Search:der bass

Nach 42 Jahren im Metal-Business kommt Grave Diggers Front-Ikone Chris Boltendahl mit seinem ersten Soloalbum - "Reborn In Flames". Unter dem Banner von Chris Boltendahls STEELHAMMER konnte Chris eine illustre Zunft erstklassiger Musiker für dieses Werk gewinnen. An der Gitarre ist kein Geringerer als der Ex-Orden Ogan-Gitarrenzauberer Tobias Kersting zu finden. Mit ihm hat Chris alle 10 Tracks auf "Reborn in Flames" geschrieben. Komplettiert wird das Line-Up durch Lars Schneider am Bass (ex Orden Ogan) und Patrick Klose am Schlagzeug (Iron Savior). "Reborn in Flames" strotzt nur so vor klassischen Power-Metal-Riffs- eine glühende Mischung aus "Grave Digger meets Metal Church. Von Heavy-Metal-Steamern à la "Reborn in Flames", "Fire Angel" oder "Beyond the Black Soul" bis hin zu den Groove-Monstern "Gods of Steel, Out of the Ruins oder The Hammer that kills" hört man auf dem Album alles, was das Metalherz begehrt. Das Album endet mit der Coverversion des Klassikers "Beds are burning" von Midnight Oil. Tobias Kersting veredelt das Album mit filigranen Power-Metal-Riffs und Weltklasse-Soli, während Lars Schneider und Patrick Klose dem Duo Kersting/Boltendahl die nötige Basis liefern. Die unverkennbare Stimme der Totengräber-Legende regiert... "Reborn in Flames" ist ein Feuerwerk an Metal für jeden Headbanger, der klassischen Metal liebt... Mit "Reborn in Flames" schaffen die vier Musiker ein eigenständiges, frisches und hochklassiges Power-Metal-Debütalbum. Wie Ozzy sagte: "Let the madness begin"

Nach 42 Jahren im Metal-Business kommt Grave Diggers Front-Ikone Chris Boltendahl mit seinem ersten Soloalbum - "Reborn In Flames". Unter dem Banner von Chris Boltendahls STEELHAMMER konnte Chris eine illustre Zunft erstklassiger Musiker für dieses Werk gewinnen. An der Gitarre ist kein Geringerer als der Ex-Orden Ogan-Gitarrenzauberer Tobias Kersting zu finden. Mit ihm hat Chris alle 10 Tracks auf "Reborn in Flames" geschrieben. Komplettiert wird das Line-Up durch Lars Schneider am Bass (ex Orden Ogan) und Patrick Klose am Schlagzeug (Iron Savior). "Reborn in Flames" strotzt nur so vor klassischen Power-Metal-Riffs- eine glühende Mischung aus "Grave Digger meets Metal Church. Von Heavy-Metal-Steamern à la "Reborn in Flames", "Fire Angel" oder "Beyond the Black Soul" bis hin zu den Groove-Monstern "Gods of Steel, Out of the Ruins oder The Hammer that kills" hört man auf dem Album alles, was das Metalherz begehrt. Das Album endet mit der Coverversion des Klassikers "Beds are burning" von Midnight Oil. Tobias Kersting veredelt das Album mit filigranen Power-Metal-Riffs und Weltklasse-Soli, während Lars Schneider und Patrick Klose dem Duo Kersting/Boltendahl die nötige Basis liefern. Die unverkennbare Stimme der Totengräber-Legende regiert... "Reborn in Flames" ist ein Feuerwerk an Metal für jeden Headbanger, der klassischen Metal liebt... Mit "Reborn in Flames" schaffen die vier Musiker ein eigenständiges, frisches und hochklassiges Power-Metal-Debütalbum. Wie Ozzy sagte: "Let the madness begin"

Nach 42 Jahren im Metal-Business kommt Grave Diggers Front-Ikone Chris Boltendahl mit seinem ersten Soloalbum - "Reborn In Flames". Unter dem Banner von Chris Boltendahls STEELHAMMER konnte Chris eine illustre Zunft erstklassiger Musiker für dieses Werk gewinnen. An der Gitarre ist kein Geringerer als der Ex-Orden Ogan-Gitarrenzauberer Tobias Kersting zu finden. Mit ihm hat Chris alle 10 Tracks auf "Reborn in Flames" geschrieben. Komplettiert wird das Line-Up durch Lars Schneider am Bass (ex Orden Ogan) und Patrick Klose am Schlagzeug (Iron Savior). "Reborn in Flames" strotzt nur so vor klassischen Power-Metal-Riffs- eine glühende Mischung aus "Grave Digger meets Metal Church. Von Heavy-Metal-Steamern à la "Reborn in Flames", "Fire Angel" oder "Beyond the Black Soul" bis hin zu den Groove-Monstern "Gods of Steel, Out of the Ruins oder The Hammer that kills" hört man auf dem Album alles, was das Metalherz begehrt. Das Album endet mit der Coverversion des Klassikers "Beds are burning" von Midnight Oil. Tobias Kersting veredelt das Album mit filigranen Power-Metal-Riffs und Weltklasse-Soli, während Lars Schneider und Patrick Klose dem Duo Kersting/Boltendahl die nötige Basis liefern. Die unverkennbare Stimme der Totengräber-Legende regiert... "Reborn in Flames" ist ein Feuerwerk an Metal für jeden Headbanger, der klassischen Metal liebt... Mit "Reborn in Flames" schaffen die vier Musiker ein eigenständiges, frisches und hochklassiges Power-Metal-Debütalbum. Wie Ozzy sagte: "Let the madness begin"

Ltd Coloured Vinyl - Indies Only!

Die Punkrock- und Metal-Superhelden MUTOID MAN - bestehend aus CAVE IN-Sänger/Gitarrist Steven Brodsky, CONVERGE-Schlagzeuger Ben Koller und dem neu hinzugekommenen HIGH ON FIRE-Bassisten Jeff Matz - haben ihr neues Album angekündigt: "Mutants", erscheint am 28. Juli via Sargent House! Brodsky und Koller, die eine fast telepathische Chemie besitzen, haben sich schon immer dadurch ausgezeichnet, dass sie ihre eigene, einzigartige Art von rasendem, hyperfokussiertem, dynamischem und exzessivem Griffbrett-versiertem Metal kreieren. Wenn man zwei Musiker nimmt, die in der Hardcore-Welt aufgewachsen sind und schnell die technischen Anforderungen übertrafen, um selbst die anspruchsvolleren Varianten dieses Sounds zu spielen, und sie dann dazu bringt, sich gegenseitig spielerisch in unverschämte und eingängige Gefilde zu drängen, erhält man eine grobe Annäherung an den MUTOID MAN-Sound. Aber mit dem neuen Bassisten Jeff Matz im Schlepptau hat man nun ein Dreiergespann von Prog-Level-Spielern, die sich dem Metal mit punkiger Respektlosigkeit nähern, auf "Mutants", einem Album, das ihre bisher gelungenste und verblüffendste Leistung darstellt. Nach dem Erfolg ihrer Debüt-EP "Helium Head" (2013) legte die Band in den nächsten vier Jahren eine manische Arbeitsmoral an den Tag, brachte die beiden Alben "Bleeder" (2015) und "War Moans" (2017) heraus, tourte unermüdlich durch die USA und Europa und wurde nebenbei so etwas wie eine De-facto-Hausband des angesagten New Yorker Metal-Clubs Saint Vitus. Mit Tourdaten im Vorprogramm von Acts wie MASTODON und DANZIG schien es, als sei MUTOID MANs Eintritt in die Oberliga der Heavy Metal-Helden unvermeidlich. Doch zwischen Besetzungswechseln, einem Exodus aus Brooklyn, einer Reihe anderer musikalischer Projekte und einer Pandemie wurde die Band inmitten ihres Aufstiegs auf Eis gelegt. Aber nach einer sechsjährigen Aufnahmepause sind MUTOID MAN zurück, um mit "Mutants" ihren Thron zurückzuerobern

Am 22. Juni 2023 ist einer der „Paten des Freejazz“ (Die Zeit) von uns gegangen. Als letztes Vermächtnis bleibt dieses Livealbum. Von Anfang an ist in diesen Aufnahmen eine enorme Konzentration zu spüren: eine Bündelung musikalischer Kräfte. Basstöne, die wie Beschwörungsformeln wirken, ein Schlagzeug, das eine breit gefächerte, klang- und kraftvolle Wucht entfaltet – und ein Blas-Instrument, das ganz häufi g schweigt, in den Hintergrund tritt, um im rechten Augenblick rau schmirgelnde Energieströme von sich zu geben.

