Search:the he men

François and Sylvain Rabbath have turned six years of touring into a joint album that patiently and intensely distills a variety of musical flavors gathered from around the world.

Since the early 1960s, François Rabbath's double bass has resonated through enough landmark recordings to fill several shelves in a record collection. As an arranger, composer, and musician, his imprint on music goes far beyond his collaborations with Barbara, Paco Ibáñez, Charles Aznavour, or Édith Piaf. Aspiring double bassists owe him a groundbreaking method for learning the instrument. Born into a lush musical universe that quickly became his own, his son Sylvain first accompanied him on his travels before settling at the piano and sharing stages around the world at his side.

Those years of accumulating visas in their passports were put to good use by father and son. The continents, countries, and cities they passed through became a rich source of inspiration for composing Amall, the album by the Rabbath Electric Orchestra.

Long hours spent in the air or on the road, watching passing landscapes that never stayed the same, were transformed into compositions imbued with the atmospheres of the places they crossed or visited. Inspiration sometimes struck with force, like a green oasis appearing in a desert of stone—unexpectedly, as glowing red rocks suddenly dominated an otherwise open landscape with an endless horizon, while the mind wandered into a state between meditation and introspection.
Born from these travels, the pieces took on their final colors once brought into the studio, refined, and finally arranged to welcome the guitars of Keziah Jones and Matthieu Chedid, the piano of Laurent de Wilde, the bass of Victor Wooten, the saxophone of Raphaël Imbert, and the percussion of Minino Garay. Enhanced by the scale of the jazz-soul orchestrations, by the richness of arrangements bursting from strings, brass, rhythms, or keyboards, the epic breath of vast plains became ingrained. The urban tension of funk, echoing their movements, found its place—alongside more electric expressions or the ambience of a darkened room.
Melancholic and melodious, expressive and edgy, the bowed double bass—played in the high register where few dare to go—emerged as the musical guide. One that draws a path between Seville and Minneapolis, connects François Rabbath's native Syria to France, and bridges South America to Europe. It sets the tone to follow—the emotion that will carry the piece, and if not filled with light, will carry it there nonetheless.
Musical visions packed in luggage, transported in cargo holds, or imprinted in their minds just long enough to cover the distances to the next stop—father and son deepened their bond, beyond family and art. And their hands have never held each other more tightly.

François et Sylvain Rabbath ont fait fructifier six ans de tournées pour un album commun distillant patiemment et intensément la variété de parfums musicaux récoltés autour du monde.
Depuis le début des 60’s, la contrebasse de François Rabbath résonne dans assez de références pour combler plusieurs étagères d’une collection de disques. Arrangeur, compositeur, musicien, l'empreinte laissée dans la musique va bien au-delà de ses collaborations avec Barbara, Paco Ibanez, Charles Aznavour, ou Edith Piaf. C’est à lui que les
apprentis contrebassistes doivent une méthode novatrice pour apprendre l’instrument.

Né dans un univers musical luxuriant qui est vite devenu aussi le sien, c’est d’abord dans ses voyages que son fils Sylvain l’a accompagné, avant de s’installer au piano, et parcourir les scènes du monde à ses côtés. Ces années où les visas se sont entassés sur leurs passeports, père et fils les ont mises à profit. Continents, pays, et villes qui se sont succédés sont devenues un gisement pour composer Amall, l’album du Rabbath Electric Orchestra.

Les longs moments passés dans les airs ou sur la route à contempler un paysage qui défile sans pour autant rester le même, se sont convertis en compositions habitées par les ambiances de ces endroits traversés ou visités. Là où l’inspiration s’est imposée parfois brutalement, sous
la forme d’un oasis de verdure surgissant au milieu d’un désert de pierres. Au hasard d’imposantes roches rougeoyantes s’invitant dans un paysage jusqu’alors dégagé sur un horizon sans fin, quand l’esprit se laisse aller à un mélange de méditation et d'introspection.

Nés de ces pérégrinations, les titres ont pris leurs couleurs définitives une fois ramenés en studio, peaufinés puis, enfin, pensés pour y inviter les guitares de Keziah Jones et de Matthieu Chedid, le piano de Laurent de Wilde, la basse de Victor Wooten, le saxophone de Raphaël Imbert, les percussions de Minino Garay. Sublimé par la dimension des orchestrations jazz-soul, par la richesse des arrangements jaillissant des cordes, des cuivres, des rythmiques ou des claviers, le souffle épique des plaines immenses s’est imprimé.
La nervosité citadine du funk rythmant les déplacements a trouvé sa place, non loin d’une expression plus électrique ou d’une atmosphère de salle obscure.

Mélancolique et mélodieuse, expressive et nerveuse, la contrebasse jouée à l’archet, dans les notes hautes du manche où peu s’aventurent, s’est érigée en guide musical. Celui qui trace le chemin entre Séville et Minneapolis, relie la Syrie natale de François Rabbath à la France,
réduit la distance entre l’Amérique du Sud et l’Europe. Donne la note à suivre, l’émotion qui traversera le morceau qui, s’il n’est pas habité par la lumière, le portera néanmoins jusque là.

Visions musicales mises dans le coffre, transportées en soute ou imprimées dans l’esprit le temps de couvrir les distances qui les mèneront aux prochaines, c’est côte à côte que père et fils ont prolongé leur lien par delà des seules limites familiales et artistiques. Et leurs mains ne se sont jamais serrées aussi fort.
credits

To All That We Lose And All We Fight For is the debut album by Vera Logdanidi - the
culmination of nearly two decades of musical evolution. Her journey began in the world of drum & bass and jungle, gradually expanding into deep explorations of house, dub techno, and techno. Over the years, Vera has performed on leading stages across Ukraine and internationally, while also mentoring a new generation of DJs and producers, hosting radio shows, and supporting the scene through her label and community work.

This album was written during a time of deep upheaval. The outbreak of full-scale war forced Vera to leave behind a well-established life and begin again on the international stage. While the music often feels dreamy and introspective, To All That We Lose And All We Fight For is a profoundly personal record - a sonic refuge shaped by grief, uncertainty, and resilience.

The album doesn't follow formulas; it's driven by intuition, texture, and a genuine connection to sound. It's rich, emotional, and occasionally unexpected. The tracks form the core of Vera's current live set, which has resonated at major festivals such as Draaimolen or Strichka - captivating audiences with its depth and subtle, immersive energy.

The cover art, created in close collaboration with Vera's longtime visual team, is a real
photograph - not a digital effect. It captures the tension between anxiety and hope: a glance back, and a step forward into the unknown. This visual metaphor reflects the emotional landscape of the album - the fragility of what's been lost, and the courage to embrace what lies ahead.

This release also marks a new chapter for Rhythm Buro Records - one that moves towards music that is more personal, intimate, and unconstrained by expectations.

To All That We Lose And All We Fight For is released alongside another important Rhythm Buro release: RB011 - Your Curves EP by Na Nich. Ukrainian producer Oleksandr Pavlenko, formerly known as Sunchase, returns to his roots in broken beats and bass music, blending them with house and techno sensibilities. The four-track EP ranges from deep grooves to melancholic late-night moods - a compelling counterpoint to Vera's album and a testament to the label's evolving identity.
Order RB012 n

A1 - The Moon On The Moors
ASC opens the EP with a distinctive, purposeful and dancefloor-friendly piece, driven by an intensely memorable drum pattern that will have your head nodding instantly - that's before the deep, earthy room-filling bassline quakes below. Filtered metallic breakbeats join the mix periodically along with string melodies and a plethora of sci-fi effects and classic micro samples. Absolutely essential stuff from the atmospheric wizard that is ASC.

A2 - Persuasion
A measured approach introduces Persuasion, with light hats and a subtle bleepy melody gradually pulling us toward a stunningly crisp slice of breakbeat heaven. Impossibly detailed rapidfire snares dominate the mix with incredible clarity that just has to be heard to be believed. Light bongos and airy synthwork nestle beautifully alongside trademark old school high pitched female vocal hits to cap off another stunner.

AA1 - Time and Again
Setting the tone immediately with thunderous, deep Hot Pants breaks - finely crafted as ever - Time and Again sees ASC explore an other-worldly setting with an uneasy intrigue to the echoing keys, while rousing strings provide a suitably nervy backdrop to the mix. A mellow yet tense breakdown is quickly nudged aside with the crunching breaks and darkly bassline, while echoed vocal hits add further texture.

AA2 - Severance
A wonderfully old school slice of breakbeat action quickly unfolds as Severance sees ASC playfully experiment with varied break patterns riddled with delicious little details you will pick out with each repeated listen. Sublime intent is present throughout with a heavy undertone bassline, not to mention the excellent sampled quote from the show of the same name - eventually we all have to accept reality. If this is our reality, bring it on.

Words by Chris Hayes (Spatial / Red Mist)

Gabriel Birnbaum, der Hauptsongwriter der Brooklyn-Band Wilder Maker, sagt, dass das neueste Album der Gruppe, The Streets Like Beds Still Warm, ,einer allgemeinen formalen Asymmetrie folgt, wie einer Traumlogik". Es ist reichhaltig strukturiert, stimmungsvoll und tiefgründig und ebenso narrativ wie experimentell. Es als Konzeptalbum zu bezeichnen, so groß dieser Begriff auch ist, würde ihm eigentlich nicht gerecht werden. Tatsächlich ist es nur der erste Teil einer Konzepttrilogie, die die Geschichte einer langen Nacht in der Stadt erzählt, von der Dämmerung bis zum Morgengrauen. Das Album folgt einem einsamen Erzähler, der durch die Straßen treibt und Bars und Krankenhauszimmer betritt und wieder verlässt. Wenn das ein bisschen noir klingt, dann liegt das daran, dass es das auch ist. ,Film noir Detektive sehen am Anfang immer makellos aus, aber am Ende des Films haben sie einen zerrissenen Kragen, ein blaues Auge, ihre Hosen sind fleckig und sie fangen an, aus Verzweiflung Leute zu schlagen", sagt Birnbaum. ,Sind sie noch die Guten? Ich finde das faszinierend und ich liebe die visuellen Hinweise, die die innere Landschaft widerspiegeln." Zwar gibt es auf The Streets Like Beds Still Warm keine visuellen Hinweise im eigentlichen Sinne, doch das Album verdankt sein großartiges Debüt der Kinematografie. Impressionistische Wirbel aus verzerrter Gitarre, Schlagzeug und Saxophon untermalen Birnbaums heiseres, weltmüdes Bariton-Crooning, das manchmal an Bill Fay erinnert. Aber manchmal, in all den düsteren Bar-Geschichten, denkt man auch an Tom Waits. Es ist ein Vergleich, der sowohl irreführend als auch verkürzend sein kann, aber es ist schwer, diese Assoziationen beim Hören von The Streets Like Beds Still Warm nicht zu sehen - vielleicht eine langsam schwingende Tiffany-Lampe direkt über dem Kopf des Erzählers, der etwas mehr als halbtrunken ist und eine brillant poetische, antiheroische Geschichte auf eine Serviette in einer Bar kritzelt. Seien Sie jedoch versichert, dass dies nicht ,The Heart of Saturday Night" und auch nicht ,In the Wee Small Hours" ist. Tatsächlich stammen die musikalischen Vorläufer von ,The Streets Like Beds Still Warm" aus ganz anderen Ecken des musikalischen Universums. Die Band lässt sich direkt von den Werken der zeitgenössischen Alt-Jazz-Musiker Anna Butterss und Jeff Parker sowie vom Ambient-Pionier Brian Eno ,The Streets Like Beds Still Warm" ist insgesamt ein Statement für nächtliches und hypnotisches Storytelling - sowohl in Bezug auf Stil als auch Inhalt. Birnbaums Engagement für die Erzählung, die letztendlich von Menschlichkeit handelt, spiegelt sich in der traumhaften Art und Weise wider, wie sich die Melodien entfalten. Es könnte gar nicht anders funktionieren. Tief empfunden und fokussiert, unbestreitbar hörenswert, aber schwer zu fassen - ,The Streets Like Beds Still Warm ist wunderschön seltsam - und es fühlt sich genau wie etwas an, das in zehn Jahren die Anerkennung erhalten wird, die es verdient.

