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Matthew Herbert setzt seine Soundtrack-Produktionsreihe mit der Musik für den britischen Horrorfilm "Starve Acre" des Regisseurs Daniel Kokotajlo mit Matt Smith und Morfydd Clark in den Hauptrollen fort, der im September 2024 erscheinen soll - eine düstere Untersuchung von Trauer, Glauben und Übernatürlichem, die stark auf Folklore und Mythologie zurückgreift. Der OST folgt auf Arbeiten für Independentfilme wie "The Wonder", "The Cave" oder den Oscar-nominierten "A Fantastic Woman" und ist eine minimalistische Übung in Spannung und Zerbrechlichkeit, die geduldige Instrumentierungsfäden mit atmosphärischem Sounddesign verbindet – romantische Wogen der Orchestrierung gegen drohenden Druck im unteren Frequenzbereich und körperlose, unnatürliche Stimmen, die die bösartigen Kräfte darstellen, die im gesamten Film angedeutet werden. Er enthält zusätzlich zwei Versionen von "Let Me In", einer Interpretation des englischen Volksliedes "It Hails, It Rains, It Snows, It Blows" aus dem frühen 20. Jahrhundert, gesungen von Matt Smith und gespielt vom Folk-Elektronica-Duo Crewdson & Cevanne (Hugh Jones & Cevanne Horrocks-Hopayian) - ein bezauberndes Finale für die allgegenwärtige Düsterkeit der weiteren Partitur.

Die in der Schweiz geborene Halb-Britin Kings Elliot ist ein offenes Buch für ihre Fans.
Bei ihr wurden eine Borderline-Persönlichkeitsstörung und Angstzustände diagnostiziert.
Mentale Gesundheit ist das Kernthema ihrer Musik, ihre Songs sprechen offen über ihren Kampf mit sich
selbst und ihre Social Media Profile sind ein sicherer Hafen und Ort für tiefen Austausch für ihre Fans
geworden.
Kings Elliot spielte bereits weltweit Festivals wie z.B. Barn on the farm oder das Montreux Jazz Festival, wurde unter anderem von Online- und Presseoutlets wie der Deutschen Vogue, Teen Vogue, Billboard,
Clash, Wonderland und zuletzt der Sunday Times gelobt und erhielt social Media Unterstützung von Reese
Witherspoon, Dixie D’Amelio, Lewis Capaldi, Milky Chance und Macklemore.
Sie tourte mit Imagine Dragons durch die größten US Stadien und supportete Sam Ryder (”Space Man”,
bekannt vom Eurovision Song Contest) auf dessen letzer EU Herbsttour, auch Stephen Sanchez nahm sie
als Support mit auf große US Tour.
Im Sommer 2023 supportete sie auch Lana Del Rey bei ihrer großen Hyde Park Show in London.
Mit ihrer EP ”I’m Not Always Sad, Sometimes I’m Angry” erscheint zum zweiten Mal ein physisches
Produkt in Form einer 10” Vinyl.

Als Höhepunkt einer bemerkenswerten Reise – vom Busking auf den Straßen Torontos bis hin Auftritten
mit Künstlern wie Orville Peck und Sierra Ferrell – schlägt Albino mit „Our Time In The Sun“ sein nächstes
musikalisches Kapitel auf.
Für die zwölf Songs hat er sich mit Dan Auerbach - Leadsänger der Black Keys, Gründer von Easy Eye
Sound und GRAMMY®-prämierter Produzent - zusammengetan, nachdem dieser zufällig auf Albinos Musik
gestoßen und direkt fasziniert war. In Nashville, wo das Album entstand, stellte Auerbach Albino einigen der
besten Session-Spieler und Songwriter der Stadt vor, darunter Pat McLaughlin (u.a. John Prine, Johnny
Cash).
Albinos Geschichte begann auf einem Bauernhof im ländlichen Ontario. Aus dem Verkauf von Obst und
Gemüse in Toronto wurde schnell das Musizieren auf den Straßen der Stadt und schließlich mitreißende
Live-Shows mit Größen wie Shovels & Rope, St. Paul & The Broken Bones und Shakey Graves in den USA
und Kanada.
Als er die Arbeit an „Our Time In The Sun“ aufnahm, war es das Ziel, diese packende Live-Energie auch im
Studio einzufangen: Das Album besteht aus tief empfundenen Eigenkompositionen, geprägt von cleveren
Wendungen. Albino greift auf die Südstaaten-Psychedelik und den Blues-Rock der 60er Jahre zurück, um
Geschichten über eine gescheiterte Liebe, den Kampf mit der Flasche und ein von der Arbeit bestimmtes
Leben zu erzählen.

Anomalies neues Album "Riverchild" erscheint am 1. November 2024 und stellt das fünfte Studioalbum der österreichischen Post-Black-Metal-Band dar. Thematisch inspiriert vom mächtigen Fluss der Donau, erkundet das Album das Gleichgewicht zwischen der schöpferischen und zerstörerischen Kraft der Natur. Musikalisch bietet "Riverchild" eine Mischung aus aƽressiven BlackMetal-Elementen und ruhigen, introspektiven Momenten, die den
Hörer auf eine emotionale Reise mitnehmen.

Allt wurde 2020 gegründet und ist eine progressive Metalcore-Band aus Karlskoga, Schweden, die für ihr audiovisuelles Storytelling und ihre innovative Herangehensweise an Metalcore bekannt ist. Nach ihrer zweiten EP "The Seed Of Self-Destruction" aus dem Jahr 2022, die als genreübergreifende Metalcore-Veröffentlichung gefeiert wurde, sind Allt nun dabei, ihren charakteristischen Sound mit ihrem Debütalbum "From The New World" zu festigen. "From The New World" ist eine akribisch ausgearbeitete musikalische Reise der Selbstfindung nach der Zerstörung. Das Album ist inspiriert von den Spannungen und Ängsten in der Welt und erforscht Themen wie Zusammenbruch und Widerstandsfähigkeit in der Folge eines nuklearen Ereignisses und der emotionalen und philosophischen Landschaft, die darauffolgen würde. Um sich voll und ganz auf den kreativen Prozess und die Themen des Albums einzulassen, verbrachte die Band einige Zeit isoliert in einer Waldhütte. Jeder der 10 Tracks von FTNW erzählt eine einzigartige Geschichte von Verlust, Hoffnung und menschlichem Durchhaltevermögen, eingerahmt vom kosmischen Mysterium des Fermi-Paradoxons. Vom ersten Track, "A Flash of Light", bis zum letzten Track, "Cycles", geht es darum, sich durch das Chaos zu bewegen und in einer chaotischen Welt Sinn und menschliche Verbindung zu finden. "Über solche Themen zu schreiben, erlaubt es uns, unsere Gedanken und Gefühle zu verarbeiten, während wir unseren Zuhörern einen Raum bieten, ihre eigenen zu erkunden. Es geht darum, mit unserem Publikum auf einer zutiefst persönlichen und universell relevanten Ebene in Verbindung zu treten". Das Album vermischt mechanische und organische Klänge und beschwört sowohl die Trostlosigkeit als auch die stille Schönheit des Lebens inmitten der Nachwehen. Der Sound ist eine Mischung aus raumgreifenden Synthesizern, die alles von den unheimlichen Qualitäten von Radiowellen bis hin zu riesigen Maschinen mit immenser Rechenleistung nachahmen. Die dynamische Instrumentierung, der kraftvolle Gesang und die organischen Elemente verankern die Musik zusätzlich in einer greifbaren Realität. "Dieses Album ist eine Reise, und wir laden jeden ein, mitzukommen. Es geht darum, Empathie und Verbundenheit zu finden, selbst angesichts all dessen, was passiert ist. Es ist ein großer Schritt in unserer Entwicklung als Band, der zeigt, wo wir gewesen sind und wohin wir gehen. "From The New World" ist als CD Digipak, schwarzes Vinyl und digitale Version erhältlich.

Mit “Unbeschreiblich” begrüßte Die Zeit seinerzeit in einem begeisterten Artikel dieses Album und führte
deskriptiv fort: „Eine hohe, warme Stimme singt zerbrechliche Lieder, Annette Peacock begleitet sich
selbst am Flügel, ein Streichquartett modelliert Klangskulpturen dazu: von der Klassik das Zeitmaß, vom
Jazz das Gefühl, von der Lyrik das Offene, vom Träumen die Stimme“. An Acrobat’s Heart ist hinreißend
schönes Album von einer der geheimnisvollsten, am schwersten fassbaren und schillerndsten Figuren in den
Grenzbereichen des Jazz. Das Album präsentiert die einzigartige Stimme und das Klavierspiel der SingerSongwriterin Annette Peacock, die ihre Eigenkompositionen in Zusammenarbeit mit dem renommierten
Cikada String Quartet darbietet. Im Guardian nannte John Fordham das Album bei Erscheinen „eines der
feinsten, adäquatesten und aufwühlensten Unterfangen die Annette Peacock je geschaffen hat.“ Mit dem
Luminessence-Reissue im 2-LP-Tip-on-Klappcover erscheint das Album erstmals auf Vinyl.

