honoriert wurde, der persönlich den Song "Too Old to Die Young" für eine Schlüsselsequenz in seinem Film "Django Unchained" auswählte. Die Musik von Dege Legg lässt kühne Hooks über einer Unterströmung aus bluesiger Verzerrung aufblitzen. Dabei kanalisiert er seine Liebe für die Klassiker der Siebziger und Achtziger in einer höchst individuellen Variante des Southern Rock in den Sound des 21. Jahrhunderts. Aus diesem stilistischen Nebel erwächst eine unvergleichliche Klangvision, die Alt-Americana gleichermaßen Schärfe und Gusto verleiht. Als Dege Legg im Jahr 2004 unter dem Namen BROTHER DEGE mit seinem Debütalbum "Trailerville" in der Szene des Südens aufkreuzte, war sein höchst individueller Sound bereits voll ausgeprägt. Schon der zweite Langspieler "Folk Songs of the American Longhair" brachte gleich mehrere Hymnen hervor, darunter auch "Too Old to Die Young". Dege Legg nutzte diesen Schwung, um gleich eine ganze Reihe von Fan-Favoriten zu veröffentlichen: "How To Kill A Horse" (2013), "Scorched Earth Policy" (2015) und "Farmer's Almanac" (2018). Es lässt sich nicht leugnen, dass BROTHER DEGE stark von der Musik und den Klängen des Deep South der USA beeinflusst ist, gegen die er in seiner wilden Jugend noch rebellierte. Doch obwohl seine Wurzeln stark hervortreten, übersetzt der amerikanische Gitarrist und Sänger die Songs seines neuen Meisterwerks "Aurora" noch einen Schritt weiter in die universelle Sprache des Rock'n'Roll. Aber Vorsicht: Wer sich einfach zurücklehnt, die Augen schließt und dieses wunderbare Album auf sich wirken lässt, könnte in Louisiana aufwachen!

High Roller Records, slipcase Es ist durchaus eine kleine Sensation, dass dieser Tage ein weiteres MORBID SAINT-Album erscheint, also mehr als 30 Jahre, nachdem ihre zweite LP „Destruction System“ aufgenommen, aber bis zu ihrer offiziellen Veröffentlichung vor kurzem nicht fertiggestellt worden war. Allerdings war die Aussicht, neue Musik in ihrem einzigartigen Death/Thrash-Metal-Stil zu schreiben, einer der Hauptgründe dafür, dass sich die Kernmitglieder 2010 überhaupt wieder vereinten. Während ihrer ersten aktiven Phase von 1984 bis ’94 konnte die Band ihr Potenzial längst nicht ausschöpfen, insbesondere im Hinblick auf ihre bahnbrechende erste Platte „Spectrum of Death“ (1990). Das neue Werk entstand im kreativen Fernaustausch, wobei sich alle Mitglieder gegenseitig Ideen zuspielten, um ein Breitseite aus zehn Extrem-Metal-Tracks abzufeuern, wie man sie heute kaum mehr hört – absolut verheerend und doch musikalisch anspruchsvoll, Grenzen überschreitend, aber nicht auf Teufel komm raus, und abgerundet von einem Artwork des legendären Ed Repka (Death, Megadeth). „Swallowed By Hell“ wurde von Chris Djuricic (Num Skull, Disinter) im The Belle City Sound Company aufgenommen und erhielt den letzten Schliff von Scott Elliott in den Chernobyl Studios. Es riecht nach alter Schule, steht aber mit beiden Beinen im Hier und Jetzt. „Eine bessere Besetzung könnte man sich nicht wünschen“, sagt Gitarrist und Mitbegründer Jim Fergades. „Wir freuen uns jetzt über alle Möglichkeiten, und je nachdem, welche sich uns bieten, kann eine Menge passieren.“

Es zirkulieren wenige LPs, die über die gesamte Albumlänge die Schönheit und Wärme des "Balearic Sound" widerspiegeln. Man kann das auch dem Genre "Cosmic" zuordnen. Arno E Mathieu aus Südfrankreich schafft auf "Contemplation" das einzigartige flimmernde Licht des "Mediterranen" einzufangen, und in einem modernen Sound die Stimmungen der Natur des Mittemeerraumes rüber zu bringen. Die Songtitel und das Cover Image ergänzen das abgerundete Stimmungsbild. Es kommt nicht von Ungefähr, dass DJ Harvey großer Fan von Arno E Mathieu ist und viele seiner Tunes spielt. Wer auch in diesen Kosmos passt, ist Joe Claussell, der neben Franck Roger, I:Cube, Beanfield, Julien Jabre, Mark E, Simoncino, Woolfy, DJ Deep, Gigi Testa, Next Evidence, Max Essa jeder für sich einen tollen Remix abliefert. Fast jeder Track des Albums wurde geremixt.

