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Eine neu überarbeitete ”Island Years”-Auflage des klassischen Bob-Marley-Boxsets, zum ersten Mal auch auf Vinyl. Mit Marleys vielen Klassikern von ”Concrete Jungle” über ”Redemption Song” bis hin zu seltenen 12”-Mixen, B-Seiten, jamaikanischen Singles und Alternates. ”Songs Of Freedom: The Island Years” erscheint als 6LP-Set.

Das 6LP-Set auf schwarzem Standard-Vinyl (180 g) enthält ein 20-seitiges Booklet mit seltenen Fotos,
mehreren Essays und Titelinformationen.

No other pairing in the history of Darkwave ever matched the unfettered creativity, resolve, and DIY attitude from the collaboration between the two creative minds that compromise Lebanon Hanover.

The meeting of the Swiss musician Larissa Georgiou, aka Larissa Iceglass and British artist William Maybelline a decade ago in the latter’s hometown of Sunderland in the UK, was a monumental occasion, reverberating throughout the European music scene and even across the Atlantic.

Lebanon Hanover would emerge from the peak of the world-wide minimal wave revival, with their 2011 split 7-inch record with La Fete Triste issued as the catalog debut of Europe’s most ubiquitous Techno-Industrial EBM labels, Aufnahme + Wiedergabe

With Berlin as their new physical home, William and Larissa would soon, however, join the Fabrika Records family. From here, they would go on to release two full-length albums through the Athens based label, starting in early 2012 with their winter debut LP The World Is Getting Colder, and it’s All Hallows Eve follow up Why Not Just Be Solo.

It was Lebanon Hanover’s 2013 third studio outing Tomb for Two that would go on to cement the duo’s legacy, with the album’s single “Gallow Dance” becoming a post-punk anthem for the times, with artwork became the band’s defacto logo. Not only that, the song “Sadness is Rebellion”, also featured on the album, became the band’s official Mantra.

Two years would pass before the release of 2015’s critically acclaimed fourth record, “Besides the Abyss”. In the intervening years, William and Larissa, initially a couple, would find other partners, and relocate to Athens.

Meanwhile, Lebanon Hanover as a live act would expand rapidly in popularity, exceeding capacity during their performances at Wave Gotik Treffen in Leipzig, and performing sold-out shows across Europe and the UK.

With the playful Babes of the 80s maxi-single released in the interim, three years would pass before the next record from Lebanon Hanover, with 2018’s Let Them Be Alien, the band’s fifth studio album.

At the dawn of the global pandemic, where dystopian nightmares that were only ever seen before within the pages of books and flashes of silver screen celluloid, has become a daily reality, a new kind of darkness envelops the world. It was at this Lebanon Hanover returned, sharing a glimmer of hope with the single “The Last Thing,” the duo’s first song from their forthcoming sixth studio album Sci-Fi Sky.

Spanning an epic journey across ten tracks that wander through industrial landscapes, and ascend beyond the atmospheric aether, Sci Fi Sky is Lebanon Hanover’s most cohesive artistic statement to date. With their icy hearts on their sleeves, this is the culmination of a decade’s worth of musical creativity radiating from the minds of both Iceglass and Maybelline, and altogether an otherworldly beacon of hope in a time of sheer darkness.

Das zweite Tensnake-Studioalbum "L.A." erscheint nun endlich auf Vinyl. Benannt nach der Metropole an der US-Westküste, in der der Hamburger DJ und Produzent sechs Jahre lang eine Liebesbeziehung erlebte, huldigt Tensnake mit den 14 Tracks seine Liebe zum Pop, was sich besonders in dem Pointer Sisters-Cover "Automatic" widerspiegelt, das allein auf Spotify bereits über 5 Mio. Streams zählt und damit - nach seinem Klassiker "Coma Cat" (2010) - sein zweitmeistgestreamter Hit ist. Tensnakes Zeit in L.A. brachte ein exzellentes House-Pop-Album mit zahlreichen Vocal-Ohrwürmern und entspannten Instrumentals hervor.

Arnau Obiols und KAYYAK haben sich erst letztes Jahr über ihre Freundinnen kennengelernt, die zufälligerweise Schwestern sind. Wie man sich vorstellen kann, dauerte es nicht lange, bis sich die beiden Schwäger zum ersten Mal im Studio trafen – begleitet vom Schweizer Bassist Jules Martinet, mit Vocals des südafrikanischen Sängers B’utiza und des mosambikanischen Sängers Tcheco (Teil der legendären Band Ghorwane, Real World Records).

Die Energie wurde während der Produktion der Songs zum Leben erweckt und resultierte in zwei großartige Originale. Folkloristische Tradition in moderner Komposition, akustischen Drums, Percussion mit Acid-Elementen, Echo-Feedback und psychedelischen Klängen, alles durchdrungen mit funky Basslines.

Zusätzlich gewannen sie Kalabrese und MLiR, auf der B-Seite ihre Remix-Künste beizutragen. Beides Künstler, die Arnau und Kay besonders am Herzen liegen.

No other pairing in the history of Darkwave ever matched the unfettered creativity, resolve, and DIY attitude from the collaboration between the two creative minds that compromise Lebanon Hanover.

The meeting of the Swiss musician Larissa Georgiou, aka Larissa Iceglass and British artist William Maybelline a decade ago in the latter’s hometown of Sunderland in the UK, was a monumental occasion, reverberating throughout the European music scene and even across the Atlantic.

Lebanon Hanover would emerge from the peak of the world-wide minimal wave revival, with their 2011 split 7-inch record with La Fete Triste issued as the catalog debut of Europe’s most ubiquitous Techno-Industrial EBM labels, Aufnahme + Wiedergabe

With Berlin as their new physical home, William and Larissa would soon, however, join the Fabrika Records family. From here, they would go on to release two full-length albums through the Athens based label, starting in early 2012 with their winter debut LP The World Is Getting Colder, and it’s All Hallows Eve follow up Why Not Just Be Solo.

It was Lebanon Hanover’s 2013 third studio outing Tomb for Two that would go on to cement the duo’s legacy, with the album’s single “Gallow Dance” becoming a post-punk anthem for the times, with artwork became the band’s defacto logo. Not only that, the song “Sadness is Rebellion”, also featured on the album, became the band’s official Mantra.

Two years would pass before the release of 2015’s critically acclaimed fourth record, “Besides the Abyss”. In the intervening years, William and Larissa, initially a couple, would find other partners, and relocate to Athens.

Meanwhile, Lebanon Hanover as a live act would expand rapidly in popularity, exceeding capacity during their performances at Wave Gotik Treffen in Leipzig, and performing sold-out shows across Europe and the UK.

With the playful Babes of the 80s maxi-single released in the interim, three years would pass before the next record from Lebanon Hanover, with 2018’s Let Them Be Alien, the band’s fifth studio album.

At the dawn of the global pandemic, where dystopian nightmares that were only ever seen before within the pages of books and flashes of silver screen celluloid, has become a daily reality, a new kind of darkness envelops the world. It was at this Lebanon Hanover returned, sharing a glimmer of hope with the single “The Last Thing,” the duo’s first song from their forthcoming sixth studio album Sci-Fi Sky.

Spanning an epic journey across ten tracks that wander through industrial landscapes, and ascend beyond the atmospheric aether, Sci Fi Sky is Lebanon Hanover’s most cohesive artistic statement to date. With their icy hearts on their sleeves, this is the culmination of a decade’s worth of musical creativity radiating from the minds of both Iceglass and Maybelline, and altogether an otherworldly beacon of hope in a time of sheer darkness.

Kompakt welcomes 2021 with a new member that many of you will recognise. For over 3 decades, Orlando Voorn has been a force in dance music like few others. One of the first Dutch producers to establish a connection between Detroit and Amsterdam (check “Game One” his collaboration with Juan Atkins for Metroplex). He has recorded under a trove of alias that include Fix, Frequency, Format to name a few.

