Поиск:tom ware

Die mehrfach preisgekrönte norwegische Jazzsängerin und Songwriterin Silje Nergaard präsentiert ihr neues Album "Tomorrow We'll Figure Out the Rest". Dies ist eine zutiefst persönliche Hommage an ihre Eltern und eine musikalische Reise, inspiriert von Erinnerungen, Momenten mit ihrer Familie und Szenen aus ihrem Leben."'Tomorrow We'll Figure Out the Rest' ist nicht nur der Titel eines Albums, sondern auch das, was das Leben im Moment ausmacht - die Erlaubnis, nicht alles perfekt durchdacht haben zu müssen", erklärt Silje Nergaard. "Diese Inspiration stammt aus einer Quelle, die mir sehr nahesteht: meinen Eltern. Sie haben mir gezeigt, wieviel Freude die Musik in ein Zuhause bringen kann - die Freude und auch die Traurigkeit, die sie in unsere Herzen bringt. Sie haben mir beigebracht, dass das Leben nicht immer bis ins letzte Detail geplant sein muss."Mit ihrer besonderen Fähigkeit, bewegende Geschichten mit Musik zu erzählen, vereint Silje auf "Tomorrow We'll Figure Out the Rest" intime Jazzklänge mit orchestralen Arrangements. Dabei wird sie von führenden europäischen Jazzmusikern begleitet, darunter Helge Lien (Piano), Jarle Vespestad (Schlagzeug), Finn Guttormsen (Bass), George (Jojje) Wadenius (Gitarre) und Håkon Kornstad (Saxophon). Ergänzt wird das Ensemble durch das renommierte Stavanger Symphony Orchestra, dirigiert von Vince Mendoza, der die emotional-farbigen, bisweilen geradezu cineastischen Orchesterarrangements für das Album komponiert hat. Mendoza und Nergaard arbeiteten bereits bei dem Grammy-nominierten Album "A Thousand True Stories" zusammen.Besonders bewegend sind die persönlichen Einblicke, die Silje Nergaard in dieses Album eingebaut hat: "Es hat ein paar kleine Momente, die zeigen, wie mein Leben als Kind aussah. Ich habe eine alte Kassette gefunden, auf der ich mit meinem Vater spreche - da war ich gerade mal fünf Jahre alt. Darauf singen meine Schwester, meine Eltern und ich zusammen. Diese Aufnahmen haben mich tief berührt, und ich freue mich, sie mit euch teilen zu können."Das Album vereint die intime Atmosphäre eines Kammer-Jazzensembles mit dem majestätischen Klang eines großen Orchesters. Silje Nergaard beschreibt es als eine Sammlung von Erinnerungen, die die Vergangenheit feierlich nachvollziehbar machen, aber auch einen hoffnungsvollen Blick in die Zukunft werfen. "Das Cover des Albums zeigt ein altes Foto meiner Eltern, als sie jung und frisch verliebt waren - ein Moment purer musikalischer Freude, ohne Gedanken an den nächsten Tag. Dieses Bild und diese Stimmung haben mich inspiriert."Mit "Tomorrow We'll Figure Out the Rest" zeigt Silje Nergaard einmal mehr, warum sie zu den herausragendsten Künstlerinnen der Jazzszene gehört: persönlich, authentisch und musikalisch brillant.

Cactus Lee ist texanische Musik in ihrem Kern, eine Mischung aus Austin-Nachtclub-Vibes und staubiger Dancefloor-Energie. Cactus Lee ist ein Projekt des Austiner Songwriters Kevin Dehan und spiegelt eine tiefe Liebe zu texanischen Country-Songwritern wider, die mit dem kühnen Geist von Outlaw- und Outsider-Einflüssen verwoben ist. Mit einem Sound, der gleichzeitig kindlich, verträumt und scharfsinnig ist und an Ikonen wie John Prine und Tom T. Hall erinnert, hat sich Cactus Lee seit seiner Gründung 2019 eine unverwechselbare Nische in der Musikwelt geschaffen. Über sechs Alben, darunter zwei Veröffentlichungen im Jahr 2023, ein Live-Album und mehrere EPs, waren Dehans Songwriting und seine auf vier Spuren selbst aufgenommenen Bemühungen die Grundlage für ein sich ständig weiterentwickelndes Projekt. Auf dem neuen, selbstbetitelten Album Cactus Lee beschäftigen sich die Songs mit Themen wie Liebe, Verlust, Familie und Selbstfindung und bieten flüchtige Momentaufnahmen von Charakteren und Momenten, die von einem einladenden texanischen Charme durchdrungen sind. Das Eröffnungsstück "Rabbit" stellt einen verliebten, aber schwer fassbaren Protagonisten vor, der durch Bukka Allens Akkordeon und Adam Amrams ansteckenden Rhythmus zum Leben erweckt wird. "Sister" ist ein zartes Versprechen auf bessere Zeiten und gemeinsame Momente, perfekt für offene Straßen und luftige Tage. Roll Maggie" mit seinem Zusammenspiel von Saxophon und Steel-Gitarre erforscht das Glücksspiel der Liebe als ein aufregendes Glücksspiel. "Got A Heart Like Rainwater Blues" zelebriert die unnachgiebigen Bande einer Familie auf der Flucht, durchdrungen von einer bluesigen Unverwüstlichkeit. "Lorelei" zeichnet das rätselhafte Porträt einer fesselnden Figur, untermalt von Doo-Wop-Harmonien. "The Fiddler" fängt die hypnotische Magie einer Tanzfläche ein, untermalt von einem eindringlichen Bratschensolo. "Twenty Dollars", das das Album abschließt, ist eine zutiefst persönliche Ode an Dehans Tochter Jolene. Das selbstbetitelte Album von Cactus Lee unterstreicht die Fähigkeit von Kevin Dehan, die Essenz des texanischen Twang in Songs zu destillieren, die weit über den Lone Star State hinaus Anklang finden, und zwar durch eindrucksvolle Texte und eine durchdachte Instrumentierung.

Das selbstbetitelte Debütalbum von Creedence Clearwater Revival aus dem Jahr 1968 machte die Welt mit
den gitarrenspielenden Brüdern John und Tom Fogerty, dem Schlagzeuger Doug Clifford und dem Bassisten Stu Cook bekannt, vier jungen Männern aus El Cerrito in der San Francisco Bay Area. Obwohl sie
an einem Ort und in einer Zeit auftauchten, in der trippige psychedelische Visionen an der Tagesordnung
waren, widersetzten sich CCR den Trends und stießen stattdessen auf eine reiche, traditionelle Nahtstelle
der amerikanischen Musik, die mit Blues, Country, Rockabilly, Gospel, Folk und R&B verbunden war.
Während ihrer kurzen Zeit als Band erlebten Creedence eine beispiellose Kreativitätsphase, zwei ihrer sieben
Studioalben landeten auf Platz 1, sie spielten über 150 Tourneen in der ganzen Welt, einschließlich eines
Auftritts als Headliner in Woodstock, und erzielten 14 Top Ten-Singles. Jetzt erscheinen alle grandiosen,
sieben Studioalben auf farbenfroher Colour Vinyl.

Das selbstbetitelte Debütalbum von Creedence Clearwater Revival aus dem Jahr 1968 machte die Welt mit
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an einem Ort und in einer Zeit auftauchten, in der trippige psychedelische Visionen an der Tagesordnung
waren, widersetzten sich CCR den Trends und stießen stattdessen auf eine reiche, traditionelle Nahtstelle
der amerikanischen Musik, die mit Blues, Country, Rockabilly, Gospel, Folk und R&B verbunden war.
Während ihrer kurzen Zeit als Band erlebten Creedence eine beispiellose Kreativitätsphase, zwei ihrer sieben
Studioalben landeten auf Platz 1, sie spielten über 150 Tourneen in der ganzen Welt, einschließlich eines
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den gitarrenspielenden Brüdern John und Tom Fogerty, dem Schlagzeuger Doug Clifford und dem Bassisten Stu Cook bekannt, vier jungen Männern aus El Cerrito in der San Francisco Bay Area. Obwohl sie
an einem Ort und in einer Zeit auftauchten, in der trippige psychedelische Visionen an der Tagesordnung
waren, widersetzten sich CCR den Trends und stießen stattdessen auf eine reiche, traditionelle Nahtstelle
der amerikanischen Musik, die mit Blues, Country, Rockabilly, Gospel, Folk und R&B verbunden war.
Während ihrer kurzen Zeit als Band erlebten Creedence eine beispiellose Kreativitätsphase, zwei ihrer sieben
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sieben Studioalben auf farbenfroher Colour Vinyl.

