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"Klez.e sind zurück! Im Jahr 2016 überraschten sie mit "Desintegration". Das war eine Überdosis The Cure, die ganz toll war. Nun sind sie mit ihrem neuen Album ,Erregung' wieder bei sich selbst angekommen. Der autobiographische Titeltrack ist ein bewegendes Zeugnis davon, wie Außenseitertum Menschen wie uns in die Liebe zur Musik treibt. In "Tortur" singt Tobias Siebert: ,Wir sind wie die Welt nicht mehr zu retten / Meine Lippen auf Deinen'. Der Blick von Klez.e auf die Welt ist romantisch, tieftraurig und politisch. In der Musik liegt Schmerz, aber auch Wut auf die Umstände, in denen wir gefangen sind. Ich empfehle euch, tief in ihren Songs zu versinken!" - Jan Müller (Tocotronic) "Anders gesagt, in stürmischen Zeiten braucht man manchmal irgendwen oder irgendwas zum Anlehnen. Zum Beispiel einen Sound, der einem vertraut ist. Aus der Kindheit oder Jugend. Der aber so zeitgemäß ist, dass nichts Verstaubtes an ihm haftet. In stürmischen Zeiten braucht man manchmal was zum Nachdenken, das über die Frage hinausgeht, wo man den nächsten Kaffee trinken, das nächste Konzert erleben oder den anstehenden Urlaub verbringen möchte. Für die, die gut zuhören können, auch Songtexte. Und die dürfen gerne das aktuelle Geschehen aufgreifen. Aber sie müssen einem nicht zwingend mit belehrendem Zeigefinger kommen, für den sich irgendwer eventuell nicht mal vom eigenen Schreibtisch oder Sofa wegbewegt hat, um der Welt da draußen zu erklären, was zu tun ist und was zu lassen, sobald irgendetwas passiert. Und es passiert ja immer irgendetwas, und deswegen kommt das neue Album der Band Klez.e genau richtig. Während viele andere Bands, die aktuell New Wave oder Post Punk spielen, gut aber bemüht klingen, wirkt die Musik bei Klez.e leichtfüßig gespielt und dennoch mit enormer Dringlichkeit aufgeladen. Sie klingt mächtig und selbstbewusst, dabei wärmend und umarmend - und sie erscheint nun auf einem neuen Album, das den ambivalenten Titel "Erregung" trägt." - Christiane Falk (RBB Radio Eins)

"Klez.e sind zurück! Im Jahr 2016 überraschten sie mit "Desintegration". Das war eine Überdosis The Cure, die ganz toll war. Nun sind sie mit ihrem neuen Album ,Erregung' wieder bei sich selbst angekommen. Der autobiographische Titeltrack ist ein bewegendes Zeugnis davon, wie Außenseitertum Menschen wie uns in die Liebe zur Musik treibt. In "Tortur" singt Tobias Siebert: ,Wir sind wie die Welt nicht mehr zu retten / Meine Lippen auf Deinen'. Der Blick von Klez.e auf die Welt ist romantisch, tieftraurig und politisch. In der Musik liegt Schmerz, aber auch Wut auf die Umstände, in denen wir gefangen sind. Ich empfehle euch, tief in ihren Songs zu versinken!" - Jan Müller (Tocotronic) "Anders gesagt, in stürmischen Zeiten braucht man manchmal irgendwen oder irgendwas zum Anlehnen. Zum Beispiel einen Sound, der einem vertraut ist. Aus der Kindheit oder Jugend. Der aber so zeitgemäß ist, dass nichts Verstaubtes an ihm haftet. In stürmischen Zeiten braucht man manchmal was zum Nachdenken, das über die Frage hinausgeht, wo man den nächsten Kaffee trinken, das nächste Konzert erleben oder den anstehenden Urlaub verbringen möchte. Für die, die gut zuhören können, auch Songtexte. Und die dürfen gerne das aktuelle Geschehen aufgreifen. Aber sie müssen einem nicht zwingend mit belehrendem Zeigefinger kommen, für den sich irgendwer eventuell nicht mal vom eigenen Schreibtisch oder Sofa wegbewegt hat, um der Welt da draußen zu erklären, was zu tun ist und was zu lassen, sobald irgendetwas passiert. Und es passiert ja immer irgendetwas, und deswegen kommt das neue Album der Band Klez.e genau richtig. Während viele andere Bands, die aktuell New Wave oder Post Punk spielen, gut aber bemüht klingen, wirkt die Musik bei Klez.e leichtfüßig gespielt und dennoch mit enormer Dringlichkeit aufgeladen. Sie klingt mächtig und selbstbewusst, dabei wärmend und umarmend - und sie erscheint nun auf einem neuen Album, das den ambivalenten Titel "Erregung" trägt." - Christiane Falk (RBB Radio Eins)

Fela definiert geistige Blindheit als eine Person, die mit weit geöffneten Augen die Richtung verliert und sich im Kreis dreht, ohne je an ihr Ziel zu gelangen. Die Ikoyi-Blindheit bezieht sich auf die nigerianische Elite, die falsche Berufe wählt, weil sie damit eher sozialen Status als berufliche Befriedigung erlangen. Sie üben nicht nur die falschen Berufe aus, sondern sind auch blind für das Leid ihrer Landsleute, die in Ghettos wie Mushin, Ajegunle, Somolu, Maroko und sogar Kalakuta leben. Als Beispiel nennt er den Anwalt, der statt eines Buches den Hammer als Werkzeug wählt, oder den Musiker, der den Schraubenschlüssel als Werkzeug wählt. Fela sagt, dass es für solche Menschen noch Hoffnung gibt, wenn sie ihre Denkweise an ihre Umgebung anpassen. '…them miss road! Them find road again oh!'. Jene sozialen Aufsteiger, die den Status quo und die Tatsache, dass sie in die Fußstapfen der ehemaligen Kolonialverwalter getreten sind, als Zeichen ihres sozialen Aufstiegs sehen. Sie vergessen, dass die Mehrheit ihres Volkes immer noch in den Ghettos kämpft. Diese Menschen müssen erkennen, dass es ihnen schlechter geht als einem Blinden, der am Ufer eines Flusses lebt. Sie werden fallen: "shallow" into more 'Ikoyi mental' Blindness.

Gba Mi Leti Ki N'Dolowo (Schlag mich, damit ich Geld bekomme): Das Jahr 1974 war ein Wendepunkt für das Justizsystem, das sich die Durchsetzung des Rechts auf die Fahnen geschrieben hatte. Vor allem in einem Land, in dem die Reichen die Armen ungestraft ausbeuteten. Eine Reihe von Prozessen, an denen Menschen aus den unteren Schichten der Gesellschaft gegen die Oberschicht und einflussreiche Männer beteiligt waren, führte dazu, dass die Reichen ihren armen Anklägern hohe Entschädigungssummen zahlen mussten. Fela sang darüber und betonte, dass man niemanden ausnutzen und damit davonkommen kann. Wenn du mich schlägst, bekomme ich Geld. Solange ich mich selbst respektiere, werde ich meine Grenzen nicht überschreiten - wenn du mich schlägst, wirst du bezahlen.