Orlando Voorn brings his extensive knowledge of Techno and House to the forefront for his Kompakt debut “Internal Destination”. We offer up the title track ahead of the 3 track EP’s February 19 release date. Spacial sounds connect perfectly together – the playfulness of the track feels like each moment is caught in mid-air but the beat keeps it all moving forward without hesitation. “Ride The Wave” rounds out this EP – an electro loop is serenaded by a funked up synth melody that jams to the drum in the most soulful of ways.

Kompakt begrüßt das neue Jahr mit einem neuen Familienmitglied, das dem ein oder anderen geläufig sein dürfte. Schon seit über 3 Jahrzehnten prägt Orlando Voorn die elektronische Tanzmusik wie wenige andere. Als erster holländischer Produzent werkelte er schon sehr früh an der Detroit - Amsterdam Achse (siehe "Game One" mit Juan Atkins oder die legendären Ghetto Brothers Releases mit Blake Baxter). Er hat unter unzähligen Pseudonymen wie Fix, Format oder Frequency Platten veröffentlicht, die heute Kultstatus haben.

Mit seinem Kompakt Debut "Internal Destination" zeigt er, dass seine Musik auch im Jahre 2021 tiefes Wissen verströmt und nichts an Relevanz eingebüßt hat. Der Titeltrack "Internal Destination" ist Groove pur. Räumliche Klänge verbinden sich perfekt miteinander - die Verspieltheit des Tracks fühlt sich an, als wäre jeder Moment in der Luft gefangen, aber der Beat hält alles ohne Zögern in Bewegung."Ride The Wave" rundet diese EP ab - ein Elektro-Loop wird von einer funkigen Synthie-Melodie begleitet, die auf gefühlvolle Art und Weise mit den Drums jammt.

Die Hot Rats waren Gaz Coombes (Supergrass) und Danny Goffey die sich den Spaß machten Songs ihrer Jugend zu covern. Überwacht hat das Ganze dann noch Star-Producer Nigel Godrich. Neben Songs von Bowie, Kinks, Velvet Underground, Sex Pistols u.a.. 180 Gr. und Clear Vinyl ersetzen die längst vergriffene Doppel-10" zum RecordStore Day 2020.

Die Hot Rats waren Gaz Coombes (Supergrass) und Danny Goffey die sich den Spaß machten Songs ihrer Jugend zu covern. Überwacht hat das Ganze dann noch Star-Producer Nigel Godrich. Neben Songs von Bowie, Kinks, Velvet Underground, Sex Pistols u.a. 2010 ging das Duo auf eine kurze Welt-Tour mit Stationen in NewYork, Mexico City, London, Paris oder auch Tokyo. Und hier wurde das lärmende Live-Vermächtnis des Duos festgehalten. 'Live In Tokyo' komm mit 15 Tracks, 180 Gr. Black Vinyl und seitlichem Obi-Strip wie sonst fast nur bei Japan-Releases üblich!

Swing From The Sean DeLear is the new four song 12-inch by Kid Congo & The Pink Monkey Birds on In The Red Records. It celebrates a dreamlike bridge between life and memory. Recorded and mixed with Jim Waters (Jon Spencer Blues Explosion, Sonic Youth, etc.) at Waterworks Recording in Tucson AZ, the track “Sean DeLear” is a tribute to the late, magical, and ubiquitous Los Angeles underground institution named Sean DeLear. This rocking song uses the metaphor of those passed on as swinging from a chandelier, a festive image everyone hopes is true! Side two of this 12-inch is a fourteen-minute psych, Chicano-groove titled “He Walked In.” The text is based on a visceral fever dream Kid had about his friend and Gun Club bandmate Jeffrey Lee Pierce, who passed away in 1996. Leading the listener back to the theme of feelings sustained between life and memory, the song dreams on as the band spreads their monkey bird wings, featuring Mark Cis-neros on flute, and guest tambourine-queen Cesar Padilla—lost in music but found in sound. In such uncertain times, one thing is most certain—Kid Congo & The Pink Monkey Birds will always bring the party...and the other world

Da ist sie endlich, die Todesliste von Audio88 & Yassin!
Seit Halleluja sind wieder vier Jahre ins Land gezogen (oder waren es fünf?) und die beiden Hassprediger stehen vor einer Welt, die sich partout nicht an die darauf formulierten Regeln für ein friedvolles Miteinander halten mag. Im Gegenteil: Menschen gehen auf die Straße, um gegen die Rücksichtnahme aufeinander zu demonstrieren, weshalb nun auf die geduldige Missionierung der konsequente Kreuzzug folgt. Wer nicht hören will, muss fühlen.
Während der langen Wartezeit wurden keine Däumchen gedreht, sondern kompromisslos an der eigenen Vision gefeilt. Unterstützt wurden sie dabei von Produzentenlegende Philipp Schwär und Genre-Größen wie Bazzazian, Farhot, Suff Daddy, Torky Tork, Ghanaian Stallion, Dienst&Schulter und den Drunken Masters. Diesmal gibt’s auf die Fresse!
Audio88 & Yassin sind immer noch dein schlechtes Gewissen, stehen bald auch vor deiner Tür und möchten wissen, auf welcher Seite der Rolltreppe du die letzten Jahre standest. Es wird abgerechnet, Team Normal ist endlich zurück!

Das Album “Todesliste” erscheint am 12.02.2021 über Normale Musik / Groove Attack.

GER Angefangen hat das alles Mitte der Achtziger in der nordhessischen Provinz, im Zonenrandgebiet (so hieß das damals offiziell) in Eschwege. Vier Jungs, die Spaß an Punkrock hatten, dazu ein gehöriges Maß an Talent und Fleiß und in Zimbl einen sehr charismatischen Frontmann und Songschreiber, in Personalunion Sänger und Bassist. Und es hat nicht nur den Bates selber Spaß gemacht, was sie da anstellten. Über die klassische Ochsentour durch Jugendzentren, kleine Clubs und Spelunken, regionale Festivals erspielten sie sich den Ruf, das Geilste zwischen Werra, Fulda und Weser zu sein, was man live erleben konnte. Es dauerte dann auch nicht lange und sie erspielten sich den gleichen Ruf im Rest der Republik. "Unfucked - Live" ist im Original in 1993 bei Snoop erschienen, ihr letztes vor dem Wechsel zur Virgin und das einzige, welches bislang nie wiederveröffentlicht wurde. Keine Ahnung warum, denn es ist ein eindrucksvolles Zeugnis, welche Kraft diese Band gerade live entwickelt hat. Die Aufnahmen selber stammen von 1992, aus dem Outpost in Göttingen und der Weinberghalle in Eschwege. Sie wurden bei Pauler Acoustics gemastert, was schon ein Qualitätssiegel ist und jetzt bei Master & Servant speziell nochmal fürs Vinyl bearbeitet.