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Die schwedischen Heavy Rocker GREENLEAF haben mit ihrem neunten Album "The Head & The Habit" den vorläufigen Gipfel ihrer langen Evolution erklommen. Die musikalische Handschrift und Virtuosität von Gitarrist Tommi Holappa, seit mehr als 25 Jahren einer der Vorreiter und tragenden Säulen der europäischen Stoner Rock Szene, zeichnen sich deutlich ab. Die Gitarren werden perfekt ergänzt durch den gefühlvollen, intuitiven Sinn für Melodien und die charakterliche Tiefe, die der klassisch ausgebildete Sänger Arvid Hällagård dem Sound von GREENLEAF verleiht. Neben den erstklassigen Gesangslinien sowie den massiven Fuzz-Power-Riffs hat sich der Frontmann intensive Gedanken zu seinen Texten für "The Head & The Habit" gemacht, die weit über den Standard des oft klischeebeladenen Genres hinausreichen. Wie bereits der Albumtitel ("Der Kopf & Die Gewohnheit") andeutet, sind die neuen Songs als symbolische Kurzgeschichten angelegt, die sich um das Ringen mit Gefühlen bis zu psychischen Erkrankungen drehen. In Hällagårds Lyrik spiegeln sich seine Erfahrungen aus der Arbeit mit Menschen wider, die mit Sucht und anderen psychischen Problemen zu kämpfen haben. Die Heavy Rock Liebhaber GREENLEAF wurden ursprünglich als informelles Privatprojekt unter Freunden gegründet. Alle spielten bereits in anderen Bands, worunter sich so klangvolle Namen wie DOZER, LOWRIDER und DEMON CLEANER finden. Die Schweden suchten einfach nur nach einem Ventil für ihre gemeinsame Liebe zum Hard Rock und Proto-Metal der 70er Jahre, das frei von den Erwartungen und dem Druck ihrer Hauptbands sein sollte. Trotz der Absicht, GREENLEAF nur zum Vergnügen zu betreiben, führte die ungetrübte Freude beim Erschaffen eingängiger Songs dazu, dass ihr gesamtes Umfeld nach Aufnahmen von diesem Material verlangte. Dies führte schließlich zur Veröffentlichung einer selbstbetitelten Debüt-EP im Jahr 2000, der nur ein Jahr später das erste vollständige Album "Revolution Rock" folgte. Die Jahre mit wechselnden Besetzungen waren vorbei. GREENLEAFs stabiler Fokus wurde durch ihr fünftes Album "Trails & Passes" (2014) gekrönt, auf dem erstmals Arvid Hällagård als Sänger zu hören war. Dieser Meilenstein markierte den endgültigen Beginn einer neuen Phase der Band. Mit "The Head & The Habit" verbinden GREENLEAF nun das Bewusstsein für vergangene Triumphe mit reifem Handwerk. Die Schweden wissen, wie sie mehr als je zuvor stärker, härter und auf den Punkt rocken. GREENLEAF verschmelzen donnernde Riff-Magie, mitreißenden und mit Soul getränkten Gesang, frenetische Rhythmen und treibende Takt-Attacken zu einer ohrwurmverdächtigen, funkelnden Legierung von Hardrock-Hymnen!

Dublin's finest, Tommy Holohan, makes his long awaited return to S.C.D.D. with 'Temple Theatre'.

An ode to Dublin's Trance axis, the sky-piercing EP has been subject to much anticipation. Fusing reece-driven breakbeat, trance infused sonics overlayed by chants, rave stabs and orchestral breakdowns, the release is a strong embodiment of Tommy's ability to induce symphonic, rave hysteria.

Na de comeback plaat van 2021 'Is er iets?', is Madou terug met de EP, 'Engel', net op het moment dat Vera Coomans 75 jaar wordt.
De afgelopen 3 jaar speelde Madou op vele mooie plekken en is de band ook uitgebreid: Mattijs Vanderleen (Marble Sounds, Tommigun) op drums en Marc De Maeseneer (Lady Linn etc...) maken nu ook deel uit van de band.
Hoogtepunten waren Dranouter in 2022 en de uitverkochte AB 'Rewind' show in september 2022 met de re-release na 40 jaar van de eerste Madou plaat op vinyl.

Al die concerten gaven goesting en Vera begon Wiet en Thomas naar nieuwe songs te vragen.
Die nieuwe melodieën leidden tot nieuwe verhalen die nieuwe liedjes werden. Een beetje zoals Randy Newman deed op 'Little Criminals'. Filmische verhalen, muzikale kortfilms, als je wil, een beetje zoals Randy Newman deed op 'Little Criminals'. Maar hier heeft elke song een verhaal met een vrouw als hoofdpersonage.

In november 2023 kreeg Vera telefoon van Gorik van Oudheusden, aka Zwangere Guy.
Hij was op zoek naar muziek voor de TV-serie, 'Putain' waaraan hij werkte, en hij vroeg ons of hij wat nieuw materiaal kon horen. Vera en Thomas speelden in de ICP studio in Brussel een akoestische versie van 'Engel' voor Zwangere Guy en Chuki Beats en die reageerden meteen enthousiast. 'Engel' staat ook op de soundtrack van 'Putain' in een prachtig strijkersarrangement van Wiet Van De Leest.

In mei 2024 trok Madou een paar dagen naar de Jet studio in Brussel en namen ze de EP 'Engel' op onder leiding van Peter Van Laerhoven.

De EP:

Engel:
Gaat over de onvermijdelijkheid van de dood. Vera Coomans:' Als je 75 bent, dan probeer je je in verloren uren wel eens 'de overkant' voor te stellen en wie je op een dag zal komen halen. Of je hem zal herkennen ook. En of het spannend wordt.

Waar het beter was:
Een vrouw wordt wakker uit een nachtmerrie in een nog bangelijkere realiteit.

Koude Voeten:
Waar maanziek zijn toe leiden kan, of hoe je verloren kunt lopen in je eigen hoofd.

Myanmar:
Hoe troostend en het kan zijn om verloren te lopen in je eigen hoofd.

Mooie Dag:
Een mooie dag maar met weerhaken.

Gebroken Glas:
Wat eerst 'Bovary' als titel had, werd uiteindelijk 'Gebroken Glas'.

Madou:
Vera Coomans: zang
Wiet Van De Leest: piano, viool, altviool
Thomas Devos: gitaar, bas, zang
Louis Van De Leest: keyboards, synths, beats
Mattijs Vanderleen: drums, percussie, beats
Marc De Maeseneer: saxofoon

Madou speelt ook live:

Warehouse find!

Jess Holt aka. total tommy veröffentlicht ihr mit Spannung erwartetes Debütalbum 'bruises' (= blaue Flecken, Prellungen). Mit auf dem Album sind ihre bisherigen Singles 'microdose', 'REAL', 'Adeline' und 'Losing Out', die in den britischen und australischen Medien bereits auf sehr viel Gegenliebe gestoßen sind. Die letzten Jahre waren für die in Sydney lebende Künstlerin Jess Holt, besser bekannt als total tommy, eine Zeit der radikalen Veränderungen: Die Songs entstanden während einer Phase , in der sie eine Trennung durchlebte, die Stadt wechselte, sich als queer outete und ihre jetzige Ehefrau kennenlernte. Aus diesen Erfahrungen entstand das dementsprechend mehr als passend betitelte Debütalbum 'bruises': Eine Sammlung von rohen, energiegeladenen Bedroom-Rockhymnen, die Holts mutige, ungeschönte und scharfzüngige Stimme in ihrer vollen Pracht zeigen. Auf 'bruises' zeigt sich total tommy von vielen Seiten: romantisch, hedonistisch, verloren, weise, manchmal als Arschloch, manchmal liebenswert. Was alles zusammenhält, ist ein neu gefundenes Selbstbewusstsein und die Gewissheit, zu wissen, wer sie wirklich ist.

Yazz Ahmeds Album "Polyhymnia" (2019) feiert weiblichen Mut, Entschlossenheit und Kreativität. Im Auftrag der Tomorrow's Warriors schrieb sie 2015 ein längeres Werk für deren Nu Civilisation Orchestra, das am Internationalen Frauentag beim Women Of The World Festival in der Londoner Queen Elizabeth Hall aufgeführt wurde. In Anlehnung an Polyhymnia, die griechische Muse der Musik, Poesie und des Tanzes, schuf Yazz eine Reihe von Sätzen, die herausragenden weiblichen Vorbildern wie Rosa Parks, Haifaa Al-Mansour und Malala Yousafzai gewidmet waren. Dieses Album steht im Kontrast zu ihrem vorherigen Werk "La Saboteuse", das von ihrer inneren Zerstörerin oder Anti-Muse getrieben wurde.

PIFF Records welcome 4 in - demand artists to the label on their latest release, also available as a limited 500 press vinyl release. Home to forward-thinking house, trance, and techno, PIFF Records boasts a diverse yet united musical output. Cosmic, dub - driven techno, atmospheric house beats, and everything in between coalesces under the imprint’s distinctive output of thoughtful, club - ready sounds. All aspects of PIFF Records come together on this release as the featured artists balance the cerebral and visceral in their productions.

