quête:the h men

Two new faces on the label with the two-faced eagle! Both artists have been much respected forces on the international club circuit for a while. IDA ENGBERG is best known for her affiliation with Stockholm’s Drumcode and Truesoul labels. For her Speicher debut though, she’s tapping into a quite different sound territory. “Nothing Feels The Same” will go down in history as the first 2 Step track ever released on KOMPAKT EXTRA. It’s as sensual as it’s booming. Definitely one for those late morning hours. With “Pink Monkeys” is an EBM/sawtooth trance amalgamation of the highest order with enough psychedelic headroom for the festival season.

MARCO RESMANN’s deep involvement with the late Berlin club legend Watergate has made him one of the German capital’s beacons of house and techno. He’s one half of Lunar City Express and former member of Pan-Pot which speaks volumes about his stylistical versatility.”“RIMA feat. Laatz” he delivers a frenetic rollercoaster ride of a techno track. It’s radical, it’s menacing and super fun all at once – A truly one of a kind techno track. “Dimensions” is a low-slung electro bulwark full of intricate details to keep head and feet going in unison.
Zwei neue Gesichter auf dem Label mit dem doppelköpfigen Adler! Beide Künstler sind seit einiger Zeit angesehene Größen in der internationalen Clubszene. IDA ENGBERG ist vor allem für ihre Zusammenarbeit mit den Stockholmer Labels Drumcode und Truesoul bekannt. Für ihr Debüt auf Speicher betritt sie jedoch ein ganz anderes Sound-Territorium. „Nothing Feels The Same“ wird als erster 2-Step-Track, der jemals auf KOMPAKT EXTRA veröffentlicht wurde, in die Geschichte eingehen. Es ist ebenso sinnlich wie dröhnend. Definitiv etwas für die späten Morgenstunden. Mit „Pink Monkeys“ ist eine EBM/Sägezahn-Trance-Verschmelzung der höchsten Güteklasse mit genug psychedelischem Headroom für die Festivalsaison entstanden.

MARCO RESMANNs tiefe Verbundenheit mit der jüngst verstorbenen Berliner Clublegende Watergate hat ihn zu einem der Fixpunkte der deutschen Hauptstadt in Sachen House und Techno gemacht und weit darüber hinaus. Er ist eine Hälfte von Lunar City Express und ehemaliges Mitglied von Pan-Pot, was Bände über seine stilistische Vielseitigkeit spricht. Mit „RIMA feat. Laatz“ liefert er eine frenetische Techno-Achterbahnfahrt, die gleichermaßen radikal, bedrohlich ist und ungemein Spaß macht – ein wirklich einzigartiger Track für die Ewigkeit. ‚Dimensions‘ wiederum ist ein tiefgründiges Electro-Bollwerk voller komplexer Details, das Kopf und Füße sicher im Einklang hält.

Von seiner Arbeit in der explosiven frühen Hollywood-Punk-Musikszene mit seiner Band The Plugz über das Produzieren von Bands wie The Gun Club bis hin zur Filmmusik, seiner beachtlichen Schauspielkarriere und der Gründung von Fatima Records - Tito Larriva verdient den Titel, den ihm die LA Times einst verliehen hat, durch und durch: "Renaissance Man".

The Plugz, 1978 in Los Angeles von Tito Larriva gegründet, waren inspirierend für die frühe Latino/Latinx-Punk-Gemeinschaft und ihr "West Coast Punk" hatte einen anhaltenden Einfluss auf ganze Generationen von Rockbands.
Kenner der Latino-Kultur würdigten die Band für ihre unkonventionelle Version von "La Bamba" und ihren Einfluss auf die Chicano/Xicanx-Rocker in Südkalifornien.

Mit "Hombre Secreto", einer spanischen Version des 60er-Jahre-Klassikers "Secret Agent Man", brachte Larriva seine einzigartige Handschrift in die Filmmusik des Kult-Klassikers "Repo Man" ein. Seine Karriere ging von hier aus kontinuierlich und vielfältig weiter; zu den wichtigsten Etappen zählen seine Arbeit als Produzent des Cast-Albums der "Pee-Wee Herman Show" und des Debüts "Fire of Love" von The Gun Club, sein Einsatz als Schauspieler in David Byrnes "True Stories" und die von ihm 1984 gegründeten The Cruzados. 1992 entwickelte sich aus The Cruzados die Band Tito & Tarantula, mit der Larrivas intensive Arbeitsbeziehung zu Robert Rodriguez und Quentin Tarantino begann. Er spielte in einem halben Dutzend ihrer Filme mit, unter anderem auch in "From Dusk Till Dawn", wo sein Song "After Dark" und sein musikalischer Auftritt im legendären "Titty Twister Club" eine legendäre Rolle spielt.

Nun veröffentlichen Tito & Tarantula ihr mit Spannung erwartetes Album "!Brincamos!". Das neue Werk ist eine Soundreise, die die Tiefen der menschlichen Seele erforscht, durchsetzt von der rohen Kraft des Rock und dem reichen Erbe des Latino/Latinx-Punkrock. Jeder Track ist ein Beweis für die Fähigkeit Larrivas, Grenzen, Genres und Sprache zu überwinden und einen Sound zu kreieren, der bei Fans auf der ganzen Welt Anklang findet. Mit rohen Balladen und emotionalen Rock-Hymnen ist Larriva mit "!Brincamos!" ein musikalisches Meisterwerk gelungen, das die Geschichte von Tito & Tarantula mehr als würdig fortschreibt.

Neben der Veröffentlichung dieses Albums bereiten sich Tito & Tarantula derzeit auf ihre "!Brincamos!"-Europatournee vor, um ihre berüchtigten Live-Performances auf die Bühnen des europäischen Kontinents zu bringen. Die Fans werden eine Verschmelzung von Rock'n'Roll und cineastischen Welten erleben und Teil unvergesslicher Konzerte sein. Mit Titos intensivem Gesang und der unvergleichlichen Bühnenpräsenz der Band schickt diese Tournee sich an, eines der großen Highlights des Jahres für Musik-Enthusiasten zu werden.

Mit der Veröffentlichung von "!Brincamos!" und dem Beginn ihrer Europatournee im März 2025 laden Tito & Tarantula alte und neue Fans ein, sie auf dieser aufregenden Reise zu begleiten. Die Musik dieser Band ist ein Zeugnis für die Energie des Rock und den vereinenden, kulturellen Stolz der Latinos.

"!Brincamos!" erscheint am 14.03.2025 als Vinyl (aufgrund der Spiellänge des Albums fallen 2 Live Tracks weg), limitierte Vinyl mit einer separaten 10" incl. der Livetracks, CD und digital auf allen gängigen Streaming Plattformen

The debut recording from one of jazz music's most revered pianists! First U.S. vinyl release!

All-analog remastering by Bernie Grundman.
"Byard is absolutely brilliant...highly recommended." - All Music

Originally recorded in 1960, briefly released in Japan in the early ’70s, it wasn’t until 1988 that Jaki Byard’s solo debut, Blues For Smoke, was widely released. Even then it was more of a secret handshake among fans than the catalog cornerstone it should have always been. Now, Candid has finally created the definitive edition of this lost masterpiece for all to experience.

Byard backed generations of jazz icons, including Charles Mingus, Art Blakey, Roland Kirk, and Quincy Jones.

As a bandleader and soloist, he went on to build his own catalog of iconic recordings across three decades while establishing himself as an educator and mentor to the next generation of artists, most notably, Grayson Hugh, Fred Hersch, and Jason Moran. Blues For Smoke is where it all began.

Recorded as a solo-piano showcase for Byard’s incredible gifts as a player, composer, and jazz historian, the exquisitely engineered session is given new life by Bernie Grundman’s sensitive remastering. With this release, Candid is hoping to make Jaki Byard’s very first album the rosetta-stone of jazz piano it was intended to be.

The Andalusian label is back with a new compilation called 192 and once more, 4 new and neatly selected tracks.