Die Autofenster sind heruntergelassen, die Luft ist warm, und die Möglichkeiten sind grenzenlos. Auf Cut Worms, dem neuen, selbstbetitelten Album des aus Brooklyn stammenden Max Clarke, setzt der Singer-Songwriter und Musiker seine Erkundung dessen fort, was er "Pop-Essentialismus" nennt. Indem er die goldenen Hits vergangener Tage für einen zeitlosen Doppel-A-Seiten-Sound ausgräbt, betrachtet er uralte Fragen durch eine moderne Linse. Hier lässt er das legendäre Studio und die gefragten Produzenten hinter sich und arbeitet mit einer Reihe von begabten Freunden und Kollaborateuren zusammen, um seinen eigenen Ansatz zu finden. Das Ergebnis ist eine kompakte Sammlung von Tagtraum-Hymnen, die zwischen den hoffnungsvollen Anfängen des Sommers und dem flüchtigen Ende der Saison angesiedelt sind. Anstatt das gesamte Album in einem Stück in einem Studio aufzunehmen, variierte Clarke seine Methoden. Drei der Songs wurden von Anfang bis Ende in seinem gemeinsamen Proberaum aufgenommen. "Don't Fade Out" und Living Inside" wurden in Brooklyn von Brian und Michael D'Addario von den Lemon Twigs aufgenommen, die bei diesen beiden Stücken auch Klavier bzw. Bass spielten. Weitere grundlegende Aufnahmen wurden von Rick Spataro (von der Indie-Folk-Band Florist) in seinem Studio Onlyness Analog im Hudson Valley gemacht, mit Beiträgen der langjährigen Live-Band Cut Worms - Keyboarder John Andrews, Bassist Keven Louis Lareau und Schlagzeuger Noah Bond (der bei allen drei Sessions mitwirkte). Die neun Songs sind von einem jugendlichen Geist durchdrungen. Die mit Nelken geschmückte Schulball-Serenade "I'll Never Make It", die sternenklare Verliebtheit von "Is it Magic?", das erste Herbstlaub auf der Busfahrt zur Schule in "Living Inside" - sie alle beschwören einen Ort der Wärme und Sicherheit. Erklärungen wie "Don't Fade Out", "Let's Go Out On The Town" und "Use Your Love" stellen hohe Anforderungen an das Leben, um es zu verändern, bitten aber gleichzeitig darum, das zu bewahren, was uns als Menschen ausmacht. Clarke ringt mit einem Paradoxon: Die Freuden der Erfahrung können nicht ohne den Verlust der Unschuld gewonnen werden.

Die Autofenster sind heruntergelassen, die Luft ist warm, und die Möglichkeiten sind grenzenlos. Auf Cut Worms, dem neuen, selbstbetitelten Album des aus Brooklyn stammenden Max Clarke, setzt der Singer-Songwriter und Musiker seine Erkundung dessen fort, was er "Pop-Essentialismus" nennt. Indem er die goldenen Hits vergangener Tage für einen zeitlosen Doppel-A-Seiten-Sound ausgräbt, betrachtet er uralte Fragen durch eine moderne Linse. Hier lässt er das legendäre Studio und die gefragten Produzenten hinter sich und arbeitet mit einer Reihe von begabten Freunden und Kollaborateuren zusammen, um seinen eigenen Ansatz zu finden. Das Ergebnis ist eine kompakte Sammlung von Tagtraum-Hymnen, die zwischen den hoffnungsvollen Anfängen des Sommers und dem flüchtigen Ende der Saison angesiedelt sind. Anstatt das gesamte Album in einem Stück in einem Studio aufzunehmen, variierte Clarke seine Methoden. Drei der Songs wurden von Anfang bis Ende in seinem gemeinsamen Proberaum aufgenommen. "Don't Fade Out" und Living Inside" wurden in Brooklyn von Brian und Michael D'Addario von den Lemon Twigs aufgenommen, die bei diesen beiden Stücken auch Klavier bzw. Bass spielten. Weitere grundlegende Aufnahmen wurden von Rick Spataro (von der Indie-Folk-Band Florist) in seinem Studio Onlyness Analog im Hudson Valley gemacht, mit Beiträgen der langjährigen Live-Band Cut Worms - Keyboarder John Andrews, Bassist Keven Louis Lareau und Schlagzeuger Noah Bond (der bei allen drei Sessions mitwirkte). Die neun Songs sind von einem jugendlichen Geist durchdrungen. Die mit Nelken geschmückte Schulball-Serenade "I'll Never Make It", die sternenklare Verliebtheit von "Is it Magic?", das erste Herbstlaub auf der Busfahrt zur Schule in "Living Inside" - sie alle beschwören einen Ort der Wärme und Sicherheit. Erklärungen wie "Don't Fade Out", "Let's Go Out On The Town" und "Use Your Love" stellen hohe Anforderungen an das Leben, um es zu verändern, bitten aber gleichzeitig darum, das zu bewahren, was uns als Menschen ausmacht. Clarke ringt mit einem Paradoxon: Die Freuden der Erfahrung können nicht ohne den Verlust der Unschuld gewonnen werden.

Die Autofenster sind heruntergelassen, die Luft ist warm, und die Möglichkeiten sind grenzenlos. Auf Cut Worms, dem neuen, selbstbetitelten Album des aus Brooklyn stammenden Max Clarke, setzt der Singer-Songwriter und Musiker seine Erkundung dessen fort, was er "Pop-Essentialismus" nennt. Indem er die goldenen Hits vergangener Tage für einen zeitlosen Doppel-A-Seiten-Sound ausgräbt, betrachtet er uralte Fragen durch eine moderne Linse. Hier lässt er das legendäre Studio und die gefragten Produzenten hinter sich und arbeitet mit einer Reihe von begabten Freunden und Kollaborateuren zusammen, um seinen eigenen Ansatz zu finden. Das Ergebnis ist eine kompakte Sammlung von Tagtraum-Hymnen, die zwischen den hoffnungsvollen Anfängen des Sommers und dem flüchtigen Ende der Saison angesiedelt sind. Anstatt das gesamte Album in einem Stück in einem Studio aufzunehmen, variierte Clarke seine Methoden. Drei der Songs wurden von Anfang bis Ende in seinem gemeinsamen Proberaum aufgenommen. "Don't Fade Out" und Living Inside" wurden in Brooklyn von Brian und Michael D'Addario von den Lemon Twigs aufgenommen, die bei diesen beiden Stücken auch Klavier bzw. Bass spielten. Weitere grundlegende Aufnahmen wurden von Rick Spataro (von der Indie-Folk-Band Florist) in seinem Studio Onlyness Analog im Hudson Valley gemacht, mit Beiträgen der langjährigen Live-Band Cut Worms - Keyboarder John Andrews, Bassist Keven Louis Lareau und Schlagzeuger Noah Bond (der bei allen drei Sessions mitwirkte). Die neun Songs sind von einem jugendlichen Geist durchdrungen. Die mit Nelken geschmückte Schulball-Serenade "I'll Never Make It", die sternenklare Verliebtheit von "Is it Magic?", das erste Herbstlaub auf der Busfahrt zur Schule in "Living Inside" - sie alle beschwören einen Ort der Wärme und Sicherheit. Erklärungen wie "Don't Fade Out", "Let's Go Out On The Town" und "Use Your Love" stellen hohe Anforderungen an das Leben, um es zu verändern, bitten aber gleichzeitig darum, das zu bewahren, was uns als Menschen ausmacht. Clarke ringt mit einem Paradoxon: Die Freuden der Erfahrung können nicht ohne den Verlust der Unschuld gewonnen werden.