Ubuntu Music is excited to announce the signing of Skeltr for the worldwide release of their album, ‘Dorje’. Skeltr began as a late night, post-gig session between Sam Healey (keys) and Craig Hanson (drums) in the dusty old cotton mills of Manchester. Forging a shared connection inspired by Post-bop and Modern groove, the pair developed a tightly knit, highly musical duo. Their first UK gig in 2017 at the Manchester Jazz Festival saw the duo sell all of their physical records of their debut release in one day. Within a few months of this auspicious start, the lads found themselves supporting L.A sensation KNOWER on UK tour, appearing on JazzFM, Worldwide FM, listed as ‘ones to watch’ in Jazzwise Magazine as well as performing across European jazz festivals, including Reykjavik Jazz Festival, InJazz, Rotterdam and the famous Osloscene Club in Norway. A tragic accident saw hard times fall upon the Duo as Sam suffered a serious hand injury. However, after operations and months of rehabilitation, Sam was able to return to his saxophone and continue playing music again. Having had chance to compose during rehab, the Duo immediately hit the studio and recorded their second album, named after Sam’s new-born son, Dorje. A nucleus of Saxophone and Drums set to scapes of synths, vocals and guest features, Skeltr's second album, 'Dorje', combines heartfelt statements of sensitive, illuminating, incensed improvisation which stem from ardent and fluent melodies. Craig ondrums is as much an expressive protagonist of the music as he is a foundation with deep roots, leading to intricate interplay between the Duo. Themes include understanding the nature of happiness, self-examination and acceptance in aquest to achieve a positive mental state. Ultimately, ‘Dorje’ seeks to provide the listener with a space in which to explore their own relativities with guidance, inspiration and accompaniment. Sam describes the project, saying, “What a wonderful experience it has been to create this album. We look forward to spreading the music far and wide with positive intentions. The sounds are crafted with a passionate energy in our hearts and I hope otherswill be able to feel and hear that.” Concerning Skeltr’s new relationship with Ubuntu Music, Healey continues, “It has been a three-year journey to bring this album to fruition and we’re so happy to have met Martin (Hummel) and Ubuntu Music as the album was coming to completion. This auspicious timing makes the new relationship all the more rewarding. The Ubuntu Music team’s knowledge, experience and phenomenal work ethic are vastly inspiring and will help Skeltr to reach a much wider audience across the world. We look forward to a close relationship with theLabel as we strive to bring great musical offerings to many people.” Martin Hummel, Director of Ubuntu Music, said, “These guys have breath-taking talent. I first came in touch with Sam on New Year’s Day (probably not the best day to do so) and told him what I thought of their music. It’s deep. It’s spiritual. And it shakes your senses, inside out and to your very core. Sam is meticulous in everything he does, and you can hear this in the recording. If you want to feed your soul with the best musical vibes, check this out.”

Conjuring up lush minimal soundscapes intertwined with noise elements and hard as nails riff rock, reminiscent of some kind of weird mixture between a Mondriaan and Pollock painting, H A S T is mind-blowing, ear-blowing and heart-blowing, exploring extreme dynamics, pure simplicity and everything in between.

H A S T, founded by alto saxophone player Rob Banken, is an instrumental band rooted in jazz, heavy rock and improvisation. Their signature sound can best be described as not shying away from exploratory intellect while still maintaining passages of stunning simplicity, rock riffs and free improvisation.

Ubi Sunt (Where are... they?), is part of the Latin question "Ubi sunt qui ante nos fuerunt?". (Where are those who were before us?'). This kind of questioning evolved into a stylistic figure in medieval poetry, which was mainly used in the then popular elegies (a reference to 'Elegy', the debut album of H A S T).

Originally an expression of a sense of nostalgia, it became more and more a reflection on transience and mortality. The music on 'Ubi Sunt' was written and recorded in the middle of a the coronacrisis. Ubi Sunt: "Que sont mes amis devenus. Que j'avais de si pres tenus. Et tant ames? ..." (Rutebeuf).

Recorded, produced & mixed by Koen Gisen (Nordmann, De Beren Gieren, Flying Horseman, Dans Dans, SCHNTZL, ...) at Studio La Patrie, Ghent, BE.
Mastered by Karel De Backer.

Signed to Parisian label N F rmat! (home to Oumou Sangar , Blick Bassy & M lissa Laveaux), Soweto-based 4 piece band Urban Village present their debut album, ‘Udondolo’.
Marrying the day-to-day experiences of black South Africans with ebullient elements from traditional Zulu music, Urban Village is the alias of four experimental musicians all born & raised in the township of Soweto at the tail end of apartheid.
Urban Village release music under a name which specifically references the blend of cultures, music & rites which were assimilated into the now 1 million strong population of Soweto, when black South Africans from multiple provinces were brought to the area during the establishment of apartheid, under strict segregation from Johannesburg’s white suburbs.
Born for the most part in the last years of apartheid, whilst growing up the band plunged happily into house and dance music that turned the page of a heavy past. Guitarist Lerato came across older Zulu musicians and their style of maskandi playing. Lerato has since mixed styles from homelands and rural areas, sharpened in club jam sessions (where he went on to meet Tubatsi and form Urban Village) during which spoken word, hip-hop and jazz rub shoulders freely.
‘Udondolo’ - partially recorded at legendary Downtown Studios in the heart of Johannesburg and at Figure of 8 studios in the leafy suburbs of Randburg, - is a journey through all the colours of Soweto. This is where it draws its consistency, strength & identity. That of Soweto itself - a dormitory town designed to
monitor those who were sent there, it has become a laboratory of music where the hopes of an entire people resonate, even today.

Am 15.01.2021 erscheint das posthume Debütalbum „Shoot For The Stars, Aim For The Moon“ des New Yorker Rappers Pop Smoke erstmals auf Vinyl. Das Album debütierte auf #1 der US Albumcharts und schaffte es auch in Deutschland auf #9 der Charts. Über 20 Wochen nach Release befindet sich das Album immernoch in den Top 5 der US-Albumcharts. Unter anderem sind 50 Cent, DaBaby, Lil Baby, Roddy Ricch, Future, Quavo und Swae Lee auf dem Album vertreten

Dieses Album bietet alles, wofür die Fans Stunde Null lieben: Bombastische Rock-Hymnen, gefühlvolle Balladen sowie moderne Elektronik-Einflüsse. Und die Stimmen, die sich über die fehlende Härte auf „Alles voller Welt“ beschwerten, verstummen spätestens beim ersten der vielen Double-Bass-Gewitter.

2020 - ein Jahr der Absagen, Verbote und Einschränkungen. Doch Stunde Null hießen nicht Stunde Null, wenn sie nicht auch diese Situation als Chance für etwas Neues sehen würden. Denn während 2020 für viele ein Jahr des Stillstandes ist, machen Stunde Null einen gewaltigen Schritt nach vorne und präsentieren am 29.01.2021 ihr neues Album „Wie laut die Stille schreit“.

ENDLICH....das Live-Album der Bluegrass/Folk-Helden mit 17 Songs! Vor über 6 Jahren entdeckten wir die vier Gentlemen von THE DEAD SOUTH aus Regina, Saskatchewan während der Canadian Music Week in Toronto sehr spät am Abend in einem eher spärlich gefüllten Club. Unsere Begeisterung wurde von einer Vertragsunterzeichnung begleitet und so veröffentlichten wir im November 2014 ihr Debütalbum "Good Company". Natürlich sind wir ziemlich stolz, dass wir eine Indie- Erfolgsgeschichte mit der Band schreiben konnten, die nun mit einem Doppel-Live- Album namens "Served Live" gefeiert wird. Natürlich ist die Idee nicht ganz neu, aber wenn es bei einer Band doch Sinn macht, dann bei The Dead South, denn ihre Live-Shows sind schon jetzt recht legendär und vor allem auf der Bühne zeigen sich ihre Stärken, die doch recht schwer auf einem Studioalbum zur Geltung kommen: unbändige Spielfreude, eine genre-sprengende Live-Dynamik, eine gute Prise Humor sowie ein sich gegenseitiges Pushen sind nur einige Attribute, die mir gerade so einfallen wollen. Die "Die-Hard-Fans" der Band werden natürlich nicht 100%ig zufrieden sein, da trotz lediglich drei Studioalben sicher der eine oder andere Song fehlt - mir vor allem _ÇÜGunslinger's Glory', aber dieser ist halt auch sehr lang. Auch sind einige ihrer Cover- Versionen von Bands wie den Animals, The Decemberists oder diverse Tradionals Teil ihrer Live-Sets, aber hier sollten es halt nur eigene Songs auf die Platten bzw. CDs schaffen. Die 17 Songs auf "Served Live" wurden auf 17 verschiedenen Shows mitgeschnitten, denn die Band wollte so vielen Fans wie möglich ein kleines Dankeschön sagen, aber leider hat Covid-19 diesem Unterfangen einen für uns bedeutenden Strich durch die berühmte Rechnung gemacht und es fehlen jegliche Deutschland-Shows, wohingegen USA (L.A., Seattle, Portland, Boston, Atlanta, Denver, NY), GB (Manchester, London, Newcastle, Portsmouth, Belfast, Dublin) und ihre Heimat Kanada (Edmonton, Halifax, Montreal) vertreten sind. "Served Live" ein unglaublich energetisches und authentisches Live-Dokument, das auch hiesigen Fans von The Dead South sehr viel Freude bereiten wird und ein warmes Trostpflaster für die Zeit des Wartens auf die nächste Tour.

