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-Boxset mit vier Alben featuring Drummer Neudi (u.a. Manilla Road, Trance, Griffin, Savage Grace…)

- Limited Edition mit handsignierter Autogrammkarte

Schon mit 8 Jahren entdeckte Andreas Neuderth, der seit Mitte der Achtziger nur noch den Spitzname NEUDI benutzt, sein Talent für das Schlagzeug. Sogar bereits schon etwas früher wurde er zum Fan harter
Rockklänge, die üblichen Verdächtigen wie Kiss, Status Quo und Rush. Mit 15 Jahren, im Jahr 1986, taucht sein Drumming erstmals auf einem Tape der Band SUDDEN DARKNESS auf, was 2026 zu einem Jubiläumsjahr für
den heute in Rheinhessen lebenden Musiker darstellt. Seine bekanntesten Stationen sind neben MANILLA ROAD (2011 bis zum Tod von Mark Shelton im Jahr 2018) und SAVAGE GRACE (2009/2010) aktuell TRANCE,
ROXXCALIBUR, ANGEL OF DAMNATION, IRONSWORD, JAMESON RAID und die Manilla Road-Nachfolgeband SENTRY. Das 1994er ECONOMIST Album „New Built Ghetto Status“ bezeichnet Neudi trotz all diesen genannten Namen als „eines der drei besten Alben, auf denen ich zu hören bin“. In der Tat darf man getrost sagen, dass es den Stil von ECONOMIST wohl nur einmal gibt. 1995 wurde die CD von Massacre/Intercord lizensiert, doch
mit dem progressiven Stil war man seiner Zeit einfach zu weit voraus.

Als Reissue, erstmals als Doppel LP mit dem unveröffentlichten zweiten Album „Mind Movies“ erschienen, erntete man nun endlich die verdient euphorischen Kritiken. VIRON (2004/2006 und 2008) war nach einer Zeit
der Experimente Neudis Rückkehr zum traditionellen Metal, den er als Fan auch zuvor nie verlassen hat. Die zwei hochgelobten Alben waren indirekt der Vorgänger der erfolgreicheren Band ROXXCALIBUR. SCROLLKEEPER
ist eine Band aus Texas, die für ihre EP „Wetico“ als Manilla Road-Fans mit Neudi zusammenarbeiten wollten. Neudi ist bekannt für sein „busy drumming“. Beeinflusst von Neil Peart (Rush), Randy Foxe (Manilla Road) oder Ian Paice (Deep Purple) bietet er nicht nur die genreübliche Rhythmusarbeit „im Hintergrund“, sondern bringt das Instrument teils auffällig in den Vordergrund. (Infotext von Michael Gresner, Januar 2026)

Der in Paris geborene Soulsänger und Songwriter Tiwayo, der wegen seiner zeitlosen, ausdrucksstarken Stimme den Spitznamen ,The Young Old" hat, gibt die Veröffentlichung einer limitierten 45er-Vinyl-Single bekannt, die zwei herausragende Tracks aus seinem kommenden Album Outsider enthält - produziert vom Grammy-Gewinner Adrian Quesada von den Black Pumas. Die am 20. Februar erscheinende 7"-Single vereint den Up-Tempo-Soul-Stomper ,Up For Soul" auf der A-Seite mit dem strahlenden und herzerwärmenden ,Sunshine Lady" auf der B-Seite. Mit einer limitierten Auflage von weltweit 500 Exemplaren ist diese Single ein Muss für Funk-/Soul-DJs und Sammler. ,Ich wollte, dass das Album einen Up-Tempo-Track hat, der wirklich bewegt", sagt Tiwayo über ,Up For Soul". ,Eines Nachmittags hörte ich Sly Stone und Johnny Guitar Watson, und am Ende des Tages war dieser Song geboren. Es ist eine spielerische Auseinandersetzung mit den Höhen und Tiefen des Musikerlebens - dem Trubel, der Freude und dem Chaos -, alles verpackt in der Soul-Energie der 70er Jahre." Aufgenommen mit Adrian Quesada und mit einem üppigen Streicharrangement von Sly5thAve, ist der Track ein Beweis für Tiwayos Fähigkeit, klassischen Soul frisch und lebendig klingen zu lassen. Auf der anderen Seite glänzt ,Sunshine Lady" als Moment der Zärtlichkeit und Hoffnung. ,Ein Freund hat mir mal gesagt, dass ich immer traurige Songs schreibe", lacht Tiwayo. ,Also habe ich versucht, etwas Fröhliches zu schreiben. Der Song handelt von Dankbarkeit - von der Person, die dich auffängt, wenn du am Boden bist. Er ist einfach, gefühlvoll und voller Licht." Mit dem geschmeidigen Rhythmus von Jay Mumford (Schlagzeug) und Terin ,Moswen" Hector (Bass) strahlt ,Sunshine Lady" den warmen, analogen Spirit eines verlorenen Soul-Klassikers der 70er Jahre aus. Beide Tracks sind eine Vorschau auf Tiwayos mit Spannung erwartetes drittes Album ,Outsider", das am 10. April 2026 erscheinen soll - eine Zusammenarbeit zwischen Tiwayo und Adrian Quesada, die Pariser Soul mit der rohen Hitze des Südens von Austin verbindet.

RIP Magic haben keine Zeit verschwendet. In ihrem ersten Jahr wurden sie von The Guardian als ,Londons angesagteste Band" bezeichnet, spielten große Konzerte mit LCD Soundsystem und Fcukers sowie kleine Auftritte in Londoner Bars und Restaurantkellern, und jetzt bringen sie endlich eine physische Single raus, produziert von James Murphy, seine erste Produktion für eine andere Band seit über einem Jahrzehnt. ,5words" baut sich langsam zu einem euphorischen urbanen Epos auf, das gleichermaßen von Velvet Underground, Orbital, Rapture aus der Echoes-Ära und dem filmischen Universum von Dean Blunt beeinflusst klingt, und, ehrlich gesagt, auch von Nirvana. Es klingt, als würden Jahrzehnte in der Gegenwart zusammenbrechen, ermöglicht durch reibungslose Entdeckungen und gelöst durch die einfachste Methode: vier Leute in einem Raum, die nach etwas Neuem, etwas Großartigem, einem guten Gefühl suchen. Auf der B-Seite ist ein Remix von niemand Geringerem als Maurice Fulton zu hören, sein erster Beitrag für DFA seit den Syclops-Platten, die 2008 sofort zu Klassikern wurden. Maurice ist einer der besten Remixer und Produzenten seiner Zeit und Schöpfer eines Sounds, der so einzigartig und unverwechselbar ist, dass selbst all seine Pseudonyme die Trainspotters nicht täuschen können. Dieser Remix ist genau so: aufregend exzentrisch und unausweichlich mitreißend.

Die Indie-Folk-Ikone Sam Beam, auch bekannt als Iron And Wine, bringt ein neues Studioalbum raus, das voll mit wunderschöner, natürlicher Americana ist, darunter zwei Kollaborationen mit dem weiblichen Folk-Trio I'm With Her. „Ich wollte schon immer diesen Titel verwenden", sagt Sam Beam über „Hen's Teeth“, sein achtes Album in voller Länge und sein sechstes für Sub Pop Records. „Ich liebe ihn einfach. Für mich steht er für das Unmögliche. Hühnerzähne gibt's nicht. Und genau so fühlt sich dieses Album an: wie ein Geschenk, das es eigentlich nicht geben dürfte, aber doch da ist. Eine unmögliche Sache, aber sie ist real."



„Hen's Teeth“ und sein vorheriges Album „Light Verse“ sind so was wie Geschwister. Sie wurden während derselben Sessions nach einer einjährigen Pause mit derselben Band im Waystation Studio in Laurel Canyon aufgenommen. „Wenn ich gerade richtig in Schreiblaune bin und die Band mich dort abholt, wo ich gerade stehe, treiben sie mich zu etwas, das ich mir nicht hätte vorstellen können. Ich bin an einem Punkt in meinem Leben, an dem Spontaneität für mich viel wichtiger ist. Ich muss nicht mehr so viel beweisen wie früher. Ich bin viel freier und liebe es mehr denn je, Musik zu machen. Es gibt keine richtigen oder falschen Antworten. Man betet einfach um Glück und gibt sein Bestes." In diesem Fall wurden die Gebete erhört und das Glück schlug voll zu. Die Musiker fanden so schnell zueinander und inspirierten sich gegenseitig so sehr, dass sie Songs oft in nur wenigen Takes aufnahmen, manchmal zwei oder drei pro Tag. Die beiden Alben können daher als zweieiige Zwillinge betrachtet werden: Sie teilen sich die DNA und ergänzen sich, haben aber unterschiedliche Identitäten und zeichnen sich ebenso durch ihre Unterschiede wie durch ihre Gemeinsamkeiten aus. Die Welt von „Hen's Teeth“ ist erdiger, dunkler, robuster und greifbarer als die von „Light Verse“. Die Songs haben Titel wie “Roses", “Robin's Egg", “Dates and Dead People" und “Singing Saw". “Run into the one you love forever / Laugh into each other's empty mouth", singt Beam in “Roses", dem ersten Titel des Albums. Es ist einer von mehreren Songs, in denen Liebende so tief miteinander verbunden sind, dass sie physisch verschmelzen. “Paper and Stone" erinnert daran: “But for the time we fell in two / You'd be me and I'd be you / One crust of bread could fit in our mouths / You'd breathe in and I'd let it out." Und in “In Your Ocean" finden wir Beam betend: “Praying for dry ground / Though I only want to drown / When I find myself swimming in your ocean".

