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The new album Octagon Sphere by Duesseldorf duo Strafe F.R. comprises of four pieces recorded in 2020 and 2021 at the group's own studio. The work features heavily treated female vocals and includes rhythmic patterns and electronic sounds contributed by invited guest musician Detlef Klepsch (of the group keit). The overall atmosphere is tense and moody, both dark and uplifting at the same time. Octagon Sphere was mastered by Kai Blankenberg at Skyline Tonfabrik.

Octagon Sphere is the sister release to last year's CD Soundless Sphere – both albums are tied together by rhythmic alchemy and sound manipulation in highest detail.

STRAFE FÜR REBELLION was founded in 1979 in Düsseldorf by the two artists Siegfried Michael Syniuga and Bernd Kastner. Conceived as an experimental project rather than a band, the duo is active since the early 1980s, they continue to work together to this day.

They demonstrated their subtle abilities in numerous performances and concerts. The members of STRAFE FÜR REBELLION see themselves as researchers on different visual and acoustic levels; they always make use of their idiosyncratic and unusual humor. The duo emphasize that they not only explore the world of music, but also incorporate elements of knowledge, and thus all usable influences, into their experiments. Working plans, storyboards, and composi­tional schemas usually serve as the basis for new musical projects.

Their texts reflect their interest in science, history, philosophy, as well as everyday phenomena, mass media, and popular culture: in their experimental sound expe­riences, performances, and installations STRAFE FÜR REBELLION are absolutely avant-garde, working at the forefront of research-performatively, acoustically, visually, and in a variety of media. Their motto always remains aesthetically uncompromising with serious pleasure.

Das dritte Album der Kassierer von 1996 ist wieder auf Vinyl erhältlich, Nachpressung von 500 Stück! "Habe Brille" ist benannt nach einem Stück aus einer Operette von Jacques Offenbach und der Titel deutet schon an, wohin die musikalische Reise geht: Es wird ein weiter Bogen geschlagen von der Klassik (hier brilliert Wölfi mit einem a capella Solo über acht Oktaven), Big Band-Einspielungen bis zu düsteren technoiden Maschinenklängen, wobei das Hauptgewicht selbstverständlich auf solidem Punkrock liegt. Die Kassierer überraschen mit ihren virtuos eingespielten Liedern auch verwöhnte Ohren und strafen all die Lügen, die ihnen musikalische Kompetenz absprechen wollen. Was wie ein Streifzug durch die Musikhistorie wirkt, bringt kurz vor der Jahrtausendwende die Vielfalt und Beliebigkeit aller Stile auf den Punkt und liefert nicht mehr und weniger ein Stück Zeitgeschichte. Dabei bleiben die vielen Ohrwürmer sofort im Gedächtnis und laden zum spontanen mitsingen ein. Das große Plus der Band liegt in ihrer konsequenten Konzentration auf die deutsche Sprache, deren Vielfalt sie tiefer ausschöpfen als jede andere Gruppe der Gegenwart. Die Musik der Kassierer läßt den Hörer niemals kalt, sie packt ihn, entwickelt ihre dämonische Kraft und läßt den Hörer als einen anderen zurück. Hier werden Grenzen der Wirklichkeit verzerrt und verschoben, hier wird die realität neu zusammengezimmert. "Habe Brille" bildet die Größe und die Ungeheuerlichkeit der Welt auf musikalische Weise ab. Die Kassierer sind Visionäre und Propheten des dritten Jahrtausends, sie sind Menschen von übermorgen, die mitten unter uns leben. "Nennt es infantil, nennt es genial, scheißegal, die KASSIERER kümmern sich einen Dreck drum - Hauptsache, es wird reagiert. (...) Musikalisch sind die KASSIERER hier unbestritten in Höchstform: von Swing über Volksmusik bis hin zu ihrem altgewohnten Primitiv-Punk ist alles dabei." - Ox-Fanzine / Ausgabe #24

Four years on from their landmark Grassroots, visionary half-time heavyweights The Untouchables return with their third album, Lost Knowledge. The duo of Kate McGill and Ajit 'Nitrox' Steyns have carved out a space in modern D&B all their own, building on a legacy that reaches back to the late 00s to keep pushing into unexplored terrain with an assured and deadly line in rhythmic intrigue and atmospheric immersion.

Lost Knowledge launches into action instantly with the high-pressure drum science and dubby splashes of 'Drunken Bells', capturing the loopy techno propulsion and rolling intensity that drives so much of the output on Samurai Music. Where The Untouchables excel is in finding variety and nuance in their relatively forbidding, pared down sound. The heads-down groove of 'Mafia Town' owes as much to dembow and dancehall as D&B, while 'Lost Knowledge' spirals out into psychoactive flurries of synth strafes and organic percussion slathered in tight-locked delay trails. There's no light relief from strident hooks or riffs, just a pure, unshakeable commitment to the power of the beat and deeply designed layers of sound shaping out the space around.

'Busy Bones' makes space for carefully deployed hints of pad tone while the snares snap out of the mix with a sharp set of teeth. 'Four Eared Demon' baits the gabber crowd with its rapid-fire 4/4 hats atop seasick creaks across the midrange, keeping subtlety and patience in the lower frequencies to maintain the signature elegance readily associated with The Untouchables. 'Phase Correlation' teases an artfully unhinged ripple of synth that stands out amongst the murky murmurs filling out the middle distance, but it's still exercised with brutal precision.

Nothing happens by accident or feels out of place - McGill and Steyns are in total control, and they demonstrate incredible range and inventive approaches within their focused style. The accent of the grooves shifts, and individual sounds carry all kinds of artefacts, yet everything gets folded into the exacting Untouchables sound with a liberal dubwise sensibility. Brimming with inspiration and immaculately produced, on Lost Knowledge their one-of-a-kind sound is stronger than ever.