The E.P is intentionally made up of four talented music projects. Besides and as is becoming the custom, these four diverse tracks are full of catchy melodies, touching arpeggios, and powerful beats. There is harmony between the four artists, Dark Vektor, Synth Alien, Imiafan (Keen K RMX) and Wardum and without a doubt this compilation can show variety and bet on music that the label loves and respects.

Haken-Gitarrist Charlie Griffiths kehrt mit einem Nachfolger zu seinem Soloalbum von 2022 zurück. Diesmal wählt Charlie Grif-fiths den Künstlernamen "Tiktaalika" und präsentiert "Gods of Pangaea". Das Album knüpft dort an, wo das Vorgängeralbum auf-gehört hat und erzählt von einer uralten, vergessenen Welt, die mit dem heutigen, von Menschen bewohnten Planeten kollidiert. Musikalisch ist das Album eine Hommage an die Kunst der Gitarrenriffs, deren DNA bis in die goldene Ära des Metal zurück-reicht, mit Einflüssen von Mercyful Fate, Judas Priest, Megadeth und Metallica. Charlie wird wieder von dem hervorragenden Schlagzeuger Darby Todd (Devin Townsend) unterstützt, und die Bassfrequenzen werden diesmal von Haken-Bandkollege Conner Green beigesteuert. An den Vocals wird Charlie von einigen der Besten im Geschäft unterstützt: Tommy Rogers (Between The Buried & Me), Daniël de Jongh (Textures) und Vladimir Lalić (Organised Chaos) sind alle wieder mit von der Partie und Rody Walker (Protest The Hero) steuert seine Vocals zu einem Track bei. Erhältlich als limitierte CD & Gatefold transparent-magenta LP-Edition (beide mit Bonustrack) sowie digital.

Mit "Lieben wir" präsentiert OEHL ein intimes und packendes Konzeptalbum über die Liebe in all ihren Facetten – von Knutschflecken bis zu den Momenten, die unser Leben prägen. Ariel Oehl wagt Neues und bleibt sich treu: Sein "Gitarrenalbum" vereint handgemachte Klangwelten mit verführerischen Melodien, die zwischen Nostalgie und großer Emotion pendeln. Produzent Niklas Apfel sorgt für ein ausdrucksstarkes, organisches Sounderlebnis.Ein Album, das von Enttäuschungen, Glück und der Magie flüchtiger Augenblicke erzählt – Musik für Menschen, die etwas von Musik verstehen – und ein Herz haben.

- Ausstattung: Rot-transparentes Vinyl mit silberfarbiger Innentasche mit Songtexten & Herz

Eins, Zwei, Drei, ... Iti Eta No. Hier nun das kommende und mit Spannung erwartete neue Heimat-Album! Eingehüllt in das erstaunliche und faszinierende Coverartwork der gefeierten Illustratorin Anouk Ricard, gibt es hier eine handvoll schwer zu klassifizierender Deviant-Pop-Songs von den Olivier Demeaux (Cheveu, Accident du Travail) und Armelle Oberlé (The Dreams, Badaboom). Manchmal sehr martialisch wie Marschmusik, manchmal sehr lyrisch und sanft, tauchen die Klänge von Heimat tiefer in diese verrückten Landschaften ein, indem sie kinematografische Partituren und Samples über Schichten urbaner Kulturen legen und so die Tore der verträumten Blicke und der schattenhaften Geschichten zu öffnen. Das gut produzierte und lesbare, überraschende und explosive Material ist ein echtes Art Brut-Manifest der collagierten Musik. Heißen wir dieses seltsame Paradies willkommen.

The Haunting ist ein übernatürlicher Horrorfilm aus dem Jahr 1999 mit Liam Neeson, Catherine Zeta-Jones,
Owen Wilson und Lili Taylor in den Hauptrollen. Der Film folgt einer Gruppe von Menschen, die sich auf
einem weitläufigen Anwesen zu einer scheinbar freiwilligen Studie über Schlaflosigkeit versammeln, nur um
festzustellen, dass sie von paranormalen Ereignissen geplagt werden, die mit der düsteren Geschichte des
Hauses zusammenhängen. Diese Deluxe Edition des 2-LP-Sets ist die allererste Vinyl-Pressung von Jerry
Goldsmiths gruseliger Filmmusik und enthält brandneue Artworks.

Latent Info, das neue Projekt des vom Bass Player Magazine als „Bass Ace“ titulierten griechischen Bassisten Petros Klampanis, beschäftigt sich mit dem Anfang allen Klanges. Schließlich sei, so will es die Überlieferung, am Anfang das Wort gewesen. Dann erst käme die Musik. Doch sind Instrumente wirklich sprachlos?
Gemeinsam mit dem estnischen Pianisten Kristjan Randalu und dem israelischen Drummer Ziv Ravitz (Trios Minsarah und Shai Maestro) zeigt Klampanis, dass Instrumentalmusik durchaus zum Storytelling fähig ist. Sie erzählen ihre Geschichte als „latente Information“ eines Stückes, genauso real, aber ungreifbar wie unausgesprochene Gedanken, unerreichte Ziele oder Blumen im Asphalt, ungesehen und weitgehend ignoriert.

I wrote The Shit Punx Hate for Realicide in 2005. This version was made for Decide Today around a decade later, maybe 2015? It was about the pathetic narrow-minded dogmas that were common in Cincinnati punk, being discriminated against when our approach defied dominant aesthetic criteria, chronically misunderstood and rejected without consideration.

This experience in my formative years led to a long path of thought as I entered adulthood. Those feelings of being "other"ed, treated poorly based on who I was, started to seem less significant compared to the prejudices I saw friends faced with. Targets of bigotry due not to a subcultural choice, but aspects of themselves they were born into. Of course I mean things like race, gender, class, abilities. If being dissed by punk rockers sucked for me, imagine what it must feel like being the only black kid in a social circle that can't even recognize its own racism, the only woman in places misogyny is the celebrated standard, having a non-white family at risk of deportation, growing up "male" or "female" when you've always known they are wrong about you, etc. This was my mental gateway into prioritizing these struggles, wanting to become an ally, then even more so an accomplice.

Revolutionary Reason was written in 2018 during my time working with Mass Action for Black Liberation, and revised abruptly this year while recording for this record, as it was inconceivable not to address the epitome of merciless colonial atrocity orchestrated by the state of Israel. While I write this, the IOF is massacring families in the West Bank. The death toll in Palestine is currently estimated at around 41,000 and it hasn't even been a year since this modern Nakba began. I hope these songs help make apparent that whatever you said you "would do" during Jim Crow America, Nazi Germany, Apartheid South Africa, any archetypal history now synonymous with wrongness, yes I can confirm NOW IS THAT TIME to do it ...if you were for real about it that is.

Big respect to my Arab friends who are so patient while I learn the stuff my school conveniently omitted, to my Jewish friends tirelessly combating the violence of their ethnicity being shackled to a cult of Zionism, to native resistance across Turtle Island that articulates so well that this fight is also still/always very domestic, to contemporary hiphop telling today's stories while rock music often merely offers retro fashion, and of course to Kieren and Borg my homies in OZ.

All my love to intifada direct action everywhere dismantling the imposed global suicide pact that is white supremacist capitalism.

~ Robert Inhuman 28 August 2024

Eurorack tweaker, 8-bit master, king of carnival madness, Dutch producer Solo Moderna is back with his female alter ego singer Krage, for a perfect fusion of Afro-Latin and Caribbean rhythms with modern synth pop. Highly entertaining, Clever and unique blend of organic sounds, samples and vintage synths tweaking, "Daïsm" is a fun and enjoyable journey to the frontiers between electro, mento, dub, rocksteady, contemporary African rhythms and cumbia with a twist.

Certainly not your average tropical music. This new album is definitely a step up for the eccentric artist, as he's now reached the next level of mastering the fusion of genres and the art of blending organic sounds with electronic elements. Solo Moderna is one of the few “electro” artists you can immediately recognise when you hear one of his songs. In the creative process of “Daïsm”, Solo Moderna met his soulmate singer, Krage, who sings in a delightful mixture of English, French, Spanish and Jamaican Patois. Together, they found their very own way of expressing their love for nature and diversity through universal language.