Seit etwas mehr als einem Jahrzehnt hat sich EXEK ganz leise zu einer der faszinierendsten Bands der Welt entwickelt, die sich von Album zu Album verändert und weiterentwickelt und sich nach und nach geöffnet hat, ohne jemals diese seltsame, unergründliche und insgesamt essentielle Eigenschaft zu verlieren, die sie so großartig gemacht hat - so EXEK-mäßig. Nun bringt die Post-Punk-Band aus Melbourne - Sänger und Chefarchitekt Albert Wolski, Gitarrist Jai Morris-Smith, Schlagzeuger Chris Stephenson, Synthesizer-Spezialist Andrew Brocchi, Trompeterin und Sängerin Valya YL Hooi und Bassist Ben Hepworth - ihr siebtes Album und erstes für DFA raus: ,Prove The Mountains Move". Es ist, wie Wolski sagt, ,ein bisschen epischer" als alles, was er bisher aufgenommen hat, ein üppiges und unverhohlen melodisches Set surrealistischer Popmusik, das sich in Widersprüchen suhlt. ,Dieses Album ist in seiner Machart experimentell", sagt Wolski, ,aber es klingt nicht unbedingt experimentell." Dafür gibt es einen guten Grund. Die Arbeit begann an einem kalten Nachmittag im Juni 2023, als Wolski und Stephenson sich in den Pelican Refill Studios in Melbourne trafen, um die Drums aufzunehmen - das erste, was sie immer machen. Danach ging Wolski alleine nach Hause und fing an, die aufgenommenen Beats und Breaks durchzugehen, wobei er sich von den Drum-Sounds zu Melodien und Basslines leiten ließ, Loops und Layers erstellte und so die Grundlage für ,Prove The Mountains Move" schuf. ,Ich fühle mich wohl dabei, alleine wie ein verrückter Wissenschaftler herumzutüfteln", sagt er. ,Ich habe es auch genossen, ohne klare Absicht auf Aufnahme zu drücken. Meistens führte mich das in eine interessante Richtung, die mein Bewusstsein wahrscheinlich nicht gesucht hätte." Und doch gelangte Wolski irgendwie zu seinem direktesten Werk seit Beginn des Projekts, neu inspiriert von der Klarheit und Prägnanz des Mainstream-Pop, der starken und unbestreitbaren Anziehungskraft einer einfachen Gesangsmelodie. Nachdem die berühmt-berüchtigten strengen COVID-Lockdowns in Melbourne beendet waren, wollte er einfach draußen bleiben. ,Die Arbeit an neuer Musik trat gegenüber dem Feiern mit Freunden in den Hintergrund", sagt er. ,Und diese Partys waren voller großer Hits als Soundtrack - Sachen, die ich selbst nicht wirklich hörte, Sachen, denen ich seit meiner Jugend nicht mehr begegnet war. Aber in den frühen Morgenstunden des Sonntags klingt ,Alive" von Pearl Jam, als würde man mit Gott sprechen. Genauso wie ,All I Wanna Do" von Sheryl Crow und ,Feel" von Robbie Williams. Krautrock und Dub waren immer noch in meiner DNA, aber die Musik, die ich zu machen begann, war vielleicht etwas unbeschwerter und vielleicht auch etwas emotionaler." Das heißt nicht, dass man hier Spuren von Eddie Vedder in Wolskis Gesang erwarten sollte, aber die Einsätze fühlen sich auf ihre eigene Weise ähnlich an - so klingt es, wenn EXEK wirklich alles geben. Nimm zum Beispiel die schwebenden Synthesizer des Openers ,Sidestepping" oder die gewaltigen Gitarren von ,Arriverderci Back Pain", die pyrotechnischen Klavierklänge von ,Don't Answer (When They Call)" oder die Bowie-artige Melancholie von ,You Have Been Blessed". Die Arrangements wirken offener, der Sound fokussierter. Es fällt nicht schwer, Wolski zu glauben, wenn er sagt, dass er viel Zeit damit verbracht hat, seine Mixe von ,Prove The Mountains Move" mit einigen der wichtigsten Alben, die je aufgenommen wurden, darunter ,Abbey Road", zu vergleichen. Aber alles ist relativ. Und textlich bleibt Wolski weiterhin verschlüsselt. ,Jeder Song ist eine Vignette in einem abstrakten Milieu, sei es ein experimentelles Chiropraktik-Geschäft am Flughafen oder spärlich bekleidete Kreaturen aus Staub in einem Food Court. Egal wie verrückt das auch sein mag, es gibt Themen und Motive auf dem gesamten Album, sowohl textlich als auch musikalisch, die sich in verschiedenen Songs widerspiegeln und aufeinander Bezug nehmen." Diese Dissonanz zwischen direkt und indirekt, glatt und strukturiert, schattig und glühend, verrückt und ausdruckslos ist die treibende Kraft im Herzen dieser Songs, seiner bisher besten.

MEKONS - OUT OF DESPERATION (LUXURY CHICKEN SONG): ,Ein Luxus-Huhn ist was ganz Besonderes und Einzigartiges und hat einen hohen Wert. Es gibt auch ein handbemaltes Mekons-T-Shirt mit einem Huhn drauf, das eine Zigarette raucht. Hagar the Womb sind auch ganz besonders und einzigartig und haben einen hohen Wert, und ich bin froh, dass sie sich an dem Abend im Hawley Arms nicht wirklich getrennt haben, obwohl sie unseren Rider geklaut haben." - JON LANGFORD (Gründungsmitglied von Mekons, Three Johns und Waco Brothers), 2025 // HAGAR THE WOMB - FARE DODGING WITH THE MEKON'S RIDER (3 BEERS & A LEMON): Geschrieben von Ruth Elias & Chris Knowles. Aufgenommen bei Church Road Recording Company, Hove, von Paul Pascoe 2025. Hags: Ruth, Karen, Paul, Lorna, Mitch, Chris. Coverdesign & Illustration von Lorna Tiefholz. Text von Ruth. Der Labelaufdruck zeigt Chris, wie er eines der drei Biere im Zug trinkt. Dieser Song entstand kurz nachdem das dritte Bier getrunken war. ,Fare Dodging with the Mekon's Rider" entstand, nachdem wir vor ein paar Jahren in Brighton unsere Lieblingsband The Mekons supportet hatten. Im Gegensatz zu den Hags hatten sie einen reichhaltigen Rider, darunter eine Obstschale mit einer prächtigen Zitrone. Als wir uns auf den Weg zum Zug zurück nach London machten, steckte Ruth heimlich drei Bier aus dem Rider der Mekons in ihre Tasche und konnte sich dann nicht von der Zitrone trennen! Von Gesetzlosigkeit erfüllt, sind wir aus dem Zug ausgestiegen, nachdem uns gesagt wurde, dass wir nicht einsteigen könnten, weil wir die falschen Fahrkarten hatten. Wir haben die Biere getrunken, bevor der Zug den Bahnhof verließ, aber, liebe Leser, die Zitrone wurde nie verzehrt. Ein trauriges Ende für die Zitrusfrucht, aber in diesem Song, der unsere Errungenschaften des Abends feiert, wird sie nie vergessen werden.

Dass es jede Menge deutsche Thrash-Legenden gibt ist ja nun kein Geheimnis ... Aber statt sich immer nur die alten Standards reinzutun, sollte man sich lieber mal mit einer Underground-Perle beschäftigen, die der eine oder andere von euch kennen sollte: Necronomicon! Noch nie gehört? Tja... Das Leben als Thrasher hätte so schön sein können, wenn...ja, wenn Necronomicon Mitte der 80er nicht so ein Pech mit ihrem Label Scratchcore gehabt hätten... „Apocalyptic Nightmare“ von 1987 wurde hierzulande erstmal großflächig und schändlich ignoriert. In den Staaten, in Südamerika und in allen Skandinavischen Ländern wurde das zweite Album der Baden-Württemberger dagegen mächtig abgefeiert – und dass man in diesen Ländern was von guter Musik versteht, ist ja wohl klar. Sänger Freddy braucht den Vergleich mit Destructions Schmier nicht zu scheuen, und der Gitarrensound auf „Apocalyptic Nightmare“ ist schon des Öfteren mit den frühen Celtic Frost verglichen worden. Während ein kleines, obskures Label Necronomicon damals den Start versaut hat, werden High Roller Records es besser machen – und zwar mit der Deluxe-Re-Edition von „Apocalyptic Nightmare“! Mit dem Signing bei High Roller geht für die Band endlich eine echte Odyssee zu Ende!

Nothing waren schon immer Regelbrecher. Shoegaze-Rebellen, die das typischerweise leichtgewichtige Genre nach ihrem eigenen, knallharten amerikanischen Image neu erfunden haben. Outlaw-Poeten, die existenzielle Ängste auf kilometerbreiten Leinwänden aus Fuzz und Hall ausbreiten. Angefangen als Solo-Projekt in einem Schlafzimmer in Philadelphia im Jahr 2010, hat die Musik von Nothing immer die ganze Bandbreite des Menschseins eingefangen, sowohl die schreiende Wut als auch die flüsternde Traurigkeit. ,A Short History of Decay", das fünfte Soloalbum von Nothing und das erste für Run For Cover Records, erweitert diesen Horizont noch weiter und bietet die bisher hochauflösendste Darstellung von Nothing. Die Band hat noch nie so kolossal geklungen, sich noch nie so intim angefühlt, war noch nie so ehrlich. Mit dem stärksten Arsenal in der sich ständig verändernden Besetzung von Nothing - Gitarrist Doyle Martin (Cloakroom), Bassist Bobb Bruno (Best Coast), Schlagzeuger Zachary Jones (MSC, Manslaughter 777) und dem dritten Gitarristen Cam Smith (Ladder To God, ebenfalls von Cloakroom) - wusste Singer-Songwriter Domenic ,Nicky" Palermo wusste, dass er die nötige Manpower hatte, um das bisher ambitionierteste Album der Band aufzunehmen. Mitgeschrieben und produziert wurde es zusammen mit Whirr-Gitarrist Nicholas Bassett, zusätzliche Produktions- und Mixing-Arbeiten übernahm Sonny Diperri (DIIV, Julie). a short history of decay ist das musikalisch ausgereifteste Statement im Katalog von Nothing. Songs wie ,Cannibal World" und ,Toothless Coal" sind katastrophale Ausbrüche mechanisierten Industrial-Gaze, die wie My Bloody Valentine klingen - nur extremer. Am anderen Ende des Spektrums steht das kunstvoll-düstere ,Purple Strings" mit einem wunderschönen Streicharrangement, an dem die Harfenistin und zweifache Nothing-Mitwirkende Mary Lattimore beteiligt ist. Diese barocke Zartheit durchdringt auch andere Höhepunkte von ,A Short History of Decay", insbesondere ,The Rain Don't Care", eine beschwingte Ballade, die die abgenutzte Eleganz von Mojave 3 kanalisiert, sowie ,Nerve Scales", ein prasselnder Bop, der in seiner Verbindung von jenseitiger Atmosphäre und tödlicher Präzision an Radiohead erinnert. Palermo bezeichnet das neue Album als ,letztes Kapitel". Nicht das Ende von Nothing, sondern der Abschluss einer Geschichte, die mit dem Debütalbum von Nothing aus dem Jahr 2014, Guilty of Everything, begann - einem weiteren Album über Zeit, Reue und die Konfrontation mit unangenehmen Wahrheiten - und nun mit A Short History of Decay ihren Abschluss findet. Es ist ebenso sehr eine Momentaufnahme von Palermos Vergangenheit wie ein Sprung in die Zukunft von Nothing.