"The Queen Is Not Dead" ist kein "durchschnittliches" SPIRITUAL FRONT Album, aber welche Veröffentlichung der Suicide Pop Band aus Italien ist das schon? Das achte Studioalbum der Römer ist vielmehr "eine Hommage an die legendären, wundervollen Hymnen von Morrissey und Johnny Marr", wie Simone Salvatori schreibt. Der Bandgründer und Frontmann von SPIRITUAL FRONT bezeichnet THE SMITHS als eine der wichtigsten musikalischen Inspirationen für jedes Mitglied der Band. Die Italiener nahmen das Album mit dem erklärten Ziel auf, eine respektvolle Hommage zu erschaffen, ohne dass dabei ein Klon entstehen sollte. Bei den fünfzehn Coversongs, die für viele Musikfreunde heilig sind, blieben die Römer den Originalaufnahmen zwar treu, sie führen die Songs jedoch näher an die Klangwelt von SPIRITUAL FRONT heran - beispielsweise indem sie klassische Instrumente hinzufügen. Zu Salvatori und seinen Bandkollegen, dem Gitarristen Francesco Conte und Andrea Freda am Schlagzeug, gesellen sich der Bassist Daniele Raggi, ein Streichsextett und ein Bläser sowie eine Fülle von Beiträgen befreundeter Musiker: Darunter befinden sich die Sängerin Durga McBroom (PINK FLOYD, BLUE PEARL), Riccardo Galati, Filippo Marcheggiani (BANCO DEL MUTUO SOCCORSO), Michal Stepien (MGLA), Jairo Zavala (CALEXICO), King Dude, Traci Danielle (MY LIFE WITH THE THRILL KILL KULT), Riccardo Spilli (IL BALLETTO DI BRONZO) und Sasha Boole (ME AND THAT MAN). SPIRITUAL FRONT wurden 1999 als Soloprojekt von Salvatori gegründet und haben seitdem zahlreiche Alben, Singles, EPs und Kollaborationen veröffentlicht. Die Italiener beschreiben ihren Sound als "eingängige Balladen für herzzerreißende nihilistische Jugendliche". Textlich beschäftigen sich SPIRITUAL FRONT mit Themen wie der Suche nach einer eigenen Identität, Sexualität, harte Realitäten und wütende Trennungen, die oft von triefendem Sarkasmus, Nihilismus sowie einem beißenden Sinn für Humor eingefärbt sind. Darüber hinaus haben die Italiener mit namhaften Künstlern wie LYDIA LUNCH, ORDO ROSARIUS EQUILIBRIO und vielen anderen zusammengearbeitet sowie an den Soundtracks der Fernsehserie "Las Vegas", des Kinofilms "Saw 2" und an weiteren Independent-Filmen, Theaterproduktionen und modernem Ballett mitgewirkt. SPIRITUAL FRONT zollen THE SMITHS, die für die Italiener zufällig den Soundtrack ihres Lebens komponiert haben mit "The Queen Is Not Dead" ihren aufrichtigen Tribut.

SOMNURI hält sich nicht an der Oberfläche fest. Der Heavy Metal der Band stapft von Genre zu Genre mit der Inbrunst und dem Selbstvertrauen einer Band, die bereit ist, die Schwellen zu allem Wahrnehmbaren und Möglichen zu überschreiten. Die Band, bestehend aus Lead-Gitarrist und Sänger Justin Sherrell, Schlagzeuger Phil SanGiancomo und Bassist Mike G, hat sich die Aufmerksamkeit von Magazinen wie Revolver Magazine, BrooklynVegan, MetalSucks, MetalHammer und anderen verdient und ihr neuestes Werk ist ein wahrer Beweis für die unersättliche Arbeitsmoral der Band, die sie als einen der aufregendsten aufstrebenden Acts des Heavy Metal zementiert.

Aufgenommen in den Gojira Silver Cord Studios, abgemischt von Justin Mantooth in den Westend Studios und gemastert von Brad Boatright bei Audiosiege Mastering, bewegt sich die Band auf „Desiderium“ nahtlos durch eine Vielzahl von Tempi und Klängen und gibt einigen ausgetretenen Pfaden neue Wege vor. Songs wie „Paramnesia“ kommen wie eine schlammige Abrissbirne daher und erinnern in ihren stärksten Momenten an Eyehategod und Crowbar. Anstelle von Moshparts zieht sich die Band zurück und lässt Sherrell ein paar cleane Vocals einstreuen, bevor sie wieder voll angreift. Sherrells Stimme ist wahnsinnig vielseitig und kann sowohl gefühlvolle cleane Vocals als auch grimmige Schreie liefern. Sie ist der perfekte Kontrast zu den Instrumenten der Band, die ein Band zwischen Sludge, Grunge, Psych-Rock und mehr weben.

Anlässlich ihres 40-jährigen Bestehens präsentieren die kanadischen Progressive-Sci-Fi-Metal-Innovatoren VOIVOD ihre spezielle Jubiläumsveröffentlichung "Morgöth Tales", die frische Studio(neu)aufnahmen der aktuellen Bandbesetzung von 9 speziell ausgewählten, nicht so offensichtlichen Stücken aus dem erstklassigen und extrem vielfältigen Backkatalog der Band (zwischen 1984 und 2003) sowie einen brandneuen Song im Titeltrack des Albums, "Morgöth Tales", enthält. "Morgöth Tales" enthält außerdem spezielle Gastauftritte der ehemaligen VOIVOD-Mitglieder Eric "E-Force" Forrest (E-Force, Gesang bei "Rise") und Jason "Jason" Newsted (ex-Metallica / Flotsam And Jetsam, Bass bei "Rebel Robot"). "Morgöth Tales" ist der Nachfolger von VOIVODs 15. (!) hochgelobten und für den Juno Award nominierten Studioalbum "Synchro Anarchy" (2022), das in Deutschland Platz 7 der offiziellen Albumverkaufscharts erreichte. Die Veröffentlichung ist erhältlich als Ltd. CD Jewelcase im O-Card mit Bonustrack (eine Coverversion von "Home" von Public Image Ltd) und als 180g Vinyl LP mit 4-seitigem LP-Booklet. Und verpasst nicht VOIVODs Tournee zum 40-jährigen Jubiläum der "Morgöth Tales"...

Dröhnender norwegischer Prog-Rock als Soundtrack der Hingabe an ein queeres Schwarzes Selbstbewusstsein, das keine Schonung mit sich selbst kennt! 2021 wurde Ring van Möbius vom Performer und Choreografen Harald Beharie gebeten, die Musik für seinen nächsten Soloauftritt zu schreiben.
Das Projekt wurde bald für den Preis der norwegischen Kritikervereinigung 2022 nominiert. Es entstanden aus einem gemeinsamen musikalischen Ausgangsmaterial drei ähnliche, aber unterschiedliche Werke. Erstens die Demoaufnahmen, zweitens das musikalische Ergebnis dieser Auftragsarbeit und drittens genau dieses Album. Dies ist die vollständig entwickelte Ring van Möbius-Version 'Commissioned Works Pt. II: Six Drops Of Poison'. Das norwegische Trio liefert dabei wieder eine progressive Perle, die auch 1971 hätte erscheinen können, natürlich mit Mitteln wie der rohen Kraft der Hammond-Orgel, Fender Rhodes, Schlagzeug und E-Bass-Gitarre. Ein sehr unterhaltsames, nostalgisches Vergnügen für Fans von Van der Graaf Generator, King Crimson oder Camel. Neben der CD gibt es eine Black Vinyl-Version sowie die streng limitierten Farben White und Tranparent Magenta.
Weitere Formate

Dröhnender norwegischer Prog-Rock als Soundtrack der Hingabe an ein queeres Schwarzes Selbstbewusstsein, das keine Schonung mit sich selbst kennt! 2021 wurde Ring van Möbius vom Performer und Choreografen Harald Beharie gebeten, die Musik für seinen nächsten Soloauftritt zu schreiben.
Das Projekt wurde bald für den Preis der norwegischen Kritikervereinigung 2022 nominiert. Es entstanden aus einem gemeinsamen musikalischen Ausgangsmaterial drei ähnliche, aber unterschiedliche Werke. Erstens die Demoaufnahmen, zweitens das musikalische Ergebnis dieser Auftragsarbeit und drittens genau dieses Album. Dies ist die vollständig entwickelte Ring van Möbius-Version 'Commissioned Works Pt. II: Six Drops Of Poison'. Das norwegische Trio liefert dabei wieder eine progressive Perle, die auch 1971 hätte erscheinen können, natürlich mit Mitteln wie der rohen Kraft der Hammond-Orgel, Fender Rhodes, Schlagzeug und E-Bass-Gitarre. Ein sehr unterhaltsames, nostalgisches Vergnügen für Fans von Van der Graaf Generator, King Crimson oder Camel. Neben der CD gibt es eine Black Vinyl-Version sowie die streng limitierten Farben White und Tranparent Magenta.
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Dröhnender norwegischer Prog-Rock als Soundtrack der Hingabe an ein queeres Schwarzes Selbstbewusstsein, das keine Schonung mit sich selbst kennt! 2021 wurde Ring van Möbius vom Performer und Choreografen Harald Beharie gebeten, die Musik für seinen nächsten Soloauftritt zu schreiben.
Das Projekt wurde bald für den Preis der norwegischen Kritikervereinigung 2022 nominiert. Es entstanden aus einem gemeinsamen musikalischen Ausgangsmaterial drei ähnliche, aber unterschiedliche Werke. Erstens die Demoaufnahmen, zweitens das musikalische Ergebnis dieser Auftragsarbeit und drittens genau dieses Album. Dies ist die vollständig entwickelte Ring van Möbius-Version 'Commissioned Works Pt. II: Six Drops Of Poison'. Das norwegische Trio liefert dabei wieder eine progressive Perle, die auch 1971 hätte erscheinen können, natürlich mit Mitteln wie der rohen Kraft der Hammond-Orgel, Fender Rhodes, Schlagzeug und E-Bass-Gitarre. Ein sehr unterhaltsames, nostalgisches Vergnügen für Fans von Van der Graaf Generator, King Crimson oder Camel. Neben der CD gibt es eine Black Vinyl-Version sowie die streng limitierten Farben White und Tranparent Magenta.
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DEICIDE aus Florida halten die Fahne des unerbittlichen, brutalen, bösen und satanischen Death Metal hoch. Das 11. Studioalbum der Band "In The Minds Of Evil" aus dem Jahr 2013 enthält 11 Tracks reiner und vollkommener musikalischer Blasphemie, produziert von Jason Suecof (Trivium, Death Angel, The Black Dahlia Murder, etc.). Es ist das gnadenlose Schlagzeugspiel, die herzzerreißenden Riffs, die kreischenden und doch melodischen Soli und der brummende Bass, der Dich auf den Boden nageln wird, während Mr. Benton dir ins Gesicht brüllt wie Neros wildester Löwe. "In The Minds Of Evil" ist nichts weniger als ein weiteres großartiges Beispiel für makellos ausgeführten unheiligen Death Metal von den Pionieren und Paten dieses Stils.

