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The Roger Webb Sound's Moonshade is one of the coolest records ever. Originally appearing via the legendary De Wolfe library in 1971, it's a sumptuous jazz-soul-funk instrumental set. Full of melodic, melancholic yet sun-drenched songs, rich with colour and contrast, it was composed by self-taught jazz pianist Roger Webb and features vocal performances by Barbara Moore. That's right; *the* powerhouse library music duo! It makes Moonshade the perfect precursor and accompaniment to Barbara Moore's eternal classic Vocal Shades And Tones. It will come as no surprise that original copies, if you can ever find them, will set you back north of 200 notes.

Moonshade is a phenomenal showcase of Brit maestro Webb's own roots in jazz. Those roots are served up here with a plethora of fast-stepping rhythms that truly give flight to the vocals of Barbara Moore, as they soar in wonderful ways. Moore sings wordlessly throughout, allowing her voice to act like another instrument in concert with the horns and keyboards elevating the fine arrangements. This is a deeply beautiful record.

The album opens with the ornate Baroque pop splendour of the sun-dappled melancholia of "Sunshine". Strings, piano and wordless female vocals combine to create this brief beauty of unimaginable grace. The cool "Gentle Eyes" features haunting and beautiful vocals, smooth jazz piano and horns and a general easy vibe without being easy listening, if you know what we mean. You do. Just listen. The pounding "Heavy Lace" is one for the beat-heads, funky open drums (!) with muted organ, bassy piano chords and ace horns. Sampled by Quakers for their great debut album on Stones Throw. The nostalgic "Yesterday" is wistful and beautifully melodic instrumental soul music with gorgeous acoustic guitar and flutes. It's followed by the light, lilting "Petal Soft" which features more Baroque styles, overflowing with flutes and harps. The bright, bouncing "Coaster" is an easy-going piano-led, guitar-driven swinger whilst "Grey Sigh" is another classic. A real highlight, with more fantastic propulsive drums and percussion and plaintive wordless vocals courtesy of Barbara. Speaking of which, the soft, sweet Rhodes jazz of the lilting "Sweet Thing" is another staggering showcase of the brilliance of Barbara. Just astounding.

Head straight past the honky-tonk-by-numbers piano jaunt "Cough Drop" and luxuriate in the soft, delicate beauty of the album's melodic, cyclical title track, "Moon Shade". Fragile flutes and acoustic guitar float across judicious bass notes before giving way to slightly ominous piano and, again, those beguiling wordless vocals. And then round again to the flute refrain of the intro. This time with the vocals to see us out. Majestic drama jazz at its finest. The cello-and-flute adorned "Sapphire" is a fluid orchestral beauty whilst "Interweave" rides with more urgency in its string and bass stabs. When the warm keys enter, it's a bonafide mellifluous wonder. The softer "Musette" begins in beautifully gentle fashion before pivoting for a driving yet elegant piano middle section. It reverts back to the mellow intro, for its outro. Understood? The melodic organ and prominent rhythm section running through "Reminiscence" makes for a delightfully understated folk-funk instrumental whilst the cool, rolling piano feels of "7.30 For 8.00" seem to perfectly suit the phrase "dinner jazz". It's no bad thing, c'mon. This classy, memorable set is rounded out by the half-minute mince of the Barbara-blessed "Sparky". It's just over too soon!

The audio for Moonshade has been brilliantly remastered by Be With regular Simon Francis, ensuring this release sounds better than ever. Cicely Balston's expert skills have made sure nothing is lost in the cut whilst the records have been pressed to the highest possible standard at Record Industry in Holland. The original, iconic sleeve has been restored here at Be With HQ as the finishing touch to this long overdue re-issue.

Diese beiden Songs strotzen nur so vor Energie, Rhythmus und der Atmosphäre, für die die Skandinavier so bekannt sind!
Die Texte sind eine Kombination aus Realität und Science Fiction.
Freut euch auf klassischen Heavy Metal mit einem modernen Sound!

Diese beiden Songs strotzen nur so vor Energie, Rhythmus und der Atmosphäre, für die die Skandinavier so bekannt sind!
Die Texte sind eine Kombination aus Realität und Science Fiction.
Freut euch auf klassischen Heavy Metal mit einem modernen Sound!

On his album NEGRO DELUXE Siifu trades in soulful rap for punk, fueled by the Black experience in America followed by spiritual jazz and poetry. A beautiful chaotic collage of sounds that reflect the black man’s thoughts on the day-to-day. It doesn’t take long to reach the heart of NEGRO, Pink Siifu’s new album. It’s an aggressive collection of hardcore punk and free jazz, with bold lyrics that encourage shooting back at trigger-happy law enforcement. This album profoundly communicated the anger of an African-American community beset by police violence a month before the murder of George Floyd lit the streets on fire. In April 2021, he revisited the project with NEGRO DELUXE, which doubled the length of the original.

Pink Siifu tells Bomb Magazine “after we were done mastering and mixing, Zeroh was like, “Yo, NEGRO is like fire, and NEGRO DELUXE is like smoke….So I would characterize NEGRO DELUXE as, like, after you’re angry, after you’ve punched a wall, after you beat somebody up, whatever, how do I channel that into something else? How do I just let it go? I feel like NEGRO DELUXE is that, for real, in a nutshell. It’s like the chaos calmed down after all the fire’s gone and the smoke is in the air.”

It isn’t anything like ensley, Siifu’s breakthrough 2018 LP. Where that record used mid-tempo soul and hip-hop to score his upbringing, NEGRO is a riotous mix calling for Black revolution. It’s also the most fearless project in his growing discography. NEGRO harkens back to 1992, to Ice-T’s thrash metal band Body Count, song “Cop Killer”.

This album is meant to remind us of Rodney King, Racist Cops, The Black Panther Party, and Christopher Dorner, the ex-L.A. police officer who, in 2013, went on a violent shooting spree against his former colleagues and their family members due to seeing his own policeman violate the people there supposed to be protecting. “It’s about America, It’s about the trauma that comes from the flag. It’s about understanding that it’s okay to be angry.”

In the album, originally titled ‘To Be Angry’, Siifu started crafting NEGRO after listening to old Afrocentric jazz and watching clips of novelist and poet Amiri Baraka and civil rights activist Stokely Carmichael, reading Sun Ra’s sci-fi poetry book, The Planet Is Doomed, and started studying Bad Brains, June Tyson, Death, Ras G, and many others.

"Visions of Summerland (Live at Arminius Church Rotterdam)" ist weit mehr als nur ein weiteres Live-Album. DOOL nahmen diese Stücke in der dunkelsten aller Nächte während der Wintersonnenwende am 23. Dezember 2022 auf. Es war nicht nur physisch die finsterste Zeit des Jahres, sondern auch spirituell eine dunkle Stunde für die niederländischen Dark Rock Shootingstars. Aufgrund der weltweiten Pandemie konnten sie kaum mit ihrem aktuellen, zweiten Album "Summerland" auf Tour gehen. Außerdem war es das letzte gemeinsame Konzert mit ihrem Freund und Schlagzeuger Micha Haring, der zuvor unter vier Augen und aus persönlichen Gründen seinen Abschied von DOOL angekündigt hatte. Die Zeichen in der Arminiuskerk ("Arminiuskirche") in Rotterdam deuteten auf einen höchst melancholischen Auftritt hin. Umgeben von sakraler Architektur und religiösen Bildnissen, vor Familie, Freunden sowie ihren treuesten Fans opferten DOOL all ihr Herzblut, ihren Schweiß und ihre Tränen für die Songs. Pure Bühnenmagie lag in der Luft. Verzweiflung und Schmerz verwandelten sich in musikalische Schönheit und Hoffnung. Frontperson Raven sprach hinterher sogar vom wohl besten DOOL-Auftritt aller Zeiten! Seitdem sie im Jahr 2015 in der alten niederländischen Hafenstadt Rotterdam aus der Asche von THE DEVIL'S BLOOD und ELLE BANDITA auferstanden sind, haben DOOL der europäischen Dark Rock Szene ihren einzigartigen Stempel aufgedrückt. Das Debütalbum "Here Now, There Then" erschien im Jahr 2017 und gewann sofort Auszeichnungen wie "Album des Monats" in den renommierten deutschen Magazinen Rock Hard und Metal Hammer, wo DOOL auch den Titel "Bestes Debütalbum 2017" holten - neben viel Lob aus aller Welt, unter anderem von VICE (US), Aardschok (NL) und De Volkskrant (NL). Mit ihrem zweiten Album "Summerland", das im April 2020 das Licht der Welt erblickte, bestätigten die Shootingstars um Raven van Dorst (Gesang, Gitarre) ihren Blitzstart und ernteten weiteren Jubel in den Medien. "Summerland" erhielt vielfache "Album des Monats"-Auszeichnungen unter anderem in den deutschen Magazinen Rock Hard (10/10) und Sonic Seducer sowie einen zweiten Platz im Soundcheck von Metal Hammer (DE), Metal.de und eine weitere Erstplatzierung im polnischen Metal Hammer. Bevor DOOL im Frühjahr 2024 ihr drittes Album enthüllen, schenken die niederländischen Dark Rocker ihrer treuen Fangemeinde dieses beeindruckende Live-Dokument: "Visions of Summerland (Live at Arminius Church Rotterdam)" wirft ein strahlendes musikalisches Licht in eine Welt voller Dunkelheit.

