quête:stim

Mit dieser exklusiven Picture Disc wird das musikalische Erbe von Aretha Franklin auf besonders stilvolle Weise gefeiert. Die Auswahl vereint einige der ikonischsten Songs ihrer Karriere - kraftvoll, emotional und zeitlos. Ob Soul, Gospel oder R&B - Aretha Franklins Stimme hat Generationen geprägt und ist bis heute unerreicht. Diese Edition bringt ihre größten Klassiker in einem hochwertigen Sammlerformat auf den Plattenteller - visuell eindrucksvoll und klanglich ein Genuss. Die kunstvoll gestaltete Picture Vinyl ist nicht nur ein musikalisches Erlebnis, sondern auch ein optisches Statement.

For the first time ever, the only full-length album by Spanish soul and garage legends Z-66 is being reissued. Z-66's signature blend of powerful soul, psychedelia, and pop-clearly influenced by bands like The Move, Stones, Vanilla Fudge, and Blood, Sweat & Tears delivers a bold, modern sound that remains fresh and compelling. Unlike other Spanish bands of the time, Los Z-66 enjoyed unique conditions that allowed their sound to stand out as one of the most advanced on the local scene in the late 1960s. As was the case with many other groups, their repertoire for entertaining discotheques had to include the hits of the moment and was not always open to the songs of the most daring international bands, which was the sound that most stimulated the musicians. In the case of Los Z-66, being based in Mallorca meant they had privileged access to hard to-find records, imported by foreign tourists, and to a much more modern atmosphere than in other parts of the country. Songs in Italian and French soon gave way to English hits by the Animals, the Stones, and the Beatles. But it was the offer received from Mike Jeffries, manager of Jimi Hendrix, the Animals, and others, to serve as the house band at the newly opened club Sgt. Pepper's that allowed the group to raise their live performances to a level rarely seen in these parts... They even soon incorporated the distorted sound of fuzz into their guitar when they received a fuzz face pedal as a gift from Jimi Hendrix himself, who was invited to play at the club's opening! Their excellent blend of stunning soul, psychedelia, and pop became their hallmark, not only in the band's concerts but also in the handful of singles and EPs they released on the Regal label. We are now re-releasing for the first time their only full-length album, originally published in 1969, which is actually a compilation of songs previously released in 45 rpm format, complete with two bonus tracks not included on the original LP plus a booklet with liner notes and rare photos.

rhi·zome
/ˈrīˌzōm/ • RIGH-zohm • noun
a somewhat elongated usually horizontal subterranean plant stem that is often thickened by deposits of reserve food material, produces shoots above and roots below, and is distinguished from a true root in possessing buds, nodes, and usually scalelike leaves a network that connects any point to any other point

TRON: Ares (Original Motion Picture Soundtrack)
24 neue Tracks von Nine Inch Nails: das Duo aus Trent Reznor und Atticus Ross veröffentlicht am 19.
September 2025 sein Album zum Disney-Kultfilm „TRON: Ares“, inklusive der neuen Single „As Alive As
You Need Me To Be”. Damit setzt die Band eine erfolgreiche Soundtrack-Geschichte fort: ihre vorherigen
Untermalungen zu Filmen wie „The Social Network“ (2010), „Soul“ (2020) oder „Challengers“ (2024)
wurden unter anderem mit zwei Oscars, drei Golden Globes, einem Emmy und einem Grammy ausgezeichnet. Die düstere Industrial-Handschrift Trent Reznors fängt die Stimmung der Sci-Fi-Reihe „TRON“, für
deren letzten Film Daft Punk komponierten, perfekt ein. Reznors Einfluss auf die alternative Musikwelt ist
seit den späten 80ern ungebrochen: mit Hits wie „Closer“ und „Hurt“ sowie Alben wie „The Downward
Spiral“ kombinierte das Mastermind elektronische Sounds mit Rockmusik wie nie zuvor. „TRON: Ares“ ist
die erste NIN Veröffentlichung seit fünf Jahren und liefert gleich 70 Minuten neue Musik – erhältlich ab
dem 19.09. auf CD und Vinyl.

10th Anniversary Re-Release. Transparent-blaues Vinyl mit Bonewhite Splatter. Limitiert auf 200 Exemplare. Mit Human Nature zeigt die Band Caught a Ghost ihre außergewöhnliche Fähigkeit, Genres miteinander zu verschmelzen und dabei einen ganz eigenen, unverwechselbaren Sound zu schaffen. Das Album ist eine raffinierte Mischung aus Indie, Soul, Electronica und einem Hauch von Retro-Pop - eine musikalische Reise, die sich zwischen kraftvollen Grooves, atmosphärischen Synthesizern und souligen Vibes bewegt. Ein besonderer Höhepunkt des Albums ist die Single "Can't let go", die als Titelsong der erfolgreichen Krimiserie Bosch verwendet wurde. Der Song, der im Vorspann der Serie zu hören ist, fasst die Essenz von Caught a Ghost zusammen: Eine Mischung aus düsterem Soul, pulsierenden Beats und einer kraftvollen, aber gleichzeitig verletzlichen Stimmung. Die Tatsache, dass die Band nun auch Teil eines solch prominenten Projekts ist, unterstreicht nicht nur ihre künstlerische Relevanz, sondern zeigt auch, wie zeitlos und universell ihre Musik mittlerweile geworden ist.

Charmaine Lee ist eine in New York lebende Sängerin, Komponistin und Elektronik-Künstlerin, die für ihre furchtlosen Erkundungen von Stimme, Geräuschen und Improvisation bekannt ist. Zu ihren Kollaborationen zählen Ikue Mori, Conrad Tao, JACK Quartet, Spektral Quartet und Wet Ink Ensemble, mit Auftritten im Lincoln Center, MoMA und Storm King Art Center. Nach ihrem von der Kritik gefeierten Debüt KNVF (Erratum Musical , 2021) kehrt Charmaine Lee mit Tulpaa zurück, einem kühnen neuen Statement, das das Ausdruckspotenzial der menschlichen Stimme und der Elektronik bis an die Grenzen treibt. Während ihre früheren Arbeiten ruhige Texturen und gestische Nuancen erforschten, ist Tulpa viszeral und unmittelbar und verbindet rohe Stimmkraft mit dichten Schichten analoger und digitaler Bearbeitung. Inspiriert von der Körperlichkeit des Rock der 70er Jahre und den esoterischen Eigenschaften von Hochspannungs-Röhrengeräten, schafft Lee eine Klangwelt, die sowohl wild als auch futuristisch ist. Tulpa pulsiert mit gesättigten Obertönen, mikroskopischen Details und dynamischen Verschiebungen in der Skala, die zwischen Intimität und Unermesslichkeit hin- und herpendeln. Produziert und aufgenommen von Randall Dunn (SUNNO))), Kali Malone, Anna von Hausswolff), wurde Tulpa mit einer einzigartigen räumlichen Technik erstellt: Lees Stimme wurde in ein direktes Signal und mehrere Vintage-Röhrenverstärker aufgeteilt, die als Lautsprecher dienten, wodurch eine feedbackreiche, dimensionale Umgebung entstand. Das Ergebnis ist eine Aufnahme, die sich taktil und immersiv anfühlt - gleichzeitig geerdet und spektral. ,Ich war fasziniert von diesem Sound der 70er Jahre - wie lebendig und unvorhersehbar er sich anfühlte und doch so tief verkörpert war", sagt Lee. ,In Tulpa geht es darum, Grenzen aufzulösen: zwischen Körper und Maschine, Raum und Wahrnehmung, Klang und Illusion." Der Titel bezieht sich auf ein Konzept aus der tibetischen Mystik: Ein Tulpa ist ein Wesen, das durch konzentriertes Denken heraufbeschworen wird. Lee verwendet diese Idee als Metapher für ihre Praxis, in der Klang zu einem materiellen Akt der Vorstellungskraft wird, der zwischen Präsenz und Erscheinung wechselt. Das Album endet mit einem meditativen Duett mit dem weltberühmten Reed-Spieler Ned Rothenberg an der Bassklarinette , einem spärlichen und weitläufigen Track, der vom Noh-Theater inspiriert ist. Es bietet einen Moment der Stille, der noch lange nach dem Ende des Albums nachhallt.