For their first album as Gilla Band (formerly Girl Band), the
foursome have redrawn their own paradigm. ‘Most Normal’ is like
little you’ve heard before, a kaleidoscopic spectrum of noise put in
service of broken pop songs, FX-strafed Avant-punk rollercoaster
rides and passages of futurist dancefloor nihilism.
Lockdown robbed Gilla Band of any opportunity to try the new
material out live, but the pandemic also incinerated any idea of a
deadline for the new album. They were free to tinker at leisure, to
rewrite and restructure and reinvent tracks they’d cut, to, as
drummer Adam Faulkner puts it, “pull things apart and be like,
‘Let’s try this. We could try out every wild idea.’”
The group also fell under the spell of modern hip-hop, “where
there’s really heavy-handed production and they’re messing with
the track the whole time,” says Fox. “That felt like a fun route to go
down, it was a definite influence.”
‘Most Normal’ opens with an absolute industrial-noise banger that
sounds like a manic house party throbbing through the walls of the
next room as a downed jetliner brings death from above. What
follows is unpredictable, leading the listener through a sonic house
of mirrors, where the unexpected awaits around every corner.
The common thread holding ‘Most Normal’’s ambitious Avant-pop
shapes together is frontman Dara Kiely. Throughout, he’s an antic,
antagonistic presence, barking wild, hilarious, unsettling spiels,
babbling about smearing fish with lubricant or dressing up in binliners or having to wear hand-me-down bootcut jeans (“It was a
big, shameful thing, growing up, not being able to afford the look I
wanted and having to wear all my brother’s old clothes,” says
Kiely).
‘Most Normal’, then, is a triumph, the bold work of a group who’ve
taken the time to evolve their ideas, to deconstruct and reconstruct
their music and rebuild it into something new, something
challenging and infinitely rewarding. It’s a headphone masterpiece.
It’s a majestic exploration of the infinite possibilities of noise. It’s a
bold riposte to your parochial beliefs on whatever a pop song can
or should be. It’s the best work these musicians have put to
(mangled) tape.

For their first album as Gilla Band (formerly Girl Band), the
foursome have redrawn their own paradigm. ‘Most Normal’ is like
little you’ve heard before, a kaleidoscopic spectrum of noise put in
service of broken pop songs, FX-strafed Avant-punk rollercoaster
rides and passages of futurist dancefloor nihilism.
Lockdown robbed Gilla Band of any opportunity to try the new
material out live, but the pandemic also incinerated any idea of a
deadline for the new album. They were free to tinker at leisure, to
rewrite and restructure and reinvent tracks they’d cut, to, as
drummer Adam Faulkner puts it, “pull things apart and be like,
‘Let’s try this. We could try out every wild idea.’”
The group also fell under the spell of modern hip-hop, “where
there’s really heavy-handed production and they’re messing with
the track the whole time,” says Fox. “That felt like a fun route to go
down, it was a definite influence.”
‘Most Normal’ opens with an absolute industrial-noise banger that
sounds like a manic house party throbbing through the walls of the
next room as a downed jetliner brings death from above. What
follows is unpredictable, leading the listener through a sonic house
of mirrors, where the unexpected awaits around every corner.
The common thread holding ‘Most Normal’’s ambitious Avant-pop
shapes together is frontman Dara Kiely. Throughout, he’s an antic,
antagonistic presence, barking wild, hilarious, unsettling spiels,
babbling about smearing fish with lubricant or dressing up in binliners or having to wear hand-me-down bootcut jeans (“It was a
big, shameful thing, growing up, not being able to afford the look I
wanted and having to wear all my brother’s old clothes,” says
Kiely).
‘Most Normal’, then, is a triumph, the bold work of a group who’ve
taken the time to evolve their ideas, to deconstruct and reconstruct
their music and rebuild it into something new, something
challenging and infinitely rewarding. It’s a headphone masterpiece.
It’s a majestic exploration of the infinite possibilities of noise. It’s a
bold riposte to your parochial beliefs on whatever a pop song can
or should be. It’s the best work these musicians have put to
(mangled) tape.

Four years on from their landmark Grassroots, visionary half-time heavyweights The Untouchables return with their third album, Lost Knowledge. The duo of Kate McGill and Ajit 'Nitrox' Steyns have carved out a space in modern D&B all their own, building on a legacy that reaches back to the late 00s to keep pushing into unexplored terrain with an assured and deadly line in rhythmic intrigue and atmospheric immersion.

Lost Knowledge launches into action instantly with the high-pressure drum science and dubby splashes of 'Drunken Bells', capturing the loopy techno propulsion and rolling intensity that drives so much of the output on Samurai Music. Where The Untouchables excel is in finding variety and nuance in their relatively forbidding, pared down sound. The heads-down groove of 'Mafia Town' owes as much to dembow and dancehall as D&B, while 'Lost Knowledge' spirals out into psychoactive flurries of synth strafes and organic percussion slathered in tight-locked delay trails. There's no light relief from strident hooks or riffs, just a pure, unshakeable commitment to the power of the beat and deeply designed layers of sound shaping out the space around.

'Busy Bones' makes space for carefully deployed hints of pad tone while the snares snap out of the mix with a sharp set of teeth. 'Four Eared Demon' baits the gabber crowd with its rapid-fire 4/4 hats atop seasick creaks across the midrange, keeping subtlety and patience in the lower frequencies to maintain the signature elegance readily associated with The Untouchables. 'Phase Correlation' teases an artfully unhinged ripple of synth that stands out amongst the murky murmurs filling out the middle distance, but it's still exercised with brutal precision.

Nothing happens by accident or feels out of place - McGill and Steyns are in total control, and they demonstrate incredible range and inventive approaches within their focused style. The accent of the grooves shifts, and individual sounds carry all kinds of artefacts, yet everything gets folded into the exacting Untouchables sound with a liberal dubwise sensibility. Brimming with inspiration and immaculately produced, on Lost Knowledge their one-of-a-kind sound is stronger than ever.