Nothing waren schon immer Regelbrecher. Shoegaze-Rebellen, die das typischerweise leichtgewichtige Genre nach ihrem eigenen, knallharten amerikanischen Image neu erfunden haben. Outlaw-Poeten, die existenzielle Ängste auf kilometerbreiten Leinwänden aus Fuzz und Hall ausbreiten. Angefangen als Solo-Projekt in einem Schlafzimmer in Philadelphia im Jahr 2010, hat die Musik von Nothing immer die ganze Bandbreite des Menschseins eingefangen, sowohl die schreiende Wut als auch die flüsternde Traurigkeit. ,A Short History of Decay", das fünfte Soloalbum von Nothing und das erste für Run For Cover Records, erweitert diesen Horizont noch weiter und bietet die bisher hochauflösendste Darstellung von Nothing. Die Band hat noch nie so kolossal geklungen, sich noch nie so intim angefühlt, war noch nie so ehrlich. Mit dem stärksten Arsenal in der sich ständig verändernden Besetzung von Nothing - Gitarrist Doyle Martin (Cloakroom), Bassist Bobb Bruno (Best Coast), Schlagzeuger Zachary Jones (MSC, Manslaughter 777) und dem dritten Gitarristen Cam Smith (Ladder To God, ebenfalls von Cloakroom) - wusste Singer-Songwriter Domenic ,Nicky" Palermo wusste, dass er die nötige Manpower hatte, um das bisher ambitionierteste Album der Band aufzunehmen. Mitgeschrieben und produziert wurde es zusammen mit Whirr-Gitarrist Nicholas Bassett, zusätzliche Produktions- und Mixing-Arbeiten übernahm Sonny Diperri (DIIV, Julie). a short history of decay ist das musikalisch ausgereifteste Statement im Katalog von Nothing. Songs wie ,Cannibal World" und ,Toothless Coal" sind katastrophale Ausbrüche mechanisierten Industrial-Gaze, die wie My Bloody Valentine klingen - nur extremer. Am anderen Ende des Spektrums steht das kunstvoll-düstere ,Purple Strings" mit einem wunderschönen Streicharrangement, an dem die Harfenistin und zweifache Nothing-Mitwirkende Mary Lattimore beteiligt ist. Diese barocke Zartheit durchdringt auch andere Höhepunkte von ,A Short History of Decay", insbesondere ,The Rain Don't Care", eine beschwingte Ballade, die die abgenutzte Eleganz von Mojave 3 kanalisiert, sowie ,Nerve Scales", ein prasselnder Bop, der in seiner Verbindung von jenseitiger Atmosphäre und tödlicher Präzision an Radiohead erinnert. Palermo bezeichnet das neue Album als ,letztes Kapitel". Nicht das Ende von Nothing, sondern der Abschluss einer Geschichte, die mit dem Debütalbum von Nothing aus dem Jahr 2014, Guilty of Everything, begann - einem weiteren Album über Zeit, Reue und die Konfrontation mit unangenehmen Wahrheiten - und nun mit A Short History of Decay ihren Abschluss findet. Es ist ebenso sehr eine Momentaufnahme von Palermos Vergangenheit wie ein Sprung in die Zukunft von Nothing.

Nothing waren schon immer Regelbrecher. Shoegaze-Rebellen, die das typischerweise leichtgewichtige Genre nach ihrem eigenen, knallharten amerikanischen Image neu erfunden haben. Outlaw-Poeten, die existenzielle Ängste auf kilometerbreiten Leinwänden aus Fuzz und Hall ausbreiten. Angefangen als Solo-Projekt in einem Schlafzimmer in Philadelphia im Jahr 2010, hat die Musik von Nothing immer die ganze Bandbreite des Menschseins eingefangen, sowohl die schreiende Wut als auch die flüsternde Traurigkeit. ,A Short History of Decay", das fünfte Soloalbum von Nothing und das erste für Run For Cover Records, erweitert diesen Horizont noch weiter und bietet die bisher hochauflösendste Darstellung von Nothing. Die Band hat noch nie so kolossal geklungen, sich noch nie so intim angefühlt, war noch nie so ehrlich. Mit dem stärksten Arsenal in der sich ständig verändernden Besetzung von Nothing - Gitarrist Doyle Martin (Cloakroom), Bassist Bobb Bruno (Best Coast), Schlagzeuger Zachary Jones (MSC, Manslaughter 777) und dem dritten Gitarristen Cam Smith (Ladder To God, ebenfalls von Cloakroom) - wusste Singer-Songwriter Domenic ,Nicky" Palermo wusste, dass er die nötige Manpower hatte, um das bisher ambitionierteste Album der Band aufzunehmen. Mitgeschrieben und produziert wurde es zusammen mit Whirr-Gitarrist Nicholas Bassett, zusätzliche Produktions- und Mixing-Arbeiten übernahm Sonny Diperri (DIIV, Julie). a short history of decay ist das musikalisch ausgereifteste Statement im Katalog von Nothing. Songs wie ,Cannibal World" und ,Toothless Coal" sind katastrophale Ausbrüche mechanisierten Industrial-Gaze, die wie My Bloody Valentine klingen - nur extremer. Am anderen Ende des Spektrums steht das kunstvoll-düstere ,Purple Strings" mit einem wunderschönen Streicharrangement, an dem die Harfenistin und zweifache Nothing-Mitwirkende Mary Lattimore beteiligt ist. Diese barocke Zartheit durchdringt auch andere Höhepunkte von ,A Short History of Decay", insbesondere ,The Rain Don't Care", eine beschwingte Ballade, die die abgenutzte Eleganz von Mojave 3 kanalisiert, sowie ,Nerve Scales", ein prasselnder Bop, der in seiner Verbindung von jenseitiger Atmosphäre und tödlicher Präzision an Radiohead erinnert. Palermo bezeichnet das neue Album als ,letztes Kapitel". Nicht das Ende von Nothing, sondern der Abschluss einer Geschichte, die mit dem Debütalbum von Nothing aus dem Jahr 2014, Guilty of Everything, begann - einem weiteren Album über Zeit, Reue und die Konfrontation mit unangenehmen Wahrheiten - und nun mit A Short History of Decay ihren Abschluss findet. Es ist ebenso sehr eine Momentaufnahme von Palermos Vergangenheit wie ein Sprung in die Zukunft von Nothing.

ULI SAILOR -> File under: Punkrock am KlavierNach über 30 Jahren auf Bühnen zwischen Punkkeller und Festivalhauptbühne bringt Uli Sailor nun sein erstes Piano Solo-Album heraus. ,Besser Anders" ist das Ergebnis von zwei Jahren intensiver Arbeit - zehn Songs voller Energie, Melancholie und Haltung. Produziert wurde das Album halb in Berlin von Thies Neu, halb in Köln von Tobias Röger (Wohlstandskinder, Udo Lindenberg, Slime).Musikalisch schlägt Uli eine Brücke zwischen Indie-Rock und Punk, bleibt dabei aber weit entfernt von weichgespültem Pop. Klavier, Cello und Gesang treffen auf kantige Arrangements und Texte, die irgendwo zwischen Tagtraum und Knochenfabrik liegen - poetisch, wütend, reflektiert. Themen wie Gentrifizierung, digitale Entfremdung und die unerschütterliche Liebe zum Punk ziehen sich durchs ganze Werk.,Besser Anders" ist ein Album gegen die Austauschbarkeit. Kein KI-Produkt, keine Routine - sondern Handarbeit, Schweiß und Herzblut. Uli zeigt, dass Punkrock auch mit Klaviertasten funktionieren kann, solange man das richtige Maß an Wut, Humor und Zärtlichkeit mitbringt.Patrick Reerink (GUTS PIE EARSHOT) sorgt auf dem Album für die Cello-Parts. ,Kiezblock" entsteht gemeinsam mit Chris Kotze (KOTZREIZ), unterstützt von Totze Trippi (BEATSTEAKS) am Bass und einem Chor von Freund*innen - unter anderem Dead End Kids, Berlin Blackouts, Von.Orten und Töff Malstroem. In ,Der demagogische Wandel" greift Guido Donot (DONOTS) zur Gitarre und setzt ein Solo, das hängen bleibt. Das macht ,Besser Anders" zu mehr als einem einsamen Solo-Projekt, sondern ein kollektives Statement mit Haltung.Mittel-Version (2600 Zeichen)Sommer 2025: In einem Berliner Proberaum sitzt ein Mensch und macht das, was er am liebsten tut - Musik. Dieser Mensch heißt Uli Breitbach, besser bekannt als Uli Sailor. Seit über 30 Jahren ist er kreativer Arbeiter, mal euphorisch, mal verzweifelt, und nach zwei Jahren intensiver Arbeit erscheint nun sein erstes Solo-Album: ,Besser Anders".Was wie eine klassische Musikerbiografie klingt, steht im Kontrast zur Gegenwart. Während Künstliche Intelligenz längst komplette Bands ersetzt, bleibt Uli Sailors Musik das Gegenteil davon: handgemacht, ehrlich, mit hörbarem Herzblut. Uli geht auf die 50 zu und bringt sein Debüt erst jetzt heraus - nach Jahrzehnten als Teil verschiedenster Bands wie den Skatepunks D-SAILORS, den Indierockern TUSQ und der legendären Deutschpunkband TERRORGRUPPE.Nach deren Ende wagte Uli ein ungewöhnliches Experiment: Punksongs seiner Jugend auf dem Klavier - unterstützt von Cello. Was zunächst abwegig klang, traf einen Nerv. Seine Konzerte führten ihn in kleine Clubs ebenso wie auf große Bühnen - vom Sisyphos über Rock am Ring bis zur Volksbühne. Egal ob Punkkneipe oder Festival: Uli Sailor funktioniert überall.2024 folgte die EP ,Für immer jung", fünf eigene Songs zwischen Wut und Sentimentalität, die von Kritikern durchweg gelobt wurden. Jetzt also das Album. ,Besser Anders", das am 27. Februar 2026 erscheint - zehn Songs, produziert zur Hälfte von Thies Neu (SHIRLEY HOLMES, DYSE, DEAD END KIDS) in Berlin und von Tobias Röger (WOHLSTANDSKINDER, SLIME, UDO LINDENBERG) in Köln.Musikalisch wagt Uli den Schritt vom Piano-Punkrock hin zu einem Mix aus Indie und Punk, ohne dabei seine Haltung zu verlieren. ,Sellout?", mögen manche rufen. ,Hört doch erst einmal rein", wäre die passende Antwort. Denn ,Besser Anders" ist weit entfernt von weichgespültem Befindlichkeits-Pop. Die Texte bewegen sich zwischen Tagtraum und Knochenfabrik, kraftvoll, poetisch und differenziert. Uli Sailor benennt Missstände, bleibt aber empathisch, reflektiert und wirkt nie platt. Es ist ein vielseitiges, eigenständiges Album mit Songs über Gentrifizierung, digitale Abhängigkeit, verblühende Liebe und die unerschütterliche Kraft des Punk.Patrick Reerink von GUTS PIE EARSHOT steuerte die Cello-Parts bei. Mit Chris Kotze (KOTZREIZ) entstand eine gemeinsam geschriebene Anti-Gentrifizierungshymne, unterstützt von Totze Trippi (BEATSTEAKS) am Bass und einem Backgroundchor, der sich gewaschen hat: Mitglieder von Berlin Blackouts, Dead End Kids, Von.Orten und Töff Malstroem. Bei ,Der demagogische Wandel" wiederum griff Guido Donot (DONOTS) zur Gitarre und setzte ein Solo, das man so schnell nicht vergisst. ,Besser Anders" ist damit weit mehr als ein Solo-Album - es ist ein Gemeinschaftswerk mit Haltung.Vielleicht wird Uli Sailor keine Millionen Klicks erzielen. Aber das ist gut so. Dieses Album ist kein Algorithmusprodukt, sondern das Ergebnis ehrlicher Handarbeit, Leidenschaft und einer großen Liebe zur Musik. Punkrock bleibt hier der rote Faden - anders, besser, echt.