Indie-Store-Version Gold Coloured 2x12" Vinyl in Gatefold

Nach über drei Jahrzehnten Karriere und über zwei Millionen verkauften Alben bleiben PARADISE LOST die unangefochtenen Könige der dunklen Seite des Metal.
Die 1988 in Halifax gegründete Band wurde mit ihren frühen, bahnbrechenden Alben wie dem treffend betitelten „Gothic“ von 1991, einer Mischung aus Härte, düsterer Melodie und Atmosphäre, schnell als Pioniere des Gothic Metal bekannt. Sie waren nie eine Gruppe, die kreativ statisch blieb, und haben im Laufe ihrer Karriere unzählige Wege dunkler Musik erkundet, von schlammigen Doom-Death-Wurzeln über die Eroberung des Metal-Mainstreams mit den gewaltigen, satten Klängen von „Draconian Times“ von 1995 bis hin zu experimentelleren, elektronischeren Einflüssen. Sie haben so unterschiedliche Künstler wie CRADLE OF FILTH, HIM, GATECREEPER und CHELSEA WOLFE beeinflusst.

Jetzt, im Jahr 2025, kehrt das Quintett aus Yorkshire mit seinem atemberaubenden 17. Album „Ascension“ zurück, einem Album, das ihre Krone weiterhin strahlen lässt und unterstreicht, wie sie ihre Position erreicht haben. Produziert von Gitarrist Gregor Mackintosh in den Black Planet Studios in East Yorkshire, mit Schlagzeug und Gesang aus den NBS und Wasteland Studios in Schweden, durchqueren die zehn Tracks die gesamte Klangvielfalt der Band – von knallhartem Heavy Metal bis hin zu himmelhohen Melodien – und bewahren dabei eine unwiderstehliche Moll-Melancholie.

„Die Leute sollten erwarten, dass wir noch trüber werden“, scherzt Frontmann Nick Holmes auf die Frage, was Fans 2025 von PARADISE LOST erwarten können. Die Erklärung des Albumtitels und der Texte macht jedoch deutlich, dass sie ihr Handwerk weiterhin beherrschen, wenn es darum geht, solche Erwartungen zu erfüllen. „Der Albumtitel entspringt dem Glauben an den Aufstieg zu einem besseren Ort, in der Fiktion von der Erde in den Himmel, und all den damit verbundenen Anforderungen“, führt er aus. „Im wirklichen Leben streben Menschen oft von Geburt an danach, an einen besseren Ort zu gelangen und ein besserer Mensch zu sein, ungeachtet der Tatsache, dass der einzige Lohn der Tod ist.“ „Die Texte handeln von allem, was das Leben uns entgegenwirft“, fährt er fort. „Es ist nie vorhersehbar und kann gleichzeitig auch erschreckend sein. Wie Menschen mit dem Tod umgehen, welche Krücken sie benutzen und wie der mentale Zustand von lebensverändernden Situationen beeinflusst wird, ist immer wieder faszinierend.“

Genau wie die Musik selbst. Der Album-Opener „Serpent on The Cross“ beginnt mit einem herrlich düsteren Riff, bevor er nach der Hälfte in donnernden klassischen Metal übergeht, angetrieben von Doublebass-Drumming und einem fast METALLICA-artigen Riff. In „Silence Like The Grave“ singt Nick „über die Sinnlosigkeit des Krieges, das Sammeln von Punkten für die Menschheit“, untermalt von perfekter Gothic-Metal-Kulisse. „Tyrant’s Serenade“ zeigt derweil die tief verwurzelte Fähigkeit der Band, Einfachheit gewaltig klingen zu lassen, gekrönt von Gregors charakteristischen, eindringlichen Gitarrenleads. „Lay A Wreath Upon The World“ beginnt als ruhige Elegie, bevor es zu einem traurigen Höhepunkt gelangt, und das Schlussstück „The Precipice“ führt mit Klaviermelodien, bevor es zu einem würdevollen Abschluss führt.
All dies zeigt meisterhaft die Bandbreite dessen, was PARADISE LOST geleistet haben und leisten können, auf eine Weise, die bis heute keiner anderen Band vergleichbar ist.


„Nach 35 Jahren ist alles bewusst“, sagt Nick. „Bei einem so umfangreichen und abwechslungsreichen Backkatalog ist es schwierig, nicht hundertprozentig sicher zu sein, woher alles kommt. Aber letztendlich kommt es einfach darauf an, ob uns die Musik gefällt, die wir machen. Wenn ja, bleibt sie! Das hat sich seit unserer Jugend nicht geändert.“ Ascension ist ein stolzer Bestandteil von PARADISE LOST. Das Elend hört nie auf, aber, sagt Nick, so mögen sie es eben. „Ironischerweise“, lacht er, „ist es immer am angenehmsten, miserable Musik zu hören – und zu schreiben, schätze ich.“

'Rainy Sunday Afternoon' wurde im vergangenen Herbst in den Abbey Road Studios aufgenommen und ist das dreizehnte Album von The Divine Comedy, ihr erstes Studioalbum seit dem britischen Top-5-Album 'Office Politics' von 2019. Die letzte Veröffentlichung der Band war die Best-of-Compilation 'Charmed Life' von 2022, die ebenfalls Platz 5 der britischen Albumcharts erreichte. Neil Hannon schrieb zuletzt die Original-Songs für den Warner Bros. Blockbuster 'Wonka'.

Neil sagt: "Mein musikalisches Schaffen ist im Guten wie im weniger Guten ein Spiegelbild meiner Persönlichkeit. Ein großer Teil dieser Persönlichkeit genießt die Ausgelassenheit, zelebriert die Albernheit. Und davon habe ich in den Wonka-Liedern reichlich Gebrauch gemacht. Aber wie jeder Mensch habe auch ich eine dunkle, melancholische Seite. Und aus irgendeinem Grund war die in letzter Zeit sehr präsent. Ich brauchte dieses Album als Ventil für diese Gefühle. Um gewisse Dinge zu verarbeiten. Sterblichkeit, Erinnerungen, Beziehungen, politische und soziale Umwälzungen. Jeder sollte hin und wieder die Gelegenheit bekommen ein orchestrales Pop-Album zu machen. Es sollte Teil der Grundversorgung sein durch den National Health Service.“

'Rainy Sunday Afternoon' wurde im vergangenen Herbst in den Abbey Road Studios aufgenommen und ist das dreizehnte Album von The Divine Comedy, ihr erstes Studioalbum seit dem britischen Top-5-Album 'Office Politics' von 2019. Die letzte Veröffentlichung der Band war die Best-of-Compilation 'Charmed Life' von 2022, die ebenfalls Platz 5 der britischen Albumcharts erreichte. Neil Hannon schrieb zuletzt die Original-Songs für den Warner Bros. Blockbuster 'Wonka'.

Neil sagt: "Mein musikalisches Schaffen ist im Guten wie im weniger Guten ein Spiegelbild meiner Persönlichkeit. Ein großer Teil dieser Persönlichkeit genießt die Ausgelassenheit, zelebriert die Albernheit. Und davon habe ich in den Wonka-Liedern reichlich Gebrauch gemacht. Aber wie jeder Mensch habe auch ich eine dunkle, melancholische Seite. Und aus irgendeinem Grund war die in letzter Zeit sehr präsent. Ich brauchte dieses Album als Ventil für diese Gefühle. Um gewisse Dinge zu verarbeiten. Sterblichkeit, Erinnerungen, Beziehungen, politische und soziale Umwälzungen. Jeder sollte hin und wieder die Gelegenheit bekommen ein orchestrales Pop-Album zu machen. Es sollte Teil der Grundversorgung sein durch den National Health Service.“

GOODWIN, das Soloprojekt des The Slow Show-Sängers Rob Goodwin, hat das Debütalbum 'PEEKABOO' angekündigt, das am 19. September 2025 über PIAS Recordings veröffentlicht wird. An Goodwins Seite ist dabei Lambert, der mysteriöse, maskierte Pianist und Komponist, der u.a. für seine Zusammenarbeit mit Künstlern wie Nils Frahm und Ólafur Arnalds bekannt ist.

'PEEKABOO' geht über die cineastische Wucht seiner Band hinaus und liefert etwas Intimeres und Ungeschliffeneres. Eine Sammlung zutiefst persönlicher Songs, die in stillen Momenten entstanden sind und in Berlin-Neukölln mit Lambert geformt wurden. Als Produzent bringt Lambert seine Handschrift - sowohl spielerisch als auch tiefgründig - in 'PEEKABOO' ein. Er verwebt eindringliche Pianos und Arrangements mit Goodwins intimem Storytelling und lässt jeden Song in seinem eigenen ruhigen Raum atmen. Gemeinsam geht es auch auf 'PEEKABOO' Tour im Herbst.

