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"Room for the Moon Live" dokumentiert einen ekstatischen Abend, den die facettenreiche Produzentin und Performerin Kate NV ins Leben gerufen hat. Das Album wurde während einer einmaligen Show aufgenommen, die einige Jahre nach der Veröffentlichung von "Room for the Moon" (2020) stattfand. NV malt innerhalb und außerhalb der expressionistischen Linien ihrer Solo-Persönlichkeit und steht an der Spitze einer eklektischen achtköpfigen Band, die Material aus ihrem skurrilen und endlos faszinierenden zweiten Album aufgreift und weiterentwickelt. Für NV ist "Room for the Moon Live" mehr als nur ein Meilenstein, der die fünf Jahre seit der Veröffentlichung ihres zweiten Albums markiert. Die Aufnahme dokumentiert einen wichtigen und seitdem einmaligen Abend, an dem der Sound und die Seele des Albums und ihrer musikalischen Vertrauten einen Raum der Zuflucht in einer besonders schweren und isolierenden Zeit schufen. ,Das wichtigste Thema des Konzerts war, ein Team zu sein - zusammen", sagt NV. ,Musik zu spielen und zu versuchen, in dunklen Zeiten Freude zu verbreiten. Das war für mich sehr wichtig." Die Band wurde von NV aus einer eng verbundenen Gruppe von Musikerfreunden und häufigen Kollaborateuren zusammengestellt, wobei der Kern aus Mitgliedern von Glintshake besteht, der Post-Punk-Band, die sie 2012 mitbegründet hat. Unter NVs leichtfüßiger Leitung begann das Ensemble, die Richtung der Performance zu skizzieren und sich vorzustellen, wie sie einige der synthlastigeren Stücke von Room mit neuen Ideen und akustischen Texturen neu gestalten könnten, unterstützt durch ihre Offenheit für Improvisation, ,Jam"-Ästhetik und vor allem durch ihren freigeistigen Spaß an der Sache. ,Der Ansatz war in etwa: ,Leute, wir spielen Songs, aber hier können wir richtig wild werden`", erinnert sie sich. ,Ich hatte einige ,Musts`, die wir so originalgetreu wie möglich nachbilden mussten, weil sie für die Songs entscheidend waren, aber es war nie eine Priorität, alle in einen Käfig der Originale zu stecken. Die Tracks haben dadurch nur gewonnen und klingen kraftvoller als die Originalversionen." NV hebt ,Marafon 15" und ,Telefon" als besonders eindrucksvolle Beispiele für die tief groovenden, groovigen Art-Rock-Kräfte hervor, die die Originale auf der Bühne belebten. Aber auch über diese beiden Tracks hinaus sind alle Songs weiter ausgelegt und fließen freier, oft eine Minute oder mehrere Minuten länger als die Originale, da die Band einige der eher poporientierten Arrangements von Room aufbricht. NV verweist auch auf die ausgedehnten Solo-Passagen in ,Ça commence par" und die euphorische Coda von ,Lu Na", die während einer Probe der Band entstanden sind und dann für immer Teil des Songs geblieben sind, als einige der verspieltesten Momente des Albums. Live-Alben folgen, sei es aus Notwendigkeit oder aus Gewohnheit, meist einem altbewährten Muster: Sie dokumentieren eine Reihe von Abenden auf Tournee, an denen Künstler vor einem aufgeschlossenen, aber oft verschwommenen Publikum in fremden Städten spielen, die in einem impressionistischen Nebel aus Orten, Räumen, Bildern und Geschmäckern vorbeiziehen. Die Performance auf "Room for the Moon Live" ist etwas ganz anderes. Es ist Musik, die von Freunden für Freunde gemacht wurde, um zu heilen und zu fühlen, voller Freude und grenzenloser Großzügigkeit. Kate NVs "Room for the Moon Live" erscheint fast genau fünf Jahre nach der Veröffentlichung des Originalalbums, als limitierte Doppel-LP und in unbegrenzter digitaler Auflage.

LP-Box mit fünf Original-Studioalben von 1965.
(AAA) Remastered und direkt von den originalen analogen Mono-Bändern von Kevin Gray geschnitten.

Fünf Original-Studioalben, aufgenommen in einer Woche im August 1965 in New York City: Boppin', Smokin', Groovin', Comin' On, Cool Burnin' sind zum ersten Mal seit über 50 Jahren wieder auf Vinyl erhältlich. Für diese Aufnahmen, die einen Wendepunkt in seiner Karriere markieren, hat Chet Baker eine Band der Superlative um sich geschart: George Coleman, Kirk Lightsey, Herman Wright und Roy Brooks spielen alle auf diesen aufregenden Sets, die ursprünglich bei Prestige Recordings erschienen sind.