Wer in den letzten zwei Jahren nur einmal vor einer Bühne stand, auf der Nora Steiner und Madlaina Pollina sangen und Gitarren spielten, der ahnte ja bereits, dass diese beiden Schweizerinnen Mitte zwanzig in Sachen Songwriting (... und Gesang! ... und Charisma!) in der Champions League spielen. Alle anderen werden spätestens von ihrem zweiten Album "Wünsch mir Glück" überzeugt werden. Steiner & Madlaina schreiben ihre Songtexte jeweils alleine, sind aber trotzdem schon seit ihrer Jugend eine kreative Einheit. Gerade auf diesem Album haben sie viel über die Themen und Texte gesprochen und sich gegenseitig als höchste und einzige Instanz in Sachen Qualitätskontrolle ausgetauscht.

Es ist das größte klassische Musikereignis der Welt, wird in mehr als 90 Länder übertragen und in Deutschland von mehr als 4 Millionen Menschen im Fernsehen und im Rundfunk verfolgt.Die Wiener Philharmoniker, für dieses Repertoire unstrittig das beste Orchester der Welt, präsentieren zum Jahreswechsel wieder ein heiteres und zugleich besinnliches Programm mit Walzern, Tänzen und Polkas aus dem reichen Repertoire der Johann Strauss-Dynastie und deren Zeitgenossen. Das Orchester möchte mit diesem Konzert allen Menschen einen Gruß im Geiste von Hoffnung, Freundschaft und Frieden übermitteln.Im Herzen von Wien, in einem der klangbesten und schönsten Klassik-Säle der Welt interpretiert, werden die Wiener Philharmoniker das Klassik-Jahr eröffnen, dieses Mal unter der Leitung des berühmten und exzellenten italienischen Dirigenten Riccardo Muti, dessen enge musikalische Zusammenarbeit mit dem Orchester bereits Jahrzehnte umspannt. Muti hat im Verlaufe seiner außerordentlichen Karriere die prominentesten Orchester der Welt, wie die Berliner Philharmoniker, das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, die New Yorker Philharmoniker und das Orchestre National de France dirigiert, hat aber zu den Wiener Philharmonikern ein besonders inniges Verhältnis. Er wird das interessante Programm des Neujahrskonzertes 2021 sicherlich mit italienischer "Grandezza" bereichern. Neben unsterblichen Hits wie dem "Frühlingsstimmen-Walzer" von Johann Strauss, dem "Kaiserwalzer", "An der schönen blauen Donau" und dem "Radetzky-Marsch", gibt es 2021 auch wieder zahlreiche Premieren beim Neujahrskonzert von entdeckenswerten Walzern und Polkas u.a. von Franz von Suppé, Carl Zeller, Carl Millöcker, Karl Komzák, Josef Strauss und Johann Strauss Vater.Ein eleganter, beschwingter Gute-Laune-Auftakt 2021 mit Klassik der Extraklasse!

oralle startet ins neue Jahr mit dem Release seines zweiten Albums „Fonografie“.

2020 gleichte einer Achterbahn für den italienischen Beatmaker Koralle. Seine Heimat Bologna wurde schwer COVID-19 getroffen. Währenddessen war Koralle jedoch produktiver denn je und veröffentlichte bereits acht Singles von „Fonografie“, darunter Kollabos mit Kölner Beatschmied Twit One, Londoner MC & Aktivistin Isatta Sheriff, Houston Rapper Anti Lilly und Turt von den Summers Sons. Die Singles waren ein großer Erfolg und konnten bis dato insgesamt über 2,5 Millionen Streams generieren.

„Fonografie“ besteht aus 16 Tracks mit weiteren Features und wird als digitales Album und auf Vinyl erhältlich sein.

Ein einzigartiger Künstler an einem legendären Ort: Tripping with Nils Frahm dokumentiert seine transzendentalen Liveshows in der geschichtsträchtigen Kulisse des Funkhaus Berlin. Gleich vier Shows im Funkhaus Berlin gaben den Auftakt zu Nils Frahms ambitionierter All Melody Tournee Anfang 2018, die sein gleichnamiges und allseits gepriesenes Studioalbum in den nächsten zwei Jahren auf die Bühnen dieser Welt brachte. In den folgenden über 180 ausverkauften Shows war der Ausnahmekünstler unter anderem im Sydney Opera House, in der Disney Hall in Los Angeles, im Barbican in London, in der Elbphilharmonie sowie auf zahlreichen großen Festivalbühnen zu Gast. Dennoch blieben Frahm die Konzerte im ehrwürdigen und für seine großartige Akustik gerühmten Saal 1 im Funkhaus Berlin in,mm besonderer Erinnerung.

Als Frahm ein knappes Jahr später zu vier weiteren Konzerten im Funkhaus einlud, waren die Tickets binnen Stunden vergriffen. Frahms langjähriger Freund und Filmemacher Benoit Toulemonde, der unter bereits für die Film-Konzertserie La Blogothèque mit zahlreichen weltbekannten Künstler-innen und Bands zusammenarbeitete, hielt die Abende an diesem geschichtsträchtigen Ort mit einem siebenköpfigen Kamera-Team fest.

Tripping with Nils Frahm ist ein Dokument Frahms vielfach gepriesener Fähigkeiten als Komponist und passionierter Live- Musiker sowie der besonderen Stimmung und Atmosphäre seiner legendären Funkhaus-Shows. Ein außergewöhnlicher musikalischer Trip — exklusiv und intim, roh und direkt.

"It was about time to document my concerts in picture and sound, trying to freeze a moment of this period where my team and I were nomads, using any method of travel to play yet another show the next day. Maybe tonight is the night where everything works out perfectly and things fall into place? Normally things go wrong with concerts, but by combining our favorite moments of four performances, we were able to achieve what I was trying to do in

these two years of touring: getting it right! When you hear the applause on the end of the film you should know that I was smiling happily, being a tad proud and feeling blessed to share these moments with you.

Much love, Nils"

Under the impression of the racially motivated murders on 19 February 2020 in Hanau, her hometown, the visual artist and musician Michaela Meise recorded the piece "Cemalim" by the Turk Erkin Koray in German translation. The production of the song was supported by the Städtische Galerie Nordhorn and the NS-Dokumentationszentrum München, both of which have included the work in their exhibition programmes this year.

Erkin Koray is a representative of the psychedelic Anadolu-Rock and published "Cemalim" as an arrangement in 1973. The original composer, Rafik Başaran, came from the Cappadocian town of Ürgüp, which is also mentioned in the song. "Cemalim" means, translated into German, "My darling Cemal", and is a lament for the dead. Meise wrote the German text based on the translation by Fatih Alasalvaroglu, who also comes from Hanau.

Besides the mourning of nine young people, solidarity with the relatives and friends of the murder victims is urgently needed. They have organised themselves in the "Initiative 19 February Hanau" - on their website you can find information about what support they would like to receive.

Most of the concert programme of the last two years included anti-fascist songs and was a reaction to the increasing right-wing populism. Folk songs, hits and chansons of the 1960s, published in July 2018 on the album "Ich bin Griechin" (Martin Hossbach), dealt with the experience of the Second World War, told of the longing to leave home or the experiences of a seasonal worker. The songs were composed by the anti-fascist Mikis Theodorakis, the musician Barbara, who survived the Shoah with her family in the underground, and George Moustaki and Alexandra, who crossed both national borders.

Unter dem Eindruck der rassistisch motivierten Morde am 19. Februar 2020 in Hanau, ihrer Heimatstadt, hat die bildende Künstlerin und Musikerin Michaela Meise das Stück »Cemalim« des Türken Erkin Koray in deutscher Übersetzung eingespielt. Die Produktion des Liedes wurde von der Städtischen Galerie Nordhorn und dem NS-Dokumentationszentrum München unterstützt, die beide das Werk in ihre diesjährigen Ausstellungsprogramme aufgenommen haben.