Cybernet kicks off the release with Resonant Shifter. Pumping kicks lay the foundation for captivating synth arpeggios and warped call and response basses in this ‘90s - inspired cut of contemporary progressive trance. The perfect soundtrack for any location from sunset on the Ibiza seafront to sunrise as the shutters open at a warehouse rave.

Goa elements are out in full force on Hoe Down, courtesy of Glen S. Squelchy 303s, low textures, and metallic arpeggios resonate above a pulsating bassline and weighty kicks, relentlessly pushing forward and ascending to a new sonic dimension - taking you along for the ride.
Body Clinic substitutes the progressive trance for progressive house on Love X, bringing down the tempo but keeping intensity intact. An infectious, syncopated plucked bassline dances around groove - rich drums, psychedelic effects and leads indebted to early ‘90s releases. A masterful blend of the past, present, and future together on one track.

Closing the EP with Empty Clip, Tom Jarmey disrupts the 4x4 rhythms of the preceding tracks w ith a genre - bending cut of electro - infused breaks. Two-step drums are matched with clinical sound design, deep basses, and mystical arpeggios. Sure to add depth to any set and turn heads in the process.

* After the stunning success of their critically-acclaimed third album Sharpener, which reached number 3 in the jazz charts and number 14 in the independent music charts, London’s brass juggernauts Hackney Colliery Band blaze back onto the scene with their first collaborative album, ushering in a whole new era for the band.

* Featuring collaborations with a host of key names in jazz and world music including amongst others the father of Ethio-jazz Mulatu Astatke, British jazz funk legend James Taylor, trombonist Dennis Rollins, UK saxophonist Pete Wareham and Beninese singer-songwriter and Grammy Award-winner Angélique Kidjo, Hackney Colliery Band have effortlessly transformed their explosive live energy into 11 original recordings that push the groove and form in an accomplished manner.

*On ‘Collaborations: Volume One’, writers Steve Pretty, Olly Blackman and Luke Christie have between them penned the outfit's most dynamic material to date. ‘Mm Mm’ (feat. Angélique Kidjo and Roundhouse Choir) merges Beninese grooves with wah pedal trumpet textures, and the rousing call-and-response between Kidjo’s soaring vocal and the exhilarating choir adds a richness and depth to the composition.

*On ‘Snowfire’, innovative Norwegian pianist Bugge Wesseltoft brings a euro/nu-jazz feel to the album, while Dennis 'Funkybone' Rollins adds his trademark virtuoso trombone to the carnival-flavoured ‘Ricochet’.

*There’s an energy, respect for tradition and the exuberance of London in Hackney Colliery Band’s work, best exemplified in the evocative and downright thrilling James Taylor collaboration ‘Hypothetical’, with Taylor’s Hammond organ recalling the Acid Jazz era in which he made his name.
*New single ‘Netsanet’ (feat. Mulatu Astatke) is a deep exploration of Mulatu's trademark Ethio-jazz, while ‘Crushing Lactic’, composed by Tom Rogerson (fresh from a recent collaboration with Brian Eno) has a frenzied flow, with big horns and driving rhythm section.

*Elsewhere, Pete Wareham (stalwart of the London jazz revival) lends his free-flowing sax to ‘What’s Gone Before’, leading us into a powerful communion of jazz and brass as Mulatu Astatke’s ‘Derashe’ takes the listener down a vibrating rhythmic path while accompanied by blasts of horns and Mulatu’s trademark vibraphone.

*Two spoken word compositions (‘Why Yellow’ and ‘Climbing Up My Own Life Until I Die’) featuring York born writer and comedian Rob Auton lend an introspective voice to ‘Collaborations: Volume One’.

*A band never content to rest on its laurels, Hackney Colliery Band already have a number of collaborations in the works for ‘Volume Two’, and with further live shows planned for 2019, including the album launch at the famous Ronnie Scott’s Jazz Club, 2019 looks set to be HCB’s biggest year yet, both live and on record.

* Steve Pretty, the band’s frontman said: “It’s hard to believe that 2019 is our tenth anniversary, but now we’re ten years older it felt like the right time to get back to our jazz roots. It’s been such a privilege to work with so many of our musical inspirations both old and new on this record, and we’re super excited to be ushering in the next ten years with this new collaborative spirit: this is called ‘Volume One’ for a reason…”

Dame-Music founder Bloody Mary’s ‘ALTERNATE STATES OF REALITY’ EP marks the 50th release on a label that counts KiNK, Josh Wink, Boo Williams, Fear-E and Thomas P. Heckmann amongst its roster since it launched in 2010.

The release sees Bloody Mary, Tresor resident, live artist, DJ and Producer, return to her own imprint with a full EP for the first time since 2020, produced as part of her live set ahead of her
upcoming Autumn tour, and complete with a remix from Soma Records legends Slam.

In the ‘ALTERNATE STATES OF REALITY’ EP, Bloody Mary explores the varying aspects of her acid sound. Equipped with her TR-909 and 303, she shows her penchant for hardware, starting off with ‘REALITY ONE’, in which crunchy drums and crisp highs ride along a mind-melting acid polyrhythm before ‘REALITY TWO’ opts for a punchy
electro beat, once again drenched in squelch and occasionally soothed by soft, nostalgic pads.

Flipping over the record, the infectious marching drums of Bloody Mary’s ‘REALITY THREE’ leaves behind the 303 and swaps it out for rampaging toms below a furious,
clap-heavy topline. This party-starting track is pure rhythm, expertly remixed by Scotland’s Slam, who this time supply the acid in their version, amplifying the tempo to superb extremes for a hypnotic warehouse pumper and concluding the monumental
fiftieth instalment on one of techno’s most important labels

Fast ein Jahrzehnt hat sich Jamie xx seit Veröffentlichung seines Solodebüts Zeit gelassen. „In Waves“, das zweite Album des Londoners, der mit seiner Band The xx zu den prägendsten Figuren der jüngeren Musikgeschichte gehört. Erneut lässt er seiner Liebe zur elektronischen Musik freien Lauf und entwirft die Geschichte einer Nacht, in der man in den himmlischen Puls von Schatten, Licht und Dancefloor-Rhythmen hinabtaucht.



“In Waves” hat seinen Ursprung in einem Mix, den Jamie 2020 für BBC Radio 1 machte. Hier tauchten neben Tracks der aktuellen Generation an UK-Dancemusic auch diverse musikalische Helden auf, etwa Roy Ayers, Fela Kuti, Tom Zé oder Philip Glass. Auch erste Versionen von Songs, die nun auf dem Album erscheinen werden, waren zu hören. “Es erinnerte mich daran, warum ich diese Musik liebe“, so Jamie, der zuvor lange mit der Frage gehadert hatte, wie es für ihn weitergehen würde. “Ich fand einfach Spaß am kreativen Prozess, ohne dabei an ein Ergebnis zu denken.“



Jamie xx pflügt auf „In Waves“ durch die Subgenres und Dekaden und fügt Northern Soul, Disco, Garage, Acid House, Techno, Tropicalia. Hip-Hop, Funk und den Sound der UK Underground Pirate Radios zusammen. Die kleinen Momente sind dabei so eindrucksvoll wie das übergreifende Ganze. Etwa jener Part bei “Treat Each Other Right“, der parallel zum Album-Announcement erscheinenden neuen Single: Zunächst wird man herausgerissen aus dem breiten Breakbeat-meets-Future-Soul-Vehikel, um sich mit den gepitchten Motown-Vocals plötzlich im Mittelwellenradio der 60er wiederzufinden. Die Worte “I’ll never let you down“ werden in die Ewigkeit gezogen, bevor ein biepender Puls über atmosphärischen Synths einsetzt und man direkt zurückgeführt wird in die schweißnasse Katharsis des Dancefloors.



Im Zeitalter der Algorithmen ist “In Waves” Zeugnis für pure menschliche Empfindung, ein lebensbejahendes Gegengift, das über den Kopfhörer in eine andere Dimension führt und zugleich gemeinsam auf der Tanzfläche erlebt werden will. Mit dabei sind u. a. Romy und Oliver, The Avalanches, Robyn und John Glacier.