Nach zwei gefeierten experimentellen Instrumentalalben, Feral Hymns (2021) und Acts of Light (2023), kehrt Hilary Woods auf ihrer neuen LP Night CRIU zur Songform und vor allem zu ihrer Stimme zurück. Sie lernt erneut, wie sie ihre Stimme einsetzen kann, und komponiert Songs, die sich um sie drehen. Das intime Ökosystem von Night CRIU mit sieben Songs nutzt Vokalharmonien und die Aussprache der Texte als Mittel, um wieder in den Körper einzutreten, mit dem Unbewussten zu sprechen und es bewusst zu machen. Night CRIU ist eine Zeremonie aus Licht und Schatten, ein Album, das sich gegen die erdrückende Monokultur auflehnt, indem es gleichzeitig verlorene Unschuld zurückerobert und betrauert. Woods' Klangpalette ist dynamisch und verletzlich zugleich, in ihrem Bestreben, verlorene und zersplitterte Teile des Ganzen zu integrieren. Losgelöste Klangfäden erinnern an die Risse, Ränder, vergessenen Handlungsmöglichkeiten und vielschichtigen, schlummernden Persönlichkeiten, die nachts an die Oberfläche kommen und darauf warten, bei Tageslicht wiedergefunden und integriert zu werden. Inspiriert und beflügelt von vielen Dingen, darunter die Wiederbelebung indigener Sprachen, persönliche Erfahrungen mit Paraden und Prozessionen, frühe irische Musik, die Freude am Northern Soul-Tanzen, Aspekte des tschechischen und frühen italienischen Kinos, die Unmittelbarkeit des Klangs und das Aufbegehren einer Gegenwartskollektivität, die sich mit ihrer Stimme und ihrem Eintreten für das Menschsein angesichts von Tyrannei und Unterdrückung zu Wort meldet. Night CRIU wurde zwischen 2023 und Januar 2025 an der Westküste Irlands, in Dublin, London und teilweise in Lettland aufgenommen. Diese Lieder für Gesang, Blechblasinstrumente, Streicher, Elektronik, Feldaufnahmen, Texturen, Synthesizer und Klavier wurden aus vielen frühen Heimaufnahmen ausgewählt, die Woods als Spiegelbilder einander gegenüberstellte. Night CRIU wurde von Hilary Woods geschrieben und produziert, von Dean Hurley gemischt, mit zusätzlicher Produktion von Dean Hurley und Oliver Turvey, gemastert von Brian Lucey und mit Beiträgen von Hannah Fallon, Hangleton Brass Band, Gabriel Ferrandini und Ajo Gonsenica. ,Jede Platte ist eine Rettungsboje, eine Momentaufnahme, eine Markierung im Sand, ein Termin, den ich einhalten muss", so Woods. ,Ein Floß, das gleichzeitig kathartisch, schwimmfähig und verspielt ist - Platten aufzunehmen ist eine Art zu sein."

Jessika Kenney ist Sängerin, Komponistin, Autorin, Klangkünstlerin und Lehrerin, deren Engagement für Improvisation, Poesie und Klangforschung eine einzigartige Perspektive hervorgebracht hat. Ihre Erkundungen von Klang, Raum und der Metaphysik des Klangs wurden in vielen Kontexten und an vielen Orten präsentiert, darunter in der Seattle Public Library, im Nottingham Contemporary und im Benton Museum. Zu ihren Kollaborationen und Projekten gehören eine umfangreiche Diskografie mit Eyvind Kang, das letzte aufgezeichnete Vokalwerk von Alvin Lucier, Auftritte mit Melati Suryodarmo, die Komposition der Vokalmusik für A24s Midsommar und die Chorleitung für SUNN O)))'s Monoliths and Dimensions. Jessika Kenney, bekannt für ihren einzigartigen Umgang mit der Stimme, hat in den letzten zwei Jahrzehnten neue Klangwelten geschaffen, die auf intensiven Studien, rituellen Praktiken und einer ungezähmten Ausdruckskraft beruhen. Von ihren gefeierten Kollaborationen mit Eyvind Kang bis zu ihrer Vokalkomposition für A24s ,Midsommar" bewegen sich Kenneys Arbeiten an der Schnittstelle zwischen dem Heiligen, dem Klangvollen und dem Unsichtbaren. Auf Uranian Void wendet sich Kenney nach innen und spürt den Konturen von Erinnerung, Resonanz und Wahrnehmung nach. Mit verschwommenen Sinuswellen, Hydrofonaufnahmen, einem Ghazal von Hafez und Originaltexten ist das Album eine Meditation über Liminalität, in der Schimmer und Schatten gleichermaßen vibrieren. Kenneys Stimme webt sich durch alles hindurch: manchmal flüsternd, manchmal strahlend , immer präzise. ,Dieses Album ist eine Übung in Transparenz innerhalb der Dunkelheit", erklärt Kenney. ,Es geht darum, offen zu bleiben für Zweifel , für Nachhall, für das, was jenseits unserer Wahrnehmung liegt." ,Uranian Void" wurde von Randall Dunn (SU NN O))), Kali Malone, Annea Lockwood) produziert und aufgenommen, dessen charakteristische räumliche Details und Tiefe dem Album seine immersive Klangarchitektur verleihen. Jeder Ton, jeder Atemzug und jede Resonanz wird mit Intimität und Dimension wiedergegeben und verstärkt Kenneys Erforschung von Präsenz und Abwesenheit. Fragmente, die während Besuchen in Spokane, ihrem Elternhaus, aufgenommen wurden, bilden die Grundlage des Albums. Im Studio transformiert, werden diese zu beschwörenden Vierzeilern - leise, aber eindringlich - die den subtilen Puls von Ort, Zeit und Körper offenbaren. Echos der Vergangenheit verschmelzen mit der Gegenwart , als ob die Wände selbst sich erinnern und mitschwingen würden. Uranian Void ist Musik für Schwellenbereiche - eine Einladung, sich mit dem Unsichtbaren und Kaum hörbar. Mit dieser kraftvollen und poetischen Aussage bestätigt sich Kenney als eine der visionärsten Vokalistinnen der Gegenwart.

„I Can’t Let Go“ ist die erste Zusammenstellung der Aufnahmen der Brooklyn-Sängerin Evie Sands aus den 60er Jahren, die alle 15 Titel ihrer ersten 8 Singles auf der Vinylversion enthält. Die CD-Ausgabe umfasst weitere 11 Titel, darunter ihre kompletten 45er-Singles aus den Jahren 1963 bis 1970. · Sands, die bereits als Kind zu singen begann und schon in jungen Jahren im Studio arbeitete, verfügte über eine kraftvolle und faszinierende Stimme, die ihr Alter Lügen strafte und auf klassischen 45er-Singles zu hören war, die von Soul- und Rock-Sammlern sowie Liebhabern von Girlgroups und Femme-Pop gleichermaßen geschätzt wurden. · Nach ersten Veröffentlichungen bei ABC und Gold tat sich Sands 1965 mit dem Songwriting-, Arrangement- und Produktionsteam Chip Taylor und Al Gorgoni zusammen, um eine Reihe exzellenter und oft erstaunlicher Platten bei den Labels Blue Cat, Cameo und A&M aufzunehmen, die in ihrem vielbewunderten ersten LP gipfelten. Dabei nahm sie die Originalversionen (und definitiven Versionen) von „Take Me For A Little While“, „I Can't Let Go“, dem Northern-Soul-Floor-Filler „Picture Me Gone“ und dem majestätischen „Angel Of The Morning“ auf und sah ungläubig zu, wie sie alle zu Hits für andere Künstler wurden. Nachdem sie 1969 mit „Any Way That You Want Me“ endlich einen eigenen großen Hit gelandet hatte, folgte nach einer kurzen Auszeit Anfang der 70er Jahre ein gut aufgenommenes Comeback-Album, „Estate Of Mind“, und zwei US-Top-50-Hitsingles. Durch die kontinuierliche Weiterentwicklung ihrer Produktions- und Songwriting-Fähigkeiten standen bald die Größen der Popmusik Schlange, um mit ihr zusammenzuarbeiten und ihre Songs aufzunehmen: Barbra Streisand, Dusty Springfield, Karen Carpenter, Dionne Warwick und später auch Missy Elliot coverten Sands' Kompositionen, und Elvis hätte es beinahe auch getan... · „I Can’t Let Go“ wurde von Jai Rathbone in enger Zusammenarbeit mit Evie Sands zusammengestellt, die ihre Gedanken und Erkenntnisse über diesen frühen Abschnitt ihrer Karriere teilt. Mit zahlreichen Illustrationen versehen, ist dieses Buch ein Muss für jeden Fan. · Bewundern Sie erneut (oder zum ersten Mal) die Vielseitigkeit eines der bestgehüteten Geheimnisse der 60er Jahre: die volle, emotionale und wahrhaft unverwechselbare Stimme von Evie Sands.

Tauchen Sie ein in die goldene Ära des deutschen Schlagers mit der exklusiven Vinyl-Compilation „Deutsche Schlager Charts der 70er Jahre“. Diese Sammlung präsentiert die größten Hits und beliebtesten Interpreten einer unvergesslichen Zeit – authentisch, emotional und voller Nostalgie. Originalinterpreten, Originaltitel: Freuen Sie sich auf zeitlose Klassiker und unvergessliche Melodien von den Stars der 70er Jahre: Howard Carpendale – Der Gentleman des Schlagers mit seinen gefühlvollen Hits.

Bata Illic – Der Meister des romantischen Schlagers. Jürgen Marcus – Seine unbeschwerte Musik brachte Generationen zum Mitsingen. Karel Gott – Die goldene Stimme aus Prag, die Millionen begeisterte. Nina & Mike – Das Duo mit Herz und Harmonie. Für Vinylliebhaber und Klangenthusiasten: Diese Compilation erscheint auf hochwertigem Vinyl und bringt die Wärme und die charakteristische Klangqualität zurück, die nur Schallplatten bieten können. Ein Muss für alle, die die Atmosphäre der 70er Jahre hautnah erleben möchten – vom ersten Ton bis zur letzten Rille. „Deutsche Schlager Charts der 70er Jahre“ – ein Stück Musikgeschichte für Ihre Plattensammlung!