024 jährt sich Harmonias legendäres Debütalbum "Musik von Harmonia" zum 50. Mal. Aus diesem Anlass erscheint eine limitierte Jubiläumsausgabe mit dem Originalalbum sowie einer zweiten Vinyl mit bisher unveröffentlichten Überarbeitungen von Matthew Herbert, James Holden, David Pajo, Kaleema, Vittoria Maccabruni, Dextro, Marta Salogni, u.a. Schwarzes 180g Doppelvinyl im Gatefold.

Das 1973 von Neu!- und Cluster-Mitgliedern gegründete Trio markierte eine Wende im Krautrock: Weg von der Fusionitis, weg vom überambitionierten Gegniedel, weg von der Ironie, die allzu oft nur lausige Fähigkeiten kaschierte. Harmonia spielte seine impressionistischen Skizzen mit minimalistischem Gestus. Kein Text trübte den Sound, alles war repetitiv, friedlich atmosphärisch und irgendwie LoFi. Brian Eno hörte sich so tief rein in diese kitschlosen Versponnenheiten, dass er den Ambient erfinden konnte. Heute, nach 31 Jahren, klingt das etwas unfertig, vor allem die Ein- und Ausstiege, doch der naive Charme der Musik blieb erhalten. Das Album bildet den Auftakt einer Reihe von remasterten Neuauflagen legendärer Brain-Platten. Darunter auch "II" von Cluster. Hat Eno natürlich auch intensiv gehört.

Ruthven - alias Sean Nelson - hatte schon immer einen gewissen Eifer und einen inneren Antrieb in sich. Der Musiker aus dem Süden Londons tauchte 2017 zum ersten Mal auf der Bildfläche auf, als er bei Paul Institute, dem von A.K und Jai Paul gegründeten Label, unter Vertrag genommen wurde. Zu dieser Zeit war er Mitglied der Londoner Feuerwehr und nahm seine Songs in der Feuerwache zwischen den Einsätzen auf. Nachdem er seine einzigartige Mischung aus R&B-beeinflusstem Future-Funk behutsam und mit Bedacht entwickelt hatte, erregte Ruthven die Aufmerksamkeit der Kritiker ("kreiert Prince-ähnliche Jams mit den Konturen und der Geschmeidigkeit von Sportwagen" - The FADER) und ging erst kürzlich mit Sampha auf Tour. Dieses Jahr wartete Ruthvan schon mit Koops mit Sampha und Little Simz auf "Satellite Business 2.0" sowie der Zusammenarbeit mit Overmono auf ihrem Club-Banger "Gem Lingo (ovr now)" auf. Auf seinem am 25. Oktober erscheinendem Debütalbum "Rough & Ready" führt Ruthven die Hörer*innen in seine intime Welt ein. In den 12 Tracks lehnt er sich an klassisches Songwriting an, während er die üppige Instrumentierung beibehält, um ein Portal zu schaffen, das Jahrzehnte überspannt. "Es ist vom Jazz beeinflusst, aber auch von so vielen anderen Genres", sagt er, "sogar Yacht-Rock-Künstler wie Michael McDonald und Steely Dan haben mich tief beeinflusst." Das Ergebnis ist ein Album, das all die scharfen Kanten der frühen Prince-B-Seiten wie "17 Days" mit der Rauchigkeit von D"Angelos "Africa" aus der Voodoo-Ära verbindet. Die Entstehung von "Rough & Ready" brachte einige Herausforderungen mit sich, darunter auch technische Pannen - aber Ruthven blieb dem Ziel treu, sehr persönliche und nachvollziehbare Musik zu machen. Das Ergebnis ist ein Album, das man gehört haben muss.

"Die Puhdys liebten die (West-)Berliner Waldbühne und die Fans liebten es, uns auf der Waldbühne zu erleben" erinnert sich Puhdys Gitarrist und Sänger Dieter "Maschine" Birr an die Auftritte der Band in der Berliner Open-Air Arena. Allein Anfang der 1980-er Jahre waren sie dreimal in der Waldbühne zu Gast. Dann gönnten sie sich eine kleine Waldbühnen-Auszeit von 13 Jahren und als sie1996 in das Rund im Berliner Westend zurückkehrten, hatte sich das Rad der Geschichte zwischenzeitlich gehörig gedreht. Sieben Jahre nach dem Mauerfall lud der WDR-Rockpalast zu einem Open-Air mit insgesamt acht Bands aus beiden Teilen Deutschlands ein. Neben den Puhdys standen noch Stern Combo Meissen, Karat, Die Zöllner, City, Die Prinzen, Extrabreit sowie Selig auf der Bühne. Alan Bangs vom "Rockpalast" und Ingo Dubinski von "Elf 99" moderierten. Die Stimmung war von Anfang an grandios, die Puhdys kamen als vorletzter Act auf die Bühne. Die Band lieferte eine großartige Show, mit den großen Hits wie z. B. "Wenn ein Mensch lebt", "Alt wie ein Baum" oder als Abschluss die "Rockerrente" wurden die Fans voll bedient. Da in der Waldbühne immer um 23 Uhr Feierabend sein musste, konnten die Puhdys leider keine Zugabe mehr spielen damit die Prinzen auch noch ihr Set abliefern konnten. Vor genau 50 Jahren veröffentlichten die Puhdys bei Amiga ihr erstes Album auf Vinyl, dieser Mitschnitt aus dem Jahr 1996 wird das letzte Puhdys Album. Der Kreis hat sich jetzt geschlossen, ein würdiger Abschluss.

Nuclear's seventh studio release brings something different to the table. Three new rabid songs and three covers songs are going to be way too much brutality for you to easily process. Beware; this new album will transport you to the early 90s and will not let you go until it ends. Thick sounding guitars, insanely fast drumming and non-stop deafening screams are the key ingredients for the perfect storm: VIOLENT DNA.
Not to be missed songs: "Violent DNA" and "Psychological Infanticide", are just a hint of this short but effective aggression from this south American quintet. Even without listening to it, you'll be caught by just looking at the graphic and gruesome cover art.
Without a doubt, VIOLENT DNA will become a MUST for all metalheads in 2024.
This is something we cannot change: This is our Violent DNA.
Sound Like: Early Sepultura, Vomitory, Sodom, Exodus, Obituary, Slayer and Napalm Death.

4 Jahre sind vergangen, seit "Endless Wound" Stigmata auf der Menschheit hinterlassen hat, aber seid sicher, Black Curse werden sich jetzt noch tiefer einschneiden. Eine Platte, die wegen ihrer ekstatischen Rücksichtslosigkeit und massiven fanatischen Bösartigkeit schockieren soll. Aber das was tief unter den Kompositionen schwebt, öffnet die Türen zu einer Welt, die so unglaublich groß ist, dass man Gefahr läuft, sich in ihr zu verlieren. Und diese Tiefen entziehen sich jeglicher Exegese.

4 Flüche wurden in 4 Hymnen absoluter Todesmagie verwoben. Und diese werden einen in den schwarzen Abgrund des großen Göttlichen führen. Das Album wurde erneut vom unbestrittenen Meister Arthur Rizk produziert, der mit seiner außergewöhnlich dichten und zerstörerischen Produktion mal wieder alle Erwartungen übertrifft. "Burning in Celestial Poison" klingt, als wäre es mit dunklen magischen Formeln aus einer sehr viel tieferen Welt erschaffen. Um die Erhabenheit dieses Albums zu erkennen, müssen andere Sichtweisen und Wertigkeiten definiert werden. In dieser Welt wird es als hässlich und bedrückend gelten. Und zwar von denjenigen, die nicht in der Lage sind, sich diesen bodenlosen Abgründen hinzugeben.
Es bricht absichtlich mit allen modernen Hörgewohnheiten, vermeidet alle Regeln der Songlänge und -struktur und erzielt genau dann das beste Ergebnis, wenn es in Dunkelheit und bei maximaler Lautstärke erlebt wird.

"Burning in Celestial Poison" beginnt, mäandert und endet mit einem prophetischen Grollen, das sicherlich aus der Welt stammt, der wir uns noch stellen müssen, nämlich der Welt in Flammen.