Der finnische Musikveteran Jesse Heikkinen und seine Co-Leadsängerin Natalie Koskinen (Shape of Despair) ließen sich von esoterischen Organisationen, ihrem Glauben und ihren eigenen Praktiken lyrisch inspirieren und verwoben rituelle Geschichten aus den dunkelsten Ecken ihrer selbst mit Musik, die ein provokantes, verführerisches Kaleidoskop aus dunklem, schwerem Rock ergibt. Das Ergebnis ist das mystische "Word of Sin", das neun-track-Debütalbum von The Abbey. Mit dem ehemaligen Sentenced- und The Man-Eating Tree-Schlagzeuger Vesa Ranta, Janne Markus (Gitarre, ebenfalls von The Man-Eating Tree) und Henri Arvola (Bass) wird das Debütalbum der aufstrebenden Progressive-Doom-Rock-Band die Hörer mit Sicherheit in seinen Bann ziehen.

OUTER HEAVEN return with their crushing new album, Infinite Psychic Depths! The album, an exploration into the darkest depths of extreme music, showcases OUTER HEAVEN's muscle, as the band churns out some of 2023's most visceral and frenetic slabs of twisted Death Metal. Taking advantage of guitarists Jonathan Kunz’s and Zak Carter’s penchant for technical prowess and rhythmic galloping with melodic catchiness, OUTER HEAVEN bridges the worlds of dark n’ dank despair and upbeat hookiness. Austin Haines' vocal delivery is as unchained as ever, barking and growling through interwoven stories of societal collapse, hallucinogens, mutations, and more, connecting Infinite Psychic Depths to their acclaimed debut, Realms of Eternal Decay. Methodological riffing swirls around muscular half-time clobbering in both “Soul Remnants” and “Unspeakable Aura". “Pillars of Dust” and “Liquified Mind” take the listener on a journey from the furthest reaches of the Earth’s exosphere to the sweat and spilled beer of a dive bar moshpit. “Fragmented Suspension” gives a backhand to the genre tunnel vision with a tendinitis-inducing palm muted shuffle that’s part Norwegian black metal iciness and part classic ‘80s L.A. hardcore skate punk. Recorded by Ryan Reed and mixed and mastered by Greg Wilkinson at Earhammer Studios, Infinite Psychic Depths throws a few tricks and guest appearances into the mix with bass playing by Derrick Vella from Tomb Mold, as well as vocal contributions from Pig Destroyer’s JR Hayes, Morbid Angel’s Steve Tucker and Alex Jones from Undeath. The new album also features a special appearance by Dave Suzuki (Churchburn, ex-Vital Remains) doing a trade-off solo on “Rotting Stone/D.M.T.”

Boris und Uniform mögen wie ein seltsames Gespann gewirkt haben, als sie sich 2019 für eine US-Tournee zusammentaten. Sicher, beide Bands nutzen die Kraft großer, explosiver Riffs, aber Boris' Rock-Heldentum, lysergische Ausbreitung und monolithischer Sludge beschwören eine andere Energie herauf als Uniforms mechanisierte Bombardements und rasende Angriffe. Als Boris jedoch Uniform einlud, als Teil ihrer Zugabe eine neu gestaltete Version ihres Klassikers „Akuma no Uta“ zu spielen, war die Chemie zwischen den Künstlern offensichtlich. Die Idee eines gemeinsamen Albums kam auf, und die Bands verbrachten das nächste Jahr damit, Songideen und Aufnahmen in ihren Heimstudios auszutauschen, bis Boris und Uniform ein Album hatten, das die furchtlose Erforschung und ungezügelte Kraft ihrer Live-Auftritte einfing. Sacred Bones Records ist stolz darauf, das gemeinsame Album Bright New Disease von Boris & Uniform zu präsentieren.

Bright New Disease beginnt mit der ersten Single „You're the Beginning“, einem wilden Thrash-Banger aus dem Boris-Lager. Von dort aus setzt das Album seinen unerbittlichen Angriff mit „Weaponized Grief“ fort, einem fiebrigen Mashup aus japanischem D-Beat und Boredoms' absichtlich unpassenden Klangtexturen. Es gibt keinen Moment, um die Trümmer zu sichten, bevor die Bands mit „No“ beginnen, einer bewussten Anspielung auf die japanische Hardcore-Hommage von Boris' 2020er Album NO. Entspannung kommt schließlich mit der eisigen Verstärkeranbetung von „The Look is a Flame", einem Song aus Boris' Feder, der Licht und Erlösung statt Düsternis und Grausamkeit beschwören soll. Verstärkt durch die kosmische Synthesizerarbeit von Randall Dunn und den ächzenden Bass von Steve Moore behält der Song das bedrohliche Timbre des Albums bei und deutet gleichzeitig die Möglichkeit der Erlösung an. Die Klangpalette des Albums wird in der zweiten Hälfte von Bright New Disease noch breiter, wie z. B. beim herausragenden Stück „Narcotic Shadow“. Mit Berdans modularen Synthesizer-Arpeggios, Boris' von Dark Wave/New Romantic inspiriertem Gesang und Greenbergs verzerrten Studiomanipulationen bietet der Song einen schäbigen und schwermütigen Kontrapunkt zu der ungezügelten Wut der ersten Hälfte des Albums. In ähnlicher Weise ist „A Man From the Earth“ weniger auf Katharsis als vielmehr auf eine düstere, tiefrote Interpretation von David Bowies Glam-Jahren fixiert. Aber diese Abweichungen dienen nur dazu, den Albumabschluss und die zweite Single „Not Surprised“ noch düsterer, qualvoller und erschütternder zu machen.

Mit ihrem Debüt "New Dubby Conquerors" aus dem Jahr 2001 eroberten SEEED nicht nur die Top 20 der deutschen Albumcharts, sondern lieferten auch gleich das Sommeralbum des Jahres. Mit den 13 Songs brachte das 11-köpfige Dancehall-Kollektiv ein wenig karibische Lässigkeit in deutsche Groß- und Kleinstädte. Über 20 Jahre später feiert die Band einige der zeitlosen Hits ihres Debüts mit einem besonderen Re-Release in Form von 12"-Singles auf farbigem Vinyl. Die Maxi-Singles erscheinen in limitierter Auflage in den Rastafari-Farben rot, gelb, grün.

Die Maxi-Single "New Dubby Conquerors" enthält neben dem Titeltrack des Albums drei weitere Songs. Der Track "We Seeed" findet gleich zweimal Platz, in der Reggae-lastigen Originalversion auf Seite A und der bassbetonten Dub-Version auf Seite B. Der Song "Yaam" , eine Hommage an den gleichnamigen Berliner Reggaeund Hip-Hop-Club, in dem sich die Musiker einst kennenlernten, ist ebenfalls Teil der 12". Die Maxi-Single erscheint am 30.06. in einer limitierten Auflage von 1.000 Stück auf grünem Vinyl.