De Ti Depende is salsa legend Hector Lavoe’s second solo album, released on Fania Records in 1976, in which he steps out as the leader of his own orchestra for the first time. Hit tracks include Tite Curet Alonso’s “Periódico de Ayer,” the ever popular anthem “Hacha y Machete” and Perucho Torcat’s uplifting “Vamos a Reír Un Poco.” Featuring (AAA) lacquers cut from the original master tapes, this remastered reissue is pressed on 180-gram vinyl and housed in a classic tip-on jacket.

'A Toda Cuba le Gusta', the classic debut album by the Afro-Cuban All Stars. The frst in a trilogy of extraordinary albums recorded by World Circuit in a single two-week session
at Havana's EGREM studios, 1996. The other albums, which share many of the same personnel, were 'Buena Vista Social Club' and 'Introducing Rubén González'. Remastered by Bernie Grundman from the original analogue tapes and now available
for the frst tme on double 180gm heavyweight vinyl, housed in a gatefold sleeve and presented alongside a 32 page booklet as part of World Circuit's classic album series. Plays at 45rpm.

Ajay Saggar is BHAJAN BHOY. "With BHAJAN BHOY, Saggar synthesizes all of the stylistic approaches he’s explored over the years, swirling them into an intoxicating musical blend, with an earthy spirituality. Even the project’s name reflects the dual aspects of Saggar’s upbringing coming together in harmony. In Hindi, a “bhajan” is a devotional song, sung in the mandir, or temple, while “bhoy” is a Scottish and Irish derivation for a young man. There’s a searching quality to Bhajan Bhoy, as if Saggar is still hunting for transcendence with each track, whether through an expansive drone, an orchestral facility on the piano, or an electronics-augmented raga that threatens to dip into noise” (Erick Bradshaw / writer and WFMU DJ). This album presents a rich and varied set of compositions that showcase Saggar’s skills as an incredibly talented and accomplished composer and musician. With each and every Bhajan Bhoy LP, you are are carried to a higher place. With ‘Bhoy On The Wire’, the 35 minutes laid out unfolds like a cosmic tapestry, an extraordinary exploration that shimmers and reverberates with newfound vibrancy. The songs were broadcast as part of a session on Steve Barker’s “On The Wire” radio show in April 2024. They were a gift to Steve and his team for 40 years of broadcasting. “On The Wire” is simply the greatest radio show in the world. As Ajay explains in his own words : “In September 1984, I started a degree course at the University of Lancaster. On a wet and soggy Sunday afternoon towards the end of September, I sat in my room staring out at the grey Lancashire landscape, and decided to alleviate the boredom by seeing if there was anything to listen to on the radio. Most of the stations I tuned into were as dull as the weather outside. However, as I neared the end of the FM dial (and was about to give up hope), I chanced upon a station where I was taken by the music being played. That show was “On The Wire”, introduced by Steve Barker. From there on in, every Sunday, between 2-5pm, I tuned into Radio Lancashire to listen. Steve’s shows had an incredible and wide reaching selection of music and genres, that thrilled your ears and left you wanting more. Tied to that, his deep knowledge of the material he played helped the listener dig into the sounds even more, and also left you in admiration of this trait. In 1985, I started putting on DIY shows in Lancaster (inviting the likes of Bog-Shed, bIG fLAME, The Membranes, The Wedding Present, etc etc) and Steve was kind enough to mention the shows on-air, which helped in getting people from different parts of the county to come to the shows. At the tail-end of 1985, he invited me to the studio to come and hang out. When in 1988, the group I was in, Dandelion Adventure, released our first (demo) cassette, it was Steve, who not only played tracks off it, but invited the group to the studio for an interview. Now if you’re a young band, that is a massive thrill! And in 1990, when Dandelion Adventure did a John Peel session, I actually used “On The Wire” jingles (that Steve had put on a cassette and given to me a few years before) on the track “All the World’s A Lounge”. Since then, the show has been a mainstay for me, and so many others around the world, to get turned onto incredible sounds from around the world. And over the course of 40 years, Steve has always supported my music. These six tracks are a 40th birthday gift to the “On The Wire” team (Steve, Michael “Fenny” Fenton (an absolutely critical part of the show), and Jim Ingham (engineer who keeps the technical side of things going)) for sharing so much amazing music, and making the world a better place. They were originally broadcast as an exclusive session in April 2024 on “On The Wire", and are here for your listening pleasure. Music like shower”. Artwork by Jake Blanchard

The Tubs' second album, Cotton Crown, sees the Celtic Jangle boyband venture into darker, more personal territor y while continuing to hone their highly addictive brand of songcraft. It 's a true level up album which sees the band expand their sonic palette to take in a kaleidoscopic range of influences: everything from soulful pub rock (Chain Reaction) to Husker Du aggression (One More Day) to melancholy sophisto-pop (Narcissist) gets a look in. As Pitchfork noted, The Tubs see jangle as a `vast world of moods and muses' and Cotton Crown sees them continuing to explore this world and creating a distinctly Tub-ular sound in the process. This is in no small part down to Owen `O' Williams' vocal performance- often compared to a young Richard Thomson- and his frank, bleakly funny lyric writing. Cotton Crown sees him delve further into his favourite themes of love-psychosis, unsympathetic mentally ill behaviour, and the humiliations of being a musician in London. This time around, however, there's a palpable sense of risk in his self assessments/confessions. No more so in the track's closing track Strange- an accounting of the clumsy, intrusive, well-meaning social interactions that took place in the period following the suicide of his mother (the folk singer Charlotte Greig.) As Williams says: "I'd tried a few times to write a song about it. The result had always seemed either mawkish, simplifying or like I was hawking my trauma. But then this one came out, and it felt right because it looked at something smaller: the weird, unsatisfying, strangely funny ways everyone, including myself, acted after the dust settled." The album artwork features an image of Williams as an infant being breastfed by Greig in a graveyard- a promotional shot taken around the release of her debut album (the re-issue of which was featured in The Guardian in 2023.) The essential trick Cotton Crown plays is to offset Williams' lyrical bleakness with joyous, hook-laden blasts of pop perfection. This is largely down to the guitar work of George Nicholls, who, across the album, effortlessly slips between the virtuoso jangle of Marr, the driving folk-rock of Pentangle and the chorus-heavy hi-fi grooves of contemporary bands like Tops or The 1975. Add to that the breakneck rhythm section of Taylor Stewart (Drums) and Max Warren (Bass)- who attack each song with power-pop ferocity, recalling Guided by Voices at their drunken-yet-tight best- and you've got yourself a recipe for indie rock greatness. The band's debut `Dead Meat' was a word-of-mouth sensation that saw the band earn accolades from Pitchfork, The Guardian, MOJO, SPIN and more. They even gained some celeb fans: the inimitable Mark Proksch (The Office (US), Better Call Saul, What We Do in the Shadows) starred in the video for their "Round the Bend" single & punk legend Iggy Pop has praised them on his BBC 6Music radio program. Standing in opposition to the UK norm of post punk, and hookless high-minded indie prog, the album was described by Kitty Empire (Observer) as a "shot in the arm for indie rock". The band's hard touring and raucous, beer y live show have seen them stand out at festivals like Greenman, End of The Road, Melbourne Rising and Canela Party. The band (minus Stewart) were previously members of Joanna Gruesome- who won the Welsh Music Prize, toured the UK and US extensively, and were praised in Pitchfork, Rolling Stone, The NY Times, The Guardian and others. Lan Mcardle (Joanna Gruesome, Ex-Void) also provides backing vocals on several tracks. The Tubs are part of the Gob Nation collective- the London-based network of bands, writers and promoters who were recently profiled in The Guardian.