"Ultravisitor" ist seit seinem Release im März 2004 zum Fanliebling und einem der beliebtesten Platten in Squarepushers gesamter Diskographie avanciert. Mit seiner einzigartigen Mischung aus Studio- und Live-Aufnahmen ist es gleichzeitig ein hervorragendes Beispiel für die Vielfalt seiner Musik: vom frenetischen Titeltrack über den funky Jazz von "Iambic 9 Poetry" bis zur sonnendurchfluteten Glückseligkeit von "Tommib Help Buss" und darüber hinaus.

Zum 20. Jubiläum präsentiert Warp eine erweiterte Deluxe-Version in einmaliger, limitierter Auflage, die von Jason Mitchell (Loud Mastering) unter der Ägide von Tom Jenkinson sorgfältig von den Originalbändern remastert. Tom hat die Gelegenheit genossen, die Bänder noch einmal zu überarbeiten und den Stücken neue Dynamik und Details zu verleihen.

Das beigefügte Bonusalbum "Venus No.17 Maximised" besteht aus ultra-raren Tracks einer Ultravisitor-Promo-EP, der "Square Window" 3"-CD (die bei Vorbestellungen über WarpMart gratis mitgeliefert wurde) sowie der "Venus No.17" EP (alle aus 2004). Das beiliegende Booklet enthält seltene Fotos, Flyer und Aufnahmedokumenten, darunter einer Anleitung zu allen Geräten, die Squarepusher damals verwendete.

Coke Bottle Green Vinyl, limitiert auf 500 Exemplare. Der Charakter aller ACID ROOSTER-Veröffentlichungen ist durch deren jeweiligen Entstehungsprozess geprägt. So entstand beispielsweise die kosmisch-wabernde "Ad Astra" als One Take während einer privaten Gartenparty. Die vier Stücke des neuen Albums, überwiegend ausufernd und mit langen Spielzeiten, wurden diesmal in ihrem Grundgerüst bereits im Juli 2022 an zwei Off Days während ihrer sehr erfolgreichen ersten UK - Tour in den Dystopia Studios in Glasgow, Schottland, aufgenommen. Da Acid Rooster aber bereits im Mai 2022 kurz zuvor ihr vorhergehendes Album "Flowers & Dead Souls" in Bamberg in Franken, nahe ihrer Heimatstadt Schweinfurt, aufnahmen, war die Studio Session mit dem schottischen Produzenten Jason Shaw von eher improvisatorischer Natur und somit wurden die Tracks ohne nennenswerte Vorbereitungen eingespielt. Zurück von der Tour und nachdem eine Weile verging, fügten die drei Jugendfreunde den live eingespielten Stücken in ihrer Wahlheimat Leipzig noch allerhand Overdubs hinzu, welche "Hall of Mirrors" zu einer äußert vielschichtigen, sehr psychedelischen Klanglandschaft werden ließen. Zu hören sind neben zusätzlichen Gitarrenspuren und diversen Perkussionsinstrumenten unter anderem Saxophon, Shruti Box, Synthesizer, Mellotron, Querflöte, Vibraphon und vieles mehr. Gemastert hat das Album der Grammy-nominierte Engineer Joseph Carra in seinen Crystal Studios in Australien, welcher unter anderem für die klangliche Veredelung sämtlicher King Gizzard and the Lizard Wizard - Alben verantwortlich ist. Während der Arbeit am Album ist Joe wohl dermaßen in den Aufnahmen versunken und von den Klangteppichen in den Bann gezogen worden, dass er gar nicht wollte, dass es endete. Völlig begeistert vom Sound und der Musik des Albums rief er den Produzenten Jason Shaw in Schottland an, um ihm mitzuteilen, dass er seit Jahren nicht mehr an einer so wohlklingenden und interessanten Veröffentlichung arbeiten durfte.

Das japanische No ist die älteste lebendige Theaterform. Themen wie Schuld, Liebe und Erlösung werden in Text, Tanz und Musik verhandelt. Eric Schaefer ist dem Land Japan und der japanischen Kultur schon seit vielen Jahren verbunden. So begann er, inspiriert durch seine Besuche des No-Theaters, während eines dreimonatigen Aufenthalts und Unterrichts bei Prof. Takanori Fujita (Kyoto City University of Arts) den Liedzyklus HAYASHI zu komponieren. Ein Begriff, der das im No agierende Musikensemble benennt, der aber auch einen Hain beschreiben kann. Die Erstaufführung von HAYASHI fand beim Jazzfest in der Oper Leipzig 2023 statt - gespielt vom Eric Schaefer Ensemble und gemeinsam mit den japanischen Künstler*innen Ichi-Go (Tanz) und Acci Baba (Videokunst). Nun liegt die Studioproduktion von HAYASHI vor. Auf Vinyl und in einer limitierten Auflage. Mit einem Coverbild der in Kyoto lebenden Kalligraphin Chizu Ikura. Die Musik des No hat sich aus einer heterogenen Vielzahl volkstümlicher und religiöser Spielarten (Matsuris, buddhistische Rituale) entwickelt und besitzt eine kompositorische Struktur, die den Ausführenden einerseits exakte Vorgaben macht, aber andererseits selbstbestimmte Räume und Unschärfen besitzt, die sich zu Improvisationen öffnen. Die Komposition HAYASHI von Eric Schaefer nimmt diesen Modus Operandi des Musizierens im No-Theater auf. Durch die Zusammenarbeit von klassisch gebildeten und improvisierenden Musizierenden wird eben dieses fluide Durchwirken von festgelegten und frei zu interpretierenden Kompositionsteilen ermöglicht. Es gibt hier nur eine Partitur für alle, eine semantische Ebene, auf der sich alle bewegen. "Letztlich", so Eric Schaefer, "gehen wir mit dem Ensemble HAYASHI der Frage nach, was uns diese alte Kunstform des No heute ästhetisch sagen kann, wie wir mit Freiheit und Gebundenheit in der Musik umgehen." Dies geschieht im Geiste Zeamis, dem Gründer des No-Theaters, der vor 600 Jahren schrieb: "Das Alte befragen, das Neue begreifen".

Als sich Frank Sinatra und Produzent Quincy Jones 1984, nach zwanzig Jahren erstmals wieder für eine
gemeinsame Albumproduktion im Studio trafen, hielt die Musikwelt die Luft an. Eine Bigband aus TopMusikern und prominente Gäste wie George Benson, Lionel Hampton und Bob James rundeten das Treffen
der beiden Entertainment-Giganten ab.
“L.A. Is My Lady” schaffte es auf Platz 58 der Billboard-Pop- und auf Platz 8 der Jazz-Charts. Der für
Sinatra ungewöhnlich poppige Titelsong, der es sogar auf eine MTV-Rotation brachte, und die restlichen
Titel im klassischen Swing-Stil gehören längst zu den beliebtesten Alben im Spätwerk des Sängers.
Die “40th Anniversary Deluxe Edition” wurde jetzt vom damaligen Tonmeister Larry Walsh brandneu
remixed. Die CD-Version beinhaltet zusätzlich sechs alternative Versionen der Albumtracks “Mack The
Knife“, „Body And Soul“, „After You’ve Gone“ und „How Do You Keep The Music Playing”, von denen
drei hier ihre Weltpremiere feiern!

Es ist das Jahr 1998: Alexander Veljanov, der bereits mit seiner Band Deine Lakaien große Erfolge feiern
konnte und unter Fans der düster-melancholischen Sounds Kultstatus erlangte, wagt sich an seine erste
Solo-Platte.
„Secrets Of The Silver Tongue“, charakterisiert durch einen neuen, unverwechselbaren Sound zeigt dabei
neue Facetten des Sängers auf. Seine Ausstrahlung und poetischer Charme, geprägt durch Texte über
Liebe, Hingabe und Vergänglichkeit, bleiben auch auf Solopfaden erhalten, der musikalische Ausdruck ist
neu. Ruhigere Soundlandschaften schaffen eine Klangwelt, über die sich seine voluminös-umfangreiche
Stimme frei zu entfalten, entgegenzusetzen und zu unterwerfen weiß.
„I feel it coming“, singt Veljanov in der zweiten Single des Albums „The Past And Forever“ – und nach 25
Jahren, passend zum Jubiläum, ist es nun endlich so weit: Das Vinyl-Album ist ab sofort in streng limitierter Auflage, inklusive handsigniertem Beileger auf einer cool grey, semitransparenten Vinyl vorbestellbar.
Zusätzlich ist das Innersleeve mit den Album-Lyrics und persönlichen, vom Künstler verfassten, Liner Notes
bedruckt.