"Visions of Summerland (Live at Arminius Church Rotterdam)" ist weit mehr als nur ein weiteres Live-Album. DOOL nahmen diese Stücke in der dunkelsten aller Nächte während der Wintersonnenwende am 23. Dezember 2022 auf. Es war nicht nur physisch die finsterste Zeit des Jahres, sondern auch spirituell eine dunkle Stunde für die niederländischen Dark Rock Shootingstars. Aufgrund der weltweiten Pandemie konnten sie kaum mit ihrem aktuellen, zweiten Album "Summerland" auf Tour gehen. Außerdem war es das letzte gemeinsame Konzert mit ihrem Freund und Schlagzeuger Micha Haring, der zuvor unter vier Augen und aus persönlichen Gründen seinen Abschied von DOOL angekündigt hatte. Die Zeichen in der Arminiuskerk ("Arminiuskirche") in Rotterdam deuteten auf einen höchst melancholischen Auftritt hin. Umgeben von sakraler Architektur und religiösen Bildnissen, vor Familie, Freunden sowie ihren treuesten Fans opferten DOOL all ihr Herzblut, ihren Schweiß und ihre Tränen für die Songs. Pure Bühnenmagie lag in der Luft. Verzweiflung und Schmerz verwandelten sich in musikalische Schönheit und Hoffnung. Frontperson Raven sprach hinterher sogar vom wohl besten DOOL-Auftritt aller Zeiten! Seitdem sie im Jahr 2015 in der alten niederländischen Hafenstadt Rotterdam aus der Asche von THE DEVIL'S BLOOD und ELLE BANDITA auferstanden sind, haben DOOL der europäischen Dark Rock Szene ihren einzigartigen Stempel aufgedrückt. Das Debütalbum "Here Now, There Then" erschien im Jahr 2017 und gewann sofort Auszeichnungen wie "Album des Monats" in den renommierten deutschen Magazinen Rock Hard und Metal Hammer, wo DOOL auch den Titel "Bestes Debütalbum 2017" holten - neben viel Lob aus aller Welt, unter anderem von VICE (US), Aardschok (NL) und De Volkskrant (NL). Mit ihrem zweiten Album "Summerland", das im April 2020 das Licht der Welt erblickte, bestätigten die Shootingstars um Raven van Dorst (Gesang, Gitarre) ihren Blitzstart und ernteten weiteren Jubel in den Medien. "Summerland" erhielt vielfache "Album des Monats"-Auszeichnungen unter anderem in den deutschen Magazinen Rock Hard (10/10) und Sonic Seducer sowie einen zweiten Platz im Soundcheck von Metal Hammer (DE), Metal.de und eine weitere Erstplatzierung im polnischen Metal Hammer. Bevor DOOL im Frühjahr 2024 ihr drittes Album enthüllen, schenken die niederländischen Dark Rocker ihrer treuen Fangemeinde dieses beeindruckende Live-Dokument: "Visions of Summerland (Live at Arminius Church Rotterdam)" wirft ein strahlendes musikalisches Licht in eine Welt voller Dunkelheit.

Einst lebte Helga Gabriel zurückgezogen in den Weiten des schwedischen Hinterlandes. Sie sang in Chören, aber in Wirklichkeit waren der See und die Wälder immer ihre Kirche. Ihre Stimme schwebte wie Vögel durch den Abendnebel und sang Psalmen inmitten von Birken und Kiefern.
Doch 2019 erwachte in Helga eine Berufung. Sie reiste 800 Meilen nach Norden, nach North Yorkshire, wo sie drei Jugendfreunde und einen frühreifen Multiinstrumentalisten traf. Der Rest ist Geschichte. HELGA war geboren.

HELGA schöpfen aus vielen verschiedenen Einflüssen: Schwedischer Folk, Progressive Metal, Post-Rock, Pop, Black Metal. Auf ihrem Debütalbum "Wrapped in Mist" vereinen sie ein gewaltiges Schlagzeugspiel, gespenstische Streicher und tuckernde Riffs zu einer Klage über Sterblichkeit und geistige Gesundheit.
Sie fangen gerade erst an. Aber schon jetzt hat sich diese junge Band als eine frische, starke Kraft erwiesen.

FFO: Opeth, Anna Von Hausswolff, Alcest, The Gathering, Silver Mt. Zion, Myrkur, King Crimson

Einst lebte Helga Gabriel zurückgezogen in den Weiten des schwedischen Hinterlandes. Sie sang in Chören, aber in Wirklichkeit waren der See und die Wälder immer ihre Kirche. Ihre Stimme schwebte wie Vögel durch den Abendnebel und sang Psalmen inmitten von Birken und Kiefern.
Doch 2019 erwachte in Helga eine Berufung. Sie reiste 800 Meilen nach Norden, nach North Yorkshire, wo sie drei Jugendfreunde und einen frühreifen Multiinstrumentalisten traf. Der Rest ist Geschichte. HELGA war geboren.

HELGA schöpfen aus vielen verschiedenen Einflüssen: Schwedischer Folk, Progressive Metal, Post-Rock, Pop, Black Metal. Auf ihrem Debütalbum "Wrapped in Mist" vereinen sie ein gewaltiges Schlagzeugspiel, gespenstische Streicher und tuckernde Riffs zu einer Klage über Sterblichkeit und geistige Gesundheit.
Sie fangen gerade erst an. Aber schon jetzt hat sich diese junge Band als eine frische, starke Kraft erwiesen.

FFO: Opeth, Anna Von Hausswolff, Alcest, The Gathering, Silver Mt. Zion, Myrkur, King Crimson

Exklusive Wiederveröffentlichung von 'The Somberlain', dem klassischen Debütalbum der schwedischen Melodic Black/Death Metal Band Dissection. Streng limitierte 'Gold Colored 2LP im Pop-Up Gatefold' ein absolutes Muss für Sammler!

- 2LP (Ltd. Gold Colored 2LP / Pop-Up Gatefold)

Dear gourmets of audio-aesthetic rapture, dear sound poets, please welcome - Pop Ambient 2024. Twenty-four. Twenty-four can be divided by two, four, six, eight, twelve and itself. If something can be divided by itself, it is not really divisible. Truthfulness knows no formulas. Beauty knows no formulas. Beauty saves the world for no reason whatsoever. “Beauty is a promise that beyond mediocrity there is something where calmness reigns. Beauty calms the nerves. Beauty is not a good intention but a fact. Beauty is provocation, rigor, responsibility. And beauty has its price”.

In addition to the official version of Pop Ambient 2024, there will be an art/music edition limited to 10 pieces, consisting of an exclusive mini bonus album (vinyl dubplate) from Blank Gloss, in combination with 10 individual fine art print artworks by Veronika Unland. The edition will be available via kompakt.fm/art exclusively on November 24th, 2023.