ULI SAILOR -> File under: Punkrock am KlavierNach über 30 Jahren auf Bühnen zwischen Punkkeller und Festivalhauptbühne bringt Uli Sailor nun sein erstes Piano Solo-Album heraus. ,Besser Anders" ist das Ergebnis von zwei Jahren intensiver Arbeit - zehn Songs voller Energie, Melancholie und Haltung. Produziert wurde das Album halb in Berlin von Thies Neu, halb in Köln von Tobias Röger (Wohlstandskinder, Udo Lindenberg, Slime).Musikalisch schlägt Uli eine Brücke zwischen Indie-Rock und Punk, bleibt dabei aber weit entfernt von weichgespültem Pop. Klavier, Cello und Gesang treffen auf kantige Arrangements und Texte, die irgendwo zwischen Tagtraum und Knochenfabrik liegen - poetisch, wütend, reflektiert. Themen wie Gentrifizierung, digitale Entfremdung und die unerschütterliche Liebe zum Punk ziehen sich durchs ganze Werk.,Besser Anders" ist ein Album gegen die Austauschbarkeit. Kein KI-Produkt, keine Routine - sondern Handarbeit, Schweiß und Herzblut. Uli zeigt, dass Punkrock auch mit Klaviertasten funktionieren kann, solange man das richtige Maß an Wut, Humor und Zärtlichkeit mitbringt.Patrick Reerink (GUTS PIE EARSHOT) sorgt auf dem Album für die Cello-Parts. ,Kiezblock" entsteht gemeinsam mit Chris Kotze (KOTZREIZ), unterstützt von Totze Trippi (BEATSTEAKS) am Bass und einem Chor von Freund*innen - unter anderem Dead End Kids, Berlin Blackouts, Von.Orten und Töff Malstroem. In ,Der demagogische Wandel" greift Guido Donot (DONOTS) zur Gitarre und setzt ein Solo, das hängen bleibt. Das macht ,Besser Anders" zu mehr als einem einsamen Solo-Projekt, sondern ein kollektives Statement mit Haltung.Mittel-Version (2600 Zeichen)Sommer 2025: In einem Berliner Proberaum sitzt ein Mensch und macht das, was er am liebsten tut - Musik. Dieser Mensch heißt Uli Breitbach, besser bekannt als Uli Sailor. Seit über 30 Jahren ist er kreativer Arbeiter, mal euphorisch, mal verzweifelt, und nach zwei Jahren intensiver Arbeit erscheint nun sein erstes Solo-Album: ,Besser Anders".Was wie eine klassische Musikerbiografie klingt, steht im Kontrast zur Gegenwart. Während Künstliche Intelligenz längst komplette Bands ersetzt, bleibt Uli Sailors Musik das Gegenteil davon: handgemacht, ehrlich, mit hörbarem Herzblut. Uli geht auf die 50 zu und bringt sein Debüt erst jetzt heraus - nach Jahrzehnten als Teil verschiedenster Bands wie den Skatepunks D-SAILORS, den Indierockern TUSQ und der legendären Deutschpunkband TERRORGRUPPE.Nach deren Ende wagte Uli ein ungewöhnliches Experiment: Punksongs seiner Jugend auf dem Klavier - unterstützt von Cello. Was zunächst abwegig klang, traf einen Nerv. Seine Konzerte führten ihn in kleine Clubs ebenso wie auf große Bühnen - vom Sisyphos über Rock am Ring bis zur Volksbühne. Egal ob Punkkneipe oder Festival: Uli Sailor funktioniert überall.2024 folgte die EP ,Für immer jung", fünf eigene Songs zwischen Wut und Sentimentalität, die von Kritikern durchweg gelobt wurden. Jetzt also das Album. ,Besser Anders", das am 27. Februar 2026 erscheint - zehn Songs, produziert zur Hälfte von Thies Neu (SHIRLEY HOLMES, DYSE, DEAD END KIDS) in Berlin und von Tobias Röger (WOHLSTANDSKINDER, SLIME, UDO LINDENBERG) in Köln.Musikalisch wagt Uli den Schritt vom Piano-Punkrock hin zu einem Mix aus Indie und Punk, ohne dabei seine Haltung zu verlieren. ,Sellout?", mögen manche rufen. ,Hört doch erst einmal rein", wäre die passende Antwort. Denn ,Besser Anders" ist weit entfernt von weichgespültem Befindlichkeits-Pop. Die Texte bewegen sich zwischen Tagtraum und Knochenfabrik, kraftvoll, poetisch und differenziert. Uli Sailor benennt Missstände, bleibt aber empathisch, reflektiert und wirkt nie platt. Es ist ein vielseitiges, eigenständiges Album mit Songs über Gentrifizierung, digitale Abhängigkeit, verblühende Liebe und die unerschütterliche Kraft des Punk.Patrick Reerink von GUTS PIE EARSHOT steuerte die Cello-Parts bei. Mit Chris Kotze (KOTZREIZ) entstand eine gemeinsam geschriebene Anti-Gentrifizierungshymne, unterstützt von Totze Trippi (BEATSTEAKS) am Bass und einem Backgroundchor, der sich gewaschen hat: Mitglieder von Berlin Blackouts, Dead End Kids, Von.Orten und Töff Malstroem. Bei ,Der demagogische Wandel" wiederum griff Guido Donot (DONOTS) zur Gitarre und setzte ein Solo, das man so schnell nicht vergisst. ,Besser Anders" ist damit weit mehr als ein Solo-Album - es ist ein Gemeinschaftswerk mit Haltung.Vielleicht wird Uli Sailor keine Millionen Klicks erzielen. Aber das ist gut so. Dieses Album ist kein Algorithmusprodukt, sondern das Ergebnis ehrlicher Handarbeit, Leidenschaft und einer großen Liebe zur Musik. Punkrock bleibt hier der rote Faden - anders, besser, echt.

Maria BC ist mit ihrem dritten Studioalbum und zweiten Release bei Sacred Bones zurück: "Marathon". Entstanden aus einem Gefühl der Dringlichkeit, masochistischer Entschlossenheit und Ausdauer, zeigt Marathon, was es heißt, weiterzumachen, egal ob man sich wehrt oder einfach nur überlebt - man ist auf lange Sicht dabei. Auf diesem Album beschäftigt sich Maria BC mit Themen wie Widerstand, Umweltzerstörung, persönliche Umbrüche und Zerstörung, die alle mit musikalischer Kraft und Energie verflochten sind. Während sich ,Spike Field" aus dem Jahr 2023 wie ein langer Atemzug anfühlte, ist ,Marathon" eine dynamische Erkundung von Ausdauer, Vorwärtsstreben, Widerstand, Beobachtung und Überleben. ,Für dieses Album habe ich mich entschieden, weniger Zeit mit der Produktion und Aufnahme zu verbringen und mehr Zeit mit dem Songwriting", erklärt Maria BC. ,Das Ergebnis ist meiner Meinung nach thematisch konsistenter, textlich prägnanter und präziser - ich wollte etwas Dynamischeres und Abwechslungsreicheres schaffen." Auf einer Mikroebene analysiert "Marathon" unsere Existenz - wie sie von persönlichen Ambitionen, Entschlossenheit und unserem Wunsch, das Beste aus unserem Leben zu machen, angetrieben wird. Auf einer Makroebene analysiert Maria BC die zerstörerischen, ausbeuterischen Energiesysteme, die unsere Welt antreiben: ,Maschinen, die um jeden Preis weiterlaufen, bis sie sich selbst zerstören", wie sie es beschreibt. Das Album, das an der Westküste geschrieben und aufgenommen wurde, ist sowohl weitreichend als auch unmittelbar und reicht klanglich von luftigen Akustiksongs bis hin zu glitchigen, verzerrten Tracks, die Chaos und Desillusionierung vermitteln, während gleichzeitig eine lyrische Linie beibehalten wird. In seinen dreizehn Songs scheut "Marathon" keine schwierigen Themen wie Grausamkeit und Mitschuld, Verlust und Zerstörung. Aber es hält hoffnungsvoll an Verbindung, Intimität und Einmischung fest. ,Manchmal, wenn ich Songs schreibe, stelle ich mir vor, dass die Stimme, die singt, eine Art Geist ist", sagt sie. ,Jemand von oben oder unten, der uns warnend zuruft: ,So könnt ihr nicht weitermachen.`" Letztendlich erzählt "Marathon" eine Geschichte von Beharrlichkeit, nicht nur von einem Leben, sondern von vielen, die sich über Raum und Zeit auf einer zerbrechlichen Erde entfalten.

Aaron Warren und Bjorn Copeland machen seit 1999 zusammen Musik: neun Jahre als Flaccid Mojo und 26 Jahre als Black Dice. Diese Zusammenarbeit ist wie eine Wanderung durch die verwüstete Landschaft der zeitgenössischen Musik. Indem sie Dummes, Gedämpftes und Verbrauchtem stapeln, schaffen die beiden immer wieder unausgewogene, atemberaubende Mutantenkonstruktionen. Das neueste Beispiel dafür ist ,Loose Jacks", das zweite Album von Flaccid Mojo. Es besteht aus kostenlosen Handy-Apps, fragmentierten YouTube-Videos und Elektronik mit zerbrochenen Bildschirmen - den verbrannten und zerknitterten Überresten des Streaming-Industriekomplexes. ,Loose Jacks" ist das breite, hysterische Grinsen, wenn man in den letzten Tagen einen Schatz findet. Die Songs von Flaccid Mojo sind für Live-Auftritte gemacht, mit einem modularen Arsenal an Rhythmen, Stabs und Payoffs, die alle bereitstehen. Das ist ihre Art, das Physische in den Mittelpunkt zu stellen und sicherzustellen, dass die körperlichen Vorgaben der Komposition jedes Songs diese Befehle an alle im Publikum wiederholen. Die Befriedigung eines Loops, der so lange läuft, bis er dir im Blut liegt, die Bassline, die zu einem Stoß geformt ist, der Snare-Hit, der so scharf ist wie der Ellbogen eines Fremden. Man kann sich wie ein Geist fühlen, der durch die Platte einer anderen Band schwebt, aber Loose Jacks ist wie eine Mauer, eine schwere Decke, starke Hände, die dich auf einen Haufen von Körpern heben. Es ist eine befreiende, unspirituelle Erfahrung. Eine fleischliche. Wie schon ihr Debütalbum ,Flaccid Mojo" (veröffentlicht 2022 bei Castle Face) wurde auch ,Loose Jacks" von Chris Coady aufgenommen, der seit den Neunzigern bei Black Dice-Konzerten dabei ist. Es ist toll, mit Leuten zu arbeiten, die es kapieren und nicht über Tonarten oder ,das Raster" diskutieren. Ähnlich wurde ,Loose Jacks" von Sarah Register gemastert, deren Band Talk Normal sich eine Wand mit dem Proberaum von Black Dice teilte. Für Fans von Chrome, Men's Recovery Project und den Chemical Brothers.

All Cats Are Cute ist ein Instrumental-Funk-/Lofi-Beats-Party- und Chill-Album für alle Tierfreunde! Dieses Album feiert nicht nur Katzen, sondern auch den Geist der Vielfalt und Zusammengehörigkeit unter allen Lebewesen auf der Erde. Egal, ob man sein Zuhause mit Katzen, Hunden, Nagetieren, Vögeln, Menschen oder einfach nur mit der Liebe zu allen Lebewesen teilt, diese Platte ist der perfekte Soundtrack - eine Fahrt weg vom Trubel, auf einem bunten Katzenbus vorbei am Soul Train zur Regenbogenbrücke. Inspiriert von den Rettungskatzen Tibby und Slippy von Furnace Record Pressing, kommt diese LP Katzen zugute, die es am meisten brauchen. 100 % der Einnahmen werden an Brooklyn Animal Action gespendet, um deren Mission zu unterstützen, Tiere in Not zu retten, zu rehabilitieren und ihnen ein neues Zuhause zu geben. Dieses Projekt wurde ermöglicht durch die großzügige Unterstützung von Furnace Record Pressing, Catbeats und allen beteiligten Anbietern, die ihre Dienste gespendet haben, um sicherzustellen, dass jeder Cent direkt der Hilfe für Tiere zugute kommt. Hinter dem Namen steckt Shelby Cinca, bekannt als ehemaliger Sänger der 90er-Jahre-Hardcore-Band Frodus.