The Tubs' second album, Cotton Crown, sees the Celtic Jangle boyband venture into darker, more personal territor y while continuing to hone their highly addictive brand of songcraft. It 's a true level up album which sees the band expand their sonic palette to take in a kaleidoscopic range of influences: everything from soulful pub rock (Chain Reaction) to Husker Du aggression (One More Day) to melancholy sophisto-pop (Narcissist) gets a look in. As Pitchfork noted, The Tubs see jangle as a `vast world of moods and muses' and Cotton Crown sees them continuing to explore this world and creating a distinctly Tub-ular sound in the process. This is in no small part down to Owen `O' Williams' vocal performance- often compared to a young Richard Thomson- and his frank, bleakly funny lyric writing. Cotton Crown sees him delve further into his favourite themes of love-psychosis, unsympathetic mentally ill behaviour, and the humiliations of being a musician in London. This time around, however, there's a palpable sense of risk in his self assessments/confessions. No more so in the track's closing track Strange- an accounting of the clumsy, intrusive, well-meaning social interactions that took place in the period following the suicide of his mother (the folk singer Charlotte Greig.) As Williams says: "I'd tried a few times to write a song about it. The result had always seemed either mawkish, simplifying or like I was hawking my trauma. But then this one came out, and it felt right because it looked at something smaller: the weird, unsatisfying, strangely funny ways everyone, including myself, acted after the dust settled." The album artwork features an image of Williams as an infant being breastfed by Greig in a graveyard- a promotional shot taken around the release of her debut album (the re-issue of which was featured in The Guardian in 2023.) The essential trick Cotton Crown plays is to offset Williams' lyrical bleakness with joyous, hook-laden blasts of pop perfection. This is largely down to the guitar work of George Nicholls, who, across the album, effortlessly slips between the virtuoso jangle of Marr, the driving folk-rock of Pentangle and the chorus-heavy hi-fi grooves of contemporary bands like Tops or The 1975. Add to that the breakneck rhythm section of Taylor Stewart (Drums) and Max Warren (Bass)- who attack each song with power-pop ferocity, recalling Guided by Voices at their drunken-yet-tight best- and you've got yourself a recipe for indie rock greatness. The band's debut `Dead Meat' was a word-of-mouth sensation that saw the band earn accolades from Pitchfork, The Guardian, MOJO, SPIN and more. They even gained some celeb fans: the inimitable Mark Proksch (The Office (US), Better Call Saul, What We Do in the Shadows) starred in the video for their "Round the Bend" single & punk legend Iggy Pop has praised them on his BBC 6Music radio program. Standing in opposition to the UK norm of post punk, and hookless high-minded indie prog, the album was described by Kitty Empire (Observer) as a "shot in the arm for indie rock". The band's hard touring and raucous, beer y live show have seen them stand out at festivals like Greenman, End of The Road, Melbourne Rising and Canela Party. The band (minus Stewart) were previously members of Joanna Gruesome- who won the Welsh Music Prize, toured the UK and US extensively, and were praised in Pitchfork, Rolling Stone, The NY Times, The Guardian and others. Lan Mcardle (Joanna Gruesome, Ex-Void) also provides backing vocals on several tracks. The Tubs are part of the Gob Nation collective- the London-based network of bands, writers and promoters who were recently profiled in The Guardian.

The Tubs' second album, Cotton Crown, sees the Celtic Jangle boyband venture into darker, more personal territor y while continuing to hone their highly addictive brand of songcraft. It 's a true level up album which sees the band expand their sonic palette to take in a kaleidoscopic range of influences: everything from soulful pub rock (Chain Reaction) to Husker Du aggression (One More Day) to melancholy sophisto-pop (Narcissist) gets a look in. As Pitchfork noted, The Tubs see jangle as a `vast world of moods and muses' and Cotton Crown sees them continuing to explore this world and creating a distinctly Tub-ular sound in the process. This is in no small part down to Owen `O' Williams' vocal performance- often compared to a young Richard Thomson- and his frank, bleakly funny lyric writing. Cotton Crown sees him delve further into his favourite themes of love-psychosis, unsympathetic mentally ill behaviour, and the humiliations of being a musician in London. This time around, however, there's a palpable sense of risk in his self assessments/confessions. No more so in the track's closing track Strange- an accounting of the clumsy, intrusive, well-meaning social interactions that took place in the period following the suicide of his mother (the folk singer Charlotte Greig.) As Williams says: "I'd tried a few times to write a song about it. The result had always seemed either mawkish, simplifying or like I was hawking my trauma. But then this one came out, and it felt right because it looked at something smaller: the weird, unsatisfying, strangely funny ways everyone, including myself, acted after the dust settled." The album artwork features an image of Williams as an infant being breastfed by Greig in a graveyard- a promotional shot taken around the release of her debut album (the re-issue of which was featured in The Guardian in 2023.) The essential trick Cotton Crown plays is to offset Williams' lyrical bleakness with joyous, hook-laden blasts of pop perfection. This is largely down to the guitar work of George Nicholls, who, across the album, effortlessly slips between the virtuoso jangle of Marr, the driving folk-rock of Pentangle and the chorus-heavy hi-fi grooves of contemporary bands like Tops or The 1975. Add to that the breakneck rhythm section of Taylor Stewart (Drums) and Max Warren (Bass)- who attack each song with power-pop ferocity, recalling Guided by Voices at their drunken-yet-tight best- and you've got yourself a recipe for indie rock greatness. The band's debut `Dead Meat' was a word-of-mouth sensation that saw the band earn accolades from Pitchfork, The Guardian, MOJO, SPIN and more. They even gained some celeb fans: the inimitable Mark Proksch (The Office (US), Better Call Saul, What We Do in the Shadows) starred in the video for their "Round the Bend" single & punk legend Iggy Pop has praised them on his BBC 6Music radio program. Standing in opposition to the UK norm of post punk, and hookless high-minded indie prog, the album was described by Kitty Empire (Observer) as a "shot in the arm for indie rock". The band's hard touring and raucous, beer y live show have seen them stand out at festivals like Greenman, End of The Road, Melbourne Rising and Canela Party. The band (minus Stewart) were previously members of Joanna Gruesome- who won the Welsh Music Prize, toured the UK and US extensively, and were praised in Pitchfork, Rolling Stone, The NY Times, The Guardian and others. Lan Mcardle (Joanna Gruesome, Ex-Void) also provides backing vocals on several tracks. The Tubs are part of the Gob Nation collective- the London-based network of bands, writers and promoters who were recently profiled in The Guardian.

"There is great power in secrecy. Detached from the world, brewed under a strict code of confidentiality, a new lifeform came into existence. Led by none other than Sonata Arctica frontman Tony Kakko, this new beast of his gained momentum in the massive shadow of his wildly successful power metal superheroes, slowly, steadily, biding its time, waiting for the right moment. This moment is now: With his self-titled debut, Tony Kakko opens the curtains into this strange new world of his just enough to take a first peek – and instantly hunger for more. A master story teller and a wizard of conjuring musical emotions, Himmelkraft stages Kakkos trademark talents in a wholly new, unexpected and thrilling way. To him, the sky truly is the limit, bestowing upon us an album that sounds like nothing else out there – brooding and dark, menacing and eerie, stomping and monumental.




This project sees Tony Kakko enter a fascinating new era. Much like the legendary Elven smiths of old, forging away in solemn silence, Kakko has stopped the wheel of time to reinvent himself and his bold musical vision. Shrouded in mystery, a new being appears in the fog, barely discernible and yet distinct the very moment Tony Kakko starts to sing.

Yet, everything else remains just what it was from the very start – a mystery. Call them songs for a dying world or songs for a world reborn – either way, you will be intrigued how this extraordinary project will develop. And that’s a promise
"

Die britische Indie-Pop Band The Lathums kündigt ihr neues drittes Studioalbum 'Matters Does Not Define' für den 7. März 2025 an. Die Band hat bereits zwei aufeinanderfolgende Alben auf Platz 1 der offiziellen britischen Albumcharts vorzuweisen und ein weiteres Jahr mit riesigen Open-Air-Shows hinter sich. 'Matter Does Not Define' wurde von der Band, bestehend aus Sänger Alex Moore, Scott Concepcion (Gitarre, Piano und Gesang), Ryan Durrans (Schlagzeug) und Matty Murphy (Bass und Gesang), in ihrer Heimatstadt Wigan geschrieben, bevor es in den Kempston Street Studios in Liverpool in Begleitung des langjährigen kreativen Mentors John Kettle und des Produzenten Chris Taylor aufgenommen wurde. 'Matters Does Not Define' folgt auf ihr bisher erfolgreiches zweites Album 'From Nothing To A Little Bit More' und ihr Debüt 'How Beautiful Life Can Be' von 2021.