Revolution Saints, die Band um Sänger und Schlagzeuger Deen Castronovo, mit ihrem 4. Album und neuer Besetzung. Deen Castronovo (Journey, Bad English, Hardline) wird jetzt von Bassist Jeff Pilson und Gitarrist Joel Hoekstra begleitet. Castronovo war schon immer ein großartiger Schlagzeuger, aber Fans, die seinen Backgroundgesang im Laufe seiner Karriere bemerkten und Journey-Shows besuchten und sahen, wie er während des Sets der Band den Leadgesang auf "Mother, Father" übernahm, erkannten, dass er auch eine erstaunliche Stimme hatte. Revolution Saints war immer ein Band, um der Welt Deens unglaubliches Gesangstalent zu zeigen. Revolution Saints brachten den klassischen melodischen Rockstil zurück, der in den 80er und 90er Jahren Legionen von Fans begeisterte und bis heute tut. Inspirierender, erhebender Gesang, aufsteigende Melodien und einprägsame Hooks. Deen, der kürzlich zu Journey zurückgekehrte, wird unterstützt von Joel Hoekstra, aktuelles Mitglied von Whitesnake, Trans-Siberian Orchestra und Iconic, Joel Hoekstra's 13, ist ein atemberaubender Gitarrist. Jeff Pilson, derzeit Mitglied von Foreigner, Black Swan und The End Machine, und natürlich auch bekannt von Dokken. Zwei herausragende Musiker, die Deens Gesang und Trommeln perfekt ergänzen. Fans der ersten drei Alben von Revolution Saints werden von dem brandneuen Album "Eagle Flight" begeistert sein.

Für Sorcery hat sich DeJohnette mit einer Riege virtuoser Bandkollegen zusammengetan, darunter Veteranen der Bitches Brew-Sessions von Miles Davis (Bassist Dave Holland) und der Headhunters-Band von Herbie Hancock (Bennie Maupin).

Diskursiv, meditativ, trippig, aber geerdet in geschmackvollen Grooves (der Deep-Digger-Drum-Break ”Epilog”) und durchzogen von Hendrix-auf-Jazz-Steroiden-Gitarren von den 6-Saiten-Helden John Abercrombie und Mick Goodrick sowie der seiner Zeit vorausgehenden elektronischen Verarbeitung von DeJohnette.
Die erste umfassende Neuauflage seit der Veröffentlichung des Albums im Jahr 1974 ab dem 14.07.2023 als Ltd. 1LP verfügbar.

Puscifer wurde irgendwo in der Wüste von Arizona geboren und ist eine Elektro-Rock-Band, ein Multimedia-Erlebnis, ein Wanderzirkus und Überlebende einer Entführung durch Außerirdische. Der Katalog der Gruppe besteht aus drei Studioalben - V is for Vagina (2007), Conditions of My Parole (2011) und Money $hot (2015) - sowie einer Reihe von EPs und Remixen. Neben dem Kerntrio, bestehend aus Maynard James Keenan (Gesang), Mat Mitchell (Gitarre, Produktion) und Carina Round (Gesang, Songwriting), umfasst die Gruppe Greg Edwards (Bass, Gitarre, Keyboards), Gunnar Olsen (Schlagzeug), sowie eine Reihe von Charakteren wie Billy D und seine Frau Hildy Berger, Major Douche, Special Agent Dick Merkin und viele mehr. Die Gruppe ist bekannt für ihre mitreißende Live-Show, bei der die Grenzen zwischen Konzert und Theater verschwimmen.

VENDETTA bleiben ihren Thrash- und Speed Metal Wurzeln treu und liefern ein Album ab, das dafür sorgen wird, dass eure Nackenmuskulatur ordentlich trainiert werden wird!
Schon von Beginn an ist der musikalische Stil von VENDETTA im Thrash und Speed Metal verörtet, was die ersten beiden Alben, die in den späten 1980ern veröffentlicht wurden, eindrucksvoll beweisen.
Vor einigen Jahren kam frischen Blut - in Form von Gitarrist Jan Hüttinger und Drummer Domi Bertelt - zur Band und man begann, am neuen Album zu arbeiten, welches während der Pandemie aufgenommen wurde.
VENDETTAs ehemaliger Sänger/Gitarrist Achim "Daxx" Hömerlein schrieb zusammen mit Bassist/Gitarrist Klaus Ullrich die Song und schrieb zusammen mit Sänger Mario Vogel die Texte.
Nun präsentiert die Band "Black As Coal", ihr bestes Album seit langem!

VENDETTA bleiben ihren Thrash- und Speed Metal Wurzeln treu und liefern ein Album ab, das dafür sorgen wird, dass eure Nackenmuskulatur ordentlich trainiert werden wird!
Schon von Beginn an ist der musikalische Stil von VENDETTA im Thrash und Speed Metal verörtet, was die ersten beiden Alben, die in den späten 1980ern veröffentlicht wurden, eindrucksvoll beweisen.
Vor einigen Jahren kam frischen Blut - in Form von Gitarrist Jan Hüttinger und Drummer Domi Bertelt - zur Band und man begann, am neuen Album zu arbeiten, welches während der Pandemie aufgenommen wurde.
VENDETTAs ehemaliger Sänger/Gitarrist Achim "Daxx" Hömerlein schrieb zusammen mit Bassist/Gitarrist Klaus Ullrich die Song und schrieb zusammen mit Sänger Mario Vogel die Texte.
Nun präsentiert die Band "Black As Coal", ihr bestes Album seit langem!

Derrick Jamerson was the son of Motown bassist James Jamerson Jr. and grandson of Motown Funk Brother's house band bassist James Jamerson. He himself made a select few house records back in the mid-nineties which have been unearthed by some contemporary deep diggers.

A couple of his tunes now get reissued on this The Legacy Continues EP on Endangered Musique. 'So Hard' is traditional US house with organ chords, chattery claps and well-placed vocal samples, then 'Hot House' gets a bit more loose and soulful. On the flip are three different versions of Derrick's biggest tune, 'Adventures Of A Disco Diva', all of which bring some form of piano house magic.

Das Album „Queen Radio: Volume 1” der amerikanischen Rapperin und Sängerin Nicki Minaj ist ab dem 07.07. als 3LP erhältlich!
„Queen Radio: Volume 1“ ist das erste Greatest-Hits-Album der amerikanischen Rapperin und Sängerin Nicki Minaj.

Es wurde am 26. August 2022 über Young Money Entertainment und Republic Records veröffentlicht.
Das Album wurde zwei Tage später erneut veröffentlicht, um einen Remix von Skengs 2022er Single ”Likkle Miss” hinzuzufügen.

Das Album enthält Songs aus all ihren Studioalben—”Pink Friday“ (2010), „Pink Friday: Roman Reloaded“ und seine Neuauflage „The Re-Up“ (beide erschienen 2012), „The Pinkprint“ (2014) und „Queen“ (2018).
Songs aus dem Mixtape „Beam Me Up Scotty“ (Originalversion von 2009 und Neuauflage von 2021), der Young Money Entertainment-Compilation „Rise of an Empire“ (2014) und einigen Nicht-Album-Singles, die sie 2022 veröffentlicht hatte. Es wurde überraschend ohne vorherige Ankündigung veröffentlicht. Eine der Singles von 2022 und der Eröffnungstrack des Albums, ”Super Freaky Girl”, debütierte und erreichte den Höhepunkt der Billboard Hot 100.

Debütalbum der Stuttgarter Hard Rock/Metal Band Front Row Warriors. 2019 von Jay-G, (Drums/ Shining, Sharon), Elkie Gee (Gesang / Ampyre, Antares) und Sorin Badin, einem bekannten rumänischen Gitarristen (Cardinal, Samsara, Crystal Maze) gegründet. Hinzu kamen noch Richie Seibel (Keyboards/ Lanfear, Ivanhoe, Them) und Timo Michels (Bass / 5. Staffel, Pump) und Gitarrist Stef Binnig-Gollub (Septagon). Eine musikalische Reise durch die Ära des Hardrock und Metal der letzten 30 Jahre, mit herausragender Gitarren- und Keyboardarbeit und eingängigen Hooklines. Jedes Bandmitglied repräsentiert einen der verschiedenen Stile und Einflüsse, die den Sound der Front Row Warriors ausmachen. Die Band wurde 2021 vom Verband Deutscher Rock- und Popmusiker zum "Besten Hardrock-Act Deutschlands" gekürt. Die gelungene Mischung aus AOR, getriebenem 80er- und 90er-inspiriertem Hardrock und flotten Uptempo-Nummern sowie epischen Balladen findet sich nun auch dem mit Spannung erwarteten Debüt. Als Special Guest glänzt der US-amerikanische Sänger Todd Michael Hall (J. Starr's Burning Starr, Riot V) auf dem Song "Dystopian Times", für den Sängerin Elkie vom Deutschen Rock- und Popmusikerverband zur besten Hardrock-Sängerin des Jahres 2022 gewählt wurde.