Als Nachfolger von ,High Art Lite" ist ,Ruins" ein Album, das von Trauer, Reflexion und Transformation geprägt ist; eine Platte, die sowohl die Schwere des Verlusts als auch die seltsame Schönheit, die damit einhergeht, einfängt. Geschrieben nach einer selbst auferlegten Pause vom Songwriting, repräsentiert es eine Veränderung im Fokus und in der Perspektive von Joseph Oxley aka TVAM. ,Ich wollte mich von dem entfernen, was ich dachte, dass ich machen sollte", erklärt er. ,Der schlechteste Rat, den man geben kann, ist: ,Was nicht kaputt ist, muss man nicht reparieren.` Es ist immer kaputt. Es muss immer repariert werden." Im Kern beschäftigt sich ,Ruins" mit Verlust nicht als Leere, sondern als Präsenz, als etwas, das die Welt um einen herum neu gestaltet. Auf dem Album ringt Oxley mit den Dualitäten der menschlichen Erfahrung: der Spannung zwischen Gesagtem und Ungesagtem, zwischen Humanismus und Nihilismus, Öffentlichkeit und Privatsphäre, Verzweiflung und Akzeptanz. ,Hoffnung und Verzweiflung heben sich nicht gegenseitig auf", sagt er. ,Sie können nebeneinander existieren - das macht es real." Irgendwo inmitten eines Lebens voller Wiederholungen, Wiederaufführungen und Neustarts lebt TVAM und schafft Werke, die unsere Erinnerungen berühren und gleichzeitig mit unseren Ängsten spielen, und schafft eine Welt, in der Rundfunk zu Performance wird. Seit seinem Debütalbum ,Psychic Data", das aus einem kleinen Schlafzimmerstudio in Wigan hervorgegangen ist, hat TVAM den Sound und das Spektakel der Nostalgie im modernen Leben definiert, vom Slogan ,Porsche Majeure" bis zum Wahlkampf ,Semantics". Seine Musik wurde in die Tagesplaylist von BBC 6 Music aufgenommen und in Fernsehsendungen wie der bahnbrechenden Serie ,Succession" vorgestellt. Musikalisch ist ,Ruins" expansiv und immersiv. Dunkel, aber magisch, ist es voller hallgetränkter Synthesizer, zerbrochener Texturen und hämmernder Snares. Gitarren verweben sich mit neu entdeckter Zurückhaltung durch den Mix und schaffen Raum für Atmosphäre und Emotionen, die im Mittelpunkt stehen. ,Broken Reality"-Texturen kollidieren mit treibenden Rhythmen und erinnern an den cineastischen Puls von The Sisters of Mercy aus der ,Floodland"-Ära und die melodische Melancholie von The Cure aus der ,Disintegration"-Ära. Das Ergebnis ist ein Album, das Schönheit in Dissonanzen und Licht in Trümmern findet.

Du hast hier ein Album in der Hand, das zum Zeitpunkt seiner Aufnahme nie veröffentlicht wurde. Über 30 Jahre lang lag es im Archiv von Plattenproduzent und Musiker Dave Hamilton, einem der unbesungenen Helden der Detroit-Soul-Szene. Die Schachtel mit den Tonbändern war einfach mit ,The Possible Little Ann Album" beschriftet. Die Songs von Little Ann sind zeitlose Meisterwerke der Soulmusik. Deshalb dachten wir hier bei Timmion Records, dass sie zusammen auf einem Album gehören, so wie sie ursprünglich gehört werden sollten. Manchmal braucht es Zeit, bis sich Möglichkeiten erfüllen.

Repress auf Ice Blue Vinyl. Die schwedischen Riffgötter von GRAND MAGUS blasen mit "Iron Will" zum Metalangriff. ,Iron Will" beendet die Reise, die die Band auf dem Vorgänger von 2005, ,Wolf's Return" antrat und bringt sie zu ihrem unausweichlichen finalen Höhepunkt, auf dem alles in Schutt und Asche gelegt wird. Die Energie zu diesem furiosen Schlusspunkt der Reise ziehen GRAND MAGUS aus der bodenständigen Erhabenheit der NWOBHM und der inspirierenden Mythologie ihrer Vorgänger. GRAND MAGUS haben die vorchristlichen Geschichten von Sieg, Rache, Betrug, Romanzen und Tod in sich aufgesogen, so dass ihr Sound das Produkt eines düsteren, fruchtbaren Ortes ist, an dem Rock und Heavy Metal eine Symbiose der pursten Art eingehen. Die neun Songs auf ,Iron Will" sind das Manifest zeitloser, maskuliner Würde, die mit Leichtigkeit Plastikschwerte entzwei bricht, Idioten mitten ins Gesicht tritt und das wahre Schwert des klassischen Metal mit Stolz in die Höhe hält.

Das vierte Album und Sub Pop-Debüt von Lala Lala, alias Lillie West, ist ein kraftvoller, warmer und mit Ohrwürmern gespickter Indie-Pop-Kracher für Fans von Jay Som, Porches, Dehd, Angel Olsen und Alex G. Lillie West hat ihre Musik immer aus dem Bedürfnis heraus gemacht, ständig in Bewegung zu sein. Als sie aber kürzlich den Wunsch verspürte, sich niederzulassen, hat sie gemerkt, dass Beständigkeit Kreativität fördern kann. Diese Entwicklung ist der Antrieb für einen Großteil ihres neuen Albums "Heaven 2". Viele Jahre lang lebte West in Chicago, wo sie Lala Lala als Teil der Indie-Szene der Stadt etablierte und mehrere Alben auf Hardly Art veröffentlichte. Diese Alben, "The Lamb" und "I Want the Door to Open", waren kraftvolle Statements einer neugierigen Künstlerin: eingängige Gitarren-Pop-Songs über das Feststecken in den Höhen und Tiefen des Lebens, den Kampf, nüchtern zu bleiben, die Stadt zu verlassen, sein Leben in die Luft zu jagen. West verließ Chicago, um nach mehr zu suchen, und schrieb dabei ihr neues Album "Heaven 2". Auf ihrer Reise landete sie in New Mexico, wo sie in Taos fernab der Zivilisation lebte. "Es war sehr herausfordernd, eiskalt und voller giftiger Tiere. Aber es ist immer noch der schönste und magischste Ort, an dem ich je gewesen bin, und ich träume ständig davon", sagt West. Anschließend zog sie nach Island, wo sie zwei Jahre lang mit Unterbrechungen lebte, wobei sie die Unterbrechungen in London verbrachte, wo sie aufgewachsen war. Schließlich kam sie nach Reykjavik, wo sie sich in der Musikszene einlebte und ein Instrumentalalbum ("If I Were A Real Man I Would Be Able To Break The Neck Of A Suffering Bird") veröffentlichte, bevor sie nach Los Angeles ging, wo sie sich verliebte und sich niederließ. L.A. ist ein guter Ort zum Leben, schon allein deshalb, weil, wie West sagt: "Wo auch immer du hingehst, dort bist du. Ich wünschte, es gäbe eine coolere Art, das auszudrücken." Zum Glück gibt es die: Dieses Thema, überall Schönheit und Erfüllung zu finden, zieht sich durch "Heaven 2". In ,Even Mountains Erode" singt West: , "There are symbols and signs, you're missing your life". West ermutigt sich selbst und uns, langsamer zu werden. Innezuhalten und den Duft der Blumen zu genießen. West hat das Album zusammen mit Melina Duterte von Jay Som produziert, die mit ihrer kraftvollen Stimme einen starken Kontrast zu Wests warmem, rundem Gesang bildet. Die Beziehung zwischen den beiden war telepathisch, und das Ergebnis ist ein mutiges und selbstbewusstes Album. Duterte und West spielten fast alle Instrumente des Albums selbst, mit ein paar wichtigen Gästen wie Sen Morimoto am Saxophon im Eröffnungstrack "Car Anymore" und einer Bridge, die Aaron Maine von Porches für den Titeltrack ,Heaven 2" geschrieben hat. Bei "Catharsis" geht es nicht nur um den Schmerz, sondern auch um die Befreiung, die man erlebt, wenn man sich davon befreit. Und so gibt es auch Momente kühner Freude auf dem Album. "Arrow", das Samples der französischen Electro-Pop-Band La Femme enthält, ist schnell, und seine Schnelligkeit und Freude fühlen sich an, als würde man auf etwas zulaufen und nicht davonlaufen. "None of this was supposed to happen", singt West. Aber es ist passiert. "Es ist so eine grundlegende spirituelle Sache", sagt West, ,Widerstand ist die Wurzel allen Leidens, und ich dachte, ich könnte den Verlauf meines Lebens bestimmen." Natürlich konnte sie das, wie alle anderen auch, nicht. Wohin man auch geht, man ist immer da.

Nachdem Ásgeir jahrelang mit Übersetzern wie John Grant zusammengearbeitet und die Poesie seines Vaters, Einar Georg Einarsson, vertont hat, betritt er nun neues Terrain: Zum ersten Mal in seiner langen und gefeierten Karriere hat er die Texte komplett selbst verfasst.

Ásgeir wird seit Langem für seinen detailreichen Folk-Pop, die opulente Produktion und sein sehnsüchtiges, gefühlvolles Falsett gefeiert. „Julia“ markiert eine Wende – nicht nur hin zu lyrischer Eigenständigkeit, sondern auch zu kathartischer Direktheit, mit Songs, die nicht nur meisterhaft vorgetragen, sondern auch durchlebt wirken. „Das war irgendwie das erste Mal, dass ich die Texte völlig allein geschrieben habe“, erzählt er. „Es war beängstigend. Ich versuche immer noch, mich darin zu finden. Aber ich habe versucht, mich zu öffnen, und habe in diesem Prozess viel gelernt. Es war auf jeden Fall therapeutisch für mich.“

Dieses neue Gefühl der Verletzlichkeit zieht sich durch die zehn Stücke des Albums, die über einen Zeitraum von fast zwei Jahren geschrieben und aufgenommen wurden. Viele der Songs entstanden zunächst auf der Gitarre, wobei Ásgeir auf Schlichtheit setzte und Melodie, Klarheit und Bedeutung in den Vordergrund stellte. Die Produktion, gemeinsam mit seinem langjährigen Weggefährten Guðm. „Kiddi“ Kristinn Jónsson entwickelt, bleibt organisch und zurückhaltend – und gibt so Ásgeirs Stimme, und vor allem seiner Stimme als Songwriter, den nötigen Raum.