Mit "The Machine in the Ghost" erreichen HAUJOBB den beeindruckenden Meilenstein des zehnten Studioalbums. Auch ihr neuestes Werk unterscheidet sich von all seinen Vorgängern. Das derzeit in Leipzig residierende Duo verweigert sich weiterhin standhaft jeder Wiederholung. "The Machine in the Ghost" unterscheidet sich bereits durch die Verwendung von Feldaufnahmen, um die Sounds für dieses Album zu erzeugen. Um die gewünschten Effekte zu erzielen, haben HAUJOBB bewusst auf eine Mischung aus Software und Hardware gesetzt - letzteres in Form von mit Alltagsgegenständen erzeugten Tönen. Diese symbolische Anspielung auf eine Zeit, in der es weniger Software und mehr analoges Drehen an den Reglern gab, ergänzt das Thema von "The Machine in the Ghost" um einen Hauch von Retro-Feeling - ohne jede nostalgische Verklärung. Das Album dreht sich um die spannungsgeladene Beziehung zwischen analog und digital, Geist und Materie. Als sich HAUJOBB im ostwestfälischen Bielefeld zunächst zu einem Trio formierten, kamen ihre Haupteinflüsse noch aus der Vancouver-Schule des Industrial - und speziell SKINNY PUPPY sowie FRONT LINE ASSEMBLY. Dies ist auf ihrem ersten Album "Homes & Gardens" (1993) noch hörbar, doch schon bald wurden HAUJOBB selbst als Aushängeschilder eines modernen elektronischen Industrial-Sounds angesehen. Auf den folgenden Alben "Freeze Frame Reality" (1995) und "Solutions for a Small Planet" (1996) entfernten sich die Deutschen zunehmend von den kanadischen Einflüssen, indem sie damit begannen, IDM (Intelligent Dance Music) mit Industrial und EBM zu verschmelzen. Damit katapultierten sich die Deutschen mitten in die internationale Szene und verschafften sich sogar in den USA einen Kultstatus. Auch nachdem HAUJOBB zum Duo mutiert waren, blieben sie einflussreich und insbesondere ihr 2011 in Eigenregie veröffentlichtes Album "New World March" gilt als weitere Großtat. Mit "The Machine in the Ghost" schlagen HAUJOBB ein neues spannendes Kapitel in ihrer bemerkenswerten Karriere auf. Unmittelbar zu Beginn der nächsten industriellen und kreativen Revolution, die der rasante Aufstieg der künstlichen Intelligenz auszulösen verspricht, legen HAUJOBB ihre metaphorischen musikalischen Finger erneut direkt an den Puls der Zeit.

Mit "The Machine in the Ghost" erreichen HAUJOBB den beeindruckenden Meilenstein des zehnten Studioalbums. Auch ihr neuestes Werk unterscheidet sich von all seinen Vorgängern. Das derzeit in Leipzig residierende Duo verweigert sich weiterhin standhaft jeder Wiederholung. "The Machine in the Ghost" unterscheidet sich bereits durch die Verwendung von Feldaufnahmen, um die Sounds für dieses Album zu erzeugen. Um die gewünschten Effekte zu erzielen, haben HAUJOBB bewusst auf eine Mischung aus Software und Hardware gesetzt - letzteres in Form von mit Alltagsgegenständen erzeugten Tönen. Diese symbolische Anspielung auf eine Zeit, in der es weniger Software und mehr analoges Drehen an den Reglern gab, ergänzt das Thema von "The Machine in the Ghost" um einen Hauch von Retro-Feeling - ohne jede nostalgische Verklärung. Das Album dreht sich um die spannungsgeladene Beziehung zwischen analog und digital, Geist und Materie. Als sich HAUJOBB im ostwestfälischen Bielefeld zunächst zu einem Trio formierten, kamen ihre Haupteinflüsse noch aus der Vancouver-Schule des Industrial - und speziell SKINNY PUPPY sowie FRONT LINE ASSEMBLY. Dies ist auf ihrem ersten Album "Homes & Gardens" (1993) noch hörbar, doch schon bald wurden HAUJOBB selbst als Aushängeschilder eines modernen elektronischen Industrial-Sounds angesehen. Auf den folgenden Alben "Freeze Frame Reality" (1995) und "Solutions for a Small Planet" (1996) entfernten sich die Deutschen zunehmend von den kanadischen Einflüssen, indem sie damit begannen, IDM (Intelligent Dance Music) mit Industrial und EBM zu verschmelzen. Damit katapultierten sich die Deutschen mitten in die internationale Szene und verschafften sich sogar in den USA einen Kultstatus. Auch nachdem HAUJOBB zum Duo mutiert waren, blieben sie einflussreich und insbesondere ihr 2011 in Eigenregie veröffentlichtes Album "New World March" gilt als weitere Großtat. Mit "The Machine in the Ghost" schlagen HAUJOBB ein neues spannendes Kapitel in ihrer bemerkenswerten Karriere auf. Unmittelbar zu Beginn der nächsten industriellen und kreativen Revolution, die der rasante Aufstieg der künstlichen Intelligenz auszulösen verspricht, legen HAUJOBB ihre metaphorischen musikalischen Finger erneut direkt an den Puls der Zeit.

Fünf Monate arbeitete David Gilmour in Brighton und London an »Luck And Strange«, dem ersten neuen Longplayer, den er seit neun Jahren veröffentlicht. Die LP wurde von David und Charlie Andrew produziert, den man für seine Zusammenarbeit mit ALT-J und Marika Hackman kennt. Der Großteil der Lyrics stammt von Gilmours Co-Autorin Polly Samson, mit der er schon seit 30 Jahren zusammenarbeitet. Auf dem Album sind acht neue Tracks zu hören, dazu kommt eine Coverversion von Between Two Points (Originalinterpreten: The Montgolfier Brothers), auf der Romany Gilmour Harfe spielt und singt. Auf anderen Songs der LP war Gilmours Tochter für die Backing-Vocals zuständig. Zu den Musikern, die an der Entstehung von »Luck And Strange« beteiligt waren, gehören: Guy Pratt & Tom Herbert am Bass, Adam Betts, Steve Gadd und Steve DiStanislao am Schlagzeug sowie Rob Gentry & Roger Eno an den Keyboards. Für die Streicher- und Chor-Arrangements war Will Gardner verantwortlich. Auf dem Titeltrack, der 2007 während eines Jams in David Gilmours Scheune entstand, ist der verstorbene Pink Floyd Keyboarder Richard Wright zu hören. Das Cover-Foto von Anton Corbijn wurde durch den Text von »Scattered«, dem letzten Song des Albums, inspiriert.

Fünf Monate arbeitete David Gilmour in Brighton und London an »Luck And Strange«, dem ersten neuen Longplayer, den er seit neun Jahren veröffentlicht. Die LP wurde von David und Charlie Andrew produziert, den man für seine Zusammenarbeit mit ALT-J und Marika Hackman kennt. Der Großteil der Lyrics stammt von Gilmours Co-Autorin Polly Samson, mit der er schon seit 30 Jahren zusammenarbeitet. Auf dem Album sind acht neue Tracks zu hören, dazu kommt eine Coverversion von Between Two Points (Originalinterpreten: The Montgolfier Brothers), auf der Romany Gilmour Harfe spielt und singt. Auf anderen Songs der LP war Gilmours Tochter für die Backing-Vocals zuständig. Zu den Musikern, die an der Entstehung von »Luck And Strange« beteiligt waren, gehören: Guy Pratt & Tom Herbert am Bass, Adam Betts, Steve Gadd und Steve DiStanislao am Schlagzeug sowie Rob Gentry & Roger Eno an den Keyboards. Für die Streicher- und Chor-Arrangements war Will Gardner verantwortlich. Auf dem Titeltrack, der 2007 während eines Jams in David Gilmours Scheune entstand, ist der verstorbene Pink Floyd Keyboarder Richard Wright zu hören. Das Cover-Foto von Anton Corbijn wurde durch den Text von »Scattered«, dem letzten Song des Albums, inspiriert.