Ikoyi Blindness war im Box Set #5 enthalten, das von Chris Martin und Femi Kuti kuratiert wurde. Das Album wurde auf weißem Vinyl neu gepresst und ist untergebracht in einer bedruckten Innen- und single sleeve Außenhülle.

Original Sufferhead beginnt mit einer minimalen Improvisation mit Felas neuer Band Egypt 80 und steigert sich dann zu einer kühnen, komplex strukturierten Afrobeat-Hymne, die die Situation der Massen in Nigeria anprangert. "Lasst uns zusammen ein schönes Lied singen", schlägt Fela vor, während der Refrain parallel zu der lebhaften Melodie seines Saxophons erklingt. Mit Hilfe des Refrains zählt er dann die Probleme auf, die das Volk plagen: keine Wasserversorgung, exorbitante Lebenshaltungskosten, keine Gesundheitsversorgung, zweistellige Inflationsraten. Die "großen, großen Leute" haben das Volk zum Sarg des Staatschefs gemacht: Nach der Plünderung und Verbrennung von Felas Kalakuta Republic 1977 schrieb Fela mehrere musikalische Antworten, in denen er die schuldige nigerianische Regierung direkt angriff, darunter diese traurige Hommage an seine Mutter, Coffin for Head of State. Nachdem seine Mutter an den Komplikationen der Verletzungen gestorben war, die sie erlitten hatte, nachdem sie während des Überfalls auf Kalakuta aus einem Fenster geworfen worden war, trugen Fela, seine Frauen und seine Anhänger den Sarg seiner Mutter zum Eingangstor der Armeekaserne: ein mutiger Akt des Trotzes.

"Coffin For Head of State" ist Felas düstere Anklage gegen diejenigen, die "durch Jesus Christus, unseren Herrn" das afrikanische Volk korrumpieren, bestehlen und berauben. Der wummernde, gleichmäßige Beat und die sich wiederholende Struktur des Liedes ahmen den Marsch zur Kaserne nach, während der Text Felas überwältigende Trauer über den Verlust seiner Mutter und den Zustand seines geliebten Nigerias direkt anspricht: eine Nation von ewig Leidenden. Seid nicht passiv, fordert er: Steht auf für eure Rechte.

Die B-Seite, Power Show, baut auf dem gleichen Thema auf und hebt die Unterdrückung der Massen durch die herrschende Klasse hervor. Der Text handelt von einem reichen Mann in einem schicken Auto, der an den Straßenrand ranfährt, um einen armen, allein reisenden Mann zu beschimpfen. Fela nennt dies die "Power Show" und prangert das Verhalten an. So verhält man sich nicht gegenüber seinen Mitmenschen.

Original Sufferhead war im Box Set #5 enthalten, das von Chris Martin und Femi Kuti kuratiert wurde. Das Album wurde auf opakem, hellgrünem Vinyl neu gepresst und ist untergebracht in einer bedruckten Innen- und single sleeve Außenhülle.

Neben ihrer Zusammenarbeit mit Modern Cosmology, dem unglaublichen What Will You Grow Now? aus dem letzten Jahr und ihren fortgesetzten Tourneen mit den neu formierten Stereolab ist Laetitia mit Rooting For Love solo plus The Choir zurück in der Welt und ruft uns erneut dazu auf, uns auf unsere innere Ausrichtung und unsere Herzenskraft zu besinnen, um besser gerüstet zu sein für das, was kommen wird. Das regelmäßige Auftauchen von The Choir während Rooting For Love erinnert daran, dass diese Musik von einem Volk in der kritischen Masse stammt, zusätzlich zu einer Entwicklung, die die reichen harmonischen Felder, in denen Laetitia spielt, weiter vertieft. Die diversen musikalischen Arrangements tragen dazu bei - Orgel, Synthesizern, Gitarre, Bass, Posaune, Schlagzeugprogrammierung, Vibraphon und Zither, die alle auf verschlungenen Pfaden von Akkord- und Tempowechseln arbeiten. Der melodische Funk des Bassisten Xavi Muñoz führt zu gelegentlichen Dancefloor-Vibes und No-Wave-Rockouts, während Hannes Plattemier und Emma Mario abwechselnd die Tracks abmischen und das Material mit Vibes, zusätzlichem Drum-Programming und Synthesizern zusammen mit einer talentierten Besetzung von Spielern und Sängern aus Laetitas Source Ensemble und darüber hinaus bereichern. Ob sie sich Laetitia Sadier nun von der eigenen Zen-Shiastu-Ausbildung oder von den Texten von Véronique Vincent (Texterin und Sängerin von Aksak Maboul und einst Leadsängerin der Honeymoon Killers) inspirieren lässt, immer stellt sie sich der Wahrheit, ohne mit der Wimper zu zucken. Die Schatten, aus welchem Stoff sie auch immer bestehen - individuelle und kollektive, gegenwärtige und uralte - müssen erkannt und anerkannt werden, denn je mehr wir in uns selbst heilen, desto ungeteilter werden wir angesichts der drohenden neofaschistischen/neoliberalen Narrative, die die inneren und äußeren Landschaften verschmutzen. Wie das Titelbild des Winterbaums, das sich in den Wortmustern von Rooting For Love widerspiegelt, behauptet Laetitia, dass die Art und Weise, wie wir die kommende Welt heilen, und was wir daraus machen, eine Ko-Kreation sein wird. Die Qualität unserer Vorstellungskraft, die Ausrichtung, die wir unseren Gedanken geben, und die Fähigkeit, uns selbst und der Welt Liebe zu bringen, sind ein erster Schritt.

DREIEIER sind vier Musiker, die Mitte der Achtziger wenn auch nicht weltweit, so doch einige Bekanntheit erlangten und mehrere Preise eingeheimst haben: Franz J. Erlmeier, Fritz Köstler, Paul M. Ehrenreich und Robert "Bopo" Ponzer. Das ist ein paar Jährchen her. Und wie"s so ist, hat "Trikont" das Material nach rund 40 Jahren wieder ausgekramt. Und festgestellt: Das war gut. Es war sogar sehr gut! Ob es die - mittlerweile gewiss angejahrten - Jungs wohl noch gibt? Es gibt sie noch. Das ist nicht selbstverständlich und schon deshalb wert, eine Neuauflage ins Werk zu setzen. Info Trikont 1985: "Moderne Populärmusik mit Lust am rigorosen eklektizistischen Verwirrspiel, an Brüchen und Montagen. Bel ihrem Streifzug durch verschiedeíne Stile und Epochen der Pop-Musik frönen sie gleichzeitig der Unterbrechung des Gewohnten und der Pervertierung des Hergebrachten. Die Musik ist nicht neu - will es auch nicht sein -, jeídoch neuwertig. Sie wertet neu, verwertet Altes und Gehabtes und wertet um. Dies aber mit eiíner spielerischen Leichtigkeit und technischen Perfektion, sodass an der musikalischen Oberfläíche erzeugte Stimmungen immer wieder intern gebrochen und hinterfragt werden. Die Storys werden in virtuosem Englisch oder krudem, asíketischen Deutsch erzählt. Drei Eier, das sind vier Musiker, die Ihre Musik zum einen in München, aber vor allem in Aham, Niederbayern, ausgebrütet haben. Der Bayeriísche Rundfunk wählte sie zur besten Nachwuchsígruppe des Jahres 1983."