Sollte es ihn wahrhaftig geben, einen zweiten ... Justus Jonas?Ian, der sich aus Angst vor hinterhältigen Gaunern auf dem Schrottplatz einquartiert hat, weiß nicht, dass er dadurch die drei ???, und vor allem sein Ebenbild Justus, in große Schwierigkeiten bringt. Gefahr und Chaos lauern auf Schritt und Tritt. Justus wird an Ians Stelle von den Männern geschnappt und eingesperrt. Rätselhafte Botschaften! Politische Intrigen über Länder und Kontinente! Lebensgefährliche Irrtümer! Aber Peter und Bob beweisen, dass sie auch ohne ihren Chef richtig und überlegt handeln können. Eine wilde Verfolgungsjagd beginnt, denn es geht um Minuten!
a1 | Menschenraub!
a2 | Den Schurken auf der Spur
a3 | Entwischt!
a4 | Freunde oder Feinde?
b1 | Djangas Stätte
b2 | Hier endet die Spur
b3 | Das Ebenbild
b4 | Der Gegner steht vor einem Problem

Großartige Songs aus dem reichen Fundus der Popularmusik von Scott Walker über Robert Wyatt bis St. Vincent. Auf ihren Wesenskern reduziert, in ein neues Licht getaucht und niemals übermotiviert vorgetragen. Lyrischer Jazz, Kontemplation. Pianist, Arrangeur und Produzent Uwe Schenk hatte mit Jochen Feucht (reeds), Florian Dohrmann (b) und Michael Kersting (dr) bei den Aufnahmen zu dieser LP drei äußerst routinierte Musiker an seiner Seite. Musiker, die die Schönheit der Reduktion schätzen. Die Auswahl der Songs übernahm Co-Produzent Andreas Vogel. Der DJ und Musikconnaisseur wusste dabei genau, welche Stücke bei Uwe Schenk auf fruchtbaren Boden fallen würden. Schenk schrieb daraufhin sieben Arrangements, die die Grundlage von Since You've Asked bilden. Im Jazzidiom verankert, mit einem Fokus auf Holzbläserklängen, sorgt vor allem das warme Timbre der Klarinette für den unverbrauchten und frischen Sound der Songs. Beste Voraussetzungen für eine entspannte Recording-Session und im Ergebnis eine LP, die dazu einlädt, sich ganz dem Klang hinzugeben, um tief in die Musik einzutauchen.

DJ Rashad's 'Double Cup': Das bahnbrechende Debütalbum des Footwork-Pioniers

'Double Cup' ist das Debütstudioalbum des verstorbenen Footwork-Pioniers DJ Rashad, mit bürgerlichem Namen Rashad Harden, aus Chicago. Er verstarb kurz nach der Veröffentlichung dieses wegweisenden Albums. Als Gründer der Teklife-Crew war Rashad ein abenteuerlicher Geist und einer der furchtlosesten Innovatoren des Footwork-Genres. Er entwickelte sich von einer lokalen Größe in Chicago zu einer weltweit anerkannten Rhythmusreferenz für Produzenten.

Im Jahr 2013 über Hyperdub veröffentlicht, markierte 'Double Cup' einen Meilenstein für Footwork und wurde von Kritikern aus der Tanz- und Popmusik gleichermaßen gefeiert. Es vereint Elemente aus Jungle, Trap und House und ist gespickt mit zahlreichen Kollaborationen, da Rashad darauf bestand, dass "Footwork eine Familiensache ist".

'Double Cup' verzeichnet bis heute 14.000 Albumverkäufe in den USA und beeindruckende 6 Millionen Streams. Dieses Album ist nicht nur ein wichtiger Teil der Footwork-Geschichte, sondern auch ein beeindruckendes Werk eines Künstlers, der das Genre maßgeblich geprägt hat."

