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Cassette
F8 ist das achte Studioalbum von Five Finger Death Punch, das am 28. Februar 2020 veröffentlicht wurde. Es ist das erste Album der Band mit Schlagzeuger Charlie Engen und das letzte Album mit Gitarrist Jason Hook. Geschrieben und aufgenommen von Mai bis Oktober 2019, gilt F8 als "Wiedergeburt" der Band, so Gitarrist Zoltan Bathory. Das Album stieg international in die Top10 der Mainstream Album Charts in über fünfzehn Ländern ein (darunter auf Platz #2 in Deutschland, Österreich und der Schweiz). Die Neuauflage erscheint mit überarbeitetem Goldfolien Cover Artwork im Gatefold mit goldfarbiger Vinyl.

Mit "Februar" und "Hurensöhne" liegen zwei weitere Albumklassiker der Erfolgsband aufwendig überarbeitet vor. Wie auch bereits mit den drei Erstlingswerken "Tanzt keiner Boogie", "Bataillon D'Amour" und "Mont Klamott" sind hier die Original Masterbänder komplett neu digitalisiert und nach heutigem Stand der Studiotechnik neu gemastert worden. Zusätzlich enthalten beide Alben auch diesmal wieder attraktive Bonustitel und werden limitiert in einem wertigem Digipack angeboten das zudem noch ein neues, erweitertes Booklet enthält.
Die Fans der Band, die grad beim Bundesvision Songcontest den zweiten Platz abräumte und sich deutlich vor anderen Spitzenkünstlern der Republik durchsetzen konnte, werden ihrer Sammlung zwei weitere Highlights hinzufügen können.

Österreichs Crossover-Legenden KONTRUST melden sich zurück!

Die österreichischen Crossover-Legenden KONTRUST melden sich nach neun langen Jahren endlich mit ihrem mit Spannung erwarteten, neuen Studioalbum zurück. madworld erscheint am 3. November 2023 via Napalm Records. Auf dem Nachfolger des 2014 veröffentlichten Explositive stellen KONTRUST die beiden Neuzugänge, Sängerin Julia Ivanova und Schlagzeuger Joey Sebald, zum ersten Mal auf Platte vor.

Beide präsentierten bereits 2022 ihr energiegeladenes Live-Potenzial auf den Hauptbühnen einiger der größten europäischen Festivals - wie dem Graspop Metal Meeting, Hellfest Open Air, Barcelona Rockfest oder Resurrection Fest. Sängerin Julia hat sich zudem bereits durch ihren Auftritt bei der ukrainischen TV-Show ”X-Factor” einen Namen gemacht und zeigt jetzt ihr beeindruckendes Talent auf den insgesamt 11 Tracks der neuen Scheibe.

KONTRUST gehören zweifelsohne zu den ausgefallensten und aufregendsten Acts der Szene. Die Band begeistert Fans und Kritiker gleichermaßen durch ein unnachahmliches Gespür, verschiedene Genres wie Reggae, Pop und Dance mit schweren Hardrock-Riffs zu fusionieren. Gepaart mit ihrer ganz eigenen Art, die Wurzeln ihrer Heimat klanglich und visuell zu repräsentieren, liefern KONTRUST ein einzigartiges aufregendes Gesamtpaket. Mit ihrem neuen Album madworld beweisen KONTRUST, dass sie voller Überraschungen stecken und bereit sind, alles bisher Erreichte zu toppen!

Jetzt ist dann aber Schluss mit der Gemütlichkeit! Christian Fuchs und David Pfister haben als Mitglieder der Brachial-Wienerlied-Kapelle "Neigungsgruppe Sex, Gewalt & Gute Laune" die österreichische Dialektpop-Welle maßgeblich mitinitiiert. Jetzt gehen sie als Die Buben im Pelz wieder einen Schritt weiter. Und gleichzeitig zurück. Und finden, dass das Wienerlied auch wie Velvet Underground mit Meidlinger L klingen kann. Oder im Sinne legendärer Ahnherren wie Helmut Qualtinger oder Gerhard Rühm, wie ein Zyankalizuckerl schmecken muss, das im weißen Spritzer aufgelöst wird. Aufgenommen im steirischen Studio des Produzenten Bernd Heinrauch eingespielt mit einer großartigen Schar von GastmusikerInnen und FreundInnen gelingt Fuchs und Pfister auf ihrem gemeinsamen Debütalbum ein Rotzbubenstück sondergleichen. Inklusive roher Gewalt und abgedrehten Sex'n'Drugs-Stories, aber auch rasiermesserscharfem Pop&Trash-Appeal. Da wimmelt es in den Songs von Protagonisten in grindigen Pelzen und engem Leder, die sich die sunglasses after dark auf die Schnapsnasen drücken. Tatsächlich schnappen sich die Buben im Pelz, frei nach Sacher-Masoch, das heiliggesprochene erste Velvet Underground Album - ja, das mit dem Bananen-Cover! - und übersetzen die wild aufgekratzte Energie und speckig-dreckige Lust der Stücke ins gache und goscherte Wienerische. Der hektische Großstadtspeed des einstigen New Yorks kracht auf die aktuelle schäbige Noblesse der Donaumetropole. So scharf und modern nach Großstadt triefend hat Wien schon lange nicht mehr geklungen. So aufregend gefährlich gfeanzt und finster auch nicht. Der Tod ist ein Wiener und er trägt jetzt Pelz. Und jetzt ist die gesuchte Debut-Platte der Buben im Pelz als hochwertige 180g-Vinyl-Neuauflage wieder erhältlich, neu umgeschnitten und mit besserer Klangqualität als bisher. Auch eine CD-Version im Digipak ist lieferbar.

Jetzt ist dann aber Schluss mit der Gemütlichkeit! Christian Fuchs und David Pfister haben als Mitglieder der Brachial-Wienerlied-Kapelle "Neigungsgruppe Sex, Gewalt & Gute Laune" die österreichische Dialektpop-Welle maßgeblich mitinitiiert. Jetzt gehen sie als Die Buben im Pelz wieder einen Schritt weiter. Und gleichzeitig zurück. Und finden, dass das Wienerlied auch wie Velvet Underground mit Meidlinger L klingen kann. Oder im Sinne legendärer Ahnherren wie Helmut Qualtinger oder Gerhard Rühm, wie ein Zyankalizuckerl schmecken muss, das im weißen Spritzer aufgelöst wird. Aufgenommen im steirischen Studio des Produzenten Bernd Heinrauch eingespielt mit einer großartigen Schar von GastmusikerInnen und FreundInnen gelingt Fuchs und Pfister auf ihrem gemeinsamen Debütalbum ein Rotzbubenstück sondergleichen. Inklusive roher Gewalt und abgedrehten Sex'n'Drugs-Stories, aber auch rasiermesserscharfem Pop&Trash-Appeal. Da wimmelt es in den Songs von Protagonisten in grindigen Pelzen und engem Leder, die sich die sunglasses after dark auf die Schnapsnasen drücken. Tatsächlich schnappen sich die Buben im Pelz, frei nach Sacher-Masoch, das heiliggesprochene erste Velvet Underground Album - ja, das mit dem Bananen-Cover! - und übersetzen die wild aufgekratzte Energie und speckig-dreckige Lust der Stücke ins gache und goscherte Wienerische. Der hektische Großstadtspeed des einstigen New Yorks kracht auf die aktuelle schäbige Noblesse der Donaumetropole. So scharf und modern nach Großstadt triefend hat Wien schon lange nicht mehr geklungen. So aufregend gefährlich gfeanzt und finster auch nicht. Der Tod ist ein Wiener und er trägt jetzt Pelz. Und jetzt ist die gesuchte Debut-Platte der Buben im Pelz als hochwertige 180g-Vinyl-Neuauflage wieder erhältlich, neu umgeschnitten und mit besserer Klangqualität als bisher. Auch eine CD-Version im Digipak ist lieferbar.

