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ANICHY & LYEMN - ANICHY & LYEMN

ANICHY & LYEMN

ANICHY & LYEMN

12inchANICHY&LYEMN
FABRIQUE D’INSTRUMENTS
28.02.2026out soon
 
2

Shrouded in myth and working quietly at the edges of modern composition, the enigmatic Anichy & Lyemn announces the release of their newest recording on the esteemed Swiss imprint Fabrique d'Instruments—a new label championing radical, visionary sound.
This deeply affecting work unfurls as a meditation on impermanence, memory, and the slow unravelling of time. Across its extended movements, they create a sound world that is at once symphonic in scale and intimate in breath, echoing the aching resonance of William Basinski’s The Disintegration Loops, the spectral drift of The Caretaker, and the luminous stillness of Gavin Bryars.

Strings sigh, distant sounds dissolve, and tape-worn melodies return like half-remembered dreams. It is music that feels remembered more than heard—a fragile architecture built from erosion, decay, and the stubborn persistence of beauty.
Adding to its mystique, the record features previously unheard collaborations with a legendary British minimalist composer, whose identity remains deliberately withheld. These rare sessions—long thought lost to time—reveal the artist exploring harmonic minimalism with a disarming tenderness, the composer’s unmistakable signature woven delicately through Anichy & Lyemn’s drifting orchestral shadows.

At a moment when the world feels increasingly unmoored, this record arrives as a quiet monument to what slips away, and what remains.
Artist is available for very limited interviews.

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Rick James - Street Songs LP 2x12"
  • A1: Give It To Me Baby
  • A2: Ghetto Life
  • B1: Make Love To Me
  • B2: Mr. Policeman
  • C1: Super Freak
  • C2: Fire And Desire
  • D1: Call Me Up
  • D2: Below The Funk (Pass The J)

Rick James Blends Brazen Attitude, Fearless Sexuality, and Shrewd Charisma on Street Songs:

Punk-Funk Album Aims for the Hips and Head, Includes the Timeless Hit “Super Freak”
Sourced from the Original Master Tapes and Strictly Limited to 4,000 Numbered Copies:

Mobile Fidelity’s 180g 45RPM 2LP Set Presents 1981 Smash in Audiophile Sound for the First Time
1/4” / 30 IPS analogue master to DSD 256 to analogue console to lathe


“Punk funk” was a relatively unknown concept before 1981. But once Street Songs took the charts by storm that year, the world soon knew about what became Rick James’ signature style. And how. True to its name, Street Songs blends outspoken sexuality, brazen attitude, and edgy commentary amid contagious R&B-fueled arrangements that simultaneously aim for the hips, head, and various nether regions. And it’s never sounded better.

Sourced from the original master tapes, strictly limited to 4,000 numbered copies, pressed at Fidelity Record Pressing, and housed in a Stoughton gatefold jacket, Mobile Fidelity’s 180g 45RPM 2LP set presents James’ platinum-certified effort in audiophile quality for the first time. Playing with crisp dynamics, lively textures, airy headroom, and revealing clarity, this collectible edition of the record that stayed at the No. 1 spot on the R&B Album Charts for 20 weeks invites you to get closer to music that beckons you to turn your space into a private dance floor.

Then again, you’ll likely be so taken by how the taut bass lines, snappy rhythms, and four-on-the-floor beats — all rendered in stunning detail and with full-bodied architecture — come across with such accuracy and presence, you might stay pinned to your seat. On this pressing, the soundstaging, imaging, and lit-fuse energy of Street Songs reach new heights. Everything from the rubbery feel of the guitar lines to the depth of James’ temperature-raising vocals to the scale of the horn charts emerges as if James and his ace session crew set up in your room.

The Buffalo native and his ensemble waste no time getting their message across. On the album-opening “Give It to Me Baby,” James and company lay down a mix of sleek funk and pulsing disco that practically activates the bright lights of a discotheque and stimulates the libido of anyone within earshot. Having reached No. 1 on the Billboard Hot Soul charts, the song is pure sex — and just one of the carnal delights on a record that embraces the subject as fearlessly as James does his identity.

Of course, the most famous of James’ erotic excursions — the timeless “Super Freak” — hit No. 1 on Hot Dance Club Play charts, No. 16 on the Hot 100, and, later, No. 153 on Rolling Stone’s list of the Top 500 Songs of All Time. Bolstered by a quavering keyboard theme and electro riffs, the much-sampled track worms itself inside your muscles with smile-inducing subject matter, gliding vocals, nimble movements, a hot tenor-saxophone solo, and backing vocals by the Temptations.

The iconic Motown group isn’t the only celebrated guest artist on the Grammy-nominated Street Songs. James’ then-labelmate, Stevie Wonder, lends harmonica to the frank sociopolitical narrative on “Mr. Policeman,” a protest tune that also manages to stroll ’n’ strut via simmering organ, staggering brass accents, and James’ gritty vocal performance. In addition to contributing backing vocals on several cuts, Teena Marie turns in one of the album’s signature moments on “Fire and Desire,” a romantic old-school duet with James that impresses with smoothness, sensitivity, and smokiness.

High-profile colleagues aside, James remains the undisputed star, a figure whose leather-and-latex attire, braided hair, and natural swagger made him misunderstood by some in the mainstream and embraced by everyone in the know as a true original. As a testament to his magnetism and skills, his charisma and rawness seemingly seep through every note, whether on the balladic sweep of the risqué “Make Love to Me” or strident, poke-and-prod persuasion of the moonwalking “Call Me Up.”

On the closing “Below the Funk (Pass the J),” an uptempo autobiographical tale that addresses the visionary musician’s second-favorite love, the singer acknowledges his upbringing and inseparable connection with his roots — an homage to where he began and a toast to where he’s gone.

Rick James, keepin’ it real on Street Songs, still as real as it gets.

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Last In: 58 days ago
Panic! At The Disco - A Fever You Can't Sweat Out LP 2x12"
  • LP 1: A Fever You Can’t Sweat Out (20Th Anniversary Remaster) A1. Introduction
  • A2: The Only Difference Between Martyrdom And Suicide Is Press Coverage
  • A3: London Beckoned Songs About Money Written By Machines
  • A4: Nails For Breakfast, Tacks For Snacks
  • A5: Camisado
  • A6: Time To Dance
  • A7: Lying Is The Most Fun A Girl Can Have Without Taking Her Clothes Off
  • A8: Intermission
  • B1: But It’s Better If You Do
  • B2: I Write Sins Not Tragedies
  • B3: I Constantly Thank God For Esteban
  • B4: There’s A Good Reason These Tables Are Numbered Honey, You Just Haven’t Thought Of It Yet
  • B5: Build God, Then We’ll Talk
  • LP 2: A Fever You Can’t Sweat Out (Demos) C1. The Only Difference Between Martyrdom And Suicide Is Press Coverage (Demo)
  • C2: London Beckoned Songs About Money Written By Machines (Demo)
  • C3: Nails For Breakfast, Tacks For Snacks (Demo)
  • C4: Camisado (Demo)
  • C5: Time To Dance (Demo)
  • D1: Lying Is The Most Fun A Girl Can Have Without Taking Her Clothes Off (Demo)
  • D2: But It’s Better If You Do (Demo)
  • D3: I Write Sins Not Tragedies (Demo)
  • D4: I Constantly Thank God For Esteban (Demo)
  • D5: There’s A Good Reason These Tables Are Numbered Honey, You Just Haven’t Thought Of It Yet (Demo)
  • D6: Build God, Then We’ll Talk (Demo)

Die Standard-Doppel-LP-Version enthält das Remaster zum 20-jährigen Jubiläum und die A Fever You Can't Sweat Out (Demos).
Nach ihrem aufsehenerregenden Auftritt beim When We Were Young Festival in Las Vegas feiern Panic! At The Disco weiterhin die zwei Jahrzehnte seit der Veröffentlichung ihres bahnbrechenden, mit Mehrfach-Platin ausgezeichneten Debütalbums mit der Ankündigung der A Fever You Can't Sweat Out (20th Anniversary Deluxe) Edition.


Das wegweisende Album, hervorgehoben durch den neu mit Diamant-Status ausgezeichneten Hit „I Write Sins Not Tragedies“, katapultierte die Band aus Las Vegas zum Rock-Star-Ruhm und etablierte sie als eine der prägendsten Acts ihrer Generation.


Entdeckt von Pete Wentz von Fall Out Boy, als die Bandmitglieder noch Teenager waren, explodierten Panic! At The Disco mit der Veröffentlichung von A Fever You Can't Sweat Out im Herbst 2005 in die Musiklandschaft. Das Album erreichte die oberen Ränge der Billboard 200 und feierte Mehrfach-Platin-Erfolge.


Die Breakout-Single der Veröffentlichung, „I Write Sins Not Tragedies“, wurde zu einem der bekanntesten Songs dieser Ära, erreichte die Top 10 der Billboard Hot 100 und wurde ein Radiohit in verschiedenen Formaten. Die ikonische Hymne findet weiterhin großen Anklang bei Musikfans und erhielt kürzlich eine RIAA Diamant-Zertifizierung für über 10 Millionen Streams/Verkäufe.


Angetrieben von Hymnen wie „Build God, Then We’ll Talk“, „The Only Difference Between Martyrdom And Suicide Is Press Coverage“ und „Lying Is The Most Fun A Girl Can Have Without Taking Her Clothes Off“, hat das Album bis heute Verkäufe von über 5 Millionen Alben und fast 4 Milliarden globale Streams generiert.

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dovrebbe essere pubblicato su 27.02.2026

VARIOUS - Trash Attack

Various

Trash Attack

4x12inchGCRBOX045
GCR Zyx
27.02.2026
  • Scarecrow- Condemned To Be Doomed (Part 1)
  • Scarecrow - In The Beginning
  • Scarecrow - I Owe You
  • Scarecrow - Nuclear Radiation
  • Scarecrow - Condemned To Be Doomed (Part 1)
  • Scarecrow - In The Beginning
  • Scarecrow - I Owe You
  • Scarecrow - Nuclear Radiation
  • Raging Violence - Born In The Streets
  • Raging Violence - Demons Evil Forces
  • Raging Violence - Call Of The Gods
  • Raging Violence - Fear The War Within
  • Possuido Pelo Cao - A Marcha Do Cao (The March Of The D.o.g.)
  • Possuido Pelo Cao - Ugly On The Inside Too
  • Possuido Pelo Cao - Air Mail Surgery
  • Possuido Pelo Cao - Catholic Beast
  • Excess - Grinding Raid
  • Excess - Evil Child
  • Excess - Homicide
  • Excess - Death Creation
  • Excess - Baby Blood

Nach dem Hoch Ende der Achtziger wurde es still um das Genre THRASH METAL, welches einst von Bands wie Metallica, Exodus oder Legacy (Testament) in den USA, dann auch von Sodom, Kreator oder Destruction
in Deutschland gestartet wurde. Erst in den Zweitausendern zeigten sich wieder Bands, die sich diesem Stil, der grob ausgedrückt zwischen Speed Metal und Death Metal liegt, wieder annahmen. Heute dürfte Thrash aufgrund vieler noch aktiver Acts aus den Achtzigern und jungem Nachwuchs so groß sein wie nie zuvor.