AAA Gripper have seemingly dropped out of nowhere but the story goes back. The idea was conjured in the summer of 2023 at the first Wrong Speed Records festival in the town of Glastonbury. Inspired by a weekend of radical sounds and fine company a decision was made - 'let's try something'.
Recording hours and hours of bass and drums in deep Somerset then editing it down to a sharp and concise 32 minutes. From Can's Lost Tapes boxset to No Means No's 0+2=1 via a thousand song structure decisions. Wild guitar strafe and precise hyper vocal added. Nine tight tunes magically appeared. The band raised a glass of tea. The band was born. The 'something' had worked.
We Invented Work For The Common Good is a deep dive into the world of the working person. How we end up. Why we climb onto the conveyer belt and never get off. The front cover is one of many of the same photo taken every day, on the walk to work, the dark mills looming - KEEP THEM BUSY, THEY WON'T RISE UP.
Music is therapy. They think it's part of the bread and circuses. We know it's armour. We know it's weaponry.
Gigs being planned.

On their most explicit venture into music for moving image, Miles Whittaker & Sean Canty rudely fracture piano and vocal recordings by US filmmaker-musician Kristen Pilon in a short-circuiting of style and pattern.

Shredding up definitions of electro-acoustic opera, spectralist chamber musique and concrète rave, Demdike hit square between the eyes/ears of film music vernaculars on a startlingly strong addition to their unique oeuvre, now in its 16th year of elusive psychoacoustic strafes and jump-cuts across putative borders. The 13-part, hour-long album dislodges source material made for the experimental film ‘To Cut and Shoot’, by Kristen Pilon, an NYC-based musician and filmmaker, to farther refract the film’s themes of serendipity and the nature of ghosts and dreams with a flickering flux of sound-imagery and aleatoric weirdness appropriate to her original meditations, but also freely messing with their forms.

Situated just a few miles north of Houston, Cut and Shoot is a relatively insignificant Texas town with an unforgettably bizarre name. Pilon grew up not far from Cut and Shoot, and it's there where she ran into 65-year-old machinist and motorcyclist Robert Lewis Stevenson, better known as Bobbo, who's pictured on the album's cover. The meeting occurred a few months after Pilon recorded her improvisations on piano, strings and voice in the basement cellar of the Halle in Manchester, with Bobbo providing the necessary narrative heft the trio needed to inspire an experimental film and its accompanying soundtrack.

Responding to Kristen’s initial piano and operatic vocal recordings, Demdike return a volley of discrete parts tilting from typically cantankerous mayhem to quieter, more clandestine buzzes sliced with crazed interstices of the imagination, all marbled with the plasmic contrails of the paranormal which have long been peculiar to their work. With a poetic flair reflecting Pilon’s own phrasing and melding of mediums, Demdike unfold and expand her melodic fragments into temporal mazes, variously resembling the most messed-up ends of The Caretaker in ‘A Grave Fall (January)’, but also liable to skew into buckshot club turbulence, as with ‘Belly Up’, or the bittersweet bruk contortions of ‘Twist’.

The storyline wickedly frays and loops into itself with a non-linearity that recalls the mid-to-latter stages of Lynch’s ‘Mulholland Drive’ or waking from a sweaty fever dream only to pitch back into its thorny bush of ghosts, often within the space of one track. It’s testament to the ever-tighter binds of Demdike’s symbiotic vision that the results nevertheless hold a thread of logic that weaves in everything from their Jon Collin jams to reams of mixes and Gruppo edits with an unresolved, open-ended quality that still keeps us on our toes, perhaps more so than ever here.

Die New-England-Extrem-Metal-Band Escuela Grind wird am 18. Oktober ihre neue LP „Dreams on Algorithms“ über MNRK Heavy veröffentlichen.
Aufgenommen im GodCity-Studio in Salem, Massachusetts, mit Produzent Kurt Ballou und gemastert von Nick Townsend (Dr. Dre, Betty Davis), ist die
Platte der mit Spannung erwartete Nachfolger von Escuela Grinds gefeiertem Debütalbum „Memory Theater“ aus dem Jahr 2022, das von der New
York Times als „ein Opus der Extremität“ gefeiert wurde.Escuela Grinds Reise durch die strafende Klanglandschaft des Grindcore war alles andere als
status quo. Ihr Mantra der Förderung von Inklusivität und Akzeptanz innerhalb extremer Musikgemeinschaften steht als Pfeiler des Fortschritts in
einer oft abgeschotteten und verschlossenen Subkultur. Sängerin Katerina Economou verbreitet den Geist und die Grundüberzeugungen der Band auf
jeder Bühne, auf der sie auftritt - sie verstärkt die Stimmen der Unterrepräsentierten und verbindet die Menschen auf einer Ebene, die tiefer geht als
die Musik.Dreams on Algorithms ist ein klanglicher Beweis für die Ideologien der Band - eine knüppelharte Darbietung von progressivem
Extrem-Metal, der die Genregrenzen überschreitet.

Gepaart mit dem unermüdlichen Bestreben der Band, ihre Musik im ganzen Land unter die Leute zu bringen, wuchs der Ruf von Maul schnell und ein Pakt mit 20 Buck Spin wurde mit Blut besiegelt. Die ersten Früchte dieses Bündnisses wurden Ende 2023 mit dem Promo-Tape "Desecration and Enchantment" geliefert. Und nun führen alle Wege zu Mauls zweitem Album "In the Jaws of Bereavement".

Während der verrottete Death Metal im Kern der Band unbestritten ist, schämt sich die Band nicht, wenn es darum geht, eine Vorliebe für die härtere Seite des Hardcore mit moshtauglichen Riffs und massentauglichen Breaks zu zeigen. In the "Jaws of Bereavement" schafft es, die unheimlichen Erscheinungen und die melodische Leadarbeit der Größen des Death Metal mit den strafenden Rhythmen der gewalttätigen Kraft des Hardcore so gekonnt zu verschmelzen, dass es sich völlig organisch anfühlt. Zusammengehalten wird das Ganze durch die ungestüme Stimmgewalt der menschlichen Abrissbirne Garrett Alvarado.