Jerry Leger ist ein Künstler, der von Uncut Magazine und Rolling Stone Germany gefeiert
wird und auch Lob von Kollegen wie Ron Sexsmith und Doug Paisley erhalten hat.
Auf seinem neuen Album 'Donlands' hat Leger einen anderen Ansatz gewählt und sich mit
dem legendären kanadischen Produzenten/ Toningenieur Mark Howard (Lucinda
Williams, Bob Dylan, Tom Waits, Neil Young) zusammengetan, dessen markanter
atmosphärischer Sound Leger's Herangehensweise völlig verändert hat. Das Album,
benannt nach der Straße im Osten von Toronto, in der es aufgenommen wurde, im
ehemaligen Donlands Theatre, präsentiert Jerry Leger, wie man ihn noch nie zuvor gehört
hat.
"Längst nicht mehr viele Leute machen Aufnahmen wie Mark Howard", sagt Leger.
"Nachdem ich ihm erzählt hatte, wie viel mir Tom Waits' 'Real Gone' bedeutet, bin ich
direkt in die Erfahrung eingetaucht. Wie bei all meinen Alben haben wir 'Donlands'
größtenteils live im Studio mit meiner Band The Situation Dan Mock, Kyle Sullivan, Alan
Zemaitis aufgenommen, im Kreis - ohne Kopfhörer, einfach nur Zuhören und Existieren,
Atmen als Ganzes. Für mich ist es ein Album, das in seiner eigenen Welt lebt."
'Donlands' schließt passend mit "Slow Night In Nowhere Town", in dem der Film endet und
wir aus dem Theater in einen gleichmäßigen Regen hinaustreten, unsicher, ob wir nach
Hause gehen oder einfach weitergehen sollen. Mit 'Donlands' hat er ein Album geschaffen,
das als einer der Höhepunkte in einem ohnehin schon beeindruckenden Werk steht.
Digitalwerbung auf Facebook, Instagram und YouTube.

Originally released on white vinyl for Record Store Day 2021, this much sought after soundtrack is now available on a limited run of Transparent Red Vinyl.
2020 saw the release of the critically acclaimed “Audrey”, a documentary film taking an intimate look at Audrey Hepburn’s life with access to never-before-seen footage from her family’s personal collection and produced by the multi award-winning team behind “McQueen” and “Churchill”.
The soundtrack was composed by Alex Somers, an American composer and producer who has written and collaborated on soundtracks including “We Bought A Zoo”, “How To Train Your Dragon Trilogy”, “Aloha”, “The Circle”, “Captain Fantastic”, “Shia LaBeouf's Honey Boy” and Taylor Swift's Netflix original documentary “Miss Americana”. His work was first noticed in 2009 with Riceboy Sleeps, his ambient album collaboration with partner Jónsi (Sigur Rós). Following “Riceboy Sleeps”, Alex co-produced Jónsi’s 2010 debut solo album “Go”. He then opened his own recording studio in Reykjavík where he co-produced and mixed Sigur Rós’ 2013 album “Valtari”, and continued to collaborate with artists Jónsi, Julianna Barwick, Jóhann Jóhannsson, Gyða Valtýsdóttir, Damien Rice, Amiina, Sin Fang, Briana Marela.

Die Judas Priest Ikonen K.K. Downing und Tim ”Ripper” Owens präsentieren auf ihrem zweiten Studioalbum neun neue Tracks – Mehr Heavy Metal geht nicht!

Nachdem ihr gefeiertes Debütalbum Sermons Of The Sinner (2021) in Deutschland, Österreich, der Schweiz, den USA, Großbritannien und vielen weiteren Ländern in den Top 20 der Albumcharts landete, kehren KK’S PRIEST mit dem zweiten Album The Sinner Rides Again zurück. Das neue Album der Band, bestehend aus den legendären ex Judas Priest Mitgliedern und GRAMMY-Award gekrönten, sowie nominierten Musikern K.K. Downing (Gitarre) und Tim ”Ripper” Owens (Gesang), sowie A.J. Mills (Gitarre), Tony Newton (Bass) und Sean Elg (Schlagzeug), erscheint am 29. September 2023 über Napalm Records. The Sinner Rides Again bietet 100% puren Heavy Metal und entwickelt den Stil des Vorgängeralbums, das vom UK Metal Hammer als „äußerst unterhaltsam“ und vom deutschen Rock Hard Magazin als „starkes Album“ betitelt wurde.

Dabei bietet das neue Werk neun riffgeladene Heavy Metal Hymnen, produziert und geschrieben von K.K. Downing, gemischt und gemastert von Jacob Hansen.

Nach seinem Aus bei Judas Priest war die Zukunft des Genre definierenden K.K. Downing ungewiss. Aber nach fast 10 Jahren Pause nahm er die berühmten Flying V Gitarren wieder in die Hand und bewies, dass er nach wie vor einer der besten Songwriter im klassischen Heavy Metal ist.

OPUS („Live is Life“) haben zwar ihr Karriereende bekanntgegeben, aber Schluss ist deshalb doch noch nicht.

Die Band – ohne Sänger – hat sich nämlich nun mit den Schick Sisters, die ebenfalls aus der Steiermark kommen, zusammengetan und veröffentlichen gemeinsam das Album „We Are One“ auf CD und als limitierte (300 only!) LP.

Geplant war zwar nur ein Song, doch die gemeinsame Arbeit im Studio hat sich für alle Beteiligten als derart fruchtbar herausgestellt, dass die Entscheidung ein Album aufzunehmen gar nicht getroffen werden musste.

Neben orchestrierten Stücken, darunter ein Song zum Weltfrauentag ‚We Are‘ (mit Arrangement von Christian Kolonovits), gibt es auch eine Gast-Performance von Opus Sänger Herwig Rüdisser. Das Artwork basiert auf der ‚Paradiso ‘ Werk-Trilogie des österreichischen Ausnahme-Malers Ernst Fuchs.

At the end of the 60s and early 70s Brazil was a dream. It was fashionable everywhere in Europe and therefore in France too. One thinks of 'Samba Saravah' from the Un homme et une femme OST, Françoise Hardy and her record produced by Tuca, Isabelle Aubret and her 'Casa Forte' or France Gall with 'Zozoi'. Three Brazilian musicians exiled in France, Edson Lobo (bass), Fernando Martins (piano) and Nelson Serra (drums) form the Trio Camara. They met a group of friends who loved Brazilian music, all professional musicians, but who wanted to remain anonymous, hence the name of the band : Les Masques (The Masks)…

Claude Germain (Les double six), José Bartel, Marie Vassiliu, Pierre Vassiliu … Indeed the singers forming Les Masques are from being unknown. In 1969 they entered Studio Davout with le Trio Camara to record "Brasilian Sound". Composed of 11 tracks, it is a superb album, masterfully produced and recorded, a gripping record to listen in one go and transports us in atmospheres both dreamy and naïve which belong to that period. Produced in 500 copies on CBS, 'Brazilian Sound' was not, unfortunately, a success and it is today impossible to find the original French pressing (which sounds much better than the Canadian pressing released at the same time). This reissue on Le Très Groove Club is welcome, so that 50 years after its release, a larger audience can discover this beautiful record, echo of a once and for all past era.

The whispers of the underworld told us to give the music of Yakuza: Like a Dragon (Ryū ga Gotoku 7: Hikari to Yami no Yukue) the wax treatment, and so we’re honoured to present this Laced-exclusive Limited Edition vinyl. The complete soundtrack has been specially mastered and will be pressed to heavyweight vinyl.

Yakuza: Like a Dragon’s EDM and rock soundtrack threw up some mighty music moments: few boss battle themes go as hard as dubstep banger “War Maker” (aka “Cold-Blooded”) as your rag-tag team finally get to take on Mabuchi; or “Receive You The Hyperactive” kicking into gear as Majima flips down the stairs with Saejima in tow.

It took an entire family of talent to produce the OST, led by RGG Studio stalwarts Hidenori Shoji and Chihiro Aoki. Other contributors included, among others, Hyd Lunch (YasuyukiMatsuzaki& Hiroaki Watanabe), Yuri Fukuda, 83key (ShunsukeYasaki) and ZENTA; while karaoke songs were created by Shoji-san, Fukuda-san, Kiyo and ZENTA with lyrics by Ryosuke Horii and vocals by Kazuhiro Nakaya, Nobuhiko Okamoto and SumireUesaka (performing as Ichiban, Zhao and Saeko, respectively.)























u D1 Yume Mita Sugata E [ Full Spec Edition]
[v] D2 Akuma No Jigokunabe [ Full Spec Edition]
[w] D3 Harukaze [ Full Spec Edition]

The whispers of the underworld told us to give the music of Yakuza: Like a Dragon (Ryū ga Gotoku 7: Hikari to Yami no Yukue) the wax treatment, and so we’re honoured to present this Laced-exclusive Limited Edition vinyl. The complete soundtrack has been specially mastered and will be pressed to heavyweight vinyl.