Die aus Hawthorne, Kalifornien, stammenden Thee Heart Tones setzen mit ihrer Musik sowohl eine Tradition fort als auch neue Grenzen. Leadsängerin Jazmine Alvarado ist gerade mal 19 Jahre alt und das älteste Mitglied der Gruppe, Jorge Rodriguez, ist 21, aber wenn man sich ihre Platte anhört, wird deutlich, dass sie weit über ihr Alter hinaus talentiert sind. Thee Heart Tones, das sind Jazmine (Gesang), Ricky Cerezo (Tasten und Orgel), Jorge (Schlagzeug), Jeffrey Romero (Bass), Peter Chagolla (Leadgitarre) und Walter Morales (Rhythmusgitarre). "Eines Tages bekam ich eine Mail von Ricky Cerezo mit der Frage, ob ich einen Song für seine neue (damals noch namenlose) Band schreiben wolle", erzählt Jazmine. "Ich kannte seinen Schlagzeuger und die anderen Jungs aus der Mittelschule, sie waren also bekannte Gesichter. Sie schickten mir ein mp3 eines Instrumentalstücks, das sie geschrieben hatten, und sagten mir, sie wollten einen Text, also schrieb ich einen und schickte ihn ihnen." Dieser Song wurde schließlich "Don't Take Me as a Fool", eine schwermütige Moll-Ballade, in der Jazmines schwülstiger, perfekter Gesang erklingt, und die nun für ihr Debütalbum bestimmt ist. Ricky ging nach Hause und spielte seinem Vater "Don't Take Me As a Fool" vor, das er als Sprachnotiz auf seinem Telefon aufgenommen hatte. "Ich war zögerlich. Dad kannte diese Musik besser als jeder andere, er ist damit aufgewachsen. Aber er hat sich mein Telefon geschnappt und es an sein Ohr gehalten. Seine Zustimmung bedeutete mir sehr viel. Aber er hatte die gleiche Reaktion wie Jorge und ich, als wir Jazmine zum ersten Mal singen hörten. 'Das wird ein Hit', sagte er mir. Ihr habt hier etwas ganz Besonderes". Es war dieselbe Aufnahme, die Leon Michels und Danny Akalepse von Big Crown Records aufhorchen ließ, die beide sofort das Potenzial der Gruppe erkannten. Nachdem sie bei dem Label unterschrieben hatten, flog Leon nach Los Angeles, um mit Tommy Brenneck in Tommys Diamond West Studio ihr Debütalbum aufzunehmen. In fünf Tagen haben sie 14 Songs aufgenommen, die den Charme des Teenager-Souls einfangen und ihn mit ihren bewährten Produktionsfähigkeiten mischen - das Ergebnis ist ein modernes klassisches Soul-Album. Der Album-Opener und Titeltrack "Forever & Ever" ist ein ansteckender Two-Stepper, der sofort die Stimmung hebt, während schwere B-Seiten-Balladen wie "Should I Call You Tonight", "Cry My Tears Away" und "It's Time" den Klassikern des Genres den Rang ablaufen. Mit "Need Something More" ziehen sie das Tempo an und füllen die Tanzfläche, während Jazmine mit einem Track im Northern-Soul-Stil ganz sachlich die Dinge auf den Punkt bringt. Sie covern den Klassiker "Sabor A Mi" aus der Feder von Alvaro Carrillo mit großem Effekt, werden ihm gerecht und stellen ihre Version auf eine Stufe mit den besten von ihnen. Ein weiterer Höhepunkt ist ihre Version des The Vanguards-Klassikers "Somebody Please", den sie auf eine ganz andere Ebene heben. Die stampfenden Drums von "No Longer Mine" stehen im Kontrast zu Jazmines honigsüßem Gesang und enden mit der düsteren Energie eines Hip-Hop-Samples aus den mittleren 90ern. Forever & Ever ist sowohl ein Beweis für die unverwechselbare musikalische Chemie als auch für das Talent der beiden. Ihre Intentionen als Band sind ein Beweis für ihren kollektiven Charakter. Die Entscheidung, "Sabor A Mi" zu covern, "erlaubt es uns, unser Publikum wissen zu lassen, dass wir zu unseren Wurzeln zurückkehren", sagt Jazmine. "Wenn man in L.A. aufwächst, wird man von der Stadt, den Kunstwerken und der Musik beeinflusst", sagt Ricky. "Dad besaß kein Lowrider-Auto, aber andere Mitglieder unserer Familie schon. Impalas. El Caminos. Wir waren von der Kultur beeinflusst, insbesondere von der Chicano-Kultur. Und Oldies und Soulmusik spielten eine große Rolle." Der Stil. Die Kultur. Die Anspielung auf die Vergangenheit. "Das ist es, was wir anstreben. Wir wollen junge Chicanos mit ihrem Erbe verbinden. Und wir wollen die Menschen vereinen_ alt und jung."

Die aus Hawthorne, Kalifornien, stammenden Thee Heart Tones setzen mit ihrer Musik sowohl eine Tradition fort als auch neue Grenzen. Leadsängerin Jazmine Alvarado ist gerade mal 19 Jahre alt und das älteste Mitglied der Gruppe, Jorge Rodriguez, ist 21, aber wenn man sich ihre Platte anhört, wird deutlich, dass sie weit über ihr Alter hinaus talentiert sind. Thee Heart Tones, das sind Jazmine (Gesang), Ricky Cerezo (Tasten und Orgel), Jorge (Schlagzeug), Jeffrey Romero (Bass), Peter Chagolla (Leadgitarre) und Walter Morales (Rhythmusgitarre). "Eines Tages bekam ich eine Mail von Ricky Cerezo mit der Frage, ob ich einen Song für seine neue (damals noch namenlose) Band schreiben wolle", erzählt Jazmine. "Ich kannte seinen Schlagzeuger und die anderen Jungs aus der Mittelschule, sie waren also bekannte Gesichter. Sie schickten mir ein mp3 eines Instrumentalstücks, das sie geschrieben hatten, und sagten mir, sie wollten einen Text, also schrieb ich einen und schickte ihn ihnen." Dieser Song wurde schließlich "Don't Take Me as a Fool", eine schwermütige Moll-Ballade, in der Jazmines schwülstiger, perfekter Gesang erklingt, und die nun für ihr Debütalbum bestimmt ist. Ricky ging nach Hause und spielte seinem Vater "Don't Take Me As a Fool" vor, das er als Sprachnotiz auf seinem Telefon aufgenommen hatte. "Ich war zögerlich. Dad kannte diese Musik besser als jeder andere, er ist damit aufgewachsen. Aber er hat sich mein Telefon geschnappt und es an sein Ohr gehalten. Seine Zustimmung bedeutete mir sehr viel. Aber er hatte die gleiche Reaktion wie Jorge und ich, als wir Jazmine zum ersten Mal singen hörten. 'Das wird ein Hit', sagte er mir. Ihr habt hier etwas ganz Besonderes". Es war dieselbe Aufnahme, die Leon Michels und Danny Akalepse von Big Crown Records aufhorchen ließ, die beide sofort das Potenzial der Gruppe erkannten. Nachdem sie bei dem Label unterschrieben hatten, flog Leon nach Los Angeles, um mit Tommy Brenneck in Tommys Diamond West Studio ihr Debütalbum aufzunehmen. In fünf Tagen haben sie 14 Songs aufgenommen, die den Charme des Teenager-Souls einfangen und ihn mit ihren bewährten Produktionsfähigkeiten mischen - das Ergebnis ist ein modernes klassisches Soul-Album. Der Album-Opener und Titeltrack "Forever & Ever" ist ein ansteckender Two-Stepper, der sofort die Stimmung hebt, während schwere B-Seiten-Balladen wie "Should I Call You Tonight", "Cry My Tears Away" und "It's Time" den Klassikern des Genres den Rang ablaufen. Mit "Need Something More" ziehen sie das Tempo an und füllen die Tanzfläche, während Jazmine mit einem Track im Northern-Soul-Stil ganz sachlich die Dinge auf den Punkt bringt. Sie covern den Klassiker "Sabor A Mi" aus der Feder von Alvaro Carrillo mit großem Effekt, werden ihm gerecht und stellen ihre Version auf eine Stufe mit den besten von ihnen. Ein weiterer Höhepunkt ist ihre Version des The Vanguards-Klassikers "Somebody Please", den sie auf eine ganz andere Ebene heben. Die stampfenden Drums von "No Longer Mine" stehen im Kontrast zu Jazmines honigsüßem Gesang und enden mit der düsteren Energie eines Hip-Hop-Samples aus den mittleren 90ern. Forever & Ever ist sowohl ein Beweis für die unverwechselbare musikalische Chemie als auch für das Talent der beiden. Ihre Intentionen als Band sind ein Beweis für ihren kollektiven Charakter. Die Entscheidung, "Sabor A Mi" zu covern, "erlaubt es uns, unser Publikum wissen zu lassen, dass wir zu unseren Wurzeln zurückkehren", sagt Jazmine. "Wenn man in L.A. aufwächst, wird man von der Stadt, den Kunstwerken und der Musik beeinflusst", sagt Ricky. "Dad besaß kein Lowrider-Auto, aber andere Mitglieder unserer Familie schon. Impalas. El Caminos. Wir waren von der Kultur beeinflusst, insbesondere von der Chicano-Kultur. Und Oldies und Soulmusik spielten eine große Rolle." Der Stil. Die Kultur. Die Anspielung auf die Vergangenheit. "Das ist es, was wir anstreben. Wir wollen junge Chicanos mit ihrem Erbe verbinden. Und wir wollen die Menschen vereinen_ alt und jung."