Neue Vinylfarbe 2024, klare LP, im Klappcover mit bedruckter Innenhülle! 16 Jahre nach dem letzten Studioalbum kommt das neue Album von LOIKAEMIE mit Namen "Menschen"! "Anschnallen! Unglaublich, aber wahr! Verdammte Axt!" Die Worte von Sachsens größtem Punkfestival hätten keinen Funken kleiner sein dürfen. Mit ihrem Überraschungs-Headliner verkündete das Back To Future 2019: LOIKAMIE ist wieder da! Innerhalb von fünf Jahren ging so gleich zweimal ein Ruck durch die europäische Oi!- und (Street-)Punk-Szene: Schwer die Emotionen beim Abschied 2014, umso größer die Euphorie beim Live-Comeback! Und noch größer angesichts 12 neuer Songs! Seit 2019 ist LOIKAEMIE wieder eine feste Größe, weit oben in den Lineups der Festivals und den Clubs, und das weit über Deutschland hinaus. Thomas, Eddie, Paul und Bruno konnten live nicht nur nahtlos anknüpfen, sondern eine Stufe empor steigen, auf den Konzerten trifft sich jung und alt in seiner ganzen subkulturellen Vielfalt, LOIKAEMIE ist eine Band, auf die sich - im besten Sinne - alle einigen können. Auch die Kreativität ist wieder erwacht: 2022 erschienen mit "Lumpenmann" und "Tief im Herzen" die ersten neuen Songs seit 2007 (digital und als limitierte 7"-Single), dazu gesellenen sich bisher "Was Soll Die Ganze Scheisse?" und "Lasst Uns rein", alles Vorboten des nun erscheinenden fünften Studioalbums "Menschen" und schon auf einer Menge Playlists zuhause. Kein Wunder, dass nach 16 Jahren die Erwartungen riesig sind, bei den Fans wie der Band selbst. Und ,Menschen" ist nicht weniger als ein Manifest dessen, wie Punkrock im Jahr 2023 klingen muss: Rotzig und melodisch, kompromisslos und reflektiert, politisch und gut gelaunt. Alle zwölf Ohrenfräsen atmen den unverkennbaren LOIKAEMIE-Spirit und doch ist ,Menschen" ein Riesenschritt nach vorn. Schon der überaus modern klingende Opener "Wenn wir alle so wären" fegt alles weg, was derzeit belanglos auf Allgemeinplätzen durch den Punk pogt, vom anschließenden hymnischen Titeltrack bis zur abschließenden Selbsteinladung "Lasst und rein" bleibt die Energie ganz oben, gleichzeitig ist das Album vielschichtig wie nie zuvor in der Bandgeschichte. Zu Streetpunk- und Rock'n'Roll-Brettern gesellt sich Reggea, Sprechgesang, Ballade und Melodien, die sich auch im Pop nicht verstecken müssten. Statt markiger Statements erzählen die Texte pointierte Geschichten, teilen durchdachte Gedanken zu aktuellen Miseren in der Welt, der Szene oder des eigenen Kopfes. Aber es gibt auch keine Scheu vorm hymnischen Refrain, den fortan volle Konzertsäle gemeinsam intonieren können. Oi!, was sind das knallende Hits!

Das Duo in der Rockmusik funktioniert in der Regel nach dem Prinzip der Reduktion: Wer nur zu zweit auf der Bühne steht, setzt meist notgedrungen auf Akzente statt auf Flächen, auf Gerüst statt auf Schmuck. Weniger ist mehr, heißt dann die Devise, und es braucht schon eine ganze Menge Charisma (siehe White Stripes), musikalische Versiertheit (siehe Black Keys) oder schlichtweg Druck (siehe Royal Blood), um der Irritation etwas entgegenzustellen, die entsteht, wenn man auf das gewohnte Gesang-Gitarre-Bass-und-Schlagzeug-Setting verzichtet. Das hat durchaus etwas von dem verzweifelten Ennui, den Bands wie die Fehlfarben oder Abwärts vor über 40 Jahren formulierten. Hier wird robotisch gegroovt, neurotisch gesungen, und fatalistisch getextet - und das immer mit lockerer Faust, um den Zuhörern bei Bedarf schnell mal eine reinzimmern zu können.

Lee 'Scratch' Perrys posthumes Meisterwerk 'Destiny', das gemeinsam mit Bob Riddim entstand, ist eine transzendente Reise durch das Erbe und die Zukunft des Reggae. Mit Evie Pukupoos gefühlvollen Echos, Kabaka Pyramids revolutionärer Lyrik und Xana Romeos Neo-Roots-Infusion verbindet das Album ikonische Traditionen mit den modernen Sounds und Stimmen des Reggae. Weitere Highlights sind die kollaborative Präsentation der nächsten Reggae-Welle der kommenden Generation mit Blvk H3ro, Leno Banton und Wayne J ('Ring Pon My Finger') sowie eine Hommage an das Dub-Königtum mit Addis Pablos Melodica ('Infinity' (Dub)). 'Destiny' ist ein weiterer Beweis für Perrys unauslöschlichen Einfluss auf die jamaikanische und globale Musiklandschaft.

Während sich das letztjährige Album von den etwas düsteren Synthie-Landschaften der 70er-Jahre inspirieren ließ, spielt dieses Nachfolgealbum des Sugarfoot-Sängers wahrscheinlich eher auf Holms Faszination für die Popmusik der späten 60er-Jahre an, oft mit leicht psychedelischen Untertönen. Einige dieser neuen Songs haben ein eher akustisches Fundament, aber die Arrangements sind durch den umfangreichen Einsatz von Streichern, Hintergrundstimmen und exotischen Instrumenten umso großartiger. Die physische Veröffentlichung des Albums wird Vinyl-Enthusiasten sicherlich erfreuen. Die LP erscheint als Deluxe-Edition auf grünem Vinyl und einem sehr aufwendigen "Split Opening"-Cover. Design und Layout stammen von Håvard Gjelseth, während das Cover vom deutschen Künstler Marco Wagner stammt. Das alles verleiht dem Album eine visuelle Verpackung, die perfekt mit dem harmoniert, was Holm sowohl durch den Titel des Albums als auch durch seine zehn Songs vermitteln möchte. Mit 'Paradox Of Laughing' hat Holm ein Album abgeliefert, das ein bedeutendes Kapitel in seinem beeindruckenden Musikkatalog darstellen wird.