Der legendäre Hip-Hop-Pionier DJ Muggs und der häufige David-Lynch-Kollaborateur Dean Hurley haben gemeinsam den Original-Soundtrack zum 2023 beim Sundance-Filmfestival uraufgeführten Spielfilm "Divinity" geschrieben und produziert, der am 24. November über Sacred Bones auf CD und LP erscheinen wird. "Divinity" ist eine dystopische Science-Fiction-Odyssee, die von Steven Soderbergh produziert und vom visionären Regisseur Eddie Alcazar inszeniert wurde. Das Zusammenspiel von DJ Muggs und Dean Hurley ergibt einen Soundtrack, der "Divinity" über den Bildschirm hinaus zu einem multidimensionalen Erlebnis macht und den Hörer zu einer unvergesslichen Klang-Odyssee auf unbekanntem Terrain einlädt. Inmitten der außergewöhnlichen Ästhetik und Thematik des Films ist die Filmmusik eine zehn Tonnen schwere Hantel aus Klanggewichten. Mit 8-Bit-Samplern, Wavestation-Synthesizern, erweiterten Chor- und Streichertechniken schafft es der Soundtrack, wild zwischen den Arenen von Musik und Sounddesign zu pendeln. Ein Klangerlebnis, das die gleiche Intensität wie der Film einfängt und wiedergibt. Tracks wie "The Brothers" und "Reflective Dreams" überschlagen sich mit Vangelis-esken Tönen und malen mit breiten Strichen cineastische Erhabenheit und ätherische Wunder. "Main Titles" und "Infinity Techno" hingegen schwingen sich zu unerbittlichen, strafenden Klängen auf, mit brutaler, pulsierender Energie, die für das verdrehte, unerbittliche Streben nach Unsterblichkeit steht. Ein herausragendes Stück des Albums ist zweifellos "Divinity 2 Infinity: The Odyssey" featuring Kult-Hip-Hop-Legende Kool Keith. Der Song wurde speziell für den Film geschrieben und ist eine gelungene Reminiszenz an die End-Credit-Songs der 90er Jahre, die damals auf die Themen des jeweiligen Films zugeschnitten wurden.

Nach über einem Jahrzehnt ist das erste und einzige PEEPING TOM-Album - eines der gefragtesten Alben von Mike Patton (Faith No More, Mr. Bungle) überhaupt - nun endlich wieder erhältlich. Unter den mitwirkenden Gästen so namhafte Musiker wie u.a. Norah Jones, Massive Attack, Kool Keith und viele mehr.

In Anlehnung an den psychologischen Horrorfilm aus dem Jahr 1960, der Patton zu dem Namen inspirierte, entstand PEEPING TOM in einem Modus Operandi ohne physische Nähe. Patton schrieb Songs mit einer Wunschliste von theoretischen Kollaborateuren im Kopf und hoffte dann auf eine Antwort in Form eines fertigen Tracks.

Das Album enthält auch Beiträge von Amon Tobin, Bebel Gilberto, DubTrio, Kid Koala, Dale Crover, Rahzel und einigen von Pattons Freunden aus der Bay Area, wie Dan 'the Automator' Nakamura und Jel, Odd Nosdam und Dose One vom Hip-Hop-Kollektiv anticon. Das Endergebnis ist ganz und gar einzigartig und weicht doch deutlich von Pattons jüngstem lauten Output ab. Eine Pop-Platte vielleicht. Jedoch eine die aus Mike Pattons Feder stammt.

Synth pioneer and musical polymath, Wally Badarou is a genius. But you know that already. A vinyl version of his majestic Colors Of Silence has been craved by the Balearic cognoscenti ever since its low-key 2001 release. Indeed, when we first started work on Be With, we asked some pals with exquisite taste what their dream release would be. We asked Balearic legend Moonboots and, without hesitation, he said Colors Of Silence by Wally Badarou. We didn't know Wally had made this album. And most still don't. But that's about to change.

Colors Of Silence is ostensibly a new age album. As ever though, Wally's sophisticated synth textures and expressive keyboard runs are so full of character, so full of life, that this work of art transcends any easy genre categorisation. It's simply stunning, throughout. It sounds like A.r.t. Wilson or Suzanne Kraft, with traces of CFCF and Jonny Nash. But it was made a good decade earlier than the work of these modern giants. Sometimes, it doesn't seem far from some Larry Heard albums.

Island Records founder Chris Blackwell's friend Nathalie Delon asked Wally to provide music for the yoga DVD she was to release. Lack of time on both sides made them agree on using "quality demos" Wally had in his ideas bank. It's understandable why Colors Of Silence remains somewhat of a lost gem. As Wally explains: "Total lack of promotion made it an 'intimate' release, which was exactly what I was looking for: just a buzz-maker and time-buyer that would allow me to concentrate on the real thing as soon as I'd have time, which could also turn into a rare collecting item later, once the final versions made their way to success. You never know."