Die aus Hawthorne, Kalifornien, stammenden Thee Heart Tones setzen mit ihrer Musik sowohl eine Tradition fort als auch neue Grenzen. Leadsängerin Jazmine Alvarado ist gerade mal 19 Jahre alt und das älteste Mitglied der Gruppe, Jorge Rodriguez, ist 21, aber wenn man sich ihre Platte anhört, wird deutlich, dass sie weit über ihr Alter hinaus talentiert sind. Thee Heart Tones, das sind Jazmine (Gesang), Ricky Cerezo (Tasten und Orgel), Jorge (Schlagzeug), Jeffrey Romero (Bass), Peter Chagolla (Leadgitarre) und Walter Morales (Rhythmusgitarre). "Eines Tages bekam ich eine Mail von Ricky Cerezo mit der Frage, ob ich einen Song für seine neue (damals noch namenlose) Band schreiben wolle", erzählt Jazmine. "Ich kannte seinen Schlagzeuger und die anderen Jungs aus der Mittelschule, sie waren also bekannte Gesichter. Sie schickten mir ein mp3 eines Instrumentalstücks, das sie geschrieben hatten, und sagten mir, sie wollten einen Text, also schrieb ich einen und schickte ihn ihnen." Dieser Song wurde schließlich "Don't Take Me as a Fool", eine schwermütige Moll-Ballade, in der Jazmines schwülstiger, perfekter Gesang erklingt, und die nun für ihr Debütalbum bestimmt ist. Ricky ging nach Hause und spielte seinem Vater "Don't Take Me As a Fool" vor, das er als Sprachnotiz auf seinem Telefon aufgenommen hatte. "Ich war zögerlich. Dad kannte diese Musik besser als jeder andere, er ist damit aufgewachsen. Aber er hat sich mein Telefon geschnappt und es an sein Ohr gehalten. Seine Zustimmung bedeutete mir sehr viel. Aber er hatte die gleiche Reaktion wie Jorge und ich, als wir Jazmine zum ersten Mal singen hörten. 'Das wird ein Hit', sagte er mir. Ihr habt hier etwas ganz Besonderes". Es war dieselbe Aufnahme, die Leon Michels und Danny Akalepse von Big Crown Records aufhorchen ließ, die beide sofort das Potenzial der Gruppe erkannten. Nachdem sie bei dem Label unterschrieben hatten, flog Leon nach Los Angeles, um mit Tommy Brenneck in Tommys Diamond West Studio ihr Debütalbum aufzunehmen. In fünf Tagen haben sie 14 Songs aufgenommen, die den Charme des Teenager-Souls einfangen und ihn mit ihren bewährten Produktionsfähigkeiten mischen - das Ergebnis ist ein modernes klassisches Soul-Album. Der Album-Opener und Titeltrack "Forever & Ever" ist ein ansteckender Two-Stepper, der sofort die Stimmung hebt, während schwere B-Seiten-Balladen wie "Should I Call You Tonight", "Cry My Tears Away" und "It's Time" den Klassikern des Genres den Rang ablaufen. Mit "Need Something More" ziehen sie das Tempo an und füllen die Tanzfläche, während Jazmine mit einem Track im Northern-Soul-Stil ganz sachlich die Dinge auf den Punkt bringt. Sie covern den Klassiker "Sabor A Mi" aus der Feder von Alvaro Carrillo mit großem Effekt, werden ihm gerecht und stellen ihre Version auf eine Stufe mit den besten von ihnen. Ein weiterer Höhepunkt ist ihre Version des The Vanguards-Klassikers "Somebody Please", den sie auf eine ganz andere Ebene heben. Die stampfenden Drums von "No Longer Mine" stehen im Kontrast zu Jazmines honigsüßem Gesang und enden mit der düsteren Energie eines Hip-Hop-Samples aus den mittleren 90ern. Forever & Ever ist sowohl ein Beweis für die unverwechselbare musikalische Chemie als auch für das Talent der beiden. Ihre Intentionen als Band sind ein Beweis für ihren kollektiven Charakter. Die Entscheidung, "Sabor A Mi" zu covern, "erlaubt es uns, unser Publikum wissen zu lassen, dass wir zu unseren Wurzeln zurückkehren", sagt Jazmine. "Wenn man in L.A. aufwächst, wird man von der Stadt, den Kunstwerken und der Musik beeinflusst", sagt Ricky. "Dad besaß kein Lowrider-Auto, aber andere Mitglieder unserer Familie schon. Impalas. El Caminos. Wir waren von der Kultur beeinflusst, insbesondere von der Chicano-Kultur. Und Oldies und Soulmusik spielten eine große Rolle." Der Stil. Die Kultur. Die Anspielung auf die Vergangenheit. "Das ist es, was wir anstreben. Wir wollen junge Chicanos mit ihrem Erbe verbinden. Und wir wollen die Menschen vereinen_ alt und jung."

2024 Reissue

Acht Jahre lagen zwischen "Dem Feuer Der Gaben" und "Desintegration" , aber die Band ist nicht komplett zu Asche verbrannt, sondern steigt aus dieser erneuert empor. Ein bisschen Glut leuchtete immer still und heimlich im Dunkel der Vergangenheit vor sich hin. Entstanden ist gleich ein ganzes Album, das seine Reise im Jahr 1989 beginnt und seine Hörer im Hier und Jetzt wieder ausspuckt. Ein Album, das seinen Ausgangspunkt in eben jenem Jahr nimmt, in dem nicht nur die Mauer fiel und das sogenannte Ende der Geschichte ausgerufen wurde, sondern auch Disintegration von The Cure erschien. Siebert, selbst im Osten der Republik groß geworden, und schon immer von westlicher New-Wave und Postpunk-beeinflusster Popmusik begeistert, blickt in der Echokammer der Gegenwart zurück in die Zeit der großen Versprechen, die schon damals unerfüllt im Hallraum der Toms und den monotonen Basslinen im Disconebelnirvana verschwanden. Versprechen auch einer Befreiung, die in einem ideologiekritischen Sinne vielleicht immer schon hohl waren, heute jedoch ferner scheinen denn je. Folgerichtig nennen Klez.e ihr viertes Album Desintegration, Auflösung, Zerfall. Womöglich kein Zufall. CD und LP wieder regulär erhältlich!

Treffen sich ein Ossi, ein Wessi und ein Ösi. Was wie der Beginn eines etwas abgeschmackter Witzes klingen mag, das lässt sich rückblickend wohl ganz ohne Umschweife sagen, stellt sich vielmehr sowohl als der Gründungsmythos wie auch der Auftakt einer der erfolgreichsten und spannendsten Rockbands unserer Zeit dar. Die Rede ist von Kadavar, jener Gruppe, die, 2010 in Berlin gegründet, in den letzten 15 Jahren auf den Plakaten der gigantischsten Rockfestivals der Welt immer höher kletterte und heute in einer Liga spielt mit den größten Größen aus Psychedelic und Stoner Rock. Kadavar stehen nach rauschhaftem Ritt auf Augenhöhe mit jenen Legenden, von denen sie selbst geprägt sind, sind zur Institution geworden. Eine Erfolgsgeschichte, trotz des Niedergangs der Musikindustrie - und daher um so strahlender. These are self-made men.


Die Box, limitiert auf 500 Stück im Handel, enthält das Debüt Album in seiner Original Version mit 6 Songs auf transparent roter 180gr Vinyl.
Die Bonus LP "Demos & Rarities" erscheint als Picture Vinyl, die im Artwork Bilder des Original Master Tapes des Albums nutzt.
Neben den Demo Aufnahmen der Songs "Forgotten Past" und "Black Sun" befindet sich auf der LP auch der Song "Tommorrow's Dead", der zuvor nur auf der Vinyl Compilation "10 Years 8MM Musik" erschienen ist. Der Track "Living In Your Head" war damals B-Seite der Single "Creature of the Demon" und "The Man I Shot" & "Broken Wings" waren Teil des Split Album mit Aqua Nebula Oscillator "White Ring".
Nun werden all diese Songs aus der prägenden Zeit des Debüt Albums erstmals gemeinsam auf Vinyl veröffentlicht.

Die Box, limitiert auf 1000 Stück im Handel, enthält das Debüt Album in seiner Original Version mit 6 Songs auf transparenter 180gr Vinyl.
Die Bonus LP "Demos & Rarities" erscheint als Picture Vinyl, die im Artwork Bilder des Original Master Tapes des Albums nutzt.
Neben den Demo Aufnahmen der Songs "Forgotten Past" und "Black Sun" befindet sich auf der LP auch der Song "Tommorrow's Dead", der zuvor nur auf der Vinyl Compilation "10 Years 8MM Musik" erschienen ist. Der Track "Living In Your Head" war damals B-Seite der Single "Creature of the Demon" und "The Man I Shot" & "Broken Wings" waren Teil des Split Album mit Aqua Nebula Oscillator "White Ring".
Nun werden all diese Songs aus der prägenden Zeit des Debüt Albums erstmals gemeinsam auf Vinyl veröffentlicht.

Das Foto Buch "The Early Days" zeigt eine große Auswahl von Fotos aus der Entstehungszeit der Band und enthält einen Text des Schriftstellers und Musikers Hendrick Otremba.

Auch die Dokumentation "MammutTigerWolf" der Regisseurin Irem Schwarz gibt vorher nie gesehene Einblicke in die Proben, Aufnahmen und Auftritte der Band Kadavar in ihrer Gründungszeit und wurde nie zuvor veröffentlicht.

Die Demo CD als Teil der Box war und ist ein Muss. 2010, Tiger, Lupus und Mammut nehmen ein paar Songs auf, brennen sie auf CD. Im Job-Center in Berlin, unten, in dem kleinen Copyshop, kopieren sie das Cover. Jedem Typen mit langen Haaren, dem sie in dieser Zeit begegnen, drücken sie ein Exemplar in die Hand: die ersten Aufnahmen von Kadavar. Die CD wurde in dieser Form nie neu produziert oder vertrieben.
Nun gibt es für diese Box die CD noch einmal, im Original Artwork. One time only.