Das 2.Album von Schubmodul "Lost In Kelp Forest" ist ein Konzeptalbum, das sich thematisch nicht wie beim Vorgänger in den unendlichen Weiten des Weltraums, sondern in einer Unterwasserwelt abspielt. Die sechs hauptsächlich instrumentalen Stücke werden dabei durch Erzählerstimmen belgeitet, die eine zusammenhängende fiktionale Geschichte auf einem dichten atmosphärischen Soundteppich erzählen (Stimmen Alma Chomel aus Frankreich und Shane Wilson aus den USA). Als Fundament donnert das Dreigestirn, geformt in klassischer Besetzung von Gitarre, Bass und Schlagzeug, einen Mix aus Space-, Stoner- und Progressiv-Rock auf's Parkett der gelegentlich durch Synthesizer, Sound- und Sprachsamples ergänzt wird. Verträumte, atmosphärische Passagen treffen auf kolossale Riffs und münden häufig in einem epischen melodischen Zenit aus voluminösen, warmen Sounds, über die sich sanfte bis schnelle Gitarrensoli entladen. Die Kompositionen bedienen sich dabei einer großen modalen Palette und vielseitige Harmonien, die den Zuhörer immer wieder überraschen. Ein sehr hohen Grad an Detailverliebtheit der auch beim mehrmaligen Hören spannend bleibt. Als Inspirationen zu diesem Album diente der Band genretypische Größen wie Elder, King Buffalo, progressivere Bands wie Dream Theatre und Elemente aus der Filmmusik von Hans Zimmer. Das komplette Album wurde in nur 6 Tagen in der legendären Tonmeisterei eingespielt.

Menschen wie mir verzeiht man die Welt oder hasst sie
180g Vinyl, Gatefold, goldenes Vinyl, Farbe ltd auf 1000 Exemplare

Alle Menschen müssen ihren Weg finden – aber wie, wenn man das Ziel gar nicht kennt? Die Post-Hardcore-Rap-Vorreiter SPERLING zeichnen auf ihrer zweiten Platte die zeitgeistige Reise einer kathartischen Sinnsuche nach. Im Dunkeln der Ungewissheit tastend schreibt das Hunsrücker Quartett auf MENSCHEN WIE MIR VERZEIHT MAN DIE WELT ODER HASST SIE tiefblickende Songs, die zwischen sensitiven Reverb-Gitarrenmeeren, beatlastigem Indie und frustrierter Klanggewalt ein emotionales Panorama innerer Orientierungslosigkeit schaffen. Ihre Kunst führt SPERLING dabei über die stilistisch vielfältigste und ausdifferenzierteste Musik, die sie je geschrieben haben. Den Weg zu sich selbst muss die Band trotzdem nicht allein beschreiten. Features von internationalen Szenegrößen wie BEING AS AN OCEAN und BLACKOUT PROBLEMS zeigen, dass hier eine der spannendsten Newcomer-Bands der letzten Jahre gekommen ist, um zu bleiben.

Zusammen mit Beray Habip (u.a. Fjort, Adam Angst) wurde das Album im Toolhouse Studio in Rotenburg an der Fulda, im Tonstudio Liebling in Duisburg und im eigenen Proberaum in Mannheim produziert und aufgenommen.
Artwork und Layout stammen wie immer von Lucas Mayer (Heisskalt, Blackout Problems)

Die Essenz der ersten beiden Whispering Sons Alben.

Das dritte Album der fünfköpfigen belgischen Post-Punk-Gewalt Whispering Sons um die charismatische Sängerin Fenne Kuppens schichtet einen mitreißenden Ozean an Emotionen, Energien und Geschichten auf.
Nach dem düsteren 'Image' (2018) und dem minimalistischen 'Several Others' (2021) stellt das dritte Album eine Neuausrichtung und ein Umdenken dar. Aufgenommen in der Nähe von Eindhoven und an der Nordseeküste ist 'The Great Calm' nicht nur ein Album, das einen Ozean von Emotionen, Stimmungen, Energie und Geschichten umspannt, sondern auch eine Folge der gezeitenähnlichen Veränderungen innerhalb der Gruppe aus Brüssel, die wieder zu fünft ist.

Das nächste Kapitel von Danny Kiranos, a/k/a Amigo the Devil, wird mit Yours Until the War is Over fortgesetzt – seinem bislang entwaffnendsten und einzigartigsten Werk. Das 13-Track-Projekt verbindet Themen der nachvollziehbaren Selbstzerstörung und Traumabindung mit fesselnder Authentizität. Gespickt mit obskuren literarischen Anspielungen – ähnlich der wahnsinnigen Lesegewohnheit von Kiranos – beweist das Album, dass diese ganze Amigo the Devil-Sache keine True-Crime-Nische ist. Yours Until the War is Over ist eine Songwriter-Platte, die erfolgreich Tom Waits huldigt.

Crank ist ein neues Projekt von Nifelheim-Gründungsmitglied "Tyrant". Für "Mean Filth Riders", Cranks erstes Mini-Album, hat er seinen Bass beiseite gelegt und singt und spielt stattdessen Gitarre auf den sechs Stücken "Rebels Of The Night", "In The Wind", "Thunder Road", "Shooter", "Mean Filth Riders" und "Hot Rock 'n' Roll Band" (letzteres ist eine Coverversion eines Songs der obskuren finnischen Hardrock-Band Backsliders aus der Mitte der 80er Jahre). "Ich habe Songs geschrieben, die ich selbst mag und sie mit Leuten aufgenommen, mit denen ich gerne spiele", kommentiert der "Tyrant". "Bei Crank geht es darum, genau das zu tun, was wir wollen, wann wir wollen und wie wir wollen. Wir sind keine Band für jedermann, und das sollen wir auch nicht sein." Der kompromisslose Nifelheim-Gründer hat das Material mit der Hilfe einiger seiner Freunde aufgenommen, nämlich Savage an der Gitarre, Motokobra am Bass und einem gewissen J. Rocker am Schlagzeug.

Crank ist ein neues Projekt von Nifelheim-Gründungsmitglied "Tyrant". Für "Mean Filth Riders", Cranks erstes Mini-Album, hat er seinen Bass beiseite gelegt und singt und spielt stattdessen Gitarre auf den sechs Stücken "Rebels Of The Night", "In The Wind", "Thunder Road", "Shooter", "Mean Filth Riders" und "Hot Rock 'n' Roll Band" (letzteres ist eine Coverversion eines Songs der obskuren finnischen Hardrock-Band Backsliders aus der Mitte der 80er Jahre). "Ich habe Songs geschrieben, die ich selbst mag und sie mit Leuten aufgenommen, mit denen ich gerne spiele", kommentiert der "Tyrant". "Bei Crank geht es darum, genau das zu tun, was wir wollen, wann wir wollen und wie wir wollen. Wir sind keine Band für jedermann, und das sollen wir auch nicht sein." Der kompromisslose Nifelheim-Gründer hat das Material mit der Hilfe einiger seiner Freunde aufgenommen, nämlich Savage an der Gitarre, Motokobra am Bass und einem gewissen J. Rocker am Schlagzeug.