Die britische Indie-Pop Band The Lathums kündigt ihr neues drittes Studioalbum 'Matters Does Not Define' für den 7. März 2025 an. Die Band hat bereits zwei aufeinanderfolgende Alben auf Platz 1 der offiziellen britischen Albumcharts vorzuweisen und ein weiteres Jahr mit riesigen Open-Air-Shows hinter sich. 'Matter Does Not Define' wurde von der Band, bestehend aus Sänger Alex Moore, Scott Concepcion (Gitarre, Piano und Gesang), Ryan Durrans (Schlagzeug) und Matty Murphy (Bass und Gesang), in ihrer Heimatstadt Wigan geschrieben, bevor es in den Kempston Street Studios in Liverpool in Begleitung des langjährigen kreativen Mentors John Kettle und des Produzenten Chris Taylor aufgenommen wurde. 'Matters Does Not Define' folgt auf ihr bisher erfolgreiches zweites Album 'From Nothing To A Little Bit More' und ihr Debüt 'How Beautiful Life Can Be' von 2021.

Limited Red Vinyl

Nach den zwei erfolgreichen Studioalben "Wo fängt dein Himmel an?" (2008) und "Bis nach Toulouse" (2010), die zusammen über eine Viertel Million Einheiten verkauft und beide den Goldstatus erreicht haben, wollte Philipp nach einem langen Festivalsommer 2011 zurück zu jenen intimen Momenten, die seine Konzerte in den Anfangsjahren für ihn und seine Fans so besonders machten. Alles Vorherige noch einmal unter die Lupe nehmen, neu arrangieren, sich mit der Band und Freunden in einer Tischlerei einmieten und eigene Bühnenbilder schreinern. Bis ins kleinste Detail den eigenen kreativen Kosmos auf die Bühne bringen und ihn in Eigenregie inszenieren. Das Ergebnis ist etwas, das der gegenwärtige Musikmarkt oft vermissen lässt: etwas Bleibendes, dennoch Flüchtiges, das sich vollkommen auf den Moment konzentriert. Philipp und seine Mitstreiter, darunter die wunderbare Alin Coen und ein Streichquartett, zauberten während der Tournee unvergessliche Momente, jenseits aller bekannten Konventionen auf die Bühnen. Irgendwo zwischen Unplugged Konzert, Varieté und Theater. Das nun erscheinende, gleichnamige Live-Album fängt die Energie und Magie des "Projekt Seerosenteich" ein, ist Erinnerung für alle die, die dabei waren und ein großer musikalischer Moment für alle Anderen.

Im Juni 2023 teilten sich Lust For Youth und Croatian Amor während des Vivid Live Festivals die Bühne im kultigen Sydney Opera House. Diese Begegnung hat ihre kreative Partnerschaft wiederbelebt und den Grundstein für ihr gemeinsames neues Album "All Worlds" gelegt. Inspiriert von der Goldenen Schallplatte, die als Botschaft der Menschheit an das Unbekannte ins All geschickt wurde, spiegelt "All Worlds" diese Sehnsucht nach Verbindung und Verständnis wider. Jeder Track fängt ein Fragment eines Gefühls, einer Kultur oder einer Erinnerung ein und bietet einen kaleidoskopischen Blick auf die menschliche Erfahrung. Der Titel des Albums spiegelt die Idee wider, Fragmente von unterschiedlichen Orten, Gefühlen und Geschichten zu sammeln. Jeder Song enthüllt für sich eine einzigartige Welt, die zu den übergreifenden Themen der Erforschung und Selbstbeobachtung beiträgt. Diese Welten repräsentieren die inneren Landschaften, die wir in uns tragen und die unsere Identität formen. Der Titel ist auch eine Geste der Verbindung - als ob diese Welten durch den Raum schweben und darauf warten, entdeckt und verstanden zu werden. Letztlich verkörpert "All Worlds" die Suche nach Zugehörigkeit und Bedeutung. Auf einer klanglichen Reise durch Isolation, Widerstandsfähigkeit und Wunder verflechten sich introspektive Texte mit üppigen, beschwörenden Klanglandschaften. Die träumerische Atmosphäre, die sowohl für Lust For Youth als auch für Croatian Amor charakteristisch ist, wird durch die hallgetränkte Produktion des Albums beibehalten und verleiht ihm eine ätherische, nostalgische Qualität. Während Themen wie Melancholie und Sehnsucht im Mittelpunkt stehen, sorgen energiegeladene Beats und aufmunternde Arrangements für eine bittersüße Harmonie, die zwischen Verletzlichkeit und Euphorie oszilliert. Das Album markiert einen Wechsel im Tonfall und entfernt sich von den synthiegetriebenen Post-Punk-Wurzeln von Lust For Youth. Stattdessen setzt "All Worlds" auf eine tanzbare Ästhetik, die pulsierende Rhythmen und von Techno inspirierte Motive mit überlagerten Gesangssamples verwebt. Das Ergebnis ist eine strukturierte Klanglandschaft - eine Erkundung der emotionalen Zerbrechlichkeit durch schimmernde Produktion und introspektive Melodien. Zwölf Jahre nach ihrem 2013 erschienenen Ambient-Industrial-Album "Pomegranate" spiegelt "All Worlds" die Entwicklung von Lust For Youth und Croatian Amor wider. Dieses Album ist sowohl eine Antwort auf ihre früheren Arbeiten als auch eine Weiterentwicklung, die von einem Jahrzehnt des Wachstums und der Veränderung geprägt ist. Es vertieft ihre Erforschung von Klang und Bedeutung und spricht direkt zum gegenwärtigen Moment. Wie die Goldene Schallplatte, die im Weltraum treibt, ist "All Worlds" eine Sammlung von Momenten, die darauf warten, sich mit denjenigen zu verbinden, die zuhören wollen.

Die aus Australien stammende und in Berlin lebende Schlagzeugerin und Perkussionistin Eilis Frawley veröffentlicht am 07.03.2025 ihr Debütalbum 'Fall Forward'.

Co-produziert von Eilis Frawley und Kat Frankie, ist 'Fall Forward' ein kaleidoskopartiges Geflecht aus Kraut, Hip Hop, Spoken Word und Indie. Mit Texten, die über Jahre hinweg in Flugzeugen, Zügen und Bussen geschrieben wurden und persönliche Geschichten von Nostalgie erzählen, von einer bestimmten Vorstellung von Zuhause, von psychischer Gesundheit und von Beziehungen zwischen allen Arten von Menschen.

Eilis Frawley ist eine klassisch ausgebildete Musikerin. Neben ihrer eigenen Musik spielt und spielte sie Schlagzeug für Künstler*innen wie Anika, Laura Lee und The Jettes sowie für ihre eigenen Bands Kara Delik (türkischer Post-Punk) und Restless (Noisy Punk). Eilis ist die Gründerin von Bang On, einem Festival in Berlin, das sich der Diversität und der lokalen Musikszene widmet.

- Ltd. Col. LP: (Recycled Colored Vinyl)

"Formed by Brandon Hagen (guitar, vocals) and Drew McDonald (drums), and later joined by Zack Abramo (bass), Vundabar have always been imbued with a fiercely independent spirit, their sound forged in mythical underground Brooklyn venues such as Silent Barn and Shea Stadium. Musically, they exist almost as a fever dream of many genres, melding arty post-punk, tangled math-rock, sun-dappled surf-guitar, shimmering jangle-pop and grunge scuzz into sharp, compact songs. Across six albums the band have netted them a wide fan base and a reputation for a killer live show, not to mention a platinum record for their song 'Alien Blues'. "

Find all the titles that influenced one of the greatest rock band of all times, on a double vinyl. With: B.B. King, John Lee Hooker, Elvis Presley, Little Richard, Bob Dylan, Joan Baez, Muddy Waters, Sonny By Williamson I... The tracklist was made up by the journalist Lionel Eskenazi, who is a true specialist of the what many consider as the best rock band ever

Celebrating the 30th anniversary of Fat Tony & Fierce Child’s legendary 'Men Adore,' Full Circle proudly presents the complete remix package—a stellar collection of reworks from some of the best DJs in the game, each bringing their unique flavour to this iconic track.