Over the years, Colors Of Silence has become a true cult record for the ambient/Balearic heads.

The beguiling but brief "Dance In The Dust" is the shuffling, hyper-percussive, hypnotic opener. It gives way to the deep serenity of "Amber Whispers". It's a gliding, divine, mini melodic masterpiece. It'll make you swoon in its extreme beauty. The bright and breezy "Where Were We" follows, a tropical, reggae-tinged bounce through the islands.

The uptempo groove is maintained on the keys-drizzled soca-funk of "The Lights Of Kinshasa" before Side A is rounded out with "Pictures Of You". It starts with stately, melancholic, unadorned piano and this alone would make for a beautiful song. But Wally always gives us that bit extra and he effortlessly introduces warm, dreamy pads and minimal, slo-mo percussion to augment a frankly stunning piece of work.

Ushering in Side B, Wally's mesmeric piano playing is to the fore again, in the intro to uber-chilled "Serendipity For Two". The playing becomes more mellifluous as the track progresses and adds warmth through exotic percussion, woodwind, sweeping synths and digi-drums. It has echoes of, er, Echoes. It segues seamlessly into the more propulsive, wavy "Smiles By The Millions". If you're not nodding and grinning along widely to the gently throbbing bassline underpinning this, we can't help you. The meditative "Higher Still" follows, cinematic in feel and ever so slightly sinister with the strings. It sounds particularly Badalamenti-esque, if you ask us.

That unmistakable, almost peculiar Badarou funk - so lyrical, so texturally rich and so rhythmically spacious - is all over "Oriental". Next up, "Days To Wonder" brings the serenity back, insistent yet melodic keys, as if played in a place of worship, coupled with birdsong, conjure a kind of instant nostalgia for halcyon days of youth. The contemplative "Dawn Of Europa" is a sombre, beatless, ambient journey whilst the glorious, too-brief "Crystal Falls" features soft percussion and sparkle before fully glistening with some gentle head-nod beats. Wally brings this incredible collection to a mellow, tender close with the graceful "Purple Lines".

There can be few artists more under-appreciated given their vast influence than Wally Badarou. His solo work practically defined the sound of the Balearic DJs of the 1980s, and thus the more sophisticated sound of dance culture thereafter. A synth specialist, Badarou was the long-time associate of Level 42. He was one of the Compass Point All Stars (with Sly and Robbie, Barry Reynolds, Mikey Chung and Uziah "Sticky" Thompson), the in-house recording team of Compass Point Studios responsible for a series of albums in the 1980s recorded by Grace Jones, Tom Tom Club, Mick Jagger, Black Uhuru, Gwen Guthrie, Jimmy Cliff and Gregory Isaacs. Badarou's keyboard playing could also be heard on albums by Robert Palmer, Marianne Faithfull, Herbie Hancock, M (Pop Muzik), Talking Heads, Manu Dibango and Miriam Makeba. He also produced Fela Kuti. Phew!

Meticulously remastered and cut by both Simon Francis and Cicely Balston respectively, it has been pressed to the highest possibly quality at Record Industry in Holland. Special thanks must go to Apiento from Test Pressing who first introduced us to Wally and facilitated all those early zoom meetings. It couldn't have happened without his help. Not least on pulling the art together, too, which features striking original photography by Mads Perch. Benji Roebuck of Roebuck Press did his thing brilliantly in art working the whole package to completion. All in all: essential.

Quantic, Multi-Instrumentalist, DJ, Komponist und Produzent mit einer über 20-jährigen Karriere veröffentlicht sein neues Album "Dancing While Falling". Wie kein anderer verbindet Quantic Latin und Afro-karibische Rhythmen mit amerikanischem Soul und Dance, daraus entstanden ist sein bisher lebendigstes und euphorischstes Werk. Überwiegend entstand ist es in seinem Studio in Brooklyn mit einer Vielzahl von Kollaborateuren, wie Sängerinnen Andreya Triana und Connie Constance, aber auch zahlreichen Musikern, die u.a. mit Streichern und Bläsern den Live-Sound des Albums maßgeblich mit prägten.