Diese Vinylbox enthält vier Alben, die zwar unterschiedlich sind, aber alle zum Genre gehören. Allen voran RAGING VIOLENCE aus den USA. Dabei handelt es sich um die Originalbesetzung von HIRAX, allerdings mit Sänger
Rob Perkins. Neue Songs und Neueinspielungen (unter Anderem der rare Demotrack „Born In The Streets“) konnten Fans und Kritiker begeistern. EXCESS aus Deutschland war eine Death-Thrash-Band, die es nie zu einem Alben gebracht hat. Nach drei Demos schwärmte man aber auch in erfolgreiche Richtungen aus: Crematory, Mystic Circle und Blood. Für

EXCESS war keine Zeit mehr… Die Demoaufnahmen wurden restauriert und remastert und erschienen bei Golden Core/ZYX erstmals als LP und CD. Auf dem Tape „Crucifixion“ hört man Drummer Neudi (Manilla Road,
Trance, Savage Grace, etc.).

SCARECROW haben mit „Condemned To Be Doomed“ 1988 eine heute rare Eigenpressung veröffentlicht, die zu den wohl ungewöhnlichsten deutschen Thrash Alben gehört. Hier trifft Punkattitüde auf progressive Elemente,
während die Basis lupenreiner Thrash ist. Kein anderes Album klingt wie dieses außergewöhnliche Werk der deutschen Band. Aus Brasilien kommen oder kamen (mal sind sie aktiv, dann wieder nicht…) POSSUIDO PELO
CAO, die von D.R.I. und Suicidal Tendencies beeinflussten CrossoverThrash bieten. Bei den schnellen, kurzen Tracks bleibt kein Auge trocken…
und kein Genick verschont. Das deftige Werk von 2008 erschien damals nur als CD

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Vona Vella - Carnival LP

Vona Vella

Carnival LP

12inchSOLP024R
Strap Originals
27.02.2026
  • 1: Carnival
  • 2: Bass Driver
  • 3: You Can Be So Ugly
  • 4: Come By
  • 5: Over And Over
  • 6: I Wanna Tap Into Your Heaven Again
  • 7: Exit Plan
  • 8: Settle Down
  • 9: Brand New Boy
  • 10: Selfish Dogs
  • 11: Falling In A Sleeping Wind
  • 12: Bear Trap
  • 13: Bottled

The dreamy harmonising of Everything But The Girl. The propulsive urgency of The Strokes. The lilting folk-pop of The Coral. The introspective songcraft of Belle and Sebastian. The bittersweet, lyrical side-eyes of The Beautiful South. Vona Vella have all these elements and so many more, all weaving together to form a contemporary sound both gossamer delicate and fiercely robust. Since their eponymous debut album in 2023 (released on Strap Originals, Pete Doherty’s label), the seed of their signature sound – wistful indie-pop harmonies, exquisitely blended male/female vocals – has not so much grown as erupted through the dream-pop meadow into a towering, flowering beanstalk.

Today, with their second album Carnival, the former indie-pop duo have spectacularly evolved into a dynamic five-piece band, with key musical contributions from the musicians they’ve so successfully toured with over the last two years, drummer Jake Bott (who they’ve known since they were 17), bassist Claud J Melton (who they found on TikTok through a search for a female bassist), and guitarist Dexter Howell (a friend of a friend). As a five-piece, their innate pop sensibilities are now newly bolstered by a confident, thrilling propulsion, izzy and Dan, still the main songwriters and vocalists, are thrilled with the sound, where the possibilities are endless. Vona Vella may be names after two flowers, but there’s nothing twee happening here.

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Delta - Slippin’ Out (2x12")

Delta

Slippin’ Out (2x12")

2x12inchPLEXUS002P
Circuitry
27.02.2026

“From Birmingham and centred around the extraordinary songwriting talent of James and Patrick Roberts – initially as The Sea Urchins and since 1993 as Delta – they’ve only just got round to releasing their debut album, Slippin’ Out. It is a work of some beauty”. 9/10 NME ALBUM OF THE MONTH, 2000

“It’s classicist for sure, shot through with the influence of The Beatles, Byrds and Buffalo Springfield. In James’ downright beautiful closing ballad ‘I Want You’ one can also discern the school of ambitious English balladry that peaked in about 1968: The Casuals, Love Affair, Barry Ryan. The impression of accomplished old-schoolery is only furthered by the dizzying string arrangements penned by Louis Clark Jnr, son and namesake of the one-time orchestral chief of Electric Light Orchestra” – Mojo lead review, 2000


Having ended the 90s with the spirited ‘Laughing Mostly’ compilation of singles and demos (Guardian Album Of The Week) Delta finally released their debut studio album of twelve songs in the summer of 2000 on the Dishy Recordings label. Accepting that this might be their sole studio album the band threw everything at these recordings allowing it to exist in its own sphere, unbothered by their contemporary generation and disregarding the idea of even releasing a single.

Recorded at DEP International there was a notable difference to the scruffier, looser charm of their 1990s recordings, a tighter focus developed by having the experienced Lenny Franchi mixing the LP with them. Lenny had been working with a number of Island artists including My Bloody Valentine and Tricky so knew his way around a desk. There was also the question of budget (a few months passed between recording and mixing whilst funds were raised) so every day counted. Ultimately though you can hear the joy in the recordings, even amongst the melancholy and angst. As James recently recalled in an interview in Shindig! Magazine: “It was such a big deal for us. It’s one of my fondest memories doing that record. Everyone was happy. If there’s anything that I’d stand by, I think it would be that”

Louis Clark Jr joined the band towards the end of the ‘90s and brought a classically-trained element to the recordings particularly with his string arrangements. For ‘Cuckoo’, ‘I Want You’ and the prophetic ‘We Come Back’ Louis brought in eight players from the Birmingham Conservatoire; the baroque style is partly why the record often receives comparisons to Love’s ‘Forever Changes’.

On release ‘Slippin’ Out’ was a big favourite with writers at the NME, Mojo and The Guardian again and before long the band were signed to Mercury/Universal for their second studio album ‘Hard Light’, a far more expensive and expansive love affair. It was a temporary palatial home where things quietly fell apart again, but that’s another chapter.

“If long-term memory is nothing more than selective editing and only pop’s most weighty visceral works are built to last then it’s quite possible that in 50 years the Britpop era will be best recollected for the two bands it ostracised. Earlier this year we met Shack and thought their story of mercurial brilliance indicated the biggest music biz oversight of the 90s. We were wrong because we hadn’t met Delta yet. This is richer and more engrossing than anything by Shack” 

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GANGLOFF / SCHENKER / SHEPPARD - UNIVERSAL LIGHT LP

GANGLOFF / SCHENKER / SHEPPARD

UNIVERSAL LIGHT LP

12inchVHF168LP
VHF
27.02.2026

Debut by a new string trio of Pelt and Elkhorn veterans with the wild card contributions of Kaily Schenker, creating a new variant of supremely pleasing acoustic-psychedelic-drone-Americana etc. “Lullaby>Summer Field” is an aptly named gentle rise, with Sheppard’s fingerpicked 12 string snaking through waves of elongated fiddle and cello. “Triode>Freedom” follows a darker minor-key ostinato with Gangloff’s keening melody over the top. “Freedom>Universal Blues” starts as a dirge and builds to a transition into the traditional “The Squirrel is a Pretty Thing,” with Kaily Schenker’s droning harmonium and vocal delivering a riveting, epic version of what’s usually cast as a short “kids”/folk-tale song (e.g. Peggy Seeger’s version). Originally this album was released by the band in an instantly sold-out edition of 100 for sale at their shows. This updated version includes a new insert by Kaily, a new cut by John Golden and a thick pressing from Smashed in Chicago.

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NATION OF LANGUAGE - DANCE CALLED MEMORY

Synthpop, minimal wave, post-punk, goth, new romantic - fans and critics alike have dug deeply into their vintage thesauruses to describe the beguiling work of Nation of Language. And if you can't precisely define the band, that's the point. Frontman Ian Richard Devaney has become prodigious in expanding what synthesizer-driven music can evoke, such that his output is as much an extrasensory journey as it is an all-too-human destination. With that experience in mind, he wrote the band's fourth album - the spectral, spacious Dance Called Memory - in the most humble of ways: chipping away at melancholia by sitting around and strumming his guitar. Nation of Language's first two albums, Introduction, Presence (2020), and A Way Forward (2021), came as pandemic godsends: gorgeous, relatable soundtracks to our collective doldrums. But it was their last LP, Strange Disciple (2023), that catapulted the group from cultural standouts to critical darlings, with the album being named Rough Trade's Album of the Year. With that release, Pitchfork wrote that the band "are learning what it means to get bigger and better." This is Devaney's calling: soulfully translating individual despair into a comforting, collective mourning. The single "Now That You're Gone," which radiates and reverberates with a devastating wistfulness, was inspired by witnessing his godfather's tragic death from ALS, and his parents' role as caretakers for this ailing friend. At its heart, the song is a reflection of how friends can be there for each other, and also highlights a theme throughout the record: the pain and lost promise of friendships that fall apart. On Dance Called Memory, the band once again collaborated with friend and Strange Disciple producer Nick Millhiser (LCD Soundsystem, Holy Ghost!). "What's so great about Nick is his ability to make us feel like we don't need to do what might be expected of us," says synth player Aidan Noell, who, along with bassist Alex MacKay, rounds out the Nation of Language lineup. They imbued Dance Called Memory with a shifted palette - sampling chopped-up drum breaks on "I'm Not Ready for the Change" for a touch of Loveless-era My Bloody Valentine or smashing all of the percussion of "In Another Life" through a synthesizer to cast a shade of early-2000s electronic music. Ultimately, the hope was to weave raw vulnerability and humanity into a synth-heavy album. "There is a dichotomy between the Kraftwerk school of thought and the Brian Eno school of thought, each of which I've been drawn to at different points. I've read about how Kraftwerk wanted to remove all the humanity from their music, but Eno often spoke about wanting to make synthesized music that felt distinctly human," Devaney says. "As much as Kraftwerk is a sonically foundational influence, with this record I leaned much more towards the Eno school of thought. In this era quickly being defined by the rise of AI supplanting human creators I'm focusing more on the human condition, and I need the underlying music to support that_ Instead of hopelessness, I want to leave the listener with a feeling of us really seeing one another, that our individual struggles can actually unite us in empathy."

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Last In: 56 days ago
Lil Ed & The Blues Imperials - Slideways LP

"Rough and ready blues played with unmitigated intensity…scorching and soulful, joyous and stomping.
—Living Blues

Electrifying and raucous…one of the few authentic links to pure Chicago blues.
—Chicago Tribune

Lil’ Ed & The Blues Imperials are the reigning champions of raucous, slide-stoked Chicago blues. They’ve achieved legendary status with over 40 years of critically acclaimed recordings and raucous foot-stomping gigs on club, theatre and festival stages all over the world. Slideways is a tour-de-force of old-school Chicago blues played with contemporary urgency.