Getragen von Goodwins unverwechselbarem Bariton - einer Stimme, die sowohl zärtlich als auch donnernd und voller Sehnsucht ist - entfalten sich die zehn Songs wie eine Reihe stiller Bekenntnisse. Inspiriert von den stimmungsvollen Atmosphären von Leonard Cohen und Nick Drake, behandeln die Lieder das Gewicht von Liebe, Verlust und stiller Tapferkeit. Romantische, traumhafte Geschichten für Menschen, die verstehen, dass manchmal die kleinsten Momente die größte Bedeutung haben. “These songs are fragments of myself. Sharing them feels exhilarating and terrifying, as vulnerability often does.”

'Rainy Sunday Afternoon' wurde im vergangenen Herbst in den Abbey Road Studios aufgenommen und ist das dreizehnte Album von The Divine Comedy, ihr erstes Studioalbum seit dem britischen Top-5-Album 'Office Politics' von 2019. Die letzte Veröffentlichung der Band war die Best-of-Compilation 'Charmed Life' von 2022, die ebenfalls Platz 5 der britischen Albumcharts erreichte. Neil Hannon schrieb zuletzt die Original-Songs für den Warner Bros. Blockbuster 'Wonka'.

Neil sagt: "Mein musikalisches Schaffen ist im Guten wie im weniger Guten ein Spiegelbild meiner Persönlichkeit. Ein großer Teil dieser Persönlichkeit genießt die Ausgelassenheit, zelebriert die Albernheit. Und davon habe ich in den Wonka-Liedern reichlich Gebrauch gemacht. Aber wie jeder Mensch habe auch ich eine dunkle, melancholische Seite. Und aus irgendeinem Grund war die in letzter Zeit sehr präsent. Ich brauchte dieses Album als Ventil für diese Gefühle. Um gewisse Dinge zu verarbeiten. Sterblichkeit, Erinnerungen, Beziehungen, politische und soziale Umwälzungen. Jeder sollte hin und wieder die Gelegenheit bekommen ein orchestrales Pop-Album zu machen. Es sollte Teil der Grundversorgung sein durch den National Health Service.“

'Rainy Sunday Afternoon' wurde im vergangenen Herbst in den Abbey Road Studios aufgenommen und ist das dreizehnte Album von The Divine Comedy, ihr erstes Studioalbum seit dem britischen Top-5-Album 'Office Politics' von 2019. Die letzte Veröffentlichung der Band war die Best-of-Compilation 'Charmed Life' von 2022, die ebenfalls Platz 5 der britischen Albumcharts erreichte. Neil Hannon schrieb zuletzt die Original-Songs für den Warner Bros. Blockbuster 'Wonka'.

Neil sagt: "Mein musikalisches Schaffen ist im Guten wie im weniger Guten ein Spiegelbild meiner Persönlichkeit. Ein großer Teil dieser Persönlichkeit genießt die Ausgelassenheit, zelebriert die Albernheit. Und davon habe ich in den Wonka-Liedern reichlich Gebrauch gemacht. Aber wie jeder Mensch habe auch ich eine dunkle, melancholische Seite. Und aus irgendeinem Grund war die in letzter Zeit sehr präsent. Ich brauchte dieses Album als Ventil für diese Gefühle. Um gewisse Dinge zu verarbeiten. Sterblichkeit, Erinnerungen, Beziehungen, politische und soziale Umwälzungen. Jeder sollte hin und wieder die Gelegenheit bekommen ein orchestrales Pop-Album zu machen. Es sollte Teil der Grundversorgung sein durch den National Health Service.“

GOODWIN, das Soloprojekt des The Slow Show-Sängers Rob Goodwin, hat das Debütalbum 'PEEKABOO' angekündigt, das am 19. September 2025 über PIAS Recordings veröffentlicht wird. An Goodwins Seite ist dabei Lambert, der mysteriöse, maskierte Pianist und Komponist, der u.a. für seine Zusammenarbeit mit Künstlern wie Nils Frahm und Ólafur Arnalds bekannt ist.

'PEEKABOO' geht über die cineastische Wucht seiner Band hinaus und liefert etwas Intimeres und Ungeschliffeneres. Eine Sammlung zutiefst persönlicher Songs, die in stillen Momenten entstanden sind und in Berlin-Neukölln mit Lambert geformt wurden. Als Produzent bringt Lambert seine Handschrift - sowohl spielerisch als auch tiefgründig - in 'PEEKABOO' ein. Er verwebt eindringliche Pianos und Arrangements mit Goodwins intimem Storytelling und lässt jeden Song in seinem eigenen ruhigen Raum atmen. Gemeinsam geht es auch auf 'PEEKABOO' Tour im Herbst.

Getragen von Goodwins unverwechselbarem Bariton - einer Stimme, die sowohl zärtlich als auch donnernd und voller Sehnsucht ist - entfalten sich die zehn Songs wie eine Reihe stiller Bekenntnisse. Inspiriert von den stimmungsvollen Atmosphären von Leonard Cohen und Nick Drake, behandeln die Lieder das Gewicht von Liebe, Verlust und stiller Tapferkeit. Romantische, traumhafte Geschichten für Menschen, die verstehen, dass manchmal die kleinsten Momente die größte Bedeutung haben. “These songs are fragments of myself. Sharing them feels exhilarating and terrifying, as vulnerability often does.”

When João released “Quem é Quem” in 1973, he had already been in the music industry for over 20 years, gaining national and international recognition. Nevertheless, the album marked the beginning of a new phase in his career: the surprising multi-instrumentalist included lyrics in his songs for the first time. It is one of his most important albums, which now returns to shelves on 180-gram vinyl as part of the “Classics on Vinyl” collection from Polysom.

The album was produced by Milton Miranda and Marcos Valle, with arrangements by João Donato, Maestro Gaya, Lan Guest, Laércio de Freitas, and Dory Caymmi. It features 12 tracks, the vast majority of which are authored by him, with collaborators such as Geraldo Carneiro, Lysias Ênio, Paulo Cesar Pinheiro, Caetano Veloso, and João Carlos Pádua. The only exception is the song “Cala Boca Menino” by Dorival Caymmi.

Percussive P (who has previously released on the label with FR037 & our remix on THCFR001) is a top quality producer who I wish had more music/releases out there. I used to play a tune of his called "Gunsmith" a lot in sets, as well as a lot of his collabs with Kid Lib which I was a big fan of. I'd previously collaborated with him on a tune for Dublinquents a few years ago and I was quite keen on doing a new collaboration with him for Meeting Of The Minds, so he sent me some tracks he had started, I picked my favourite to work on and that led to "Impatience".

Fluid Haunts is a solid producer who I was familiar with, but it wasn't until his music was drilled into my head by Dwarde who was playing a few select tunes from him in every single b2b set we had together, that I started to really appreciate his skills. Dwarde would play "Not Your Ordinary Love Song" without fail, in any given moment and time, and it would always get a great reaction from the crowd, so I had to get in touch to see if he'd be up for working with me & thankfully he was! We ended up making "Pineapple Soup" together & I can't remember why it's called that, I think he named the tune ????

Hobzee is one half of Silent Dust (him & Zyon Base) & I used to chat regularly with him and trade music with him on AOL Instant Messenger (showing my age here!) a long while back. He got back in touch with me about wanting to work on music together and he had an early version of "Sunspots" done. It was very promising sounding so I was quite keen to get involved with him on it and I'm grateful that I was able to get him on Future Retro London after many many years of IM chats!

Usually, I limit my collaborations on Meeting Of The Minds to producers that are fairly established and already somewhat known to other people, but for those who don't know who Eff is, she is a potentially familiar face to anyone who has attended a Future Retro London event, as she has been on the door for every single one. One day after a Distant Planet event in Bristol, she mentioned to me that she had an idea for a track inspired by a PFM tune and she already had the title in mind for it, which is "Wavebreak". I was curious about how this would sound in reality, so we met up to work on the tune & she said it was pretty much like how she had envisioned it & I liked how it sounded, so I thought it would be worth putting out on a future Meeting Of The Minds release, which ended up being this one.

Big up to all the artists involved on this edition of Meeting Of The Minds, it's quite a long and arduous task putting together each one, which is why there was such a gap between Vol. 9 & 10 and Vol. 11 & 12. I plan on getting the series back into something more regularly occurring, so hopefully I can actually stick to that plan!

Ltd Edition!

Das beeindruckende Solo-Debütalbum von Sydney Minsky-Sargeant, dem Kopf der Alt-Electro-Band Working Men's Club.

"Lunga" ist das beeindruckende Solo-Debütalbum von Sydney Minsky-Sargeant, dem Kopf der Alt-Electro-Band Working Men's Club. Während der Katalog von Working Men's Club Industrial-Post-Punk für den Indie-Dancefloor neu interpretiert, ist "Lunga" eine introspektive Platte, auf der Minsky Sargeant über das Erwachsenwerden und die Zeit zwischen Kindheit und Erwachsensein reflektiert. Die Tracks von "Lunga" wurden über mehrere Jahre hinweg in den Pausen zwischen den WMC-Verpflichtungen geschrieben und dann mit Alex Greaves im "The Nave" in Leeds aufgenommen. Die Lieder sind nachdenklich und suchend, mit einfachen Refrains, die oft über spärlichen Gitarrenlinien wiederholt werden. Minsky Sargeant spielt den Großteil der Instrumente selbst und erschafft mit zarten Drum Fills, unheimlichem Cello und dezenten Synthies eine bezaubernde Welt. Minsky Sargeant dachte, er hätte ein neues Wort kreiert, als er die Platte betitelte - etwas, das die selbsthinterfragende Stimmung der Platte und die Erforschung der Beziehung des Menschen zur Natur zusammenfasst. Dass sich "Lunga" dann als der Name einer unbewohnten schottischen Insel herausstellte - zerklüftet, isoliert und in ständiger Bewegung - ist der Beweis für eine einzigartige künstlerische Vision.

Das beeindruckende Solo-Debütalbum von Sydney Minsky-Sargeant, dem Kopf der Alt-Electro-Band Working Men's Club.