Kaum eine Hardrock-Band hat in den letzten Jahren so abgeräumt wie die Ladies von THUNDERMOTHER! Ihr Album "Heat Wave" (2020) erreichte Platz 6 der deutschen Albumcharts (und später einen beeindruckenden Chart-Wiedereinstieg (Platz 16) mit der Erweiterung "Heat Wave Deluxe"). Nicht mal die Corona-Pandemie konnte die Band komplett ausbremsen und so spielte man u.a. Konzerte vom Dach eines Feuerwehr-Trucks. THUNDERMOTHER sind für die Bühne geboren, ihre energiegeladenen Liveshows muss man gesehen haben. Mit Ecken, Kanten, Attitude und einem feinen Händchen für große Melodien spielt sich die Band Schritt für Schritt Richtung Rock-Olymp. Und dieser kann nun, mit dem am 19.08.2022 erscheinenden neuen Album "Black And Gold", eingenommen werden. Die Band um Frontfrau Guernica Mancini fackelt ein wahres Hit-Feuerwerk ab. Die erste Single "Watch Out" sendete bereits die richtige Message: Achtung, hier sind THUNDERMOTHER und "Black And Gold" ist ihr Meisterwerk!

Das Debütalbum des Künstlers Andrzej Steinbach „Portal“ enthält zwei Musikstücke, „Wartehalle“ und „Behörde“, die er Anfang 2024 in Mono im Leopold-Hoesch-Museum Düren aufgenommen hat. Dafür hat Steinbach ein Objekt („Ohne Titel (Zarge aus einer ehemaligen Behörde), 2020“) aus seiner Sammlung zu einem Instrument umfunktioniert. An den metallischen Türrahmen wurde ein Kontaktmikrofon angebracht, das die Eigenschwingungen der Zarge durch einen Verstärker und einen Schallwandler in einer Feedbackschleife zurückgibt. Mit einem zwischengeschalteten Mixer war es Steinbach möglich diese Aufladungen direkt anzusteuern und den Türrahmen in einer Art „Free Industrial Jazz“ zu spielen. In situ entstanden die beiden experimentellen Tracks „Wartehalle“ und „Behörde“, deren klanglichen Charakter Waltraud Blischke u.a. so beschreibt: „Was auf Vinyl mit Glockengeläut von außen und vibrierendem Crescendo durch Schwingungen im Inneren beginnt, diffundiert bald als Feedback, verwandelt stehende Wellen in Klänge von Nebelhörnern. (...) Eine Art rudimentäre Sprache steigt über verschiedene Stimmlagen hinauf, wirkt über Distanzen hinweg drohend, mal launisch wie ein durchnässter Kontrabass, verweilt im rhythmischen, elektrostatischen Knistern, rattert wie ein Relikt frühindustrieller Maschinerie mit Schlagzeug im Gedärm.“ Und damit rüttelt auch „Portal“ – wie alle Arbeiten Steinbachs, die im Rahmen seiner Ausstellung „Unkenntliches Metall“ vom 29.9.2024 - 19.01.2025 im Leopold-Hoesch-Museum Düren gezeigt werden – an den Festschreibungen und Sicherheiten unseres durchstrukturierten Alltags.

4 PROMILLE DRESCHEN WIEDER IN DIE SAITEN, SPUCKEN INS MIKRO, RUPFEN DEN BASS UND VERMÖBELN DIE FELLE! SEID IHR "BEREIT" FÜR ZEITGEIST-PUNKROCK?! Fasst genau zehn Jahre nach dem letzten Studioalbum veröffentlicht die Band jetzt ihr neues Werk "Zeitgeist", insgesamt das fünfte Album und das erste auf eigenem Label Vier Promille! 12 neue Tracks haben es auf die Platte geschafft und schon beim "Intro" wird klar, dass es hier ordentlich zur Sache geht, die Vorab-Single "Bereit", der Titeltrack selbst sowie "Lied Vom Rhein" und "Blackout" zeigen eine erstaunliche Bandbreite und Hitdichte. Dem reinen rumpeligen Oi! und räudigen Streetpunk haben 4 Promille schon spätestens mit Alte Schule 2006 abgeschworen, dennoch finden sich in ihrer Version von Punkrock, Deutschpunk oder einfach Punk immer noch derer Spuren. Die Promillos freuen sich höchstprozentig, dass es für sie unabhängig, DIY-mäßig und selbstgestaltet weitergeht! 4 PROMILLE 2024 sind Jason Kubke-Schlagzeug, Gesang - Martin Bayer-Gitarre, Gesang - Ralf (Basspromillo) Schmidt-Bass - Thomas (Pommes) Müller-Gesang, Gitarre. Neben Album Digital und CD gibt's natürlich LP, klassisch schwarzes Vinyl sowie limitiert in farbigen (u.a. Rot-Schwarz Marbled) Varianten.

4 PROMILLE DRESCHEN WIEDER IN DIE SAITEN, SPUCKEN INS MIKRO, RUPFEN DEN BASS UND VERMÖBELN DIE FELLE! SEID IHR "BEREIT" FÜR ZEITGEIST-PUNKROCK?! Fasst genau zehn Jahre nach dem letzten Studioalbum veröffentlicht die Band jetzt ihr neues Werk "Zeitgeist", insgesamt das fünfte Album und das erste auf eigenem Label Vier Promille! 12 neue Tracks haben es auf die Platte geschafft und schon beim "Intro" wird klar, dass es hier ordentlich zur Sache geht, die Vorab-Single "Bereit", der Titeltrack selbst sowie "Lied Vom Rhein" und "Blackout" zeigen eine erstaunliche Bandbreite und Hitdichte. Dem reinen rumpeligen Oi! und räudigen Streetpunk haben 4 Promille schon spätestens mit Alte Schule 2006 abgeschworen, dennoch finden sich in ihrer Version von Punkrock, Deutschpunk oder einfach Punk immer noch derer Spuren. Die Promillos freuen sich höchstprozentig, dass es für sie unabhängig, DIY-mäßig und selbstgestaltet weitergeht! 4 PROMILLE 2024 sind Jason Kubke-Schlagzeug, Gesang - Martin Bayer-Gitarre, Gesang - Ralf (Basspromillo) Schmidt-Bass - Thomas (Pommes) Müller-Gesang, Gitarre. Neben Album Digital und CD gibt's natürlich LP, klassisch schwarzes Vinyl sowie limitiert in farbigen (u.a. Rot-Schwarz Marbled) Varianten.

Die Düsseldorfer Neumatic Parlo überqueren auf ihrer soundlichen Reise nicht lediglich den Rhein, sondern durchschwimmen auf ihrem Debütalbum play it as it lays gleich auch den Ärmelkanal: Vom Gitarrensound der frühen 90er durchnässt nehmen die fünf Musiker gekonnt Platz neben UK-Größen der jüngeren Vergangenheit - Fans von Shame, Squid oder Dry Cleaning kommen hier auf deutlich mehr als ihre Kosten, so dringlich, einfallsreich und gänzlich undeutsch klingt das alles!

Gerry Mulligan mit der Night Lights Band auf Europatournee 1959. Das großartige Quartett besteht aus Gerry Mulligan am Baritonsaxophon und Klavier, Art Farmer an der Trompete, Bill Crow am Bass und Dave Bailey am Schlagzeug. Die Band war auf dem Höhepunkt ihres Könnens, und diese atemberaubenden Aufnahmen trugen entscheidend dazu bei, Mulligans Band als eine der angesagtesten Bands jener Zeit zu bestätigen.

In Zusammenarbeit mit dem Swedish National Radio Archive und dem Gerry Mulligan Estate ist es uns gelungen, die Original-Masterbänder im Tresor von Sveriges Radio ausfindig zu machen und sie Kevin Gray zur Verfügung zu stellen, der mit seiner gewohnten Magie beim Mastering und Editing diesen bisher unveröffentlichten Aufnahmen eine unglaubliche klangliche Bandbreite verliehen hat. Das neu gestaltete Cover wurde von Two To Tango entworfen, die regelmäßig mit New Land zusammenarbeiten, und bietet einen großartigen modernistischen Look.

Hergestellt bei Pallas und gedruckt auf 180g Vinyl im Reverse-Board-Sleeve, ist dies eine wichtige Ergänzung für jede Sammlung. Der Baritonsaxophonist Gerry Mulligan war eine wahre Ikone des Jazz und von den 1950er Jahren bis zu seinem Tod 1996 eine der herausragenden Persönlichkeiten der Westcoast-Szene. Mulligan, der vom Downbeat Magazine 42 Jahre in Folge zur Nummer eins auf seinem Instrument gewählt wurde, war einer der wichtigsten Musiker seiner Zeit und ein Aushängeschild, das den Sound des Jazz mitgeprägt hat. Gerry Mulligan spielte sowohl in der Miles Davis Formation der Birth Of The Cool-Ära als auch im pianolosen Quartett mit Chet Baker und war immer an vorderster Front, wenn es darum ging, was in Amerikas einzig wahrer Kunstform angesagt war und ist.