FFO: Sanguisugabogg, Phobophilic, Fulci, Scorched, Warflurch, Kruelty, Terminal Nation, Obituary, Gatecreeper

Gepaart mit dem unermüdlichen Bestreben der Band, ihre Musik im ganzen Land unter die Leute zu bringen, wuchs der Ruf von Maul schnell und ein Pakt mit 20 Buck Spin wurde mit Blut besiegelt. Die ersten Früchte dieses Bündnisses wurden Ende 2023 mit dem Promo-Tape "Desecration and Enchantment" geliefert. Und nun führen alle Wege zu Mauls zweitem Album "In the Jaws of Bereavement".

Während der verrottete Death Metal im Kern der Band unbestritten ist, schämt sich die Band nicht, wenn es darum geht, eine Vorliebe für die härtere Seite des Hardcore mit moshtauglichen Riffs und massentauglichen Breaks zu zeigen. In the "Jaws of Bereavement" schafft es, die unheimlichen Erscheinungen und die melodische Leadarbeit der Größen des Death Metal mit den strafenden Rhythmen der gewalttätigen Kraft des Hardcore so gekonnt zu verschmelzen, dass es sich völlig organisch anfühlt. Zusammengehalten wird das Ganze durch die ungestüme Stimmgewalt der menschlichen Abrissbirne Garrett Alvarado.

FFO: Sanguisugabogg, Phobophilic, Fulci, Scorched, Warflurch, Kruelty, Terminal Nation, Obituary, Gatecreeper

Seit ihrer Gründung haben REZN die reinen, monochromen Tiefen des Underground-Metal erforscht und sie mit den kaleidoskopischen Freuden von Psychedelia, Prog-Rock und Shoegaze verschmolzen. Mit ihrem neuesten Album Burden loten sie die tiefsten, düstersten Gräben ihres Sounds aus, ohne dabei den Bezug zum Kosmos zu verlieren. An der Schnittstelle zwischen den düsteren Dimensionen moderner Psych-Acts wie Black Angels, der höhlenartigen Düsternis und den mit Hall durchtränkten Gitarren von Bands wie Spectral Voice und den taumelnden Low-End-Meditationen von Künstlern wie OM haben REZN ein Album von ungeheurer, den Verstärker anbetender Wucht und mitreißender Instrumentierung geschaffen. Burden wurde zeitgleich mit ihrem vorherigen Album Solace im Juli 2021 aufgenommen, aber anstatt ein Doppelalbum zu veröffentlichen, teilten REZN das Material in zwei separate Platten auf, jede mit ihrem eigenen emotionalen Timbre. Musikalisch bevorzugt Burden Riffs gegenüber Atmosphäre, Perkussion gegenüber Äther, Dissonanz gegenüber Schönheit, aber es gibt dennoch eine unbestreitbare Kohäsion zwischen ihm und seinem Vorgänger. Die Verbindung von brachialer Gewalt und erhabenen Texturen war schon immer eine Schlüsseltaktik in REZNs Ansatz - eine Dualität, die vielleicht ihre Tournee-Vergangenheit mit den Synästhesie-induzierenden Metallurgie-Kollegen Elder und Russian Circles erklärt - aber das Spektrum der quecksilbrigen Temperamente der Band fühlte sich noch nie so klar definiert und vollständig erforscht an wie auf Burden. Selbst die zurückhaltendsten Momente von Burden fühlen sich wie die Ruhe vor dem Sturm an, ein sich sammelnder Schwung vor dem strafenden Schlussstück und der Leadsingle ,Chasm", einem megalithischen, krautigen Brecher, der durch ein brennendes Gitarrensolo von Russian Circles' Mike Sullivan noch verstärkt wird. Indie-Handel exklusives farbiges Vinyl in Black, Mint and Bone A side/ B side, LPs mit Lyric-Sheet & DLC, Digipack CD mit Lyric-Sheet.

Seit ihrer Gründung haben REZN die reinen, monochromen Tiefen des Underground-Metal erforscht und sie mit den kaleidoskopischen Freuden von Psychedelia, Prog-Rock und Shoegaze verschmolzen. Mit ihrem neuesten Album Burden loten sie die tiefsten, düstersten Gräben ihres Sounds aus, ohne dabei den Bezug zum Kosmos zu verlieren. An der Schnittstelle zwischen den düsteren Dimensionen moderner Psych-Acts wie Black Angels, der höhlenartigen Düsternis und den mit Hall durchtränkten Gitarren von Bands wie Spectral Voice und den taumelnden Low-End-Meditationen von Künstlern wie OM haben REZN ein Album von ungeheurer, den Verstärker anbetender Wucht und mitreißender Instrumentierung geschaffen. Burden wurde zeitgleich mit ihrem vorherigen Album Solace im Juli 2021 aufgenommen, aber anstatt ein Doppelalbum zu veröffentlichen, teilten REZN das Material in zwei separate Platten auf, jede mit ihrem eigenen emotionalen Timbre. Musikalisch bevorzugt Burden Riffs gegenüber Atmosphäre, Perkussion gegenüber Äther, Dissonanz gegenüber Schönheit, aber es gibt dennoch eine unbestreitbare Kohäsion zwischen ihm und seinem Vorgänger. Die Verbindung von brachialer Gewalt und erhabenen Texturen war schon immer eine Schlüsseltaktik in REZNs Ansatz - eine Dualität, die vielleicht ihre Tournee-Vergangenheit mit den Synästhesie-induzierenden Metallurgie-Kollegen Elder und Russian Circles erklärt - aber das Spektrum der quecksilbrigen Temperamente der Band fühlte sich noch nie so klar definiert und vollständig erforscht an wie auf Burden. Selbst die zurückhaltendsten Momente von Burden fühlen sich wie die Ruhe vor dem Sturm an, ein sich sammelnder Schwung vor dem strafenden Schlussstück und der Leadsingle ,Chasm", einem megalithischen, krautigen Brecher, der durch ein brennendes Gitarrensolo von Russian Circles' Mike Sullivan noch verstärkt wird. LP mit Lyric-Sheet & DLC, Digipack-CD mit Lyric-Sheet!