"Lunga" ist das beeindruckende Solo-Debütalbum von Sydney Minsky-Sargeant, dem Kopf der Alt-Electro-Band Working Men's Club. Während der Katalog von Working Men's Club Industrial-Post-Punk für den Indie-Dancefloor neu interpretiert, ist "Lunga" eine introspektive Platte, auf der Minsky Sargeant über das Erwachsenwerden und die Zeit zwischen Kindheit und Erwachsensein reflektiert. Die Tracks von "Lunga" wurden über mehrere Jahre hinweg in den Pausen zwischen den WMC-Verpflichtungen geschrieben und dann mit Alex Greaves im "The Nave" in Leeds aufgenommen. Die Lieder sind nachdenklich und suchend, mit einfachen Refrains, die oft über spärlichen Gitarrenlinien wiederholt werden. Minsky Sargeant spielt den Großteil der Instrumente selbst und erschafft mit zarten Drum Fills, unheimlichem Cello und dezenten Synthies eine bezaubernde Welt. Minsky Sargeant dachte, er hätte ein neues Wort kreiert, als er die Platte betitelte - etwas, das die selbsthinterfragende Stimmung der Platte und die Erforschung der Beziehung des Menschen zur Natur zusammenfasst. Dass sich "Lunga" dann als der Name einer unbewohnten schottischen Insel herausstellte - zerklüftet, isoliert und in ständiger Bewegung - ist der Beweis für eine einzigartige künstlerische Vision.

Teresa Rotschopf, a musician and composer from Vienna, presents her second solo album, »Currents and Orders« – a radical, delicate, yet grandiose sonic journey between experimental pop, new music, and improvised composition. The album will be presented live on August 27 as part of the »Pop-Kultur« festival (silent green, Berlin) and at the »ORF RadioKulturhaus« (Vienna) on 12 September.

»Currents and Orders« was recorded in an unusual location: a stalactite cave in Styria, Austria. Together with a small group of musicians (Maria Gstättner: bassoon, contraforte; Alex Kranabetter: tuba, trumpet, French horn; Patrick Dunst: saxophone, duduk; Florian Klinger: marimba, vibraphone, glockenspiel, cymbals, gong, stalactite; Patrick Pulsinger: gong, stalactite; Ulrich Schleicher: gong) and in co-production with Patrick Pulsinger, Rotschopf recorded the album in June 2023 – deep underground, far from daylight, but all the closer to archaic sounds and resonances.

The cave becomes not only an acoustic stage, but also a symbolic space of memory, retreat, and transformation. The album comprises four pieces – including two large-scale tracks:
- the opening, mantra-like title track »Currents and Orders« (over 10 minutes)
- the final, free-jazz, expressive »I Open My Gates (for You)« (over 20 minutes)

With a minimalist structure, choral voices, vibraphone, percussion, and wind instruments, fragile yet powerful soundscapes emerge, whose spatial depth is also palpable through the cave reverberation.

Rotschopf first developed the desire to record in a cave in the summer of 2022. What began as a visual and sonic image became a concrete project – supported by the Austrian Cave Association. In June 2023, Rotschopf and her musicians spent three days in a cave in the Styrian forest. Almost a kilometer of cable was laid, and equipment and instruments were carried deep underground. Rotschopf describes the recording situation as a kind of return to herself: »I descended into this cave, as if I could descend into myself, into my own womb ... What we did in the cave could just as easily be called ›recording music,‹ but it could also be called ›remembering‹ – remembering the earth, the cave, and humanity.«

»Currents and Orders« is an album like a ritual: haunting, atmospheric, bold in its form, and deeply rooted in both physical and emotional space. Music that takes its time, uses space, and pushes boundaries.

The pre-release single »O Please My Soul (Rest On My Back)« (release: July 17, 2025) is accompanied by a striking music video shot by Antoinette Zwirchmayr on 16mm film: Teresa Rotschopf holds a real owl in her hand – an image that is as magical as it is enigmatic.

Label owner Martin Hossbach read a review of Rotschopf's first solo album, »Messiah,« in 2018 and contacted the artist. Joint releases followed, including a drone album on the sub-label Martin Hossbach Score and a Pet Shop Boys cover version on Martin Hossbach Cover.

Teresa Rotschopf, Musikerin und Komponistin aus Wien, präsentiert mit »Currents and Orders« ihr zweites Soloalbum – eine radikale, zarte und zugleich groß angelegte Klangreise zwischen experimentellem Pop, Neuer Musik und improvisierter Komposition. Das Album wird am 27.8. im Rahmen des Festivals »Pop-Kultur« (silent green, Berlin) und am 12.9. im »ORF RadioKulturhaus« (Wien) live vorgestellt.

»Currents and Orders« entstand an einem ungewöhnlichen Ort: in einer Tropfsteinhöhle in der Steiermark, Österreich. Gemeinsam mit einer kleinen Gruppe von Musiker:innen (Maria Gstättner: Fagott, Kontraforte; Alex Kranabetter: Tuba, Trompete, Waldhorn; Patrick Dunst: Saxophon, Duduk; Florian Klinger: Marimbaphon, Vibraphon, Glockenspiel, Becken, Gong, Stalakmit; Patrick Pulsinger: Gong, Stalakmit; Ulrich Schleicher: Gong) und in Ko-Produktion mit Patrick Pulsinger nahm Rotschopf das Album im Juni 2023 auf – tief unter der Erde, fern von Tageslicht, dafür umso näher an archaischen Klängen und Resonanzen.

Die Höhle wird nicht nur zur akustischen Bühne, sondern auch zum symbolischen Raum der Erinnerung, des Rückzugs, der Transformation. So umfasst das Album vier Stücke – darunter zwei großformatige Tracks: - das eröffnende mantraartige Titelstück »Currents and Orders« (über 10 Minuten) - das finale, free-jazzig-expressive »I Open My Gates (For You)« (über 20 Minuten)

Mit minimalistischer Struktur, Chorstimmen, Vibraphon, Schlag- und Blasinstrumenten entstehen fragile und zugleich mächtige Klangwelten, deren räumliche Tiefe auch durch den Höhlenhall spürbar wird.

Der Wunsch, in einer Höhle aufzunehmen, kam Rotschopf im Sommer 2022. Was als visuelles und klangliches Bild begann, wurde zu einem konkreten Vorhaben – unterstützt vom Österreichischen Höhlenverein. Im Juni 2023 begab sich Rotschopf mit ihren Musiker:innen drei Tage lang in eine Höhle im steirischen Wald. Fast ein Kilometer Kabel wurde verlegt, Equipment und Instrumente tief unter die Erde getragen. Rotschopf beschreibt die Aufnahmesituation als eine Art Rückkehr in sich selbst: »Ich stieg in diese Höhle hinab, so als ob ich in mich selbst hinabsteigen könnte, in meinen eigenen Schoß [...] Was wir in der Höhle taten, könnte man ›Musik aufnehmen‹ nennen, genauso gut aber auch ›Erinnern‹ – Erinnern von Erde, Höhle und Menschsein.«

Currents and Orders ist ein Album wie ein Ritual: eindringlich, atmosphärisch, mutig in der Form und tief verwurzelt im physischen wie emotionalen Raum. Musik, die sich Zeit nimmt, Raum nutzt und Grenzen sprengt.

Die Vorab-Single »O Please My Soul (Rest On My Back)« (VÖ: 17.7.205) wird begleitet von einem eindrücklichen Musikvideo, das Antoinette Zwirchmayr auf 16mm-Film drehte: Teresa Rotschopf hält darin eine echte Eule auf ihrer Hand – ein Bild, das genauso magisch wie rätselhaft wirkt.

Labelbetreiber Martin Hossbach las im Jahr 2018 eine Rezension des ersten Rotschopf-Soloalbums »Messiah« und nahm Kontakt zu der Künstlerin auf. Es folgten gemeinsame Veröffentlichungen – etwa ein Drone-Album auf dem Sub-Label Martin Hossbach Score und eine Pet-Shop-Boys-Coverversion auf Martin Hossbach Cover.

Was würdest du tun, wenn du wüsstest, dass in 5 Monaten die Welt untergeht? Diese tiefgründige Frage steht im Mittelpunkt von Arjen Lucassens neuestem Werk "Songs No One Will Hear". Es ist eine klangliche Reise durch die letzten Tage der Mensch-heit, während ein Asteroid auf die Erde zurast, eine Mischung aus düsterem Humor, rohen Emotionen und der chaotischen, sur-realen Natur der Endzeit. Einige geraten in Panik, andere feiern Partys, wieder andere brechen zusammen - aber einige wenige finden inmitten des Chaos ihren Frieden."Es ist tragisch, es ist absurd, es ist der Soundtrack zur Apokalypse"."Songs No One Will Hear" ist ein eklektisches Meisterwerk, das aus einem breiten Spektrum von Stilen schöpft - Rock, Prog, Pop, Elektronik und Akustik - und sowohl von heiteren Momenten als auch von tiefer emotionaler Intensität durchdrungen ist. Es er-forscht das gesamte Spektrum menschlicher Emotionen, von Panik bis hin zu unerwarteter Gelassenheit, mit der für Arjen typi-schen Mischung aus Komplexität und Zugänglichkeit. Die Fans werden einen gitarrenbetonten, modernen, eher prog-orientierten Sound zu hören bekommen, der die Energie und das Gefühl seiner früheren Ayreon-Arbeiten heraufbeschwört, während er gleichzeitig eine straffe, konzeptorientierte Erzählung beibehält.Das Album enthält mehr Gitarrensoli, mehr weiblichen Gesang und eine bandähnlichere Atmosphäre als sein Vorgänger, was zu einem dynamischeren und unmittelbareren Sound führt. Es ist nicht nur eine Sammlung von Songs, sondern ein Konzeptalbum, das die letzten Tage vor dem Asteroideneinschlag beschreibt, voller Wendungen und einer unerbittlichen Energie, die den be-vorstehenden Untergang widerspiegelt.Arjen hat unermüdlich daran gearbeitet, alles selbst zu produzieren und einzuspielen, um die Vision dieser apokalyptischen Klangwelt von Anfang bis Ende einzufangen. Zu den Höhepunkten gehören der atemberaubende Gesang von Floor Jansen (auf "The Clock Ticks Down") und eine Vielzahl von Gastmusikern wie Robert Soeterboek, Marcela Bovio, Patty Gurdy an der Dreh-leier und Mike Mills, der einen schaurigen Moment der Geschichte erzählt."Songs No One Will Hear" ist eine atemberaubende Ergänzung zu Arjen Lucassens bereits legendärem Gesamtwerk.

Limitiert auf 1000 Stück – ein echtes Sammlerstück!

Die exklusive Fanbox zu Heinz Rudolf Kunzes 47. Studioalbum „Angebot und Nachfrage“ ist so besonders wie das Werk selbst: Wortgewaltig, rockig, wütend, melancholisch – Kunze zieht alle Register seines Könnens.

Diese einmalige Edition enthält:
• das neue Album auf Doppelvinyl und CD,
• ein handsigniertes Hardcoverbuch mit 40 Seiten Fotos & bisher unveröffentlichten Texten,
• eine exklusive Single-Vinyl zum 40-jährigen Jubiläum von „Dein ist mein ganzes Herz“.