New Land hatte vollen Zugang zu den originalen analogen Monobändern, und Kevin Gray hat sie neu gemastert und geschnitten (AAA), um ihnen eine frische Klangfarbe zu verleihen. Das Herzstück dieser Box ist ein Buch mit einem unglaublich detaillierten Essay von GRAMMY® Nominee James Gavin, der die wahre Geschichte hinter diesen Aufnahmen mit Interviews der Beteiligten verbindet. Illustriert mit seltenen Fotos und Ephemera ist dies der bisher tiefste Einblick in diese Aufnahmen.

Chet Bakers Prestige-Aufnahmen aus dem Jahr 1965 markieren eine Übergangsphase - seine Rückkehr in die USA nach einer Zeit in Europa und einer Auseinandersetzung mit dem Rechtssystem. Diese Sessions zeigen ihn in einem raueren, expressiveren Ton, der aber immer noch von seiner charakteristischen lyrischen Schönheit durchdrungen ist. Die Aufnahmen entstanden auf dem Höhepunkt der Hard-Bop-Renaissance von Prestige Records und zeigen Baker zusammen mit dem Saxophon-Titanen George Coleman, der gerade mit Miles Davis auf Tournee war. Das Ergebnis ist ein rauer, swingender Quintett-Sound, direkt, gefühlvoll und ungeschminkt.

Nach Jahren des Umherziehens in Europa und scheinbar endlosen persönlichen Turbulenzen kehrte Chet in die USA zurück, um diese Sessions aufzunehmen. Ohne die jugendliche Unschuld seiner frühen Tage an der Westküste spielt Baker mit einer dunkleren, introspektiven Note - sein Horn singt immer noch, aber jetzt seufzt es auch.

Zusammen mit einer starken Rhythmusgruppe aus New York verbinden diese Aufnahmen die Eleganz des Cool Jazz mit der rauen Direktheit des Hard Bop der Ostküste. Baker zeigt sich hier von seiner menschlichsten Seite - zerbrechlich, lyrisch, ungefiltert.

Dies sind nicht einfach nur Aufnahmen aus Chets Spätzeit - sie sind ein Dokument seiner Neuerfindung. Für Sammler schließen sie eine wichtige Lücke zwischen seiner ikonischen Cool Jazz Ära der 1950er Jahre und seinen düsteren europäischen Sessions der 1970er Jahre.

Ltd Edition!

Das beeindruckende Solo-Debütalbum von Sydney Minsky-Sargeant, dem Kopf der Alt-Electro-Band Working Men's Club.

"Lunga" ist das beeindruckende Solo-Debütalbum von Sydney Minsky-Sargeant, dem Kopf der Alt-Electro-Band Working Men's Club. Während der Katalog von Working Men's Club Industrial-Post-Punk für den Indie-Dancefloor neu interpretiert, ist "Lunga" eine introspektive Platte, auf der Minsky Sargeant über das Erwachsenwerden und die Zeit zwischen Kindheit und Erwachsensein reflektiert. Die Tracks von "Lunga" wurden über mehrere Jahre hinweg in den Pausen zwischen den WMC-Verpflichtungen geschrieben und dann mit Alex Greaves im "The Nave" in Leeds aufgenommen. Die Lieder sind nachdenklich und suchend, mit einfachen Refrains, die oft über spärlichen Gitarrenlinien wiederholt werden. Minsky Sargeant spielt den Großteil der Instrumente selbst und erschafft mit zarten Drum Fills, unheimlichem Cello und dezenten Synthies eine bezaubernde Welt. Minsky Sargeant dachte, er hätte ein neues Wort kreiert, als er die Platte betitelte - etwas, das die selbsthinterfragende Stimmung der Platte und die Erforschung der Beziehung des Menschen zur Natur zusammenfasst. Dass sich "Lunga" dann als der Name einer unbewohnten schottischen Insel herausstellte - zerklüftet, isoliert und in ständiger Bewegung - ist der Beweis für eine einzigartige künstlerische Vision.

Das beeindruckende Solo-Debütalbum von Sydney Minsky-Sargeant, dem Kopf der Alt-Electro-Band Working Men's Club.