Das Debütalbum der erbarmungslosen “Duft” zeigt unerbittliche Musikalität inmitten des kalkulierten Chaos zermalmender metallischer Riffs, rasender Tempi, strafender Breakdowns und der lyrischen Wut des Hardcore-Punk. Das Hauptthema der Band aus Reykjavik ist das allgegenwärtige Gefühl, dass der Planet Erde in Trümmer fällt: Die meisten Menschen sind zu sehr mit der kindischen Suche nach sofortiger Befriedigung und der Vermeidung von Schmerz beschäftigt, um die Tatsache zu akzeptieren, dass die Welt ein trostloser Hardcore-Ort geworden ist! Um in ihr zu bestehen,
muss man bereit sein, Mut zu zeigen, selbst kritisch zu denken und sich nicht von dogmatischen Wahrheiten leiten zu lassen - man muss sich selbst verantworten und treu bleiben. Dies ist in der Tat keine Platte für schwache Herzen.

Aus der Asche von Moss Icon schossen Universal Order of Armageddon in einem feurigen Strudel aus strafenden Riffs, synkopierten Breakbeats und furchterregenden Schreien hervor. Hier sind die kompletten Aufnahmen von Gravity, Vermin Scum und Kill Rock Stars versammelt, neu abgemischt und remastert von den Original-Session-Bändern. Doppel-LP in einem luxuriösen Klappcover mit einem dicken 24-seitigen Buch mit Fotos, Notizen und Ikonographie aus den Jahren 1993-'94. Armageddon IST jetzt.

Aus der Asche von Moss Icon schossen Universal Order of Armageddon in einem feurigen Strudel aus strafenden Riffs, synkopierten Breakbeats und furchterregenden Schreien hervor. Hier sind die kompletten Aufnahmen von Gravity, Vermin Scum und Kill Rock Stars versammelt, neu abgemischt und remastert von den Original-Session-Bändern. Doppel-LP in einem luxuriösen Klappcover mit einem dicken 24-seitigen Buch mit Fotos, Notizen und Ikonographie aus den Jahren 1993-'94. Armageddon IST jetzt.

Der legendäre Hip-Hop-Pionier DJ Muggs und der häufige David-Lynch-Kollaborateur Dean Hurley haben gemeinsam den Original-Soundtrack zum 2023 beim Sundance-Filmfestival uraufgeführten Spielfilm "Divinity" geschrieben und produziert, der am 24. November über Sacred Bones auf CD und LP erscheinen wird. "Divinity" ist eine dystopische Science-Fiction-Odyssee, die von Steven Soderbergh produziert und vom visionären Regisseur Eddie Alcazar inszeniert wurde. Das Zusammenspiel von DJ Muggs und Dean Hurley ergibt einen Soundtrack, der "Divinity" über den Bildschirm hinaus zu einem multidimensionalen Erlebnis macht und den Hörer zu einer unvergesslichen Klang-Odyssee auf unbekanntem Terrain einlädt. Inmitten der außergewöhnlichen Ästhetik und Thematik des Films ist die Filmmusik eine zehn Tonnen schwere Hantel aus Klanggewichten. Mit 8-Bit-Samplern, Wavestation-Synthesizern, erweiterten Chor- und Streichertechniken schafft es der Soundtrack, wild zwischen den Arenen von Musik und Sounddesign zu pendeln. Ein Klangerlebnis, das die gleiche Intensität wie der Film einfängt und wiedergibt. Tracks wie "The Brothers" und "Reflective Dreams" überschlagen sich mit Vangelis-esken Tönen und malen mit breiten Strichen cineastische Erhabenheit und ätherische Wunder. "Main Titles" und "Infinity Techno" hingegen schwingen sich zu unerbittlichen, strafenden Klängen auf, mit brutaler, pulsierender Energie, die für das verdrehte, unerbittliche Streben nach Unsterblichkeit steht. Ein herausragendes Stück des Albums ist zweifellos "Divinity 2 Infinity: The Odyssey" featuring Kult-Hip-Hop-Legende Kool Keith. Der Song wurde speziell für den Film geschrieben und ist eine gelungene Reminiszenz an die End-Credit-Songs der 90er Jahre, die damals auf die Themen des jeweiligen Films zugeschnitten wurden.

Vier Jahre und eine Pandemie nach "Orificial Purge" legt Vastum, die am längsten bestehende Band im 20 Buck Spin-Roster, mit "Inward To Gethsemane" ihr fünftes knüppelhartes Manifest über psychisches Unwohlsein und verlorenen Glauben vor. Wie schon zuvor umgibt der abgrundtiefe Ekel, der in Vastums einzigartiger Herangehensweise schonungslos eingefangen wurde, die Musik mit einer Aura von beunruhigendem Unbehagen.

Die höhlenartige Dichte, die Vastum zu einem Kernelement ihrer Diskografie gemacht hat, bleibt so unmenschlich wie eh und je. Sie taucht weiterhin in dunklere Atmosphären ein, verkommt aber nie zum Ambient-Dunkel; im Gegenteil, sie ist immer strafend und mit einer furchterregenden Dynamik. Der unverkennbar erschütternde Doppelgesang von Daniel Butler und Leila Abdul-Rauf taucht in "Inward..." auf; die besessenen Erzähler der höllischen Unterwelt von Vastum. Der achtminütige Albumabschluss "Corpus Fractum" zeigt eine transformative und sogar experimentelle Seite von Vastum, sowohl musikalisch als auch stimmlich, während er die charakteristische gnadenlose Kraft beibehält, für die die Band über ihre fünf Alben hinweg gefeiert wird.

Mit ihren sporadischen, aber legendären Live-Auftritten und ihrer verehrten Diskografie des modernen True Death Metal sind Vastum zu einem Fackelträger des grausamen und grotesken Undergrounds geworden, sowohl in ihrer Heimat Bay Area als auch weit darüber hinaus. "Inward to Gethsemane" schlägt eine weitere Kerbe in Vastums Totem der Abartigkeit.