Heinz Rudolf Kunzes 47. Album ist ein gereiftes, meisterliches Spätwerk über die großen Themen des Lebens: Liebe, Alter, Herkunft, Vergänglichkeit, Krieg, Identität. Aber auch der Zustand unserer Gesellschaft, der politische Diskurs, das Auseinanderdriften – Kunze bleibt nicht an der Oberfläche, sondern taucht tief. Dabei gelingt ihm der seltene Spagat: Nachdenklichkeit ohne Pathos, Kritik ohne Bitterkeit, Emotionalität ohne Kitsch.

Musikalisch trägt ihn ein homogener, gewachsener Bandsound – mal kraftvoll, mal filigran, stets songdienlich. Produziert wurde das Album erneut von Udo Rinklin, mit dem Kunze in den letzten Jahren eine kreative Hochphase erreicht hat.

Angebot und Nachfrage“ ist Reise, Rückschau, Kommentar und ein mutiges Bekenntnis zu Sprache, Haltung und Musik. Ein Werk mit Persönlichkeit und Relevanz – nicht nur für Fans, sondern für alle, die in Musik mehr suchen als nur Unterhaltung.

Wortgewaltig, rockig, wütend, melancholisch. Eigentlich, wie man ihn kennt – und doch ist einiges anders. Oder besser: direkter.

Heinz Rudolf Kunzes 47. Album ist ein gereiftes, meisterliches Spätwerk über die großen Themen des Lebens: Liebe, Alter, Herkunft, Vergänglichkeit, Krieg, Identität. Aber auch der Zustand unserer Gesellschaft, der politische Diskurs, das Auseinanderdriften – Kunze bleibt nicht an der Oberfläche, sondern taucht tief. Dabei gelingt ihm der seltene Spagat: Nachdenklichkeit ohne Pathos, Kritik ohne Bitterkeit, Emotionalität ohne Kitsch.
Musikalisch trägt ihn ein homogener, gewachsener Bandsound – mal kraftvoll, mal filigran, stets songdienlich. Produziert wurde das Album erneut von Udo Rinklin, mit dem Kunze in den letzten Jahren eine kreative Hochphase erreicht hat.
Angebot und Nachfrage“ ist Reise, Rückschau, Kommentar und ein mutiges Bekenntnis zu Sprache, Haltung und Musik. Ein Werk mit Persönlichkeit und Relevanz – nicht nur für Fans, sondern für alle, die in Musik mehr suchen als nur Unterhaltung.

"Irritating Post Punk New Wave Kraut Disco Trash Duo from Switzerland in Glitter Tights and Spandex Wigs with obscure and high potential Dancing Beats and and songs that stick in your brain like chewing gum". It's their fifth' full lenght amd second for VVR! DIE GROSSE KUNST DER REDUKTION: BLIND BUTCHER ist ein abstraktes musikalisches Künstler/Musiker-Duo aus Luzern der Schweiz, welches Glitzer-Leggings trägt und das Gesicht hinter einem Leuchfarben-Spandex Vorhang versteckt. Ihre Ästhetik und Outfits werden angefertigt von Corinne Odermatt, aber vor allem überzeugen sie durch ihre Musik, die einem, wenn mensch sie live erlebt, nicht aus dem Staunen herauskommen und perplex im Raum stehenlässt. Wie zwei obskure Kreaturen von einer anderen Galaxie treiben sie ihren Disco Beats durch den Raum, oder wie hier durch die Rille einer Vinyl-Schallplatte. Aufgenommen wurde diese zweite Produktion für Voodoo Rhythm beim renommierten Swamp Land Studio in Toulouse Frankreich mit Lo Spider (Destination Lonely) und gemastert in Detroit von Bill Skibbe at Third Man Mastering. Das Coverfoto und Artwork entwarf Ralph Kuehne. Classic black Vinyl LP 180g including Booklet and free Download Card

‘Tedere Baldadigheden’, Guido Belcanto's new, long-awaited album in a production by Firmin Michiels and Guido Op De Beeck, was released on 4 October, 2024 at the beginning of a very extensive, sold out tour. It is a special retrospective from an award-winning singer who looks back with melancholy and humour on the many mischievous adventures that marked his life. Love prevails, but tragedy and tristesse also leave their mark on Belcanto himself and the scarred souls of the many colourful characters who come to life in his songs.

This 15th studio album undoubtedly represents a new high point in Belcanto's oeuvre, which now numbers over 300 songs, with 11 of his own songs and 2 surprising adaptations of songs by Eels and Guido's idol Renaud. Besides members of his loyal backing band Het Broederschap, guest musicians such as Stoy Stoffelen, David Poltrock, Evert Verhees, Jan De Smet, Alban Sarens, Adriano Cominotto and Chris Peeters also play along. Also notable are certainly the passages of Lara Chedraoui (Intergalactic Lovers) and The Bonnie Blues.

For more than 40 years, Guido Belcanto has been creating a universe all his own with his songs. A warm, recognisable home for everyone, young or old, rich or poor, winner or loser. A home too, masterfully brought to a stage where the audience is allowed to be themselves without embarrassment, praising happiness, measuring the damage suffered, letting the tears flow and the laughs ring out.

Die Black Lips sind mit einer 40-minütigen Rock'n'Roll-Odyssee quer durch die Genres zurück, bei der Garagenrock auf New-Wave-Pop trifft und verärgerter Country sich die Hand mit epischen Western-Soundtracks gibt. Das 14-Track-Album fängt die Energie und den Geist der frühen Black Lips ein und geht gleichzeitig neue Wege beim Songwriting. Das Album ist ein musikalisches Karussell, eine Trip mit straßengeschundenen Geschichten aus der Schattenseite eines lichtlosen Amerikas. Die Rahmung bildet "The Illusion", pt.I und II: eine Suche nach Hoffnung, Angst und Hass in einer Bar, die immer wieder von einem Gefühl der Resignation durchkreuzt wird: ,you reach for the sky / but it's an illusion". An anderer Stelle spielt sich "Wild One" wie ein Morricone-Taumel durch einen weiteren Tag in der Hölle ab. Ein Mantra für verkatertes, himmelschreiendes Klagelied zum Lob des Wilden im Herzen. "Tippy Tongue" zeigt, wie Black Lips den Soul der 60er-Jahre-Girlgroups aufgreifen, wie Shangri-Las oder Ronettes, die von Jayne/Wayne County infiltriert wurden, und ist eine Hommage an Buddha Records. "Kassandra" hat einen sonntäglichen Gitarrensound, der sich wie The Chocolate Watchband mit Zappa am Gesang durch immer wiederkehrende Salven schlängelt. "Zulu Saints" ist ein beschwingter Country-Hupf, ein Gute-Laune-Stück mit Bravour, gespickt mit Cole in einer ungläubigen Radio-Telefon-Show, der nach schwarzäugigen Erbsen sucht und an den Spielautomaten groß gewinnt. Für die Aufnahmen verschanzten sie sich in der idyllischen Umgebung von Schlagzeuger Oakleys neuem Sound At Manor Studio in den Catskills (das erste Album, das dort aufgenommen wurde, seit Oakley das Studio 2020 baute). In dieser idyllischen Umgebung entzog sich die Band dem Stadtleben und nahm ihre Musik analog auf Band auf - Teil ihres Bestrebens, Spontaneität zu leben und die Energie eines Live-Konzerts der Black Lips auf Platte einzufangen. Gelungen! "Simply masters in their field" NME" - Limitiertes, cremefarbenes Vinyl mit DLC sowie CD im Digisleeve

LP-Box mit fünf Original-Studioalben von 1965.
(AAA) Remastered und direkt von den originalen analogen Mono-Bändern von Kevin Gray geschnitten.

Fünf Original-Studioalben, aufgenommen in einer Woche im August 1965 in New York City: Boppin', Smokin', Groovin', Comin' On, Cool Burnin' sind zum ersten Mal seit über 50 Jahren wieder auf Vinyl erhältlich. Für diese Aufnahmen, die einen Wendepunkt in seiner Karriere markieren, hat Chet Baker eine Band der Superlative um sich geschart: George Coleman, Kirk Lightsey, Herman Wright und Roy Brooks spielen alle auf diesen aufregenden Sets, die ursprünglich bei Prestige Recordings erschienen sind.

New Land hatte vollen Zugang zu den originalen analogen Monobändern, und Kevin Gray hat sie neu gemastert und geschnitten (AAA), um ihnen eine frische Klangfarbe zu verleihen. Das Herzstück dieser Box ist ein Buch mit einem unglaublich detaillierten Essay von GRAMMY® Nominee James Gavin, der die wahre Geschichte hinter diesen Aufnahmen mit Interviews der Beteiligten verbindet. Illustriert mit seltenen Fotos und Ephemera ist dies der bisher tiefste Einblick in diese Aufnahmen.

Chet Bakers Prestige-Aufnahmen aus dem Jahr 1965 markieren eine Übergangsphase - seine Rückkehr in die USA nach einer Zeit in Europa und einer Auseinandersetzung mit dem Rechtssystem. Diese Sessions zeigen ihn in einem raueren, expressiveren Ton, der aber immer noch von seiner charakteristischen lyrischen Schönheit durchdrungen ist. Die Aufnahmen entstanden auf dem Höhepunkt der Hard-Bop-Renaissance von Prestige Records und zeigen Baker zusammen mit dem Saxophon-Titanen George Coleman, der gerade mit Miles Davis auf Tournee war. Das Ergebnis ist ein rauer, swingender Quintett-Sound, direkt, gefühlvoll und ungeschminkt.

Nach Jahren des Umherziehens in Europa und scheinbar endlosen persönlichen Turbulenzen kehrte Chet in die USA zurück, um diese Sessions aufzunehmen. Ohne die jugendliche Unschuld seiner frühen Tage an der Westküste spielt Baker mit einer dunkleren, introspektiven Note - sein Horn singt immer noch, aber jetzt seufzt es auch.

Zusammen mit einer starken Rhythmusgruppe aus New York verbinden diese Aufnahmen die Eleganz des Cool Jazz mit der rauen Direktheit des Hard Bop der Ostküste. Baker zeigt sich hier von seiner menschlichsten Seite - zerbrechlich, lyrisch, ungefiltert.