Shows in support begin on street date in Chicago, followed by Milwaukee, Minneapolis, Columbus, Cleveland, Dayton, New York and Syracuse amongst others. Touring will continue throughout Spring and Summer.

Press, radio and social media focus on album and tour dates, pitching stories and reviews to over 1000 print and internet media contacts around the world. Over 1400 radio programmers worldwide will be serviced and solicited for blues specialty show and selected Triple A and Americana rotation airplay. The album is certain to be welcomed with open arms by the blues media.

Slideways is bursting with Lil’ Ed’s rollicking slide-work and rough-hewn vocals on a joyous blend of smoking slide guitar boogies, raw-boned shuffles, and heart-stopping slow blues. As always, The Blues Imperials supply rock-solid, road-tested and gloriously riotous backing."

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Naoki Zushi - Paradise Lp

Naoki Zushi

Paradise Lp

12inchWOE020LP
World Of Echo
27.02.2026
  • こびと
  • ハレルヤ:左?
  • 孤独のハープ弾き
  • パラダイス:真昼
  • Black Hole
  • 紫の夕べ
  • 目の前の天使達
  • Another Lonely Harpist
  • They’ve Gone, They Will Come
  • パラダイス
  • 童話
  • Spirit In My Hair
 
1

World Of Echo announces the reissue of two remastered albums by Japanese guitarist and songwriter Naoki Zushi, 1988’s Paradise, and 2005’s III. Two classics of Japanese psychedelia, both Paradise and III were originally released on Org Records, the imprint of Shinji Shibayama of acid-folk group Nagisa Ni Te, with whom Zushi has guested on second guitar for decades. Both intimate and expansive, rich with revelatory songwriting and blasted, sky-scouring guitar, these reissues return these albums to print for the first time since the 2000s. It’s the first time III has been officially released on vinyl, with an extra, previously unreleased track, “Under The June Moonlight.”

Recorded in Kyoto’s Townhouse Studios in mid 1987 and released in limited-to-500 vinyl pressing in 1988, Paradise emerged from a scene in Kansai, Japan that was embracing the idiosyncracies of 1970s singer-songwriters, the soaring solos of early seventies psychedelia, and the DIY impulse of 1980s post-punk. While Zushi’s musical history stretched back to the early eighties – he was a founding member of Jojo Hiroshige’s noise outfit Hijokaidan – he found his feet with groups like Hallelujahs, whose dream-pop collection Niku O Kuraite Chikai Wo Tateyo was recently reissued by Black Editions, and Idiot O’Clock.

Paradise appeared two years after that Hallelujahs album and share much the same membership – Zushi’s backing band on several of the songs includes Shibayama on drums and Ken-Ichi Takayama (aka Idiot) on electric guitar, though just as often, Zushi plays all the instruments himself. The coordinates here are wide-reaching – you can hear the volume and intensity of Neil Young & Crazy Horse (on “Hallelujah: Left Side” and “Paradise: Midday”), the slow-motion magic of Galaxie 500, the idiosyncratic spirit of The Only Ones, all mixed up with tender guitar miniatures and stumbling garage-psych-pop moves.

Seven years later, after the transitional album Phenomenal Luciferin, Zushi released III. Perhaps his masterpiece, it’s already been bootlegged on vinyl, but this reissue is the real deal. The album was recorded at Studio Nemu over seven years, and sees Zushi backed by Shibayama (bass) and Masako Takeda (drums), his erstwhile bandmates in Nagisa Ni Te. By this stage, Zushi had started to really stretch out, and many of the songs on III swoon languorously, taking their sweet time to say what they need to say. It’s rich with lovely, melancholy songs, in a similar realm to bandmates Nagisa Ni Te, of course, but you can also hear traces of everything from Syd Barrett’s The Madcap Laughs, through seventies private press loner folk, to the slow-burn meanderings of the likes of early Low or Damon & Naomi.

When interviewed by Shibayama in the mid-nineties, Zushi said of Paradise, “it was a sort of collection of songs that had meant something to me up to that point… it was my paradise. I wanted to create paradise.” That’s something Zushi achieves on both of these albums – visionary Japanese psychedelia, en route to paradise. - Jon Dale

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NOTHING - A SHORT HISTORY OF DECAY
  • Never Come Never Morning
  • Cannibal World
  • A Short History Of Decay
  • The Rain Don't Care
  • Purple Strings
  • Toothless Coal
  • Ballet Of The Traitor
  • Nerve Scales
  • Essential Tremors
disponibile anche

CANDY CORN VINYL

Cassette


Nothing waren schon immer Regelbrecher. Shoegaze-Rebellen, die das typischerweise leichtgewichtige Genre nach ihrem eigenen, knallharten amerikanischen Image neu erfunden haben. Outlaw-Poeten, die existenzielle Ängste auf kilometerbreiten Leinwänden aus Fuzz und Hall ausbreiten. Angefangen als Solo-Projekt in einem Schlafzimmer in Philadelphia im Jahr 2010, hat die Musik von Nothing immer die ganze Bandbreite des Menschseins eingefangen, sowohl die schreiende Wut als auch die flüsternde Traurigkeit. ,A Short History of Decay", das fünfte Soloalbum von Nothing und das erste für Run For Cover Records, erweitert diesen Horizont noch weiter und bietet die bisher hochauflösendste Darstellung von Nothing. Die Band hat noch nie so kolossal geklungen, sich noch nie so intim angefühlt, war noch nie so ehrlich. Mit dem stärksten Arsenal in der sich ständig verändernden Besetzung von Nothing - Gitarrist Doyle Martin (Cloakroom), Bassist Bobb Bruno (Best Coast), Schlagzeuger Zachary Jones (MSC, Manslaughter 777) und dem dritten Gitarristen Cam Smith (Ladder To God, ebenfalls von Cloakroom) - wusste Singer-Songwriter Domenic ,Nicky" Palermo wusste, dass er die nötige Manpower hatte, um das bisher ambitionierteste Album der Band aufzunehmen. Mitgeschrieben und produziert wurde es zusammen mit Whirr-Gitarrist Nicholas Bassett, zusätzliche Produktions- und Mixing-Arbeiten übernahm Sonny Diperri (DIIV, Julie). a short history of decay ist das musikalisch ausgereifteste Statement im Katalog von Nothing. Songs wie ,Cannibal World" und ,Toothless Coal" sind katastrophale Ausbrüche mechanisierten Industrial-Gaze, die wie My Bloody Valentine klingen - nur extremer. Am anderen Ende des Spektrums steht das kunstvoll-düstere ,Purple Strings" mit einem wunderschönen Streicharrangement, an dem die Harfenistin und zweifache Nothing-Mitwirkende Mary Lattimore beteiligt ist. Diese barocke Zartheit durchdringt auch andere Höhepunkte von ,A Short History of Decay", insbesondere ,The Rain Don't Care", eine beschwingte Ballade, die die abgenutzte Eleganz von Mojave 3 kanalisiert, sowie ,Nerve Scales", ein prasselnder Bop, der in seiner Verbindung von jenseitiger Atmosphäre und tödlicher Präzision an Radiohead erinnert. Palermo bezeichnet das neue Album als ,letztes Kapitel". Nicht das Ende von Nothing, sondern der Abschluss einer Geschichte, die mit dem Debütalbum von Nothing aus dem Jahr 2014, Guilty of Everything, begann - einem weiteren Album über Zeit, Reue und die Konfrontation mit unangenehmen Wahrheiten - und nun mit A Short History of Decay ihren Abschluss findet. Es ist ebenso sehr eine Momentaufnahme von Palermos Vergangenheit wie ein Sprung in die Zukunft von Nothing.

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dovrebbe essere pubblicato su 27.02.2026

NOTHING - A SHORT HISTORY OF DECAY

NOTHING

A SHORT HISTORY OF DECAY

12inchRFCLPC5295
Run For Cover Records
27.02.2026

Nothing waren schon immer Regelbrecher. Shoegaze-Rebellen, die das typischerweise leichtgewichtige Genre nach ihrem eigenen, knallharten amerikanischen Image neu erfunden haben. Outlaw-Poeten, die existenzielle Ängste auf kilometerbreiten Leinwänden aus Fuzz und Hall ausbreiten. Angefangen als Solo-Projekt in einem Schlafzimmer in Philadelphia im Jahr 2010, hat die Musik von Nothing immer die ganze Bandbreite des Menschseins eingefangen, sowohl die schreiende Wut als auch die flüsternde Traurigkeit. ,A Short History of Decay", das fünfte Soloalbum von Nothing und das erste für Run For Cover Records, erweitert diesen Horizont noch weiter und bietet die bisher hochauflösendste Darstellung von Nothing. Die Band hat noch nie so kolossal geklungen, sich noch nie so intim angefühlt, war noch nie so ehrlich. Mit dem stärksten Arsenal in der sich ständig verändernden Besetzung von Nothing - Gitarrist Doyle Martin (Cloakroom), Bassist Bobb Bruno (Best Coast), Schlagzeuger Zachary Jones (MSC, Manslaughter 777) und dem dritten Gitarristen Cam Smith (Ladder To God, ebenfalls von Cloakroom) - wusste Singer-Songwriter Domenic ,Nicky" Palermo wusste, dass er die nötige Manpower hatte, um das bisher ambitionierteste Album der Band aufzunehmen. Mitgeschrieben und produziert wurde es zusammen mit Whirr-Gitarrist Nicholas Bassett, zusätzliche Produktions- und Mixing-Arbeiten übernahm Sonny Diperri (DIIV, Julie). a short history of decay ist das musikalisch ausgereifteste Statement im Katalog von Nothing. Songs wie ,Cannibal World" und ,Toothless Coal" sind katastrophale Ausbrüche mechanisierten Industrial-Gaze, die wie My Bloody Valentine klingen - nur extremer. Am anderen Ende des Spektrums steht das kunstvoll-düstere ,Purple Strings" mit einem wunderschönen Streicharrangement, an dem die Harfenistin und zweifache Nothing-Mitwirkende Mary Lattimore beteiligt ist. Diese barocke Zartheit durchdringt auch andere Höhepunkte von ,A Short History of Decay", insbesondere ,The Rain Don't Care", eine beschwingte Ballade, die die abgenutzte Eleganz von Mojave 3 kanalisiert, sowie ,Nerve Scales", ein prasselnder Bop, der in seiner Verbindung von jenseitiger Atmosphäre und tödlicher Präzision an Radiohead erinnert. Palermo bezeichnet das neue Album als ,letztes Kapitel". Nicht das Ende von Nothing, sondern der Abschluss einer Geschichte, die mit dem Debütalbum von Nothing aus dem Jahr 2014, Guilty of Everything, begann - einem weiteren Album über Zeit, Reue und die Konfrontation mit unangenehmen Wahrheiten - und nun mit A Short History of Decay ihren Abschluss findet. Es ist ebenso sehr eine Momentaufnahme von Palermos Vergangenheit wie ein Sprung in die Zukunft von Nothing.