Vier Jahre und eine Pandemie nach "Orificial Purge" legt Vastum, die am längsten bestehende Band im 20 Buck Spin-Roster, mit "Inward To Gethsemane" ihr fünftes knüppelhartes Manifest über psychisches Unwohlsein und verlorenen Glauben vor. Wie schon zuvor umgibt der abgrundtiefe Ekel, der in Vastums einzigartiger Herangehensweise schonungslos eingefangen wurde, die Musik mit einer Aura von beunruhigendem Unbehagen.

Die höhlenartige Dichte, die Vastum zu einem Kernelement ihrer Diskografie gemacht hat, bleibt so unmenschlich wie eh und je. Sie taucht weiterhin in dunklere Atmosphären ein, verkommt aber nie zum Ambient-Dunkel; im Gegenteil, sie ist immer strafend und mit einer furchterregenden Dynamik. Der unverkennbar erschütternde Doppelgesang von Daniel Butler und Leila Abdul-Rauf taucht in "Inward..." auf; die besessenen Erzähler der höllischen Unterwelt von Vastum. Der achtminütige Albumabschluss "Corpus Fractum" zeigt eine transformative und sogar experimentelle Seite von Vastum, sowohl musikalisch als auch stimmlich, während er die charakteristische gnadenlose Kraft beibehält, für die die Band über ihre fünf Alben hinweg gefeiert wird.

Mit ihren sporadischen, aber legendären Live-Auftritten und ihrer verehrten Diskografie des modernen True Death Metal sind Vastum zu einem Fackelträger des grausamen und grotesken Undergrounds geworden, sowohl in ihrer Heimat Bay Area als auch weit darüber hinaus. "Inward to Gethsemane" schlägt eine weitere Kerbe in Vastums Totem der Abartigkeit.

Euroteuro, die Dritte! November 2023, Die Wiener Pop Gruppe EUROTEURO um Mastermind Peter T. präsentieren ihr neues drittes Album "VOLUME III". Mit ihrem Sommerhit "AUTOGRILL" hat das Wiener Kollektiv EUROTEURO einen ewigen Ohrwurm für alle italophilen Espresso-Freunde geschaffen. Mit dem 2022 erschienenem zweiten Album hat das Popkollektiv bewiesen, dass sie weit mehr als ein One-Hit-Wonder sind. Leichtfüssiger Elektropop trifft auf Cover-Versionen von XTC bzw Georg Kreisler-Songs. Dem folgten Auftritte im österreichischen ORF-Fernsehen, ein Headliner-Slot am Wiener Popfest, eine Einladung zum Fusion Festival nahe Berlin und so manche Cameo-Auftritte in österr. Filmen & Serien. Mit markantem Wiener Schmäh tourt EUROTEURO mit ihrem expressiven Synth-Pop nun in Duo-Besetzung durch den deutschsprachigen Raum. Mit im Gepäck ihre neue Vinylscheibe inkl. der Single "Teuer", wo sie das mittlerweile vom Gespenst zum realen Türsteher mutierte Phänomen der Teuerung besingen. "900 Euro warm. Viel zu teuer! Regelbruch - Strafe zahlen. Viel zu teuer!" Ein atemloses Stück Musik, das den Wahnsinn der uns umgibt ein Stück weit zu kanalisieren versucht. Die aktuelle Single "Zeit" kann als Ode an die Entschleunigung gesehen werden. Nicht alles muss immer sofort sein, manchmal muss man einfach nur um "ein bischen mehr Zeit" bitten. "Sie singen für dein Recht auf Eskapismus, selbst wenn du dir nichts mehr leisten kannst. Euroteuro zelebrieren einen Prekariat und Proletariat vereinenden Scheißdrauf-Hedonismus ("Insel" bzw. das unverwüstliche Debüt "Autogrill") und nehmen dabei auch vor die Song-gewordene Anwendung von Bertrand Russells Lob des Müßiggangs ("Kündigung", "Sag Alles Ab") nicht Halt. In diesem Sinn kann man Zeilen wie "Lassen sie einfach das Studium sein" aus "Wenn das alle täten" ebenso als ironisch wie ernsthaft subversiv interpretieren. Die Verweigerung der vom Neoliberalismus verlangten ständigen Selbstoptimierung trifft dabei auf den gelebten Widerspruch der beiden emblematischen europäischen Fetische von Bewegungsfreiheit und Wachstum." (Robert Rotifer)

Das selbstbetitelte Album von For The Fallen Dreams kombiniert Elemente aus Hip-Hop, modernem Rock und progressivem Metal zu der bösartigen Dynamik, für die die Band bekannt geworden ist, und hat das Zeug zu etwas Zeitlosem.

Das selbstbetitelte Album kombiniert die Vorliebe der Band für strafende Aggression und bombastische Breakdowns, dramatische Gitarrensoli mit erhabenen Refrains, ätherische Atmosphäre und unvorhersehbaren, grausamen Grooves und ist ebenso hitverdächtig und ansteckend eingängig, wie geradezu vernichtend

Das selbstbetitelte Album von For The Fallen Dreams
kombiniert Elemente aus Hip-Hop, modernem Rock und
progressivem Metal zu der bösartigen Dynamik, für die die
Band bekannt geworden ist, und hat das Zeug zu etwas
Zeitlosem. Das selbstbetitelte Album kombiniert die Vorliebe der Band für strafende Aggression und bombastische
Breakdowns, dramatische Gitarrensoli mit erhabenen
Refrains, ätherische Atmosphäre und unvorhersehbaren,
grausamen Grooves und ist ebenso hitverdächtig und
ansteckend eingängig, wie geradezu vernichtend

Contemporary DIY Street Soul, New Jack, Electro Funk studio project from Parisian DJ Raphaël Top-Secret & Antoine Kogut (Syracuse).

For lovers of Loose Ends, Larry Heard, Mad Professor, Strafe or Sade. This EP includes two smash-hit A-side remixes by LA and Vancouver underground celebrities Benedek and Pender Street Steppers (PPU / Mood Hut) that sound like 1986 or 1992 !