Dies sind nicht einfach nur Aufnahmen aus Chets Spätzeit - sie sind ein Dokument seiner Neuerfindung. Für Sammler schließen sie eine wichtige Lücke zwischen seiner ikonischen Cool Jazz Ära der 1950er Jahre und seinen düsteren europäischen Sessions der 1970er Jahre.

pen·ti·men·to - eine sichtbare Spur früherer Malerei unter einer oder mehreren Farbschichten auf einer Leinwand - frühes 20. Jahrhundert: aus dem Italienischen, wörtlich "Reue". Auf ihrem ersten Album seit "Still Life" (2022) bewegt sich Carson McHone an der Grenze ihrer musikalischen Vorstellungskraft und kanalisiert so unterschiedliche und überraschende Einflüsse wie Gitarrenrock, pastoralen Folk, Poesie, Feldaufnahmen, visuelle Kunst, Erinnerung, Familie und Landschaft zu ihrem bisher tiefgründigsten Werk. "Pentimento" ist ein kühnes und lohnendes Album. Es ist auch eine Abrechnung: Wie können Liebe und Schönheit in der Gegenwart von Brutalität existieren? Beunruhigend. Dissonant. Gegen ihren Schatten und mit ihre Spuren. Das ist es, was McHone und ihre Mitstreiter (zu denen Daniel Romano, Steve Lambke von den Constantines und andere gehören) auf "Pentimento" mit der Subtilität von Aquarellmalerei und dem Reichtum von Versen einfangen, mit Geisterstimmen und Kinderstimmen gleichermaßen. Jede Schicht ist ein Universum für sich und offenbart den Puls, der Carson McHones kreativen Antrieb belebt. Hier arrangiert und als Ganzes ausgedrückt, ist es ein Meisterwerk. "Alle Lieder von Pentimento entstanden als Gedichte vor dem Hintergrund globaler Krisen, nationaler Grenzen, ziviler Unruhen, Geburt, Tod, schlechter Liebe, neuer Liebe, wahrer Liebe. Sie wurden im Frühling und Sommer in der Wüste geschrieben. Dort werden Geschichte und Zeit in der Dramatik großer Felsbrocken sichtbar, in Schichten auf einer Felswand - das Potential und die vergangene Energie des alten Meeresbodens. Einige dieser Texte wurden auf Postkarten und in Briefen geschrieben. Andere entstanden als Verzierungen auf Aquarellbildern oder als Bildunterschriften für ein Foto in einem Tagebuch, oder sie wurden als Antworten am Rande eines Tagebuchs an ein neugeborenes Kind aus einer vergangenen Generation geschrieben. Diese "Artefakte" des Schreibens/Lebens gaben Aufschluss darüber, was schließlich zum Material für diese Aufnahmen wurde. Später, am Meer und während des ersten Schnees der Saison, kam eine besondere Gruppe von Musikern zusammen, um das Album zum Leben zu erwecken. Während die Hälfte der Songs nach einem strengen "Plan" aufgebaut wurde, kam die andere Hälfte bei dieser Gelegenheit zum ersten Mal zusammen und wurde an Ort und Stelle geprobt und live eingespielt. Über sechs Tage hinweg wurde alles auf einem 8-Spur-Bandgerät aufgenommen, einschließlich zufälliger Rückkopplungen, Bassdröhnen und spontanem Gelächter." - Carson McHone

pen·ti·men·to - eine sichtbare Spur früherer Malerei unter einer oder mehreren Farbschichten auf einer Leinwand - frühes 20. Jahrhundert: aus dem Italienischen, wörtlich "Reue". Auf ihrem ersten Album seit "Still Life" (2022) bewegt sich Carson McHone an der Grenze ihrer musikalischen Vorstellungskraft und kanalisiert so unterschiedliche und überraschende Einflüsse wie Gitarrenrock, pastoralen Folk, Poesie, Feldaufnahmen, visuelle Kunst, Erinnerung, Familie und Landschaft zu ihrem bisher tiefgründigsten Werk. "Pentimento" ist ein kühnes und lohnendes Album. Es ist auch eine Abrechnung: Wie können Liebe und Schönheit in der Gegenwart von Brutalität existieren? Beunruhigend. Dissonant. Gegen ihren Schatten und mit ihre Spuren. Das ist es, was McHone und ihre Mitstreiter (zu denen Daniel Romano, Steve Lambke von den Constantines und andere gehören) auf "Pentimento" mit der Subtilität von Aquarellmalerei und dem Reichtum von Versen einfangen, mit Geisterstimmen und Kinderstimmen gleichermaßen. Jede Schicht ist ein Universum für sich und offenbart den Puls, der Carson McHones kreativen Antrieb belebt. Hier arrangiert und als Ganzes ausgedrückt, ist es ein Meisterwerk. "Alle Lieder von Pentimento entstanden als Gedichte vor dem Hintergrund globaler Krisen, nationaler Grenzen, ziviler Unruhen, Geburt, Tod, schlechter Liebe, neuer Liebe, wahrer Liebe. Sie wurden im Frühling und Sommer in der Wüste geschrieben. Dort werden Geschichte und Zeit in der Dramatik großer Felsbrocken sichtbar, in Schichten auf einer Felswand - das Potential und die vergangene Energie des alten Meeresbodens. Einige dieser Texte wurden auf Postkarten und in Briefen geschrieben. Andere entstanden als Verzierungen auf Aquarellbildern oder als Bildunterschriften für ein Foto in einem Tagebuch, oder sie wurden als Antworten am Rande eines Tagebuchs an ein neugeborenes Kind aus einer vergangenen Generation geschrieben. Diese "Artefakte" des Schreibens/Lebens gaben Aufschluss darüber, was schließlich zum Material für diese Aufnahmen wurde. Später, am Meer und während des ersten Schnees der Saison, kam eine besondere Gruppe von Musikern zusammen, um das Album zum Leben zu erwecken. Während die Hälfte der Songs nach einem strengen "Plan" aufgebaut wurde, kam die andere Hälfte bei dieser Gelegenheit zum ersten Mal zusammen und wurde an Ort und Stelle geprobt und live eingespielt. Über sechs Tage hinweg wurde alles auf einem 8-Spur-Bandgerät aufgenommen, einschließlich zufälliger Rückkopplungen, Bassdröhnen und spontanem Gelächter." - Carson McHone

Vom "Klassik-Star der Gen Z" zum Pianisten der Stunde: Louis Philippson "My Way"Nur sieben Monate nach seinem Debüt "Exposition" beleuchtet "My Way" die rasante Entwicklung des jungen Pianisten, Social-Media-Stars und Moderators Louis Philippson vom "Klassik-Star der Gen Z" (Süddeutsche Zeitung) zu einem der Pianisten der Stunde. Vom britischen Sender Classic FM wurde Louis als einziger deutscher Künstler in die "Top 30 artists under 30 in 2025" aufgenommen, während BR-Klassik erklärte: "mit Louis Philippson hat die klassische Musik einen neuen Rockstar gefunden." Auch auf den 12 restlos ausverkauften Konzerten seiner Debüt-Tour im Mai 2025 und bei den Arena Shows der "Night of the Proms" im Winter 2024 begeisterte er tausende Menschen für die Klassik auf seine eigene Weise. Daran knüpft Louis Philippson mit seinem Album "My Way" an. Aufgenommen mit dem MDR Sinfonieorchester unter der Leitung von Dirigent Ben Palmer, verbindet es neue Originalkompositionen mit neuen Bearbeitungen bekannter Themen aus der Klassik oder Filmmusik für Solo Piano sowie Piano und Orchester. Zu den neuen Werken zählen unter anderem der virale Hit "Beethoven Virus" für Klavier und Orchester, "Show Waltz" für Klavier und Orchester, "Supernova" für Klavier, Sopran und Orchester, sowie mehrere Solostücke für Klavier. Unter den neu interpretierten Klassikern finden sich das mitreißende Medley "Dancing Bee" für Klavier und Orchester, "Cornfield Chase" für Klavier und kleines Ensemble, sowie eine Bearbeitung von Themen aus den Vierjahreszeiten mit dem Titel "Vivaldi Storm". Key Dates: • 6th June: German public broadcaster MDR broadcasting a studio concert featuring the MDR Radio Symphony Orchestra (reach 1 Mio)Pre-oder start and 1. Single "Für Elise"• 23rd July: German public broadcaster ARD "3nach9" talk show (reach 1 Mio)• 11th Sept: German public broadcaster TV gala ARD Deutscher Radiopreis - 2 performances live (reach 1 Mio +)• 12th Sept: German public broadcaster TV gala MDR Goldene Henne - Performance (reach 2 Mio)Album Release • September: pitch for ClassicFM Gala London • 26th Sept. German public broadcaster MDR Riverboat Talkshow (reach 2 Mio)• October - November: Concerts in GSA in venues up to 3,000 cap (e.g. Hamburg CCH / München Prinzregententheater / Düsseldorf Tonhalle etc.)• 6th Dec: German public broadcaster ARD charity show Ein Herz für Kinder (reach 3 Mio)• Dec: concert at Royal Albert Hall London • Spring 2026: Europa-Tour mit Konzerten in Paris, Benelux, Polen, Spanien usw.In the making: documentary about his life similar to Anastasia Kobekina