Die Apart Demos wurden zwischen 1980 und 1984 in verschiedenen Kellern und professionellen Studios in Chicago aufgenommen und dokumentieren 12 intime und reduzierte Skizzen, Demos und unveröffentlichte Tracks von Andre Gibson und der Universal Togetherness Band, als sie sich auf ihre Solokarrieren zubewegten. Von tief empfundenen Huldigungen an die Liebenden, die von einem seidigen Fender Rhodes verziert werden, bis hin zu Disco-Party-Startern über spirituelle Dankbarkeit - Andre Gibson lässt uns in sein Herz blicken und bringt am Ende alles zusammen. Die Universal Togetherness Band aus Chicago, verband in ihrem eklektischen Sound Funk-, Soul-, Disco-, Jazz-, Rock- und New-Wave-Einflüsse mit intelligenten und fantasievollen Texten. 1978 gegründet und geleitet von Andre Gibson, mit seinem Bruder Arnold Gibson (Schlagzeug, Bass), dem ehemaligen Colorvision-Mitglied Fred Misher (Bass, Hintergrundgesang) und Freds Bruder Leslie Misher (Leadgitarre), während Andre die Keyboards, das Vibraphon und den Leadgesang übernahm. Obwohl die Gruppe mehrere Jahre lang in den Clubs von Chicago auftrat und gelegentlich größere Auftritte absolvierte (vor allem als Vorgruppe von Peter Gabriel), hatte sie Mühe, ein größeres Publikum für ihre anspruchsvolle R&B-Melange zu finden. Zwischen 1979 und 1982 nahm die Band Dutzende von Sessions auf, die Gibsons weitreichende Vision als Komponist und Bandleader dokumentierten. Während Gibsons Zeit am Columbia College kamen Paul Hanover (Mundharmonika und Klavier) und Louis Sanford (Schlagzeug) zu den ursprünglichen vier Multiinstrumentalisten hinzu. Nachdem sich die ursprüngliche Besetzung der Universal Togetherness Band schließlich Mitte der 1980er auflöste, nahm Andre Gibson weiterhin mit einer Besetzung mit Frank Alexander (Schlagzeug), Allen Burroughs (Gitarre), Art Love (Bass) und Michael Young (Saxophon) auf. 2015 veröffentlichte Numero Group eine erste Zusammenstellung mit unveröffentlichten Aufnahmen mit dem schlichten Titel Universal Togetherness Band.

Die Apart Demos wurden zwischen 1980 und 1984 in verschiedenen Kellern und professionellen Studios in Chicago aufgenommen und dokumentieren 12 intime und reduzierte Skizzen, Demos und unveröffentlichte Tracks von Andre Gibson und der Universal Togetherness Band, als sie sich auf ihre Solokarrieren zubewegten. Von tief empfundenen Huldigungen an die Liebenden, die von einem seidigen Fender Rhodes verziert werden, bis hin zu Disco-Party-Startern über spirituelle Dankbarkeit - Andre Gibson lässt uns in sein Herz blicken und bringt am Ende alles zusammen. Die Universal Togetherness Band aus Chicago, verband in ihrem eklektischen Sound Funk-, Soul-, Disco-, Jazz-, Rock- und New-Wave-Einflüsse mit intelligenten und fantasievollen Texten. 1978 gegründet und geleitet von Andre Gibson, mit seinem Bruder Arnold Gibson (Schlagzeug, Bass), dem ehemaligen Colorvision-Mitglied Fred Misher (Bass, Hintergrundgesang) und Freds Bruder Leslie Misher (Leadgitarre), während Andre die Keyboards, das Vibraphon und den Leadgesang übernahm. Obwohl die Gruppe mehrere Jahre lang in den Clubs von Chicago auftrat und gelegentlich größere Auftritte absolvierte (vor allem als Vorgruppe von Peter Gabriel), hatte sie Mühe, ein größeres Publikum für ihre anspruchsvolle R&B-Melange zu finden. Zwischen 1979 und 1982 nahm die Band Dutzende von Sessions auf, die Gibsons weitreichende Vision als Komponist und Bandleader dokumentierten. Während Gibsons Zeit am Columbia College kamen Paul Hanover (Mundharmonika und Klavier) und Louis Sanford (Schlagzeug) zu den ursprünglichen vier Multiinstrumentalisten hinzu. Nachdem sich die ursprüngliche Besetzung der Universal Togetherness Band schließlich Mitte der 1980er auflöste, nahm Andre Gibson weiterhin mit einer Besetzung mit Frank Alexander (Schlagzeug), Allen Burroughs (Gitarre), Art Love (Bass) und Michael Young (Saxophon) auf. 2015 veröffentlichte Numero Group eine erste Zusammenstellung mit unveröffentlichten Aufnahmen mit dem schlichten Titel Universal Togetherness Band.

Valentine Lover Red Vinyl. Die Apart Demos wurden zwischen 1980 und 1984 in verschiedenen Kellern und professionellen Studios in Chicago aufgenommen und dokumentieren 12 intime und reduzierte Skizzen, Demos und unveröffentlichte Tracks von Andre Gibson und der Universal Togetherness Band, als sie sich auf ihre Solokarrieren zubewegten. Von tief empfundenen Huldigungen an die Liebenden, die von einem seidigen Fender Rhodes verziert werden, bis hin zu Disco-Party-Startern über spirituelle Dankbarkeit - Andre Gibson lässt uns in sein Herz blicken und bringt am Ende alles zusammen. Die Universal Togetherness Band aus Chicago, verband in ihrem eklektischen Sound Funk-, Soul-, Disco-, Jazz-, Rock- und New-Wave-Einflüsse mit intelligenten und fantasievollen Texten. 1978 gegründet und geleitet von Andre Gibson, mit seinem Bruder Arnold Gibson (Schlagzeug, Bass), dem ehemaligen Colorvision-Mitglied Fred Misher (Bass, Hintergrundgesang) und Freds Bruder Leslie Misher (Leadgitarre), während Andre die Keyboards, das Vibraphon und den Leadgesang übernahm. Obwohl die Gruppe mehrere Jahre lang in den Clubs von Chicago auftrat und gelegentlich größere Auftritte absolvierte (vor allem als Vorgruppe von Peter Gabriel), hatte sie Mühe, ein größeres Publikum für ihre anspruchsvolle R&B-Melange zu finden. Zwischen 1979 und 1982 nahm die Band Dutzende von Sessions auf, die Gibsons weitreichende Vision als Komponist und Bandleader dokumentierten. Während Gibsons Zeit am Columbia College kamen Paul Hanover (Mundharmonika und Klavier) und Louis Sanford (Schlagzeug) zu den ursprünglichen vier Multiinstrumentalisten hinzu. Nachdem sich die ursprüngliche Besetzung der Universal Togetherness Band schließlich Mitte der 1980er auflöste, nahm Andre Gibson weiterhin mit einer Besetzung mit Frank Alexander (Schlagzeug), Allen Burroughs (Gitarre), Art Love (Bass) und Michael Young (Saxophon) auf. 2015 veröffentlichte Numero Group eine erste Zusammenstellung mit unveröffentlichten Aufnahmen mit dem schlichten Titel Universal Togetherness Band.

Für ein beeindruckendes Gemeinschaftsprojekt tut sich Ellen Allien mit der italienischen Synth-Wave-Band Ash Code zusammen. Auf drei Tracks bündeln sie ihre kreative Energie, um die eindrucksvolle EP "Dance and Kill" zu produzieren.
Die drei Tracks der EP stellen eine perfekte Verbindung zweier starker und unverwechselbarer Soundwelten dar, wobei beide Acts aus allen Rohren feuern. Unheimliche Gesangseinlagen, kraftvolle Percussion, stampfende Bässe, verzerrte Vocals und bedrohliche Instrumentierung zeigen die Parallelen zwischen den beiden Klängen auf. Der Eröffnungstrack "Dance and Kill" verkörpert diese Verschmelzung von Techno- und Cold-Wave-Elementen. "Shining On You" mit Ellens Gesang und donnerndem Drum-Programming ist ein düsterer, aber unwiderstehlicher, tanzbarer Track. Everything Collapses" schließlich entfesselt kräftige Percussions und einen knurrenden Bass, der von einem Chor überirdischer Stimmen angehoben wird.

Der finnische Musikveteran Jesse Heikkinen und seine Co-Leadsängerin Natalie Koskinen (Shape of Despair) ließen sich von esoterischen Organisationen, ihrem Glauben und ihren eigenen Praktiken lyrisch inspirieren und verwoben rituelle Geschichten aus den dunkelsten Ecken ihrer selbst mit Musik, die ein provokantes, verführerisches Kaleidoskop aus dunklem, schwerem Rock ergibt. Das Ergebnis ist das mystische "Word of Sin", das neun-track-Debütalbum von The Abbey. Mit dem ehemaligen Sentenced- und The Man-Eating Tree-Schlagzeuger Vesa Ranta, Janne Markus (Gitarre, ebenfalls von The Man-Eating Tree) und Henri Arvola (Bass) wird das Debütalbum der aufstrebenden Progressive-Doom-Rock-Band die Hörer mit Sicherheit in seinen Bann ziehen.