"Clouds In The Sky They Will Always Be There For Me", das vierte Album von Porridge Radio, wurde Anfang 2024 in Somerset vom langjährigen Big Thief- und Laura Marling-Tontechniker Dom Monks aufgenommen und ist ein Moment des Erwachsenwerdens, inspiriert von Burnout, der Musikindustrie, Herzschmerz und der zunehmenden Vertiefung der Bandleaderin Dana Margolin in ihr eigenes Handwerk als Künstlerin. Margolins rücksichtsloser, sich selbst hinterfragender Schreibstil wird auf dem gesamten Album durch die bisher ergreifendste Musik der Band ergänzt, die sich geduldig aufbaut und tragisch intensiv ist. "Alle Songs begannen als Gedichte, ich wollte mich selbst herausfordern", sagt Dana Margolin über das Werk, aus dem "Clouds In The Sky They Will Always Be There For Me" wurde. "In einem Song kann sich der Autor immer hinter den Tricks der Musik und altbekannten Techniken wie Wiederholungen verstecken. In einem Gedicht hingegen sind es nur Worte und das war's." "Vieles auf diesem Album handelt von einer frenetischen und verzweifelten Art von Liebe, es geht um den völligen Verlust meines Selbstbewusstseins in einer Beziehung und um den tiefen Rest von Unsicherheit und Schmerz, der eine neue Beziehung trübte." Lieder, die als Liebeslieder geschrieben wurden - wie "In A Dream I'm A Painting" - bekamen neue Bedeutungen, als Margolin die Lieder mit einer neuen Distanz betrachtete. "Es gab eine Menge Liebe und Verwirrung, alles durchsetzt mit Erschöpfung und Schmerz." Die Clouds-Sessions fanden in Frome statt, als der Winter zu Beginn des Jahres 2024 in den Frühling überging. "Es gab ein paar Zusammenbrüche", grinst Dana, eine faire Einschätzung der Aufnahme solch intimer und persönlicher Songs, "nach einigen Takes brach ich einfach auf dem Boden zusammen, so aufgebracht war ich." Es wurde ein Umfeld geschaffen, in dem Dana sich ausdrücken konnte und in dem sie gefördert wurde. "Wir hatten jeden Abend diese großen gemeinsamen Mahlzeiten", sagt sie, "es fühlte sich sehr eng und fürsorglich und warm und besonders an. Unser kleines Haus lag auf einem großen Hügel, ein Fluss floss hindurch, es war groß und hell und schön", erinnert sich Dana. Das Studio selbst war hell - voller strahlendem natürlichem Licht aus den großen Fenstern, ein Segen für Musiker, die an die abgeschottete Welt der meisten Aufnahmestudios gewöhnt sind, und zum ersten Mal konnten alle im selben Raum wie der Produzent aufnehmen. "Es fühlt sich an, als hätten wir zum ersten Mal etwas gemacht", erklärt sie und freut sich hörbar über das Album, "es hat etwas von unserer Freundschaft eingefangen und von der Art und Weise, wie wir gelernt haben, zusammen zu spielen. Ich liebe die Songs, ich liebe es, sie zu spielen, sie sind nicht alt geworden und es fühlt sich an, als wäre es etwas Besonderes." Eine Pause. "Es hat mich so viel gelehrt. Deinem Bauchgefühl zu folgen, auf deine Freunde und ihre Loyalität zu vertrauen, darauf zu vertrauen, dass du mit Leuten richtig kämpfen kannst. So will ich leben, so will ich Platten machen, denn Platten machen ist mein Leben, denn meine Arbeit ist mein Spiel, mein Job ist mein Leben. Alles ist in dieser Sache miteinander verbunden, und es gibt Wege darin, die mich nicht umbringen."

"Clouds In The Sky They Will Always Be There For Me", das vierte Album von Porridge Radio, wurde Anfang 2024 in Somerset vom langjährigen Big Thief- und Laura Marling-Tontechniker Dom Monks aufgenommen und ist ein Moment des Erwachsenwerdens, inspiriert von Burnout, der Musikindustrie, Herzschmerz und der zunehmenden Vertiefung der Bandleaderin Dana Margolin in ihr eigenes Handwerk als Künstlerin. Margolins rücksichtsloser, sich selbst hinterfragender Schreibstil wird auf dem gesamten Album durch die bisher ergreifendste Musik der Band ergänzt, die sich geduldig aufbaut und tragisch intensiv ist. "Alle Songs begannen als Gedichte, ich wollte mich selbst herausfordern", sagt Dana Margolin über das Werk, aus dem "Clouds In The Sky They Will Always Be There For Me" wurde. "In einem Song kann sich der Autor immer hinter den Tricks der Musik und altbekannten Techniken wie Wiederholungen verstecken. In einem Gedicht hingegen sind es nur Worte und das war's." "Vieles auf diesem Album handelt von einer frenetischen und verzweifelten Art von Liebe, es geht um den völligen Verlust meines Selbstbewusstseins in einer Beziehung und um den tiefen Rest von Unsicherheit und Schmerz, der eine neue Beziehung trübte." Lieder, die als Liebeslieder geschrieben wurden - wie "In A Dream I'm A Painting" - bekamen neue Bedeutungen, als Margolin die Lieder mit einer neuen Distanz betrachtete. "Es gab eine Menge Liebe und Verwirrung, alles durchsetzt mit Erschöpfung und Schmerz." Die Clouds-Sessions fanden in Frome statt, als der Winter zu Beginn des Jahres 2024 in den Frühling überging. "Es gab ein paar Zusammenbrüche", grinst Dana, eine faire Einschätzung der Aufnahme solch intimer und persönlicher Songs, "nach einigen Takes brach ich einfach auf dem Boden zusammen, so aufgebracht war ich." Es wurde ein Umfeld geschaffen, in dem Dana sich ausdrücken konnte und in dem sie gefördert wurde. "Wir hatten jeden Abend diese großen gemeinsamen Mahlzeiten", sagt sie, "es fühlte sich sehr eng und fürsorglich und warm und besonders an. Unser kleines Haus lag auf einem großen Hügel, ein Fluss floss hindurch, es war groß und hell und schön", erinnert sich Dana. Das Studio selbst war hell - voller strahlendem natürlichem Licht aus den großen Fenstern, ein Segen für Musiker, die an die abgeschottete Welt der meisten Aufnahmestudios gewöhnt sind, und zum ersten Mal konnten alle im selben Raum wie der Produzent aufnehmen. "Es fühlt sich an, als hätten wir zum ersten Mal etwas gemacht", erklärt sie und freut sich hörbar über das Album, "es hat etwas von unserer Freundschaft eingefangen und von der Art und Weise, wie wir gelernt haben, zusammen zu spielen. Ich liebe die Songs, ich liebe es, sie zu spielen, sie sind nicht alt geworden und es fühlt sich an, als wäre es etwas Besonderes." Eine Pause. "Es hat mich so viel gelehrt. Deinem Bauchgefühl zu folgen, auf deine Freunde und ihre Loyalität zu vertrauen, darauf zu vertrauen, dass du mit Leuten richtig kämpfen kannst. So will ich leben, so will ich Platten machen, denn Platten machen ist mein Leben, denn meine Arbeit ist mein Spiel, mein Job ist mein Leben. Alles ist in dieser Sache miteinander verbunden, und es gibt Wege darin, die mich nicht umbringen."

BB King und Jimi Hendrix gemeinsam auf einer Bühne. Zwei Gitarrengötter. Diese strikt limitierte LP enthält das legendäre Konzert von New York aus
dem Jahr 1968; mitgeschnitten und übertragen durch einen lokalen Radiosender. Guitar-Blues vom Feinsten. Transparentes Vinyl.

Edgar Allan Poes zeitlose Poesie, gelesen von Künstlern, Schriftstellern, Dichtern, Musikern und Magiern, im Dienste des Werks und auch im Gedenken an einen großen Freund und Weggefährten auf den musikalischen Wegen, Hal Willner. Kramer hat eine eklektische Liste von Stimmen zusammengestellt, um den alten Worten eine neue Vision zu geben. Mit dabei Joan As Police Woman, Edgar Oliver, Thurston Moore, Britta Phillips, Lydia Lunch, Rick Moody, und andere. Die von Kramer geschaffene Musik, die jede Lesung begleitet, lässt das Licht auf den Interpreten scheinen und poliert den Raum zwischen der Poesie und der Aufführung. Den Abschluss des Albums bildet eine Archivaufnahme von Allen Ginsberg, der ,The Bells" lebendig vorträgt. Die unbegleitete Lesung vom Juni 1981 ist ein Auszug aus seinem Studienkurs ,Expansive Poetics" an der Naropa School of Disembodied Poets in Boulder, Colorado.