Tender / Wading zeigt Matthew Sage, alias M. Sage, in den Ausläufern und Weiden Colorados, wo er schreibt, aufnimmt und zu einem Stück seiner Heimat und Identität zurückkehrt, wobei ein Akt der Fürsorge den nächsten nach sich zieht. Das Album, das hauptsächlich auf Klavier und Klarinette aufgebaut ist und dann mit Gitarre, modularem Synthesizer, Percussion und Feldaufnahmen aus der Umgebung seines Zuhauses verziert wurde, ist eine weitreichende, ruhige Vision von Vitalität, radikaler Sanftheit und dem beruhigenden Gefühl, nach Hause zu kommen, auch wenn sich das Zuhause verändert hat. Seit den frühen 2010er Jahren hat Sage ein eigenwilliges Musikrepertoire zusammengestellt, das sich in verschiedene Klangrichtungen erstreckt, sich in Veröffentlichungen auf Geographic North, Orange Milk und Moon Glyph manifestiert und sowohl kritische Aufmerksamkeit als auch eine treue Zuhörerschaft für jede neue Wendung erlangt hat. 2023 debütierte Sage bei RVNG Intl. mit Paradise Crick, das zeitgleich mit seiner laufenden Arbeit im improvisierten Ambient-Jazz-Quartett Fuubutsushi erschien. Nun präsentiert er sein nächstes Soloalbum und seine neue Richtung. Tender / Wading folgt auf Sages Rückkehr nach Colorado nach fast einem Jahrzehnt in Chicago, wo er nun mit seiner jungen Familie dreißig Meilen außerhalb seiner Heimatstadt ein paar Hektar verwildertes Land bewirtschaftet. In einem ganzheitlichen Kontrast zu Cricks synthetischer Klangwelt schafft Sage Kunst aus dem Akt des Pflegens neuen Wachstums, hinterfragt Konstrukte des häuslichen Lebens und versteht die Spuren seines früheren Selbst durch die schmutzverschmierte, schweißvernebelte Linse der Gegenwart. Das Ergebnis ist sein bisher autobiografischstes Material, geprägt von Zeit und Veränderungen in der Wahrnehmung sowie bedeutungsvollen Details aus Sages psychischer Suche. Sage vergleicht das Gefühl, verschiedene Versionen von sich selbst zu sehen, mit der berühmten Hase-Ente-Theorie des Philosophen Ludwig Wittgenstein. ,Es ist dieselbe Zeichnung, aber je nachdem, wer man ist, wo man ist und wann man ist, sehen manche Menschen einen Hasen und manche eine Ente oder beides", erklärt Sage. Hier sind das Subjekt und der Betrachter, zurück in vertrauten Landschaften, als Partner und Elternteil, der Gestrüpp zurückschneidet, gedemütigt von invasiven Pflanzen, Schädlingsbefall und verdichtetem Lehmboden, seine Prioritäten haben sich grundlegend geändert. Und doch ist auch dieses andere Ich da: ein gewiefter Akademiker, der oft in Memes denkt und das Ziehen seines Handys in der Hosentasche spürt. ,In diesem Album geht es darum, diese Wahrnehmungsverschiebungen zu ergründen und ihnen Raum zu geben, beides zu tun: hüpfen und quaken." Es ist ein inneres Kind, das Sages intermediale Praxis in seinem Atelier leitet, einer Scheune, die nach dem großen Umzug im Jahr 2022 im Rahmen einer hausweiten DIY-Renovierung umgebaut wurde. Im Inneren werden Gedichte zu Zeichnungen, zu Skulpturen im Hinterhof und darüber hinaus, und alberne Ausflüge in den Vogelgesang oder die Freude an der Herausforderung, Klarinette zu lernen, weichen ernsthafter Musik. ,Ich glaube, ich habe entdeckt, dass es diese Linien gibt, die alles miteinander verbinden", sagt er. ,Und dieses Album ist voller hartnäckigem Optimismus und Hoffnung, aber auch der Bewusstheit, dass wir uns in einer späten Phase befinden, und dem Versuch, mit der Rhetorik dieser Phase umzugehen." Für Tender / Wading setzt Sage einen unverwechselbaren Sound ein: eine pastorale Art von Folk Kosmiche, kontemplativer elektroakustischer Barn Jazz für die Front Range, voller blasser Puddle Blues und rostigen Oil Drum Reds. Die meisten Songs entstanden auf einem 1910er Hamilton-Klavier, das kurioserweise in Chicago gebaut, von den Vorbesitzern zurückgelassen und von Mäusen bewohnt worden war. Die zufällige Begegnung mit dem Instrument fühlte sich kosmisch an, nicht nur wegen seiner Verbindung zur Windy City, sondern auch wegen Sages sich weiterentwickelnder Herangehensweise an das Songwriting nach Fuubutsushi. Er fühlt sich hinter den Tasten wohler und kehrt zurück zum Schlagzeug (seiner Jugendliebe). In einem passenden Raum für Holzblasinstrumente umarmt er das Elementare und Absichtliche und verleiht der Musik von Anfang an mehr strukturelles Gewicht und Wärme. Tender's M. Sage verbindet die Studioexperimente und Improvisationen seiner Vergangenheit mit einem geschärften Ohr für melodische Phrasierungen und Akkordwechsel und hat seine übliche Fülle an Demos auf neun finale Stücke reduziert. Seine charakteristischen Weltbilder bleiben erhalten, von Holzhauskröten, die in statischer Elektrizität schwimmen, über raschelndes Gras und Regen, der in die Dachrinnen plätschert, bis hin zu walzenden Sternbildern im Mondlicht. Während Cricks Universum aus magischem Realismus und digitaler Fantasie entstanden ist, greift Tender / Wading direkter auf menschliche Erfahrungen zurück. Er weist schnell Vorwürfe zurück, es handele sich um ein hochkonzeptionelles Album: ,Ich mache einfach die Musik, die ich selbst gerne in meinen Kopfhörern hören würde, während ich Unkraut jäte oder so." Es könnte beides sein, wie der Hase und die Ente behaupten würden: zutiefst persönlich und abstrakt, eine faszinierende und natürliche Wendung eines experimentellen Künstlers des 21. Jahrhunderts, dessen Vermächtnis sich in Echtzeit weiterentwickelt und wächst.

»Ein Soundtrack zu meinem Leben« – so beschreibt Eunike Tanzil ihr Debütalbum The First of Everything.
Das Album ist ein Mosaik aus zwölf musikalischen Momentaufnahmen, die prägende erste Erfahrungen im
Leben dieser außergewöhnlichen jungen Komponistin widerspiegeln.
Aufgenommen in Berlin mit dem Deutschen Symphonie-Orchester unter Anna Handler, präsentiert das
Album orchestrale Klangwelten voller Freiheitsgefühl, Abenteuergeist und emotionaler Tiefe – von minimalistischen Kompositionen bis hin zu ausladenden klanggewaltigen Passagen. Zu hören sind Eunike Tanzil
am Klavier und Sophie Kauer als Solistin am Cello.
»Hinter jedem Track steckt eine Geschichte, ein persönliches Erlebnis, eine erste Erfahrung – das Album
ist ein Mosaik von Schlüsselmomenten, die mich zu dem Menschen gemacht haben, der ich heute bin«,
so Eunike. »Ich bin sehr dankbar und fühle mich geehrt, Teil dieses Projekts mit so vielen großartigen
Musikerinnen und Musikern zu sein.«

"Bite Reality", das neue Album des New Yorker Indie-Duos Cafuné, präsentiert die Band sowohl musikalisch als auch textlich in einem konfrontativeren Umfeld. Das Ergebnis ist ein selbstproduziertes Album über digitale Erniedrigung, das zweischneidige Schwert der Realitätsflucht und das Bedürfnis, sich von Menschen und Gefühlen zu lösen, die einem nicht guttun. Cafunés Sound bewegt sich zwischen traditionellem, wohltuendem Dream-Pop und Indie-Rock, die beiden Protagonisten teilen eine Liebe für ihre Vorbilder Two Doors Cinema Club. Der Song "Tek It" aus ihrem Debütalbum "Running" (2021) ging viral und steht heute bei - über alle Versionen hinweg - bei über 1 Milliarde(!!) Streams.

Joviale machen Musik, die sich wie eine Show anfühlt; das Drama liegt in der Spannung zwischen Pop-Impuls und etwas Zerebralem und Sinnlicherem. Die multidisziplinären Künstler aus dem Norden Londons waren als Theaterkind aufgewachsen und machen sich nun ihre prismatische kreative Ausdruckskraft medienübergreifend zunutze, indem sie Komponenten von bildender Kunst, Performance und Musikaufnahmen zu einer einzigartigen Welt zusammenfügen. "Mount Crystal", das von Joviale zusammen mit John Carroll Kirby (Steve Lacey, Frank Ocean, Solange, Kacey Musgraves), Jkarri (PinkPantheress, Nia Archives, Natanya)und Kwaku Konadu produziert wurde, ist ein aufstrebendes, konzeptionelles Album. Die Songs sind elektrisch und gefühlvoll, gespickt mit jazzigen Experimenten, rhythmischem Rock und lebhaftem Sounddesign, alles realisiert mit einer Reihe von Mitwirkenden wie Sam Wilkes, Carter Lang und Will Miller. Im Jahr 2021, nach ihrer EP "Hurricane Belle", die erste Aufmerksamkeit von Pitchfork und Crack Magazine auf sich zog, zogen sie sich still zurück, um zu lernen und sich weiterzuentwickeln. Im Jahr 2025 kommen sie hinter dem Vorhang hervor: ursprünglich als Theaterstück konzipiert, strotzt "Mount Crystal" nur so vor Leben - Gefahr, Humor und dem menschlichen Geist - und beschwört einen metaphysischen Aufstieg, der über das Audioformat hinausgeht. Mit Plänen die Vision als Live-Set und mehr zu manifestieren, stellt Joviale den Kurs vor: "Die Überlieferung von Mount Crystal ist geprägt von der Verkörperung von Sehnsucht, Gefahr und Verzweiflung. Eine gespiegelte Dimension in einer fernen Realität, in der nichts ungesagt bleibt. Diese Kapitel sehnen sich danach, die Illusion des Vergnügens zu zerstören, indem sie den unerbittlichen Schmerz, den ich in meinem Bemühen zu lieben erfahren habe, verleugnen und die süßesten Melodien mit den süßesten Freunden umarmen."

"Half Of It" ist ein Konzeptalbum, von Anfang bis Ende. Traurigkeit, Verlust und Trauer sind die Themen, die Jaimi aufgreift, durchdenkt, vertont und in eindringliche Worte packt. Er agiert dabei im Geiste von Ryan Adams" "Heartbreaker" oder Bon Ivers "For Emma, Forever Ago", Alben, die sich auf ihre Art mit den benannten Themen auseinandersetzen. "Meine Platte "Half Of It" ist genau das - eine Platte, auf der ich eine Bestandsaufnahme meiner Gefühle mache, mich mit ihnen auseinandersetze, sie verarbeite und schließlich über meine Erfahrungen schreibe. Es ist bei weitem das verletzlichste Album, das ich bisher gemacht habe, und dementsprechend war es für mich ein sehr kathartisches Album." ergänzt der Künstler. "Half of it" ist nichts für Zartbesaitete: Es ist ein intensives Hörerlebnis, das den Hörer auf eine sehr persönliche Reise einlädt. Jaimi trägt sein Herz auf der Zunge und gibt einen intimen Einblick in seine persönliche Reise. "Half of it" ist der perfekte Begleiter für jeden, der sich von einem geliebten Menschen verabschieden musste. Wie schon auf den Vorgängern Back Road und Allen Keys & Broken Bits spielt er versiert und eingängig mit Blues, Soul, Rock und Songwriter Versatzstücken. Und doch ist es diesmal anders, denn es ist ein sehr persönliches, reflektierendes Album, mit dem er die letzten Jahre aufarbeitet. Ein Album, das textlich tief in die Seele des Musikers blicken lässt.

Australia's powerhouse Hammond Organ trio Cookin' On 3 Burners serve up a heavy double-sider, offering DJs and collectors a taste of what's to come from their first studio LP in six years, due October 2025. With a 27-year legacy in the global funk and soul scene, CO3B have earned praise from the likes of Dusty Groove, Wax Poetics, and Rolling Stone Australia, and boast over 2 billion streams worldwide — thanks in part to their breakout hit "This Girl" (Kungs remix).