Yakuza: Like a Dragon’s EDM and rock soundtrack threw up some mighty music moments: few boss battle themes go as hard as dubstep banger “War Maker” (aka “Cold-Blooded”) as your rag-tag team finally get to take on Mabuchi; or “Receive You The Hyperactive” kicking into gear as Majima flips down the stairs with Saejima in tow.

It took an entire family of talent to produce the OST, led by RGG Studio stalwarts Hidenori Shoji and Chihiro Aoki. Other contributors included, among others, Hyd Lunch (YasuyukiMatsuzaki& Hiroaki Watanabe), Yuri Fukuda, 83key (ShunsukeYasaki) and ZENTA; while karaoke songs were created by Shoji-san, Fukuda-san, Kiyo and ZENTA with lyrics by Ryosuke Horii and vocals by Kazuhiro Nakaya, Nobuhiko Okamoto and SumireUesaka (performing as Ichiban, Zhao and Saeko, respectively.)





















u D1 Yume Mita Sugata E Full Spec Edition
[v] D2 Akuma No Jigokunabe [ Full Spec Edition]
[w] D3 Harukaze [ Full Spec Edition]

Aufgenommen in Berlin und auf Abstand zwischen 2020 und 2021, legt die Band ihr 19. abendfüllendes Studioalbum vor. Fire Doesn't Grow On Trees ist der Beginn einer aufregenden neuen Phase für Newcombe und seiner Band. Mit ihm im Studio und über Video/Mail haben Ricky Maymi (Gitarre), Ryan Carlson Van Kriedt (Keyboards), Hakon Adalsteinsson (Gitarre), Hallberg Dadi Hallbergsson (Bass) und Uri Rennert (Schlagzeug) an diesem Album gearbeitet. Die Band befindet im Frühling auf einer 34 Termine umfassenden Tournee in Nordamerika mit Mercury Rev, mit Festivalauftritten bei Levitation in Angers, Frankreich im Juni, Elevation in Graz, Österreich im Juli und NOX ORAE in der Schweiz im August, die Tourneen in Europa ist für September 2022 geplant plus einer weiteren im Februar 2023. Ursprünglich war Newcombe stark von der psychedelischen Phase der Rolling Stones beeinflusst - der Name stammt vom Stones-Gitarristen Brian Jones in Verbindung mit einer Anspielung auf den Sektenführer Jim Jones -, aber in den 2000er Jahren hat sich seine Arbeit in ästhetische Dimensionen ausgeweitet, die sich dem britischen Shoegazing-Genre der 1990er Jahre annähern und Einflüsse aus der Weltmusik, insbesondere aus dem Nahen Osten und Brasilien mit einbezieht. "The Real" ist der erste Vorbote des Albums.

Clear Vinyl

Aufgenommen in Berlin und aus der Ferne, zwischen 2020 und 2022, kehrt die Band mit ihrem 20. Studioalbum zurück, nach dem letztjährigen “Fire Doesen’t Grow on Trees“ dem zweiten Teil einer aufregenden neuen Phase für Anton Newcombe und seiner Band. Mit ihm im Studio waren Hakon Adalsteinsson (Gitarre), & Uri Rennert (Schlagzeug). Die Band ging 2022 auf Tour und absolvierte u.a. eine 34 Shows umfassende äußerst erfolgreiche Tournee in Nordamerika mit Mercury Rev und The Magic Castles. Eine neue Tour zur Unterstützung des neuen Albums steht im Januar 2023 in Großbritannien an und wird im Februar in Europa fortgesetzt. Ursprünglich war Newcombe stark von der psychedelischen Phase der Rolling Stones beeinflusst - der Name stammt vom Stones-Gitarristen Brian Jones in Verbindung mit einer Anspielung auf den Sektenführer Jim Jones -, aber seit den 2000er Jahren hat sich seine Arbeit in vielen ästhetische Dimensionen ausgeweitet und sich u.a. dem britischen Shoegaze-Genre der 1990er Jahre annähert und Einflüsse aus Weltmusik, insbesondere der Musik des Nahen Ostens und Brasiliens, miteinbezieht.

First appearing on TV screens in September 1968, Joe 90 was a unique nine year old boy with the ability to absorb the brain patterns of top experts

enabling him to become the most special agent of W.I.N. (World Intelligence Network).

Whilst there are arguably better-known scores amongst Barry Gray's sublime catalogue of work with the Andersons, the composer's work for Joe 90 is in many ways

the most consistent and inventive selection he ever wrote. Developing a theme for the new series was always the musician's starting point, and for Joe 90, the pop charts breezed into Gray's studio,

with an opening tune featuring a genuine groove. Mixing Gray's inventive electronics with 60s "surf rock" guitars was an inspired decision.

It is no wonder that this piece has gone on to enjoy a second life as a Northern Soul disco floor-filler.

For episodic incidentals, Gray was freed from the detached unearthly premise of Captain Scarlet and able to bring back a playful sensibility

and a more mature musical palette which are amply illustrated in this 24 track collection.

The Sun Makers (written by Robert Holmes) aired in November and December of 1977 with Tom Baker as the Doctor and is set on a tax-crippled planet Pluto. Along with trusty assistant Leela and faithful K9, he exposes the corrupt Company, defeating the Collector and freeing the population from financial misery.

Composer Dudley Simpson (1922-2017) wrote prolifically for the BBC, producing hundreds of soundtracks for Doctor Who, The Tomorrow People, Blake’s Seven and many others. The Sun Makers was scored for just six musicians and recorded, for the main part, live in the studio. However, such is the musicianship of the players, several of whom where multi-instrumentalists, the resulting sound is much bigger. The sleeve includes full notes by Mark Ayres.

The Sun Makers (written by Robert Holmes) aired in November and December of 1977 with Tom Baker as the Doctor and is set on a tax-crippled planet Pluto. Along with trusty assistant Leela and faithful K9, he exposes the corrupt Company, defeating the Collector and freeing the population from financial misery.

Composer Dudley Simpson (1922-2017) wrote prolifically for the BBC, producing hundreds of soundtracks for Doctor Who, The Tomorrow People, Blake’s Seven and many others. The Sun Makers was scored for just six musicians and recorded, for the main part, live in the studio. However, such is the musicianship of the players, several of whom where multi-instrumentalists, the resulting sound is much bigger. The sleeve includes full notes by Mark Ayres.

Mirai is a 2018 Japanese animated adventure fantasy comedy film written and directed by Mamoru Hosoda and produced by Studio Chizu (known for Belle, Wolf Children and The Boy and the Beast). The film stars the voices of Moka Kamishiraishi, Haru Kuroki and Gen Hoshino a.o. It was met with critical acclaim and became nominated for an Academy Award in 2019 for Best Animated Feature Film. Additionally, the movie received an Annie Award in the same year.

Mirai follows the story of a four-year-old boy named Kun whose world is turned upside down when he meets his new baby sister. After venturing into a magical garden, Kun encounters strange guests from the past and future, including his sister Mirai, as a teenager. Together, Kun and teenage Mirai go on a journey through time and space, uncovering their family's incredible story.

The soundtrack for the film was written by Masakatsu Takagi, who had previously scored Hosoda's Wolf Children and The Boy and the Beast. His work for Studio Chizu has been praised for its magical and whimsical atmosphere. For Mirai specifically, this dreamy aesthetic was mixed with a contemporary sound and made to be simple in tone and be reflective of family.

Icelandic composer Högni"s score for the much-acclaimed Netflix"s series Katla will see its full release on July 28. The series takes place in Iceland, after the subglacial volcano Katla has been erupting constantly for a whole year, Gríma is still looking for her missing sister who disappeared the day the eruption started. As her hope of ever finding her body is fading, the residents of the surrounding area start to have visits from unexpected guests. There might be something hidden under the glacier no one could ever have foreseen. Speaking about the score, Högni says: "when I was asked by Baltasar Kormákur - the director and show creator - I started writing so when the filming was finished, I had already written a number of pieces for the show. As relatively in-experienced in the field I imagined that my work was finished and the rest was a matter of post-production and music editing. However it immediately became clear that my ambitions and the nature of the project called for second, third and fourth wind in order to fulfil the auditory architecture that needed to be built". Realising it was a monumental task, Högni kept a strict schedule every day, starting by writing and arranging in the morning, recording and mixing in the afternoon and presenting to the producer each evening. The score was recorded in Högni"s own studio, where him and his collaborators consisting of Tóti Gudnason, Inga Magnes, Petter Ekman, _órunn Osk and Sigurgeir found themselves working in a completely different way than they"ve done before, due to the nature of the project - "we worked the music out of my studio in Reykjavik, where a healthy number of musicians rotated through at the pace of an average ice cream parlour on a long summers evening in Reykjavik. The urgency of delivering cues and material left one in the state of instinctual execution at all hours without hesitation".