Nach einem monumentalen Jahr macht sich der belgische Superstar-Produzent, DJ und Live-Performer Lost Frequencies bereit, das Jahr 2023 mit einem großen Finale abzuschließen: mit seinem dritten Album 'All Stand Together', das am 10. November über Sony Music erscheint! Auf "All Stand Together" nehmen Lost Frequencies und eine Reihe von alten und neuen Kollaborateuren die Zuhörer mit auf eine Reise voller Wohlfühl-Elektronik. Vom internationalen Nr. Hit 'Where Are You Now' mit Calum Scott, über die aktuelle Soloveröffentlichung 'The Feeling' und einem Titeltrack, der die Szene zum Kochen bringen wird. Featurings mit Netsky, James Arthur, Tom Gregory und vielen anderen. Von House- und Tropical-Sounds über Einflüsse von Folk, akustischen Instrumentals und starken Gesangsdarbietungen bis hin zu tanzbaren Hymnen - "All Stand Together" wird das bisher charakteristischste Album von Lost Frequencies.

Ambition ist das zweite Studioalbum des amerikanischen Rappers Wale. Es wurde am 1. November 2011 von der Maybach Music Group, Allido Records und Warner Bros. Records veröffentlicht. Es ist der Nachfolger seines Debütalbums Attention Deficit, das 2009 veröffentlicht wurde.

Die Produktion des Albums wurde von mehreren Produzenten übernommen, darunter Lex Luger, T-Minus, Tha Bizness, DJ Toomp und Diplo. Das Album enthält außerdem Gastauftritte von Rick Ross, Lloyd, Ne-Yo, Big Sean, Miguel, Meek Mill, Kid Cudi und Jeremih.

Adam Gibbons meldet sich mit Volldampf mit seinem achten Lack Of Afro-Studioalbum zurück. Es ist ein Album voller Hoffnung, Optimismus und guter Zeiten, inspiriert von seiner US-Reise zu den legendären FAME Aufnahmestudios in Muscle Shoals. In einer über 17-jährigen Karriere, in der seine Musik in Filmen und TV-Shows auf der ganzen Welt zu sehen/hören war und millionenfach gestreamt wurde, musste Adam viele Herausforderungen überwinden und kehrt nun auf SQUARE ONE, den Anfangspunkt, zurück. Dabei liefert er seine bisher beste Arbeit ab und geht auf seine erste US-Tour. Mit einem erneuerten Sinn für Inspiration und Energie ist Adam entschlossen, den Funk am Leben zu erhalten.

Nach über einem Jahrzehnt ist das erste und einzige PEEPING TOM-Album - eines der gefragtesten Alben von Mike Patton (Faith No More, Mr. Bungle) überhaupt - nun endlich wieder erhältlich. Unter den mitwirkenden Gästen so namhafte Musiker wie u.a. Norah Jones, Massive Attack, Kool Keith und viele mehr.

In Anlehnung an den psychologischen Horrorfilm aus dem Jahr 1960, der Patton zu dem Namen inspirierte, entstand PEEPING TOM in einem Modus Operandi ohne physische Nähe. Patton schrieb Songs mit einer Wunschliste von theoretischen Kollaborateuren im Kopf und hoffte dann auf eine Antwort in Form eines fertigen Tracks.

Das Album enthält auch Beiträge von Amon Tobin, Bebel Gilberto, DubTrio, Kid Koala, Dale Crover, Rahzel und einigen von Pattons Freunden aus der Bay Area, wie Dan 'the Automator' Nakamura und Jel, Odd Nosdam und Dose One vom Hip-Hop-Kollektiv anticon. Das Endergebnis ist ganz und gar einzigartig und weicht doch deutlich von Pattons jüngstem lauten Output ab. Eine Pop-Platte vielleicht. Jedoch eine die aus Mike Pattons Feder stammt.

Mayer Hawthorne hat seine Wurzeln in seiner Heimatstadt Ann Arbor, Michigan, wo er auf dem Höhepunkt des Detroiter Hip-Hop mit dem Produzieren von Beats und dem Auflegen von DJs begann.

Er hat bisher 5 Alben veröffentlicht und Auszeichnungen von angesehenen Publikationen wie GQ, New York Times Magazine, Playboy und Rolling Stone erhalten. Von der Verkündung seines bevorstehenden Ruhms durch NPR bis hin zu BBC Music, hat seine Kunst die Herzen von Kritikern und Fans gleichermaßen erobert. Mit einer Fülle von weiteren Beiträgen in namhaften Magazinen wie Billboard, Entertainment Weekly und Vanity Fair sowie Auftritten bei Conan, Letterman, Kimmel, der Today Show und darüber hinaus ist Hawthornes kultureller Einfluss unbestreitbar.