Side A – Cookin' The Books
A gritty, upbeat Hammond-led instrumental cooked low and slow in the heart of Melbourne's funk scene. It's all business up front — deep pocket drums, greasy organ licks, and guitar work that snaps and struts. No vocals, no fat — just a raw funk workout that's ready for the crates.

Side B – Give a Little Bit More (feat. Stella Angelico)

A classic-feeling, mid-tempo soul joint with a message that cuts deep. Longtime collaborator Stella Angelico delivers a powerful vocal performance about generosity, empathy, and turning things around when it matters. With uplifting lyrics, smooth horns, and a groove that nods to vintage 45s, this one lands straight in the heart — timeless, spiritual, and soul-drenched.

Captured live to tape at Soul Messin' Studios using vintage gear, the record oozes warmth and authenticity. Supported with airplay from Craig Charles (BBC6) and limited to just 500 copies on black vinyl in a Soul Messin' Records disco sleeve, this 45 is a must-stock item for funk, soul, and groove-focused retailers.

FFO: The Meters, El Michels Affair, Menahan Street Band, Quantic, Daptone Records

After the success of the first two chapters, label owner Sciahri returns with the third installment of Pareidolia, further expanding the series' distinct sonic narrative.

The EP opens with No More Time, a perfect balance of power and finesse, where hypnotic vocal loops elevate the tension. It then transitions into Near the Bar, a groove-driven gem with refined textures that make it simply irresistible.

On the flip side, Two Letters follows up on the iconic One Letter, bringing back its unmistakable, heavy-hitting bassline and perfectly placed vocals that make it truly unique.

Closing the EP is Hit and Run, a deeply hypnotic yet driving cut, blending mental intensity and epic energy into a captivating sonic experience.

Introducing the Evil B-Side Twins — A New Era from Yazzus & DJ TOOL

Two of the most unpredictable forces in the underground are colliding at full velocity: YAZZUS and DJ TOOL are proud to launch Evil Twin Rekords — a label and collaborative project born from the wildest corners of their shared sonic imaginations.
Under the moniker The Evil B-Side Twins, the duo are setting out to warp time and space through a blazing fusion of trance, gnarly breaks, and techno rhythms. Their sound? Think hyper-speed rave transmissions beamed in from another galaxy — distorted basslines, and acidic euphoria intersecting 90’s psychedelic textures as they soundtrack a playful, alien-friendly universe. It’s high-energy, no-rules, evil as hell club music with a space-age edge. And their debut EP Relentless Spirit delivers just that.
Four rave-ready ‘in your face’ anthems, breaking the boundaries of modern electronic music. A collision of catchy grooves, iconic motifs from the old school trance world and mental melodies that you won’t forget easily.
Evil Twin Rekords isn’t just a label. It’s a wormhole into a sound that’s too futuristic, too feral, and too fun to fit into anyone’s algorithm. Expect inter-dimensional anthems, and records that feel like they’ve been smuggled from the B-side of a black hole.

This is rave culture turned inside out — full-throttle, unapologetically weird, and always one step ahead. From the UK to Scandinavia let the band expand your horizon and welcome you to the Evil Era. Listen without prejudice.

The artwork is a specially commissioned portrait of the twins, hand painted by friend and collaborator Ryo Koike, known for his eerie, whimsical fantastical style. Throughout his visual ident, he provides an imaginative window into the twins’ cosmos and beyond.

Dies ist deine Einladung zur besten Party überhaupt! Mit A Piece Of The Action erscheint eine längst überfällige Retrospektive des Hamburger Duos Egoexpress - ein wilder, tanzbarer Ritt durch ein Jahrzehnt elektronischer Subkultur. Zwischen 1995 und 2005 erschufen Mense Reents und Berndt "Jimi" Siebels einen Sound, der sich jeder Schublade entzog: roh, verspielt, hypnotisch. Aus dem Punk- und Rock-Umfeld kommend, schmuggelten sie ein störrisches Selbstverständnis und ansteckenden Humor in den Club. Statt verkopfter Coolness setzten sie auf Körperlichkeit und Bauchgefühl - und landeten damit direkte, tanzbare House-Hits mit Eigensinn. Ihre Musik war nie glatt, nie angepasst - sondern ein lebendiger Gegenpol zur Ästhetik ihrer Zeitgenossen. Die 2LP-Compilation versammelt 16 remasterte Tracks - darunter Klassiker wie We Are Here, Knartz IV oder Telefunken - und dokumentiert eindrucksvoll die Entwicklung von minimalistischen Loops hin zu psychedelischen Clubtracks. Egoexpress waren nie Teil eines Trends - sie waren ihr eigener.

"Paloma mensajera" (featuring members of New Juggler Sound / Laghonia) shows the shift that was taking place within Peruvian rock away from psych and hard rock which had predominated during the early 70s. The style adopted by Grupo Amigos (and other bands and artists during this period) highlights the influence of soft rock, UK, US and Latin American folk rock and, above all, the desire to keep the melodic greatness of The Beatles alive. This reissue includes bonus tracks and extensive liner notes. DESCRIPTION "Paloma mensajera" (featuring members of New Juggler Sound / Laghonia) shows the shift that was taking place within Peruvian rock away from psych and hard rock which had predominated during the early 70s. The style adopted by Grupo Amigos (and other bands and artists during this period) highlights the influence of soft rock, UK, US and Latin American folk rock and, above all, the desire to keep the melodic greatness of The Beatles alive. The positive reception albums by artists such as We All Together, Telegraph Avenue and Zulu garnered between 1972 and 1975, marked a change of paradigm and in preferences within the Peruvian rock scene. Eclecticism gained new ground, to the detriment of the sectarian and orthodox, while melody grew more present and visible, moving away from the progressive experimentation that typified underground Peruvian rock up to the beginning of the 70s. For their first single on MAG, included on this reissue, the band adopted a formula in which Beatles harmonies converged symmetrically with folk motifs. 'Dirty Girl' was a hit on the radio. A full album followed but only a fairly small number of copies of the album were pressed, which seems to have been the main reason for omitting it from the historical accounts of Peruvian rock music from the late 90s onwards. In "Paloma mensajera" all compositions were penned by the group, after several years during which cover versions were a staple. Some of the musical resources that the band had at their disposal in terms of composition and arrangements are striking and even surprising, considering that they were a debut band, whose members were under the age of 20. The arrangements included the clever use of a Moog synthesizer which had just arrived at the MAG studio. The success achieved by the Beatles tribute performances played by the members of Grupo Amigos for decades have eclipsed the songs that Edmundo, Andrés Da Ros and Simón Ames composed with youthful enthusiasm and energy between 1972 and 1973 to the point where they have almost been forgotten. This re-release of "Paloma mensajera" should help rectify this major injustice. It includes bonus tracks and extensive liner notes.

Emil Friis’ neues Album Moving Images, seine erste Soloveröffentlichung für das Klassik-Imprint 130701 des Labels FatCat, ist ein Zeugnis der menschlichen Verfassung und der Dinge, die uns als Spezies zusammenbringen. Es ist inspiriert von den Bewegungen des menschlichen Geistes und den Geschichten, die wir durch Musik, Worte, Kunst und Film teilen.

Das Album umfasst ein breites Spektrum an Instrumenten und Emotionen: düstere Kammermusikstücke wie „For Goodbyes“, bedrohliche, aber hoffnungsvoll hypnotische Ambient-Stücke wie „Zero“, sanfte Solo-Piano-Stücke wie „Dancing“, poetische und verspielte Flöten- und Synthesizer-Stücke wie „Through Air“ und spannungsgeladene, filmische Streicher-, Synthesizer- und Klavierstücke wie „An Upward Motion“.

„Moving Images“ ist auch ein gemeinsames Projekt zwischen Friis und ausgewählten Filmemachern. Jeder der 15 Albumtracks wird von einer Videoarbeit begleitet. Die Filmemacher Kevin Brooks, Shaun Hart, Morgan Jon Fox und Jonathan Meyers hatten kreative Freiheit, die Stücke zu interpretieren, die ihnen am meisten zusagten.

Das aus nur wenigen Elementen bestehende Arrangement sorgt für ein enges Zusammenspiel aus Instrumenten und Emotionen sowie der Tiefe der Texturen. Die Originalkompositionen werden auf Synthesizern, Streichern, Holzbläsern und Klavier dargeboten. Mit Beiträgen von Künstlern wie dem renommierten Streicher Davide Rossi werden sie in cineastische, moderne klassische Werke verwandelt. Die Stücke sind so voller Helligkeit, Sensibilität, Spannung und düsterer Schönheit, dass es oft den Anschein hat, als würden die Instrumente miteinander sprechen. Die Phrasen wirken manchmal einsam. An anderer Stelle schweben und fliegen sie. Trotz ihrer Kürze sind die Resultate von Wärme und Inbrunst erfüllt.

In truth, singing is not all that different from acting. Performing a song is very similar to playing a role in a theatrical production. A singer's delivery — the way they interpret and emphasize certain parts of a song — is much like what an actor does with their character.

That's why we often find singers who go on to gain popularity as performers — some on stage, but more often on the silver screen (film).

These are called 'singing stars' — vocalists who are also featured actors, usually given roles specially created to suit their primary strength: singing.

Among them, a few have become even more famous for their acting talents, which sometimes surpass their singing ability. However, the number who manage to do this successfully is very small. Oslan Husein is lucky enough to be counted among that small number. As his fame as a singer began to rise sharply, he also began his film career as an actor. It's true that he had previously appeared in a film, but only as an extra, alongside the orchestra he performed with.

Following that, he appeared in several other films, including Detik-detik Berbahaya, 1000 Langkah, Kasih Tak Sampai, Hadiah 2.000.000,-, Maut Menjelang Magrib, and Antara Timur dan Barat. Six films over a span of just about 2.5 years — quite an impressive achievement.

Over time, a number of songs that Oslan had performed in his films began to accumulate. Together with a few additional songs — also from films — there were eventually enough to compile into one long-playing (LP) record.

And so, accompanied by Jack Lemmers — who, for this project, created special arrangements and musical treatments unlike the usual (for example, the use of four guitars at once) — Oslan carried out the recordings at Irama studios.

By releasing this LP of songs from the silver screen, Irama took an exciting step forward and opened many new possibilities in its history. Because the world of recorded music and the world of film, wherever they are in the world, are like siblings — and they work best when they collaborate, shoulder to shoulder, in harmony.