Ladies and Gentlemen please welcome, Pop Ambient 2024
Liebe Gourmets audio-ästhetischer Verzückung, liebe Klang-Poeten, please welcome - Pop Ambient 2024. Vierundzwanzig. Vierundzwanzig lässt sich durch zwei, vier, sechs, acht, zwölf und sich selbst teilen. Wenn sich etwas durch sich selbst teilen lässt, ist es nicht wirklich teilbar. Wahrhaftigkeit kennt keine Formeln. Schönheit kennt keine Formeln. Schönheit rettet die Welt ohne jeden Grund. „Schönheit ist ein Versprechen, dass es jenseits der Mittelmäßigkeit etwas gibt, wo Ruhe herrscht. Schönheit besänftigt die Nerven. Schönheit ist keine gute Absicht, aber eine Tatsache. Schönheit ist Provokation, Strenge, Verantwortung. Und Schönheit hat ihren Preis“.

Neben der offiziellen Ausgabe von Pop Ambient 2024, wird es eine auf 10 Stück limitierte Kunst/Musik Edition geben, bestehend aus einem exklusiven Bonus Mini-Album (Vinyl Dubplate) von Blank Gloss, in Kombination mit 10 individuellen Fine-Art-Print Artworks von Veronika Unland. Die Edition wird am 24.11.2023 exklusiv über kompakt.fm/art erhältlich sein.

Ladies and Gentlemen please welcome, Pop Ambient 2024

Following on from the psychoacoustic concrète of Outside Ludlow / Desert Disco LP (BT075), Sam Dunscombe returns to Black Truffle with Two Forests / Oceanic. Dunscombe has been active in recent years on multiple fronts, including as a key member of the Berlin community of Just Intonation researchers and practitioners; working with composers like Taku Sugimoto, Mary Jane Leach, and Anthony Pateras; and the release of Horatiu Radulescu - Plasmatic Music vol. 1 (the result of many years performance research into the thought and music of this seminal Romanian spectralist). In parallel with these activities, Dunscombe has been deeply involved in research on the role of music in psychedelic-assisted psychotherapy, prompting these two side long pieces, composed using field recordings and digital synthesis. As Dunscombe explains in the accompanying liner notes, music plays a key role in psychedelic-assisted therapy, yet it is often restricted to stock forms of New Age, ambient and electronica. Taking seriously the potential for spatio-environmental sonic experiences to add to the therapeutic process, these two pieces are intended to suggest how ‘a music-as-environment approach may help to add options to the therapist’s toolbox’. ‘Two Forests’ begins in a central Californian sequoia grove. Bird songs and buzzing insect life are treated with a variety of time-based processing methods (slicing and recombination, primitive granular synthesis, delay, and so on), which strip the field recordings of their linear, documentary character, reframing them in an enchanted web of traces and echoes. Analysing the pitches found in the original recordings, Dunscombe used them to generate a large Just Intonation pitch set. These tones are woven slowly into the field recordings, gradually building in density and complexity until the forest has been transformed into an unreal space of infinite proportions. Emerging from this cosmic expanse in the final minutes of the piece, we find ourselves in the Amazon rainforest outside Manaus, Brazil. As Dunscombe writes, the piece creates ‘a sense of place-gone-strange, of space and time simultaneously expanding and contracting across octaves, miles, and minutes’. On ‘Oceanic’, several recordings of different beaches fade in and out to create a texture both homogenous and constantly shifting in both the rhythm of the waves and each recording's sense of depth and distance. Tones relating in simple ratios to the average rhythm of each beach float over each other, colouring the white noise texture of the field recordings with shifting hues. In both pieces, Dunscombe forgoes the easy consonance that bogs down much contemporary ambient music for a richer harmonic array informed by extended tuning practices and spectralism. The end results suggest a hitherto undreamt-of meeting of Radulescu’s undulating sonic masses and the discreetly processed location recordings of Irv Teibel’s ‘psychologically ultimate’ Environments. Looking beyond the insularity that can afflict experimental music culture, Dunscombe’s work is a moving argument for the healing power of expanded approaches to sound and music. Even outside of a psychedelics-assisted therapy, frequent immersion in Two Forests / Oceanic is almost guaranteed to produce beneficial psychological results.

mule musiq welcomes british producer jimmy wallace, presenting his debut album “red, yellow, black” - a nine track strong record that partly leaves the dancefloor behind.

since childhood, music has been a strong influence on the 33-year-old artist. his mother, a music teacher, exposed him to classical sounds from an early age.

but it was hearing the electronic tones of the french touch movement, which really ignited his mu-sical journey. a year later he started to dj, acting out his love for four-to-the-floor grooves in local clubs. today you'll find him on the bill with artists like ruf dug, mr scruff, or bradley zero, heating up the dance floors.

as a producer he has already released a handful of stunning eps, including one for sweden’s finest house label studio barnhus, and one for london’s revered rhythm section international imprint.

both feature house tunes with an edge, house tunes with a love for the roots of the genre along-side more reflective, ambient moments. he also runs the label tartan records, where he publishes dancefloor focused white labels.

his music has been championed by titans of the scene such as palms trax, ryan elliott, dj tennis, gilles peterson, dixon, and hunee. axel boman even coined his debut ep as “one of the very best demo emails ever received at label studio barhnus hq”.

an advance praise, that wallace now acknowledges with an album full of deeply crafted music. some tracks lean towards the dancefloor, like the swung sounds of “bubbles”, the hypnotic mael-strom of “good morning”, or the epic, jazzy moments of “labyrinth”.

the theme of nature is evident throughout, with field recordings and environmental sounds he rec-orded on the road, being fused with his own musical ideas.

tracks like “waterfall” and “tokyo street”, draw influence on time spent in asia, whereas "dhq", "by the river", and "by the lake" are inspired by his childhood and hometown in the shropshire country-side. “i’ve been writing ambient and more nature focused material for a few years now without really having a plan for it.

finally, this year after writing the tune “labyrinth” i felt i had a body of work which was both diverse and cohesive enough to bring together on a record. so, the album represents moments of time i have spent in various outdoor spaces around the world, using sound to try and turn these experi-ences into musical format.” wallace discloses.

the result is a mesmerizing long player featuring an evocative, emotional story arc that avoids ste-reotypes and straight party orientated narration. “having written plenty of club music for the past few years, i wanted to show a different side to my sound.

something more intimate, private, experimental which can be listened to away from the party.” he reveals on the meditative, blissful “red, yellow, black” - an album, which has the power to transport listeners to places and spaces new – for inspiration, relaxation, and dancefloor moments off the beaten path

Almighty duo Hyperculte strikes back with a tremendous third album, La Pangée. More than a band, Hyperculte is a superband (!) reuniting two figures of the Geneva subculture scene: Vincent Bertholet (Orchestre Tout Puissant Marcel Duchamp) and Simone Aubert (Tout Bleu, Massicot). If you"re not familiar with the band expect some angry krautrock, high-energy post-punk and etheric voices.