Der aus Nashville stammende Cellist Nathaniel Smith, den Ásgeir als „Zauberer“ beschreibt, steuert hier und im gesamten Album atmosphärische Klangteppiche bei. Mit improvisierten Melodien verleiht er den Stücken Leben und Tiefe – auf eine Weise, die Ásgeir sich zuvor nicht vorgestellt hatte.

End of Us, ist das 13 Tracks umfassende Debütalbum von TX2, mit Features von DeathbyRomy, Ekoh, Magnolia Park, Ice Nine Kills und Black Veil Brides. Die Wahrheit ist simpel: TX2 polarisiert. Es gibt Kräfte in dieser Welt, die versuchen, das zu zerstören, wofür gekämpft und was hart erkämpft wurde, und zu einer Zeit zurückzukehren, in der die Menschen ihr wahres Ich versteckten. Es gibt Künstler wie TX2 - den Anti-Ronald Radke -, die dir zeigen wollen, dass du in diesem Kampf gegen den Hass nicht allein bist. TX2 hat Politiker namentlich genannt, schwenkt auf der Bühne eine Trans-Flagge, thematisiert in seinen Songs Waffengewalt, Essstörungen, Trauer und Depressionen und verspottet die Gatekeeper, die offensichtlich noch nie einen Punk-Song gehört haben. Der Sänger ist bereit, mit seiner Musik ein wenig Chaos zu verursachen, wenn es nötig ist, um die Aufmerksamkeit auf wichtige gesellschaftliche Themen zu lenken. So hat TX2 unter seinen Fans eine Bewegung ins Leben gerufen, die als ,X Movement" bekannt ist und deren Ziel es ist, das Bewusstsein für psychische Gesundheit zu schärfen und einen sicheren Raum für diejenigen zu schaffen, die jemanden zum Reden brauchen. In den letzten 24 Monaten tourte TX2 um die Welt, trat mit Ice Nine Kills, Hail the Sun, Dark Divine, tiLLie, In This Moment, Magnolia Park, Warped Tour & Summer of Loud Tour auf, wurde auf SiriusXM Octane gespielt, erreichte über 1 Million monatliche Hörer, gab über 50.000 Autogramme und erhielt 42 Millionen Likes auf Tik Tok. End of US ist ein lauter, unverblümter Aufruf zum Handeln. Beherzigen Sie den Aufruf oder treten Sie beiseite.

Re-issued! 1993 nahmen PROPAGANDHI ihr erstes Album "How to Clean Everything" auf und veröffentlichten es über das damals noch junge Label Fat Wreck Chords. Es versteht sich von selbst, dass das Album nicht nur das Label bekannt machte, sondern vor allem PROPAGANDHI als eine der großen Kräfte in der Punkszene etablierte. "How To Clean Everything" war ein Start nach Maß und lehnte sich noch eher an die Skate-Punk-Tradition an als die folgenden Werke der Band. Trotzdem voller aggressiver Metal/HC-Riffs und jungenhafter, bissiger Texte über Menschenrechte, Gleichberechtigung und radikale linke Politik. Sänger/Gitarrist Chris Hannah erklärt seine Gründefür die Neuauflage (mit einem Hauch seines geliebten sarkastischen Humors): ,Vielleicht liegt es an den Badesalzen, aber ich bin zu der Überzeugung gelangt, dass es wertvoll ist, etwas zu haben, das einen bis zum Tod verfolgt. Ich präsentiere euch "How To Clean Everything". Die 2026 Neuauflage enthält wie die 20th Anniversary Edition das komplette Originalalbum plus die drei Outtakes, die Fat Mike für Fat Wreck seinerzeit für die Vinylveröffentlichung rausgenommen hatte. Natürlich wurde das Album auch von den originalen Analogbändern remastert. Schwarzes und farbiges Vinyl wieder erhältlich.
















p SEEMED FUNNY THE FIRST TIME BONUS TRACK
[q] NOT TO BE GENDER SPECIFIC, OF COURSE [BONUS TRACK]
















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Während das musikalische Fundament die Einflüsse aus Nordamerikanischem Pop-Punk aufnimmt und zu einem eigenen Sound weiterentwickelt, stechen insbesondere die klare Haltung und tiefe persönliche Momente in den Texten heraus. Entstanden ist ein Punk/Rock Album, das nicht nach 20ern und Jugendbewegung klingt, sondern nach neuen Perspektiven, nach späten 30ern - menschlich und politisch. Seit Erscheinen des BLAUFUCHS Debüt-Albums vor rund 4 Jahren hat sich in der Welt viel verändert und wenig verbessert. Diese traurige Abwärtsspirale findet sich – mal drastisch und direkt, mal dezent akzentuiert – in allen Texten von „Bis jetzt ging alles gut“ wieder, das trotz Anflügen von Resignation auch stets einen Funken Hoffnung auf Besserung vermittelt. Blaufuchs betrachten nicht nur den gesellschaftlichen Wandel – sie sind selbst auch einer ständigen Veränderung ausgesetzt. Ihr zweites Album ist ein Stück weit auch ein Neubeginn mit einigen Neubesetzungen im Verlauf der letzten Monate. Hale Winter übernahm den Bass von Marisa, Jan Schlagowski das Schlagzeug von Alex Veth und mit Jan Jurat stieß ein weiterer Gitarrist zur Band. Den Blaufuchs Sound verändern die neuen Einflüsse nicht gravierend, die Drums werden ein Stück härter, die Gitarren etwas filigraner, aber die Handschrift von Hauptsongwriter John Hofmeister verbindet nach wie vor den amerikanischen Gesamtsound mit den deutschen Texten von Johannes König. Dennoch verzögerte sich die Entstehung des Albums durch die Umbesetzungen um mehrere Monate, was laut Johannes König auch nötig war: „Mir und John war extrem wichtig, dass auf dem Album auch Einflüsse unserer „Neuen“ zu hören sind, die uns live teilweise schon seit Jahren unterstützen.“ Aufgenommen wurde „Bis jetzt ging alles gut“ in den Limetree Studios in Ilsede und produziert von Sören Kucz und Gitarrist John Hofmeister. Mit „Fertig“ setzt die Platte einen extrem persönlichen Schlusspunkt und König wird hier deutlich direkter: „Den Druck, der mit der Verantwortung in der eigenen Familie, im Job und auch in der Band zusammenkommt, trifft im Alltag oft auf ein Männlichkeitsbild, in dem wider besseres Wissen versucht wird, Dinge alleine zu regeln.“

In der Welt von MX LONELY sind Monster echt vielschichtige Dinger. Das sind die Wesen, die wir uns als Kinder vorgestellt haben und die im Dunkeln lauern; die allzu realen Bösewichte, die ihre Macht missbrauchen oder sich mit dem Leid anderer die Taschen füllen; die Laster und Fehler, mit denen wir unser ganzes Leben lang kämpfen, und das, was wir werden können, wenn wir in ihrem Griff sind. Auf ihrem ersten Album ALL MONSTERS sucht die in Brooklyn ansässige Band in dunklen Ecken, bricht Türen auf und exhumiert diese Monster mit einem schweren, düsteren Alternative-Rock-Sound, der gleichzeitig von Schönheit durchzogen ist. Als ihre erste komplett selbst aufgenommene Veröffentlichung zeigt ALL MONSTERS die Band - Synthesizer/Sänger Rae Haas, Gitarrist Jake Harms, Bassist Gabriel Garman und Schlagzeuger Andy Rapp - wie sie einen lebendigen, unmittelbaren, analogen Sound einfangen, der das Gefühl ihrer Live-Show verkörpert und gleichzeitig ein längeres und nuancierteres Erlebnis schafft als je zuvor. Für die Zukunft wollen sie weiter auf Tour gehen und eine Community aufbauen, die auf gegenseitiger Katharsis basiert. ,Ich denke, das ist sozusagen die Manifestation oder das Gebet darin, dass jeder den Raum und die Werkzeuge hat, um seine eigenen Monster zu bewältigen", sagt Haas. Obwohl sie sich der Selbstreflexion verschrieben haben, wollen MX LONELY letztendlich andere in ihre Welt einbeziehen.

In der Welt von MX LONELY sind Monster echt vielschichtige Dinger. Das sind die Wesen, die wir uns als Kinder vorgestellt haben und die im Dunkeln lauern; die allzu realen Bösewichte, die ihre Macht missbrauchen oder sich mit dem Leid anderer die Taschen füllen; die Laster und Fehler, mit denen wir unser ganzes Leben lang kämpfen, und das, was wir werden können, wenn wir in ihrem Griff sind. Auf ihrem ersten Album ALL MONSTERS sucht die in Brooklyn ansässige Band in dunklen Ecken, bricht Türen auf und exhumiert diese Monster mit einem schweren, düsteren Alternative-Rock-Sound, der gleichzeitig von Schönheit durchzogen ist. Als ihre erste komplett selbst aufgenommene Veröffentlichung zeigt ALL MONSTERS die Band - Synthesizer/Sänger Rae Haas, Gitarrist Jake Harms, Bassist Gabriel Garman und Schlagzeuger Andy Rapp - wie sie einen lebendigen, unmittelbaren, analogen Sound einfangen, der das Gefühl ihrer Live-Show verkörpert und gleichzeitig ein längeres und nuancierteres Erlebnis schafft als je zuvor. Für die Zukunft wollen sie weiter auf Tour gehen und eine Community aufbauen, die auf gegenseitiger Katharsis basiert. ,Ich denke, das ist sozusagen die Manifestation oder das Gebet darin, dass jeder den Raum und die Werkzeuge hat, um seine eigenen Monster zu bewältigen", sagt Haas. Obwohl sie sich der Selbstreflexion verschrieben haben, wollen MX LONELY letztendlich andere in ihre Welt einbeziehen.

In der Welt von MX LONELY sind Monster echt vielschichtige Dinger. Das sind die Wesen, die wir uns als Kinder vorgestellt haben und die im Dunkeln lauern; die allzu realen Bösewichte, die ihre Macht missbrauchen oder sich mit dem Leid anderer die Taschen füllen; die Laster und Fehler, mit denen wir unser ganzes Leben lang kämpfen, und das, was wir werden können, wenn wir in ihrem Griff sind. Auf ihrem ersten Album ALL MONSTERS sucht die in Brooklyn ansässige Band in dunklen Ecken, bricht Türen auf und exhumiert diese Monster mit einem schweren, düsteren Alternative-Rock-Sound, der gleichzeitig von Schönheit durchzogen ist. Als ihre erste komplett selbst aufgenommene Veröffentlichung zeigt ALL MONSTERS die Band - Synthesizer/Sänger Rae Haas, Gitarrist Jake Harms, Bassist Gabriel Garman und Schlagzeuger Andy Rapp - wie sie einen lebendigen, unmittelbaren, analogen Sound einfangen, der das Gefühl ihrer Live-Show verkörpert und gleichzeitig ein längeres und nuancierteres Erlebnis schafft als je zuvor. Für die Zukunft wollen sie weiter auf Tour gehen und eine Community aufbauen, die auf gegenseitiger Katharsis basiert. ,Ich denke, das ist sozusagen die Manifestation oder das Gebet darin, dass jeder den Raum und die Werkzeuge hat, um seine eigenen Monster zu bewältigen", sagt Haas. Obwohl sie sich der Selbstreflexion verschrieben haben, wollen MX LONELY letztendlich andere in ihre Welt einbeziehen.