Original versions are found on the B-side with “Give It Up”, a smooth and romantic 112 bpm G-Funk jam that is the perfect track for your drive to the coast, while “The Way They Do …”, a 98 bpm dreamy electronic AOR indie-pop dubby, will take you to an island.

Using original vintage gear as the TR-808, Emulator II, DX-7 and Rhodes, electric guitar, studio bass arrangements, the release shows sophisticated skills in the production stages, while being a very refreshing pop and dance release.

A stunning debut for the Cachette label !

H- side is etched
The American cable-television industry exploded in the 1980s, pushing broadcasts of diverse programming and emissions of low-laying cultures into homes. Community stations piggybacked on the digital developments of the time, extending their existence through telephony and broadcast a iliates. For those growing up in this time, in locations such as New York City, the localized communications beamed into their homes exposed them to an impressionable array of disparate sounds and visions.
Move into the 1990s and New York was filled to the brim of emergent cultures drawing from this ebullition of communication. From Rammellzee’s shapeshifting to the late Judy Russell and Frank and Karen Mendez’s Nu Groove imprint fusing reggae, poetry and house, nascent ideas emanated from the city walls, from within stores such as Sonic Groove store and on VHS releases such as Stakker’s The Evil Acid Baron Show, a legendary technicolor psychedelic trip along the wildest frontiers of acid house. As scenes expanded and identities developed, such individuals weather the events of the visceral now, expressing themselves right into an unpredictable future.
Function’s long career has seen him uncover a vast range of sonic identities, a mainstay through house, techno and industrial with collaborations with the likes of Regis, Damon Wild alongside his highly influential Infrastructure imprint. With influences deeply tied to pop art, rave and gay scenes, and early memories of block-parties emitting Kraftwerk and Strafe, he found himself seeking out the undercover illegal nights of the 90s on a quest of sexual unearthing, mixing the ever-yearning escapology mission of disco with the influential DJ sets of Jeff Mills.
For his new album Existenz, he marks a clear step away from the corporeal techno of his recent releases. Pivoting around themes of religion, sexuality, trauma and healing, it is a work expansive and celebratory, a clear liberation from a deeply internalized past. Formed from a collection of recordings made in a period from late 2016 to mid 2019, Existenz takes the form of a creative outburst in reaction to a number of traumas - recent, childhood and throughout Function’s life. Life partner Stefanie Parnow assisted the production process in its entirety, providing inspiration, spiritual healing and featuring vocal contributions.
Cosmic synths soar and swoop in ‘Pleasure Discipline’ through towering stacks of rhythm that stutter and creak to a halt before rebooting, a firm robotic response to human intervention. ‘Zahlensender’ reflects a spatial tetris of urban life, as digitalization set within an XYZ matrix confronts the sprawling city. Constant arpeggiated meditations echo synaptic transmissions, e ecting a dissolution of boundaries. ’The Approach’ recalls the unification of the self, a state of delirium non-subjective and smooth, as all connections and functions give way to simple intensities of feeling, crossing the threshold into spirituality. ’Golden Dawn’, featuring Stefanie Parnow, marks a further elevation of dubbed-out euphoria, as once more positive rays emerge. His ode to the effortless short-trip urban navigation 'Kurzstrecke' finds Function in motion, upfront and bold, snapshots of conversation and flickers of light. 'Ertrinken' finds metallic bass jabs swamping snipped synthetic voices, with hidden stores of emotion set as a nod to the history of vocoders as a tool for encrypted military communication. House icon Robert Owens features on 'Growth Cycle' and 'Be', entrenching a celebratory atmosphere over Function's clubwise leanings. Closing track 'Downtown 161' reflects the unmistakeable filtered and squashed interjections of television, and sampled dance vocals - a sound for the curious, dreamers and dancers.
With Existenz, Function reveals an essential body of work, spread over 4LP - thought experiments on the role of identity and spirituality after a lifetime of upheaval and trauma. Leading up until the release date, Function will undertake an album promo tour with select dates - A/V shows at Berlin Atonal and Rural festival in Japan, and three dates as part of his Bassiani residency.

London exploratory industrialist Luke Younger characterizes the creation of his latest collection, Axis, as a liberating return to roots: “It felt like going back to the beginning, it felt freeing.” Begun before the pandemic as a soundtrack to a dance performance, the initial vision was for something “visceral, with physical movement in mind.” When the project shifted to indefinite hiatus, he reimagined the material in the context of an LP, while retaining its sense of dynamic physicality. The result is grim and gripping, seasick throbs lurching in a low-ceilinged space, strafed with fractured clanging, hissing steam, and grinding spirals of granular haze. Noise in its most elevated and compelling form, from and for the body as much as the mind.

London exploratory industrialist Luke Younger characterizes the creation of his latest collection, Axis, as a liberating return to roots: “It felt like going back to the beginning, it felt freeing.” Begun before the pandemic as a soundtrack to a dance performance, the initial vision was for something “visceral, with physical movement in mind.” When the project shifted to indefinite hiatus, he reimagined the material in the context of an LP, while retaining its sense of dynamic physicality. The result is grim and gripping, seasick throbs lurching in a low-ceilinged space, strafed with fractured clanging, hissing steam, and grinding spirals of granular haze. Noise in its most elevated and compelling form, from and for the body as much as the mind.

London exploratory industrialist Luke Younger characterizes the creation of his latest collection, Axis, as a liberating return to roots: “It felt like going back to the beginning, it felt freeing.” Begun before the pandemic as a soundtrack to a dance performance, the initial vision was for something “visceral, with physical movement in mind.” When the project shifted to indefinite hiatus, he reimagined the material in the context of an LP, while retaining its sense of dynamic physicality. The result is grim and gripping, seasick throbs lurching in a low-ceilinged space, strafed with fractured clanging, hissing steam, and grinding spirals of granular haze. Noise in its most elevated and compelling form, from and for the body as much as the mind.