LTD MARBLED YELLOW-OXBLOOD LP

16 Jahre nach dem letzten Studioalbum kommt das neue Album von LOIKAEMIE mit Namen "Menschen"! "Anschnallen! Unglaublich, aber wahr! Verdammte Axt!" Die Worte von Sachsens größtem Punkfestival hätten keinen Funken kleiner sein dürfen. Mit ihrem Überraschungs-Headliner verkündete das Back To Future 2019: LOIKAMIE ist wieder da! Innerhalb von fünf Jahren ging so gleich zweimal ein Ruck durch die europäische Oi!- und (Street-)Punk-Szene: Schwer die Emotionen beim Abschied 2014, umso größer die Euphorie beim Live-Comeback! Und noch größer angesichts 12 neuer Songs! Seit 2019 ist LOIKAEMIE wieder eine feste Größe, weit oben in den Lineups der Festivals und den Clubs, und das weit über Deutschland hinaus. Thomas, Eddie, Paul und Bruno konnten live nicht nur nahtlos anknüpfen, sondern eine Stufe emporsteigen, auf den Konzerten trifft sich Jung und Alt in seiner ganzen subkulturellen Vielfalt, LOIKAEMIE ist eine Band, auf die sich - im besten Sinne - alle einigen können. Auch die Kreativität ist wieder erwacht: 2022 erschienen mit "Lumpenmann" und "Tief im Herzen" die ersten neuen Songs seit 2007 (digital und als limitierte 7"-Single), dazu gesellen sich bisher "Was Soll Die Ganze Scheisse?" und "Lasst Uns rein", alles Vorboten des nun erscheinenden fünften Studioalbums "Menschen" und schon auf einer Menge Playlists zuhause. Kein Wunder, dass nach 16 Jahren die Erwartungen riesig sind, bei den Fans wie der Band selbst. Und ,Menschen" ist nicht weniger als ein Manifest dessen, wie Punkrock im Jahr 2023 klingen muss: Rotzig und melodisch, kompromisslos und reflektiert, politisch und gut gelaunt. Alle zwölf Ohrenfräsen atmen den unverkennbaren LOIKAEMIE-Spirit und doch ist ,Menschen" ein Riesenschritt nach vorn. Schon der überaus modern klingende Opener ,Wenn wir alle so wären" fegt alles weg, was derzeit belanglos auf Allgemeinplätzen durch den Punk pogt, vom anschließenden hymnischen Titeltrack bis zur abschließenden Selbsteinladung ,Lasst und rein" bleibt die Energie ganz oben, gleichzeitig ist das Album vielschichtig wie nie zuvor in der Bandgeschichte. Zu Streetpunk- und Rock'n'Roll-Brettern gesellt sich Reggea, Sprechgesang, Ballade und Melodien, die sich auch im Pop nicht verstecken müssten. Statt markiger Statements erzählen die Texte pointierte Geschichten, teilen durchdachte Gedanken zu aktuellen Miseren in der Welt, der Szene oder im eigenen Kopf. Aber es gibt auch keine Scheu vorm hymnischen Refrain, den fortan volle Konzertsäle gemeinsam intonieren können. Oi!, was sind das knallende Hits! Im Klappcover mit bedruckter Innenhülle, hier auf klassisch schwarzem Vinyl!

LTD MARBLED YELLOW-OXBLOOD LP

16 Jahre nach dem letzten Studioalbum kommt das neue Album von LOIKAEMIE mit Namen "Menschen"! "Anschnallen! Unglaublich, aber wahr! Verdammte Axt!" Die Worte von Sachsens größtem Punkfestival hätten keinen Funken kleiner sein dürfen. Mit ihrem Überraschungs-Headliner verkündete das Back To Future 2019: LOIKAMIE ist wieder da! Innerhalb von fünf Jahren ging so gleich zweimal ein Ruck durch die europäische Oi!- und (Street-)Punk-Szene: Schwer die Emotionen beim Abschied 2014, umso größer die Euphorie beim Live-Comeback! Und noch größer angesichts 12 neuer Songs! Seit 2019 ist LOIKAEMIE wieder eine feste Größe, weit oben in den Lineups der Festivals und den Clubs, und das weit über Deutschland hinaus. Thomas, Eddie, Paul und Bruno konnten live nicht nur nahtlos anknüpfen, sondern eine Stufe emporsteigen, auf den Konzerten trifft sich Jung und Alt in seiner ganzen subkulturellen Vielfalt, LOIKAEMIE ist eine Band, auf die sich - im besten Sinne - alle einigen können. Auch die Kreativität ist wieder erwacht: 2022 erschienen mit "Lumpenmann" und "Tief im Herzen" die ersten neuen Songs seit 2007 (digital und als limitierte 7"-Single), dazu gesellen sich bisher "Was Soll Die Ganze Scheisse?" und "Lasst Uns rein", alles Vorboten des nun erscheinenden fünften Studioalbums "Menschen" und schon auf einer Menge Playlists zuhause. Kein Wunder, dass nach 16 Jahren die Erwartungen riesig sind, bei den Fans wie der Band selbst. Und ,Menschen" ist nicht weniger als ein Manifest dessen, wie Punkrock im Jahr 2023 klingen muss: Rotzig und melodisch, kompromisslos und reflektiert, politisch und gut gelaunt. Alle zwölf Ohrenfräsen atmen den unverkennbaren LOIKAEMIE-Spirit und doch ist ,Menschen" ein Riesenschritt nach vorn. Schon der überaus modern klingende Opener ,Wenn wir alle so wären" fegt alles weg, was derzeit belanglos auf Allgemeinplätzen durch den Punk pogt, vom anschließenden hymnischen Titeltrack bis zur abschließenden Selbsteinladung ,Lasst und rein" bleibt die Energie ganz oben, gleichzeitig ist das Album vielschichtig wie nie zuvor in der Bandgeschichte. Zu Streetpunk- und Rock'n'Roll-Brettern gesellt sich Reggea, Sprechgesang, Ballade und Melodien, die sich auch im Pop nicht verstecken müssten. Statt markiger Statements erzählen die Texte pointierte Geschichten, teilen durchdachte Gedanken zu aktuellen Miseren in der Welt, der Szene oder im eigenen Kopf. Aber es gibt auch keine Scheu vorm hymnischen Refrain, den fortan volle Konzertsäle gemeinsam intonieren können. Oi!, was sind das knallende Hits! Im Klappcover mit bedruckter Innenhülle, hier auf klassisch schwarzem Vinyl!

Der Sound von Acid Jazz auf einer Platte - schwere, orgelnde Instrumentals von Hammond-Maestro James Taylor und seinem Quartett. Eine großartige Mischung aus Grooves im Stile von Booker T und Soundtrack-Elementen, die an Lalo Schifrin erinnern. Teil der Acid Jazz 35th Anniversary Serie, die die wichtigsten Veröffentlichungen des Labels hervorhebt. Das Debütalbum von The James Taylor Quartet, vorgemastert und auf klarem Vinyl gepresst.

Sowohl 2021 als auch 2022 schlossen die Veröffentlichungen von Dream Unending und Worm das Jahr bei 20 Buck Spin ab. Im Jahr 2023 erscheinen die beiden dem Untergang geweihten Titanen nun gemeinsam auf einer überragenden Veröffentlichung der kosmischen Dualität, "Starpath", um den Jahresend-Hattrick zu komplettieren.

Da beide Bands in den vergangenen zwei Jahren ein Hauptwerk nach dem anderen veröffentlicht haben, sind sie in der Fantasie der Fans untrennbar miteinander verbunden. Und obwohl sie musikalisch kaum weiter voneinander entfernt sein könnten, gibt es doch viele Gemeinsamkeiten in den Grundpfeilern. Und so beenden Dream Unending und Worm einmal mehr den 20 Buck Spin-Veröffentlichungsplan für das Jahr, dieses Mal zusammen.

Die neuesten Tracks von Dream Unending, "So Many Chances" und "If Not Now When", führen die Goth-/Post-Punk-Elemente, die in den früheren Veröffentlichungen vorhanden waren, logisch weiter und bauen auf ausgedehnte Gitarrenpassagen, nachdenklich-schweren Riffs und Justin DeTores donnerndem Gebrüll. Phil Swanson, der auf "Song of Salvation" als Gastsänger auftrat, kehrt hier wieder zurück. Diese beiden ausgedehnten Stücke stellen die bisher am besten ausgefeilte Inkarnation dessen dar, wohin Derrick Vella und Justin DeTore das Schiff steuern.

Worm, wie sie mittlerweile genannt werden, sind nach wie vor ein sich ständig wandelndes Gebilde aus purer, virtuoser Schwärze. "Ravensblood" bietet vampirischen Black Metal mit eisigen Keyboards und unheimlichen Friedhofsmelodien. Das schaurig-atmosphärische 'Midwinter Tears' beschwört eine schneebedeckte Gothic-Stimmung herauf, und das abschließende 'Sea of Sorrow' bringt das nekromantische Geschredder von Lead-Gitarrist Wroth Septentrion über Phantom Slaughter's eigenwilligem Black Doom und unsterblich spukenden Gruftbeschwörungen zum Ausdruck.