Die Versuchung, Bill Fay zu mythologisieren, kann überwältigend sein. Sein Status als unbesungener Held hat sich langsam, aber stetig, über fünfundzwanzig Jahre hinweg entwickelt und mit jedem neuen Album kommen Fans hinzu, darunter prominente Musiker wie Jeff Tweedy, Kevin Morby, Adam Granduciel und Julia Jacklin, um nur einige zu nennen. Fay war jahrzehntelang ebenso produktiv wie unterschätzt, innerhalb seines Katalogs ist die Bill Fay Group seine bedeutendste Zusammenarbeit. Nach seinem selbstbetitelten Debüt Bill Fay (1970) und dem Klassiker "Time of the Last Persecution" (1971) hatte Decca Records kein Interesse ein drittes Album zu veröffentlichen. Bill Stratton, Gary Smith, Rauf Galip formierten sich mit Fay zur Bill Fay Group und nahmen zwischen 1978 und 1981 in mehreren Sessions, trotz minimaler finanzieller Mittel, ein brillantes Album auf. Die Bandmitglieder beschwören ein elegantes Gegengewicht zu seinem Gespür für das Unauffällige. "Tomorrow Tomorrow and Tomorrow" bringt die galaktischen Qualitäten des frühen Rock, die Komplexität der Jazz-Improvisation und Fays erdigen Folk-Zauber zusammen. Zur Zeit der Fertigstellung fand sich aber leider kein Label für das Projekt. Erst 2005 brachte David Tibet auf seinem Label Durtro Records eine unvollständige, nur auf CD erhältliche Version heraus. Eine Neuauflage von 2006 machte das Album auf Vinyl erhältlich, allerdings mit stark gekürztem Tracklisting, es fehlten neun Songs. Jetzt endlich erscheint Tomorrow Tomorrow and Tomorrow weltweit in voller Länge. Es enthält die 22 Original-Songs des Albums, dazu 6 Bonustracks, sowie seltene und bisher unveröffentlichte Fotos von den ursprünglichen Aufnahmesessions von "Tomorrow Tomorrow and Tomorrow".

Unter dem Pseudonym MARGOT ERKNER versammeln sich der als T.Raumschmiere bekannte Marco Haas, sowie Gitarrist und Sänger Timo Tolkmitt und Bassist Gunnar Refardt. T.Raumschmiere erlangte Weltruhm als Ravepunker mit großen Hits wie "Monster Truck Driver", Timo Tolkmitt kennt man von Bands wie DxBxSx, Blutige Knie oder Payola. Das junge Trio (geboren 2021 im Feuermelder, Berlin-Friedrichshain) knüpft an diese Erfolge nahtlos und zeitlos an. Was heißt zeitlos? Wohl eher Zeitgeist! Denn der vergnügt sich eindeutig wieder da, wo es richtig Bock macht: Als Band, Trio, Bass, Gitarre, Schlagzeug, laut und ohne Klick. MARGOT ERKNER raven mit Sandsturmbluespunkrock und trocknen verdrehten Augen mit grundsächlicher Ironie. Das macht Spaß. Die 10 Songs auf ihrem selbstbetitelten Debüt sind laut und wild, haben eine Menge zu sagen und reißen euch unerbittlich aus euren viel zu bequem eingesessenen Ohrensesseln - stellt euch vor die Scherben wären eine Punkband gewesen und ihr kommt nah ans Feeling, das MARGOT ERKNER auf ihrem gloriosen Debüt heraufbeschwören. Unterstützung haben sie dabei in Form von Gastauftritten von Barbara Morgenstern, Caspar Brötzmann, Paul Frick, Hainbach und Jan Brauer. MARGOT ERKNER sind auf der Reise, im Gepäck: wütende Lust und lustige Wut! Oder mit Billy Ocean: When the going gets tough, the tough gets going.

Monte Fiasko, oder der Gipfel der Katastrophe. Das vierte Album der NDW-Postpunker ILLEGALE FARBEN aus Köln legt einen düster-treibenden Soundtrack unter diese großen und kleinen Krisen im Privaten und in der Welt. Die Themen sind dabei so abwechslungsreich wie die Sounds. Es geht um Einsamkeit, Selbstzweifel und Resignation. Illegale Farben zeigen sich also weiterhin nicht von ihrer Spaßvogel-Seite, der Tenor bleibt blau-grau. Neu sind auch die musikalischen Gäste auf Monte Fiasko, neben Stefanie Schrank von Locas in Love ist auch Cecilia Boström von The Baboon Show bei jeweils einem Song mit dabei. Stilistisch ist das Album ein gewagter Mix aus den postpunkigen Klängen der ersten beiden Alben, der kontemplativen Zurückhaltung des letzten Werks, "unbedeutend ungenau", und mitreißendem Indie-Rock. Immer mit einer guten Portion NDW abgerundet, sei es in der Musik oder in den Texten. Hier wurde ein "Album" im klassischen Sinn produziert, das sich natürlich bestenfalls auf LP anhören lässt.

Der Jesper Kyd-OST zu Fortsetzung der HITMAN-Videospielreihe: Das mainstreamig angelegte 'Hitman 2: Silent Assassin' (2002) erhielt großartige Rezensionen, u.a. eine 'Action Game Of The Year' Nominierung vom US-Magazin Computer Gaming World. Jesper Kyd schuf mit dem Budapester Symphonieorchester und dem Ungarischen Rundfunkchor ein orchestrales Melodram, das dem Spiel ein Gefühl von Unruhe und Pracht verlieh. Trotz live aufgenommener Orchestrierungen blieb sein Stil unverkennbar: starke Melodien, eingängige Rhythmen und groovige Electronica werden um harmonische Weltmusik-Elemente ergänzt, die zu den weltumspannenden Eskapaden von Agent 47 passen.

Ein Sinfonieorchester. Komponisten aus der Welt des Metal. Ein wilder Dirigent. Ein wirklich einzigartiger Solist. Attitüde und Talent. Ein Album und eine Live-Show. Das ist Bright & Black mit Eicca Toppinen, Kristjan Järvi und Baltic Sea Philharmonic.

Metal und Orchestermusik, zwei parallel existierende Welten, prallen endlich aufeinander und ein noch nie gehörter Sound entsteht. In einem beispiellosen Schritt verschmelzen die Welt des Metal mit der Welt des Orchesters, indem die in der Metal-Szene verwurzelten Autoren direkt für das Orchester komponieren, was diesem ein völlig neues Set an Farben gibt, um eine Serie von neuen Klängen zu erzeugen. Mit einem Knall. Die vom Baltic Sea Philharmonic unter der Leitung von Kristjan Järvi und der Solistin Eicca Toppinen aufgeführten Kompositionen stammen von Eicca Toppinen (Apocalyptica), Fredrik Åkesson (Opeth), Erik Danielsson (Watain), Nico Elgstrand (Entombed AD), Tomas Haake/Dick Lövgren (Meshuggah), Jacob Hellner und Kristjan Järvi.

Die vollständige Dolby Atmos-Produktion des Albumprojekts wurde im Herbst 2022 im Studio des Estnischen Nationalradios in Tallinn aufgenommen. Produziert von Jacob Hellner. Aufgeführt von Baltic Sea Philharmonic. Dirigent: Kristjan Järvi. Orchestrierungen von Jonny Abraham. Abgemischt in Stockholm von Jacob Hellner und Stefan Glaumann.

Ein Sinfonieorchester. Komponisten aus der Welt des Metal. Ein wilder Dirigent. Ein wirklich einzigartiger Solist. Attitüde und Talent. Ein Album und eine Live-Show. Das ist Bright & Black mit Eicca Toppinen, Kristjan Järvi und Baltic Sea Philharmonic.