Bardo, False Chronicle of a Handful of Truths, or simply Bardo, is a 2022 Mexican epic black comedy-drama film co-written and directed by Alejandro G. Iñárritu. The film stars Daniel Giménez Cacho alongside Griselda Siciliani and follows a journalist/documentarian who returns to his native country of Mexico and begins having an existential crisis in the form of dreamlike visions.

Bardo premiered at the 79th Venice International Film Festival in competition for the Golden Lion. Critics praised the performances, cinematography, and direction. It received a nomination for Best Cinematography at the 95th Academy Awards.

Bryce Dessner, of The National, made the score and wrote; "We recorded the score in Mexico at the beautiful Sony Music Studios in Mexico City and Topetitud Studio in Coyocan. The process of recording the music for Bardo and working with amazing Mexican musicians, including Brass bands from Oaxaca and musicians from the National Symphony, in the studio was an incredible joy for me and something I will remember for the rest of my life."

The soundtrack of Bardo also contains songs by David Bowie, Genesis, José José a.o. The 2LP is available as a limited edition of 750 individually numbered copies on green (LP 1) and white (LP 2) coloured vinyl, housed in a gatefold sleeve and includes 2 printed innersleeves.

Ein charmanter Dieb und eine Gruppe ungleicher Abenteurer unternehmen einen epischen Raubüberfall, um ein verlorenes Relikt zu bergen.

Mit ”Dungeons & Dragons: Honour Among Thieves” kommt die vielschichtige Welt des legendären Rollenspiels in einem unterhaltsamen und actiongeladenen Abenteuer auf die große Leinwand. Chris Pine, Michelle Rodriguez, Regé-Jean Page, Justice Smith, Sophia Lillis, Chloe Coleman, Daisy Head und Hugh Grant spielen die Hauptrollen in diesem epischen Fantasyfilm, der auf dem kultigen Hasbro-Tischspiel Dungeons & Dragons basiert.

Der Soundtrack stammt aus der Feder des Grammy und Emmy Gewinners Lorne Balfe, der auch die Musik von Blockbustern wie Mission Impossible Fallout oder preisgekrönten Serien wie The Crown geschrieben hat. Mit rasanten Orchesterarrangements und starken Melodien erweckt der schottische Komponist diesen Film zum Leben.

Über die Musik selbst sagt Balfe: ”Ich bin so glücklich, der Komponist für ’Dungeons & Dragons: Honour Among Thieves’ zu sein. Ich habe mit diesem Spiel begonnen, als ich 7 Jahre alt war, und ich bin begeistert, dass eine neue Generation das Spiel entdeckt, mit dem ich aufgewachsen bin. Die Musik ist voll von zarten, mystischen, keltischen Reisen, gemischt mit einem großen, üppigen Kino Orchester. Mit diesem Werk konnte ich meine schottischen Wurzeln richtig ausleben!”

Ein charmanter Dieb und eine Gruppe ungleicher Abenteurer unternehmen einen epischen Raubüberfall, um ein verlorenes Relikt zu bergen.

Mit ”Dungeons & Dragons: Honour Among Thieves” kommt die vielschichtige Welt des legendären Rollenspiels in einem unterhaltsamen und actiongeladenen Abenteuer auf die große Leinwand. Chris Pine, Michelle Rodriguez, Regé-Jean Page, Justice Smith, Sophia Lillis, Chloe Coleman, Daisy Head und Hugh Grant spielen die Hauptrollen in diesem epischen Fantasyfilm, der auf dem kultigen Hasbro-Tischspiel Dungeons & Dragons basiert.

Der Soundtrack stammt aus der Feder des Grammy und Emmy Gewinners Lorne Balfe, der auch die Musik von Blockbustern wie Mission Impossible Fallout oder preisgekrönten Serien wie The Crown geschrieben hat. Mit rasanten Orchesterarrangements und starken Melodien erweckt der schottische Komponist diesen Film zum Leben.

Über die Musik selbst sagt Balfe: ”Ich bin so glücklich, der Komponist für ’Dungeons & Dragons: Honour Among Thieves’ zu sein. Ich habe mit diesem Spiel begonnen, als ich 7 Jahre alt war, und ich bin begeistert, dass eine neue Generation das Spiel entdeckt, mit dem ich aufgewachsen bin. Die Musik ist voll von zarten, mystischen, keltischen Reisen, gemischt mit einem großen, üppigen Kino Orchester. Mit diesem Werk konnte ich meine schottischen Wurzeln richtig ausleben!”

Anfang 2021 standen die Bandmitglieder von Lankum hoch über Dublin, den Winden der irischen Ostküste zugewandt, mit einem wundervollen Blick auf die Stadt, in der sie über 10 Jahre lang gemeinsam Musik gemacht hatten und dennoch spürten sie ein Gefühl der Unverbundenheit. Sie hatten die Stadt noch nie aus diesem Blickwinkel betrachtet, da sie immer fest in ihr verwurzelt waren und die Schönheit von Dublin immer aus dem Blickwinkel ihres Alltags sahen. Der kleine Perspektivwechsel half der Band bei den Aufnahmen in den Hellfire-Studios, wo sie nach der langen Stille der Pandemie begierig mit den Aufnahmen zu ihrem vierten Studioalbum "False Lankum" begannen. Wer jemals bei einem Lankum-Gig war, kennt die Energie, die diese Band erzeugen kann. Der unverwechselbare Drone-Sound, der sich durch ihre Arbeit zieht, wie bei ihren bekanntesten Stücken "The Wild Rover" (von "The Livelong Day", 2019) und "What Will We Do When We Have No Money" ("Between the Earth and Sky", 2017) hat die Kraft, einem den Boden unter den Füssen wegzuziehen und erzeugt dabei einen einmaligen Klang. "The Livelong Day" war das Album, mit dem Lankum aus der Schublade der "irisch traditionellen" oder "Folk"-Musik herausbrachen. Es ebnete ihnen den Weg zu medialem wie kommerziellem Erfolg, der ihnen 2019 den RTE Choice Music Prize einbrachte und dazu führte, dass sich ihre Shows in der traditionsreichen Konzerthalle Vicar Street in Dublin in nur 20 Minuten ausverkauften. Die neue Musik bringt auch neue Stimmen und so ist es das erste Mal, dass Cormac Dermody einen kompletten Song auf einem Lankum-Album singt. In Kombination mit seiner besonderen Tonlage erzeugt er eine poetische Kraft, die den Sound von Lankum bereichert. Mit "False Lankum" bewegt sich die Bands ins Unbekannte, ein Album getrieben von der wilden und oftmals seltsamen Schönheit des Schmerzes und der Freude, von Himmel und Hölle. Es ist gleichermaßen ein Album der Widersprüche und des Einklangs und sicherlich eine der spannendsten Produktionen, die in letzter Zeit aus Irland kamen. Nur wer mutig wagt, wird Herzen gewinnen - "False Lankum" ist der Schlüssel dazu.

How To Train Your Dragon 2 is the sequel to the massively successful 2010 animated feature film How To Train Your Dragon, and the second film in the trilogy by DreamWorks Animation. The story takes place five years after Hiccup and Toothless united the dragons and Vikings of Berk. While investigating a burnt forest, the pair discover a secret cave that houses hundreds of wild dragons and a mysterious Dragon Rider. The two find themselves at the center of a battle to protect the peace.

Composer John Powell, who earned his first Academy Award-nomination for his music in the original How To Train Your Dragon movie, returned to score the sequel. It was conducted by Gavin Greenaway and recorded at Abbey Road Studios in London with a 120-piece orchestra, a 100-voice choir, and a wide array of ethnic instruments, including Celtic harp, uilleann pipes, tin whistle, bodhrán, and bagpipes.

Sigur Rós-lead vocalist, Jónsi, who wrote and performed the song "Sticks and Stones" for the original movie, provided two new original songs for the sequel in collaboration with Powell. The track "Where No One Goes" that is featured on this release, is not only written, but also performed by Jónsi and Powell. Belarusian-Norwegian artist and Eurovision Song Contest winner Alexander Rybak, who voices Hiccup in Norwegian, also wrote and performs on the song "Into a Fantasy".

How To Train Your Dragon 2 is available as a limited edition of 750 individually numbered copies on flaming coloured vinyl and includes an insert.