Zwei Bands, zwei einzigartige Ansätze, ein abgrundtiefes Lichtspektrum von strahlender, leidenschaftlicher Schöpfung bis hin zur abgrundtiefen Dunkelheit des Vergessens. Dream Unending und Worm präsentieren jeweils über 20 Minuten neuer Musik, die speziell für die gemeinsame Veröffentlichung von "Starpath" geschaffen wurde.

- Unglaubliche Split-Veröffentlichung zwischen zwei der größten neuen Namen im Underground-Metal.
- Jede Band bietet mehr als 20 Minuten neuer Musik, die speziell für diese Veröffentlichung geschaffen wurde.
- Die Vinyl-Edition enthält ein großes Poster
- Cover-Artwork von Mark Riddick, der für "Starpath" sein erstes Gemälde seit Jahrzehnten geschaffen hat
- FFO: Anathema, Evoken, Tiamat, Opeth, Trouble / (frühe) Katatonia, Abigor, Thorns of the Carrion, Christian Death, Limbonic Art, King Diamond, Death, Emperor, Obtained Enslavement

Sowohl 2021 als auch 2022 schlossen die Veröffentlichungen von Dream Unending und Worm das Jahr bei 20 Buck Spin ab. Im Jahr 2023 erscheinen die beiden dem Untergang geweihten Titanen nun gemeinsam auf einer überragenden Veröffentlichung der kosmischen Dualität, "Starpath", um den Jahresend-Hattrick zu komplettieren.

Da beide Bands in den vergangenen zwei Jahren ein Hauptwerk nach dem anderen veröffentlicht haben, sind sie in der Fantasie der Fans untrennbar miteinander verbunden. Und obwohl sie musikalisch kaum weiter voneinander entfernt sein könnten, gibt es doch viele Gemeinsamkeiten in den Grundpfeilern. Und so beenden Dream Unending und Worm einmal mehr den 20 Buck Spin-Veröffentlichungsplan für das Jahr, dieses Mal zusammen.

Die neuesten Tracks von Dream Unending, "So Many Chances" und "If Not Now When", führen die Goth-/Post-Punk-Elemente, die in den früheren Veröffentlichungen vorhanden waren, logisch weiter und bauen auf ausgedehnte Gitarrenpassagen, nachdenklich-schweren Riffs und Justin DeTores donnerndem Gebrüll. Phil Swanson, der auf "Song of Salvation" als Gastsänger auftrat, kehrt hier wieder zurück. Diese beiden ausgedehnten Stücke stellen die bisher am besten ausgefeilte Inkarnation dessen dar, wohin Derrick Vella und Justin DeTore das Schiff steuern.

Worm, wie sie mittlerweile genannt werden, sind nach wie vor ein sich ständig wandelndes Gebilde aus purer, virtuoser Schwärze. "Ravensblood" bietet vampirischen Black Metal mit eisigen Keyboards und unheimlichen Friedhofsmelodien. Das schaurig-atmosphärische 'Midwinter Tears' beschwört eine schneebedeckte Gothic-Stimmung herauf, und das abschließende 'Sea of Sorrow' bringt das nekromantische Geschredder von Lead-Gitarrist Wroth Septentrion über Phantom Slaughter's eigenwilligem Black Doom und unsterblich spukenden Gruftbeschwörungen zum Ausdruck.

Zwei Bands, zwei einzigartige Ansätze, ein abgrundtiefes Lichtspektrum von strahlender, leidenschaftlicher Schöpfung bis hin zur abgrundtiefen Dunkelheit des Vergessens. Dream Unending und Worm präsentieren jeweils über 20 Minuten neuer Musik, die speziell für die gemeinsame Veröffentlichung von "Starpath" geschaffen wurde.

- Unglaubliche Split-Veröffentlichung zwischen zwei der größten neuen Namen im Underground-Metal.
- Jede Band bietet mehr als 20 Minuten neuer Musik, die speziell für diese Veröffentlichung geschaffen wurde.
- Die Vinyl-Edition enthält ein großes Poster
- Cover-Artwork von Mark Riddick, der für "Starpath" sein erstes Gemälde seit Jahrzehnten geschaffen hat
- FFO: Anathema, Evoken, Tiamat, Opeth, Trouble / (frühe) Katatonia, Abigor, Thorns of the Carrion, Christian Death, Limbonic Art, King Diamond, Death, Emperor, Obtained Enslavement

Sowohl 2021 als auch 2022 schlossen die Veröffentlichungen von Dream Unending und Worm das Jahr bei 20 Buck Spin ab. Im Jahr 2023 erscheinen die beiden dem Untergang geweihten Titanen nun gemeinsam auf einer überragenden Veröffentlichung der kosmischen Dualität, "Starpath", um den Jahresend-Hattrick zu komplettieren.

Da beide Bands in den vergangenen zwei Jahren ein Hauptwerk nach dem anderen veröffentlicht haben, sind sie in der Fantasie der Fans untrennbar miteinander verbunden. Und obwohl sie musikalisch kaum weiter voneinander entfernt sein könnten, gibt es doch viele Gemeinsamkeiten in den Grundpfeilern. Und so beenden Dream Unending und Worm einmal mehr den 20 Buck Spin-Veröffentlichungsplan für das Jahr, dieses Mal zusammen.

Die neuesten Tracks von Dream Unending, "So Many Chances" und "If Not Now When", führen die Goth-/Post-Punk-Elemente, die in den früheren Veröffentlichungen vorhanden waren, logisch weiter und bauen auf ausgedehnte Gitarrenpassagen, nachdenklich-schweren Riffs und Justin DeTores donnerndem Gebrüll. Phil Swanson, der auf "Song of Salvation" als Gastsänger auftrat, kehrt hier wieder zurück. Diese beiden ausgedehnten Stücke stellen die bisher am besten ausgefeilte Inkarnation dessen dar, wohin Derrick Vella und Justin DeTore das Schiff steuern.

Worm, wie sie mittlerweile genannt werden, sind nach wie vor ein sich ständig wandelndes Gebilde aus purer, virtuoser Schwärze. "Ravensblood" bietet vampirischen Black Metal mit eisigen Keyboards und unheimlichen Friedhofsmelodien. Das schaurig-atmosphärische 'Midwinter Tears' beschwört eine schneebedeckte Gothic-Stimmung herauf, und das abschließende 'Sea of Sorrow' bringt das nekromantische Geschredder von Lead-Gitarrist Wroth Septentrion über Phantom Slaughter's eigenwilligem Black Doom und unsterblich spukenden Gruftbeschwörungen zum Ausdruck.

Zwei Bands, zwei einzigartige Ansätze, ein abgrundtiefes Lichtspektrum von strahlender, leidenschaftlicher Schöpfung bis hin zur abgrundtiefen Dunkelheit des Vergessens. Dream Unending und Worm präsentieren jeweils über 20 Minuten neuer Musik, die speziell für die gemeinsame Veröffentlichung von "Starpath" geschaffen wurde.

- Unglaubliche Split-Veröffentlichung zwischen zwei der größten neuen Namen im Underground-Metal.
- Jede Band bietet mehr als 20 Minuten neuer Musik, die speziell für diese Veröffentlichung geschaffen wurde.
- Die Vinyl-Edition enthält ein großes Poster
- Cover-Artwork von Mark Riddick, der für "Starpath" sein erstes Gemälde seit Jahrzehnten geschaffen hat
- FFO: Anathema, Evoken, Tiamat, Opeth, Trouble / (frühe) Katatonia, Abigor, Thorns of the Carrion, Christian Death, Limbonic Art, King Diamond, Death, Emperor, Obtained Enslavement

Die 14 explosiven und inspirierenden neuen Songs vereinen eine Vielzahl von zeitgemäßen Stilen, ohne ihre Wurzeln zu verleugnen.
Das Album überrascht mit einer Vielzahl von Tönen, Stimmungen, Dynamiken und Tempi, begleitet von ihrer nie versiegenden Energie und positiven Einstellung.
Die bikontinentale Besetzung von DOG EAT DOG und ihre einzigartige Herangehensweise an Sound und Performance haben die Band schon immer zu einem Live-Act gemacht, den man gesehen haben muss.
"Free Radicals" erinnert die Zuhörer daran, warum die Band von vielen als einer der Pioniere des Crossover-Genres angesehen wird.
Das Albumcover stammt von dem in Barcelona lebenden Künstler Marcos Cabrera.