Metal und Orchestermusik, zwei parallel existierende Welten, prallen endlich aufeinander und ein noch nie gehörter Sound entsteht. In einem beispiellosen Schritt verschmelzen die Welt des Metal mit der Welt des Orchesters, indem die in der Metal-Szene verwurzelten Autoren direkt für das Orchester komponieren, was diesem ein völlig neues Set an Farben gibt, um eine Serie von neuen Klängen zu erzeugen. Mit einem Knall. Die vom Baltic Sea Philharmonic unter der Leitung von Kristjan Järvi und der Solistin Eicca Toppinen aufgeführten Kompositionen stammen von Eicca Toppinen (Apocalyptica), Fredrik Åkesson (Opeth), Erik Danielsson (Watain), Nico Elgstrand (Entombed AD), Tomas Haake/Dick Lövgren (Meshuggah), Jacob Hellner und Kristjan Järvi.

Die vollständige Dolby Atmos-Produktion des Albumprojekts wurde im Herbst 2022 im Studio des Estnischen Nationalradios in Tallinn aufgenommen. Produziert von Jacob Hellner. Aufgeführt von Baltic Sea Philharmonic. Dirigent: Kristjan Järvi. Orchestrierungen von Jonny Abraham. Abgemischt in Stockholm von Jacob Hellner und Stefan Glaumann.

"Our flame won't get any smaller" - das Kernkonzept von "RIOT" spricht Bände. Auf ihrem vierten Album betten BLACKOUT PROBLEMS einen explosiven Rock-Sound in eine Regenwolke aus düsteren Synthesizern. Mit wilden, ungewöhnlichen Songstrukturen und frei von Erwartungshaltungen klingen die Münchner gewohnt düster, aber tanzbar - traurig und euphorisch zugleich. Im Zentrum von "RIOT" liegt erneut das Niederschreiben von persönlichen Erfahrungen. Inspiriert von politischen Ereignissen wie dem Rechtsruck, Hetze der AFD, dem daraus resultierenden Hass im Internet sowie dem Mut von Menschen wie Sophie Scholl und Luisa Neubauer sind 11 Songs entstanden, die mitsamt den nachdenklich stimmenden Texten auf die harte Welt der Realität niederregnen. Let's start a beautiful RIOT!

"Our flame won't get any smaller" - das Kernkonzept von "RIOT" spricht Bände. Auf ihrem vierten Album betten BLACKOUT PROBLEMS einen explosiven Rock-Sound in eine Regenwolke aus düsteren Synthesizern. Mit wilden, ungewöhnlichen Songstrukturen und frei von Erwartungshaltungen klingen die Münchner gewohnt düster, aber tanzbar - traurig und euphorisch zugleich. Im Zentrum von "RIOT" liegt erneut das Niederschreiben von persönlichen Erfahrungen. Inspiriert von politischen Ereignissen wie dem Rechtsruck, Hetze der AFD, dem daraus resultierenden Hass im Internet sowie dem Mut von Menschen wie Sophie Scholl und Luisa Neubauer sind 11 Songs entstanden, die mitsamt den nachdenklich stimmenden Texten auf die harte Welt der Realität niederregnen. Let's start a beautiful RIOT!

Congo Natty ist ein Mann, eine Familie, eine Bewegung. Mikail Tafari alias Rebel MC steht im Zentrum, aber wie "Jungle Revolution" zeigt, ist er vielmehr die Linse, die das Ganze in den Fokus rückt. Ursprünglich 2013 veröffentlicht und zehn Tracks lang, zeigt "Jungle Revolution" deutlich, wie Tafari Jungle als einen Neustart des Roots-Reggae für ein neues Jahrhundert sieht. Voller Blut, Schweiß, Tränen und Feuer, Subbass-Sternchen, rasanten Drum-Breaks, süßen Hooks, rechtschaffener Wut und Liebeserklärungen.

Format: Ltd 2LP im gelben und grünen Vinyl in einer reflektierenden Goldhülle mit dem gleichen Artwork wie das Originalalbum

KIRLIAN CAMERA sind ein kreativer Wirbelwind der musikalischen Innovation. Die mitreißende Kraft ihrer Inspiration manifestiert sich sowohl destruktiv, wenn es um das Einreißen von Grenzen in Bezug auf Genre, Stil und Konventionen geht, als auch konstruktiv, wie beim Errichten einer neuen Klangarchitektur auf den Ruinen der alten. Auch das jüngste Meisterwerk der Italiener, "Radio Signals for the Dying", folgt dieser Tradition und erklimmt dabei einen weiteren künstlerischen Höhepunkt. Oberflächlich betrachtet wandeln KIRLIAN CAMERA erneut auf dem dunklen musikalischen Pfad, den sie auf ihrem letzten Doppelalbum "Cold Pills (Scarlet Gate of Toxic Daybreak)" (2021) eingeschlagen haben. Dass die italienischen Elektro-Provokateure direkt mit dem Nachfolger noch ein prächtiges Doppelwerk folgen lassen können, spricht Bände über ihre ungeheure kreative Energie. Dabei bringt "Radio Signals for the Dying" keineswegs eine bloße Wiederholung des glorreichen Vorgängers. Stattdessen verändern KIRLIAN CAMERA ihren Sound auf subtile Weise durch raffinierte Details, reizvolle Tricks, großartige Effekte, unerwartete Wendungen und musikalische Ausflüge sowie spannende Variationen bestehender Themen. Seit über vier Jahrzehnten erschaffen KIRLIAN CAMERA ein Reich vielschichtiger Klangkonstruktionen, okkulter Transzendenz und subversiver Inhalte, die schon immer zum Kern ihrer Kunst gehörten. In der Vergangenheit hat die im besten Sinne schamlose, zuweilen geradezu unverschämte Lust der Italiener an der Provokation der Welt einen ehrlichen Spiegel vorgehalten und damit wiederholt Kontroversen ausgelöst. Die Italiener haben nie damit aufgehört, nach neuen Antworten zu suchen und ihre Hörer auf eine abenteuerlichen musikalischen Reise zu okkulte Dimensionen und magischen Orte von gefährlicher Schönheit und freudiger Dunkelheit mitzunehmen. KIRLIAN CAMERA sind Elektro-Schamanen, Rockmystiker, Klangrevolutionäre und Hohepriester der freien Künste, die als musikalischer Phönix im kreativen Feuer von "Radio Signals for the Dying" erneut wiedergeboren werden.

His Lordship ist eine Band mit einer Mission. Das hat auch die britische Mojo erkannt: “This band absolutely has a mission and that’s to rip people’s heads off with blistering rock’n’roll. It’s something we haven’t seen for way too long.”
Der 2021 in London gegründeten Band eilt der Ruf einer der aufregendsten Livebands voraus, die Großbritannien in den letzten 20 Jahren hervorgebracht hat.
Lorbeeren die sich das 2021 gegründete Duo aus James Walbourne (Gitarre/Gesang) und Kristoffer Sonne (Schlagzeug/Gesang) redlich erspielt hat.
Live wird die Band um Bassist Dave Page (von den Pretenders) ergänzt.
Co-produziert von David Wrench (XX, Hot Chip, Courtney Barnett etc.) und abgemischt von Wrench und Tchad Blake (The Black Keys, Arctic Monkeys etc.), kommt auf dem knapp über 30 Minuten langen Debütalbum der Band keine Langeweile auf.
Ein wilder Ritt aus 50er-Jahre-Rockabilly, New Wave, Surf-Instrumentalmusik, Post-Punk und glühendem Garagenrock der Jahrtausendwende.