Mid 80's Rub-A-Dub, London style - wicked conscious toasting action from Ranking Anne on her 1984 follow up LP on the great Ariwa.
Produced by Mad Professor, featuring host of guest musicians and singers ( Johnny Clarke , Jah Shaka to name a few) joining the sessions. Class

Mannequin Records proudly presents the debut release from Children Of The Night, a dynamic duo whose music is rooted in cinematic soundscapes. The project brings together Mexican techno producer Alejandro Barba, also known as Dellarge, and French documentary/film producer Pierre Labret, forging a distinctive creative partnership. Their collaboration masterfully combines dark, atmospheric elements with driving electronic rhythms, drawing heavily from the worlds of classic horror and psychological thrillers. The result is a collection of soundscapes that are as eerie as they are captivating, creating an immersive and haunting listening experience.



This album stands as an unconventional horror soundtrack for a film that never came to be—a tribute to the legendary Spanish filmmaker Jess Franco, known for his prolific work in the exploitation and horror genres. Born out of the quiet chaos of the pandemic, this project was originally intended to accompany a slasher film that was halted due to financial constraints. Despite the film’s cancellation, the duo pressed forward, turning the unfinished narrative into an imaginative auditory experience. The soundtrack will serve not only as a homage to Franco but also as a nod to Juan Mendez, better known by his alias Silent Servant, whose dark, minimalist electronic productions have left a deep mark on the underground music scene.

Dellarge and Labret’s creative process is shaped by an eclectic array of inspirations, pulling from both literature and cinema. They’ve cited films such as Franco’s "Paroxismus," "Gritos," and "Faceless" as vital to their sonic direction, as well as the eerie black-and-white imagery of F.W. Murnau's "Nosferatu." Additionally, the duo draws on the disturbing psychological tension of Stephen King’s "Carrie" and "Misery," and the surreal dystopian world of Stanislaw Lem's "Congreso de Futurología." The giallo horror aesthetics of Dario Argento's "Deep Red" also serve as a significant influence, merging surreal visuals with nerve-racking, visceral soundtracks—elements mirrored in Dellarge and Labret's own compositions.



The LP is not only rich with atmospheric storytelling but also boasts a range of remarkable remixes by prominent artists in the electronic music scene. Contributions from Alessandro Adriani, David Carretta, Legowelt, and Broken English Club inject new life into the original tracks, offering reinterpretations that span from industrial techno to Italo disco, further enhancing the project’s depth and versatility. Each remix complements the overarching horror theme while adding a modern, avant-garde twist to the duo’s work.



This debut album promises to be more than just a musical release—it's a vivid exploration of the horror genre through sound, creating a sensory experience that brings forgotten films, unrealized visions, and nightmarish stories to life through music. As the lines between fiction and reality blur, Dellarge and Labret invite listeners into a world where the echoes of lost films can finally be heard.

Muireann Bradley is a young blues, ragtime, roots and folk guitarist and singer based in Ballybofey in County Donegal Ireland. “This is my first album. Most of these tunes were originally recorded by the great blues men and women who were making records from the 1920s and 1930s right up in some cases to the early 1970s. I have also found inspiration for the renditions recorded here in the playing of some of the musicians who began recording this music in the 1960s and later, and who in some cases learned at the feet of the greats. Many of these guitarists played pivotal roles in the 1960s blues revival and subsequent “rediscovery” of many of the greats of country blues. I grew up steeped in these old blues in the hills overlooking the valley of the River Finn just outside the town of Ballybofey in County Donegal. My father would play this music constantly at home and wherever we went in the car and talk about it endlessly whether anyone was listening or not, telling stories about the lives of these musicians as if they were legend, mythology or the evening news. My father could of course play all this stuff on guitar, I remember watching him when I was very young and thinking “I want to be able to do that”. When I was nine he agreed to teach me and bought me my first little travel guitar. I worked hard to learn how to play but as time wore on I seemed to have less and less time to practice as I became more and more invested in the combat sports I was regularly training and competing in. Then in March 2020 the first Covid lockdowns happened and all contact sports were shut down. I was lost for a while but soon found my way back to the guitar. I was now listening, playing and practicing with a new intensity and focus. In a very serious moment, I wrote out a list of tunes I was going to learn. The first tune on that list was Blind Blake’s “Police Dog Blues”. I’m not sure now how long it took to get that arrangement together but when it was ready we videoed me performing it and posted it on YouTube. It ended up getting a lot of attention, I remember my parents being quite shocked and soon after that Josh Rosenthal got in touch… and here we are! Each individual track on this album was recorded live in the studio and represents one entire take with me singing and backing myself up on guitar simultaneously. Most are either first or second takes. Nothing has been added or taken away, no overdubs or modern recording tricks of any kind have been used at all so at least in some respects this album has been recorded in the same way as those classics of the 1920s and 1930s

20 Jahre The Offenders in 2025! Und zum Jubiläum gibt's keine Nudeln von gestern neu aufgewärmt, sondern das brandheiße, nagelneue Gericht "Storm Over The Mainland" Das 10. Album der Offenders vereint in den neuen Songs alle Einflüsse und Stile der Band aus den letzten zwei Dekaden. Mit treibendem Offbeat des vorab im Januar erscheinenden "Partizani in Budapest" bis zum mit Mandoline untermalten Folk-Punk bei "Off My Chest", vom klasischen straight-foward Ska-Punks "The Way The People Think" bis zu den dominierenden Gitarrenriffs der Punkrock-Hymne "Sixteenth Round", ist es das abwechslungsreichste Album der Band. Ausgeklügeltem Songwriting, sich festsetzenden "catchy chorals" und einem perfekt abgestimmtem "kick-ass"-Sound, der für emsiges Treiben auf der Tanzfläche, vor der Bühne oder lautem Mitgröhlen sorgen dürfte! Von Anfang an engagieren und unterstützen die Offenders mit ihrer Musik und den Konzerten dabei die antifaschistische und antirassistische Bewegung weltweit. Egal ob in autonomen Jugendzentren und anderen Kultureinrichtungen, besetzten Häusern oder der Ultraszene beim Fußball quer durch ganz Europa - ihre Message ist eindeutig und findet sich selbstredend auch in den neuen Songs wieder. The Offenders sind beileibe keine Spaßkapelle, auch wenn ihre Musik davon eben jede Menge zu bieten hat. Vielleicht macht das ja auch ihren Erfolg, Glaubwürdigket und die stetig wachsende Beliebtheit seit 20 Jahren aus: "Storm Over The Mainland" jedenfalls ist jedenfalls ein Album mit Attitüde, wie es für ein Jubiläum nicht besser sein kann. Cheers & Ciao! 2005 wurden "The Offenders" um den charismatischen Sänger Valerio in Cosenza (Italien) gegründet, Ende 2008 zog es die Band in ihre neue Wahlheimat nach Berlin. Zu ihren prägendsten und bekanntesten Underground-Hits zählen unter anderem: "Hooligan Reggae" (ein Dancefloor-Klassiker vom gleichnamigen ersten Album, der weltweit in den Stadien zum Schlachtruf der antirassistischen Fans wurde) und "Marchez" (der rebellische Sound von Class of Nations - mit fast 2 Millionen Streams allein auf Spotify. The Offenders sind unzählige Male durch ganz Europa getourt, haben Russland, China zuletzt in Mexiko (Januar 2024) für ihre Konzerte bereist und sind regelmäßig Gast auf den internationalen Festival-Bühnen wie beim Mighty Sounds (Tschechien) - Rebellion (UK) - Spirit from the streets (DE), Sjock (BE) - Couvre Feu (FR) - Ruhrpott Rodeo (DE) - Los Almiros (GR) - Rudeboys Unity (CH) und viele weitere. Die Bühne teilten sie u.a. mitBad Religion, Nofx, Korn, Flogging Molly, Dropkick Murphys, Social Distortion, Uk Subs, Agnostic Front, Selecter, Discharge, Sick of it All, Real Mckenzies, Cock Sparrer, Slime, Antilopen Gang, Pennywise, Toy Dolls and many more!