Nicht nur die Kritiker und Fans lieben Hawthorne, sondern auch seine Kollegen. Er eröffnete die letzte Tournee von Amy Winehouse und war Support von Bruno Mars; er schuf moderne Yacht-Rock-Jams mit Pharrell am Pool in Miami und John Mayer nannte sein Debüt auf Twitter das "Album des Jahres".

Jetzt ist Hawthorne bereit, sein neues Studioalbum For All Time zu veröffentlichen, eine eindringliche Erfahrung, die Grenzen überschreitet und die Schatten umarmt. Auf diesem Album taucht er tief in die Tiefen des menschlichen Herzens ein und erforscht die Komplexität der Liebe und die rohen Emotionen, die sie begleiten. Es ist eine fesselnde Mischung aus dunklen, sexy und stimmungsvollen Vibes, die Sie direkt in einen verrauchten Art-Déco-Jazzclub versetzen wird. For All Time ist eine Feier einer Liebe, die mit Intensität brennt
und einen bleibenden Eindruck in der Seele hinterlässt.

"56 NIGHTS" - ZUM ERSTEN MAL AUF VINYL. 56 Nights ist das fünfzehnte Mixtape des amerikanischen DJs und Plattenproduzenten DJ Esco. Es wurde am 21. März 2015 über das Label Freebandz Entertainment des Rappers Future veröffentlicht.

How do you define an artist who has never performed live, nor DJ’ed, nor ever had his photograph published and has never partaken in an interview? By the music of course. Jürgen Paape has proven this time and time again. How? Listen. Here. Right. Now. Co-owner of Kompakt. The house’s most elusive member remains the uncompromised, untainted shining star. He, who has launched the label with its very first release “Triumph“, Jürgen Paape has left a legacy of music that is a true core of the sound which Kompakt’s foundation is built on.

We celebrate Jürgen Paape with “Kompilation”. A well deserved opportunity to hear Jürgen Paape for fans and newcomers – revived and remastered and for the very first time on double vinyl – in a way that it plays through like a full length album. Some of the biggest moments of Kompakt over a three decade history are here; the chorus of “So Weit Wie Noch Nie” remains timeless – there to send shivers of pleasure down your spine as we feel at the end of exhaustive end of a night. “Take That” is an anthem for the still to be built rock stadiums of tomorrow. It’s a bonafide hit that put him in the charts in Australia and Italy. – “Come Into My Life” remains undeniably one of Kompakt’s catchiest pop tracks ever. “So Wird Die Zeit Gemacht” – builds on Paape’s signature sound with the spirit and vitality of classic house and a truly demented vocal hook. Then there’s the unique Schaffel quirkiness of “Ofterschwang” and so many other hits Jürgen Paape has delivered over the years. Well, it’s Paape!
Wie definiert man einen Künstler, der noch nie live aufgetreten ist, der noch nie als DJ aufgelegt hat, der noch nie ein Foto von sich veröffentlicht hat und der noch nie an einem Interview teilgenommen hat? Natürlich über die Musik. Jürgen Paape hat das immer wieder bewiesen. Und wie? Hört selbst. Hier. Genau. Jetzt. Er ist Miteigentümer von Kompakt. Das am schwersten fassbare Mitglied des Hauses bleibt sein kompromissloser, ungetrübter leuchtender Stern. Er, der das Label mit seiner allerersten Veröffentlichung “Triumph” aus der Taufe hob, hat ein musikalisches Vermächtnis hinterlassen, das der wahre Kern des Sounds ist, auf dem Kompakts Fundament aufgebaut ist.

Wir feiern Jürgen Paape mit “Kompilation”. Eine wohlverdiente Gelegenheit, Jürgen Paape für Fans und Neueinsteiger wieder zu entdecken – aufgefrischt, remastered und zum ersten Mal auf Doppel-Vinyl. Einige der größten Momente in der drei Jahrzehnte währenden Geschichte von Kompakt sind hier zu hören; der Refrain von “So Weit Wie Noch Nie” bleibt zeitlos – er lässt einem noch immer Schauer der Freude über den Rücken laufen, als würden wir nach durchtanzter Nacht morgens aus dem Club taumeln. “Take That” ist eine Hymne für die noch zu bauenden Rockstadien von morgen. Es ist ein echter Hit, der ihn sogar in Australien und Italien in die Charts brachte. “Come Into My Life” bleibt unbestreitbar einer der eingängigsten Popsongs von Kompakt überhaupt. “So Wird Die Zeit Gemacht” baut auf Paapes charakteristischem Sound auf, mit dem Geist und der Vitalität von klassischem House und einem wahrhaft verrückten Vocal-Hook. Und dann ist da noch die einzigartige Schaffel-Schrägheit von “Ofterschwang” und so viele andere Hits, die Jürgen Paape im Laufe der Jahre abgeliefert hat. Well, it’s Paape!