"Magical Thinking", Faraos drittes Studioalbum, entfaltet sich als vielschichtige Reise durch Verlust, Sehnsucht und Verwandlung. In Anlehnung an den Titel und den Geist von Joan Didions "The Year of Magical Thinking" bewegt es sich durch das stille Terrain zwischen Verleugnung und Akzeptanz - wo Trauer nicht gelöst, sondern getragen wird. Es sind Songs über Wiederaufbau und Widerstandsfähigkeit, geprägt von Themen wie Trauer, Mutterschaft und den wesentlichen Ritualen, die uns aufrecht halten, wenn die Klarheit schwindet. Das Album wurde zwischen Oslo und Berlin aufgenommen und pulsiert mit dem Flair des R&B der 90er Jahre, dem Glanz der 80er-Disco und der kontemplativen Schwungkraft des spirituellen Jazz - allesamt verankert durch Faraos intime Vocals und komplexe Arrangements. Vom ersten Schimmern von ,Waiting for You", wo Herzschmerz in Pailletten gekleidet ist und ein Groove an Robyn und Chaka Khan erinnert, lädt uns das Album in eine Welt ein, in der Sehnsucht zum Leuchten gebracht wird. In ,Spiritual Garden", benannt nach einer flüchtigen Textzeile von Janet Jackson, schafft Farao eine feuchte, narkotische R&B-Träumerei. Percussion im Stil von Timbaland und seidige Basslines umhüllen die unerwarteten Texturen ihrer Zither und beschwören eine Meditation über Verlassenheit und die fragile Rückeroberung des Selbstwertgefühls herauf. Wenn ,Dreamy Ride" einsetzt - wo Aaliyahs Coolness auf Dorothy Ashbys kosmische Harfe trifft -, gleitet das Album in nächtliche Bewegungen, eine R&B-Fantasie für nächtliche Autofahrten um 2 Uhr morgens, wobei ihre Zither sich wie ein Leitstern durch den Mix webt. Der verspielte Synth-Jam ,Hey Ladies" und eine kühne Neuinterpretation von Brandys ,Full Moon" lockern die Stimmung in der Mitte des Albums auf. Ersterer ist eine freche, einminütige Hommage an Destiny's Child, letzterer eine nächtliche Elegie, die einen geliebten Klassiker in tiefe Bässe und schimmernde Synthesizer hüllt. Dann kommt ,Xiang Xiang", ein intimes Intermezzo, das um eine geflüsterte Stimme einer Freundin herum aufgebaut ist und uns an die realen Bindungen erinnert, die Faraos üppiges Klanguniversum erden. Im Zentrum des Albums steht der Titeltrack ,Magical Thinking", der direkt auf Didions Memoiren Bezug nimmt. Hier zeichnen pulsierende Synthesizer und schwebende Vocals die verschwommene Grenze zwischen Präsenz und Dissoziation nach. Es folgt ,Endelig" (,endlich" auf Norwegisch), ein tiefes Ausatmen - ein minimalistisches, spirituelles Jazz-Intermezzo, das die Illusion einer Auflösung vermittelt. Farao tut sich dann mit dem Ambient-Pionier Laraaji für ,Voice Continues" zusammen, einer weitläufigen, von der Vierten Welt inspirierten Meditation, in der Zither, mehrschichtige Vocals und Synth-Texturen einen Klangteppich bilden, der die Spuren mütterlicher Liebe über Generationen hinweg nachzeichnet. ,Tschüssi" (ein luftiger deutscher Abschiedsgruß) wird zum Gefäß für etwas weit Schwerwiegenderes: ein Abschied, durchzogen von sich wiederholenden Erinnerungen und emotionaler Desorientierung, aufgebaut um ein gespenstisches Fragment aus Faraos Track ,Marry Me". Das Album schließt mit ,Sleep It O" zu einer verschwommenen, gnädigen Note, einem Wiegenlied für die Überwältigten - eine letzte Erlaubnis, sich auszuruhen, loszulassen, sich einfach hinzulegen. Keine Verheißung der Heilung, sondern eine mitfühlende Pause in einem Album, das von Sehnsucht und Illusion geprägt ist. RIYL: Erika de Casier, Tirzah, Sade, Kelela, Qendresa, Caroline Polachek, Solange

In einer Welt, die von zwei Monden umkreist wird, tanzen die Mondphasen im Gleichklang und beeinflussen die Gezeiten. Unter diesen Lichtamuletten liegt die Landschaft, in der SAINTSENECAs neues Album ,Highwallow & Supermoon Songs" entstanden ist. Zac Little wirkt an der Oberfläche subtil, aber die Kunstfertigkeit in jeder seiner Phrasen ist fast überwältigend. HIGHWALLLOW & SUPERMOON SONGS findet seine Stimme in ihrer elastischsten Form, reitet auf den Hügeln seiner Heimat, schwirrt vorbei wie eine Libelle und legt sich dann ruhig wie ein alter Hofhund.

Chloe Kim ist eine in Korea geborene, in Sydney lebende Schlagzeugerin und Improvisatorin, deren Musik Traditionen und Geografien miteinander verbindet. Bekannt für ihren unerschrockenen Improvisationsansatz und ihre ausdrucksstarke Beherrschung des erweiterten Schlagzeugs, ist sie in ganz Australien und international in den Bereichen Jazz, Experimental und Neue Musik aufgetreten. Aufgewachsen in Korea und heute in Sydney ansässig, hat sich die Perkussionistin Chloe Kim als einzigartige Stimme im zeitgenössischen Schlagzeugspiel etabliert, indem sie furchtlose Improvisation mit kompositorischer Klarheit und interkultureller Tiefe verbindet. Ratsnake markiert ihren kühnen Einstieg in den Kanon der Solo-Schlagzeugalben, indem sie viszerale Kraft mit Präzision und Fantasie verbindet. Kims internationales Ansehen stieg 2023 nach ihrer ,herkulischen" (The Guardian) 100-stündigen Solo-Drum-Performance über 10 Tage. Auf Ratsnake kanalisiert sie dieselbe Ausdauer und Vision in ein zutiefst persönliches Studioalbum, das das vollständige klangliche Potenzial des Schlagzeugs auslotet und es als melodisches und skulpturales Instrument behandelt. Der Titel des Albums stammt aus einem Traum, den Kims Mutter vor ihrer Geburt hatte und der sich auf die Rattennatter bezieht, ein koreanisches Symbol für Widerstandsfähigkeit, Verwandlung und seltenes Glück. Dieses symbolische Erbe zieht sich durch das gesamte Album, während Kim komplexe rhythmische Ideen mit Eleganz und Kraft entfaltet. ,Als ich zum ersten Mal in New York war, spürte ich, wie die Energie der Stadt neue Ideen aus mir hervorbrachte ", sagt Kim. ,Jeder Track hebt eine Facette meiner Solo-Sprache hervor - von ausgedehnten Percussion-Parts und langen rhythmischen Zyklen bis hin zu Texturen, die ich noch nie live verwendet habe ." Auf dem gesamten Album greift Kim auf jahrelange persönliche Motive zurück: eine im Laufe der Zeit verfeinerte Zwei-Takt-Phrase im Titeltrack, komplexe Strukturen in ,The First Gift" und weitläufige Arrangements in ,Birth Dream". Jedes Stück baut auf ihrer fortwährenden Auseinandersetzung mit Rhythmus, Form und verkörpertem Klang auf. Produziert und aufgenommen von Randall Dunn (SU NN O))), Annea Lockwood, Kali Malone), fängt Ratsnake Kims dynamische Phrasierung mit räumlicher Fülle und Detailtreue ein. Es ist ein kraftvolles , nuanciertes Debüt, das die Möglichkeiten der Solo-Percussion neu definiert .

Die ehemalige Sängerin der New Yorker Kultband The Flirts, Linda Jo Rizzo, präsentiert ihren 80er-Hit „Heartflash (Tonight)“ in einer exklusiven 12“ Maxi-Ausgabe. Auf dieser streng limitierten, farbigen Vinyl erscheinen sowohl die originale Single Version als auch die mitreißende Extended
Version – perfekt für Fans von Italo-Disco und 80s-Sound.

Als Bonus enthält die Maxi-Single gleich zwei Versionen des Titels „Just One Word“, die den charakteristischen Charme und die Energie von Linda Jo Rizzos unverwechselbarer Stimme unterstreichen.

Ein Highlight für Sammler und Liebhaber authentischer 80er-Vibes – optisch wie klanglich ein echtes Stück Musikgeschichte

Charlie Overman ist für Fans von Tyler Childers, Sturgill Simpson und John Prine. Charlie Overman ist durch und durch Kentucky, und die Songs und Geschichten auf dieser LP strahlen alles aus, was Kentucky ausmacht. Diese Authentizität dringt bis in die Rillen dieser LP vor. Charlies Detailtreue beim Songwriting ist stark von John Prine beeinflusst und zeugt von einer Fähigkeit, die Charlies Alter weit übertrifft. Charlie wird von einigen der besten Musiker des Bundesstaates Kentucky begleitet, die den Sound ergänzen. Sie hören traditionelle Country- und Folk-Klänge, die für ein breites Publikum zugänglich sind. Kommen Sie herein und begeben Sie sich auf eine Reise von Pikeville nach Paducah, während Sie sich in Charlies neue und aufstrebende Stimme in der Americana Musikszene verlieben.

Mit "Plan 76" entwickeln The Orchestra (For Now) ihren maximalistischen Ansatz dessen, was sie selbst als "London Prog" bezeichnen, weiter. Die EP kombiniert avantgardistische Rock-Theatralik, komplexes klassisches Zusammenspiel, pastoralen Barock-Indie, Post-Hardcore-Dynamik, jazzige Freakouts und alles dazwischen und ist eine Meisterleistung in Sachen Spannung und Entspannung. Die Elemente, die ihr Debüt zu einem Durchbruch machten, sind immer noch vorhanden: Die Kompositionen sind unvorhersehbar und doch unverkennbar eingängig, und es gibt skurrile Referenzen an die Popkultur und die sie umgebende Welt. Doch hier wird alles auf ein höheres Niveau gebracht, die zugrunde liegende Fragilität in einen Mantel musikalischen Selbstvertrauens gehüllt, der nur mit solch großem Ehrgeiz entstehen kann.