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NOTHING - A SHORT HISTORY OF DECAY (TAPE)

NOTHING

A SHORT HISTORY OF DECAY (TAPE)

CassetteRFCCASS295
Run For Cover Records
27.02.2026

Nothing waren schon immer Regelbrecher. Shoegaze-Rebellen, die das typischerweise leichtgewichtige Genre nach ihrem eigenen, knallharten amerikanischen Image neu erfunden haben. Outlaw-Poeten, die existenzielle Ängste auf kilometerbreiten Leinwänden aus Fuzz und Hall ausbreiten. Angefangen als Solo-Projekt in einem Schlafzimmer in Philadelphia im Jahr 2010, hat die Musik von Nothing immer die ganze Bandbreite des Menschseins eingefangen, sowohl die schreiende Wut als auch die flüsternde Traurigkeit. ,A Short History of Decay", das fünfte Soloalbum von Nothing und das erste für Run For Cover Records, erweitert diesen Horizont noch weiter und bietet die bisher hochauflösendste Darstellung von Nothing. Die Band hat noch nie so kolossal geklungen, sich noch nie so intim angefühlt, war noch nie so ehrlich. Mit dem stärksten Arsenal in der sich ständig verändernden Besetzung von Nothing - Gitarrist Doyle Martin (Cloakroom), Bassist Bobb Bruno (Best Coast), Schlagzeuger Zachary Jones (MSC, Manslaughter 777) und dem dritten Gitarristen Cam Smith (Ladder To God, ebenfalls von Cloakroom) - wusste Singer-Songwriter Domenic ,Nicky" Palermo wusste, dass er die nötige Manpower hatte, um das bisher ambitionierteste Album der Band aufzunehmen. Mitgeschrieben und produziert wurde es zusammen mit Whirr-Gitarrist Nicholas Bassett, zusätzliche Produktions- und Mixing-Arbeiten übernahm Sonny Diperri (DIIV, Julie). a short history of decay ist das musikalisch ausgereifteste Statement im Katalog von Nothing. Songs wie ,Cannibal World" und ,Toothless Coal" sind katastrophale Ausbrüche mechanisierten Industrial-Gaze, die wie My Bloody Valentine klingen - nur extremer. Am anderen Ende des Spektrums steht das kunstvoll-düstere ,Purple Strings" mit einem wunderschönen Streicharrangement, an dem die Harfenistin und zweifache Nothing-Mitwirkende Mary Lattimore beteiligt ist. Diese barocke Zartheit durchdringt auch andere Höhepunkte von ,A Short History of Decay", insbesondere ,The Rain Don't Care", eine beschwingte Ballade, die die abgenutzte Eleganz von Mojave 3 kanalisiert, sowie ,Nerve Scales", ein prasselnder Bop, der in seiner Verbindung von jenseitiger Atmosphäre und tödlicher Präzision an Radiohead erinnert. Palermo bezeichnet das neue Album als ,letztes Kapitel". Nicht das Ende von Nothing, sondern der Abschluss einer Geschichte, die mit dem Debütalbum von Nothing aus dem Jahr 2014, Guilty of Everything, begann - einem weiteren Album über Zeit, Reue und die Konfrontation mit unangenehmen Wahrheiten - und nun mit A Short History of Decay ihren Abschluss findet. Es ist ebenso sehr eine Momentaufnahme von Palermos Vergangenheit wie ein Sprung in die Zukunft von Nothing.

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ULI SAILOR - BESSER ANDERS
  • Punkrock Lebensberatungstermin
  • Der Demagogische Wandel
  • Kiezblock (Feat. Chris Kotze)
  • Wenn Ich Mal Groß Bin
  • Auf Der Suche
  • Weißt Du Noch
  • Plattensammlung
  • Swipe Leben
  • Streit Mit Dings Gpt
  • Wassereis
disponibile anche

White Vinyl


ULI SAILOR -> File under: Punkrock am KlavierNach über 30 Jahren auf Bühnen zwischen Punkkeller und Festivalhauptbühne bringt Uli Sailor nun sein erstes Piano Solo-Album heraus. ,Besser Anders" ist das Ergebnis von zwei Jahren intensiver Arbeit - zehn Songs voller Energie, Melancholie und Haltung. Produziert wurde das Album halb in Berlin von Thies Neu, halb in Köln von Tobias Röger (Wohlstandskinder, Udo Lindenberg, Slime).Musikalisch schlägt Uli eine Brücke zwischen Indie-Rock und Punk, bleibt dabei aber weit entfernt von weichgespültem Pop. Klavier, Cello und Gesang treffen auf kantige Arrangements und Texte, die irgendwo zwischen Tagtraum und Knochenfabrik liegen - poetisch, wütend, reflektiert. Themen wie Gentrifizierung, digitale Entfremdung und die unerschütterliche Liebe zum Punk ziehen sich durchs ganze Werk.,Besser Anders" ist ein Album gegen die Austauschbarkeit. Kein KI-Produkt, keine Routine - sondern Handarbeit, Schweiß und Herzblut. Uli zeigt, dass Punkrock auch mit Klaviertasten funktionieren kann, solange man das richtige Maß an Wut, Humor und Zärtlichkeit mitbringt.Patrick Reerink (GUTS PIE EARSHOT) sorgt auf dem Album für die Cello-Parts. ,Kiezblock" entsteht gemeinsam mit Chris Kotze (KOTZREIZ), unterstützt von Totze Trippi (BEATSTEAKS) am Bass und einem Chor von Freund*innen - unter anderem Dead End Kids, Berlin Blackouts, Von.Orten und Töff Malstroem. In ,Der demagogische Wandel" greift Guido Donot (DONOTS) zur Gitarre und setzt ein Solo, das hängen bleibt. Das macht ,Besser Anders" zu mehr als einem einsamen Solo-Projekt, sondern ein kollektives Statement mit Haltung.Mittel-Version (2600 Zeichen)Sommer 2025: In einem Berliner Proberaum sitzt ein Mensch und macht das, was er am liebsten tut - Musik. Dieser Mensch heißt Uli Breitbach, besser bekannt als Uli Sailor. Seit über 30 Jahren ist er kreativer Arbeiter, mal euphorisch, mal verzweifelt, und nach zwei Jahren intensiver Arbeit erscheint nun sein erstes Solo-Album: ,Besser Anders".Was wie eine klassische Musikerbiografie klingt, steht im Kontrast zur Gegenwart. Während Künstliche Intelligenz längst komplette Bands ersetzt, bleibt Uli Sailors Musik das Gegenteil davon: handgemacht, ehrlich, mit hörbarem Herzblut. Uli geht auf die 50 zu und bringt sein Debüt erst jetzt heraus - nach Jahrzehnten als Teil verschiedenster Bands wie den Skatepunks D-SAILORS, den Indierockern TUSQ und der legendären Deutschpunkband TERRORGRUPPE.Nach deren Ende wagte Uli ein ungewöhnliches Experiment: Punksongs seiner Jugend auf dem Klavier - unterstützt von Cello. Was zunächst abwegig klang, traf einen Nerv. Seine Konzerte führten ihn in kleine Clubs ebenso wie auf große Bühnen - vom Sisyphos über Rock am Ring bis zur Volksbühne. Egal ob Punkkneipe oder Festival: Uli Sailor funktioniert überall.2024 folgte die EP ,Für immer jung", fünf eigene Songs zwischen Wut und Sentimentalität, die von Kritikern durchweg gelobt wurden. Jetzt also das Album. ,Besser Anders", das am 27. Februar 2026 erscheint - zehn Songs, produziert zur Hälfte von Thies Neu (SHIRLEY HOLMES, DYSE, DEAD END KIDS) in Berlin und von Tobias Röger (WOHLSTANDSKINDER, SLIME, UDO LINDENBERG) in Köln.Musikalisch wagt Uli den Schritt vom Piano-Punkrock hin zu einem Mix aus Indie und Punk, ohne dabei seine Haltung zu verlieren. ,Sellout?", mögen manche rufen. ,Hört doch erst einmal rein", wäre die passende Antwort. Denn ,Besser Anders" ist weit entfernt von weichgespültem Befindlichkeits-Pop. Die Texte bewegen sich zwischen Tagtraum und Knochenfabrik, kraftvoll, poetisch und differenziert. Uli Sailor benennt Missstände, bleibt aber empathisch, reflektiert und wirkt nie platt. Es ist ein vielseitiges, eigenständiges Album mit Songs über Gentrifizierung, digitale Abhängigkeit, verblühende Liebe und die unerschütterliche Kraft des Punk.Patrick Reerink von GUTS PIE EARSHOT steuerte die Cello-Parts bei. Mit Chris Kotze (KOTZREIZ) entstand eine gemeinsam geschriebene Anti-Gentrifizierungshymne, unterstützt von Totze Trippi (BEATSTEAKS) am Bass und einem Backgroundchor, der sich gewaschen hat: Mitglieder von Berlin Blackouts, Dead End Kids, Von.Orten und Töff Malstroem. Bei ,Der demagogische Wandel" wiederum griff Guido Donot (DONOTS) zur Gitarre und setzte ein Solo, das man so schnell nicht vergisst. ,Besser Anders" ist damit weit mehr als ein Solo-Album - es ist ein Gemeinschaftswerk mit Haltung.Vielleicht wird Uli Sailor keine Millionen Klicks erzielen. Aber das ist gut so. Dieses Album ist kein Algorithmusprodukt, sondern das Ergebnis ehrlicher Handarbeit, Leidenschaft und einer großen Liebe zur Musik. Punkrock bleibt hier der rote Faden - anders, besser, echt.