Nachdem es fast zehn Jahre lang ruhig um AUSTRIAN DEATH MACHINE geworden war, lassen sie erneut die Welten von Death Metal und
Bodybuilding aufeinanderprallen und kehren mit ihrem vierten Album Quad Brutal zurück, das am 23. Februar 2024 über Napalm Records erscheint.
Bei der augenzwinkernden Hommage an Arnold Schwarzenegger handelt es sich um das Soloprojekt des As I Lay Dying-Frontmann Tim Lambesis, der
mit dem Debütalbum Total Brutal (2008) vor über 15 Jahren die Herzen der Metalfans eroberte. Nach der Veröffentlichung von zwei weiteren
gefeierten Alben, Double Brutal (2009) und Triple Brutal (2014) verschwand Lambesis von der Bildfläche. Laut einem Interview mit dem deutschen
Metal Hammer durchlebte er „die dunkelste Phase seines Lebens“, die er mit der Hilfe von guten Freunden durchstand. Nun, nach einem Jahrzehnt
voller Aufarbeitung und Reflektion, ist die Zeit gekommen für neue Musik, die unter dem Titel Quad Brutal erscheint – randvoll mit den rasenden
Riffs, gnadenlosen Drums, wie sie für den legendären Ahhhnold angemessen sind!

Das neunte Album der Prog-Metal-Band aus Deutschland, die sich bei den anspruchsvollen Fans des Genres großen Respekt verschafft hat,
unterstreicht das hohe künstlerische Niveau der Kreativität, die sie schon so lange aufrechterhalten. Musikalisch bietet Vanden Plas erneut eine
perfekte Kombination aus hart und melodisch, wobei die orchestralen Arrangements im Vergleich zum letzten Album eher im Hintergrund stehen. Es
finden sich mehr progressive Elemente in den Songs, ähnlich wie man es von früheren Veröffentlichungen kennt. Die sechs, meist langen, Stücke
erzielen eine beeindruckende und faszinierende Wirkung durch ein sehr bandorientiertes Arrangement, so dass die klare und intensive Dringlichkeit
der Songs natürlich und unprätentiös durchscheint und den Hörer von Anfang an in den Bann zieht.

Girl With No Face: Das vierte Album von Allie X, Girl With No Face, ist eine gewagte Ausgrabung ihrer Identität. Eine wahnsinnige Reise in den Kopf
einer Künstlerin, die gerade drei Jahre in der Isolation verbracht hat und jeden Input verweigert hat, während sie zum ersten Mal in ihrer Karriere die
alleinige Produzentin, Autorin und kreative Stimme wurde. Inspiriert von der Technologie und dem Hedonismus der New-Wave-Szene der frühen
80er Jahre, sind die analog angehauchten Songs des Albums eine Reihe von krassen Widersprüchen - retro im Gefühl, aber ultramodern in der
Thematik, pointiert, unvorhersehbar und doch tanzbar, zugänglich und doch herrlich bedrohlich. Kurz gesagt, Girl with No Face ist völlig untypisch fü
die hypergetunten, automatisierten Formen, die den heutigen Alt-Pop dominieren.
Durchdrungen vom britischen Experimentalismus der frühen 80er Jahre, mit Anklängen an The Human League und New Order, ist das Album ein
deutlicher Schritt weg vom 2020er introspektivem und sparsamen "Cape God" - so viel schneller und bedrohlicher.

Das erste Live-Album von Van Halen - das Doppel-Platin-Album Live von 1993: Right Here, Right Now - feierte sein Vinyl-Debüt am Record Store Day als 4-LP-Set in limitierter Auflage. Aufgenommen im Mai 1992, als die Band ihre große Welttournee zur Unterstützung ihres klassischen, mit dreifachem Platin ausgezeichneten Albums For Unlawful Carnal Knowledge beendete, liefern Sänger Sammy Hagar, Gitarrist Eddie Van Halen, Schlagzeuger Alex Van Halen und Bassist Michael Anthony über zwei Stunden lang die typischen Van Halen-Hits.

Die Wiener Samsara Joyride mit ihrem zweitem Longplayer, dem ersten auf Tonzonen. Von Beginn an stand für die Band eine Fusion des klassischen Rocksounds der 70er und 90er Jahre im Mittelpunkt, dabei bewegt sich die Band stilistisch frei zwischen Blues-, Psych- und Stoner-Rock. Eingängige, hypnotisierende Riffs, durchsetzt mit euphorisierenden Gitarrensoli und markanten Bariton-Vocals bestimmen die Songs - ein Spiel zwischen Altbewährtem und Experimentellem, zwischen Wiederholungen und Wendungen. 2023 wurden sieben neue Tracks geschmiedet, die zwar noch erkennbar im Stil des Debütalbums gegründet sind, sich aber in Sachen Komplexität und Experimentierfreude deutlich abheben. "The Subtle And The Dense" tritt schon vom ersten Ton an nicht nur deutlich heavier und progressiver, sondern vor allem selbstbewusster auf. Es wurde deutlich mutiger mit dem Einsatz von Hintergrundstimmen und Gesangsharmonien experimentiert. Leadgitarrist Michael Haumer übernimmt den größten Teil des Background-Gesangs, wobei sein kräftiger Tenor Miehes dunklen Bariton perfekt ergänzt. Aber auch Laura Fichtenkamms klare und weiche Frauenstimme bildet einen harmonischen Kontrast zur Hauptstimme. Verglichen mit dem ersten Album ist der Gitarrensound von Miehe und Haumer gleichzeitig subtiler und dichter. Wo früher noch live improvisiert wurden, finden sich heute fast ausschließllich in akribischer Kleinarbeit ausgearbeitete Lead-Gitarren-Parts, die mühelos zwischen Blues-, Metal und Stonerrock wechseln. Andreas Mittermühlners mal peitschenden, mal wuchtig stampfenden, immer jedoch punktgenauen Drums und Daniel Batliners vibrierend-groovender, alles andere als im Hintergrund stehender Bass, bilden gemeinsam das Rückgrat und den Puls der Platte, und bieten so den schneidenden Höhen von Haumers Sologitarre Fundament und Rahmen zur Entfaltung. Daraus ergibt sich ein großes Ganzes, das manchmal nach Kyuss, manchmal nach Danzig oder Black Sabbath, manchmal sogar noch Tool oder All Them Witches klingt, immer aber nach Samsara Joyride und als Gesamtwerk weit über die Summe seiner Teile hinauswächst.

Nach einer zehnjährigen Pause gibt die schwedische Country-Band Bourbon Boys stolz bekannt, dass ihr brandneues Album "Forever Rebels" am 23. Februar auf Faravid Recordings erscheinen wird. "Forever Rebels" ist das dritte Album in der Diskografie der Band, dem die Alben "Shotguns, Trucks & Cattle" (2013) und "Hail to the Chief" (2013) vorausgehen. Die Band wurde bereits mit zwei schwedischen Gold Awards ausgezeichnet; für die Singles "Hillbilly Heart" (Shotguns, Trucks & Cattle) und "Taxman" (Hail to the Chief)."Forever Rebels" liefert einen klassischen, gitarrenbetonten Country-Sound mit Einflüssen u.a. von Outlaw-Legenden der siebziger Jahre und rockigem Country der späteren Jahrzehnte. Das Album bietet mitreißende Chickien Picking-Gitarren und gleichmäßige Trainbeats, aber auch ruhige Balladen mit Texten, die von zerbrochenen Leben, einer unversöhnlichen Natur und unbezwingbarer Liebe erzählen. Jeder der Tracks kann mit einem Moment aus dem täglichen Leben auf dem Land in Verbindung gebracht werden, geschrieben mit Worten, die tief in einem hart arbeitenden Rebellenherz verwurzelt sind; mit Liebe für die Familie, die Tiere und die Freiheit.