Black Truffle is pleased to announce a new solo album by Eiko Ishibashi, her first for the label, following on from the duo recording Ichida alongside bassist Darin Gray. Hyakki Yagyō (Night Parade of One Hundred Demons) was produced for the ‘Japan Supernatural’ exhibition at The Art Gallery of New South Wales, Sydney focusing on ghost stories and folklore from the Edo period onwards. As with The Dream My Bones Dream (Drag City, 2018), the album is a response to troubling questions about Japanese history, and the influence of the past upon the present, but finds Ishibashi shifting further away from her earlier piano-led songwriting and showing a deepening interest in electronics and audio collaging.

The two sidelong parts of Hyakki Yagyō feature layered synthesisers, acoustic instrumentation, recited verse and field recordings, at times densely mixed but always with a subtle interplay of changing elements. The influence of European and American forerunners as diverse as Alvin Curran, David Behrman and Strafe Für Rebellion can be traced, yet at the same time Ishibashi evokes the flute and string sounds associated with Japanese storytelling, and draws directly on the subversive literary tradition of Kyoka (‘mad poetry’) with a verse by the 15th-century poet Ikkyū Sōjun repeated throughout the album. Revisiting what has gone before, re-thinking what is possible musically, as a way of articulating what else might be possible in the future.

As Ishibashi’s liner notes make clear, the album reflects an attention to persistent dangers, myths and evasions in Japanese culture – as well as the lurking uncertainties that might threaten positive change. This would seem to be manifested in the emerging melodies soon met by dissonance, erratic collisions and near silence, as well as the eerie manipulation of the double-tracked vocals. Ishibashi’s underlying concerns ring true more widely of course. Hyakki Yagyō is a work of multiplicities, and mystery, a landscape where nothing is as it seems at first, and everything is vulnerable to sudden violent interruptions.

The album was produced with regular collaborators Jim O’Rourke (double bass) and Joe Talia (percussion), and features dancer and choreographer Ryuichi Fujimura performing Ikkyū’s satirical tanka. O’Rourke’s immersive mix creates a three-dimensional effect, with Ishibashi’s various sound sources enmeshing and interacting in captivating ways.

Pressed on coloured vinyl and presented in a deluxe package with an inner sleeve featuring and artist portrait and liner notes from Eiko Ishibashi. Cover and label design by Shuhei Abe.
Back cover design by Lasse Marhaug. Mixed and mastered by Jim O’Rourke.

key selling points:

- Black Truffle is pleased to announce a new solo album by Eiko Ishibashi, her first since her acclaimed 2018 Drag City release The Dream My Bones Dream.

- This album finds Ishibashi shifting further away from her earlier piano-led songwriting and showing a deepening interest in electronics and audio collaging.

- Hyakki Yagyō (Night Parade of One Hundred Demons) was produced for the ‘Japan Supernatural’ exhibition at The Art Gallery of New South Wales, Sydney focusing on ghost stories and folklore from the Edo period onwards and is a response to troubling questions about Japanese history, and the influence of the past upon the present.

- Produced with regular collaborators Jim O’Rourke (double bass) and Joe Talia (percussion), O’Rourke’s immersive mix creates a three-dimensional effect, with Ishibashi’s various sound sources enmeshing and interacting in captivating ways.

- The two sidelong parts of Hyakki Yagyō feature layered synthesisers, acoustic instrumentation, recited verse and field recordings, at times densely mixed but always with a subtle interplay of changing elements, hinting at an influence of European and American forerunners as diverse as Alvin Curran, David Behrman and Strafe Für Rebellion.

- Pressed on coloured vinyl and presented in a deluxe package with an inner sleeve featuring an artist portrait and liner notes from Eiko Ishibashi. Mixed and mastered by Jim O’Rourke.

The first Yris Den. The first symptom of Yris Den. The first data entry of Yris Den. The first lacquer of Yris Den. The first search for Yris Den. (Paves the way for) the first appearence of Yris Den. Venial elevate your mind, free your auro.

Since his 2015 Night School debut E.P. Nouveauree, James Donadio - aka Prostitutes - has been traveling stages and rigs from Los Angeles to Berlin, from prestigious festival slots to slimy Glasgow basements, burning his own path through the modern techno and electronic scenes. On Aluminum Garage, Donadio is at his most playful, laying down unmistakably mid-tempo BPM early-electro jams indebted to early sampling before crashing the soundsystem with frantic, detourned Gabber. Unlike his previous LP for Spectrum Spools or indeed his Night School debut which rankled with austerity and minimalism, here Prostitutes is instinctive, multi-layered and unashamedly, brilliantly borrowing from myriad genres.

In past 3 years, Donadio has racked up critically praised releases on labels like Diagonal and CGI, refining his wares into a precise, bludgeoning toolkit that surprises and develops with each release. Aluminum Garage creeps into life with Born Wanderer, before a sub-heavy kick and bongo pattern blasts into a heavy break that feels like the earth moving from under your feet. With the utmost clarity, the track builds disparate layers - a white noise solo, warped sample piano chords straight from 1986 - into a Rave-o-matic climax, holding steady with the BPMs and immeasurably funky. Jah Elegant further blows apart any image we have of Prostitutes' music as austere' with a loping intro based on teased drum samples and a ghost MC. The Jungle break comes in by stealth before the heavy drop blasts the music into Drum + Bass momentum. It's both blistering fun and undeniably cheeky, a driving track that cuts up Remarc on a dimly lit table in suburban Ohio.

On Side 2, Errant Seagull takes the genre mess into techno territory though put through a heavily distorted grinder. Built around a skeleton of sampled bass guitar and thumping kick, the track layers drums upon drums, building in saturation until a searing synth strafes the criss-crossing rhythms. The effect is dizzying, insuring both a propellant, heavy forward motion and a grimey, angst-ridden climax. Before we're at the end of the track, the stereo field is so filthy with distortion and analogue muck the listener is desperate for a palette cleanser. Final track Shroud of Cellophane however, doesn't let up. With a ramped up BPM we're in a Cyberpunk Gabber club, nothing but 160 beats per minute, layers of frequency-tweaked noise and the light at the end of the tunnel racing towards us. It's sweet oblivion and we've earned it.