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ULI SAILOR - BESSER ANDERS

ULI SAILOR

BESSER ANDERS

12inchUSRLPCO1
ULI SAILOR RECORDS
27.02.2026

ULI SAILOR -> File under: Punkrock am KlavierNach über 30 Jahren auf Bühnen zwischen Punkkeller und Festivalhauptbühne bringt Uli Sailor nun sein erstes Piano Solo-Album heraus. ,Besser Anders" ist das Ergebnis von zwei Jahren intensiver Arbeit - zehn Songs voller Energie, Melancholie und Haltung. Produziert wurde das Album halb in Berlin von Thies Neu, halb in Köln von Tobias Röger (Wohlstandskinder, Udo Lindenberg, Slime).Musikalisch schlägt Uli eine Brücke zwischen Indie-Rock und Punk, bleibt dabei aber weit entfernt von weichgespültem Pop. Klavier, Cello und Gesang treffen auf kantige Arrangements und Texte, die irgendwo zwischen Tagtraum und Knochenfabrik liegen - poetisch, wütend, reflektiert. Themen wie Gentrifizierung, digitale Entfremdung und die unerschütterliche Liebe zum Punk ziehen sich durchs ganze Werk.,Besser Anders" ist ein Album gegen die Austauschbarkeit. Kein KI-Produkt, keine Routine - sondern Handarbeit, Schweiß und Herzblut. Uli zeigt, dass Punkrock auch mit Klaviertasten funktionieren kann, solange man das richtige Maß an Wut, Humor und Zärtlichkeit mitbringt.Patrick Reerink (GUTS PIE EARSHOT) sorgt auf dem Album für die Cello-Parts. ,Kiezblock" entsteht gemeinsam mit Chris Kotze (KOTZREIZ), unterstützt von Totze Trippi (BEATSTEAKS) am Bass und einem Chor von Freund*innen - unter anderem Dead End Kids, Berlin Blackouts, Von.Orten und Töff Malstroem. In ,Der demagogische Wandel" greift Guido Donot (DONOTS) zur Gitarre und setzt ein Solo, das hängen bleibt. Das macht ,Besser Anders" zu mehr als einem einsamen Solo-Projekt, sondern ein kollektives Statement mit Haltung.Mittel-Version (2600 Zeichen)Sommer 2025: In einem Berliner Proberaum sitzt ein Mensch und macht das, was er am liebsten tut - Musik. Dieser Mensch heißt Uli Breitbach, besser bekannt als Uli Sailor. Seit über 30 Jahren ist er kreativer Arbeiter, mal euphorisch, mal verzweifelt, und nach zwei Jahren intensiver Arbeit erscheint nun sein erstes Solo-Album: ,Besser Anders".Was wie eine klassische Musikerbiografie klingt, steht im Kontrast zur Gegenwart. Während Künstliche Intelligenz längst komplette Bands ersetzt, bleibt Uli Sailors Musik das Gegenteil davon: handgemacht, ehrlich, mit hörbarem Herzblut. Uli geht auf die 50 zu und bringt sein Debüt erst jetzt heraus - nach Jahrzehnten als Teil verschiedenster Bands wie den Skatepunks D-SAILORS, den Indierockern TUSQ und der legendären Deutschpunkband TERRORGRUPPE.Nach deren Ende wagte Uli ein ungewöhnliches Experiment: Punksongs seiner Jugend auf dem Klavier - unterstützt von Cello. Was zunächst abwegig klang, traf einen Nerv. Seine Konzerte führten ihn in kleine Clubs ebenso wie auf große Bühnen - vom Sisyphos über Rock am Ring bis zur Volksbühne. Egal ob Punkkneipe oder Festival: Uli Sailor funktioniert überall.2024 folgte die EP ,Für immer jung", fünf eigene Songs zwischen Wut und Sentimentalität, die von Kritikern durchweg gelobt wurden. Jetzt also das Album. ,Besser Anders", das am 27. Februar 2026 erscheint - zehn Songs, produziert zur Hälfte von Thies Neu (SHIRLEY HOLMES, DYSE, DEAD END KIDS) in Berlin und von Tobias Röger (WOHLSTANDSKINDER, SLIME, UDO LINDENBERG) in Köln.Musikalisch wagt Uli den Schritt vom Piano-Punkrock hin zu einem Mix aus Indie und Punk, ohne dabei seine Haltung zu verlieren. ,Sellout?", mögen manche rufen. ,Hört doch erst einmal rein", wäre die passende Antwort. Denn ,Besser Anders" ist weit entfernt von weichgespültem Befindlichkeits-Pop. Die Texte bewegen sich zwischen Tagtraum und Knochenfabrik, kraftvoll, poetisch und differenziert. Uli Sailor benennt Missstände, bleibt aber empathisch, reflektiert und wirkt nie platt. Es ist ein vielseitiges, eigenständiges Album mit Songs über Gentrifizierung, digitale Abhängigkeit, verblühende Liebe und die unerschütterliche Kraft des Punk.Patrick Reerink von GUTS PIE EARSHOT steuerte die Cello-Parts bei. Mit Chris Kotze (KOTZREIZ) entstand eine gemeinsam geschriebene Anti-Gentrifizierungshymne, unterstützt von Totze Trippi (BEATSTEAKS) am Bass und einem Backgroundchor, der sich gewaschen hat: Mitglieder von Berlin Blackouts, Dead End Kids, Von.Orten und Töff Malstroem. Bei ,Der demagogische Wandel" wiederum griff Guido Donot (DONOTS) zur Gitarre und setzte ein Solo, das man so schnell nicht vergisst. ,Besser Anders" ist damit weit mehr als ein Solo-Album - es ist ein Gemeinschaftswerk mit Haltung.Vielleicht wird Uli Sailor keine Millionen Klicks erzielen. Aber das ist gut so. Dieses Album ist kein Algorithmusprodukt, sondern das Ergebnis ehrlicher Handarbeit, Leidenschaft und einer großen Liebe zur Musik. Punkrock bleibt hier der rote Faden - anders, besser, echt.

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BILL CALLAHAN - MY DAYS OF 58 (TAPE)

My Days of 58 is the eighth Bill Callahan album, his first since 2022. The twelve tunes here open uncanny depths of expression as Bill continues to blaze one of the most original songwriting-and-performance trails out there. Applying the living, breathing energies of his concerts to this album production, he sharpens his slice-of-life portraiture to cut deeper, releasing a stream of singalong consciousness: poetic, cinematic, novelistic, comedic - and above all - musical.

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dovrebbe essere pubblicato su 27.02.2026

Michelle David & The True-tones - Soul Woman LP
  • 1: Running
  • 2: Soul Woman
  • 3: Golden Sun
  • 4: You’ll Never Know
  • 5: Flow
  • 6: Speak To Me
  • 7: Pick Up The Pieces
  • 8: When All Is Said And Done
  • 9: Seasons
  • 10: I Thank You

Clear Vinyl in limitierter Auflage von 1500 Stück. Die renommierte US-niederländische Gospel-Soul-Künstlerin Michelle David & The True-tones läuten mit ihrem neuen Album ,Soul Woman", das am 27. Februar 2026 bei Record Kicks erscheint, ein neues Kapitel ein. Aufbauend auf dem von Kritikern gefeierten Album ,Brothers & Sisters" aus dem Jahr 2024, das die Komplexität der Welt widerspiegelte, wendet sich die neue LP ,Soul Woman" nach innen - eine zutiefst persönliche Auseinandersetzung mit Identität, Heilung und spiritueller Widerstandsfähigkeit. ,Wie kann ich andere bitten, sich Zeit zu nehmen, um über ihr Leben nachzudenken, wenn ich das selbst nicht tue?", fragt Michelle David. Dieser Geist der Selbstreflexion und Erneuerung steht im Mittelpunkt von ,Soul Woman" - einem Album, das Verletzlichkeit zulässt und gleichzeitig Stärke ausstrahlt. Musikalisch verfeinert ,Soul Woman" die charakteristische Mischung der Band aus Gospel, Soul und Vintage-Rhythm & Blues und schöpft dabei aus einer breiteren Palette von Einflüssen. Anklänge an Curtis Mayfield, Bobby Womack und The Four Seasons pulsieren durch die Grooves, während das Gospel-Feuer der Blind Boys of Alabama und die fröhliche Ausstrahlung von Diana Ross & The Supremes dem Album sowohl Schwere als auch Glanz verleihen. Im Mittelpunkt steht Michelle Davids unverwechselbare Stimme - rau, warm und voller Entschlossenheit -, umhüllt von reichhaltigen, analog geprägten Arrangements ihrer langjährigen Mitstreiter Paul Willemsen (Gitarre, Bassgitarre), Onno Smit (Gitarre, Bassgitarre) und Bas Bouma (Schlagzeug). Gemeinsam stehen Michelle David & The True-tones an der Spitze der Retro-Soul-Szene - sie verbinden zeitlose Grooves mit moderner Dringlichkeit, unerschütterlicher Authentizität und herzlicher Leidenschaft. Eine Stimme, geboren in der Kirche, geschliffen auf der Straße. Michelle David wurde in New York geboren und wuchs in der Kirche auf. Mit nur vier Jahren begann sie zu singen und trat mit fünf Jahren ihrer ersten Gruppe, The Mission of Love, bei. Ihre kraftvolle Stimme führte sie um die ganze Welt, wo sie in gefeierten Broadway-Produktionen wie Mama, The Sound of Motown, Glory of Gospel und Mahalia mitwirkte und mit Legenden wie Diana Ross und Michael Bolton Aufnahmen machte - alles bevor sie ihre gefeierte Reise mit The True-tones begann. Gemeinsam haben Michelle David & The True-tones sieben von der Kritik gefeierte Alben veröffentlicht und die Bühnen Europas erobert, von Pinkpop über North Sea Jazz bis hin zum London Jazz Festival. Die Band ist bekannt für ihre mitreißenden Live-Auftritte, hat von Spanien bis Skandinavien Standing Ovations erhalten, ist in großen Fernseh- und Radiosendungen aufgetreten und hat sogar bei den Olympischen Winterspielen 2022 gespielt. Ihre Aufnahmen wurden ebenso gelobt: The Gospel Sessions wurde für einen Edison Award (das niederländische Pendant zum Grammy) nominiert, während Truth & Soul aus dem Jahr 2020 von Craig Charles' BBC Radio 6 Music zum Album des Jahres und von FIP (Radio France) zum Album des Monats gekürt wurde. Ihr jüngstes Album, Brothers & Sisters (2024), markierte ihr Debüt bei Record Kicks und wurde zu einem Durchbruch - gefeiert von Rolling Stone France, KEXP, Jazzthing Magazine (Deutschland), De Volkskrant (Niederlande) und BBC 6 Music. Ein Zeugnis der zeitlosen Kraft des Soul: Mit ,Soul Woman" bieten Michelle David & The True-tones mehr als nur eine neue Platte - es ist ein musikalisches Zeugnis der Widerstandsfähigkeit, eine Feier des spirituellen Wachstums und eine Bekräftigung der Fähigkeit der Soulmusik, zu heilen, zu verbinden und zu inspirieren. Gleichzeitig in klassischen Traditionen verwurzelt und neue Wege beschreitend, ist dies zeitgenössischer Soul vom Feinsten. Für Fans von Durand Jones & The Indications, Thee Sacred Souls, Jalen Ngonda, Sharon Jones & The Dap-Kings, Lee Fields, Mavis Staples.

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DJ MITSU THE BEATS - Gtg Feat. Reina 7"
  • Side A. Gtg Feat. Reina
  • Side B. Gtg Feat. Reina (Instrumental)

DJ Mitsu the Beats, a globally active member of the Sendai-based hip-hop crew GAGLE, teams up with R&B singer reina from the creative collective and label w.a.u for
the new track "Gtg" now released as a 7-inch single.
The song is a bittersweet and ephemeral love track that expresses straightforward emotions and feelings, as if wandering toward the endlessly stretching sea.
The laid-back, jazzy beats and piano by DJ Mitsu the Beats, reina’s smooth and comforting vocals, and Kzyboost’s emotional talk box blend together into a mellow groove,
creating an alternative R&B sound that evokes the chill of the ocean.
The jacket artwork is a collaborative design featuring ocean photography by Yasuma Miura, a photographer based in Shonan and Kamakura who travels the world while surfing,
and design by So Iguchi (soiguchi design), a designer known for his work on outdoor brand catalogs and lookbooks.