Mit diesen Bestandteilen entsteht mit der "Kadavar - The First Album (Ltd. Anniversary Boxset)" eine einzigartige Sammlung an Zeitdokumenten die einen mit in ersten Jahre und die Entstehungsphase des legendären Debüt Albums von Kadavar entführt.

Boxinhalte:
- Debut Album (Gatefold / 180 gr Vinyl / transparent Vinyl)

Die schwedischen Heavy Rocker GREENLEAF haben mit ihrem neunten Album "The Head & The Habit" den vorläufigen Gipfel ihrer langen Evolution erklommen. Die musikalische Handschrift und Virtuosität von Gitarrist Tommi Holappa, seit mehr als 25 Jahren einer der Vorreiter und tragenden Säulen der europäischen Stoner Rock Szene, zeichnen sich deutlich ab. Die Gitarren werden perfekt ergänzt durch den gefühlvollen, intuitiven Sinn für Melodien und die charakterliche Tiefe, die der klassisch ausgebildete Sänger Arvid Hällagård dem Sound von GREENLEAF verleiht. Neben den erstklassigen Gesangslinien sowie den massiven Fuzz-Power-Riffs hat sich der Frontmann intensive Gedanken zu seinen Texten für "The Head & The Habit" gemacht, die weit über den Standard des oft klischeebeladenen Genres hinausreichen. Wie bereits der Albumtitel ("Der Kopf & Die Gewohnheit") andeutet, sind die neuen Songs als symbolische Kurzgeschichten angelegt, die sich um das Ringen mit Gefühlen bis zu psychischen Erkrankungen drehen. In Hällagårds Lyrik spiegeln sich seine Erfahrungen aus der Arbeit mit Menschen wider, die mit Sucht und anderen psychischen Problemen zu kämpfen haben. Die Heavy Rock Liebhaber GREENLEAF wurden ursprünglich als informelles Privatprojekt unter Freunden gegründet. Alle spielten bereits in anderen Bands, worunter sich so klangvolle Namen wie DOZER, LOWRIDER und DEMON CLEANER finden. Die Schweden suchten einfach nur nach einem Ventil für ihre gemeinsame Liebe zum Hard Rock und Proto-Metal der 70er Jahre, das frei von den Erwartungen und dem Druck ihrer Hauptbands sein sollte. Trotz der Absicht, GREENLEAF nur zum Vergnügen zu betreiben, führte die ungetrübte Freude beim Erschaffen eingängiger Songs dazu, dass ihr gesamtes Umfeld nach Aufnahmen von diesem Material verlangte. Dies führte schließlich zur Veröffentlichung einer selbstbetitelten Debüt-EP im Jahr 2000, der nur ein Jahr später das erste vollständige Album "Revolution Rock" folgte. Die Jahre mit wechselnden Besetzungen waren vorbei. GREENLEAFs stabiler Fokus wurde durch ihr fünftes Album "Trails & Passes" (2014) gekrönt, auf dem erstmals Arvid Hällagård als Sänger zu hören war. Dieser Meilenstein markierte den endgültigen Beginn einer neuen Phase der Band. Mit "The Head & The Habit" verbinden GREENLEAF nun das Bewusstsein für vergangene Triumphe mit reifem Handwerk. Die Schweden wissen, wie sie mehr als je zuvor stärker, härter und auf den Punkt rocken. GREENLEAF verschmelzen donnernde Riff-Magie, mitreißenden und mit Soul getränkten Gesang, frenetische Rhythmen und treibende Takt-Attacken zu einer ohrwurmverdächtigen, funkelnden Legierung von Hardrock-Hymnen!

Die schwedischen Heavy Rocker GREENLEAF haben mit ihrem neunten Album "The Head & The Habit" den vorläufigen Gipfel ihrer langen Evolution erklommen. Die musikalische Handschrift und Virtuosität von Gitarrist Tommi Holappa, seit mehr als 25 Jahren einer der Vorreiter und tragenden Säulen der europäischen Stoner Rock Szene, zeichnen sich deutlich ab. Die Gitarren werden perfekt ergänzt durch den gefühlvollen, intuitiven Sinn für Melodien und die charakterliche Tiefe, die der klassisch ausgebildete Sänger Arvid Hällagård dem Sound von GREENLEAF verleiht. Neben den erstklassigen Gesangslinien sowie den massiven Fuzz-Power-Riffs hat sich der Frontmann intensive Gedanken zu seinen Texten für "The Head & The Habit" gemacht, die weit über den Standard des oft klischeebeladenen Genres hinausreichen. Wie bereits der Albumtitel ("Der Kopf & Die Gewohnheit") andeutet, sind die neuen Songs als symbolische Kurzgeschichten angelegt, die sich um das Ringen mit Gefühlen bis zu psychischen Erkrankungen drehen. In Hällagårds Lyrik spiegeln sich seine Erfahrungen aus der Arbeit mit Menschen wider, die mit Sucht und anderen psychischen Problemen zu kämpfen haben. Die Heavy Rock Liebhaber GREENLEAF wurden ursprünglich als informelles Privatprojekt unter Freunden gegründet. Alle spielten bereits in anderen Bands, worunter sich so klangvolle Namen wie DOZER, LOWRIDER und DEMON CLEANER finden. Die Schweden suchten einfach nur nach einem Ventil für ihre gemeinsame Liebe zum Hard Rock und Proto-Metal der 70er Jahre, das frei von den Erwartungen und dem Druck ihrer Hauptbands sein sollte. Trotz der Absicht, GREENLEAF nur zum Vergnügen zu betreiben, führte die ungetrübte Freude beim Erschaffen eingängiger Songs dazu, dass ihr gesamtes Umfeld nach Aufnahmen von diesem Material verlangte. Dies führte schließlich zur Veröffentlichung einer selbstbetitelten Debüt-EP im Jahr 2000, der nur ein Jahr später das erste vollständige Album "Revolution Rock" folgte. Die Jahre mit wechselnden Besetzungen waren vorbei. GREENLEAFs stabiler Fokus wurde durch ihr fünftes Album "Trails & Passes" (2014) gekrönt, auf dem erstmals Arvid Hällagård als Sänger zu hören war. Dieser Meilenstein markierte den endgültigen Beginn einer neuen Phase der Band. Mit "The Head & The Habit" verbinden GREENLEAF nun das Bewusstsein für vergangene Triumphe mit reifem Handwerk. Die Schweden wissen, wie sie mehr als je zuvor stärker, härter und auf den Punkt rocken. GREENLEAF verschmelzen donnernde Riff-Magie, mitreißenden und mit Soul getränkten Gesang, frenetische Rhythmen und treibende Takt-Attacken zu einer ohrwurmverdächtigen, funkelnden Legierung von Hardrock-Hymnen!

Die schwedischen Heavy Rocker GREENLEAF haben mit ihrem neunten Album "The Head & The Habit" den vorläufigen Gipfel ihrer langen Evolution erklommen. Die musikalische Handschrift und Virtuosität von Gitarrist Tommi Holappa, seit mehr als 25 Jahren einer der Vorreiter und tragenden Säulen der europäischen Stoner Rock Szene, zeichnen sich deutlich ab. Die Gitarren werden perfekt ergänzt durch den gefühlvollen, intuitiven Sinn für Melodien und die charakterliche Tiefe, die der klassisch ausgebildete Sänger Arvid Hällagård dem Sound von GREENLEAF verleiht. Neben den erstklassigen Gesangslinien sowie den massiven Fuzz-Power-Riffs hat sich der Frontmann intensive Gedanken zu seinen Texten für "The Head & The Habit" gemacht, die weit über den Standard des oft klischeebeladenen Genres hinausreichen. Wie bereits der Albumtitel ("Der Kopf & Die Gewohnheit") andeutet, sind die neuen Songs als symbolische Kurzgeschichten angelegt, die sich um das Ringen mit Gefühlen bis zu psychischen Erkrankungen drehen. In Hällagårds Lyrik spiegeln sich seine Erfahrungen aus der Arbeit mit Menschen wider, die mit Sucht und anderen psychischen Problemen zu kämpfen haben. Die Heavy Rock Liebhaber GREENLEAF wurden ursprünglich als informelles Privatprojekt unter Freunden gegründet. Alle spielten bereits in anderen Bands, worunter sich so klangvolle Namen wie DOZER, LOWRIDER und DEMON CLEANER finden. Die Schweden suchten einfach nur nach einem Ventil für ihre gemeinsame Liebe zum Hard Rock und Proto-Metal der 70er Jahre, das frei von den Erwartungen und dem Druck ihrer Hauptbands sein sollte. Trotz der Absicht, GREENLEAF nur zum Vergnügen zu betreiben, führte die ungetrübte Freude beim Erschaffen eingängiger Songs dazu, dass ihr gesamtes Umfeld nach Aufnahmen von diesem Material verlangte. Dies führte schließlich zur Veröffentlichung einer selbstbetitelten Debüt-EP im Jahr 2000, der nur ein Jahr später das erste vollständige Album "Revolution Rock" folgte. Die Jahre mit wechselnden Besetzungen waren vorbei. GREENLEAFs stabiler Fokus wurde durch ihr fünftes Album "Trails & Passes" (2014) gekrönt, auf dem erstmals Arvid Hällagård als Sänger zu hören war. Dieser Meilenstein markierte den endgültigen Beginn einer neuen Phase der Band. Mit "The Head & The Habit" verbinden GREENLEAF nun das Bewusstsein für vergangene Triumphe mit reifem Handwerk. Die Schweden wissen, wie sie mehr als je zuvor stärker, härter und auf den Punkt rocken. GREENLEAF verschmelzen donnernde Riff-Magie, mitreißenden und mit Soul getränkten Gesang, frenetische Rhythmen und treibende Takt-Attacken zu einer ohrwurmverdächtigen, funkelnden Legierung von Hardrock-Hymnen!