Lost private press gem "The Swimmer" by Florida native Danny Morgan, is a cool and breezy, beguiling easy glide from 1987. It should've been huge. It still could be. It's a mellow marina masterpiece and quintessentially Balearic. Over the past few years, it's gathered a cult following yet the album from which it derives is virtually impossible to come by.

Finally available on a standalone, fully remastered 12", it's been backed by an instant classic "Seahawks Swimming Through Space Remix", courtesy of those beloved cats Jon Tye and Pete Fowler.

These won't be around for long, limited to just 500 copies for the world, so don't drown in procrastination.

One listen and you'll want to dive in.

Fans of the deeply entrancing, nautically and narcotically-enhanced cuts of Dennis Wilson or Michael Nesmith’s The Prison will be instantly mesmerised by the sheer beauty of "The Swimmer". After tracking Danny down, we wanted to know more. How does something so magical come about? The man himself answered thusly:

"At the time I was running many miles on the Sanibel Island beach and doing a bit of swimming in the Gulf Of Mexico. Keeping my mind busy on a long run, I imagined a “what if” movie scene. Almost every run or swim someone is sitting there on the beach watching what goes by. Back at my desk I started finger picking some chords and the picture in my head showed up. I punched in a rhythm loop and the song was on its way.

Adrian Belew and I had the same manager Stan Hertzman so I was listening to some of Adrian’s work. I was a huge fan of Joni Mitchel and the unusual chord changes and melodies in some of her songs. All of this influenced the sound on “The Swimmer”

I had a support band at the time living in my house on Sanibel Island so we practiced a lot. We came up with an arrangement of the song and we took across the bridge to John McLane’s Important Studios and recorded it. I played finger picking acoustic guitar and sang, Tim Miller played drums, Jeff Holck played fretless bass, Dave Dust played lead guitar and John McLane played keyboards and sang harmony."

Our deep thanks must go out to Jon Tye (MLO / Seahawks / Ocean Moon) for first hipping Be With to this stunner. We returned the favour by giving him the keys to the stems and requesting a strung out remix to go on the flip - he returned having conspired with Pete Fowler to conjure a cosmically copacetic rerub with the subtropical chug of the "Seahawks Swimming Through Space Remix".

Putting together the artwork for this 12" release was an enjoyable process. It was nice to be able to flip the original sleeve for the Beach Life album by using previously unseen photos, sent to us by Danny. We wanted to create something that looks like it would've gone with the LP sleeve. We think we've cracked it. Simon Francis remastered Danny's original audio and Cicely Balston's precise cut for Alchemy at AIR Studios ensures this 12" sounds appropriately outstanding. The immaculate Record Industry pressing will ensure this previously lost masterpiece stays forever found.

2023er LP Nachpressung auf schwarzem Vinyl! Nach eigenen Angaben verbrachten Gitarrist Mike Sullivan und Drummer Daniel Turncrantz eine gewisse Zeit in amerikanischen Nationalparks und fuhren durch Berglandschaften, als sie "Station" aufnahmen. Ihr Album klingt auch entsprechend episch, monumental und besitzt eine unglaubliche Tiefe. Sullivan und Turncrantz bekamen prominente Unterstützung vom THESE ARMS ARE SNAKES/BOTCH Bassisten Brian Cook, während sich Morgan Henderson von den BLOOD BROTHERS (R.I.P.) auf "Xavii" dem Kontrabass annimmt. Aufgenommen in Seattle von Mastermind Matt Bayles (ISIS, MASTODON, MINUS THE BEAR), verpasste er der Band diesen intensiven und beeindruckenden Klang und achtete gleichzeitig darauf, dass "Station" den Namen Album auch wirklich verdiente: ein kohärentes Werk, vom ersten Lied Campaign bis zum letzten Lied mit Double Bass Xavii. Insgesamt sechs Stücke befinden sich auf "Station" und es ist ohne Untertreibung instrumentaler Postrock at its best! Ein echtes Kunstwerk. Gegründet 2004 haben RUSSIAN CIRCLES von Anfang an mit Versatzstücken des Metal, Elementen des Minimal Jazz und kryptischen Riffs, die so klangen, als sei ein Komet in einer Großstadt eingeschlagen, verwirrt, polarisiert und unendlich verzückt. Ihre Musik verwebt einen Teppich aus intensivsten cinematischen Eindrücken, der einem auf der einen Seite mit seiner Härte den Boden unter den Füßen wegzieht, es auf der anderen Seite aber auch versteht, den Aufprall zu bremsen und für Kopfkino ohne Gleichen sorgt. "Enter", ihr Debüt von 2006, bescherte RUSSIAN CIRCLES Shows mit Größen wie TOOL, DALEK, DAUGHTERS und PELICAN. RUSSIAN CIRCLES setzen mit "Station" genau dort an, wo sie mit "Enter" aufhörten, erschließen sich aber gleichzeitig einen neuen Weg in die musikalische Tundra, um Kopf und Körper mitzuziehen und nicht nur dem Jahre 2008, sondern der ganzen Musikgeschichte ihren Stempel aufzudrücken.

2023er LP Nachpressung auf schwarzem Vinyl! Nach eigenen Angaben verbrachten Gitarrist Mike Sullivan und Drummer Daniel Turncrantz eine gewisse Zeit in amerikanischen Nationalparks und fuhren durch Berglandschaften, als sie "Station" aufnahmen. Ihr Album klingt auch entsprechend episch, monumental und besitzt eine unglaubliche Tiefe. Sullivan und Turncrantz bekamen prominente Unterstützung vom THESE ARMS ARE SNAKES/BOTCH Bassisten Brian Cook, während sich Morgan Henderson von den BLOOD BROTHERS (R.I.P.) auf "Xavii" dem Kontrabass annimmt. Aufgenommen in Seattle von Mastermind Matt Bayles (ISIS, MASTODON, MINUS THE BEAR), verpasste er der Band diesen intensiven und beeindruckenden Klang und achtete gleichzeitig darauf, dass "Station" den Namen Album auch wirklich verdiente: ein kohärentes Werk, vom ersten Lied Campaign bis zum letzten Lied mit Double Bass Xavii. Insgesamt sechs Stücke befinden sich auf "Station" und es ist ohne Untertreibung instrumentaler Postrock at its best! Ein echtes Kunstwerk. Gegründet 2004 haben RUSSIAN CIRCLES von Anfang an mit Versatzstücken des Metal, Elementen des Minimal Jazz und kryptischen Riffs, die so klangen, als sei ein Komet in einer Großstadt eingeschlagen, verwirrt, polarisiert und unendlich verzückt. Ihre Musik verwebt einen Teppich aus intensivsten cinematischen Eindrücken, der einem auf der einen Seite mit seiner Härte den Boden unter den Füßen wegzieht, es auf der anderen Seite aber auch versteht, den Aufprall zu bremsen und für Kopfkino ohne Gleichen sorgt. "Enter", ihr Debüt von 2006, bescherte RUSSIAN CIRCLES Shows mit Größen wie TOOL, DALEK, DAUGHTERS und PELICAN. RUSSIAN CIRCLES setzen mit "Station" genau dort an, wo sie mit "Enter" aufhörten, erschließen sich aber gleichzeitig einen neuen Weg in die musikalische Tundra, um Kopf und Körper mitzuziehen und nicht nur dem Jahre 2008, sondern der ganzen Musikgeschichte ihren Stempel aufzudrücken.

Hailing from the seaside communities surrounding Enoshima, a small island located 50 km southwest of Tokyo, Maya Ongaku is a ragtag collective of local musicians whose brand of earthy psychedelia transcends widely beyond the roots of their inner souls. The name derives not from any kind of ancient civilization, but rather a neologism defined as the imagined view outside one’s field of vision. The band—currently a trio of Tsutomu Sonoda, Ryota Takano, and Shoei Ikeda—finds sanctuary at the Ace General Store, a beachy vintage shop and salon-like space just hidden from sight from the bustling, touristy riverside Subana Street. Between discussions on music and art, curating the vinyl section and manning the register, and chatting up with locals young and old, the members find time to jam and record their spontaneous ideas in the studio tucked away in the back. It’s in this unlikely setting where Maya Ongaku finds its origins, the culmination of what Sonoda describes as 自然発生 (shizen hassei), meaning spontaneous generation, or the supposed production of living organisms from nonliving matter.