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dovrebbe essere pubblicato su 27.02.2026

SKA FLAMES - MUN DUN GU / MUN DUN GU (MIGHTY MASSA DUB MIX) 7"
  • A.mun Dun Gu
  • B.mun Dun Gu (Mighty Massa Dub Mix)

Celebrating their 40th anniversary in 2025, Japan's ska scene pioneers The SKA FLAMES - still going strong and continuing to exert a huge influence
both domestically and internationally - will release five 7-inch singles over three consecutive months!!
The third installment concludes with a cover of SOUND DIMENSION's “MUN-DUN-GU,” featuring guest artist mi-nepercussions.
Additionally, the B-side includes a DUB MIX by MIGHTY MASSA.
This release is essential for selectors and collectors alike!

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dovrebbe essere pubblicato su 27.02.2026

VARIOUS ARTISTS - Teekyu BEST 2x12
  • A01: Teekyu For The Fallen Aristocracy
  • A02: Menimenimanimani
  • A03: Nufuto Teekyu Potlatch
  • A04: Fat And Shangri-La
  • B01: Qunka!
  • B02: Very Safari
  • B03: Tough Guy Vs. Sumo Wrestler
  • B04: Tonight, Festivable
  • Disc 2
  • C01: After Twilight
  • C02: Golden Cinderella ~The Magic Won't End At Midnight~
  • C03: Run! Usakame High School Tennis Club!!
  • C04: Promise You
  • D01: Gluten Elegy
  • D02: I Don't Understand Japanese
  • D03: Dream First Oath!
  • D04: Good Luck! Blessings! Hot Weather Song

The best-of soundtrack from the popular sports comedy manga / anime series ‘Teekyu’, previously only available on CD, is finally being released on vinyl
double-LP with Obi strip!

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Cootie Catcher - Something We All Got LP

There’s an alternate reality where everyone makes a living wage and the cleanest buses you’ve ever seen arrive every other minute. Where the most intense songs are about confessing your love to a crush at the apple orchard, and where gentle feelings and chaotic energy are inseparable best friends. This is the timeline where Cootie Catcher is right at home. This Toronto based four-piece exudes both vulnerability and unbridled excitement, creating a sound that hypercharges the open-hearted tenderness of twee pop with spiraling synths and giddy electronics. New album Something We All Got is the clearest and most vibrant reading of Cootie Catcher’s vision yet, with songs of sweetness, nervousness, and expectancy that beam out unguarded.
After releasing music made primarily in basement recording environments, Something We All Got is the band’s first flirtation with studio recording. The edges are still sharp, however, with some parts assembled from time-honored lo-fi methods and fun, personally-sourced samples seeping into the production. The sound is explosive and upbeat, with euphoric guitars, bubbly synth lines, speedy drums both played and programmed, and all other manner of sound constantly colliding. Cootie Catcher has three songwriters, Sophia Chavez, Anita Fowl, and Nolan Jakupovski, all of whom have distinctive voices but still manage to overlap in their writing on shared concerns like navigating the lines of romantic and platonic relationships, their city’s social scenes, and struggles in both the microcosmic experience of playing in a band and the zoomed-out challenges of living through late-stage capitalism.
Joy still touches every surface of Something We All Got. “Quarter Note Rock” bounces around the room in a fit of jangling guitar chords, scratched samples, and interplay between breakbeat loops and somersaulting live drums. It’s a blast of positivity even with lyrics about how disappointing it can be to meet your heroes. A smiling electro pop instrumental supports lyrics about having to step painfully away from an almost realized love on “Gingham Dress,” a song that subverts themes of domesticity as a backdrop for the dashed wilt of hopeless devotion.
Cootie Catcher rolls down hills and jumps through flaming hoops throughout Something We All Got without ever dumbing down the visceral emotions that drive these songs. There’s a palpable tension between the band’s exhilarating sonics and the raw, often uneasy sentiments expressed, but it’s an integral part of what makes them unique. Rather than hide behind the kind of calculated vagueness that plagues so much of the indie rock landscape in the time of cursed algorithms, Cootie Catcher runs full-speed toward every confusion and excitement, fearlessly direct and embracing the reality they’re in.

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dovrebbe essere pubblicato su 27.02.2026

Adi Oasis - Silver Lining

Adi Oasis

Silver Lining

12inchAOSILVER25EP
UNITY RECORDS
27.02.2026
  • A1: We Gon Win
  • A2: Silver Lining
  • A3: In The Sunrise
  • A4: Stuck In My Head
  • A5: Separate Ways
  • A6: Cheirinho (Feat. Yoùn)
  • A7: Cheirinho (Feat. Yoùn) (Acoustic)
  • B1: We Gon Win (Instrumental)
  • B2: Silver Lining (Instrumental)
  • B3: In The Sunrise (Instrumental)
  • B4: Stuck In My Head (Instrumental)
  • B5: Separate Ways (Instrumental)
  • B6: Cheirinho (Feat. Yoùn) (Instrumental)
  • B7: We Gon Win (Acapella)
  • B8: Stuck In My Head (Acapella)

Adi Oasis returns with Silver Lining, her boldest EP yet, exploring strength through surrender and vocal freedom. Blending neo-soul, funk and retro-future R&B with producer Carrtoons, this new EP showcases Adi’s soaring vocals and stage ready energy, a modern diva moment designed for movement, empowerment and joy.

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dovrebbe essere pubblicato su 27.02.2026

Various - Hogan, The Hawk And Dirty John Crown (LP)

This is that absolute stank-face filth: hard, espionage drama-soul and tough, jazzy street-funk. Hogan, The Hawk & Dirty John Crown sounds like the soundtrack of a blaxploitation movie from the early 70s and, packed with funky fusion and smoother orchestral numbers, it is basically that.

Featuring a veritable who's who of killer library break snakes - Alan Parker, Alan Hawkshaw (under sneaky alias William Parrish), Simon Haseley, Reg Tilsley and Gordon Grant - it's not hard to see how this commands over £350 on secondary markets.

This beautifully presented reissue, part of Be With's fresh campaign with the legendary library label Music De Wolfe, is well overdue.

Recorded for De Wolfe in 1972, Hogan, The Hawk, Dirty John Crown is a fantastic start-to-finish listen. The flute-funk of Hawkshaw and Parker's opener "The Hawk" comprises driving, fuzzy, wah-wah-drizzled bell-laced breaks with synths and basslines to murder for. Up next, Haseley's "The Happening" is a carefree, rhythmic builder with strings and horns. Let's face it, it doesn't prepare us for the monster that follows...

Hawkshaw and Parker's amazing "Main Chance" is likely the reason you're here; it's a moody, beaty proto-hip-hop banger; all rolling drums and flute-laced, organ-drenched, synth-funk breaks. Just sensational - you'll want to play it again and again and again.

The cool AF "Hogan Baby" has a soft, rounded, bluesy feel - it's a lighter number and Haseley's work here sounds more than a little indebted to Burt Bacharach. It's melancholic, reflective and contains ace breaks with beautiful flutes and wistful horns. It's just gorgeous. Grant's pounding "Dirty John Crown" brilliantly conjures swirling string-swept serenity atop driving, incisive drama-funk breaks. Sublime. Hawkshaw and Parker come roaring back with the murky, creeping crime-funk of "Swarf" with killer basslines underpinning slow-mo high-class flute-funk.

Reg Tilsley enters the fray with the bright, snappy, carefree "Turnover". It's lightweight but still retains some nice orchestral movements. The brief “Tarantula” gets us back on track - from the pen and chops of Hawkshaw and Parker, are we surprised? - with the driving crime funk breaks, super clean yet brooding. Synths, sax and 'nuff guitars. YES.

Side 2 opens with the car chase swag of Haseley's dramatic, driving "Precinct". Jazzy, instrumental flute funk over great percussive breaks. We love this. Haseley's rolling "Sidewinder Version 1" is robust and exuberant with bouncy horns before a cracking Parker-Hawkshaw one-two featuring the tense "Pressure" and the deeply soulful "Call Me", a relaxed, medium-tempo organ feature. With building piano and strings Gordon Grant's excellently titled "Scorch" is as aggressive and dramatic as you'd hope. Hawkshaw and Parker's furtive flute-funk of "Digger" precede the light, melodic and romantic themes of Tilsley's "Marianne" whilst "Sidewinder Version 2", a faster iteration of Track B2 sees Haseley close out this remarkable set in bouncy, bright fashion.

The audio for Hogan, The Hawk, Dirty John Crown has been meticulously remastered by Be With regular Simon Francis, ensuring this release sounds better than ever. Cicely Balston's expert skills have made sure nothing is lost in the cut whilst the records have been pressed to the highest possible standard at Record Industry in Holland. The original, iconic sleeve has been restored here at Be With HQ as the finishing touch to this long overdue re-issue.

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dovrebbe essere pubblicato su 27.02.2026

Boy Deco with Quantum Keys - Sap

It’s a unique universe with a distinct mood. Boy Deco’s SAP LP cements his offbeat artistic vision in a laid-back retro pop style. With distorted guitar riffs, wildly original arrangements and toplines that amplify the project’s intentional sense of ease, SAP is one of those rare gems you don’t forget and keep coming back to whenever you need to unwind.

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dovrebbe essere pubblicato su 27.02.2026

BEATSTEAKS - LIVING TARGETS
  • Not Ready To Rock
  • God Knows
  • Let Me In
  • Soothe Me
  • Above Us
  • This One
  • Disconnectedside B
  • A-Way
  • Mirrored
  • Run Run
  • To Be Strong
  • Clean Sheets
  • Summer

Living Targets, the 2002 Beatsteaks album, available on ash grey colored vinyl.

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dovrebbe essere pubblicato su 27.02.2026

Francois Tetaz - Wolf Creek LP
  • The Wires: Part 1
  • Hall's Creek
  • Emu Creek
  • The Crater
  • Alien F100
  • Abysmal Horizon
  • Talimnavi
  • Liz
  • The Shed: Part 1
  • Arcane Menace
  • Escape
  • The Shed: Part 2
  • The Cliff
  • Mick
  • The Return
  • Trophy Room
  • Head On A Stick
  • Kristy
  • Statesman Deville
  • Ben
  • Monumental Isolation
  • Epilogue
  • The Wires: Part 2
  • Wolf Creek: Main Title

Erleben Sie den packenden Soundtrack des australischen Horrorklassikers "Wolf Creek" (2005) wie nie zuvor – neu remastert und auf Red+Black Splatter-Vinyl gepresst, mit exklusivem Artwork und Liner Notes. Der Komponist Francois Tétaz erschuf mit Klavier, Alan Lambs einzigartigen Telefonleitungsaufnahmen aus dem Outback Westaustraliens und einem Streichquartett einen Soundtrack, der als philosophischer Kontrast zum Horror von "Wolf Creek" fungiert. Eine eindringliche Mischung aus atmosphärischen Klanglandschaften, sparsamer Instrumentierung und unterschwelliger Bedrohung – die Musik fängt die Einsamkeit und Bedrohlichkeit des Outbacks in jeder Rille ein. Exklusive Collector's Edition für alle Horrorfans, Soundtrack-Sammler und Vinyl-Liebhaber gleichermaßen.