Radiosoul", das zweite Studioalbum von Alfie Templeman, ist eine anspruchsvolle Sammlung von Tracks, die eine neue, mutige Acid-Pop-Richtung des
in Bedfordshire geborenen Multitalents aufzeigen. An der Produktion des Albums waren neben Templeman auch Nile Rodgers, Dan Carey, Karma Kid,
Oscar Scheller, Will Bloomfield, Justin Young, Josh Scarbrow und Charlie J Perry beteiligt.
Es ist ein Album der Selbstfindung, das nach Lust und Laune zwischen den Genres hin und her springt und Templemans Lyrik mit neuer Schärfe und
bissigem Humor präsentiert, ohne dabei die Freude zu verlieren, die seine früheren Veröffentlichungen auszeichnete. Es ist das Werk eines
ungeheuer talentierten Songwriters, der wirklich zu sich selbst findet.

Die Sages Comme Des Sauvages sind nicht die, für die Du sie hälst. Du dachtest, sie seien naiv und nett, aber sie sind anarchistisch und wütend. In der Peripherie angesiedelt, bahnen sie sich ihren Weg zwischen dem Populären und dem Coolen. Ihre Lieder sind ein Gegenmittel gegen die schlechten Nachrichten, ein Versuch, den hohlen Raum wieder zu verzaubern. Ismaël Colombani begann im Alter von 6 Jahren mit dem Geigenspiel und spielte in mehreren Avantgarde-Musikgruppen. Er komponiert auch Musik für die Bühne, vor allem für die Tanzgruppe Peeping Tom. Ava Carrère studierte an den Beaux-Arts, bis sie das Bedürfnis verspürte, einen direkteren Weg zu finden, um die Menschen anzusprechen. In der Welt des Berliner Metakabaretts entdeckte sie, dass sie voll von Liedern war. Kaugummi und LSD sind Beispiele für Serendipität. Das sind Dinge, die man findet, ohne sie zu suchen. Sages Comme Des Sauvages ist ein anderes. Ismaël war nicht dazu bestimmt, Ava zu treffen, so wie griechische Instrumente nicht dazu bestimmt waren, die Musik von La Réunion zu spielen. Als sie ihre Stimmen mischten, entstand ein drittes Wesen, das der Gruppe. Sie fanden Spuren einer Musik, die nicht vollständig vom Kommerz beherrscht wurde, und brachten Instrumente, Freundschaften und die Idee mit, dass die Kreolisierung der Welt verstärkt werden sollte. Sages Comme Des sauvages wurde zu einem Begriff, veröffentlichte zwei Alben, wurde von französischsprachigen Radiosendern wie France Inter und RTBF gespielt und gab Hunderte von Konzerten. Und nun ist es an der Zeit sie zu entdecken.

Warehouse Find!

Red D is back for a follow up to his brilliant Chez EP which dropped last year and this time he's going for the jugular! The man responsible for
some of the finest house music of the last decade as FCL (with San Soda) and FCL vs VFB (with Motor City Drum Ensemble) knows a thing or two about
what makes the dancefloor lose its s**t, with tracks such as Let's Go Seven, It's You and Can We Try all testament to this.
When he's not DJing at the likes of Panorama Bar or hosting his own stage at Tomorrowland, Red D can be found running his own mighty fine We Play House label from his Ghent HQ.
Moan The Mania opens this release in suitably back to the raw fashion! A minimal drum machine groove and clipped bassline lay the foundations of this tribute to all things jacking with a sprinkling of porno groans to help you on your way. This is sleazy machine funk at it's very best. Next up we have a remix from Eli Escobar, the native New Yorker who has recently been making major waves following the release of his LP Happiness on Classic.
As someone who has remixed the likes of Lana Del Rey, Kim Ann Foxman, Honey Dijon and Holy Ghost we knew he'd be the man to take Red D's baton and run with it.
Keeping the overall vibe of the original intact
Eli cranks the energy further with additional in your face percussion parts and a couple of perfectly placed build ups. Flipping over we have Chase The Cat which takes a similarly stripped-back and minimal approach as Moan The Mania but goes heavier on the 707 beats. Finally we have Dusk Or Dawn closing the release with a deeper mood.
Simple FM synth stabs and glassy chimes provide a tender and naive-sounding counterpoint to the basic beats.
Red D proving once again that limiting your tools and not over-complicating things can often have so much more impact when it comes to house music.

SlapFunk return to the world of phonographic recordings with a mini album split into two ep’s from the highly regarded Tommy Vicari Jnr.

Hailing from the steel city of Sheffield he forged a new bond with the label after a standout DJ set at one of the famous SlapFunk parties and then delivered 8 solid tracks to work the speaker stacks.

Even with a minimal approach to the main ingredients in the productions, the results have been creating maximum impact on the dance floor, fully road tested at some of the best parties and festivals. Deep,moody, glitched out grooves collide with warehouse box jams that will soon get you throwing some serious shapes.

We are thrilled to have such a talent appear on our label and are very excited to present to you this dynamite double disc release. soft pads that will make you close your eyes and dive into intense reflections.

Repress!

Belgian techno powerhouse Charlotte de Witte has unveiled brand-new EP ‘Apollo’, out 14th October on her own KNTXT label.

An uncompromising collection of club tracks, ‘Apollo’ opens with ‘Missing Channel’, a turbo-charged acid techno cut pairing pumping kick drums with squelching 303s. Next up, the title track shifts things into warehouse techno territories, juxtaposing bludgeoning kicks with haunting, ethereal vocals, while ‘Mercury’ cultivates a striking interstellar energy. Closing things out, ‘PPC’ is by far the record’s most experimental track, a shimmering, beatless creation laced with samples of space transmissions.

"The vastness and solitude of space always interested me. A compelling contrast between monumental power and the vacuum in between.” Charlotte explains. “This diversion can also be found in techno music, a pure simplicity divergent in power."

Charlotte de Witte has become known for her dark, stripped-back brand of techno, acid and anything high energy. She’s often crossing borders but maintains a deep form of respect for the underground. Highlight performances across the continents - including being the first techno (and female) DJ to headline the mainstage at Tomorrowland - Mixmag and DJ Mag covers, high-ranking positions in the charts and lists confirm her status as nouveaux techno royalty.

Heavy, breakneck club fodder, ‘Apollo EP’ is Charlotte de Witte at her bold and brilliant best.

2024 repress!

Blinding double pack of heavily old school influenced bleep, direct from the depths of England by prolific young producer, Tom Carruthers. These are heavily sample based mpc productions that harken to the carefree days when the pills were pure and the music was fresh and never stopped. When house was techno and techno was house, this long player takes the best elements from say Chill Records, early-Warp and the best Nu-Groove creating timeless dance tracks made for the warehouse dj. Essential stuff here. TIP!

Der wiederum von Bob Stanley und Pete Wiggs (Saint Etienne) zusammengestellte Sampler ist eine Hommage an die nachmittäglichen Slots in Deeply Vale, Bickershaw, Krumlin, Weeley und Plumpton - Festivals der frühen 70er Jahre, die nicht die Kolumnen erreichten. Die sanften Hippies aufwecken und sowohl die schmierigen Biker als auch die Mädchen in kniehohen Stiefeln ansprechen. Und das ging am besten mit Lautstärke, Riffs und Percussion. In den Titeln von Andwella, Stack Waddy und Leaf Hound herrscht ein Hauch von Bedrohung und unerlaubtem Nervenkitzel. Zu den größeren Namen zählen die aufrührerische Edgar Broughton Band und die Könige des Festival-Freakouts Hawkwind. 'Tomorrow Night' von Atomic Rooster oder 'Back Street Luv' von Curved Air. Dazu u.a. Pink Fairies, May Blitz, Deep Purple u.v.a. Die Sounds waren schwer und oft unkonventionell, mit einem eindeutigen Geruch nach Gefahr.
Klatschen Sie in die Hände, stampfen Sie mit den Füßen, behalten Sie Ihren Geist bei. Zieh die Gummistiefel im Wohnzimmer an und dreh den Verstärker auf.