Marcus Haefs darf man wohl zurecht als Düsseldorfer Punkrock-Ikone und Szene-Urgestein bezeichnen. Von den wilden Anfängen Anfang der Achtziger im Ratinger Hof, als langjähriger Fortuna-Stadion-DJ mit Musikbeschallung fernab vom Mainstream, oder im engen Freundeskreis der Toten Hosen/ JKP-Family_der liebevoll auch "Opa" genannte Punkrocker ist bekannt wie ein bunter Hund und war auch musikalisch als Sänger in zahlreichen Bands aktiv. Irgendwie hat er bisher jedoch nie etwas außer DIY-Releases veröffentlicht (u.a. Cashbar Club). Es gibt halt wichtigeres im Punkrock! Mit seinen Freunden gründete er vor 2 Jahren die "DEAD DATES" und mit keinem passenderen Titel als "Lang genug gewartet" gibt es jetzt endlich offiziell ihr Debut auf Sunny Bastards Records! Aufgenommen in den bekannten Wild Wood-Studios in Düsseldorf (Produzent Karsten Wegener) lässt Haefs mit den Dead Dates alle Jahrzehnte seiner Szene-Leidenschaft in die Musik einfließen. Sei es das stark an alte Opel-Gang-Zeiten erinnernde "(Zusammen) die beste Zeit", 77er UK-Punkrock-Zeiten mit "Red Carpet" oder die zu jeder Zeit geltenden 3 Akkorde. Immer verbunden mit zündenden Texten, die einfach einen guten Song ausmachen wie beim ballernden Opener "Heute ist die Nacht". Dazu ist mit "Alles geht einmal auch vorbei" auch eine echte Hymne vertreten, die sofort im Kopf bleibt. Die Dead Dates haben ein perfektes Gespür, was Punkrock schon immer ausmachte und wollen auch gar nicht nach den großen Sternen greifen. Gerade das macht "Lang genug gewartet" so sympathisch!

Marcus Haefs darf man wohl zurecht als Düsseldorfer Punkrock-Ikone und Szene-Urgestein bezeichnen. Von den wilden Anfängen Anfang der Achtziger im Ratinger Hof, als langjähriger Fortuna-Stadion-DJ mit Musikbeschallung fernab vom Mainstream, oder im engen Freundeskreis der Toten Hosen/ JKP-Family_der liebevoll auch "Opa" genannte Punkrocker ist bekannt wie ein bunter Hund und war auch musikalisch als Sänger in zahlreichen Bands aktiv. Irgendwie hat er bisher jedoch nie etwas außer DIY-Releases veröffentlicht (u.a. Cashbar Club). Es gibt halt wichtigeres im Punkrock! Mit seinen Freunden gründete er vor 2 Jahren die "DEAD DATES" und mit keinem passenderen Titel als "Lang genug gewartet" gibt es jetzt endlich offiziell ihr Debut auf Sunny Bastards Records! Aufgenommen in den bekannten Wild Wood-Studios in Düsseldorf (Produzent Karsten Wegener) lässt Haefs mit den Dead Dates alle Jahrzehnte seiner Szene-Leidenschaft in die Musik einfließen. Sei es das stark an alte Opel-Gang-Zeiten erinnernde "(Zusammen) die beste Zeit", 77er UK-Punkrock-Zeiten mit "Red Carpet" oder die zu jeder Zeit geltenden 3 Akkorde. Immer verbunden mit zündenden Texten, die einfach einen guten Song ausmachen wie beim ballernden Opener "Heute ist die Nacht". Dazu ist mit "Alles geht einmal auch vorbei" auch eine echte Hymne vertreten, die sofort im Kopf bleibt. Die Dead Dates haben ein perfektes Gespür, was Punkrock schon immer ausmachte und wollen auch gar nicht nach den großen Sternen greifen. Gerade das macht "Lang genug gewartet" so sympathisch!

1974 erscheint Georg Danzers Konzeptalbum "Der Tätowierer und die Mondprinzessin", begleitet von einem Buch mit Texten und Illustrationen von Georg Danzer. Die zehn darauf enthaltenen tiefsinnigen Lieder, die unter anderem unter der Mitwirkung von Willi Resetarits und seinen "Schmetterlingen" sowie Robert Ponger, Christian Kolonovits und "Supermax" Kurt Hauenstein entstanden, haben bis heute Relevanz. Georg Danzers Manager und guter Freund, Franz Christian "Blacky" Schwarz, initiierte und leitete die Wiederveröffentlichung dieses künstlerischen Schatzes.Für die Neuauflage wurden die Original-Mischbänder aus dem Jahr 1974 verwendet und von Othmar Eichinger von TON Eichinger, Wien aufwändig restauriert, digitalisiert und gemastert. Die Reihenfolge der Lieder stimmt nicht mit der Original-LP überein, sondern wurde dem Ablauf der Geschichte angepasst. Die Liedtexte wurden auf die tatsächlich gesungenen Versionen umgeschrieben. Die Geschichte selbst ist die Originalversion. Franz Christian Schwarz über die Entstehung des Albums:Es war 1974, es war Februar und es war kalt. In Peter Müllers Tonstudio herrschte reger Betrieb. Georg Danzer saß auf einem Sessel und klimperte auf der Gitarre und sang leise den Text dazu. Vor sich auf einem schon in die Jahre gekommen Tisch lagen einige mit Maschine beschriebene Blätter. Ab und zu hielt er beim Spielen inne und korrigierte den zur Melodie passenden Text. Zwischendurch machte er auch kleine Zeichnungen mit Wachskreide, die das gleichnamige Buch illustrieren sollten. Nach und nach waren die Musiker wie vereinbart mit ihren Instrumenten gekommen. Es herrschte eine fast familiäre Stimmung. Es wurde Kaffee getrunken, geplaudert, gescherzt und gelacht. Peter mahnte zu Disziplin und wies den Herren - denn die Schmetterlinge, der Chor mit Dame, waren erst für den nächsten Tag eingeplant - ihre Plätze zu. Das Klavier hatte seinen fixen Platz und rundherum wurde nun postiert. Peter hatte einen genauen Plan, wer wo stehen sollte und aus tontechnischen Gründen auch musste. Das Schlagzeug kam in ein abgeschirmtes Kammerl mit einem Glasfenster, der Bass mit Verstärker kam nach links hinten, gegenüber wurde das Gitarren-Set ebenfalls mit Verstärker aufgebaut. Die Orgel musste auch noch Platz finden und die Percussion wurde hinter einem halbhohen Paravent platziert, damit der Musiker Sichtkontakt mit den Kollegen und dem Tontechniker halten konnte. Jetzt noch Mikrofone aufstellen, verkabeln, justieren und dann Tonproben. Nun war alles bereit. So in etwa hat Georg gerne vom ersten Studiotag zu den Aufnahmen für die nun in einer Spezialversion zum 50 Jahre-Jubiläum vorliegenden Vinyl-Schallplatte erzählt. Und er war sehr stolz auf sein erstes Konzeptalbum.Georg Danzer - "Der Tätowierer und die Mondprinzessin"Ab 18.10. als LP im Gatefold mit 12seitigem Booklet

Aus den Tiefen von Post Punk, Cold Wave und Dancefloor meldet sich Levin Goes Lightly mit neuem Album zurück: Numb ist der Titel des mittlerweile fünften Longplayerst. In den für ihn so charakteristischen schrägen Bildern erzählt Levin Goes Lightly von toxischen Beziehungen, dunklen Lebensabschnitten und der großen Liebe. Der melodische Gesang wechselt zwischen Deutsch und Englisch, das musikalische Grundgerüst sind treibende, elektronische Beats, kühle Synthesizer, und gleichzeitig warme Orgeltöne und wavige Gitarrenparts. Im Song "Headbanging" fragt er "Is it beautiful when it"s sad? / Ist es so schön, weil es so traurig ist?" - und liefert doch selbst den Beweis, dass bittersüße Traurigkeit schön und trotzdem sehr tanzbar sein kann. Die Songs handeln von tief im Meer lebenden Liebenden (oder Seeungeheuern?), die gemeinsam nur zum Licht streben oder die so lange in die Sonne blicken, bis sich ihnen ein gemeinsamer Fleck ins Auge einbrennt - "damit man sich an diesem Fleck für immer erkennt". Darüber, dass man einsehen muss, dass man selbst das Chaos ist, auch wenn man noch so sehr dagegen ankämpft und über Hände, die nur dann nicht taub sind, wenn sie den andern berühren. Engel, die doch nur schrecklich sind und sich auflösen im Rausch. Levin Goes Lightlys Musik ist sophisticated und treibend, seine Auftritte immer schweißtriefend und glamourös. Bei einigen Songs denkt man an die frühen New Order, Boy Harsher oder Grauzone und an die Wärme von Beach House. Das Songwriting ist wie bei den vorherigen Alben geprägt von musikalischer Vielseitigkeit und tiefgründigen, aber auch merkwürdigen Texten. Mit seinen melancholischen Melodien, oft begleitet von kraftvollen Beats, gelingt es ihm tiefe Emotionen einzuweben. Über fünf Alben hat er seinen Sound weiterentwickelt: Vom Lo-Fi zu Postpunk, von Englisch zu Deutsch und wieder zurück. "Numb" ergänzt seinen musikalischen Kosmos um Stücke, die sich nun wieder eher beim düsteren Dance- und Electronic-Sound eines John Maus ansiedeln. Die von ihm entworfenen Klangwelten sind dabei immer treibend und hypnotisch - eine Art Cold Wave, bei dem einem warm ums Herz wird.