Die Lead-Single "Hattrick" fasst ihre Entwicklung perfekt zusammen. Sättigung und Kontrast wurden gesteigert, die dunkleren Ecken akzentuiert, ihre breitere Palette lebendiger und farbenfroher. Labyrinthartige Instrumentierung schwillt an und explodiert in Momenten schamanischer Stimmkraft, filmischer Streicher, einer treibenden Rhythmusgruppe und ungezügelter Gitarren, bevor sie aufflammt und grüblerischen, nachdenklichen Versen weicht.

Zur EP erklärt die Band: "Plan 76 vervollständigt die Geschichte, die wir ursprünglich erzählen wollten. Sie führt die Themen unserer ersten Veröffentlichung fort, platziert das dort Bewährte aber in anderen Welten und Situationen. Instrumental gesehen ist sie für uns anspruchsvoller. Nicht, weil wir unglaublich komplizierte Parts spielen, sondern im Gegenteil – wir haben versucht, sie zu verfeinern, anstatt sie zu verkomplizieren. Es gibt unglaublich exponierte Momente, in denen wir die Instrumentierung reduziert haben (was für uns nicht selbstverständlich ist). Diese EP bereitet auch den Boden für das, was als Nächstes kommt."

In den letzten Jahren hat die Band einen Aufstieg erlebt, von dem die meisten neuen Acts nur träumen können. Sie spielten auf der Hauptbühne des Green Man Festivals, traten beim End Of The Road Festival auf und spielten mehrere ausverkaufte Headliner-Konzerte, bevor sie überhaupt eine Single veröffentlichten. Nachdem sie ihren Sound auf der Londoner Live-Tour verfeinert hatten, veröffentlichte die Band Anfang des Jahres ihre mit Spannung erwartete Debüt-EP "Plan 75", die sowohl bei Kritikern als auch bei ihrer Fangemeinde für Begeisterung sorgte.

LP&DL Im Jahr 2023 erschien das Debütalbum der Wiener Band Bad Ida, das einen durchaus bemerkenswerten musikalischen Stil repräsentiert: eine explosive Mischung aus Soul, Funk, R'N'B traditioneller Spielart und dem absolut Besten was man aus dem guten, alten Bluesrock herausholen kann. Das klang im positivsten Sinne gewohnt und auch wieder ganz neu und heiß und dann war da ja noch eine Stimme, die besagte brandgefährliche Mixtur mit dem ersten Atemhauch zum Bersten brachte. Die Melodien - pure Ohrwürmer - und der rhythmische Drive hinterließen bei vielen geneigten Hörer:innen erstaunt-ekstatische Blicke und nur noch ein einzelnes, rudimentäres Wort im auf der Tanzfläche leergefegten Gehirn: WOW! Was tun nach so einem runden und rundum gelungenen Anfang? Easy: einfach weitermachen, wenn sich der perfekte Flow schon so schön zur groove-orientierten Spielfreude verdichtet hat. Nun startet also mit Ending Things der zweite Anlauf, um Hörnerven und Tanzbeine ordentlich auf Schiene zu bringen. Und es geht wieder aus dem Stand auf 180: angereichert mit einem dezenten Schuss Pop nistet sich hier ein weiteres großartiges Album konsequent auf dem Plattenteller ein. Die Lyrics von Ines Dallaji behandeln wieder die ganz großen, nicht immer ganz glücklichen Gefühle - die wiederum von einer richtig gut aufeinander eingespielten Band sehr zum Glück des Publikums intensiv zum Leben erweckt werden. Themen wie Umweltzerstörung ("Red Flags"), der Druck sozialer Medien ("Age of Likes"), Trauer ("I Still Miss You"), Angstbewältigung ("Fear") und toxische Beziehungen ("Remember My Love For You", "Leave Me Alone") verleihen dem perfekten Pop-Sound tiefgründige Strahlkraft: Bad Ida ist weit mehr als die oberflächliche Eleganz und der reizvolle Glamour, mit denen man das Genre Soul ja oft verbindet.

Auf Carlos Dafé JIDO25 bekräftigt Carlos Dafé sein Vermächtnis und wagt sich gleichzeitig in unbekanntes musikalisches Terrain vor. Das Album zelebriert Dafés außergewöhnliche Fähigkeit, Vergangenheit und Gegenwart zu verbinden, indem er Soul, Samba und Funk mit zeitgenössischen Experimenten verschmilzt. Seine Geschichte, seine Stimme und seine Kunst inspirieren weiterhin und machen ihn nicht nur zu einem Eckpfeiler der brasilianischen Black Music, sondern zu einer zeitlosen Figur der globalen Musikgeschichte.

Auf "Describe" lernt Hannah Jadagu auf die harte Tour, dass Entfernung relativ ist. Nachdem ihr Debütalbum "Aperture" aus dem Jahr 2023 von Medien wie der New York Times und NPR mit begeisterten Kritiken bedacht wurde, führte Jadagus aufblühende Karriere sie weg von ihrer aufblühenden Beziehung in New York. Auf ihrem expansiven zweiten Album setzt sie sich mit dieser Trennung auseinander, findet Verbindungen, die über das Physische hinausgehen, und stärkt dabei ihre eigene Stimme. "Describe" schwingt diese Spannung zwischen dem Wunsch nach Verbindung und dem Verlangen nach Freiraum mit. Wie schon auf ihrem Debütalbum sind die Texte von einer emotionalen Präzision geprägt, die nur aus gelebten Erfahrungen stammen kann. "I've been five thousand miles away", singt sie über hallende Hi-Hats in "More" - "Why does three thousand feel like more?" Aber diese Distanz hat Jadagu auch dazu gebracht, neue Dimensionen ihres Sounds zu erkunden. "Ich stehe total auf Künstler, die Analoges mit Modernem mischen können", sagt sie, und der Umzug nach Kalifornien für den Sommer gab ihr die Möglichkeit, neue Kollaborateure kennenzulernen und mit analogen Synthesizern und Drum Machines zu experimentieren. Während das warme Summen ihrer Gitarre ihr Hauptinstrument für "Aperture" war, begann sie zu spüren, dass ihre Muskelgedächtnis sie zurückhielt. "Es war befreiend, an einem Synthesizer sitzen und eine Note spielen zu können, während ich meine Stimme erkundete", sagte sie. "Das empfand ich als etwas befreiender als das Spielen auf einer Gitarre." In Zusammenarbeit mit dem Produzenten Sora Lopez in seinem Studio in Altadena und aus der Ferne mit dem Co-Produzenten und Kollaborateur von ,Aperture", Max Baby, aus Paris, schuf Jadagu einen Sound für "Describe", der unverkennbar ihr eigener ist und sich völlig von den verzerrten Gitarrenmelodien ihres Debüts unterscheidet. Ein Großteil von "Describe" handelt jedoch von dem, was ungesagt bleibt: ,In diesem Album versuche ich vor allem, Ideen auszudrücken, die nicht immer so konkret sind", sagte Jadagu. ,Es ist einfach ein Fluss von Dingen, die ich fühle, durchlebe und ausdrücke." Passenderweise endet "Describe" mit "Bergamont", einem Song, in dem Jadagu einige ihrer bisher ehrlichsten Texte zu einem vielschichtigen Synthesizer-Sound singt, der die Anspannung und Entspannung eines langen, reinigenden Atemzugs nachahmt. "I hope you find something true to you ", singt sie. Auf "Describe" sucht Jadagu nach Worten, um die Wahrheit zu beschreiben, nach ihren eigenen Vorstellungen, und genießt die Ungewissheit dieser Reise.

180 Gramm schweres schwarzes Vinyl. Violence Fog, eine sehr kurzlebige, aber kraftvolle Psychedelic-Rock-Band aus Baden-Baden, wurde 1969 gegründet. Die Besetzung umfasste Wolfgang Höfer (Gesang/Flöte), Karl-Heinz Höfer (Gitarre/Flöte/Gesang), Enno Dernov (Gitarre), Hilmar Beine (Bass) und Herbert Brandmeier (Schlagzeug). Ihre Musik mischte rohe, verzerrte Gitarrenklänge und britisch/amerikanisch beeinflusste bluesige Soli zu einem Sound, der von energiegeladenen Riffs bis zu stimmungsvollen und hypnotischen Psych-Jams reichte. Die Band baute sich schnell eine treue lokale Fangemeinde auf und spielte oft in Jugendzentren, Musikclubs und sogar bei Filmpremieren, wo ihre trippige psychedelische Lichtshow ihre Live-Auftritte begleitete. Ihr Repertoire umfasste sowohl Eigenkompositionen als auch Coverversionen von Songs wie ,Paint It Black". Violence Fog wurden bekannter, als sie am 23. April 1971 im Studio Ul des SWF-Radios in Baden-Baden fünf Titel aufnahmen, die ihr energiegeladenes Zusammenspiel aus schwindelerregenden Dual-Lead-Gitarren, Lautstärkedynamik und einer stimmungsvollen Rhythmusgruppe dokumentierten. Trotz ihres Talents und ihrer wachsenden Bekanntheit löste sich Violence Fog kurz nach Abschluss der SWF-Aufnahmen auf, was vor allem auf andere berufliche Verpflichtungen zurückzuführen war. Obwohl ihre gemeinsame Zeit nur von kurzer Dauer war, bleibt Violence Fog ein faszinierendes Kapitel in der lebendigen Psychedelic-Rock-Geschichte Deutschlands. Das Archiv-Plattenlabel Ancient Grease Records hat sich auf die Veröffentlichung seltener Heavy-Rock- und Psych-Musik aus den 1970er Jahren aus aller Welt spezialisiert. Begleitet wird das remasterte Audiomaterial von reichhaltigen visuellen Elementen und ausführlichen Liner Notes, um die unbekannte Musik dieser Ära für Sammler und neue Fans gleichermaßen wiederzubeleben und zu feiern.