"Folk Songs of the American Longhair" (2010) ist das inzwischen von der Kritik gefeierte Debütalbum von Brother Dege - eine Platte, die Quentin Tarantino später als "wie ein Greatest-Hits-Album" des neuen Delta-Blues bezeichnete. "American Longhair" liefert postmoderne Geschichten über verzweifelte Südstaatler, apokalyptische Prophezeiungen, Mitternachtsengel, Hippie-Herumtreiber, brennende Scheunen und die endlosen Geister, die die Geschichte des tiefen Südens heimsuchen. Das Album wurde in aller Stille selbst veröffentlicht, ohne Vertrieb, ohne Repräsentation und absolut ohne Hype. Es erhielt schnell Vier- und Fünf-Sterne-Rezensionen und erregte die Aufmerksamkeit zahlreicher Geschmacksmacher in Film und Fernsehen, was zu Sync-Platzierungen auf Discovery Channels "After the Catch (Deadliest Catch)", "Hard Riders" von National Geographic, der Frauen-Radsportdokumentation "Half the Road" sowie "The Afflicted" von Netflix führte und vor allem von Quentin Tarantino persönlich für den Film "Django Unchained" und dazugehörigen Soundtrack ausgesucht wurde, wo Deges Lied "Too Old to Die Young" in der entscheidenden Höhepunktszene des Films spielt.

"Folk Songs of the American Longhair" (2010) ist das inzwischen von der Kritik gefeierte Debütalbum von Brother Dege - eine Platte, die Quentin Tarantino später als "wie ein Greatest-Hits-Album" des neuen Delta-Blues bezeichnete. "American Longhair" liefert postmoderne Geschichten über verzweifelte Südstaatler, apokalyptische Prophezeiungen, Mitternachtsengel, Hippie-Herumtreiber, brennende Scheunen und die endlosen Geister, die die Geschichte des tiefen Südens heimsuchen. Das Album wurde in aller Stille selbst veröffentlicht, ohne Vertrieb, ohne Repräsentation und absolut ohne Hype. Es erhielt schnell Vier- und Fünf-Sterne-Rezensionen und erregte die Aufmerksamkeit zahlreicher Geschmacksmacher in Film und Fernsehen, was zu Sync-Platzierungen auf Discovery Channels "After the Catch (Deadliest Catch)", "Hard Riders" von National Geographic, der Frauen-Radsportdokumentation "Half the Road" sowie "The Afflicted" von Netflix führte und vor allem von Quentin Tarantino persönlich für den Film "Django Unchained" und dazugehörigen Soundtrack ausgesucht wurde, wo Deges Lied "Too Old to Die Young" in der entscheidenden Höhepunktszene des Films spielt.

A Boogie Wit da Hoodie veröffentlicht Vinyl-Version seines aktuellen Albums " Me vs. Myself ".

Die Doppel-LP ist ab 20. Oktober im Handel erhältlich.
Der globale Multi-Platin-Superstar A Boogie Wit da Hoodie ist seit seinem Erscheinen in der Szene im Jahr 2016 eine Kraft, mit der man rechnen muss. Der aus der Bronx stammende Rapper wurde von der New York Times als "der vielversprechendste junge Rapper, den die Stadt seit einiger Zeit hervorgebracht hat" bezeichnet und kann bis heute fast 18 Milliarden globale Streams und über 50 RIAA-Platin- und Gold-Zertifizierungen vorweisen.

Mit einem dynamischen Katalog weltbekannter Hits ("My Shit", "Drowning (feat. Kodak Black)", "Swervin", "Look Back At It" und mehr) und drei von der Kritik gefeierten Alben (HOODIE SZN, THE BIGGER ARTIST und ARTIST 2.0) hat A Boogie bewiesen, dass er einer der hellsten Stars der Musikindustrie ist.

A Boogie ist auch einer der gefragtesten Kollaborateure der Musikbranche und hat mit einer Vielzahl von Künstlern zusammengearbeitet, von Ed Sheeran, Maroon 5 und Khalid bis hin zu Chris Brown, DJ Khaled, Paulo Londra, Meek Mill, Pop Smoke und vielen anderen.