Kaum zu glauben: Harald Grosskopf gibt es jetzt schon ein Dreivierteljahrhundert. Anlässlich seines 75. Geburtstags erscheint nicht nur im Ventil Verlag seine Autobiographie "Monsieur Séquenceu" - sondern auch endlich wieder ein neues Album vom Elektronik-Altmeister. Man muss zu diesem Mann eigentlich nicht viel sagen: Mitbegründer von "Wallenstein", ergo Drummer auf mindestens zwei der wunderbarsten Krautrockalben (nämlich "Mother Universe" und "Cosmic Century"), Mitglied der legendären "Kosmischen Kuriere", Platten mit Ash Ra Temple und Klaus Schulze. Schließlich wechselt Harald Grosskopf dann von den Drums zu den Sequencern und schafft Atemberaubendes. Und nun: "Strom". Die Evokation der Elektrizität, der Virtuosität der Schaltung, die Mensch und Maschine kunstvoll verschraubt und der über ihrem Triumphzug verödeten musikalischen Digitalität entgegengestellt wird. Wer genau hinhört, der erkennt den Ingenieur hinter den Klanggebilden sogleich.

Kaum zu glauben: Harald Grosskopf gibt es jetzt schon ein Dreivierteljahrhundert. Anlässlich seines 75. Geburtstags erscheint nicht nur im Ventil Verlag seine Autobiographie "Monsieur Séquenceu" - sondern auch endlich wieder ein neues Album vom Elektronik-Altmeister. Man muss zu diesem Mann eigentlich nicht viel sagen: Mitbegründer von "Wallenstein", ergo Drummer auf mindestens zwei der wunderbarsten Krautrockalben (nämlich "Mother Universe" und "Cosmic Century"), Mitglied der legendären "Kosmischen Kuriere", Platten mit Ash Ra Temple und Klaus Schulze. Schließlich wechselt Harald Grosskopf dann von den Drums zu den Sequencern und schafft Atemberaubendes. Und nun: "Strom". Die Evokation der Elektrizität, der Virtuosität der Schaltung, die Mensch und Maschine kunstvoll verschraubt und der über ihrem Triumphzug verödeten musikalischen Digitalität entgegengestellt wird. Wer genau hinhört, der erkennt den Ingenieur hinter den Klanggebilden sogleich.

Die erste umfassende Compilation ihrer Art, "Even the Forest Hums: Ukrainian Sonic Archives 1971-1996" erforscht die blühende ukrainische Musikszene des späten 20. Jahrhunderts. Von subtil vom politischen Kurs abweichenden Singles aus der Sowjet-Ära bis hin zu DIY-Aufnahmen aus der pulsierenden Kiewer Underground-Szene zeichnet die Zusammenstellung die Entwicklung der reichen ukrainischen Musiklandschaft anhand seltener Folk-, Rock-, Jazz- und Elektronikaufnahmen nach. Sorgfältig kuratiert in Zusammenarbeit mit dem ukrainischen Label Shukai Records und mit voller Unterstützung der einzelnen Künstler. Vitalii "Bard" Bardetskyi, ein in Kiew lebender Filmemacher, DJ und Autor, führt die Hörer durch die physischen Ausgaben des Albums mit aufschlussreichen Linernotes und Track-by-Track-Details. Die 2xLP ist in einer wunderschönen Klappverpackung untergebracht, die die geliebten und ikonischen Folk-Gemälde der ukrainischen Künstlerin Maria Prymachenko präsentiert. Die Vinylausgabe enthält ein 20-seitiges Booklet mit Künstlerfotos und Linernotes in Englisch und Ukrainisch, gepresst auf Clear Blue Sky & Sunflower Yellow Wachs; die CD-Ausgabe enthält Bonusmaterial in einem 64-seitigen, gebundenen Deluxe-Buch. Ein Teil des Erlöses wird an Livyj Bereh gespendet, eine in Kiew ansässige Freiwilligengruppe, die sich für den Wiederaufbau in den vom anhaltenden Krieg in der Ukraine betroffenen Regionen einsetzt.

Die britische Sängerin, Songwriterin, Multi-Instrumentalistin und Produzentin Fabiana Palladino veröffentlicht am 5. April 2024 ihr selbstbetiteltes Debütalbum bei Paul Institute / XL Recordings. Das Album entstand nach dem Ende einer langen Beziehung und setzt sich mit komplexen Fragen zu Liebe und Einsamkeit in Beziehungen auseinander. Das Ergebnis sind 10 Songs, die sich von den großen R&B-, Soul-, Pop- und Disco-Studioproduktionen der 80er und 90er Jahre inspirieren lassen, gefiltert durch einen modernen Blinkwinkel. Es ist eine intime Platte, die die Toughness und Weiblichkeit von Janet Jackson auf ihrem 1986er Album "Control" und Annie Lennox" bei "DIVA" ausstrahlt, das klassische Songwriting von Kate Bush und Joni Mitchell aufgreift und die romantischen Motown-Duette von Marvin Gaye und Tammi Terrell unterläuft, um die Normativität in Beziehungen zu hinterfragen. Das von Palladino selbst geschriebene und eigenproduzierte Album enthält Beiträge von renommierten Musikern und engen Freunden, darunter vom Mitbegründer des Paul Institute, Jai Paul, dem legendären Session-Bassist Pino Palladino (Fabianas Vater), ihrem Bruder und Yussef Dayes-Bassisten Rocco Palladino, dem bekannten Schlagzeuger Steve Ferrone sowie Streichern von Rob Moose. Fabiana Palladino hat in den letzten Jahren als gefragte Session-Musikerin für Acts wie Jessie Ware, Sampha, SBTRKT oder Laura Groves gearbeitet, während sie in ihrer eigenen Musik intensiv nach Pop-Perfektion strebt. Im vergangenen Jahr war sie Teil von Jai Pauls Band für sein lang erwartetes Live-Debüt, sowie Support-Act der gefeierten Shows.

Vom Opener bis zum letzten Track vermittelt Soul-Crooner Joseph Malik dem Hörer, dass er sich auf einer musikalischen Entdeckungsreise durch äußerst originelle Soundlandschaften befindet und dass PROXIMA EBONY den Beginn einer neuen Ära der Zusammenarbeit mit internationalen Musikern markiert. Zu diesen zählen Hip-Hop/Rap-Künstler*innen wie Antoine Green aka Capitol A, Kameelah Waheed und DJ Nasty P und Top-Musiker wie Shuya Okino (Kyoto Jazz Massive), Chris Franck (Smoke City, Zeep) und die renommierte Jazzharfenistin Alina Bzhezhinka, die alle einen Trip durch vielfältige Genres mit Einflüssen von Afro-Futurismus über Dirty Soul und Punk Funk bis zu 1970'/80'er Disco und Acid Techno unternehmen.