Erkin Koray ist ein Vertreter des psychedelischen Anadolu-Rock und veröffentlichte »Cemalim« im Jahr 1973 als Bearbeitung. Der ursprüngliche Komponist, Rafik Başaran, stammte aus der kappadokischen Stadt Ürgüp, von der auch im Lied die Rede ist. »Cemalim« bedeutet, ins Deutsche übersetzt, »Mein Liebling Cemal«, und ist eine Totenklage. Meise schrieb den deutschen Text auf Grundlage der Übersetzung von Fatih Alasalvaroglu, der ebenfalls aus Hanau kommt.

Neben der Trauer um neun junge Menschen ist Solidarität mit den Angehörigen und Freunden der Mordopfer dringend notwendig. Sie haben sich in der »Initiative 19. Februar Hanau« organisiert – auf ihrer Website finden sich Informationen, welche Unterstützung sie sich wünschen.

Meises Konzertprogramm der letzten zwei Jahre umfasste anti-faschistische Lieder und reagierte somit auf den zunehmenden Rechtspopulismus. Volkslieder, Schlager und Chansons der 1960er Jahre, erschienen im Juli 2018 auf dem Album »Ich bin Griechin« (Martin Hossbach), verarbeiteten die Erfahrung des Zweiten Weltkrieges, erzählten von der Sehnsucht, die Heimat zu verlassen oder den Erfahrungen eines Saisonarbeiters. Die Lieder stammten vom Antifaschisten Mikis Theodorakis, der Musikerin Barbara, welche die Shoah mit ihrer Familie im Untergrund überlebte, sowie von George Moustaki und Alexandra, die beide nationale Grenzen überschritten.
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68 SOFT ROCK MASTERPIECE - UBER RARE MONO MIX!
Take A Picture blends Margo’s infectious and highly intelligent songcraft with her absolutely unique voice - equal parts girl group innocence and seductive torch. One of the most endearing and delicious soft rock records from its era, this unique mono mix was previously only available as a radio station promo!

The latest signing to Parisian label No Format! (home to Oumou Sangaré, Blick Bassy and Mélissa Laveaux), Soweto-based 4 piece band Urban Village will release their debut album "Udondolo". Marrying the day-to-day experiences of black South Africans with ebullient elements from traditional Zulu music, Urban Village is the alias of four experimental musicians all born & raised in the township of Soweto at the tail end of apartheid; Urban Village release music under a name which specifically references the blend of cultures, music & rites which were assimilated into the now 1 million strong population of Soweto, when black South Africans from multiple provinces were brought to the area during the establishment of apartheid, under strict segregation from Johannesburg's white suburbs. Born for the most part in the last years of apartheid, whilst growing up the band plunged happily into house and dance music that turned the page of a heavy past. Guitarist Lerato came across older Zulu musicians and their style of maskandi playing. Lerato has since mixed styles from homelands and rural areas, sharpened in club jam sessions (where he went on to meet Tubatsi and form Urban Village) during which spoken word, hip-hop and jazz rub shoulders freely. "Udondolo" - partially recorded at legendary Downtown Studios in the heart of Johannesburg and at Figure of 8 studios in the leafy suburbs of Randburg - is a journey through all the colours of Soweto. This is where it draws its consistency, strength & identity. That of Soweto itself - a dormitory town designed to monitor those who were sent there, it has become a laboratory of music where the hopes of an entire people resonate, even today.

Founded in 1996 by the German-Nigerian lead singer Ade Bantu, his brother Abiodun Odukoya and Patrice, BANTU have been one of the West African acts transforming the legacy of King Sunny Adé and Fela Kuti into the soundtrack of the continent. The group is distinguished by the fact that while created and fronted by vocalist Ade Bantu, it is unmistakably a collective, collaborative effort. When you have a band this strong, this tight where everyone gets to shine, magic happens. And once again with this new album, the 13-piece ensemble is pushing the boundaries of funkiness and political prowess for contemporary music, in Africa or globally.

From their first release, “No Vernacular in 1996 to the present, BANTU has scored a series of hits across Europe and Africa garnering major awards. Indeed, the list of artists who've collaborated with BANTU is a testament to the power, originality and talent of the band: an international cornucopia including UB40, Tony Allen, Orlando Julius, Brothers Keepers (which they created), Gentleman, Ebenezer Obey and Burna Boy just to name a few. These collaborations helped the band earn several major Continental awards, including the Kora Awards (the Pan African equivalent of the Grammys) for “Best Group West Africa” and “Best Group Africa”.

Their latest release Everybody Get Agenda is nothing short of a musical sensation - Afrobeat, Funk and Soul seamlessly flow into one another as they merge with Jazz, Highlife, Hiphop and Yoruba music. The lyrics address issues around corruption, injustice, migration, xenophobia and urban alienation while a guest appearance by Seun Kuti on “Yeye Theory” rounds up this solid long player. There is no doubt that with Everybody Get Agenda BANTU has not just charted new musical territory but reached it and planted the flag.

Die Wiener Künstlerin Conny Frischauf verbindet in ihren Stücken Elemente aus Kraut, Leftfield Electronica und Synth Pop zu einer Musik, die Traditionen zwar spielerisch aufnimmt, diese jedoch gänzlich neu verhandelt und in einen gegenwärtigen, frischen Klang überführt. Nach Veröffentlichung der beiden EPs "Effekt & Emotion" (International Major Label, 2018) und "Affekt & Tradition" (Kame House, 2019) legt sie mit "Die Drift" nun ihr Debütalbum vor. Darauf gelingt es Frischauf experimentelle Soundstrukturen in den Mikrokosmos eines Pop-Songs zu einzubetten und daraus ein Album zu formen, das die klangliche Tiefe einer freien Musik besitzt und dennoch durch einen unwiderstehlichen Pop-Appeal auch auf einer sehr unmittelbaren Ebene funktioniert.

Wer nach einer Beschreibung für Mario Rom's INTERZONE sucht, stößt unweigerlich auf Superlative. "Mario Rom spielt Soli, die in Europa ihresgleichen suchen - ruhig, beharrlich, ideenreich, virtuos" schrieb beispielsweise die ZEIT. Die Süddeutsche Zeitung ging sogar noch einen Schritt weiter: "Rom spielt Trompete, als hinge sein Leben davon ab. Was Interzone an Einfällen und Inspirationen in einen einzigen Titel packen, davon füttern andere Instrumentalisten ihre gesamte Karriere." Solch euphorische Reaktionen von einigen der wichtigsten Vertretern des deutschsprachigen Feuilletons sind gewiss keine Selbstverständlichkeit für eine Österreichische Band mit einem Altersdurchschnitt von knapp über 30 Jahren. Und wirklich hat das aus Mario Rom, Lukas Kranzelbinder und Herbert Pirker bestehende Dreiergespann binnen kürzester Zeit ungewöhnlich große Aufmerksamkeit von Publikum und Medien rund um den Globus erhalten. So schreibt beispielsweise der Hauptkritiker des renommierten Rochester Jazz Festivals in New York nach einem Konzert des Trios von "einem der unterhaltsamsten und spannendsten Acts des diesjährigen Festivals" und geht sogar so weit zu behaupten, er habe "noch nie, egal wo auf dieser Welt, eine Gruppe von Musikern gehört, die - im wahrsten Sinne des Wortes - so unglaublich miteinander spielen' wie dieses Trio."

In unserer heutigen Kultur der permanenten öffentlichen Entblößung ist es selten, dass Künstler sich dazu entschließen sich am Licht der Öffentlichkeit vorbeizuschleichen. Das maskierte, schwedische Psych-Kollektiv GOAT ist da eine Ausnahme und wohl eines der großartigsten Popkultur-Mysterien der Welt. Ihr neues Album "Requiem" wirft dabei mehr Fragen auf als dass es sie beantwortet. Die einzige Erklärung, die die Band zu ihrem neuen Album abgibt ist, dass es sich dabei um ein "Folk-Album" handele und es sich mehr auf idyllischen Ritualismus als auf Acid-Freakouts konzentriere. Songs wie "Try My Robe" beschwören wieder einmal das heißblütige Pulsieren herauf, das uns schon 2012 mit "World Music" und 2014 mit "Commune" verführt hat.