Die norwegische Pop-Größe Sigrid kehrt mit „There’s Always More That I Could Say“ zurück, einem „zufälligen Trennungsalbum“, das von schwindelerregender Verliebtheit über Herzschmerz bis hin zu Reflexion
reicht und dabei Freude, Ehrlichkeit und ihre charakteristische, hochfliegende Stimme und himmelhohe
Refrains vereint. Mit einem neuen Gefühl kreativer Freiheit geschrieben und koproduziert, ist es ihr bisher
instinktivstes und emotional nuanciertestes Album. Sigrid kennt ihre Stimme, ihr Herz und weiß, wie man
das Chaos des Lebens in eine Pop-Hymne verwandelt.

Kreisch! The Lemonheads kehren mit ihrem ersten Studioalbum mit ausschließlich Originalmaterial seit fast 20 Jahren zurück. Nach Jahren des Schreibens, des Umherziehens und des Neuanfangs sowie der Veröffentlichung der Single "Fear Of Living" kehrt Evan Dando mit 11 Original-Lemonheads-Songs zurück. Seit langem in Arbeit, geprägt von wechselnden geografischen Gegebenheiten, entstanden mit einer Reihe willkommener Gäste, ist es eine kühne, melodische Bestätigung einer der markantesten Stimmen des Alternative Rock. Dandos Wohnsitz in Brasilien, wo ein Großteil des Albums aufgenommen wurde, hat ihm in den letzten Jahren einen ruhigen Perspektivwechsel ermöglicht - eine Chance, sich neu zu orientieren, sich wieder zu verbinden und seine Songs endlich in den Fokus zu rücken. Das Ergebnis ist ein Album, das sowohl frisch als auch vertraut klingt: verwurzelt in den Merkmalen der besten Arbeiten der Lemonheads, aber erweitert durch jahrelange Lebenserfahrung und eine neue Umgebung. Love Chant wurde von dem brasilianischen Multiinstrumentalisten Apollo Nove produziert und bringt alte Freunde und neue Partner zusammen: J Mascis (Dinosaur Jr), Juliana Hatfield und Tom Morgan sind wieder mit an Bord, zusammen mit dem Produzenten Bryce Goggin (Pavement, Antony and the Johnsons), Erin Rae aus Nashville, John Strohm von den Blake Babies und Nick Saloman von The Bevis Frond. Und Adam Green von der New Yorker Kultband The Moldy Peaches ist als Co-Autor an dem lockeren Country-Abstecher "Wild Thing" beteiligt. In den letzten Jahren hat sich der Einfluss von The Lemonheads noch verdeutlicht, Acts wie MJ Lenderman, Courtney Barnett und Waxahatchee haben Dandos Songs gecovert und loben die emotionale Klarheit, den melodischen Instinkt und die ironische Intimität, die seine Texte auszeichnen. Diese generationsübergreifende Resonanz macht Love Chant zu mehr als einer Rückkehr - es ist eine Erinnerung an das, was diese Band in erster Linie ausgemacht hat und jetzt noch um einen späten Höhepunkt erweitert wird. Inklusive der Vorab-Singles "Deep End" und "In The Margin". "The Lemonheads' ability to merge punk rock's energetic simplicity with lush, melodic hooks is both timeless and influential." Pitchfork. CD (Digipak) oder LP (embossed vinyl sleeve artwork)

Kreisch! The Lemonheads kehren mit ihrem ersten Studioalbum mit ausschließlich Originalmaterial seit fast 20 Jahren zurück. Nach Jahren des Schreibens, des Umherziehens und des Neuanfangs sowie der Veröffentlichung der Single "Fear Of Living" kehrt Evan Dando mit 11 Original-Lemonheads-Songs zurück. Seit langem in Arbeit, geprägt von wechselnden geografischen Gegebenheiten, entstanden mit einer Reihe willkommener Gäste, ist es eine kühne, melodische Bestätigung einer der markantesten Stimmen des Alternative Rock. Dandos Wohnsitz in Brasilien, wo ein Großteil des Albums aufgenommen wurde, hat ihm in den letzten Jahren einen ruhigen Perspektivwechsel ermöglicht - eine Chance, sich neu zu orientieren, sich wieder zu verbinden und seine Songs endlich in den Fokus zu rücken. Das Ergebnis ist ein Album, das sowohl frisch als auch vertraut klingt: verwurzelt in den Merkmalen der besten Arbeiten der Lemonheads, aber erweitert durch jahrelange Lebenserfahrung und eine neue Umgebung. Love Chant wurde von dem brasilianischen Multiinstrumentalisten Apollo Nove produziert und bringt alte Freunde und neue Partner zusammen: J Mascis (Dinosaur Jr), Juliana Hatfield und Tom Morgan sind wieder mit an Bord, zusammen mit dem Produzenten Bryce Goggin (Pavement, Antony and the Johnsons), Erin Rae aus Nashville, John Strohm von den Blake Babies und Nick Saloman von The Bevis Frond. Und Adam Green von der New Yorker Kultband The Moldy Peaches ist als Co-Autor an dem lockeren Country-Abstecher "Wild Thing" beteiligt. In den letzten Jahren hat sich der Einfluss von The Lemonheads noch verdeutlicht, Acts wie MJ Lenderman, Courtney Barnett und Waxahatchee haben Dandos Songs gecovert und loben die emotionale Klarheit, den melodischen Instinkt und die ironische Intimität, die seine Texte auszeichnen. Diese generationsübergreifende Resonanz macht Love Chant zu mehr als einer Rückkehr - es ist eine Erinnerung an das, was diese Band in erster Linie ausgemacht hat und jetzt noch um einen späten Höhepunkt erweitert wird. Inklusive der Vorab-Singles "Deep End" und "In The Margin". "The Lemonheads' ability to merge punk rock's energetic simplicity with lush, melodic hooks is both timeless and influential." Pitchfork. CD (Digipak) oder LP (embossed vinyl sleeve artwork)

Anlässlich des 30-jährigen Jubiläums wird Fools Gardens zweites Album Dish of the Day, inclusive der
zeitlosen Hitsingle “Lemon Tree”, am 24. Oktober 2025 als erstmalig auf Vinyl erscheinen. Neu aufgelegt
als Doppelt-LP und sorgfältig für Vinyl remastert, beinhaltet die Deluxe Edition sowohl das Originalalbum
über 11 Songs, sowie weitere 11 Songs, bestehend aus B-Sides, Live-Aufnahmen und Demos.
1995 veröffentlicht auf dem Höhepunkt der 90er-Alternative-Pop-Bewegung veröffentlicht, bereitete Dish
of the Day Fools Garden dank des Charmes und der globalen Anziehungskraft der Hit-Single „Lemon Tree“
internationalen Erfolg. Der Song stürmte die Charts in ganz Europa und Asien. Die bevorstehende Jubiläumsausgabe ist ein absolutes Muss für Sammler*innen und bietet einen vollständigen Einblick in den
kreativen Prozess und die klangliche Vielfalt der Band während dieser prägenden Zeit.
LP1 präsentiert die komplette Original-Tracklist – liebevoll remastert für bestmögliche Tonqualität auf
Vinyl. LP2 öffnet das Archiv: Eine sorgfältig kuratierte Sammlung bislang unveröffentlichter Songs, LiveAufnahmen und Demos – ebenfalls erstmals auf Vinyl erhältlich. Das Ergebnis ist eine stimmige und
audiophile Würdigung des bedeutendsten Werks der Band. Dieses Album beinhaltet nicht nur einen WeltHit, welcher dank seines hohen Widererkennungswerts auch nach drei Jahrzehnten noch begeistert, sondern
lädt die Hörer*innen ein, tiefer in die Welt von Fools Garden einzutauchen und das musikalische Spektrum
der Band anhand exklusivem Zusatz-Material zu entdecken.
Verpackt im hochwertigen Gatefold-Sleeve mit restauriertem Artwork und exklusiven Archivfotos aus der
Entstehungszeit des Albums und Folgejahren, richtet sich dieses umfangreiche Produkt sowohl an nostalgische Fans als auch an eine ganz neue Generation, die die Band zum ersten Mal für sich entdeckt.
Die Neuauflage von Dish of the Day bildet das Herzstück der Jubiläumskampagne des Albums, begleitet
von der Veröffentlichung der Band-Autobiografie und einer neuen Headliner-Tour im Frühjahr 2026.