20 Jahre The Offenders in 2025! Und zum Jubiläum gibt's keine Nudeln von gestern neu aufgewärmt, sondern das brandheiße, nagelneue Gericht "Storm Over The Mainland" Das 10. Album der Offenders vereint in den neuen Songs alle Einflüsse und Stile der Band aus den letzten zwei Dekaden. Mit treibendem Offbeat des vorab im Januar erscheinenden "Partizani in Budapest" bis zum mit Mandoline untermalten Folk-Punk bei "Off My Chest", vom klasischen straight-foward Ska-Punks "The Way The People Think" bis zu den dominierenden Gitarrenriffs der Punkrock-Hymne "Sixteenth Round", ist es das abwechslungsreichste Album der Band. Ausgeklügeltem Songwriting, sich festsetzenden "catchy chorals" und einem perfekt abgestimmtem "kick-ass"-Sound, der für emsiges Treiben auf der Tanzfläche, vor der Bühne oder lautem Mitgröhlen sorgen dürfte! Von Anfang an engagieren und unterstützen die Offenders mit ihrer Musik und den Konzerten dabei die antifaschistische und antirassistische Bewegung weltweit. Egal ob in autonomen Jugendzentren und anderen Kultureinrichtungen, besetzten Häusern oder der Ultraszene beim Fußball quer durch ganz Europa - ihre Message ist eindeutig und findet sich selbstredend auch in den neuen Songs wieder. The Offenders sind beileibe keine Spaßkapelle, auch wenn ihre Musik davon eben jede Menge zu bieten hat. Vielleicht macht das ja auch ihren Erfolg, Glaubwürdigket und die stetig wachsende Beliebtheit seit 20 Jahren aus: "Storm Over The Mainland" jedenfalls ist jedenfalls ein Album mit Attitüde, wie es für ein Jubiläum nicht besser sein kann. Cheers & Ciao! 2005 wurden "The Offenders" um den charismatischen Sänger Valerio in Cosenza (Italien) gegründet, Ende 2008 zog es die Band in ihre neue Wahlheimat nach Berlin. Zu ihren prägendsten und bekanntesten Underground-Hits zählen unter anderem: "Hooligan Reggae" (ein Dancefloor-Klassiker vom gleichnamigen ersten Album, der weltweit in den Stadien zum Schlachtruf der antirassistischen Fans wurde) und "Marchez" (der rebellische Sound von Class of Nations - mit fast 2 Millionen Streams allein auf Spotify. The Offenders sind unzählige Male durch ganz Europa getourt, haben Russland, China zuletzt in Mexiko (Januar 2024) für ihre Konzerte bereist und sind regelmäßig Gast auf den internationalen Festival-Bühnen wie beim Mighty Sounds (Tschechien) - Rebellion (UK) - Spirit from the streets (DE), Sjock (BE) - Couvre Feu (FR) - Ruhrpott Rodeo (DE) - Los Almiros (GR) - Rudeboys Unity (CH) und viele weitere. Die Bühne teilten sie u.a. mitBad Religion, Nofx, Korn, Flogging Molly, Dropkick Murphys, Social Distortion, Uk Subs, Agnostic Front, Selecter, Discharge, Sick of it All, Real Mckenzies, Cock Sparrer, Slime, Antilopen Gang, Pennywise, Toy Dolls and many more!

20 Jahre The Offenders in 2025! Und zum Jubiläum gibt's keine Nudeln von gestern neu aufgewärmt, sondern das brandheiße, nagelneue Gericht "Storm Over The Mainland" Das 10. Album der Offenders vereint in den neuen Songs alle Einflüsse und Stile der Band aus den letzten zwei Dekaden. Mit treibendem Offbeat des vorab im Januar erscheinenden "Partizani in Budapest" bis zum mit Mandoline untermalten Folk-Punk bei "Off My Chest", vom klasischen straight-foward Ska-Punks "The Way The People Think" bis zu den dominierenden Gitarrenriffs der Punkrock-Hymne "Sixteenth Round", ist es das abwechslungsreichste Album der Band. Ausgeklügeltem Songwriting, sich festsetzenden "catchy chorals" und einem perfekt abgestimmtem "kick-ass"-Sound, der für emsiges Treiben auf der Tanzfläche, vor der Bühne oder lautem Mitgröhlen sorgen dürfte! Von Anfang an engagieren und unterstützen die Offenders mit ihrer Musik und den Konzerten dabei die antifaschistische und antirassistische Bewegung weltweit. Egal ob in autonomen Jugendzentren und anderen Kultureinrichtungen, besetzten Häusern oder der Ultraszene beim Fußball quer durch ganz Europa - ihre Message ist eindeutig und findet sich selbstredend auch in den neuen Songs wieder. The Offenders sind beileibe keine Spaßkapelle, auch wenn ihre Musik davon eben jede Menge zu bieten hat. Vielleicht macht das ja auch ihren Erfolg, Glaubwürdigket und die stetig wachsende Beliebtheit seit 20 Jahren aus: "Storm Over The Mainland" jedenfalls ist jedenfalls ein Album mit Attitüde, wie es für ein Jubiläum nicht besser sein kann. Cheers & Ciao! 2005 wurden "The Offenders" um den charismatischen Sänger Valerio in Cosenza (Italien) gegründet, Ende 2008 zog es die Band in ihre neue Wahlheimat nach Berlin. Zu ihren prägendsten und bekanntesten Underground-Hits zählen unter anderem: "Hooligan Reggae" (ein Dancefloor-Klassiker vom gleichnamigen ersten Album, der weltweit in den Stadien zum Schlachtruf der antirassistischen Fans wurde) und "Marchez" (der rebellische Sound von Class of Nations - mit fast 2 Millionen Streams allein auf Spotify. The Offenders sind unzählige Male durch ganz Europa getourt, haben Russland, China zuletzt in Mexiko (Januar 2024) für ihre Konzerte bereist und sind regelmäßig Gast auf den internationalen Festival-Bühnen wie beim Mighty Sounds (Tschechien) - Rebellion (UK) - Spirit from the streets (DE), Sjock (BE) - Couvre Feu (FR) - Ruhrpott Rodeo (DE) - Los Almiros (GR) - Rudeboys Unity (CH) und viele weitere. Die Bühne teilten sie u.a. mitBad Religion, Nofx, Korn, Flogging Molly, Dropkick Murphys, Social Distortion, Uk Subs, Agnostic Front, Selecter, Discharge, Sick of it All, Real Mckenzies, Cock Sparrer, Slime, Antilopen Gang, Pennywise, Toy Dolls and many more!

"Get nostalgic with the Teenage Mutant Ninja Turtles II: Back from the Sewers Vinyl Soundtrack, the fifth release in a series of shellacious Turtles tunes.

Stop Shredder From Zapping the World Famous Sewer Stars Into Pet Store Pebble Pushers! Shredder's got his criminal mind back in the gutter and has joined forces with fellow hero-hater Krang to pulverize the pizza freaks once and for all. They've shanghaied newswoman of the nineties April O'Neil as a decoy, so the boys from below must rescue her, without losing their shells.

Der Soundtrack von 'KNEECAP', mit Musik von der Band sowie Bicep, Fontaines DC und Orbital, ist als Doppel-LP im Gatefold-Design auf farbigem Vinyl erhältlich. Er enthält auch Filmmusik von Michael ‘Mikey J’ Asante MBE und Ausschnitte aus den Dialogen des Films.

- Ltd. Col. 2LP: (LP1 Orange / LP2 Green Vinyl)

Sexe Fort is the seventh studio album by Patricia Kaas. With this album, the singer has maintained her status as one of the most important chansonniers of her generation. The album is notable for its many collaborations with important French singers and songwriters such as Jean-Jacques Goldman, Stephan Eicher, Pascal Obispo, Patrick Fiori, Louis Bertignac and Renaud. The album was a huge success in Belgium, France and Switzerland and had "Où Sont Les Hommes" as a popular single. This is the first time the album has been released as an LP. Sexe Fort is a limited edition of 1000 numbered copies on white coloured vinyl.