"From Nishinari Osaka Japan Weird Wild Obscure Spooky exotica burlesque toy junk Muzak Trash One Man Band music made with broken cassette desks and fucked up record players feat members of (Acid Mother Temple)" - VRR 20202 Vinyl LP, starker Karton, bedruckte Innenhülle, Download inklusive. Willkommen in der wilden obskuren und seltsamen Welt von DEGURUTIENI und seiner ONE MAN BAND. teuflisch exotischer Striptease Kinder Spielzeug Krach mit ausgedientes Tonbandgerät und zerbrochenen Plattenspielern mit Mitgliedern von ua Acid Mother Temple in einigen Songs. Dies hier ist eine Zusammenstellung mit älteren Songs (selbst Veröffentlichungen und auf kleinst Labels) und viele neue Songs die noch nie vorher veröffentlicht wurden. Ich dachte, es ist an der Zeit, dass die Welt etwas über DEGURUTIENI erfährt (ich hatte Wochen, bis ich seinen Namen richtig buchstabieren konnte, hahaha ) Er tourt ständig durch die ganze Welt (pre Covid-19) und tritt in regulären Konzertsälen sowie in Theatern, Kunstgalerien oder sogar auf der Straße auf. wenn man ihn zum ersten mal sieht ist es eine Lebens Erfahrung die man nicht wider vergisst und es bleibt ein großes Lächeln im Gesicht und ein verzerrtes Fragezeichen in deinem Gehirn. Alco Degurutieni wurde Ende der 60er Jahre im Nishinari Ghetto von Osaka geboren (Alco Degurutieni: Diese Zeit in den 1970er Jahren war eine harte Zeit für alle, einmal im Monat Unruhen auf den Straßen. Rot Licht viertel Prostitution und die Yakuza-Mafia waren uns vertraut. Diese Erinnerungen an ein jugendliches Chaos sind seitdem ein Katalysator für mein Peter-Pan-Syndrom.) Degurutieni schafft Harmonie durch Gegenüberstellung, indem er ihnen Melodie aus Chaos und Dekadenz aus Abfall extrahiert. Mit 13 Jahren bekam er seine erste Boombox und wurde der beste Kunde in seinem örtlichen Leih-Platten und Trödler laden. Er arbeitete sich durch alle Genres von den Beach Boys bis zum Black Sabbath. Ab 16 Jahren begann er, seine eigenen Songs mit den einzigen Dingen zu kreieren, zu denen er Zugang hatte; Müll, umgebaute Kinderspielzeuge und ein ausgedientes Tonbandgerät. All dies spielt noch heute eine wichtige Rolle in seiner Musik. Auf diesem Album findest du ,Acme in the afternoon, ein komplett Hit, Tom Waits Blues Jazz Burlesque, dann mit ,Blur Blur Blur, hörst du ihn super minimalistisch und verloren im All Blues, oder den unglaublichen ,Midnight Express' mit einem orientalischen Trash-Flair der dich in einen neuen Blade Runner film katapultiert, und Zigeuner Fanafare und Rock'n'roll in ,13th Floor City ' zusammen mit: Orchester du Belgistan (aus Belgien) oder mein favorit ,Dreaming party' das wie ein psychedelischer horror film Soundtrack daher kommt LINE UP Alco Degurutieni (mostly all instuments) aditional Musissians on the Album Jyonson Tsu (ACID MOTHERS TEMPLE) Machiko Kuniki (Sujiko Sumoguri) Akiyoshi Kajitani (MOHIKAN FAMILIES) Atsushi Sekitani Watanbe (BRO TÜRK,PATO LOL MAN) Naoya Takami (Ichibanboshi Crue) Kwandae Park (UMA UMA UMA) Akira Ohno Tadahiro Ishihara Keigo Matsunaga (Rock'n'TASUKE'Roll & THE CAPTAIN SWING,MOHIKAN FAMILY'S) Tom Manoury (Orchestre du Belgistan) Mbengue Ndiaga Jordi Grognard (YOKAI) Akiko Igaki (TAYUTAU,COLLOID) Kiri Mochida Takeo Touyama (PATO LOL MAN) Shuichi Hirose (HUMNED) Takeo Touyama (PATO LOL MAN)

"La Di Da Di" ist Antrieb, Aufschrei und Rätsel zugleich, nachdem die Battles die heillos verworrenen Drähte ihrer beiden Vorgänger "Mirrored" und "Gloss Drop" ausstöpselten und gegen die Wand schleuderten. Wie der Titel schon andeutet, ist "La Di Da Di" ein spriessender Monolith aus Repetition. Ein organisch-technoides Soundgeflecht aus fast unendlichen Loops, die sich der Einheit und Gleichmässigkeit verweigern. Geblieben ist allein das rhythmische Genie der Battles - frontal, überhöht, unversöhnlich: der Spießrutenlauf, den Melodie und Harmonie zurücklegen müssen, während sie bei jeder Drehung attackiert werden.

- Limited edition, 180g heavy, weisses Vinyl, extra-großes, gefaltetes Booklet, Cover Sleeve mit Mittelloch auf der Rückseite

Die Geschichte Von Lambchop Ist Die Der Steten Veränderung Und Weiterentwicklung. Was Vor Fast 30 Jahren Im Keller Von Kurt Wagner Begann Und Von Ihm Selbst Scherzhaft Als most Fucked-up Country Band In Nashville' Bezeichnet Wurde, Hat Sich Inzwischen Nicht Nur Als Eine Der Dienstältesten Sondern Auch Innovativsten Bands Der Us Amerikanischen Musikszene Etabliert. Seit Jeher Verbinden Lambchop Unterschiedlichste Genres Wie Folk & Country, Mit Soul Und Urban Electronica Zu Einem Ganz Eigenen, Unnachahmlichen Sound. Kein Lambchop-album Klingt Wie Das Andere, Aber Jedes Klingt Immer Unverwechselbar Nach Lambchop. Nach Ihrem Wegweisenden Album - flotus (2016) Hat Die Band Aus Nashville Jetzt Ein Neues Album Für Den 22.03.2019 Angekündigt. Für this (is What I Wanted To Tell You)' Arbeitete Kurt Wagner Mit Matthew Mccaughan (bon Iver, Hiss Golden Messenger) Zusammen, Der Ihn Auch Als Teil Des Lambchop Live Ensembles Im April Auf Tour Begleiten Wird.

Im Sommer 2017 Machte Sich Wagner Auf, Über Die Blue Ridge Mountains In Richtung North Carolina, Zum Geburtstag Seines Langjährigen Freundes Und Chef Des Merge Labels: Mac Mccaughan. Dort Traf Er Auf Seinen Jüngeren Bruder Matt Mccaughan, Der Das Letzte Jahrzehnt Als Schlagzeuger Für Bon Iver Und Hiss Golden Messenger Verbrachte. Matt Und Kurt Kannten Sich Schon Viele Jahre, Aber Erst An Diesem Abend Beschlossen Sie Zusammen An Musik Zu Arbeiten. Wagner Schickte Mac Neue Songideen Und Mccaughan Schickte Wagner Synthesizer-stücke Zur Inspiration. Schließlich Gingen Beide Gemeinsam In Nashville Ins Studio, Pedal Steel Und Piano Und Der Harmonika Von Nashvilles Legende Charlie Mccoy, Die Diesen Schwarz-weißen Skizzen Leben Einhauchte.

Das Ergebnis Ist "this (is What I Wanted To Tell You)", Ein Album, Ergreifend Ehrlich, Atemberaubend, Wunderschön Und Überraschend. Aber Lambchop Sind Nicht Immer Nur Für Eine Überraschung Gut, Sondern Überraschen Immer Wieder Mit Verdammt Guten Songs. Wenn Kurt Wagner Etwas Zu Sagen Hat, Hören Wir Natürlich Hin, Das Sollten Sich Alle Zu Herzen Nehmen. Diese Platte Muss Man Einfach Hören!