On their debut EP, Sam De Nef and Camille Camille delve into some of their most personal and introspective songwriting yet. These songs showcase their individual talents but also highlight the powerful synergy that arises when two gifted artists and unique vocalists join forces to create something truly special.

Sam and Camille are two unique and talented artists hailing from Belgium who share a gift for writing compelling contemporary folk and singer-songwriter songs. They both released acclaimed debut albums in recent years and have been crossing paths on numerous occasions. Camille appeared in duets on Sam's debut EP and his first album, Sam featured in Camille's live band, each time expressing a profound musical chemistry.
This collab EP seemed the logical next step, uniting their talents to craft an EP embodying heartfelt, warm, and uncomplicated songs.

"In the collaborative journey of crafting the songs on Waving, our different creative approaches brought about a unique synergy. We feel the result transcends our individual styles. Each song resonates with our individual aspirations, which makes playing them very refreshing and challenging."

Stripped to their core, these compositions on their debut EP are defined by the gentle interplay of acoustic guitars and harmonious vocals. Only subtle percussion and the occasional cello add subtle layers to the sonic tapestry. The two recorded the six songs on their debut EP by themselves in the intimate atmosphere of Sam's home studio, opting for a DIY and back-to-basics approach. Their primary focus was on capturing spontaneity and the essence of live performance. Musical sparring partner PJ Decraene added the final touches and mixed the EP.

Experimental rock quintet from Los Angeles for fans of Unwound, Duster, Slint, and Lowercase. Mixed and engineered by Tim Green at Louder Studios (Unwound, Melvins, Jawbreaker). Live appearances with Flenser labelmates, Have a Nice Life, Chat Pile, Midwife, and tour dates planned throughout 2023. Since its formation in 2018 by like-minded Calarts students Alex Kent (guitar, vocals), April Gerloff (bass), and Sylvie Simmons (guitar), as well as the recent addition of Clint Dodson (percussionist), Los Angeles-based quartet Sprain has honed its signature flavor of experimentalism to a razor-fine point. Gradually moving from twisting conventions in its early works of minimalist slowcore to now transcending the confines of genre altogether, Sprain's evolution over the past several years has encouraged the band to embrace a sound true to its muse. With its latest record, The Lamb As Effigy or Three Hundred And Fifty XOXOXOS For A Spark Union With My Darling Divine, the band has translated this intent into an ambitious work that pairs its resplendent scale with uncompromising honesty towards the band's artistic and conceptual essences. The most extraordinary of art isn't created without its fair share of trials, of which Sprain faced numerous during the recording process of The Lamb As Effigy, with the sum and circumstances of them nearly sealing the album's fate in limbo. With obstacles including session reschedulings as a result of a line-up change and a major studio electrical failure at the last possible moment, a mixing process that demanded the organization of several years of material across four separate studios, and the recording of the actual songs pushing the members of Sprain to their own physical limits, there were several times where the band considered scrapping the whole thing altogether. But Sprain persevered, applying the knowledge and willpower derived from those struggles to get The Lamb As Effigy across the finish line. Clocking in at nearly two hours, The Lamb As Effigy resembles an aural parallel to the human experience itself, with all the glorious beauty, crushing brutality, and unexplainable chaos that comes with it intact. Explosions of earth-sundering guitars, angelic keys, swirling strings, and bursts of improvised electronic noise coalesce to weave a visceral yet unique sonic tapestry bearing hints of no-wave, sound collage, 20th-century avant-garde, and free jazz. Spanning bellowing howls, emphatic spoken word, and nuanced croons, Alex Kent's dynamic vocal delivery adds texture to these eight meditations on otherwise immaterial topics and the meaning or the lack thereof they embody.

FINALLY BACK IN PRINT in 2023! The third SYR release documents Sonic Youth's first collaboration with Jim O'Rourke. This sharp Esparanto-addled 'Muzikaj Perspektivoj'-series edition contains 3 new songs, and 50+ minutes of music. Invito al Cielo is an album by Sonic Youth. It was released on March 2, 1998, and was the third in a series of experimental releases issued on the band's own SYR label. SYR3 marked the beginning of the band's collaborations with producer and musician Jim O'Rourke; his continuing work with the group after SYR3 resulted in O'Rourke becoming an official member of Sonic Youth by 2002's Murray Street.

Ringo Starr achieved international fame as the drummer for THE BEATLES. Stop and Smell the Roses is a studio album originally released in 1981 which includes contributions from Paul McCartney, Ronnie Wood and Stephen Stills. This LP has deluxe packaging that will include an OBI side strip, Single album jacket, printed inner sleeve, original record labels and specialty color vinyl. This is a MUST for all fans/collectors of THE BEATLES.

Nicole Sabouné will release her fourth album "Kismet", a soundtrack that no one ordered or asked for but which fits perfectly with the listener's everyday, miserable or wonderful life. A both powerful and intimate song cycle that is tied together by a recurring melodic theme and whose sonic ideal was taken from the idea that it would be a soundtrack to a Sofia Coppola film. "I wanted it to feel grand but at the same time fragile, I like how Sofia Coppola often succeeds in conveying just that feeling," says Nicole. On the album, where there are also influences from both krautrock and Massive Attack, Nicole Sabouné has written some of the songs herself and others together with Billy Cervin. In addition, Nicklas Stenemo (Kite) and Björn Yttling (Peter Bjorn and John, Lykke Li) figure as songwriters on each song. Jon Bordon has been a co-producer - together with Nicole and Billy - as well as mixing. Nicole Sabouné released her critically acclaimed first full-length "Must Exist" in 2014. The follow-up "Miman" from 2015, inspired by Harry Martinsson's epic "Aniara", was named the best album of the year by Fredrik Strage. In 2021, the Jenny Wilson-produced third album "Attachment Theory" came, which prompted Nöjesguiden to write: "Nicole Sabouné seems to have simply found her way home."

Atack’s founder member and lead guitarist Keith Atack has a long pedigree in the rock music scene. He grew up during the sixties and was influenced from an early age by bands like The Beatles, Rolling Stones, Yardbirds and then on to Jimmy Page and Ritchie Blackmore. He has also toured with many pop acts like Bonnie Tyler, Rick Astley and many others. He has a rock / funk / soul style as well as a jazz and blues influence. He is joined by band members that also have strong roots in the rock scene such as Bob Richards on drums who has rubbed shoulders with members of bands like Iron Maiden, Survivor, Asia and Shy. Bassist Chris Childs is well respected and is the bass player with UK stalwarts “Thunder/ Lonerider/Tyketto”, he is an ideal addition to the line-up along with seasoned vocalist Lee Small (Shy/Phenomena/Lionheart and many more). Finishing off the quintet is Nick Foley whose keyboard prowess is ever present throughout the album. The sound of the Hammond for which he is known gives the whole album a feel of Deep Purple and Rainbow with a true classic British Rock sound. “Nine Lives” is an exciting addition to the escape music roster and available in limited edition vinyl and CD formats, something very much to look forward to.

Smile your way through two songs by The Teacher Haters — in fact, we challenge you to get through these tracks without smiling. Even the name of the band invokes a chuckle as it suggests what these guys are about — and that’s the P-A-R-T-Y. Straight out of the 60s comes a group that could have been played with Sam The Sham & The Pharaohs back in the day. These whimsical works are deceptively deep as they take us to a time when garage punk fused with R&B.

Big Pig Alley is uncomplicated, and that’s what makes it great — it sounds like a bunch of college guys having a good time, writing lyrics on the spot: “If you’re lookin’ for romance, take a train, take a plane...or a raft to France.” The guys have something other than romance on their minds as they chug along on acoustic guitar and trash can drums (and possibly other things). What really makes the track, though, is the witchy background voice — the performance is loose enough, while the witch is doing his own thing entirely.