D: „Women Deserve Rage“ markiert die Rückkehr von Imany.
Dieses neue Album ist ein mutiges Statement für Freiheit und Empowerment. Entstanden aus dem dringenden Bedürfnis, ihre Wahrheit zurückzugewinnen, verkörpert es die Stimme einer Frau, die sich dafür
entscheidet, sich zu erheben und sich neu zu definieren. Mit viel Zeit, Leidenschaft und rohen Emotionen
geschaffen, beschäftigt es sich mit Wunden und Heilung, Vermächtnis und Weitergabe sowie einer Liebe,
die furchtlos und kompromisslos ist. Eine Liebe, die sich der Realität stellt und sie in Licht verwandelt.

Brandi Carlile ist zurück mit ihrem achten Studioalbum und ihrem ersten Solo-Projekt seit vier Jahren. Die
amerikanische Singer-Songwriterin gilt als eine der authentischsten Stimmen der modernen Folk, Rock und
Americana-Musik und inspirierte eine ganze Generation an Künstler*innen.
In den letzten Jahren fokussierte sie sich auf verschiedenste Kollaborationen mit u.a. Joni Mitchell, Hozier,
Sam Smith und Alicia Keys. Ihr letztes Album „Who Believes in Angels?“ war ein Kollaborationsprojekt
mit Elton John, das in Deutschland auf Platz #2 der Charts debütierte, in Großbritannien auf Platz#1
und in US die Top 10 erreichte.
Nun blickt die 11-fache GRAMMY-Gewinnerin nach innen, reflektiert die Vergangenheit und kehrt schließlich
auf ihrem brandneuen Album „Returning To Myself“ – das am 24. Oktober erscheint – zu sich selbst zurück.

Mit Rainshine präsentiert der französische Musiker Biga*Ranx sein neues Studioalbum - ein vielschichtiges Werk zwischen introspektiven Songs und tanzbaren, festivalerprobten Tracks. Die 20 Songs des Albums spiegeln seine charakteristische Mischung aus Vapor Dub, Lo-Fi Reggae, Hip-Hop und elektronischen Texturen wider. Biga*Ranx lädt die Hörer in eine poetische Klangwelt ein, die durch Duette mit Künstlern wie A2H, Chaton, Pupajim und Musikern aus Tahiti bereichert wird. Ukulele-Klänge und atmosphärische Beats schaffen eine warme, hypnotische Soundkulisse. Seit seinem Debüt On Time (2011) zählt Biga*Ranx zu den innovativsten Stimmen der europäischen Reggae- und Dub-Szene. Er hat mit internationalen Größen wie Joseph Cotton, Mungo"s Hi Fi und Naâman gearbeitet und ist regelmäßig auf großen Festivals wie SummerJam, Reggae Sun Ska und Garance Reggae Festival zu sehen - auch in Deutschland und Österreich.

Mit der exklusiven Doppelvinyl in zartem Pink erscheint eine Hommage an eine der größten Künstlerinnen Europas: Édith Piaf. Ihre Lieder sind nicht nur musikalische Meisterwerke, sondern auch emotionale Zeitdokumente, die Millionen Menschen berührt haben - in Frankreich, Deutschland und weit darüber hinaus. Geboren 1915 in Paris, wuchs Piaf unter schwierigen Umständen auf, sang auf den Straßen und wurde 1935 von einem Cabaret-Besitzer entdeckt. Ihr Spitzname "La Môme Piaf" - der kleine Spatz - wurde zum Symbol für ihre fragile Erscheinung und ihre kraftvolle Stimme. Ihre Musik war oft autobiografisch, geprägt von Liebe, Verlust und Hoffnung. Sie sang mit einer Intensität, die bis heute unter die Haut geht. Piaf wurde zur Nationalikone Frankreichs, besonders nach dem Zweiten Weltkrieg. Ihre Lieder wie "La Vie en Rose", "Non, Je Ne Regrette Rien" oder "Hymne à l"Amour" wurden zu Hymnen einer Generation. Auch in Deutschland und Europa wurde sie gefeiert - als Stimme der Versöhnung, der Leidenschaft und der Menschlichkeit. Diese Vinyl-Edition vereint ihre größten Werke in einem liebevoll gestalteten Sammlerstück - ein Muss für Musikliebhaber und Kulturinteressierte.

Der international gefeierte Schlagzeuger und Produzent Makaya McCraven meldet sich mit einem besonderen Projekt zurück: Vier neue EPs - Techno Logic, The People"s Mixtape, Hidden Out! und PopUp Shop, die gebündelt als Doppel-LP und Doppel-CD unter dem Titel Off the Record (via XL Recordings) veröffentlicht wird. Es sind McCravens erste Studioarbeiten seit In These Times (2022), mit denen er zu seiner charakteristischen Mischung aus Live-Improvisation und Studio-Nachbearbeitung zurückkehrt. Schon jetzt geben die Singles "Imafan", "Away", "Technology" und "Choo Choo" einen Vorgeschmack auf das Projekt. Die vier EPs greifen auf verschiedene Live-Momente der letzten zehn Jahre zurück: Aufnahmen aus London, Berlin und New York (Techno Logic), ein Jubiläumskonzert in Brooklyn (The People"s Mixtape), eine Residenz im Chicagoer Hideout (Hidden Out!) sowie McCravens Los-Angeles-Debüt 2015 (PopUp Shop). "In einer Zeit, in der vieles virtuell und ungreifbar ist, bleibt es etwas Besonderes, wenn Menschen in einem Raum zusammenkommen und Musik teilen", sagt McCraven. "Diese Energie möchte ich festhalten - roh, menschlich, spontan." Mit Off the Record beweist der als "kultureller Synthesizer" und "Beat Scientist" bezeichnete Musiker erneut, warum er zu den prägenden Stimmen einer neuen Generation zählt, die den Jazz ins 21. Jahrhundert führt.

Zum 20-jährigen Jubiläum von God of War präsentieren Sony Interactive Entertainment’s Santa Monica Studio und Laced Records ein monumentales 13-LP-Vinyl-Boxset, das die Musik aller Spiele von God of War (2005) bis God of War Ragnarök: Valhalla (2023) umfasst. In zwei aufwendig gestalteten Schubern befinden sich sieben Hüllen mit individuell bedruckten Innenhüllen und exklusiv für Vinyl gemasterten Aufnahmen. Die Sammlung zelebriert die musikalische Entwicklung von Kratos’ Epos – von den orchestralen und choralen Klanggewalten der griechischen Saga (u. a. Gerard K. Marino, Winifred Phillips, Tyler Bates) bis zu Bear McCrearys preisgekrönten, emotionalen Soundlandschaften der nordischen Ära. Erstmals auf Vinyl enthalten ist McCrearys Score zu Ragnarök: Valhalla, ergänzt durch drei entspannte Lofi-Remixe von Alex Moukala & Lawrence Ravagnan, die das 20-jährige Vermächtnis des Ghost of Sparta stimmungsvoll abrunden.