Reissue! Mit der Veröffentlichung von "Trips" (2011) kehrte die einflussreiche Indie-Punk-Band SAMIAM aus Oakland, Kalifornien, zu ihrem charakteristischen Sound zurück, der die bei Fans beliebten Klassiker-Alben "Clumsy" und "Astray" wieder aufnahm. Zum Beispiel mit dem starken Song "80 West", der mit mitreißenden Drums und energiegeladenen Gitarren aufwartet, schaffen SAMIAM nahtlos an ihre früheren Erfolge anzuknüpfen. "Trips" war damals das erste Album von Samiam seit fünf Jahren, und trotz der Pause - und trotz der Tatsache, dass die Band seit über 20 Jahren zusammen ist - hat sich kaum etwas verändert. Ihr Album aus dem Jahr 2011 klingt ähnlich wie das selbstbetitelte Debütalbum der Foo Fighters oder "File Under: Easy Listening" von Sugar, und ist wie eine Mischung aus Alternative Rock und Punk-Pop aus den 90er Jahren. Wie Samiams Karrierehöhepunkt "Clumsy" aus dem Jahr 1994 ist auch dieses Album ein raffiniertes und ausgefeiltes Werk, voller geradliniger, süßer Melodien, sehnsüchtiger Texte und energiegeladener Riffs in mitreissendem Tempo.

Die neue EP der irischen Songwriterin Lisa O"Neill besteht aus sechs Songs, darunter die eindringliche Version von Bob Dylans "All The Tired Horses", die Lisa für die Schlussszene der letzten Folge von Peaky Blinders aufgenommen hat, sowie "Homeless In The Thousands (Dublin in the Digital Age)" mit Peter Doherty, das bereits im Januar dieses Jahres als eigenständige Single veröffentlicht wurde. Es ist nicht das erste Mal, dass O"Neill über soziale Ungerechtigkeiten in Zeiten des Wandels schreibt. Lieder wie "Rock the Machine" über Arbeitslosigkeit in den Dubliner Docklands, "When Cash Was King" über den Übergang zu einer bargeldlosen Gesellschaft und "Violet Gibson" über die Irin, die 1926 versuchte, Mussolini zu ermorden - dieses neue Lied entstand als Reaktion auf das wachsende Problem der Obdachlosigkeit in Dublin und Irland. Ergänzt wird die EP durch einen neuen Song und den aktuellen Live-Favoriten "Mother Jones" über die irische Aktivistin Mary G. Harris Jones, die nach Amerika auswanderte und dort als Gewerkschaftsorganisatorin tätig war. Im Jahr 1902 wurde sie als "die gefährlichste Frau Amerikas" bezeichnet, nachdem sie Bergarbeiter gegen die Minenbesitzer mobilisiert hatte - ein Engagement, das direkt zur Einführung der ersten US-Gesetze gegen Kinderarbeit führte. Abgerundet wird die EP durch eine eindrucksvolle Version des zur Jahreszeit passenden "The Bleak Midwinter" sowie eine bewegende Rezitation des Gedichts "Autumn 1915" von James Stevens.

Dem Tenorsaxofonisten Ike Quebec hatte es Thelonious Monk zu verdanken, dass er 1947 Alfred Lion, den
Mitbegründer des Labels Blue Note, kennenlernte. Der Produzent erkannte auf Anhieb die Originalität des
Pianisten und Komponisten und nahm ihn sofort unter Vertrag. In den folgenden fünf Jahren nahm Monk
in verschiedenen Konstellationen für das Label auf und dokumentierte so seine einzigartige Musik. Die
1956 erschienene 12-inch-Compilation “Genius of Modern Music, Vol. 2” enthielt Erstaufnahmen einiger
der heute bekanntesten Monk-Kompositionen und begründete dessen Ruf als originelles musikalisches Genie.

Zum runden Geburtstag präsentiert Howard Carpendale mit „Zeitlos“ das Sound-Update seiner Karriere:
Die größten Hits aus 60 Jahren wurden neu arrangiert und aufgenommen. Der Entertainer, der seit sechs
Jahrzehnten auf den Bühnen steht und am 09. Januar 2026 seinen 80. Geburtstag feiert, erklärt dazu: „Zeit
verändert alles – auch Musik. Und manchmal merkt man, dass alte Songs ein neues Leben verdienen. Ich
hab meine größten Titel neu aufgenommen – so, wie sie 2025 klingen sollen. Nicht nostalgisch. Nicht retro.
Zeitlos.“ Das Jubiläumsalbum „Zeitlos“, das pünktlich zum Geburtstag erscheint, bietet packende Neuaufnahmen seiner allergrößten Hits in einem neuen zeitlosen Mix. Erweitert um einige neue Kompositionen,
etwa die jüngste Single „Ein neuer Morgen“, vereint „Zeitlos“ nur die größten Erfolge des Sängers. Dieses
besondere Geschenk an sich selbst und seine Fans ist ab dem 09. Januar 2026 in etlichen Konfigurationen
erhältlich.

Nach zwei erfolgreichen Demo-Tapes, »Bloody Karnage« (1984) sowie »Surrender Or Die« (1985), begaben sich Torontos Slaughter im Februar 1986 erneut ins Studio, um ihre Debüt-Single »Nocturnal Hell« aufzunehmen, die aus dem Titeltrack, “One Foot In The Grave” und “Tortured Souls” bestand. Die Besetzung bestand aus dem Gitarristen und Sänger Dave Hewson, Bassist Terry Sadler sowie Schlagzeuger Ron Sumners. Die Originalpressung der 7“ Single erschien auf Brian Taylors Label Diabolic Force in einer limitierten Auflage von 1.000 Stück. Der hektische Death/Thrash Metal von Slaughter traf voll den Zeitgeist wurde von den Fans sofort ins Herz geschlossen. 1987 folgte auf »Nocturnal Hell« das legendäre Debütalbum von Slaughter, »Strappado« (ebenfalls auf Diabolic Force veröffentlicht). „Sämtliche Stücke von »Nocturnal Hell« wurden schon in der Session zum »Strappado«-Album mit aufgenommen“, erklärt Dave Hewson heute. „Die Aufnahmen und der Mix nahmen insgesamt ganze zwei Tage in Anspruch und kosteten lächerliche 500 US-Dollar. Eine 7“ war eigentlich nie geplant. Aber ich glaube mich erinnern zu können, dass Diabolic Force/Fringe Records in finanziellen Schwierigkeiten steckten und deswegen die Single vor der »Strappado«-LP herausbrachten, die dann ein Jahr auf sich warten ließ. Das Album wurde im Februar 1986 aufgenommen, kam aber erst 1987 heraus. Wir waren sehr froh darüber, wie die Scheibe geklungen hat, super heavy nämlich. Das Schlagzeug ist im Mix vielleicht ein wenig zu laut gewesen, aber insgesamt waren wir wirklich zufrieden mit dem Sound.“ Rechtzeitig zum 40-jährigen Jubiläum legen High Roller Records nun die inzwischen sehr gesuchte »Nocturnal Hell«-Single in ihrer ursprünglichen Fassung noch einmal neu auf.

Es war eine nächtliche Spielerei – und wurde zum Welterfolg. Vor zehn Jahren lud Joep Beving, damals
noch ein unbekannter Holländer, seine selbst komponierten Klavierstücke ins Netz. Solipsism hieß das Album, das daraus entstand: sanfte Klaviergeschichten, die Menschen weltweit berühren. Die interpretierte
Fassung seines bahnbrechenden Debüts, das inzwischen Goldstatus erreicht hat und Hunderte Millionen
Streams verzeichnet.
„Solipsism ist die Vorstellung, dass die Realität nur im eigenen Geist existiert. Ich habe dieses Album
Solipsism genannt, weil ich mir selbst beweisen wollte, dass das Gegenteil wahr ist – dass wir alle tief
miteinander verbunden sind.“
Deutsche Grammophon legt Joep Beving’s erfolgreiches Album Solipsism als EcoRecord neu auf.

Es ist durchaus eine kleine Sensation, dass dieser Tage ein weiteres MORBID SAINT-Album erscheint, also mehr als 30 Jahre, nachdem ihre zweite LP „Destruction System“ aufgenommen, aber bis zu ihrer offiziellen Veröffentlichung vor kurzem nicht fertiggestellt worden war. Allerdings war die Aussicht, neue Musik in ihrem einzigartigen Death/Thrash-Metal-Stil zu schreiben, einer der Hauptgründe dafür, dass sich die Kernmitglieder 2010 überhaupt wieder vereinten. Während ihrer ersten aktiven Phase von 1984 bis ’94 konnte die Band ihr Potenzial längst nicht ausschöpfen, insbesondere im Hinblick auf ihre bahnbrechende erste Platte „Spectrum of Death“ (1990). Das neue Werk entstand im kreativen Fernaustausch, wobei sich alle Mitglieder gegenseitig Ideen zuspielten, um ein Breitseite aus zehn Extrem-Metal-Tracks abzufeuern, wie man sie heute kaum mehr hört – absolut verheerend und doch musikalisch anspruchsvoll, Grenzen überschreitend, aber nicht auf Teufel komm raus, und abgerundet von einem Artwork des legendären Ed Repka (Death, Megadeth). „Swallowed By Hell“ wurde von Chris Djuricic (Num Skull, Disinter) im The Belle City Sound Company aufgenommen und erhielt den letzten Schliff von Scott Elliott in den Chernobyl Studios. Es riecht nach alter Schule, steht aber mit beiden Beinen im Hier und Jetzt.

Nachdem Ásgeir jahrelang mit Übersetzern wie John Grant zusammengearbeitet und die Poesie seines Vaters, Einar Georg Einarsson, vertont hat, betritt er nun neues Terrain: Zum ersten Mal in seiner langen und gefeierten Karriere hat er die Texte komplett selbst verfasst.

Ásgeir wird seit Langem für seinen detailreichen Folk-Pop, die opulente Produktion und sein sehnsüchtiges, gefühlvolles Falsett gefeiert. „Julia“ markiert eine Wende – nicht nur hin zu lyrischer Eigenständigkeit, sondern auch zu kathartischer Direktheit, mit Songs, die nicht nur meisterhaft vorgetragen, sondern auch durchlebt wirken. „Das war irgendwie das erste Mal, dass ich die Texte völlig allein geschrieben habe“, erzählt er. „Es war beängstigend. Ich versuche immer noch, mich darin zu finden. Aber ich habe versucht, mich zu öffnen, und habe in diesem Prozess viel gelernt. Es war auf jeden Fall therapeutisch für mich.“

Dieses neue Gefühl der Verletzlichkeit zieht sich durch die zehn Stücke des Albums, die über einen Zeitraum von fast zwei Jahren geschrieben und aufgenommen wurden. Viele der Songs entstanden zunächst auf der Gitarre, wobei Ásgeir auf Schlichtheit setzte und Melodie, Klarheit und Bedeutung in den Vordergrund stellte. Die Produktion, gemeinsam mit seinem langjährigen Weggefährten Guðm. „Kiddi“ Kristinn Jónsson entwickelt, bleibt organisch und zurückhaltend – und gibt so Ásgeirs Stimme, und vor allem seiner Stimme als Songwriter, den nötigen Raum.