Heute Gibt Es Die Erste Single Aus Dem Album: the December-ish You' Eine Verblüffende Mischung Aus Bewährt Emotionalen Slide-guitar Und Pianoflächen Alter Lambchop-schule Und Effektiven Pvc Pop Beats, Claps Und Samples, Über Die Kurt Wagner Die Melancholischste friday Night Fever' Ballade Der Dekade Croont.

Floating Points remixt „Fair Chance“ (feat. Ty Dolla $ign & Lil B) aus Thundercats aktuellem Album „It Is What It Is“, das Anfang April bei Brainfeeder erschien!

Im April, als sich die Welt in einer Spirale von COVID-19-Kontaktbeschränkungen befand, veröffentlichte Thundercat sein plötzlich so treffend betiteltes Album, „It Is What It Is“, mit musikalischen Beiträgen von u.a. Flying Lotus, Childish Gambino, Kamasi Washington, Steve Lacy, Steve Arrington, BADBADNOTGOOD, Louis Cole, Zack Fox, Ty Dolla $ign und Lil B. Das letztgenannte Paar waren zu Gast auf der Single „Fair Chance“, ein Lied, das eine eher düstere Seite des Albums widerspiegelt und ausdrücklich dem Gedenken an Mac Miller gewidmet war, der 2018 auf tragische Weise verstarb. Jetzt ist der vielgeachtete britische Produzent Floating Points an der Reihe, seinen Ansatz an „Fair Chance“ zu teilen und die Ballade mit einer fabelhaften Überarbeitung auf die Tanzfläche zu bringen, die an klassischen four-to-the-floor UK Garage erinnert.

Für "No Eye Has An Equal", einer "Reflektion darüber, wie Vielfalt einen Sinn für Unendlichkeit kreieren kann", gräbt der italienische Komponist Giulio Aldinucci tief in sein umfangreiches Archiv electroakustischer Kompositionen und präsentiert vier radikale Rekonzeptualisationen seines eigenen Materials. Jede ist für sich ein Blick in tiefe, persönliche Atmosphären, die Aldinucci seit über einer Dekade mit seinen Kompositionen kreiert und perfektioniert. Empfohlen für Fans von Steve Reich, Kara Lis Coverdale, William Basinski, Tim Hecker und Deepchord.

“We have always been very fortunate to meet and know many talented producers. In recent years, we have been exploring those relationships with different remixes and collaborations, and every time something exciting came out. That’s why we started our Synchronicity project. To challenge ourselves making inspiring, fun and beautiful music.‘Synchronicity’ means "the simultaneous occurrence of events which appear significantly related but have no discernible causal connection. This very well describes how our path led to the place we are now – somewhere between the club and indie scenes.” – WhoMadeWho

KOMPAKT welcomes back Copenhagen’s WhoMadeWho. Tomas Barfod’s penchant for electronic music poetically juxtaposed with Tomas Høffding and Jeppe Kjellberg’s respective backgrounds in rock and jazz, gives their music an electrifying combination of sounds, merging a variety of influences to produce a unique sonic fingerprint that is emotive, irresistible and immensely satisfying.

Though we both have yet to strike a note together since the release of their 2012 full length “Brighter” (KOM 254), WhoMadeWho have been remarkably productive. With two full lengths, a DJ mix for Watergate’s series and releasing two of 2019’s most played out club tracks together with Rampa (Innervisions) and Artbat (Watergate Records), the trio have found themselves diving more and more into the world of electronic music, tapping into their goldmine of connections within the scene to spearhead an array of collaborations.

Synchronicity is all about ‘meaningful coincidences’ – bringing interpretation to bear on connections that have no actual causal relationship. It’s a canny concept to pin onto Copenhagen trio WhoMadeWho’s latest album, which sees them return to Kompakt for the first time since 2012’s Brighter.

This re-established connection helps us to understand the synchronicity at play, the way that the WhoMadeWho core ave built an album around collaboration with friends and peers, much as Kompakt is all about cross-connections and family. On Synchronicity, WhoMadeWho call on friends old and new – Michael Mayer, Echonomist, Adana Twins, Alex Boman, Robag Wruhme, Frank Wiedemann, Sainte Vie, Mano Le Tough, Marc Piñol, Rebolledo, and Perel is the cast list; WhoMadeWho direct the material, shaping it into one lovingly flowing gem of dance-pop glory.

There’s something particularly generous about hearing an album as all-inclusive and open-hearted as Synchronicity in the midst of the profound social and cultural shifts we’re currently experiencing. While some songs on Synchronicity were recorded together, in real time, such as the collaborations with Adana Twins and Rebolledo, most of them have taken place via long distance, thanks to the pandemic lockdown. But you don’t need to know who was where to understand either the magnesium-flare melancholy of “Sooner”, recorded with Piñol, which has you holding your breath with the gentle thrill of the song’s lush melody, or the stomping strut of the following Adana Twins collaboration, “Shadow Of Doubt”.

Elsewhere, there’s the stentorian robot voice at the heart of “Hamstring”, where they’re joined by Michael Mayer; the lustrous headsoak of “Twenty Tears”, a tender intervention by Rebolledo; the strip-light, slow-motion disco strut of “Cecil”, produced alongside Echonomist; or the glittering, arpeggio dreamwork that Perel helps sculpt into shape on “Der Abend birgt keine Ruh.”… Really, there’s so much to celebrate here, a panoply of pleasures. From pop revelations to dancefloor delirium to slow-burning brooders, Synchronicity is just that; a space for the joys of the unexpected to collide, and to be given meaning by their coincidental co-existence in WhoMadeWho’s beautiful world.

"Wir hatten immer schon das Glück, viele talentierte Produzenten kennenzulernen. In den letzten Jahren haben wir diese Beziehungen durch verschiedene Remixe und Kollaborationen vertieft und jedes Mal kam etwas Aufregendes dabei heraus. Aus diesem Grund haben wir unser Synchronicity-Projekt gestartet: um uns selbst herauszufordern inspirierte, lustige und schöne Musik zu machen. “Synchronizität” bedeutet das gleichzeitige Auftreten von Ereignissen, die scheinbar in einem signifikanten Zusammenhang stehen, aber keinen erkennbaren kausalen Zusammenhang haben. Das beschreibt sehr gut, wie unser Weg zu dem Ort geführt hat, an dem wir jetzt sind - irgendwo zwischen der Club- und der Indie-Szene". – WhoMadeWho

KOMPAKT freut sich über Rückkehr der Kopenhagener Band WhoMadeWho. Tomas Barfods Vorliebe für elektronische Musik im poetischen Kontrast zu Tomas Høffding und Jeppe Kjellbergs jeweiligem Hintergrund im Rock und Jazz macht ihre Musik zu einem elektrisierenden Konglomerat, in das verschiedene Einflüsse zu einem einzigartigen klanglichen Fingerabdruck verschmelzen: gefühlvoll, unwiderstehlich und immens befriedigend.

Obwohl wir seit der Veröffentlichung von "Brighter" (KOM 254) in 2012 keine gemeinsamen Dinger gedreht haben, waren WhoMadeWho in der Zwischenzeit bemerkenswert produktiv. Mit zwei Full-Length-Alben, einem DJ-Mix für die Watergate-Reihe und der Veröffentlichung von zwei der meistgespielten Clubtracks aus dem Jahr 2019 zusammen mit Rampa (Innervisions) und Artbat (Watergate Records), taucht das Trio mehr und mehr in die Welt der elektronischen Musik ein. Für ihre Kollaborationen greifen WhoMadeWho immer wieder auf ihre Goldgrube an Bekanntschaften innerhalb der Szene zurück.