SCANDAL ist eine Street-Punk-Band aus dem Süden Londons, Großbritannien, die 1998 gegründet wurde und ihre Wurzeln in der rumänischen Punkszene hat. SCANDAL wurde schnell zu einer der gefeiertsten Bands des rumänischen Undergrounds, bekannt für ihre Arbeiterklassen-Hymnen und energiegeladenen Live-Shows. Ihre mitsingbaren Refrains, die sich oft um das Punk-Leben, das Trinken und die Kameradschaft drehten, wurden legendär, und die berüchtigte Anti-Polizei-Hymne ,Patrula Suge Pula" wurde zum Schlachtruf für ihre Fans (und die Unterdrückung durch die Regierung und die Bullen). Nach einer sechsjährigen Pause gingen SCANDAL 2016 nach Großbritannien und fanden mit drei der ursprünglichen Mitglieder wieder zusammen. Dort wurden sie schnell in der Szene groß, mit vielen Festivalauftritten (wie Undercover , Obscene Extreme in der Tschechischen Republik, Exit Festival in Serbien oder Rebellion/ Blackpool) sowie der *5 Seconds To Riot Euro-Tour*. Nach mehreren Underground-Veröffentlichungen und ihrem ausverkauften Debüt ,On the Roll" (2018) wurde Sunny Bastards Records auf Scandal aufmerksam und veröffentlichte 4 Songs auf der ,A handful of Punk & Oi Vol.2" Compilation. Nun ist die Zeit reif für ihr neues Album: *Some Still Dance* enthält 14 Tracks, davon 10 Songs auf Englisch und vier auf Rumänisch, darunter vier neu gemasterte ältere Favoriten und der legendären ,Patrula"-Song. Das Album behandelt eine Reihe von Themen, vom Comeback der Band in ,It's A Scandal" über Überwindung von Depressionen in ,Never Give Up" bis hin zu toxischen Freundschaften in ,The End". Der Titelsong ,Some Still Dance" ist eine Hommage an den Punk-Rock und die Freunde, die ihnen durch die Jahre hindurch treu geblieben sind. Erwartet SSongs, die vom Feiern und Spaß haben bis hin zu sozialen Themen wie reichen. Das Album wurde in den Perry Vale Studios in London aufgenommen und ist dem geliebten Produzenten von ,Scandal", Pat Collier (Gründer/Bassist The Vibrators, Produzent für u.a. The Jesus and Mary Chain, X-Ray Spex, Robyn Hitchcock, Soft Boys, UK Subs und Primal Scream), gewidmet, der leider im Sommer 2024 verstorben ist. Schwarzes und mehrfarbiges Vinyl!

SCANDAL ist eine Street-Punk-Band aus dem Süden Londons, Großbritannien, die 1998 gegründet wurde und ihre Wurzeln in der rumänischen Punkszene hat. SCANDAL wurde schnell zu einer der gefeiertsten Bands des rumänischen Undergrounds, bekannt für ihre Arbeiterklassen-Hymnen und energiegeladenen Live-Shows. Ihre mitsingbaren Refrains, die sich oft um das Punk-Leben, das Trinken und die Kameradschaft drehten, wurden legendär, und die berüchtigte Anti-Polizei-Hymne ,Patrula Suge Pula" wurde zum Schlachtruf für ihre Fans (und die Unterdrückung durch die Regierung und die Bullen). Nach einer sechsjährigen Pause gingen SCANDAL 2016 nach Großbritannien und fanden mit drei der ursprünglichen Mitglieder wieder zusammen. Dort wurden sie schnell in der Szene groß, mit vielen Festivalauftritten (wie Undercover , Obscene Extreme in der Tschechischen Republik, Exit Festival in Serbien oder Rebellion/ Blackpool) sowie der *5 Seconds To Riot Euro-Tour*. Nach mehreren Underground-Veröffentlichungen und ihrem ausverkauften Debüt ,On the Roll" (2018) wurde Sunny Bastards Records auf Scandal aufmerksam und veröffentlichte 4 Songs auf der ,A handful of Punk & Oi Vol.2" Compilation. Nun ist die Zeit reif für ihr neues Album: *Some Still Dance* enthält 14 Tracks, davon 10 Songs auf Englisch und vier auf Rumänisch, darunter vier neu gemasterte ältere Favoriten und der legendären ,Patrula"-Song. Das Album behandelt eine Reihe von Themen, vom Comeback der Band in ,It's A Scandal" über Überwindung von Depressionen in ,Never Give Up" bis hin zu toxischen Freundschaften in ,The End". Der Titelsong ,Some Still Dance" ist eine Hommage an den Punk-Rock und die Freunde, die ihnen durch die Jahre hindurch treu geblieben sind. Erwartet SSongs, die vom Feiern und Spaß haben bis hin zu sozialen Themen wie reichen. Das Album wurde in den Perry Vale Studios in London aufgenommen und ist dem geliebten Produzenten von ,Scandal", Pat Collier (Gründer/Bassist The Vibrators, Produzent für u.a. The Jesus and Mary Chain, X-Ray Spex, Robyn Hitchcock, Soft Boys, UK Subs und Primal Scream), gewidmet, der leider im Sommer 2024 verstorben ist. Schwarzes und mehrfarbiges Vinyl!

SCANDAL ist eine Street-Punk-Band aus dem Süden Londons, Großbritannien, die 1998 gegründet wurde und ihre Wurzeln in der rumänischen Punkszene hat. SCANDAL wurde schnell zu einer der gefeiertsten Bands des rumänischen Undergrounds, bekannt für ihre Arbeiterklassen-Hymnen und energiegeladenen Live-Shows. Ihre mitsingbaren Refrains, die sich oft um das Punk-Leben, das Trinken und die Kameradschaft drehten, wurden legendär, und die berüchtigte Anti-Polizei-Hymne ,Patrula Suge Pula" wurde zum Schlachtruf für ihre Fans (und die Unterdrückung durch die Regierung und die Bullen). Nach einer sechsjährigen Pause gingen SCANDAL 2016 nach Großbritannien und fanden mit drei der ursprünglichen Mitglieder wieder zusammen. Dort wurden sie schnell in der Szene groß, mit vielen Festivalauftritten (wie Undercover , Obscene Extreme in der Tschechischen Republik, Exit Festival in Serbien oder Rebellion/ Blackpool) sowie der *5 Seconds To Riot Euro-Tour*. Nach mehreren Underground-Veröffentlichungen und ihrem ausverkauften Debüt ,On the Roll" (2018) wurde Sunny Bastards Records auf Scandal aufmerksam und veröffentlichte 4 Songs auf der ,A handful of Punk & Oi Vol.2" Compilation. Nun ist die Zeit reif für ihr neues Album: *Some Still Dance* enthält 14 Tracks, davon 10 Songs auf Englisch und vier auf Rumänisch, darunter vier neu gemasterte ältere Favoriten und der legendären ,Patrula"-Song. Das Album behandelt eine Reihe von Themen, vom Comeback der Band in ,It's A Scandal" über Überwindung von Depressionen in ,Never Give Up" bis hin zu toxischen Freundschaften in ,The End". Der Titelsong ,Some Still Dance" ist eine Hommage an den Punk-Rock und die Freunde, die ihnen durch die Jahre hindurch treu geblieben sind. Erwartet SSongs, die vom Feiern und Spaß haben bis hin zu sozialen Themen wie reichen. Das Album wurde in den Perry Vale Studios in London aufgenommen und ist dem geliebten Produzenten von ,Scandal", Pat Collier (Gründer/Bassist The Vibrators, Produzent für u.a. The Jesus and Mary Chain, X-Ray Spex, Robyn Hitchcock, Soft Boys, UK Subs und Primal Scream), gewidmet, der leider im Sommer 2024 verstorben ist. Schwarzes und mehrfarbiges Vinyl!

Vierzig Jahre nach ihrer Gründung und fast zwei Jahrzehnte nach ihrer letzten Veröffentlichung kehrt die legendäre Synthie-Pop-Band Propaganda zurück, um ein neues Kapitel ihrer internationalen Erfolgsgeschichte zu schreiben. Das selbstbetitelte neue Album von Ralf Dörper und Michael Mertens knüpft nahtlos an die Tiefe und Dramatik ihrer früheren Welthits an. Mit modernen Soundwelten, Zitaten und Referenzen reflektieren Dörper und Mertens aber auch ganz dezidiert die persönlichen und gesellschaftlichen Umbrüche seit ihren letzten Veröffentlichungen. Das Album wurde komplett in ihrer Homebase Düsseldorf konzipiert und produziert - eine Entscheidung, die zeigt, dass sich Propaganda ihrer Wurzeln bewusst sind. Die Produktion wird dank des Gastauftritts des gefeierten Film-Komponisten Hauschka und Gesangs der aufstrebenden Künstlerin Thunder Bae in bisher nicht gekannte Sphären geführt. Mit ihrem neuen Album haben Propaganda in einer Zeit der Vergänglichkeit etwas Authentisches geschaffen, das vom ersten Sound bis zum Ausklang der letzten Note und auch dank des Artworks einen bleibenden Eindruck hinterlässt. Das dritte Album von Propaganda ließ lange auf sich warten, aber das Warten hat sich gelohnt.