Es sind acht Jahre vergangen, seit Montreals The Barr Brothers ein Album veröffentlicht haben. In dieser Zeit hat das Leben sie - persönlich wie beruflich - in neue Richtungen geführt und ihre Art, gemeinsam Musik zu machen, verändert. Ihr viertes Studioalbum Let it Hiss ist nicht einfach nur eine neue Sammlung von Songs. Es ist ein Dokument der Transformation. Die Entstehung dieses Albums markierte einen Wendepunkt: eine Phase der Reflexion, eine Auseinandersetzung mit Verletzlichkeit und eine Wiederverbindung zwischen den beiden Brüdern, die seit über drei Jahrzehnten Seite an Seite Musik machen.,Im Jahr 2022 standen wir an einem Wendepunkt", sagt Brad Barr, Gitarrist, Sänger und Haupt-Songwriter der Band. ,Es war klar, dass sich etwas ändern musste. Die wahre Geschichte dieses Albums ist die Geschichte dieser Veränderung - und von allem, was danach kam.",Let it Hiss ist das, was passiert, wenn man aufhört, so zu tun, als wäre alles in Ordnung - und endlich wirklich hinhört", sagt Andrew.Das Album beginnt im Kleinen: eine winzige mexikanische Gitarre, der sanfte Puls eines Klaviers, ein minimalistischer Rhythmus - und eine Stimme, die sowohl Hingabe als auch Stärke vermittelt. ,Take it from me", singt Brad - nicht als Befehl, sondern als Geständnis. Schon ab diesem ersten Moment lädt das Album in einen Raum ein, in dem Makel nicht herausgeschnitten, sondern verstärkt und gefeiert werden. Es ist ein kraftvoller Einstieg in ein Album, das auf Ehrlichkeit, Wiederentdeckung und Vertrauen beruht.Für die Brüder wurde das Aufnehmen zu einem Spiegel. Der Prozess begann nicht mit Klang - er begann mit Wahrheit. Sie setzten sich nicht nur mit kreativen Blockaden auseinander, sondern auch mit persönlichen: alten Mustern, unausgesprochenen Spannungen, Trauer, Wachstum. Durch all das fanden sie wieder zu einem Rhythmus - nicht durch Perfektion, sondern durch Erlaubnis.Brad und Andrew machen schon Musik zusammen, seit sie Kinder sind - zuerst in der sich ständig wandelnden Rockband The Slip, später als The Barr Brothers, wo sie amerikanische Roots-Musik mit experimentellen Klangtexturen zu etwas ganz Eigenem verbanden. Ihr Ruf für musikalische Raffinesse und emotionale Tiefe brachte ihnen weltweit Fans - und Anerkennung von musikalischen Größen.Der Titel des Albums ist zugleich ein Leitbild. ,Es fühlte sich einfach richtig an", sagt Andrew. ,Das Rauschen drin zu lassen. Das Unbehagen, die Unvollkommenheit, den Kampf. Wir haben aufgehört, alles sauber machen zu wollen. Und genau da fing die Musik wieder an zu atmen. Und Spaß zu machen."Tatsächlich steht Let it Hiss stärker als frühere Alben der Barr Brothers für eine freudvolle Ungezwungenheit - hörbar etwa im Roadtrip-Hymnus "Run Right Into It" (mit Elizabeth Powell von Land of Talk) oder im verspielten Garagenband-Reggae von "She Doesn't Sleep With the Covers On". Doch das Album lässt die intime Erzählweise, die das Markenzeichen der Barr Brothers ist, keineswegs hinter sich: "English Harbour" ist eine wunderschöne Folk-Hymne, bereichert durch die Harmonien von Jim James (My Morning Jacket), während "Moonbeam" eine opulente Soul-Serenade mit Streichern ist - veredelt durch den frankophonen Gastgesang der quebecischen Artpop-Künstlerin Klô Pelgag.Die Songs auf Let it Hiss besitzen eine zeitlose Qualität - besonders spürbar in Stücken wie "Naturally", das leise an die Ära klassischer Songschreiber erinnert, in der Melodie und Botschaft untrennbar miteinander verbunden waren. Es ist Musik, die dem Hörer vertraut und sich nach und nach entfaltet - mit Arrangements, die Zurückhaltung und Ambition in Einklang bringen. Im Zentrum steht vielleicht der Song "Owning Up to Everyone", der den Geist des Albums im Kleinen einfängt. ,Dieser Song hat etwas in uns aufgebrochen", sagt Andrew. ,Er fühlte sich wie ein Durchbruch an."Doch all die musikalische Freiheit und emotionale Aufwühlung, die sich durch Let it Hiss zieht, bereitet nicht auf den letzten Song vor: "Upsetter", ein schweißgetränkter, punkgetriebener Rock'n'Soul-Explosion, gekrönt von einem absolut wahnsinnigen Gitarrensolo. Es ist schlicht der wildeste Song, den die Barrs je aufgenommen haben - ein Song, der die Let it Hiss-Philosophie so weit ins Rote treibt, dass er den VU-Meter fast sprengt. ,Ich dachte mir: ,Na ja, der wird es eh nicht aufs Album schaffen`, weil er vielleicht für viele unserer Hörer unerwartet kommt", gibt Brad zu. ,Aber ich glaube, unsere Hörer schätzen es, wenn wir einfach wir selbst sind - und dazu gehört eben auch sowas."Brad und Andrew produzierten Let it Hiss selbst, hauptsächlich zu zweit in ihrem Studio in Montreal. Um die rohe Direktheit und Komplexität des Albums einzufangen, arbeiteten sie mit Mix-Ingenieur Jon Low (The National, Taylor Swift, Bon Iver). Sie luden enge Freunde aus ihrer musikalischen Community ein, ihre Stimmen, Instrumente und Texturen beizusteuern, wenn es die Songs verlangten - Kollaborationen, die sich weniger wie Features, sondern mehr wie natürliche Erweiterungen der Musik anfühlen. Viele dieser Beziehungen entstanden über Jahre gemeinsamer Bühnen, langer Nächte im Studio und einer gemeinsamen Hingabe an das Handwerk. So ist Let it Hiss zugleich das persönlichste und das kollaborativste Album, das sie je gemacht haben.Let it Hiss will nichts auflösen - es will offenlegen. Es lädt die Hörer ein, genau hinzuhören - auf das Rauschen, das Gewicht, das Staunen. Während die Barr Brothers ihren Weg fortsetzen, ist eines klar: Sie haben einander wiedergefunden - und darüber auch ihre Musik.And the rest is hiss-tory

Am 13. Oktober 2023 verabschiedete sich die Melbourne-Band Camp Cope mit einem letzten Auftritt vor einem begeisterten, ausverkauften Publikum in der legendären Sydney Opera House Concert Hall. Zwei Jahre später haben Run For Cover & Poison City Records ,The Final Show - Live at Sydney Opera House", um diesen besonderen Moment der Band bei ihrem letzten Live-Auftritt zu feiern. Die Vinylversion dieser Veröffentlichung enthält neun Songs aus dem letzten Auftritt, darunter Titel aus jedem der beliebten Alben der Band. Dazu gehören Songs wie ,Lost (Season One)" aus ihrem selbstbetitelten Debütalbum sowie Titel aus ,How to Socialise Make Friends" von 2018 und ihrem Abschiedsalbum ,Running with the Hurricane" von 2022. Alle Elemente, die die Musik von Camp Cope so besonders machen, sind hier versammelt - Bassistin Kelly-Dawn Hellmrich und Sarah Thompsons Schlagzeug harmonieren wieder einmal perfekt miteinander, während Gitarristin Jennifer Aslett die unverwechselbare Stimme von Sängerin Georgia Maq mit noch mehr Stimmung untermalt. Die Band ist auch nicht allein - Julia Jacklin ist bei ,The Screaming Planet" dabei, und ein Chor aus Freunden wie Rin McArdle und Courtney Hartmann singt bei ,Sing Your Heart Out" mit. Camp Cope beendet diesen letzten Auftritt passenderweise mit ,The Opener" - einem Song, der von den unglücklichen Erfahrungen einer Band inspiriert ist, die versucht, sich in einer sexistischen, von Männern dominierten Musikszene zurechtzufinden. Hellmrichs unverkennbare Basslinie eröffnet diese letzte, erweiterte Version des Songs, den die Band über zehn Minuten lang spielt. Begleitet von einem Chor aus Freunden auf der Bühne und einem ganzen Opernhaus voller Fans, die mitsingen, wirken die letzten Zeilen des Songs über anfängliche Ablehnung wie eine erfüllte Prophezeiung: ,See how far we've come not listening to you."

Auf Carlos Dafé JIDO25 bekräftigt Carlos Dafé sein Vermächtnis und wagt sich gleichzeitig in unbekanntes musikalisches Terrain vor. Das Album zelebriert Dafés außergewöhnliche Fähigkeit, Vergangenheit und Gegenwart zu verbinden, indem er Soul, Samba und Funk mit zeitgenössischen Experimenten verschmilzt. Seine Geschichte, seine Stimme und seine Kunst inspirieren weiterhin und machen ihn nicht nur zu einem Eckpfeiler der brasilianischen Black Music, sondern zu einer zeitlosen Figur der globalen Musikgeschichte.

Chrissie Hynde & Pals kündigen neues Studioalbum an Duets Special Veröffentlichung am 17. Oktober über Parlophone Mit Beiträgen von k.d. lang, Mark Lanegan, Lucinda Williams, Dave Gahan, Cat Power, Rufus Wainwright, Carleen Anderson, Brandon Flowers, Julian Lennon, Debbie Harry, Alan Sparhawk, Shirley Manson und Dan Auerbach. Die gefeierte Musikikone Chrissie Hynde hat ein neues Album unter dem Namen „Chrissie Hynde & Pals” angekündigt, das den Titel „Duets Special” trägt und am 17. Oktober über Parlophone veröffentlicht wird. Das Album besteht aus 13 außergewöhnlichen Duetten mit einer Reihe von Weltklasse-Künstlern, darunter k.d. lang, der verstorbene Mark Lanegan, Dave Gahan, Cat Power, Brandon Flowers, Debbie Harry, Shirley Manson, Alan Sparhawk und viele mehr. Die erste Single „Always On My Mind” wurde zusammen mit Rufus Wainwright aufgenommen. „Duets Special“ ist nicht nur Chrissie Hyndes viertes Studioalbum unter ihrem eigenen Namen. Die neue Platte präsentiert eine aufregende und unerwartete Wendung inmitten eines der kreativsten Kapitel von Chrissie Hyndes Karriere. Duets Special folgt dicht auf das letzte Studioalbum von The Pretenders, Relentless, das von The Guardian als „melodisch am besten“ beschrieben wurde. Die anschließende Welttournee führte auch zu einem neuen Live-Album, Kick 'em Where It Hurts. Als Chrissie letztes Jahr beim Mark Lanegan 60 Celebration Concert im Roundhouse auftrat, meinte The Times, Chrissies Stimme „sollte mittlerweile zum UNESCO-Weltkulturerbe gehören“.

Die Hardcore/Punk/Thrash Spezialisten von Fleischwolf waren noch nie Kostverächter: Ihre Musik nennen sie schlicht Mettcore, scheren sich um "Wokeness" und weitere Zeitgeist-Befindlichkeiten einen Dreck und haben eine ziemlich große Schnauze in die jede Menge Klartext und klarer Schnaps reinpasst! Mit ihrem wilden Genre-Mix und jeder Menge (Selbst)-Humor sind ihre harten Klänge voll auf Speed getrimmt, was eigentlich sehr passend ist: Seit ihrem Debut "Fleischwolf" und den beiden Nachfolgealben "Von uns für Euch" und "Gut geklaut" ist das Trio eindeutig auf der Überholspur! Ihr neuestes Werk erscheint als Doppel-10inch Vinyl und ist zum einem ein "Kleiner Vorgeschmack" auf das nächste Album mit drei neuen Songs: "Widerstand ist sinnlos - Asi Elixier" ist ein Thrash Metal-Hardcore Brett in bester Tankard-Manier! Jede Menge Spaß und Mitgröhlgarantie bietet "Genauso soll es auch sein" um dann dem alten Haudegen "Chuck Norris" mit reichlich Mötörhead-Charme, RocknRoll und Trompeten ein kleines Ständchen zu singen! Drei Volltreffer, die es in sich haben! Zum anderen ist die neue Fleischwolf aber mit der LP2 "Live" nach über 100 Konzerten auch eine Bestandsaufnahme und enthält 7 Songs mit dem ganzen Schweiss und Scheiss und Stimmung, den die Jungs auf der Bühne so von sich geben. Wer schon einmal bei einem Fleischwolf Konzert dabei war weiß was gemeint ist, den die Jungs sind auch noch großartige Entertainer - perfekt eingefangen auf Vinyl!