The witch returns on side B in the up-tempo, dance-ready Cut Loose. No obscure artistry here — these guys tell you exactly what the song is for in the title. In fact, just in case you missed it, they state their thesis in the opening lines: “I wanna shake all night, I wanna do it right, I wanna dance, dance, dance with you…” All of their collegiate effort is put toward getting you to move your hips in this groovy, rockabilly-flavored mix.

Snap up the mid-century college party in a box that is PP006 — and hope your tables don’t get too scuffed up from people dancing on them. The fun that The Teacher Haters had in making these tracks is all here and available to you — whether you want to go on a nostalgic trip through a 60s coed party, or host your own shindig where dancing is mandatory. Get your hands on this disc before the regents show up.

Mount Maxwell returns with another full-length journey into memory, melody, and geography - this time roaming beyond the BC environs of his previous records into a stranger, less knowable country. While still woozily nostalgic in the vein of Only Children and The People’s Forest, this outing feels more exploratory and wide ranging in scope, with a denser mixture of influences at play. The somnambulistic drift of Sea of Milk sets the stage with a series of wavering synth pulses that push us languidly toward land, eventually setting us down on the sands of Maze Crete, where a shadowy latticework of hand drums, flutes and synths await. From there we ascend to the aptly named Sky Eye, a rolling mixture of acoustic beats and analog string machines that gives us our first bird’s eye view of the album’s landscape. A Long Road pushes the acoustic instrumentation further, with shimmering tambourine marking time for a collection of hand drums and shakers, while Ages summons up an occult-like dream of glacial arpeggios and whispering synths. Slow Moves and Tree Motion float effortlessly along on beds of lazy congas and woodblocks before finally giving way to the title track - a heady juggernaut of distorted synths and trundling rhythms that propels us through the album’s second half like a locomotive through darkening hills. Drawing the record to a close, the gently repeating keyboard phrase of Mist blooms unexpectedly into a rainbow of human voices before evaporating into the oceanic swells of Hi Traveller. And there Littlefolk leaves us as it found us; adrift in a rolling sea.

“Incident At a Free Festival” is a tribute to the mid-afternoon slots at Deeply Vale, Bickershaw, Krumlin, Weeley, and Plumpton – early 70s festivals that don’t get the column inches afforded the Isle of Wight or Glastonbury Fayre, but which would have been rites of passage for thousands of kids. Bands lower down the bill would have been charged with waking up the gentle hippies and appealing to both the greasy bikers and the girls in knee-high boots who wanted to wiggle their hips. And the best way to do that was with volume, riffs and percussion.

Compiled by the venerated Bob Stanley and Pete Wiggs of Saint Etienne, this is the heavier side of the early 70s they summarised on the acclaimed “English Weather” collection. There’s an air of menace and illicit thrills among tracks by Andwella, Stack Waddy and Leaf Hound (whose “Growers of Mushroom” album is worth well over £1,000). Bigger names include the rabble-rousing Edgar Broughton Band and kings of the festival freakout, Hawkwind. They are represented by their rare version of ‘Ejection’

For every mystical Tyrannosaurus Rex performance there was something like Atomic Rooster’s Tomorrow Night or Curved Air’s Back Street Luv to capture the spirit of the day and stir the loins of festival goers; the tracks on “Incident At a Free Festival” were inspired by both Chicago’s percussive wig-outs and the Pink Fairies’ anarchic spirit. The sounds were heavy and frequently funky, with a definite scent of danger. Their message was clear and simple: clap your hands, stamp your feet, hold on to your mind.

So, put on your wellies in your living room, drop the needle and enjoy...

The studio at 122 West Loveland Avenue was not an unfamiliar space for Steve Okonski, the leader of his eponymous trio Okonski. Ever since the Colemine label set up shop in Loveland, Ohio it has been a host to a number of groups passing through town, including Durand Jones and the Indications who all of this trio's members have connections to. After setting aside some time in winter of 2020, Okonski, trained initially as a classical pianist, invited Michael Isvara "Ish" Montgomery and Aaron Frazer to work on an album that was initially planned to be beat driven and fully composed trio instrumentals. After finishing this first session with some improvisations, a second week was booked in the summer of 2021 to try and capture some more of that spontaneous energy. During this session, the tracks were all improvised and recorded live to a Tascam 388 during several late nights at the Colemine HQ. They were structured to allow the group's collective intuition to fully shape the melodies and arcs of the music. The album opens with Runner Up, where a triumphant yet melancholic melody in the piano leads to a more reserved B-section driven by the drums and bass of Frazer and Montgomery. As you journey through the remainder of the album you are met with a plethora of evoked and explored emotions. The calmness one has walking down a moonlit street after midnight, the connection one has for a person who comes into their world for just a moment or a lifetime, and the nerves and catharsis one feels when starting upon a new, unknown journey. Magnolia closes with Sunday, a track that was recorded late into the night at the close of their first recording session. Without the spontaneity of Sunday, the remainder of Magnolia would likely have never come to fruition. Magnolia was composed from the heart and from the spirit of those in the studio those late nights in Loveland. It is the culmination of an emotional and artistic release that was not afforded or recognized before the band sat at their instruments, and because of that it is introspective, meditative, spiritual, and new.

Zweite Auflage des "Downer" Albums als Vinyl in neuen Farben Rot und Gelb! ten56. stehen kurz vor der Veröffentlichung ihres ersten Full-Length-Albums "Downer", das aus zwei Teilen besteht, die bereits als EPs veröffentlicht wurden. Ihre Musik ist die perfekte Porträtierung von brachialer Aggression, dystopischer Weltsicht und einem erdrückenden Gesamtsound mit Aaron Matts beeindruckenden Vocals.
Bouncy-Aspekte auf Tracks wie "Yenta" oder dem "Diazepam" (der bereits fast 3 Millionen Streams auf Spotify erreicht hat) sorgen unvermeidbar für Headbang Momentum. Einflüsse von Trap-Musik und andere Einflüsse kulminieren in einem hochmodernen Sound, der gleichzeitig die besten Trademarks des 2010er Deathcores einbaut. Ähnlich bedrückend wie Korns „Selftitled“ Album oder Slipknots „Iowa“ präsentieren ten56. ihren beängstigenden Sound in Tracks wie "Boy" oder "Traumadoll", während stampfende Grooves, knallende Riffs und aggressive Drums kombiniert mit Rap-Elementen "Saiko" zu einem weiteren Brecher werden lassen, der (im guten Sinne) fast schon unangenehm klingt.
Kurze Blast-Beat-Passagen sorgen für noch mehr Härte, als ob "Downer" nicht schon heavy genug wäre. Als Bonus gibt es mit "Choky" einen exklusiven Track auf dem Album, der mit Downtempo-Grooves einmal mehr ten56.s faszinierenden Nu-Metal-beeinflussten Deathcore-Sound aufblitzen lässt. ten56. verstehen sich als moderne Interpretation der frühen Emmure, kombiniert mit Nu-Metal der goldenen Ära, eingängigen Grooves und einer zerstörerischen Soundwand, wie man sie von Humanity's Last Breath kennt - das Ergebnis ist mit Sicherheit deine neue Lieblings-Deathcore-Band!