Der Titel des fünften SATURNUS-Albums, "The Storm Within", spielt sowohl auf die Stürme an, die in der Natur tosen, als auch Aufruhr in der Seele. Es ist recht offenkundig, dass die lange Zeit, welche die Dänen für dieses Album gebraucht haben, und die persönlichen Gründe, die hinter dem Umbruch in der Band standen, dessen künstlerischen Ausdruck stark inspiriert haben. SATURNUS haben sich mit "The Storm Within" selbst übertroffen. Die musikalischen Themen Meer, Regen und stürmische Gewässer ziehen sich wie ein roter Faden durch die Songs, in denen sich Wut, Verlust, Melancholie und Schmerz gleichermaßen widerspiegeln. Die handwerkliche Reife des Albums verleiht seinen erhabenen aber auch ruhigen Momenten sowie den gelegentlichen brutalen Ausbrüchen eine äußerst spannende Dynamik. Obendrein sorgt die erneute Zusammenarbeit mit Produzent Flemming Rasmussen, dem legendären dänischen Produzenten der METALLICA-Klassiker dafür, dass der Sound von "The Storm Within" seiner herausragenden musikalischen Qualität mehr als gerecht wird. Die Anfänge von SATURNUS liegen im Jahr 1991 als Sänger Thomas A.G. Jensen im Umfeld der dänischen Hauptstadt Kopenhagen nach Mitmusikern suchte, um eine Death-Metal-Band zu gründen. Nach mehreren Umbenennungen und Umbesetzungen wurde der Name SATURNUS schließlich im Jahr 1993 in Beton gegossen. Die Band veröffentlichte ihr erstes Album "Paradise Belongs to You" im Januar 1997 und erhielt sofort eine Einladung zum berühmten Roskilde Festival. Der Auftritt wurde vom norwegischen Rundfunk (NRK) aufgezeichnet und in ganz Skandinavien ausgestrahlt, was die Band binnen kürzester Zeit in Nordeuropa zu einer Marke in Sachen Death Doom machte. Nach ihrem zweiten Album "Martyre" (2000) und dem ikonischen dritten Studioalbum "Veronika Decides to Die" sowie ständigem Touren durch Europa und zunehmend auch darüber hinaus, erschien 2012 "Saturn in Ascension", das erneut von Flemming Rasmussen produziert wurde. Zur Feier ihres 20-jährigen Bestehens kehrten SATURNUS auf Europas Straßen zurück und traten unter anderem bei renommierten Festivals wie dem Brutal Assault (CZ), Copenhell (DK) und ArtMania (RO) auf. Von 2014 bis 2017 tourten die Dänen nur mit gelegentlichen Unterbrechungen, was sie bis nach Russland und in den Nahen Osten führte. Nach einigen signifikanten Umbesetzungen stießen die Gitarristen Indee (ehemals CLOUDS und EYE OF SOLITUDE) und Julio von AUTUMNAL im Jahr 2020 zu SATURNUS. Trotz weiterer Hindernisse, die durch die Pandemie entstanden, begann die Band schließlich mit der Arbeit an ihrem nächsten Album und setzte dabei auch die Zusammenarbeit mit Flemming Rasmussen fort. Die lange, schwierige Entstehung von "The Storm Within" verlangte SATURNUS auf dem Weg einige schmerzhafte Opfer ab. Blut, Schmerz und Schweiß haben ihre Spuren auf diesem Album hinterlassen. Doch aus jeder Note spricht eine brutale Ehrlichkeit. SATURNUS offenbaren ihre Seele und genau das macht "The Storm Within" zu einem brillanten Stück Musik.

Der Titel des fünften SATURNUS-Albums, "The Storm Within", spielt sowohl auf die Stürme an, die in der Natur tosen, als auch Aufruhr in der Seele. Es ist recht offenkundig, dass die lange Zeit, welche die Dänen für dieses Album gebraucht haben, und die persönlichen Gründe, die hinter dem Umbruch in der Band standen, dessen künstlerischen Ausdruck stark inspiriert haben. SATURNUS haben sich mit "The Storm Within" selbst übertroffen. Die musikalischen Themen Meer, Regen und stürmische Gewässer ziehen sich wie ein roter Faden durch die Songs, in denen sich Wut, Verlust, Melancholie und Schmerz gleichermaßen widerspiegeln. Die handwerkliche Reife des Albums verleiht seinen erhabenen aber auch ruhigen Momenten sowie den gelegentlichen brutalen Ausbrüchen eine äußerst spannende Dynamik. Obendrein sorgt die erneute Zusammenarbeit mit Produzent Flemming Rasmussen, dem legendären dänischen Produzenten der METALLICA-Klassiker dafür, dass der Sound von "The Storm Within" seiner herausragenden musikalischen Qualität mehr als gerecht wird. Die Anfänge von SATURNUS liegen im Jahr 1991 als Sänger Thomas A.G. Jensen im Umfeld der dänischen Hauptstadt Kopenhagen nach Mitmusikern suchte, um eine Death-Metal-Band zu gründen. Nach mehreren Umbenennungen und Umbesetzungen wurde der Name SATURNUS schließlich im Jahr 1993 in Beton gegossen. Die Band veröffentlichte ihr erstes Album "Paradise Belongs to You" im Januar 1997 und erhielt sofort eine Einladung zum berühmten Roskilde Festival. Der Auftritt wurde vom norwegischen Rundfunk (NRK) aufgezeichnet und in ganz Skandinavien ausgestrahlt, was die Band binnen kürzester Zeit in Nordeuropa zu einer Marke in Sachen Death Doom machte. Nach ihrem zweiten Album "Martyre" (2000) und dem ikonischen dritten Studioalbum "Veronika Decides to Die" sowie ständigem Touren durch Europa und zunehmend auch darüber hinaus, erschien 2012 "Saturn in Ascension", das erneut von Flemming Rasmussen produziert wurde. Zur Feier ihres 20-jährigen Bestehens kehrten SATURNUS auf Europas Straßen zurück und traten unter anderem bei renommierten Festivals wie dem Brutal Assault (CZ), Copenhell (DK) und ArtMania (RO) auf. Von 2014 bis 2017 tourten die Dänen nur mit gelegentlichen Unterbrechungen, was sie bis nach Russland und in den Nahen Osten führte. Nach einigen signifikanten Umbesetzungen stießen die Gitarristen Indee (ehemals CLOUDS und EYE OF SOLITUDE) und Julio von AUTUMNAL im Jahr 2020 zu SATURNUS. Trotz weiterer Hindernisse, die durch die Pandemie entstanden, begann die Band schließlich mit der Arbeit an ihrem nächsten Album und setzte dabei auch die Zusammenarbeit mit Flemming Rasmussen fort. Die lange, schwierige Entstehung von "The Storm Within" verlangte SATURNUS auf dem Weg einige schmerzhafte Opfer ab. Blut, Schmerz und Schweiß haben ihre Spuren auf diesem Album hinterlassen. Doch aus jeder Note spricht eine brutale Ehrlichkeit. SATURNUS offenbaren ihre Seele und genau das macht "The Storm Within" zu einem brillanten Stück Musik.