Die Hardcore/Punk/Thrash Spezialisten von Fleischwolf waren noch nie Kostverächter: Ihre Musik nennen sie schlicht Mettcore, scheren sich um "Wokeness" und weitere Zeitgeist-Befindlichkeiten einen Dreck und haben eine ziemlich große Schnauze in die jede Menge Klartext und klarer Schnaps reinpasst! Mit ihrem wilden Genre-Mix und jeder Menge (Selbst)-Humor sind ihre harten Klänge voll auf Speed getrimmt, was eigentlich sehr passend ist: Seit ihrem Debut "Fleischwolf" und den beiden Nachfolgealben "Von uns für Euch" und "Gut geklaut" ist das Trio eindeutig auf der Überholspur! Ihr neuestes Werk erscheint als Doppel-10inch Vinyl und ist zum einem ein "Kleiner Vorgeschmack" auf das nächste Album mit drei neuen Songs: "Widerstand ist sinnlos - Asi Elixier" ist ein Thrash Metal-Hardcore Brett in bester Tankard-Manier! Jede Menge Spaß und Mitgröhlgarantie bietet "Genauso soll es auch sein" um dann dem alten Haudegen "Chuck Norris" mit reichlich Mötörhead-Charme, RocknRoll und Trompeten ein kleines Ständchen zu singen! Drei Volltreffer, die es in sich haben! Zum anderen ist die neue Fleischwolf aber mit der LP2 "Live" nach über 100 Konzerten auch eine Bestandsaufnahme und enthält 7 Songs mit dem ganzen Schweiss und Scheiss und Stimmung, den die Jungs auf der Bühne so von sich geben. Wer schon einmal bei einem Fleischwolf Konzert dabei war weiß was gemeint ist, den die Jungs sind auch noch großartige Entertainer - perfekt eingefangen auf Vinyl!

Das zweite Album der Indie-Folk-Künstlerin erscheint am 17. Oktober über Dirty Hit

Mit And Your Song Is Like a Circle veröffentlicht Skullcrusher (Helen Ballentine) am 17. Oktober 2025 ihr zweites Album auf Dirty Hit – eine fragile, ambient-getränkte Fortsetzung ihres gefeierten Debüts Quiet the Room (2022).

Das Album entstand über mehrere Jahre hinweg in fragmentierten Sessions – keine Momentaufnahme, sondern eine klangliche Spurensuche nach etwas, das sich nicht vollständig greifen lässt. Im Mittelpunkt steht die Vergänglichkeit des kreativen Prozesses: Ideen, die aufblitzen und wieder verschwinden, Stimmen, die für einen kurzen Augenblick durch Raum und Zeit gleiten.

And Your Song Is Like a Circle ist ein meditatives Werk, das sich dem Offenen und Flüchtigen verschreibt – zart, intim und tief atmosphärisch.

Ein Muss für Fans von Indie-Folk, experimenteller Ambient-Musik und poetischer Reduktion.

After their first joint recording experience in 2022, in which they dedicated a monograph to the Beatles, revisiting their great classics,
Sarah Jane Morris, a British jazz, rock, and R&B singer and songwriter, and the Solis String Quartet, a Neapolitan string quartet with
extensive concert and recording experience, are embarking on a new album. This time, it's not a monograph, but a tribute to a series
of artists who have left an indelible mark on the universal music world with their art and unique lifestyle. The project is titled "The 27
Club," a reference to those artists who, despite not choosing to belong to any elite circle, were united by the fate of having left this
world too soon, at just 27 years old. Among them are great names such as Jimi Hendrix, Janis Joplin, Jim Morrison, Kurt Cobain, Amy
Winehouse, and Otis Redding. Despite their differences, these artists share a charisma and a passion for music that has made them
immortal. Their musical legacy continues to celebrate their memory and inspire new generations. The album is a tribute to these timeless
artists, whose songs remain timeless and continue to move. Forever Young.
"After our first recording collaboration with Sarah Jane Morris in 2022, in which we dedicated a monograph to the Beatles, revisiting
their great classics, we decided to take on a new challenge, no longer a monograph but a work dedicated to a series of artists who have
unmistakably marked the universal musical world with their art and their very particular lifestyle! We called it "Forever Young" and it
tells the story of the "Club of 27" in music; an imaginary, dark and very elitist circle in which artists of the caliber of Jimi Hendrix, Janis
Joplin, Jim Morrison, Kurt Cobain, Amy Winehouse, Otis Redding found themselves enrolled, certainly unwillingly and without their
knowledge, after death snatched them from success on the threshold of twenty-seven, only to restore them, almost as compensation,
to immortal glory, just a stone's throw from legend. Musically speaking, thanks to the overflowing evocative power of Sarah Jane Morris's
voice, it was both fascinating and stimulating for us to try to restore It integrates the idea and mood that permeated and still live on in
these compositions, the rhythm, the melody, and the lyricism, in an original reinterpretation that accompanies the listener in the rediscovery of these masterpieces! Solis String Quartet
"Greatly talented creative people often die young, like Keats, Mozart, Schubert, Raphael, and the Brontë sisters. We tend to think of
them in two ways: we wonder what they might have accomplished had they lived longer. However, more positively, we can appreciate
their youthful talents as impervious to the passage of time, their brilliance preserved in their eternal youth. They will remain forever
young." Sarah Jane Morris

Mariel Buckleys ,Strange Trip Ahead" ist der mit Spannung erwartete Nachfolger ihres für den Polaris Music Prize nominierten Albums ,Everywhere I Used to Be". Auf diesem Album widmet sich Buckley noch stärker dem Alternative-Americana und Indie-Rock, mit klirrenden Akustikklängen, rauer Pedal Steel und ihrem charakteristischen melancholischen Ton. Die Lead-Single ,Vending Machines", produziert von Jarrad K (Ruston Kelly, Wild Rivers), leitet dieses neue Kapitel mit filmischen Details und schwungvollen Rhythmen ein und fängt die Orientierungslosigkeit des Lebens im Wandel mit beeindruckender Ehrlichkeit ein. Buckleys Ruf als scharfsinnige, verletzliche Geschichtenerzählerin wächst weiter, sie hat sich ein treues Publikum in der Americana-, Folk- und Alt-Country-Szene erarbeitet. Zu ihren Tourneen gehören Support-Slots für Orville Peck, The Bros. Landreth und k.d. lang sowie Auftritte bei SXSW, AmericanaFest und dem Philadelphia Folk Festival, die ihre Position in der modernen Roots-Landschaft festigen. Strange Trip Ahead ist Buckley in ihrer kühnsten Form - roh, echt und ohne Angst, Genregrenzen zu verwischen. Vom Pedal-Steel-Hook von ,Vending Machines" bis zum kraftvollen Album-Closer ,Anvil" bringen ihre geerdete Stimme und ihr exzentrischer Charme frische Energie in die zeitgenössische Americana. Es ist ein überzeugender Schritt nach vorne von einer Songwriterin, die sich still und leise zu einer der angesehensten Stimmen der kanadischen Roots-Musik entwickelt hat.

Seit langem fragen Leute, ob sie diese Alben erstehen könnten und bisher lautete die Antwort: Nein. Bisher! Wir sind begeistert, die Re-Issues dieser vier unglaublichen Alben mit verbessertem Artwork bekannt zu geben. Alle Alben wurden remastered und ist zum ersten Mal überhaupt auf Englisch erhältlich (eine englische CD-Version wird später auch noch erscheinen). Als die ursprünglichen Versionen veröffentlicht wurden, wurden die meisten Exemplare in Frankreich verkauft. Aber Yann wurde, nicht zuletzt durch den Soundtrack von ,Die fabelhafte Welt der Amelie auf der ganzen Welt bekannt. Für sein internationales Publikum hat er nun höchstpersönlich seine Titel mit größter Sorgfalt ins Englische übersetzt, um sicher zu stellen, dass die Originalinhalte beibehalten bleiben. Im Januar folgen die nächsten beiden Alben. ++ Auf "Rue Des Cascades" bedient sich YANN TIERSEN einer ganzen Armada an spannenden und mutagen Instrumenten: einiger sehr rare Instrumente, aber auch Klaviere, Kinderklaviere, Cembalo, Geigen, Akkordeon, Mandoline, Glockenspiel, Melodica und Banjo zusammen mit menschlichen Stimmen. Zusammen sorgt das für eine äußerst angenehme, entzückende und wunderschöne Musik mit einer warmen Atmosphäre. Einige der Stücke auf "Rue Des Cascades" tauchen auch auf TIERSENs "Amelie"-Soundtrack auf, so dass jeder, dem die Musik des Soundtrackes gefiel, auch hieran gefallen finden wird.