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CORNELIUS - KAWARU KIERU 12"
  • A1: Kawaru Kieru
  • A2: Tsudzuki Wo
  • B1: Kawaru Kieru (Feat. Mei Ehara)
  • B2: Kawaru Kieru (Feat. Mei Ehara)

"Kawaru Kieru" by "Cornelius" will be released in a vocal version performed by Keigo Oyamada himself.
The streaming version, "Kawaru Kieru (feat. mei ehara)," is included on the B-side.
This is an analogue 12-inch single. Lyrics by Shintaro Sakamoto (ex-Yura Yura Teikoku), music by Keigo Oyamada.




[d] b2. Kawaru Kieru (feat. mei ehara) [John Carroll Kirby Remix]

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Jon Lucien - Search For the Inner Self LP
  • 1: Search For The Inner Self
  • 2: Precious Is My Love
  • 3: A Heart In Love
  • 4: The Flower Garden
  • 5: It's Bigger Than I
  • 1: Strawberries Don't Know Cherries
  • 2: We Got Love
  • 3: The Season Of Spring
  • 4: To Love Somebody
  • 5: Only An Illusion

Jon Lucien’s ‘Search For The Inner Self’ was one of the highlights of Paul Weller’s recently complied Ace CD “That Sweet, Sweet Music”. When also issuing it as a single, we included ‘We Got Love’, a track from his self-financed CD “Precious Is Love”, which proved to be as feted a choice as the top side. Due to this and further encouragement from soul fans, DJs and the Lucien family, we licensed the rest of the Beau Ray Fleming produced 1969 recordings for LP and CD reissue. Here is the very start of Lucien’s songwriting creativity − ‘Precious Is My Love’, ‘A Heart In Love’, ‘Flower Garden’ and ‘The Season Of Spring’ are accomplished and captivating creations, equal to his later much-admired work.

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Cranes - Particles and Waves LP
  • 1: Vanishing Point
  • 2: K56
  • 3: Every Town
  • 4: Here Comes The Snow
  • 5: Particles & Waves
  • 6: Avenue A
  • 7: Astronauts
  • 8: Far From The City
  • 9: Streams
  • 10: Light Song

Cranes is a dream pop/shoegaze band formed by siblings Alison and Jim Shaw who rose to stardom following a world tour with the Cure in 1992. After the influential Dedicated label folded in 1998 they went on a two-year hiatus after which they se up their own label Dadaphonic. Here, they released three studio albums between 2001 and 2008, of which this record is their penultimate. This record, as any other on their label, strikes the perfect balance between their typical 90s alt rock underpinnings and modern electronica. Downtempo beats and swirling effects combined with jangly guitars and Alison Shaw's mysterious vocal presence make for a deep and subdued album, in the best way possible. Fans of the band have been requesting a vinyl release for quite a while now and to them we say: ask and you shall receive. Particles & Waves is available on vinyl for the first time as a limited edition of 1000 individually numbered copies on Crystal Clear, Blue & White Marbled vinyl.

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PARKWALKER - THE EXTRA MILE
  • Open Sea
  • Bill Gates
  • Open Heart
  • Strong Suit
  • Harbours
  • Pourlavie
  • Summer Solistice
  • Swarm Of Birds
  • Truly

rot/schwarzes Marble Vinyl. Offensichtlich parkverliebt_ eine musikgewordene Parksituation: Du schlenderst langsam durch das zerbrechliche Idyll inmitten der Stadt, die Luft ist kalt und klar, die Arme hinter dem Rücken verschränkt. Hochgewachsene Bäume spannen den Raum auf, gedämpfter Stadtlärm mischt sich mit dem Rascheln der Blätter, mehr oder weniger verwirrte Tiere sehen aufmerksam in Deine Richtung. Du setzt Dich auf eine Parkbank, hältst inne und fängst an Dich darüber zu freuen, wie schön das alles eigentlich ist. ParkWalkers emopop/slowcore sound ist bestimmt durch zwei cleane Gitarren (Hannes & Nicola), eindringliche Basslinien (Arnaud), entspannte Drums (Armin) und der warmen Stimme von Nicola. Melodien, die hängen bleiben, in meist klassischer Songstruktur. Die lieben 90er oder Nullerjahre lassen grüßen, vielleicht fällt einem American Football, Snow Patrol ein oder fühlt sich an Death Cab for Cutie und Weakerthans erinnert. ParkWalker haben sich 2018 gefunden, und leben verteilt in Berlin, Stuttgart und Karlsruhe. Klar in der DIY-Szene verwurzelt haben sie viele Stunden auf Bühnen im In-und Ausland mit verschiedenen Formationen verbracht, u.a. Tidal Sleep. Nach ihrem Debüt "Distant Phenomena" im Jahr 2021 ist für Herbst 2025 das zweite Album "The Extra Mile" bei This Charming Records geplant. Das Album wurde in den RAMA Studios aufgenommen und von Christian Bethge (z.B. Messer) produziert und gemastert

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Lone Assembly - Knots and chains LP
  • A1: Call Of The Swift
  • A2: Fantasy
  • A3: Nocturnal Vision
  • A4: The Pain Keeper
  • A5: The City Works Like This
  • A6: In The Open
  • A7: My Life's Solid
  • A8: You're Pulling At The Same Strings
  • A9: Paler Streams
  • A10: A Dark Score
 
1

Splatter Vinyl, limitiert auf 800 Exemplare. Das Schweizer Quartett Lone Assembly präsentiert mit "Knots & Chains" ein Debütalbum voller in Schmerz, Entfremdung und Trauer getränkter Hymnen, die dennoch Hoffnung, Stärke und Mut entfalten. Im dunklen Goth-Gewand gehüllt, ist das Album eine Wave/Synth-Pop-Erkundung von Kontrolle in all ihren Facetten: sei es durch andere, uns selbst oder die Umstände und Orte, die uns prägen. Bereits mit ihrer EP "That Never Happened" (2024), einer Hommage an eine verlorene geliebte Person, reifte die Band zu weit mehr als einem musikalischen Projekt. Lone Assembly wurden zu einem Raum der Heilung, der Nähe und der Notwendigkeit. Diese existenzielle Dringlichkeit, die die Band zusammenschweisst, durchzieht auch das Debütalbum - noch intensiver und deutlicher als zuvor. "Knots & Chains" ist ein Spiel mit chiaroscuro und wirft Licht auf Songs, die aus tiefer Dunkelheit hervorgehen. Jede Komposition untersucht eine Form von Kontrolle: die Macht anderer, wie in "You're Pulling at the Same Strings", wo der Protagonist das Unheil im Gegenüber zu begreifen versucht, das in diesem schlummert; die Herrschaft über das eigene Ich, eindrucksvoll dargestellt in "The Pain Keeper" und "My Life's Solid"; die Macht von Orten, die über uns bestimmen, etwa in "The City Works Like This", wo die Stadt zum atmenden Organismus mutiert - absorbierend, verzerrend, abstossend. Trotz der düsteren Themen blitzen immer wieder Hoffnungsmomente auf, am stärksten im unbändigen "In the Open". "Das Album formt sich zum Zyklus zwischen Erstickung und Aufatmen, wandert von erdrückender Enge zu befreiender Weite", so Sänger Raphaël Bressler.

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EXEK - PROVE THE MOUNTAINS MOVE

EXEK

PROVE THE MOUNTAINS MOVE

12inchDFALP2731
DFA Records
27.02.2026out soon
 
2

Seit etwas mehr als einem Jahrzehnt hat sich EXEK ganz leise zu einer der faszinierendsten Bands der Welt entwickelt, die sich von Album zu Album verändert und weiterentwickelt und sich nach und nach geöffnet hat, ohne jemals diese seltsame, unergründliche und insgesamt essentielle Eigenschaft zu verlieren, die sie so großartig gemacht hat - so EXEK-mäßig. Nun bringt die Post-Punk-Band aus Melbourne - Sänger und Chefarchitekt Albert Wolski, Gitarrist Jai Morris-Smith, Schlagzeuger Chris Stephenson, Synthesizer-Spezialist Andrew Brocchi, Trompeterin und Sängerin Valya YL Hooi und Bassist Ben Hepworth - ihr siebtes Album und erstes für DFA raus: ,Prove The Mountains Move". Es ist, wie Wolski sagt, ,ein bisschen epischer" als alles, was er bisher aufgenommen hat, ein üppiges und unverhohlen melodisches Set surrealistischer Popmusik, das sich in Widersprüchen suhlt. ,Dieses Album ist in seiner Machart experimentell", sagt Wolski, ,aber es klingt nicht unbedingt experimentell." Dafür gibt es einen guten Grund. Die Arbeit begann an einem kalten Nachmittag im Juni 2023, als Wolski und Stephenson sich in den Pelican Refill Studios in Melbourne trafen, um die Drums aufzunehmen - das erste, was sie immer machen. Danach ging Wolski alleine nach Hause und fing an, die aufgenommenen Beats und Breaks durchzugehen, wobei er sich von den Drum-Sounds zu Melodien und Basslines leiten ließ, Loops und Layers erstellte und so die Grundlage für ,Prove The Mountains Move" schuf. ,Ich fühle mich wohl dabei, alleine wie ein verrückter Wissenschaftler herumzutüfteln", sagt er. ,Ich habe es auch genossen, ohne klare Absicht auf Aufnahme zu drücken. Meistens führte mich das in eine interessante Richtung, die mein Bewusstsein wahrscheinlich nicht gesucht hätte." Und doch gelangte Wolski irgendwie zu seinem direktesten Werk seit Beginn des Projekts, neu inspiriert von der Klarheit und Prägnanz des Mainstream-Pop, der starken und unbestreitbaren Anziehungskraft einer einfachen Gesangsmelodie. Nachdem die berühmt-berüchtigten strengen COVID-Lockdowns in Melbourne beendet waren, wollte er einfach draußen bleiben. ,Die Arbeit an neuer Musik trat gegenüber dem Feiern mit Freunden in den Hintergrund", sagt er. ,Und diese Partys waren voller großer Hits als Soundtrack - Sachen, die ich selbst nicht wirklich hörte, Sachen, denen ich seit meiner Jugend nicht mehr begegnet war. Aber in den frühen Morgenstunden des Sonntags klingt ,Alive" von Pearl Jam, als würde man mit Gott sprechen. Genauso wie ,All I Wanna Do" von Sheryl Crow und ,Feel" von Robbie Williams. Krautrock und Dub waren immer noch in meiner DNA, aber die Musik, die ich zu machen begann, war vielleicht etwas unbeschwerter und vielleicht auch etwas emotionaler." Das heißt nicht, dass man hier Spuren von Eddie Vedder in Wolskis Gesang erwarten sollte, aber die Einsätze fühlen sich auf ihre eigene Weise ähnlich an - so klingt es, wenn EXEK wirklich alles geben. Nimm zum Beispiel die schwebenden Synthesizer des Openers ,Sidestepping" oder die gewaltigen Gitarren von ,Arriverderci Back Pain", die pyrotechnischen Klavierklänge von ,Don't Answer (When They Call)" oder die Bowie-artige Melancholie von ,You Have Been Blessed". Die Arrangements wirken offener, der Sound fokussierter. Es fällt nicht schwer, Wolski zu glauben, wenn er sagt, dass er viel Zeit damit verbracht hat, seine Mixe von ,Prove The Mountains Move" mit einigen der wichtigsten Alben, die je aufgenommen wurden, darunter ,Abbey Road", zu vergleichen. Aber alles ist relativ. Und textlich bleibt Wolski weiterhin verschlüsselt. ,Jeder Song ist eine Vignette in einem abstrakten Milieu, sei es ein experimentelles Chiropraktik-Geschäft am Flughafen oder spärlich bekleidete Kreaturen aus Staub in einem Food Court. Egal wie verrückt das auch sein mag, es gibt Themen und Motive auf dem gesamten Album, sowohl textlich als auch musikalisch, die sich in verschiedenen Songs widerspiegeln und aufeinander Bezug nehmen." Diese Dissonanz zwischen direkt und indirekt, glatt und strukturiert, schattig und glühend, verrückt und ausdruckslos ist die treibende Kraft im Herzen dieser Songs, seiner bisher besten.