Der Titel des fünften SATURNUS-Albums, "The Storm Within", spielt sowohl auf die Stürme an, die in der Natur tosen, als auch Aufruhr in der Seele. Es ist recht offenkundig, dass die lange Zeit, welche die Dänen für dieses Album gebraucht haben, und die persönlichen Gründe, die hinter dem Umbruch in der Band standen, dessen künstlerischen Ausdruck stark inspiriert haben. SATURNUS haben sich mit "The Storm Within" selbst übertroffen. Die musikalischen Themen Meer, Regen und stürmische Gewässer ziehen sich wie ein roter Faden durch die Songs, in denen sich Wut, Verlust, Melancholie und Schmerz gleichermaßen widerspiegeln. Die handwerkliche Reife des Albums verleiht seinen erhabenen aber auch ruhigen Momenten sowie den gelegentlichen brutalen Ausbrüchen eine äußerst spannende Dynamik. Obendrein sorgt die erneute Zusammenarbeit mit Produzent Flemming Rasmussen, dem legendären dänischen Produzenten der METALLICA-Klassiker dafür, dass der Sound von "The Storm Within" seiner herausragenden musikalischen Qualität mehr als gerecht wird. Die Anfänge von SATURNUS liegen im Jahr 1991 als Sänger Thomas A.G. Jensen im Umfeld der dänischen Hauptstadt Kopenhagen nach Mitmusikern suchte, um eine Death-Metal-Band zu gründen. Nach mehreren Umbenennungen und Umbesetzungen wurde der Name SATURNUS schließlich im Jahr 1993 in Beton gegossen. Die Band veröffentlichte ihr erstes Album "Paradise Belongs to You" im Januar 1997 und erhielt sofort eine Einladung zum berühmten Roskilde Festival. Der Auftritt wurde vom norwegischen Rundfunk (NRK) aufgezeichnet und in ganz Skandinavien ausgestrahlt, was die Band binnen kürzester Zeit in Nordeuropa zu einer Marke in Sachen Death Doom machte. Nach ihrem zweiten Album "Martyre" (2000) und dem ikonischen dritten Studioalbum "Veronika Decides to Die" sowie ständigem Touren durch Europa und zunehmend auch darüber hinaus, erschien 2012 "Saturn in Ascension", das erneut von Flemming Rasmussen produziert wurde. Zur Feier ihres 20-jährigen Bestehens kehrten SATURNUS auf Europas Straßen zurück und traten unter anderem bei renommierten Festivals wie dem Brutal Assault (CZ), Copenhell (DK) und ArtMania (RO) auf. Von 2014 bis 2017 tourten die Dänen nur mit gelegentlichen Unterbrechungen, was sie bis nach Russland und in den Nahen Osten führte. Nach einigen signifikanten Umbesetzungen stießen die Gitarristen Indee (ehemals CLOUDS und EYE OF SOLITUDE) und Julio von AUTUMNAL im Jahr 2020 zu SATURNUS. Trotz weiterer Hindernisse, die durch die Pandemie entstanden, begann die Band schließlich mit der Arbeit an ihrem nächsten Album und setzte dabei auch die Zusammenarbeit mit Flemming Rasmussen fort. Die lange, schwierige Entstehung von "The Storm Within" verlangte SATURNUS auf dem Weg einige schmerzhafte Opfer ab. Blut, Schmerz und Schweiß haben ihre Spuren auf diesem Album hinterlassen. Doch aus jeder Note spricht eine brutale Ehrlichkeit. SATURNUS offenbaren ihre Seele und genau das macht "The Storm Within" zu einem brillanten Stück Musik.

Timo Kaukolampi, frontman for Finnish electronic rock group K-X-P and tireless sonic wanderer, is releasing his second solo album, this time on Optimo Music. Exquisitely rendered, shadowy, curiously claustrophobic and even occasionally paranoid, Inside The Sphere is an album wholly deserving of its name.

A sense of paranoia is one of the threads through this glittering, winking electronic maze. Kaukolampi says “I came up with this metaphysical concept of the “sphere”. When you are manipulated you are ‘Inside The Sphere’. It’s like this dome of ‘undue influence’ that you don’t know exists around you. It’s a bit like the inside of a cult.”

Indeed, it’s amazing the effects achieved with a few sparse electronic textures, the odd smattering of studio trickery, and two or three well-placed synthesizer parts. Though the result might sound ostensibly simplistic, Inside The Sphere is an album of reduction rather than addition. The rhythmic and textural scaffolding is based around what’s not there, rather than what is. Take ‘VCS3’. At first listen, it seems forged from a few synth lines and a simple percussion part – so far, so simple. But listen closer, enter the sphere, look behind the mask – notice the slightly detuned drones, the chattering percussive textures, that distant swell of bass, the way the central fugue shifts and mutates somehow statically, like a barber’s pole.

Might we be listening to an album within an album, a more complex song cycle hiding within the folds of an ambient electronic album? This ties in with another of Kaukolampi’s thematic frameworks – that of the mask. He references Oscar Wilde’s quotation that “Man is least himself when he talks in his own person. Give him a mask, and he will tell you the truth.”

Inside The Sphere is not a one-note album. For every moment where a clammy ambient space enters, a buttery analogue bassline is there to fill it. This clash seems to be the album’s engine room, its power supply.

Timo references devotional and choir music as an influence on this album. The paranoia and foreboding is tempered by these headier aspects. Kaukolampi mentions “empty and hollow spaces” in relation to several of the songs. Perhaps this is the very space behind the mask, where outward disguise merges with inner reality. Perhaps inside the sphere is not always such a bad place to be.

The Order: 1886 is an epic game score for the 2015 third-person action-adventure Playstation video game The Order: 1886, created by the gaming studio Ready At Dawn. The game takes place in a painstakingly recreated Victorian-Era London, but features new advances in technology brought about by an accelerated Industrial Revolution and the centuries-old conflict between Human and Half-breeds.

The music was created by BAFTA Award-winning composer Jason Graves, who received the BAFTA Award for Best Original Score for his work for the 2008 video game Dead Space. Graves is renowned worldwide for his cinematic and immerse music. His musical background as a classically trained composer, jazz drummer, guitarist, and world percussionist, allows him to compose for a wide variety of genres.

The Order: 1886 is available as a limited edition of 500 individually numbered copies on smoke coloured vinyl, housed in a gatefold sleeve and includes a 4-page booklet with liner notes.

Von den Produzenten von Notting Hill und Bridget Jones’s Diary kommt eine kulturübergreifende romantische Komödie über die Suche nach der Liebe in der modernen Welt. Die unterschiedlichen Kulturen und Traditionen Londons und Lahores prallen in ”What’s Love Got To Do With It?” aufeinander - ein lustiges und bewegendes Fest der Liebe und Familie in all ihren Formen.

Zusätzlich zur Filmmusik hat Sawhney mit dem britisch-pakistanischen Grammy-Preisträger, Plattenproduzenten, DJ, Songwriter und Musiker Naughty Boy zusammengearbeitet, um drei Originalsongs für den Film zu schreiben. Nachho Gaao” und ”Apni Suno”, mit Musik und Text von Sawhney, sowie die Leadsingle des Soundtracks ”Mahi Sona” (auch bekannt als ”The Wedding Song”) mit dem legendären pakistanischen Sänger Rahat Fateh Ali Khan, der indischen Superstar-Sängerin Kanika Kapoor und der Emmy-nominierten Schauspielerin und Sängerin Lily James.

Die norwegische Band LEPROUS kehrt mit einer speziellen Tour Edition ihres gefeierten siebten Studioalbums 'Aphelion' zurück. Aufgenommen in drei verschiedenen Studios (Ghost Ward / Schweden, Ocean Sound Recordings / Norwegen und Cederberg Studios / Norwegen), abgemischt von Adam Noble (Placebo, Biffy Clyro, Nothing But Thieves) und gemastert von Robin Schmidt (The 1975, Placebo, The Gaslight Anthem, etc.), stieg 'Aphelion' bei seiner Erstveröffentlichung im Jahr 2021 wie folgt in verschiedene internationale Verkaufscharts ein: Deutschland # 22, Schweiz # 10, Österreich # 24, Niederlande # 31, Spanien # 84 und Finnland # 11, etc. Das limitierte 2CD-Digipak von 'Aphelion (Tour Edition)' enthält die beiden Bonustracks des Albums sowie eine separate, brandneue Live-Bonus-Disc mit 6 Tracks/40 Minuten, die dieses Jahr während der ersten Etappe der 'Aphelion'-Tournee aufgenommen wurden. Die 6 neuen Live-Tracks sind auch separat als Ltd. transp. Light blue LP auf einer 180g Vinyl-Edition mit dem Titel 'Live 2022' erhältlich. Haltet Ausschau nach LEPROUS, die im Februar/März 2023 mit Monuments & Kalandra als Supports in ganz Europa auf große 'Aphelion'-Headliner-Tour gehen werden.

Tom Zé and Faust collide in Domenico Lancellotti's "machine samba"

Domenico Lancellotti's SRAMBA reaches back to the roots of samba whilst completely revamping its blueprint, indoctrinating guitar and percussion-led rhythms with analogue synthesisers, courtesy of album producer Ricardo Dias Gomes.

The majority of SRAMBA was recorded over two months in The Cave - Domenico's home studio in Lisbon, the city both Brazilian ex-pats reside in, where the arrival of a couple of Russian-designed synths purchased by Ricardo influenced the direction of their initial experimentation: "Ricardo had these instruments, modular machines" remembers Domenico, "and I had my guitar, some percussion instruments. On the first day we started making sounds and recording them, and songs started to appear, sambas started to appear."

The son of a renowned samba songwriter, at home Domenico would watch his father play and compose. At parties, the adults would hand his father a tamborim (a small tambourine) and ask him to play along. "I grew up inside samba, it's my roots", he says. "For me, everything is samba, I bring it into whatever style of music I am making".