Die Musik von Arabrot ist zeitlos. Gerade wenn man glaubt, einen Einfluss oder Bezugspunkt ausgemacht zu haben, entzieht sie sich dem Zugriff, dreht und wendet sich in unerwartete Richtungen und formt einen Sound, der wirklich einzigartig ist. In den letzten zwei Jahrzehnten hat sich Arabrot durch mehrere Iterationen gewandelt; sie haben verschiedene Formen und Größen ausprobiert, verschiedene Stimmungen aufgenommen und die Außengrenzen verschiedener Genres erkundet und klangen dabei nie weniger als ganz sie selbst. 2023 erscheint ihr zehntes Album, Of Darkness and Light - ein Grund zum Feiern. Kjetil Nernes war der Kern und die Konstante von Arabrot, und seit einiger Zeit schlägt neben ihm ein weiteres Herz im perfekten Gleichklang. Karin Park, eine Partnerin im Leben, in der Liebe und in der Musik, trägt seit zehn Jahren in unterschiedlichem Maße zu Arabrot bei, und auf Of Darkness and Light ist ihre Präsenz sowohl gefestigt als auch verstärkt. Die beiden leben zusammen in einer Kirche in dem schwedischen Dorf, in dem Karin aufgewachsen ist, und haben sich ihr eigenes Reich geschaffen, in dem sie ihre Kinder, ihr Handwerk und ihre kreativen Visionen pflegen. Of Darkness and Light brauchte einige Zeit, um Gestalt anzunehmen. Der Lebenslauf von Produzent Alain Johannes liest sich wie ein Who's Who der Rockmusik. Er ist selbst ein versierter Musiker (er spielte mit PJ Harvey, Queens of the Stone Age und Them Crooked Vultures und hatte auch seine eigene Band Eleven) und verfügt über langjährige Erfahrung als Produzent. Es war seine Arbeit an Mark Lanegans Album Straight Songs of Sorrow aus dem Jahr 2020, die Kjetil auf ihn aufmerksam machte, bevor Kismet eingriff und die beiden zusammenbrachte. Alain erklärte, dass "mein Bauchgefühl immer richtig ist" und zog im August 2022 ins Djura Missionshus, auch bekannt als die Kirche von A°rabrot, um mit der Arbeit zu beginnen. Das Trio verbrachte mehrere Wochen damit, die Arbeit mit dem Familienleben zu verbinden und die Puzzleteile zusammenzusetzen, aus denen sich Of Darkness and Light zusammensetzt - ihr erstes Album, das komplett in der Kirche aufgenommen wurde. Das Ergebnis ist ein echtes Rockalbum - unter der elektrisierenden Fassade aus flirrenden Synthesizern und raffiniertem Glitzern schlägt ein schweres Rockherz. Die Worte werden dem unbändigen, konkupiszenten Verlangen kaum gerecht, das sich hinter ihrem Schlachtruf We Want Blood verbirgt - einem hymnischen, mit den Füßen stampfenden Vorstoß, der in der Mitte des Albums liegt. An anderer Stelle stehen düstere Mörderballaden neben feierlichen "Fuck Yeah"-Momenten der Freude; ihre reduzierte Herangehensweise an die Instrumentierung schmälert nicht den Reichtum ihres Sounds. Für Freunde von SWANS, KILLING JOKE, WOVENHAND, CHELSEA WOLFE, THE MELVINS, CAPTAIN BEEFHEART, NINE INCH NAILS Ltd Pink Single Colour LP (We Want Blood Edition), Gatefold Cover

Die Serie der Depeche Mode 12"-Vinyl-Singles als Sammleredition wird mit der Veröffentlichung von "Delta Machine - The 12" Singles" am 6. Oktober 2023 fortgesetzt. Das Deluxe Boxset "Delta Machine - The 12" Singles", enthält sechs 12"-Vinylscheiben, mit den Single-Auskopplungen von "Delta Machine", dem 13. Studioalbum von Depeche Mode (und dem ersten für Columbia Records). Ursprünglich im März 2013 auf Mute/Columbia veröffentlicht, präsentierte "Delta Machine" den Fans "Heaven" (als Leadsingle im Januar 2013 veröffentnlicht), "Soothe My Soul" (im Mai 2013 veröffentlicht) und "Should Be Higher" (im Oktober 2013 veröffentlicht). Das "Delta Machine - The 12" Singles" Box-Set enthält Repliken der originalen 12"-Single-Veröffentlichungen plus drei neu zusammengestellte Discs mit Remixen, Dub-Mixen, Instrumentalversionen, Live-Sessions und Radio-Mixen der Singles sowie den Bonustrack "Goodbye (Gesaffelstein Remix)".