Approach to Anima, the group’s debut album released on Guruguru Brain, finds Maya Ongaku building a foundational groove while tapping into their innermost psyche. Sonoda’s malleable guitar and vocals, Takano’s sinuous bass lines, Ikeda’s floating woodwinds, and a sprinkling of delicate percussion—all coalesce into an aural experience that’s assertive yet abstract, calm but unsettling. The slow building, sax-laden “Approach” serves as an introduction to Maya Ongaku’s world, while the appropriately-named “Water Dream” floats its way toward the gentle finale of “Pillow Song.” It’s a concise distillation of their many interests and influences, from Neo-Dada and Fluxus, to where contemporary art intersects with the development of modern recording technology in the ‘60s and ‘70s.

As the title suggests, Approach to Anima is not intended to be a terminus; it’s merely the beginning of an exploration. The three childhood friends that comprise Maya Ongaku are always looking beyond the confines of the idyllic but rapidly gentrifying enclave of their beloved Enoshima. Feeding off of the energy that still radiates from the triumphant, decade-long journey of their label bosses’ band Kikagaku Moyo, who rose to global prominence from scrappy beginnings busking on the streets of Takadanobaba, they hope to go wherever inspiration takes them, to anywhere around the globe where their music can find a home.

Ultimately, Maya Ongaku’s uninhibited world-building will make it possible for us to see the unseen, expand the possibilities of the naked eye—all through the unbridled vibrancy of their music.

Das Amsterdamer Indie-Rock-Quartett Loupe erkundet auf seinem Debütalbum 'Do You Ever Wonder What Comes Next?' Themen des jungen Erwachsenwerdens, des Lebens in der Großstadt und menschlicher Beziehungen in einem Geflecht aus mitreißenden Harmonien, frei fließenden Rhythmen und ausdrucksstarkem Gesang. Dabei gelingt es der Band, einen zugleich aufregenden wie hypnotisierenden Sound zu entwickeln.

Loupe sind Julia Korthouwer (Gesang, Keybord - sie/ihre), Jasmine van der Waals (Gitarre - they/them), Lana Kooper (Bass - sie/ihre) und Annemarie van der Born (Schlagzeug - sie/ihre). Fu?r die Band fällt mit ihrer viel beachteten, ersten Single 'Leave Me There' plötzlich alles an seinen richtigen Platz. Loupe veröffentlichen zwei fantastische EPs - 'Older' (2021) und 'Spring '19' (2022) - und erspielen sich den Ruf einer beeindruckenden Live-Band. So werden sie gleich zweimal hintereinander zum Eurosonic Festival eingeladen und begleiten Bands wie Porridge Radio, Moss oder Lovejoy.

Nun veröffentlichen Loupe ihr Debütalbum 'Do You Ever Wonder What Comes Next?'. Darauf betrachten sie das Erwachsenwerden aus unterschiedlichen Perspektiven. Die Stücke erzählen von Selbstermächtigung, von der Suche nach dem eigenen Weg und einem eigenen Platz. Was die Band antreibt, ist das "Was kommt als Nächstes?" in der großen Frage, die der Albumtitel aufmacht; die ständige Bewegung, um diesen Silberstreifen über den Horizont hinaus zu jagen: unablässig auf der Suche nach Mut, Trost und Abenteuer im ruhelosen Jetzt.

"Ob man sie nun Darkwave, Synth-Pop, Post-Punk, EBM oder anders nennen sollte, was Body of Light machen, ist Tanzmusik. Und was die Tanzmusik angeht, so trifft sie jede Genusszone genau ins Schwarze." - Treble Bitter Reflection, das vierte Album der Wüstenbrüder Alex und Andrew Jarson alias Body Of Light, verfeinert ihren schwelenden, stürmischen Synth-Pop zu einer transformativen Suite von Hymnen, Träumereien und Abrechnungen. Nach dem Neo-EBM-Klassiker "Time To Kill" (2019) suchten sie nach Inspirationen aus versteckten Momenten in ihren eigenen Arkanen - Kassetten aus der Kindheit, Heimvideos, verworfene Demos - und stellten sich die Frage: "Wie können wir das wachsen lassen?" Gesampelte Schnipsel von Stimmen, Geräuschen, Synthesizern und Feldaufnahmen flackern in der Peripherie der 11 Tracks von Bitter Reflection auf und murmeln wie halb vergessene Nostalgien oder verdrängte Erinnerungen. Zusammen mit Josh Eustis von Telefon Tel Aviv, haben Body Of Light in Los Angeles eine erweiterte Palette von Live-Instrumenten - Klavier, Bass, Saxophon, Akustikgitarre - zusätzlich zu alten Akai-Samplern, Moogs und archaischer Hardware in Bitter Reflection integriert, was dem Album eine eklektische, unvorhersehbare Sound-Palette verleiht. Dies ist Musik zwischen den Zwillingsflammen von Wahrheit und Sehnsucht, Romantik und Realität, Katharsis und Kontrolle, geboren aus einem Band, das durch Jahre, Träume und Blut besiegelt wurde. Bitter Reflection führt durch eine Galerie der anhaltenden Faszinationen von Body Of Light: Depeche-eske Deklarationen des Schreckens und des Exzesses, grüblerische Dancefloor-Epiphanien, liebeskranke Spiegel-Balladen mit orchestralen Stabs von Art Of Noise und sanfte Thomas-Dolby-Melancholien der Stadtsilhouette.

"Ob man sie nun Darkwave, Synth-Pop, Post-Punk, EBM oder anders nennen sollte, was Body of Light machen, ist Tanzmusik. Und was die Tanzmusik angeht, so trifft sie jede Genusszone genau ins Schwarze." - Treble Bitter Reflection, das vierte Album der Wüstenbrüder Alex und Andrew Jarson alias Body Of Light, verfeinert ihren schwelenden, stürmischen Synth-Pop zu einer transformativen Suite von Hymnen, Träumereien und Abrechnungen. Nach dem Neo-EBM-Klassiker "Time To Kill" (2019) suchten sie nach Inspirationen aus versteckten Momenten in ihren eigenen Arkanen - Kassetten aus der Kindheit, Heimvideos, verworfene Demos - und stellten sich die Frage: "Wie können wir das wachsen lassen?" Gesampelte Schnipsel von Stimmen, Geräuschen, Synthesizern und Feldaufnahmen flackern in der Peripherie der 11 Tracks von Bitter Reflection auf und murmeln wie halb vergessene Nostalgien oder verdrängte Erinnerungen. Zusammen mit Josh Eustis von Telefon Tel Aviv, haben Body Of Light in Los Angeles eine erweiterte Palette von Live-Instrumenten - Klavier, Bass, Saxophon, Akustikgitarre - zusätzlich zu alten Akai-Samplern, Moogs und archaischer Hardware in Bitter Reflection integriert, was dem Album eine eklektische, unvorhersehbare Sound-Palette verleiht. Dies ist Musik zwischen den Zwillingsflammen von Wahrheit und Sehnsucht, Romantik und Realität, Katharsis und Kontrolle, geboren aus einem Band, das durch Jahre, Träume und Blut besiegelt wurde. Bitter Reflection führt durch eine Galerie der anhaltenden Faszinationen von Body Of Light: Depeche-eske Deklarationen des Schreckens und des Exzesses, grüblerische Dancefloor-Epiphanien, liebeskranke Spiegel-Balladen mit orchestralen Stabs von Art Of Noise und sanfte Thomas-Dolby-Melancholien der Stadtsilhouette.

Das neue Album 'History' erforscht die Wurzeln des Blues und begreift die Musik als Muse.

Auf ihrem dritten Album haben sich Bokanté dem Blues zugewandt und die Wurzeln des Genres in Westafrika und der arabischen Welt über die Diaspora bis in die retro-moderne Gegenwart zurückverfolgt. Die neun Titel erzählen - mit Texten, die hauptsächlich auf Guadeloupe-Kreolisch gesungen werden - von Außenseitern und Visionären, von Erinnerungen und Freude, von schwarzer Geschichte, globaler Einheit und der Sinnlosigkeit des Krieges. Von der Zeit, sich auszuruhen, zu fühlen und zu lieben. Von der erlösenden Kraft der Musik - als Vermittler, als Wegbereiter für Veränderungen, als Muse.

In 'History' geht Bokanté noch weiter und kleidet traditionelle Instrumente wie die arabische Oud, die westafrikanische Ngoni und die nordafrikanische Guembri, die von den marokkanischen Gnawa Maalems bevorzugte Basslaute, in westliche Kleidung.