Domenico and Ricardo instantly saw how the synthesisers were not at odds with the sambas they were playing, instead they had a similar sound to its typical percussion instruments (ganza, repinique, surdo, tarol). What's more, they saw a connection with roots samba, the samba that existed before bossa nova and samba jazz came along. This was rhythmic samba, with grooves that could go on ad infinitum. "It's samba de clave, geometrically structured" says Domenico. "It's ostinato samba", adds Ricardo.

"Diga" is a great example of what their proposal is capable of, as what begins as a glitchy machine whirring into action soon turns into a glorious samba in which the gurgles and scratchy beats coming from the analogue equipment only add to the arrangement. Likewise, on "Tá Brabo" it's an aching melody from one of the synths that gives the guitar rhythm its needed counterpoint, and shows how the duo's greatest accomplishment is not in invention alone, but in creating a great samba album. It's an album that can go from the opening track "Ere" with its reverberant bass thud, mantra-like vocals and staccato rhythms to the string-accompanied "Nada Sera de Outra Maneira", a swooning samba that pays tribute to the Brazilian ensemble Tamba Trio, who along with Tom Zé's Estudando O Samba, Domenico names as the biggest influence on their treatment of samba.

Other important reference points are made clear on "Um Abraço No Faust". One of three instrumentals on the album its title riffs off a JoãoGilberto song, "Um Abraço no Bonfá", but whereas JoãoGilberto was giving a hug (um abraço) to bossa nova guitarist Luiz Bonfá, Domenico and Ricardo are giving theirs to the German avant-gardists Faust. "Quem Samba", with its horn section and dramatic melody give a whiff of Domenico's Italian ancestry, while "Descomunal" is devoid of rhythm whatsoever, guest vocalist Tori singing over a bed of electronic drums, cello and swirling synths, that highlights the duo's unwillingness to stick to a particular formula.

Both Domenico Lancellotti and Ricardo Dias Gomes are revered names within Brazilian music over the past 20 years. As a member of the +2's, with Moreno Veloso and Kassin, Domenico released a trio of albums on Luaka Bop in the early 00s that pioneered a new Rio samba sound with elements of funk and psychedelia. With Veloso and Kassin he would later form Orquestra Imperial, a big band intent on reviving ballroom (gafieira) samba, and that has worked with guest vocalists such as Seu Jorge, Elza Soares and Ed Motta. SRAMBA is his fourth solo album. Multi-instrumentalist Ricardo Dias Gomes first came to notice as a member of Caetano Veloso's band Cê which helped reinvigorate Caetano's career with a sound influenced by British new wave. As well as collaborations with Lucas Santtana, Negro Leo and Thiago Nassif, and work with his own group Do Amor, he has released a series of acclaimed solo albums that reveal a restless music-maker.

SRAMBA is a glorious showcase of the duo's style, uniting Domenico's playful lyrics and rhythmic, samba-rooted songs with with Ricardo's assured accompaniment of unorthodox textures and instrumentations. It may be a new language for samba, machine samba (samba de máquina), but as Domenico says, "samba da máquina is samba".

Die Oster Offenbarung
Ostern 2023 - pünktlich zum höchsten christlichen Feiertag - erscheint Interludium am 07. April 2023.
Diese Veröffentlichung enthält sechs brandneue Studiotracks, darunter die Single „Sainted By The Storm“, welche bereits 2022 auf der berauschenden Wolfsnächte Headliner Tour von den Besuchern frenetisch bejubelt wurde. Mit dem Song „My Will Be Done“ liefern die Wölfe zudem einen der intensivsten Tracks der Bandgeschichte. Die neuen Stücke vereinen die musikalischen Trademarks von POWERWOLF und stellen allesamt die Stärke der Band und deren vom Gemeinschaftsgedanken geprägten Charakter in den
Vordergrund.

Ergänzt wird diese auditive Erfahrung von Perlen & Raritäten der Bandgeschichte. „Stronger Than The Sacrament” und „Living On A Nightmare”, welche bislang nur auf streng limitierten Samplern und sehr raren Tour-EP-Singles (aus dem Jahre 2012 bzw. 2015) zu finden waren. „Midnight Madonna” erschien bislang nur bei der Earbook-Edition vom Album The Sacrament Of Sin und die Fans aus Frankreich die in deren Landessprache vertonte Hitsingle „Bête du Gévaudan“ („Beast Of Gévaudan”) bereits von einer exklusiven Single kennen.

Kurz nach ihren allerersten Nordamerika-Shows, der (Un-)Holy Easter Mass in Köln, am 6. April 2023 (Album-Releaseshow) und vor erneuten Auftritten auf den großen europäischen Sommerfestivals, zieht das
Wolfsrudel mit Interludium auch 2023 die ganze Welt in seinen Bann.

Space Adventure Cobra is the animated series from the masterpiece of Buichi Terasawa, produced by the prestigious studio TMS Entertainment and broadcasted from 1982. The series was a huge success and remains to this day one of the most appreciated in the world of Japanese animation.
In order to celebrate the 40th anniversary of Space Adventure Cobra, we are pleased to offer this sublime vinyl box set of the OST with its 3 discs gathering a very large selection of music, all the songs (long versions) as well as several covers and rare unused tracks composed at the time, all completed by a 12-page booklet, illustrated with the most beautiful artworks of the master Terasawa!
The legendary soundtrack of Space Adventure Cobra, composed by Kentarô Haneda and YûjiÔno, has greatly contributed to the reputation of the series with notably rhythmic tracks, sublime jazz pieces and unforgettable songs.
Here it is now completely remastered in vinyl format & double CD in this collector's edition!

Orange Vinyl

The garage -psychedelic French duo The Liminanas straddles since 2009 the boundary between psychedelic ,shoegaze,garage & French yé-yé up to cool vocals . Quintessentially French but first known at the start in the US before hitting homeland France. 7 studio albums so far, 2 rare tracks compilations, many Eps,some OST, collabs such as L’Epée with Anton Newcombe & Emmanuelle Seigner : time for a first time Best of, and actually more than a Best of : Double Cd , Ltd Triple Vinyl& Digital editions offer 12 exclusive bonus tracks -new songs + rare songs when they called themselves les Bellas, before The Liminanas-.
“Electrified” also includes 23 classics songs , with featurings such as Peter Hook, Anton Newcombe and French pionners Laurent Garnier, Etienne Daho & Pascal Comelade.
Features liner notes written by Iggy Pop, Peter Hook & Keith Streng (Fleshtones) : because it’s only rock’n’roll.

Creating an introverted version of restrained electronic music Berlin-based artist Constantijn Lange releases his second album 'Liquide' on Heimlich Musik. The album is based on sketches created in isolation during the second pandemic year. The compositions are characterized by self-reflection and an attempt to translate the abstract experience of listening to oneself into a concrete form. The sound of personal isolation, the necessary withdrawal from the world and the restriction of all social contacts is, therefore, less club oriented and focused on functionality than an expressive concept of ideas, rather oriented on Trip Hop, Breakbeat, Ambient and Jazz. The collective rediscovery of shared experience results in arrangements of melancholic but optimistic melodies recorded with vintage synthesizers, supported by complex drum patterns and diverse percussions that create a signature sound as a new liquid amalgam.


Constantijn Lange is an electronic music composer originally from Ostfriesland now based in Berlin. Besides several releases on Laut & Luise since the early days, his productions appear on labels like Get Physical, Traum Schallplatten, Sinnbus, Platon Records, Egoplanet
and many more.
His passion for thick layered synth melodies, jazzy and kraut – like vibes, atmosphere recordings, deep basslines and selfmade percussion designs give his music a recognizable vibe which can be heard on nearly every production he was involved in so far. He spends a lot of time in his studio in Berlin, working on new music, remixing other artists and also engineering for other sound projects in the art scene. On top of that, he performs as a liveact in clubs and on festivals all over the planet where his music can be described as very emotional and personal. Repeatedly this amazed people in countries like Germany, Russia, Poland, Switzerland, South Africa, Austria, Belgium, Mexico and
many more.
Constantijn’s ambition as an artist is to constantly evolve his productions and create music
which carries emotions and energies into the clubs, to festivals and living rooms alike.

Tears are in the eyes of Xabiib Sharaabi, nicknamed the Somali King of Pop when he entered the stage of Berlin’s HKW. It is a mix of nostalghia, pain and joy. Like many Somalis he had been deprived overnight of both glamour and friends, the war in his homeland had sent him into exile. The glamorous discos and beachfront stages Mogadishu had once been famous for, had disappeared as the city was bombed to the ground. The King of Somali pop found himself stranded in Sweden, others like the members of Dur-Dur Band Int. ended up in London which until today has the largest Somali diaspora in Europe.