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FLACCID MOJO - LOOSE JACKS
  • Conversational Excess
  • Creep Meter
  • Bang Your Chain
  • Vhs Motherfucker
  • Milk And Bones
  • Born Dumb
  • Cold Roller
  • Infinity Upgrade

Aaron Warren und Bjorn Copeland machen seit 1999 zusammen Musik: neun Jahre als Flaccid Mojo und 26 Jahre als Black Dice. Diese Zusammenarbeit ist wie eine Wanderung durch die verwüstete Landschaft der zeitgenössischen Musik. Indem sie Dummes, Gedämpftes und Verbrauchtem stapeln, schaffen die beiden immer wieder unausgewogene, atemberaubende Mutantenkonstruktionen. Das neueste Beispiel dafür ist ,Loose Jacks", das zweite Album von Flaccid Mojo. Es besteht aus kostenlosen Handy-Apps, fragmentierten YouTube-Videos und Elektronik mit zerbrochenen Bildschirmen - den verbrannten und zerknitterten Überresten des Streaming-Industriekomplexes. ,Loose Jacks" ist das breite, hysterische Grinsen, wenn man in den letzten Tagen einen Schatz findet. Die Songs von Flaccid Mojo sind für Live-Auftritte gemacht, mit einem modularen Arsenal an Rhythmen, Stabs und Payoffs, die alle bereitstehen. Das ist ihre Art, das Physische in den Mittelpunkt zu stellen und sicherzustellen, dass die körperlichen Vorgaben der Komposition jedes Songs diese Befehle an alle im Publikum wiederholen. Die Befriedigung eines Loops, der so lange läuft, bis er dir im Blut liegt, die Bassline, die zu einem Stoß geformt ist, der Snare-Hit, der so scharf ist wie der Ellbogen eines Fremden. Man kann sich wie ein Geist fühlen, der durch die Platte einer anderen Band schwebt, aber Loose Jacks ist wie eine Mauer, eine schwere Decke, starke Hände, die dich auf einen Haufen von Körpern heben. Es ist eine befreiende, unspirituelle Erfahrung. Eine fleischliche. Wie schon ihr Debütalbum ,Flaccid Mojo" (veröffentlicht 2022 bei Castle Face) wurde auch ,Loose Jacks" von Chris Coady aufgenommen, der seit den Neunzigern bei Black Dice-Konzerten dabei ist. Es ist toll, mit Leuten zu arbeiten, die es kapieren und nicht über Tonarten oder ,das Raster" diskutieren. Ähnlich wurde ,Loose Jacks" von Sarah Register gemastert, deren Band Talk Normal sich eine Wand mit dem Proberaum von Black Dice teilte. Für Fans von Chrome, Men's Recovery Project und den Chemical Brothers.

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Kostenfalle - Das Geflecht

Hamburg is sinking into an ever-expanding landscape of fresh construction ruins born from investor fantasies, concrete monster-bridges and ghostly office spaces. But from secret basements, a Geflecht begins to grow. After the first tape by Hamburg duo Kostenfalle, now comes their second album on vinyl.

The furious electropunk of Kostenfalle has been cut into the matrix at 45 RPM. Nine
songs in the fast lane, driven by sequencers, synthesizers, drum machines, and bass guitar. Despite the electronic machinery, Kostenfalle remain fiercely dynamic, twisting and shifting through intricate structures and sudden turns. Punk and Electronic Body Music lock into a dance; without warning we’re plunged into a psychedelic riff, only to slam angrily into the next guardrail.

With alternating vocals, Christian manning the transistors, Philipp holding the bass, the lyrics emerge dark and oblique, meditating on life as a one-dimensional human and on the spaces between people. Boycott and sabotage. Explode and generate.

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Mola - Liebe Brutal LP

Mola

Liebe Brutal LP

12inchESK205-V2
Eskapaden
27.02.2026

2026 Repress

MOLA - fierce gutter pop, bittersweet ballads and roaring indie anthems oscillating between heartbreak, chaos and radical connection. On Liebe Brutal (out 26.09.2025), raw emotion meets sharp irony, Italo-drama meets pogo energy. Isabella Streifeneder and producer Markus Harbauer deliver their most direct, dynamic and vulnerable record to date - brutally honest, brutally beautiful.

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Ben Kweller - Cover The Mirrors LP
  • A1: Going Insane
  • A2: Dollar Store (Feat. Waxahatchee)
  • A3: Trapped
  • A4: Park Harvey Fire Drill
  • A5: Depression (Feat. Coconut Records)
  • A6: Don't Cave
  • B1: Optimystic
  • B2: Brakes
  • B3: Killer Bee (Feat. The Flaming Lips)
  • B4: Letter To Agony
  • B5: Save Yourself
  • B6: Oh Dorian (Feat. Mj Lenderman)

San Francisco–born singer-songwriter Ben Kweller returns with Cover The Mirrors, his seventh studio album — and perhaps his most personal work to date. Known in the late ’90s as a member of post-grunge outfit Radish, who were signed to Mercury Records and even counted Nils Lofgren among their fans, Kweller has since carved out a long and prolific solo career rooted in melodic indie rock and unfiltered emotion. Cover The Mirrors is a deeply poignant record, written in honour of what would have been Kweller’s late son Dorian Zev’s 19th birthday. It also marks Kweller’s first release since Dorian’s tragic passing in 2023 — an event that reshaped both his life and his music. Far from retreating into silence, Kweller channels his grief into a collection of songs that explore loss, love, and renewal with raw honesty. “This is the most personal, emotionally raw project I've ever worked on,” he reflects, and every track bears that truth. The album features an impressive roster of collaborators from across the indie landscape: Waxahatchee joins on “Dollar Store,” a sparse and arresting song built on two vocals and a guitar that eventually erupts into a distorted, soaring finale; MJ Lenderman lends his touch to “Oh Dorian,” a tender tribute steeped in warmth and melancholy; Jason Schwartzman resurrects his mid-aughts project Coconut Records for the haunting “Depression”; and psych-rock icons The Flaming Lips appear on the shimmering, otherworldly “Killer Bee.” Musically, Kweller’s craft is as sharp and sincere as ever — intimate yet expansive, stripped-down yet powerful. Cover The Mirrors captures an artist walking through grief with purpose, turning heartbreak into something both fragile and transcendent. It’s the sound of Ben Kweller looking loss directly in the eye — and finding beauty, courage, and connection reflected back. - “One of the great American songwriters” – Jack Antonoff TRACKLIST: A1. Going Insane A2. Dollar Store (feat. Waxahatchee) A3. Trapped A4. Park Harvey Fire Drill A5. Depression (feat. Coconut Records) A6. Don't Cave B1. Optimystic B2. Brakes B3. Killer Bee (feat. The Flaming Lips) B4. Letter To Agony B5. Save Yourself B6. Oh Dorian (feat. MJ Lenderman) Clear Vinyl LP

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Our Mirage - Fractured Minds LP
  • 1: Bury Me (Feat. Her Last Sight)
  • 2: Violent Spin
  • 3: Right Now
  • 4: Cold Hearted
  • 5: Fractured
  • 6: Farewell
  • 7: The Chase (Feat. Elwood Stray)
  • 8: Don’t Talk (Feat. Christopher Kristensen Of Dead By April)
  • 9: God Behind Your Eyes
  • 10: Timeloss (Feat. Screamistry)

Our Mirage have carved out a distinct voice in the heavier music scene with emotionally charged lyrics, atmospheric textures, and searing intensity. Formed in 2017, the band quickly gained momentum through an ever-growing fanbase and a string of compelling releases. Their 2022 studio album Eclipse has amassed over 15 million streams on Spotify, cementing their reputation as one of Germany’s most exciting new metalcore exports. Now, the band is gearing up for their most ambitious release yet: Fractured Minds, due out on January 30th, 2026. The record promises to be even more explosive, expanding on their signature mix of crushing heaviness and emotional depth. The momentum is already undeniable —with five singles released from Fractured Minds to date, the band has accumulated over 5.5 million Spotify streams on those tracks alone. Meanwhile, Our Mirage currently count more than 260,000 monthly listeners on Spotify, underlining their ever-growing international presence. Beyond streaming success, Our Mirage have proven themselves a formidable live act, playing major festival stages such as Summer Breeze Open Air and delivering powerful, emotionally raw performances night after night. In January and February 2026, the band will embark on a co-headline tour, bringing Fractured Minds directly to fans across Europe.

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SWEET - PLATINUM RARE 1 2x12"

SWEET

PLATINUM RARE 1 2x12"

2x12inch2919407MV
Metalville
27.02.2026
  • A1: Ballroom Blitz (Rough Mix)
  • A2: Idc Jam
  • A3: Midnight To Daylight (Outtake)
  • A4: Show Me The Way (Alternative Mix)
  • A5: Log One (That Girl) (Brian Vox)
  • A6: Cover Girl (Band Demo)
  • B1: Love Is Like Oxygen (Instrumental)
  • B2: Windy City (Band Demo)
  • B3: Falling In Love
  • B4: Yesterday's Hero
  • B5: Live For Today (Rough Mix)
  • B6: New Shoes
  • C1: Rebel Rouser (Steve Vocal)
  • C2: Fire Engine
  • C3: Blockbuster (Rough Mix)
  • C4: Play All Night (Brian Vox)
  • C5: Strong Love (Outtake)
  • C6: Teenage Rampage (Rough Mix)
  • D1: California Nights (Band Demo)
  • D2: Hellraiser (Rough Mix)
  • D3: Where Do We Go From Here
  • D4: Silverbird (Band Demo)
  • D5: Maggie
  • D6: Lettres D'amour (Band Demo)
  • D7: Lost Angels (Extended Rough Mix)

‘Platinum Rare 1’ contains extremely rare recordings by the four original SWEET members. The legendary glam/hard rock band continues to thrill fans all over the world to this day. Over the years, SWEET have sold more than 55 million records and reached 34 number 1 chart positions. The songs on ‘Platinum Rare 1’ come from the private archive of SWEET guitarist Andy Scott and were personally selected by him. Fans of the band will be thrilled with this collection of rare and alternative takes and mixes. Many of the songs on the album have never before seen the light of day on a regular SWEET release. ‘Platinum Rare 1’ is an absolute enrichment for every true fan of SWEET.

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