Der aus Nashville stammende Cellist Nathaniel Smith, den Ásgeir als „Zauberer“ beschreibt, steuert hier und im gesamten Album atmosphärische Klangteppiche bei. Mit improvisierten Melodien verleiht er den Stücken Leben und Tiefe – auf eine Weise, die Ásgeir sich zuvor nicht vorgestellt hatte.

Ein Album, das das Herz höher schlagen lässt. Nikolai Kapustin war ein russischer Komponist, der Klaviermusik in einem ausgesprochen jazzigen Stil schrieb, mit all der Spontaneität, die man mit Improvisation
assoziieren könnte – mit dem einzigen Unterschied, dass die Musik vollständig und akribisch notiert war.
Seine Musik ist heute regelmäßig in Konzertsälen als publikumswirksame Zugaben zu hören, aber zum
Zeitpunkt der Aufnahme (2003) war sie noch relativ unbekannt. Marc-André Hamelin war einer der ersten
Fürsprecher Kapustins, und diese Aufnahme (praktisch Marcs meistverkauftes Album) trug wesentlich dazu
bei, die Musik des Komponisten einem breiteren Publikum bekannt zu machen. Gramophone schrieb bei
der ursprünglichen Veröffentlichung: „Alles auf dieser bemerkenswerten CD wird mit einer nonchalanten
Gelassenheit und magischen Fingerfertigkeit gespielt, die man sich von keinem anderen Pianisten vorstellen
kann.“

In einer Zeit, wo alles immer mehr Digital und von KI dominiert wird, setzt Angelo Kelly auf Authentizität
und zwar auf allen Ebenen
Die Songs auf dem neuen Album „ALIVE“ wurden komplett von ihm geschrieben, arrangiert und produziert. Wer sich die Texte der Lieder anschaut wird schnell merken, dass sich einiges in seinem Leben
verändert hat. Er öffnet sich in seinen Songs mehr, als er es jemals in einem Interview tun würde.
Die Art, wie dieses Album produziert wurde, könnte auch nicht authentischer sein!
AK: „Mir war es wichtig das Album komplett analog auf einer Bandmaschine aufzunehmen ganz ohne
Computer. Meine Band und ich waren dabei alle im gleichen Aufnahmeraum und haben meine neuen
Songs gemeinsam in „One Takes” aufgenommen. Nichts wurde korrigiert und es gab auch keine Overdubs
/ Zusatzaufnahmen! So sind die Aufnahmen sicherlich nicht perfekt, und im Radio werden sie höchstwahrscheinlich nicht laufen, aber das ist die einzige Art Musik zu machen, die mich heute noch reizt und
interessiert.“
Das Album wurde dann auch komplett analog auf Band gemischt.
Und für alle, die sich dieses Werk auf Vinyl holen: Das Mastering wurde im letzten Schritt von Chris
Bellman analog vollendet.

In einer Zeit, wo alles immer mehr Digital und von KI dominiert wird, setzt Angelo Kelly auf Authentizität
und zwar auf allen Ebenen
Die Songs auf dem neuen Album „ALIVE“ wurden komplett von ihm geschrieben, arrangiert und produziert. Wer sich die Texte der Lieder anschaut wird schnell merken, dass sich einiges in seinem Leben
verändert hat. Er öffnet sich in seinen Songs mehr, als er es jemals in einem Interview tun würde.
Die Art, wie dieses Album produziert wurde, könnte auch nicht authentischer sein!
AK: „Mir war es wichtig das Album komplett analog auf einer Bandmaschine aufzunehmen ganz ohne
Computer. Meine Band und ich waren dabei alle im gleichen Aufnahmeraum und haben meine neuen
Songs gemeinsam in „One Takes” aufgenommen. Nichts wurde korrigiert und es gab auch keine Overdubs
/ Zusatzaufnahmen! So sind die Aufnahmen sicherlich nicht perfekt, und im Radio werden sie höchstwahrscheinlich nicht laufen, aber das ist die einzige Art Musik zu machen, die mich heute noch reizt und
interessiert.“
Das Album wurde dann auch komplett analog auf Band gemischt.
Und für alle, die sich dieses Werk auf Vinyl holen: Das Mastering wurde im letzten Schritt von Chris
Bellman analog vollendet.

The Light Below's "Georgia" d eröffnet eine Serie von Veröffentlichungen, die die Grenzen zwischen Rock, Tradition und globaler Musikkultur neu ausloten. Eein außergewöhnliches Post- Rock-Album, das instrumentale Klanglandschaften mit jahrhundertealter georgischer Gesangstradition verbindet. Für "Georgia" kooperiert die Band mit dem georgischen Frauenchor Akhla, dessen überlieferte Volkslieder aus unterschiedlichen Regionen Georgiens stammen. Diese traditionellen Songs wurden in Zusammenarbeit mit THE LIGHT BELOW neu interpretiert und so arrangiert, dass sie auf besondere Weise mit den instrumentalen Post-Rock-Elementen verschmelzen. Ein herausragender Moment des Albums ist "Tsinskharo" - ein ursprünglich von Männern gesungenes Lied, das durch Werner Herzogs Nosferatu (1979) weltweite Bekanntheit erlangte. Die neue Version wird als erste Single ausgekoppelt und von einem zweiteiligen Musikvideo begleitet. Der instrumentale Teil des Albums wurde noch von dem 2024 verstorbenen Steve Albini aufgenommen. Seine unverkennbare, rohe Produktionsästhetik verleiht ,Georgia" eine unmittelbare Klarheit und Intensität. Die Gesangsaufnahmen des Chors Akhla entstanden 2022/23 in Berlin. "Georgia" entfaltet ein unverwechselbares Klangbild aus monumentalen Gitarrenwänden, introspektiven Passagen und epischen Crescendi. Es verbindet die Emotionen und Geschichten georgischer Volkslieder mit der Dramatik des Post-Rock - ein Album, das Brücken zwischen Kulturen schlägt.

The Light Below's "Georgia" d eröffnet eine Serie von Veröffentlichungen, die die Grenzen zwischen Rock, Tradition und globaler Musikkultur neu ausloten. Eein außergewöhnliches Post- Rock-Album, das instrumentale Klanglandschaften mit jahrhundertealter georgischer Gesangstradition verbindet. Für "Georgia" kooperiert die Band mit dem georgischen Frauenchor Akhla, dessen überlieferte Volkslieder aus unterschiedlichen Regionen Georgiens stammen. Diese traditionellen Songs wurden in Zusammenarbeit mit THE LIGHT BELOW neu interpretiert und so arrangiert, dass sie auf besondere Weise mit den instrumentalen Post-Rock-Elementen verschmelzen. Ein herausragender Moment des Albums ist "Tsinskharo" - ein ursprünglich von Männern gesungenes Lied, das durch Werner Herzogs Nosferatu (1979) weltweite Bekanntheit erlangte. Die neue Version wird als erste Single ausgekoppelt und von einem zweiteiligen Musikvideo begleitet. Der instrumentale Teil des Albums wurde noch von dem 2024 verstorbenen Steve Albini aufgenommen. Seine unverkennbare, rohe Produktionsästhetik verleiht ,Georgia" eine unmittelbare Klarheit und Intensität. Die Gesangsaufnahmen des Chors Akhla entstanden 2022/23 in Berlin. "Georgia" entfaltet ein unverwechselbares Klangbild aus monumentalen Gitarrenwänden, introspektiven Passagen und epischen Crescendi. Es verbindet die Emotionen und Geschichten georgischer Volkslieder mit der Dramatik des Post-Rock - ein Album, das Brücken zwischen Kulturen schlägt.

2LP-Erstauflage auf farbigem Loser-Vinyl: "BIO PETROL" Disk 1 und "MAGENTA" Disk 2. "¡Simpatico! (Remastered and Expanded)" bringt das lange vergriffene zweite Album von Velocity Girl aus dem Jahr 1994, "¡Simpatico!", mit einem superfrischen Mastering und einer Menge Bonus-Tracks aus der "¡Simpatico!"-Zeit endlich wieder raus. Das Originalalbum klingt besser als je zuvor und wird durch ein komplettes Album mit B-Seiten und Raritäten ergänzt. Velocity Girl wurde um 1989 an der University of Maryland außerhalb von Washington DC gegründet, mit dem Gitarristen Archie Moore (Black Tambourine), dem Gitarristen Brian Nelson (Black Tambourine), dem Schlagzeuger Jim Spellman (Starry Eyes, Foxhall Stacks, High Back Chairs, Julie Ocean, Piper Club), dem Bassisten Kelly Riles (Starry Eyes) und der Sängerin Sarah Shannon (Starry Eyes, The Not Its). Die Band kombinierte englisch inspirierten, lauten Shoegaze-Fuzz mit rauem US-Indie-Rock und klassischem Pop-Songwriting im Stil der 60er Jahre. Eine Killer-Single auf Slumberland und ununterbrochene Tourneen erregten die Aufmerksamkeit der Indie-Rock-Kenner, und bald darauf unterschrieb Velocity Girl einen Vertrag mit Sub Pop auf einer Motorhaube in Hoboken, New Jersey. Nach der Tournee zur Unterstützung ihres Debüts ,Copacetic" verbrachte die Band den größten Teil des Jahres damit, eine Reihe von Songs für ein zweites Album zu schreiben. So hatten sie noch nie gearbeitet - es war eine neue Erfahrung, Zeit und Budget (vom Label!) darauf zu verwenden, ein Album zu produzieren, das kein selbst produziertes Punkrock-Studioalbum war. Nachdem sie ihr neues Material monatelang im lauten Stil von ,Copacetic" gespielt hatten, waren die Bandmitglieder von den Songs begeistert, wollten sich aber von der rauen, amateurhaften Atmosphäre ihrer früheren Alben lösen. Und ihre Einflüsse waren diesmal etwas anders: weniger My Bloody Valentine und Wedding Present, mehr New Order. Jemand bei Sub Pop brachte die Band mit John Porter zusammen, dem ehemaligen Mitglied von Roxy Music, der The Smiths, Billy Bragg, The Alarm und eine Reihe anderer Acts der 80er Jahre produziert hatte. Sie trafen sich während einer Tournee in Los Angeles. Er erklärte sich bereit, das Album in einer dreiwöchigen Session in den Cue Studios in Falls Church, Virginia, zu produzieren. Er war genau das, was die Band brauchte: ein Redakteur, Arrangeur und Zuchtmeister. Als er gnadenlos jeden unnötig wiederholten Takt herausschnitt, merkte die Band, dass sie sich zu einem klareren Sound hingezogen fühlte und fast komplett auf die laute Gitarre verzichtete, zweifellos beeinflusst durch Porters Präsenz. Velocity Girl waren super zufrieden mit dem Ergebnis, und ,¡Simpatico!" kam im Juni 1994 raus. Diese erweiterte Neuauflage enthält eine Reihe von Songs, die einige Monate nach den Albumaufnahmen in den Inner Ear Studios in Arlington, Virginia, aufgenommen wurden. Die Sessions lieferten spielerisch-experimentelle B-Seiten für die Singles des Albums, zwei Cover-Songs (das New-Order-Cover ,Your Silent Face" und ein Beach-Boys-Cover) für eine Single auf Merge Records und einen Compilation-Track.