In the last decade many early recordings of Somalia’s funk, soul and disco era have been reissued. This record is not a reissue. The Berlin Session – is the first studio album of its kind since the golden days of Mogadishu came to a halt three decades ago. It is the living proof that Somali music is hot, funky and (!) well alive.

The record captures a historic reunion which took place in 2019 in Germany’s capital Berlin. London-based Dur-Dur Band Int. an eight-piece powerhouse of Somali live- music unites with three legendary Somali singers: Xabiib Sharaabi, Faduumina Hilowle and Cabdinur Allaale for a concert at Berlin’s HKW. Fueled with a restored sense of pride, the freshly reunited musicians decided to get together in a Neukölln studio for two amazing days of recording.

Female vocalist Faduumina Hilowle opens the album with an invitation to kickass: “Let’s shake off the dust, boys!” (Inta ka hurguf). Grooving with such a strong accent on the off-beat, any non-Somali listener may think of Reggae. But when you ask the musicians, they tell you: “They took it from us! It’s Dhaanto! It’s our rhythm”. Originating from the Ogaden region (now in neighbouring Ethiopia’s borders), Dhaanto dates back to the era of “clap & chant”. Some say it is an imitation of the camel’s bounce. Xabiib Sharaabi was once nick-named Somalia’s King of Pop for the body language and magnetising voice with which he incorporated the latest global musical trends - even recording two disco albums entirely in English. On the album Xabiib chooses to sing his Somali adaptation of “Lady” originally by Afrobeat pioneer Fela Kuti. Not unlike the Motown Sound of Detroit and Kingston’s Studio One: a small scene of musicians were fueling that new Somali Disco scene in Mogadishu. Cabdinur Allaale, the third vocalist on the album comes from neighbouring Djibouti. In the heydays the leader of then famous Sharaf Band was a frequent visitor, flying back and forth between Mogadishu, Hargeisa, Kismayo & Djibouti entertaining his fans on the Horn of Africa.

Dur-Dur Band Int. ‚The Berlin Session‘ brings the spirit, joy and hope of this era back: In the last decades Somalis stars have lived among us, spread all over the world, it is time to see them step into the limelight again.

Nicolas Sheikholeslami:
In 2015 Berlin-based Nicolas Sheikholeslami became fascinated by Somali music and ended up compiling a mixtape to share his passion. He did not know that his tape Au Revoir, Mogadishu Vol. 1 - Songs From Before The War would spark a massive international interest for Somali music. Soon later Nicolas co-compiled Sweet As Broken Dates: Lost Somali Tapes from the Horn of Africa for Ostinato records which got a Grammy-nomination in 2017. Berlin’s venue HKW took notice and asked him to set up a show with a selection of Somali artists from the golden era. This lead to this remarkable reunion. A studio was booked and within 2 days this album was recorded. The Berlin Session captures this emotional moment. In 2021/22 Nicolas Sheikholeslami finally sat down and mixed the recorded material. This record is the living proof that Somali music is hot, funky and well alive.

Canto Ostinato is the new volume of classical minimalism from musician and producer Erik Hall. Written for four pianos in 1979 by Dutch composer Simeon ten Holt, the piece is freshly framed as an intimate, hour-long solo performance consisting of multitracked grand pianos, electric piano, and organ. Modern yet warm, ethereal yet tangible, Hall's Canto Ostinato expertly bridges a revered piece of meditative concert repertoire with a tactile and highly personal studio setting. Chicago-born and Michigan-based, Erik Hall is known as a multi-instrumental pillar for the groups NOMO, Wild Belle, and his own songwriting moniker In Tall Buildings. He has composed music for feature films, and as a producer/engineer he has shaped records for Natalie Bergman and Western Vinyl labelmates Lean Year. In a 2020 creative pivot, he chose to reinvent composer Steve Reich's monumental contemporary classical masterpiece Music for 18 Musicians as a solo undertaking, applying the piece's score to the familiar keyboards, guitars, and synthesizers in his studio. "At the time I think I was working through my identity as a musician and an artist," Hall explains, "and on a level there was some sort of exorcism of a long held pop spirit." The album was celebrated for being "freshly thrilling" and "legible in history but assertive of the moment" (Pitchfork) and "beguiling, meditational, and magical" (Electronic Sound). It won the 2021 Libera Award for Best Classical Record, and it quickly joined the canon of the piece's quintessential recordings. "There is a pseudo-meditational benefit to working on a longform piece that's built on repetition," Hall says. "Every stage- from internalizing the music, to executing the performance, to editing and mixing the record- requires deep and sustained presence of mind. I've always been drawn to a hallucinatory combination of harmony and repetition, and I found the entire process addictive." An apt second chapter, Canto Ostinato is inherently vast, and its score gives great creative license to the performer. Comprising 106 sections, complete freedom is given to repeat each one as many or as few times as desired. Additional leeway is given with regard to dynamics, articulation, and even instrumentation. On the heels of his previous, rather maximal arrangement, Hall chose to limit this album's palette to three foundational keyboards of his studio: a 1962 Hammond M-101 organ, a 1978 Rhodes Mark I electric piano, and his family-heirloom 1910 Steinway grand piano. "This particular piece brought the added challenge of rekindling my dexterity as a pianist, something I haven't maintained in earnest since I was a teenager," he admits. The ensuing five-note rhythmic motif- the piece's primary building block- is steady and workmanlike, forgoing virtuosic flare for depth, texture, and resonance, and eventually giving way to the stunning gratification of a gorgeously lyrical left turn. As with Music for 18 Musicians, Hall employed no loops nor quantization nor any programmed or sequenced instruments of any kind. Every part was performed live in a room and captured with microphones, one at a time, each informed by, and reacting to the last. In this way the record breathes with interplay and an organic humanity, complete with flaws, noise, and the faint sound of turning pages. The recording quality is nonetheless toneful and saturated, characteristic of Hall's production style and straying from the usual transparency of classical albums by using gear with tubes, transformers, and various stages of compression in the signal path. Always there is unmistakable realism and the feeling of being present in the room, sitting among the keys, hammers, and tines. Ten Holt said: "Time, patience and discipline are the prerequisites for making a genetic code productive." His landmark composition provides Hall once again with a wondrous space in which to reverently embody this sentiment and deftly convey the elegant beauty of this music.

"The Liberty of Norton Folgate" ist das neunte
Studioalbum von Madness und gilt als ihr Hauptwerk.
Ursprünglich im Mai 2009 veröffentlicht und in einer fast
dreijährigen Produktionszeit entstanden, war es das erste
Album mit der kompletten Band seit "Wonderful" von 1999
und wurde als Konzeptalbum über die Heimatstadt der
Band entwickelt. Der zehnminütige Titeltrack erzählt die
Geschichte eines Teils von Ostlondon (Norton Folgate, in
der Nähe von Spitalfields), der eine Zeit lang von der
Herrschaft der Krone befreit war und daher als "Liberty"
bezeichnet wurde, in der die normalen Regeln des
Stadtlebens nicht galten. Das Album zeigt die Band in
vollem kreativen Flow, mit einem Song nach dem anderen
(einschließlich der Tracks, die es nicht auf die
Standard-CD oder LP-Veröffentlichung geschafft haben),
die die Reife und Tiefe ihrer Songwriting-Fähigkeiten
zeigen. Das Album enthält die Singles "NW5", "Dust
Devil", "Forever Young" und "Sugar and Spice". Die
erweiterte 2LP-Version enthält außerdem sieben
Bonustracks. Erhältlich auf Heavyweight-Vinyl im Gatefold,
inklusive neuen Liner Notes mit Interviews mit Suggs, Lee
Thompson, Chrissyboy Foreman, Daniel Woodgate und
Mike Barson sowie einem exklusiven Gedicht von Cathal
Smyth.

Musique Pour La Danse is proud to present the Donkey Kong Country 2 OST Recreated of the much appreciated and globally followed Donkey Kong Country OST recreation project led by NY-based composer and producer Jammin’ Sam Miller.

Using hex SPC data crudely converted to MIDI, Jammin' Sam Miller painstakingly recreated DKC's soundtrack note by note, by finding the original equipment used to create it, translating the MIDI into a modern studio context, adding in keyboard samples, and re-mixing the sounds with added effects and mastering. To find out more about his process watch an explanatory video here: cutt.ly/ulUHE6J

Remastered for vinyl, licensed, and presented in a limited edition green forest double LP.