"Galt MacDermot (1928-2018) was an award-winning Canadian-American composer, pianist, writer of classical music and theatrical pieces. MacDermot also composed music for several film soundtracks (like the 1970 blaxploitation film `Cotton Comes To Harlem') and released several exceptional jazz and funk albums on his own label Kilmarnock Records. He is best known for his work on the Grammy winning 1967 musical Hair (which also produced several number-one singles like "Aquarius/Let The Sunshine In") and Two Gentlemen of Verona (1971) for which he won a Tony Award. In 2009 Galt MacDermot was inducted into the Songwriter's Hall of Fame and in 2010 he received the Lifetime Achievement Award. In 1979, MacDermot formed the New Pulse Jazz Band, which performed and recorded his original music. Galt MacDermot's music is extremely popular with collectors of jazz and funk. Working with jazz and soul musicians such as Bernard Purdie and Idris Muhammad, MacDermot created pieces that used African rhythms (he made the study of African music his speciality). In recent decades, his work has become popular with hip-hop musicians including Busta Rhymes, Ol' Dirty Bastard, Gang Starr, Action Bronson, Public Enemy, MF Doom, Madlib, J Dilla, Obie Trice, Naughty By Nature, Run DMC and Digable Planets_the list is endless. The album "Ghetto Suite" was written in 1970 and released in 1972 and is considered one of the most ground-breaking records ever issued on Galt MacDermot's Killmarnock label and consists out of a selection of songs and poems by Harlem/Bronx school children, set to Galt's music, and sung by vocalist Angela Ortega. Given That Galt's handling the music, you can bet that there's plenty of nicely executed funky touches - supported by rolling bass-work, snapping drums, and organ virtuosity. But the real charm of these groovy tunes comes from the lyrics, which have a simple and to the point way of dealing with issues of racism, poverty and other issues of the time. The story telling is surprisingly gripping even after all these years. The whole album creates an extremely personal direct sensitivity to the environment of Ghetto kids_telling us with defiantly honest intensity what it was like to be young and black, the drugs and the deaths, the topic of incarceration_or simply the fact of being battered by the frustration of Ghetto existence. Ghetto Suite is way more than an entertainment record, it has been used by teachers and counsellors to inspire and motivate the muted voices of the black inner cities_ documenting both their anguish and their triumphs. Tidal Waves Music now proudly presents the FIRST EVER vinyl reissue of this exceptional conceptual album (originally released in 1972 and a highly sought-after pricey collectable ever since) This unique record now comes as a deluxe 180g vinyl edition (strictly limited to 1000 copies) with obi strip and features the original artwork and extensive sleeve notes.

Hot off a string of records released on Coloring Lessons, Bliss Point, People Of Earth, and Off Track Recordings, Malik Hendricks returns to Darker Than Wax with Tessera - a fresh twelve of dancefloor cuts tinged with broken rhythms and funk-infused melodies.

First released in 1989, these songs represent but a small sampling of the fruits of a flowering in Brazilian creativity. The innovations in structure, lyrics and arrangements, combined with a very restrained but heartfelt intensity, are unique to Brazilian pop music... and in their own way, are as radical, seductive and beautiful as the best english language pop

'Elephantasia' is a glorious folk opus from 1972, long lost and attaining a legendary reputation for its candour and creativity, from the late Bangor-born singer/songwriter Dave Evans. Finally, the LP sees the light of day again via Earth Recordings, it is a true gem from the vaults of British folk history. For fans of Nick Drake, Bill Fay and Davy Graham - with a touch of Michael Chapman, Bert Jansch and Fahey for good measure. Dave Evans' story is like a Pinter play; he sailed the seas in the merchant navy, was taught guitar in a brief interlude by the "mythical" Morocco John, wound up sharing a room with Steve Tilston in 1963 when they attended Loughborough Art College and ran the local folk club, while learning to make stringed instruments, the art of wine making and ceramics. Over the next year, Dave got a domestic 2-track reel-to-reel tape recorder and experimented with its two speeds to produce the tracks 'Elephantasia' and 'Lady Portia'. He pulled in members of local prog band Squidd, including latter day Hawkwind member Steve Swindells on keyboards, John Merritt on bass and Rodney Matthews on drums, who also designed the 'Elephantasia' album cover, and went on to become a renowned fantasy artist. 'Elephantasia' the album was originally released in 1972, fully exposing Dave's finger picking style, lilting vocal and his dalliance with the tape manipulation. It sold around 2000 copies and over the years became a talked about rarity, deemed too progressive for folk, too folk for the new prog heads. In best plot-thickening style, Dave tried two more releases and then disappeared. The scant sleeve notes recounted the songs' creation, featuring tales of experimentation in sound inspired by elephants, old memories recounted with all of the unpleasant bits edited out, storylines for escapists, the residents of St Agnes Park, broken beauty queens and a fat feline. It's an eclectic but beautifully fluent narrative from a finger picking maestro with a warm and engaging vocal style that wowed Peel and Whispering Bob back in the day. Dave Evans sadly died in April 2021. Earth Recordings is proud to reissue 'Elephantasia' for the first time in over 50 years, in collaboration with his estate and original Village Thing producer Ian A. Anderson. "Cult status guaranteed." Uncut. Classic Black Vinyl, DL card. CD Digisleeve.

Street/OI-Punkrocker LOIKAEMIE kehren auf die Bühnen und in die Ohren unserer Zeit zurück! Und sie haben immer noch und auch wieder was zu sagen! Nachdem die Band 2014 ihr 20-jähriges Bestehen feierte, legte sie eine Pause ein, kehrte aber bereits 2019 erstmals live zurück und ist mit den diesjährigen Gigs enorm erfolgreich und gefeiert. Nun mit der brandneuen Single "Lumpenmann" am Start, welches der erste neue Song seit 2007 ist, aber nicht der letzte sein wird. Versprochen! Denn ab dem 16.09.2022 gibt's den Song als Single Digital und zugleich geht diese Doppel-A-Seite-7"-Vinyl-Single mit dem weiteren neuen Stück "Tief Im Herzen" (ebenfalls Single Digital am 04.11.2022) in den Vorverkauf! Und danach geht's in 2023 mit noch mehr neuen Stücken und in der zweiten Jahreshälfte mit Album Nummer 5 weiter... Der LUMPENMANN ist Feuerwehr und Müllabfuhr zugleich. Man braucht ihn vielleicht, aber man mag ihn nicht in der Nähe haben, und wenn er kommt, soll er baldmöglichst wieder verschwinden. In dem Song steht der Lumpensammler für all jene Mitmenschen, die ihre Meinung nicht sagen können oder wollen, wo es zweifelsohne angebracht und notwendig wäre. Wenn alles schief gelaufen ist, alles gegen die Wand gefahren ist, dann kommt der Lumpenmann und muss mit brachialer Gewalt Erfolg erzwingen und die Geschichte wieder in Ordnung bringen. Der Song spiegelt zum Teil persönliche Erfahrungen der Band wider und soll die Notwendigkeit ausdrücken, sich selbst treu zu bleiben, um nicht zu einem reinem Lumpen zu werden. Denn wenn man das nicht tut, wird der Weg durchs Leben Aufgenommen und produziert von KURT EBELHÄUSER mit MICHEL WERN in den OFF THE ROAD STUDIOS /Leipzig , September 2021.- Abgemischt von KURT EBELHÄUSER im TONSTUDIO 45/Koblenz- Gemastert von ANDY "DOG YOUNG" JUNG im KENNER MASTERING STUDIO Berlin. Produzent Kurt Ebelhäuser ist Gitarrist/Sänger von SCUMBUCKET und BLACKMAIL sowie Produzent von u.a. DONOTS, PASCOW, KMPFSPRT, ACHT EIMER HÜHNERHERZER und ADAM ANGST. Schwarze Doppel-A-Seiten-Single mit zweiseitigem Poster und Beilage (limitiert auf 700 Stück weltweit)!

Much has changed since Trio Grande"s first release in 2020, not least for the band itself: prodigious multi-instrumentalist Nate Wood now joins the indefatigably creative partnership forged in New York City by Gilad Hekselman and Will Vinson. The foundational triumvirate of drums, guitar and alto saxophone remains and even though each member is rated among the most individual and influential practitioners of their own instrument, the unmistakable enduring character of Trio Grande incorporates them all into its own unique identity, continuing to grow and develop at its own pace, to create new possibilities of form and texture, composition and improvisation.

Singing with an enigmatic allure, CHILLEMI’s style paints with broad strokes of cinematic themes. The solo project of Brian Chillemi (Rose Cologne, Junk Boys), his debut album With Woman was released in April 2021 on Swiss indie label Taxi Gauche Records. After moving to Los Angeles from his native home of New York City just months before the pandemic, CHILLEMI returned to Manhattan to put the finishing touches on this LP.

Released in 1969, Bull Of The Woods is the 3rd and final studio album from the 13th Floor Elevators. They are the
first band to call their music psychedelic and are known for their innovative use of the electric pitcher. The original
vinyl has long been sold out and unavailable.