Mit dem wachsenden Wunsch nach früheren Werken von ELOY, dem gemäß Musikpresse "deutschen Flaggschiff des Art-und Progressivrock" kommt nun am 23.02.2024 mit "Destination" ein Album aus dem Jahr 1992 erneut auf den Markt, welches schon seit langem nicht mehr verfügbar ist. Da zu jener Zeit der frühen Neunziger die Vinyl-Platte quasi komplett "out" war, erscheint "Destination" nun als physisches Produkt erstmals auch auf Vinyl. "Destination" ist ein Album, auf welchem wir viele unterschiedliche Inspirationen und stilistischen Elemente verarbeiteten und vermischten. Obwohl Bassist Klaus Peter Matziol während der laufenden Produktion erstmals wieder für die Band zum Bass griff, entstand das Material überwiegend in der Zusammenarbeit von Michael Gerlach und mir, und es kam eine Melange aus atmosphärischen, aber auch sehr rockigen Klängen dabei heraus, wobei ich mich noch im Satzgesang mit mir selbst herausforderte, und wir durch diverse Fremdinstrumente das noch immer nicht komplett neu besetzte Line Up auffüllten. Es herrschte nach dem Erfolg des Vorgängers RA, welches ELOY nach dreijähriger Pause sofort in die offiziellen deutschen Albencharts zurück katapultierte, rege Aufbruchsstimmung. Der Sound und die Melange der Musik gelangen so, wie geplant." (Frank Bornemann, 2023)

Farbige Vinylpressung für den Indiehandel mit Bonus 7" mit den digitalen Singles "Tag" und "Lucky" auf der A-Seite und dem bisher unveröffentlichten Song "Thanks" auf der B-Seite. Wiederveröffentlichung des selbstbetitelten Debütalbums der texanischen Band, Teethe, die zwischen Dallas und Austin lebt. Ihr gleichnamiges Debütalbum entstand im Laufe des Jahres 2020 und ist eine Sammlung von Songs, die im Laufe der Zeit zusammengefügt wurden - eine Klangcollage aus fragmentierten Aufnahmen und halbfertigen Tracks, die inmitten der Isolation zu einem Ganzen wurden. Das Album wurde im November 2020 zunächst ohne viel Aufsehen im Eigenverlag veröffentlicht und verbreitete sich mit seiner warmen Lo-Fi Ästhetik und den langsamen, beruhigenden Songs durch Mundpropaganda. Etwa ein Jahr später, Anfang 2022, meldete sich die Band mit dem Song "Tag" zurück, einer neuen Single, die die Aufmerksamkeit der Slowcore-Fans auf sich zog und von unwahrscheinlichen Berühmtheiten gelobt wurde. Bald folgten Tourneen mit Charlie Martin von Hovvdy, Momma, Milly, Waveform und They Are Gutting A Body Of Water. Die Band veröffentlichte eine weitere Single, "Lucky", im Herbst 2022, und kürzlich erst im Oktober 2023 die neueste Single "Moon" bei Saddle Creek im Rahmen derer 7-Inch-Serie.

Am Ende einer anstrengenden Reise voller Aufruhr und Verlust sind Madder Mortem endlich mit ihrem achten Studioalbum fertig, fünf Jahre nach 'Marrow'. Textlich und musikalisch beschäftigt sich das neue Album der norwegischen Progressive Metal-Band mit Hoffnung, Enttäuschung und der Ambivalenz dazwischen. Es ist Musik mit tiefen Wurzeln und neuen Augen, die sich den unbegrenzten Möglichkeiten von 12 Noten öffnen, aber immer mit dem Wunsch, einen guten, ehrlichen Song zu schreiben. Aufgenommen und produziert vom Gitarristen BP M. Kirkevaag, zeigt es eine der interessantesten Bands Norwegens, die eine Vielzahl von musikalischen Richtungen abbildet, die von Post-Metal-Heaviness bis hin zu sanften Americana-Grooves und viel dazwischen reichen. Nach Alben auf Century Media und Peaceville ist die band mittlerweile bei Karisma Records unter Vertrag.
Für Fans von Neurosis, Cult Of Luna oder Meshuggah. Die LP-Version kommt limitiert und auf weißem Vinyl!

Nach 15 Jahren und einem halben Dutzend Alben hat die fünfköpfige Band aus New Jersey, Real Estate, unter dem Titel Daniel eine essenzielle Sammlung von 11 äußerst melodiösen Songs zusammengestellt.

Daniel wurde einfach so benannt, weil es witzig erschien, einer Platte einen menschlichen Namen zu geben, und ist das Zeichen einer Band, die schon lange genug dabei ist, um ihre Musik ernst zu nehmen, ohne dabei auf Spaß zu verzichten. Es gibt eine außergewöhnliche Kampagne rund um Daniel und die Leadsingle Water Underground zu erwarten.

Ltd Edition!

Nach 15 Jahren und einem halben Dutzend Alben hat die fünfköpfige Band aus New Jersey, Real Estate, unter dem Titel Daniel eine essenzielle Sammlung von 11 äußerst melodiösen Songs zusammengestellt.

Daniel wurde einfach so benannt, weil es witzig erschien, einer Platte einen menschlichen Namen zu geben, und ist das Zeichen einer Band, die schon lange genug dabei ist, um ihre Musik ernst zu nehmen, ohne dabei auf Spaß zu verzichten. Es gibt eine außergewöhnliche Kampagne rund um Daniel und die Leadsingle Water Underground zu erwarten.

"Moon Healer" ist ein anschauliches Beispiel dafür, was passiert, wenn Kreativität, Ambition und Dynamik zum ersten Mal seit Jahren wieder aufeinandertreffen. Wie das von der Kritik gelobte, 2014 erschienene Album "Sun Eater" ist "Moon Healer" musikalisch facettenreich, unverschämt brutal und überzeugend konzeptionell. Mit einem aufgefrischten Line-up, bestehend aus Frontmann und Mitbegründer Jonny Davy, den Gitarristen Tony Sannicandro und Al Glassman, Bassist Nick Schendzielos und Schlagzeuger (seit 2020) Navene Koperweis, knüpft die Band nahtlos an die Erfolge von "Sun Eater" an.

Ltd. Edition Silver Vinyl
Direkt nachdem "The Reality Of Miracles" im Jahr 2020 in den Regalen stand, machten sich LIONHEART an die Aufnahmen für das nächste Album. Dabei beschloss man schon früh, dass es diesmal ein Konzeptalbum werden soll. Im Mittelpunkt des Albums steht der Zweite Weltkrieg, aber die Band wollte unbedingt ein Anti-Kriegs-Album machen, während sie gleichzeitig derer gedenken wollte, die für unsere Freiheit gekämpft haben.