Bei “Synchronicity” geht es um "sinnvolle Zufälle" - also um die Interpretation von Verbindungen, die keinen tatsächlichen Kausalzusammenhang haben. Es ist ein ausgeklügeltes Konzept, das dem neuesten Album des Kopenhagener Trios WhoMadeWho anheftet: Diese wieder hergestellte Verbindung hilft uns, die Synchronizität im Spiel zu verstehen; die Art und Weise, wie WhoMadeWho ein Album um die Zusammenarbeit mit Freunden und Gleichgesinnten herum aufgebaut hat: schließlich geht es auch bei Kompakt um Querverbindungen und Familie. Auf Synchronicity richten sich WhoMadeWho an alte und neue Freunde: Michael Mayer, Echonomist, Adana Twins, Axel Boman, Robag Wruhme, Frank Wiedemann, Terr, Sainte Vie, Mano Le Tough, Marc Piñol, Rebolledo und Perel stehen auf der Liste. Das Trio führt Regie und sorgt für den Feinschliff. Das Ergebnis: ein echtes Juwel aus Dance, Pop und Glorie.

Inmitten der tiefgreifenden sozialen und kulturellen Veränderungen, die wir derzeit erleben, ist es etwas Besonderes, ein Album zu hören, das so offenherzig ist wie “Synchronicity”. Zwar wurden einige Songs gemeinsam und in Echtzeit aufgenommen – etwa die Kollaboration mit den Adana Twins und Rebolledo – die meisten Sessions fanden aufgrund der Pandemie jedoch über größere Entfernungen statt. Letztlich muss man aber gar nicht wissen wer wo war, um die Melancholie von "Sooner" mit Marc Piñol zu verstehen und im sanften melodischen Rausch des Liedes den Atem anzuhalten. Auch die eher brachiale Energie der darauf folgenden Adana-Twins-Kollaboration , "Shadow Of Doubt" vermittelt sich eingehend über die soziale Distanz hinweg.

An anderer Stelle ertönt die schallende Roboterstimme im Herzen von "Hamstring", wo sich Michael Mayer zu ihnen gesellt; die schimmernden "Twenty Tears", einer zärtlichen Intervention von Rebolledo; der Zeitlupen- Disco-Nummer "Cecil", die zusammen mit Echonomist produziert wurde; oder der glitzernde Arpeggio-Traum, den Perel in "Der Abend birgt keine Ruh" in Form bringt.. Ja, es gibt tatsächlich einiges zu feiern: Von Pop-Enthüllungen über Dancefloor-Delirium bis hin zu Stücken, die sich ihre Zeit nehmen - Synchronicity bietet Platz für all das; das Album spendet Raum, in dem die Freuden des Unerwarteten aufeinanderprallen und durch ihr zufälliges Nebeneinander in der Welt von WhoMadeWho Sinn ergeben.

In March of 2020 bassist Dezron Douglas & harpist Brandee Younger were nestled in their apartment in Harlem, New York, not long after every live concert in the world was cancelled and most folks in the United States were forced to shelter in place for the covid lockdown. With all their gigs cancelled and their incomes strapped.. the two came up with an idea. They would host a live-stream performance from their living room, where they would perform classic tunes for friends and family to watch online, and folks could send them donations. They called it “Force Majeure: Brunch in the Crib with Brandee & Dezron,” the first part in homage to the ubiquitous contract clause that never seems to have any use (except all of sudden, c/o a covid-induced live music industry collapse). The immense popularity of their first performance roped them into doing it again, and again, until it eventually became a weekly ritual for Douglas, Younger, and their many friends and family who tuned in every Friday morning (ourselves included). Knowing the beautiful, natural sound they made in their living room would be as enjoyable (or more) as a record as it was through a social media stream… we mailed them a microphone to record themselves. What’s heard on this album, Force Majeure, is a collection of highlights from Douglas & Younger’s legendary lockdown livestream brunch sessions. It includes gorgeous interpretations of songs by Alice & John Coltrane, The Stylistics, The Jackson 5, Pharoah Sanders, Kate Bush, Sting, and The Carpenters… plus some solid gold nuggets of their banter between tunes. It’s an uplifting suite of real, soulful comfort music – a spiritual salve, emanating warmth from the hearth of a Harlem sanctuary.

Dezron Douglas & Brandee Younger are long time companions in life and in music. The two East Coast natives met early in life and have accompanied each other, personally and professionally, through their equally prolific careers. Douglas, a bassist who has established himself as a musician’s musician, is known to many for his work with Pharoah Sanders, Ravi Coltrane, David Murray, and Keyon Harold. Younger, a harpist who has distinguished herself as one of the premiere voices in her field, is known for her work with Jack DeJohnette, Charlie Haden, Stevie Wonder, The Roots, Lauryn Hill, and Moses Sumney. To the day Douglas and Younger often accompany each other in many of the ensembles they lead, respectively. The two played together in sessions for Makaya McCraven’s 2018 release Universal Beings, on which they are both featured artists. Of Force Majeure, McCraven says: “It’s a testament to the power of music to uplift us through the most challenging times.

Krautrock, das fällt einem bei dem Namen Joachim Witt nicht grade als erstes ein, auch nicht hinterher, eigentlich gar nicht. Und dennoch ist Witt ein Veteran des deutschen Kunstrocks der 70er Jahre. Genre-Fans erinnern sich gern an die Band „Duesenberg“ (benannt nach der US-amerikanischen Automarke) und Witt war ein Drittel des Ender der 70er für Aufsehen sorgenden Trios.

Von US-amerikanischen Westcoast-Rock mutierte Witt In den frühen 80er Jahren zum Top Star der aufblitzenden Neuen Deutschen Welle. Sein Evergreen "Der goldene Reiter" (Nr. 2), der einen schizophrenen Menschen skizziert wird zu einem der wichtigsten Titel der NDW-Bewegung. Als gegen Ende der 80er Jahre der NDW-Sound langsam verschwand, verschwand sein Star – bis er sich 1998 zur Überraschung der breiten Öffentlichkeit wieder erhebt. Mit seinem neuen Partner Peter Heppner, der sich mit der Band Wolfsheim bereits einen Namen gemacht hat, schickt Witt sich an neues Terrain zu erobern. Das mystische, im angesagten „gotischen Sound“ vorgetragene Opus "Die Flut" begeistert zuerst die Goth Szene, dann schließlich ganz Deutschland und landet auf Platz 2 der Verkaufs-Charts. Auch das Album „Bayreuth Eins“ wird zum Bestseller und Platin Erfolg. Das Album ist noch immer ein Klassiker und gilt zusammen mit dem nachfolgenden Album „Bayreuth Zwei“ als Vorläufer der anschließend aufkommenden Strömung “Deutscher Dance Metal“, oder des auch als “Neue Deutsche Härte“ bezeichneten Trends, deren spätere Vertreter Top-Acts wie OOMPH! oder RAMMSTEIN sind.

Die Original LP „Bayreuth Eins“ ist seit langem vergriffen und „Bayreuth Zwei“ ist nie vorher als Schallplatte erschienen. Zwei Klassiker in der Wiederauferstehung, einer davon sogar als Premiere auf Vinyl.

Vor 25 Jahren, am 25. September 1995, wurde die Tür zu einer neuen Ära aufgestoßen, die die Rockmusik sowohl in Deutschland als auch global nachhaltig beeinflussen sollte: Die Berliner Band Rammstein veröffentlichte an diesem Tag ihr Debütalbum ”Herzeleid”. Aus Anlass dieses Jubiläums geben Rammstein und Vertigo Berlin/Universal Music am 04.12.2020 limitierte und remasterte Ausgaben dieses innovativen und bahnbrechenden Erstwerkes auf CD und Vinyl heraus. Unter dem Titel ”Herzeleid (XXV Anniversary Edition - Remastered)” wird das Album mit seinem originalen Tracklisting als Einzel-CD samt aufwändigem Kreuz - Digipack in einem Deluxe-Schuber erhältlich sein, wohlgemerkt erstmals in remastertem HD-Sound. Außerdem wird eine Doppel-LP, ebenfalls im Schuber, mit 180 Gramm-Schallplatten in blauer Splattered Vinyl-Optik aufgelegt. Die komplett überarbeitete Verpackung mit zahlreichen neuen Komponenten stammt vom ursprünglichen Artwork-Designer Dirk Rudolph. Die Booklets sind zudem mit den Original-Bildern des Fotografen Praler ausgestattet. Beide CD- und LP-Editionen sind streng limitiert.