This one is from the minds of the Exist Dance label heads, Michael Kandel & Tom Chasteen, who’s work as High Lonesome Soundsystem & Voodoo Transmission we have had the honour to reissue previously. Under their Eden Transmission alias, we hear them delivering something at once totally indicative of the West Coast rave sound that they helped define but also something that goes beyond any means of simple classification and defies pigeon-holing. Breakbeats, in varying shades of blissful and nightmarish, hoover bass mental breakdowns and reality melting samples from the mouth of the psycho-magus Jodorowsky collide with elements of Trance in it’s euphoric, embryonic form. Psychic travel guaranteed.

'Spring Board: The Early Unrecorded Songs" ist/war das letzte leidenschaftliches Projekt von Chills' Martin Phillipps vor seinem plötzlichen Tod. Es ist eine engagierte Neuinterpretation früher, unveröffentlichter Songs, die zu seinem künstlerischen Abschied, einem bleibenden Vermächtnis und einer Erinnerung an sein großes, unterschätztes Talent werden. Das Album wurde mit der Liebe und dem Enthusiasmus seiner Band, der Familie und Freunden abgeschlossen. Martin Phillipps, Sänger, Songwriter und Hauptmotivator der Chills hat in den 2000er Studio- und Live-Alben veröffentlicht, während er mit dem typischen Elan in sein sechzigstes Lebensjahr ging. Inmitten dieser Dynamik suchte er immer noch in alten (Demo-)Bändern nach den Ursprüngen, die 1987 zu seinem weltweiten Erfolg geführt hatten, der zwar über Nacht eintrat und doch sieben Jahre brauchte, um zu zünden. Diese frühen Songs und Skizzen wurden wieder aufgegriffen, überarbeitet und schließlich auf Album gebannt. Spring Board" ist somit das letzte Kapitel des unermesslich bedeutsamen Schaffens des Martin 'The Chills' Phillipps, ist alarmierend, persönlich, spröde und manchmal hoffnungslos optimistisch. Hier blickt ein Mann zurück auf eine wellenförmige Karriere, die zu nichts Geringerem als Kultstatus führte. Die Lieder eines Menschen, der seine Wurzeln und die innersten Gedanken, Hoffnungen und Ängste seines jungen Ichs wiederentdeckt und zum erstenmal. Spring Board" enthält Beiträge von Julia Deans von Fur Patrol, Elroy Finn und Split Enz, Neil Finn von Split Enz/Crowded House, Hollie Fullbrook von Tiny Ruins, Greg Haver von den Manics, Troy Kingi, Shona Laing, Tami Neilson, Dianne Swann (Everything That Flies) und Clementine Valentine von Purple Pilgrims. The Chills 2024 sind/waren Martin Phillipps, Oli Wilson, Erica Scally, Callum Hampton und and Todd Knudson. Doppel-LP, UV Spot Klappcover, klassisch schwarzes Vinyl mit dlc oder Digisleeve CD mit Lyric-Poster-Booklet

'Spring Board: The Early Unrecorded Songs" ist/war das letzte leidenschaftliches Projekt von Chills' Martin Phillipps vor seinem plötzlichen Tod. Es ist eine engagierte Neuinterpretation früher, unveröffentlichter Songs, die zu seinem künstlerischen Abschied, einem bleibenden Vermächtnis und einer Erinnerung an sein großes, unterschätztes Talent werden. Das Album wurde mit der Liebe und dem Enthusiasmus seiner Band, der Familie und Freunden abgeschlossen. Martin Phillipps, Sänger, Songwriter und Hauptmotivator der Chills hat in den 2000er Studio- und Live-Alben veröffentlicht, während er mit dem typischen Elan in sein sechzigstes Lebensjahr ging. Inmitten dieser Dynamik suchte er immer noch in alten (Demo-)Bändern nach den Ursprüngen, die 1987 zu seinem weltweiten Erfolg geführt hatten, der zwar über Nacht eintrat und doch sieben Jahre brauchte, um zu zünden. Diese frühen Songs und Skizzen wurden wieder aufgegriffen, überarbeitet und schließlich auf Album gebannt. Spring Board" ist somit das letzte Kapitel des unermesslich bedeutsamen Schaffens des Martin 'The Chills' Phillipps, ist alarmierend, persönlich, spröde und manchmal hoffnungslos optimistisch. Hier blickt ein Mann zurück auf eine wellenförmige Karriere, die zu nichts Geringerem als Kultstatus führte. Die Lieder eines Menschen, der seine Wurzeln und die innersten Gedanken, Hoffnungen und Ängste seines jungen Ichs wiederentdeckt und zum erstenmal. Spring Board" enthält Beiträge von Julia Deans von Fur Patrol, Elroy Finn und Split Enz, Neil Finn von Split Enz/Crowded House, Hollie Fullbrook von Tiny Ruins, Greg Haver von den Manics, Troy Kingi, Shona Laing, Tami Neilson, Dianne Swann (Everything That Flies) und Clementine Valentine von Purple Pilgrims. The Chills 2024 sind/waren Martin Phillipps, Oli Wilson, Erica Scally, Callum Hampton und and Todd Knudson. Doppel-LP, UV Spot Klappcover, klassisch schwarzes Vinyl mit dlc oder Digisleeve CD mit Lyric-Poster-Booklet

1969 was the year of release of this one and only album by Japanese jazz pianist Hideo Ichikawa, vibraphonist Hiroshi Matsumoto, bassist Kunimitsu Inaba and drummer Motohiko Hino, all in collaboration. A one-off coming-together, it centred on the valerian vibes of Matsumoto, whose star instrument, the vibraphone, was bound to take centre stage for its comparative novelty, not to mention the fact that Matsumoto himself had been practicing before the others. An honorary work, this urbane masterpiece hears tasteful vibraphonic panning in full stereo, as blue passing notes collide with expert steel brushings and untied chord playing, resulting in a unique but salubrious listen.

Wie viele finnische Death-Metal-Pioniere zeichnet sich die Band durch einen ausgeprägten Sinn für Schrägheit aus, indem sie verschiedene Einflüsse zu einem unverwechselbaren Sound verschmilzt. "Das Rückgrat ist der Death Metal", sagt Sänger Kari Kankaanpää, "aber wir haben uns nie davor gescheut, neue Inspirationen und Einflüsse zu erforschen, die die einzigartige Note von Sepulchral Curse ausmachen. Musik muss dunkel, schwer und wütend sein!"

Crimson Moon Evocations markiert das Debüt der Band bei Dark Descent Records, eine Partnerschaft, die sich sowohl natürlich als auch von großer Bedeutung anfühlt: "Dark Descent Records hat immer einen besonderen Platz in meinem Herzen gehabt. Es ist eine große Ehre, mit dieser Platte zu ihrem renommierten Roster zu stoßen."

Diese neue Zusammenarbeit spiegelt die ungebrochene Dynamik von Sepulchral Curse wider und erscheint nur zwei Jahre nach ihrem kühnen Sprung nach vorne mit Abhorrent Dimensions. "Mit Abhorrent Dimensions haben wir wirklich begonnen, unseren eigenen Sound und Stil zu finden, und Crimson Moon Evocations taucht noch tiefer in das ein, was wir sind, und kristallisiert die Essenz des Sepulchral Curse-Sounds."

Um ihre Vision einzufangen, kehrte die Band in die finnischen Oxroad Studios zurück, um mit dem Produzenten Tomi Uusitupa zu arbeiten, dessen Einfluss entscheidend war. "Tomi ist wie unser sechstes Mitglied. Er wählt die Projekte, mit denen er arbeitet, sorgfältig aus, da er in jede Platte, die er macht, eine enorme Menge an Liebe und persönlichem Input einfließen lässt."

Das Album ist nicht nur ein Meilenstein, sondern auch ein Statement, das von Mark Erskine mit einem atemberaubenden Artwork versehen wurde: Sepulchral Curse ist zum Gipfel des Blackened Death Metal aufgestiegen!