"Lunga" ist das beeindruckende Solo-Debütalbum von Sydney Minsky-Sargeant, dem Kopf der Alt-Electro-Band Working Men's Club. Während der Katalog von Working Men's Club Industrial-Post-Punk für den Indie-Dancefloor neu interpretiert, ist "Lunga" eine introspektive Platte, auf der Minsky Sargeant über das Erwachsenwerden und die Zeit zwischen Kindheit und Erwachsensein reflektiert. Die Tracks von "Lunga" wurden über mehrere Jahre hinweg in den Pausen zwischen den WMC-Verpflichtungen geschrieben und dann mit Alex Greaves im "The Nave" in Leeds aufgenommen. Die Lieder sind nachdenklich und suchend, mit einfachen Refrains, die oft über spärlichen Gitarrenlinien wiederholt werden. Minsky Sargeant spielt den Großteil der Instrumente selbst und erschafft mit zarten Drum Fills, unheimlichem Cello und dezenten Synthies eine bezaubernde Welt. Minsky Sargeant dachte, er hätte ein neues Wort kreiert, als er die Platte betitelte - etwas, das die selbsthinterfragende Stimmung der Platte und die Erforschung der Beziehung des Menschen zur Natur zusammenfasst. Dass sich "Lunga" dann als der Name einer unbewohnten schottischen Insel herausstellte - zerklüftet, isoliert und in ständiger Bewegung - ist der Beweis für eine einzigartige künstlerische Vision.

Was tun die Menschen um uns herum? Wie tun sie’s? „Wollen wir das nicht alle die ganze Zeit verstehen?“, fragt Alli Neumann, die mit ihrem dritten Studioalbum methaphorisch als funkelnder Stern auf hartem Asphalt landet. Als „ROQUESTAR“ muss sie sich dort erstmal orientieren. Inspiriert von David Bowies Ziggy Stardust, der fürs Seltsamsein bekannt wurde und sich was traut, auch um gesehen zu werden, blinkt Alli zwischen Auffallen und Anpassung. Die Musikerin bewegt sich längst fließend in dieser Dualität und changiert zwischen den Polen – man will ja doch von allen geliebt werden, oder?! Die Musikerin spielt mit diesem ambivalenten Gedanken, der unlösbar scheint und liefert mit ihrem Album „ROQUESTAR“ 12 Songs, die von genau diesem dringlichen Hunger nach Anerkennung getrieben sind. „Sie erzählen von dem Willen, geliebt zu werden.“ Eine Wahrheit und auch psychosoziale Utopie, vielleicht, „in der sich viele wiederfinden“, meint Alli, und ja doch schambehaftet daherkommt, weil deutlich wird: Wir sind schrecklich abhängig vom Außen, von dem wir so oft die Schnauze voll haben. Mit „Ich kann gar nichts“ schreibt Alli genau dagegen an: Eine selbstironische Hommage an die Imperfektion – wider jeder Erwartung. Geliebt werden wollen, trotz oder gerade wegen ... Rockstar sein, Alli sagt: „everybody’s favorite misfit“. Wie es geht, das mit dem Lieben, das ja auch immer damit einhergeht, wie es um die Liebe zu sich selbst steht, zeigt sich in der Gleichzeitigkeit ihrer Songs: Während Alli in „Vom anderen Stern“ zu Funk eine neue Liebe als Eskapismus zeichnet, „Baby lass dich fallen, um fliegen zu lernen“, erinnert sie in der Grungerock-Ballade „Nie wieder verlieren“ daran, wie giftig es sein kann, sich für einen Menschen aufzugeben. Auf „ROQUESTAR“ scheint alles in Bewegung. Es sind Anstöße, die die Musikerin gibt. Manchmal Anklagen, Aufforderungen, aus denen Sehnsüchte sprechen, nur nie Antworten. Auch weil das nicht zu Alli, der Artist, passen würde, die sich doch so gerne bewegt, wie die Welt, durch die sie fliegt. Durch Genres und Formate – als Musikerin, Schauspielerin, auf Bühnen, auch im Fernsehen, eine Künstlerin, die sich erfährt, (er)lebt, ein bunter Hund, Alli liebt, auch ihre Integrität. Und während die Songs in sich und auch im Miteinander organisch aufgehen, hört man mit etwas Genauigkeit zwei ungewöhnliche Instrumente spielen. Zwei barocke, die Allis „ROQUESTAR“-Modus musikalisch markieren. Zusammen mit ihrer Produzentin Novaa lässt sie Cemberlo und Fagott sich an vorherrschende Synthie- und Kraut-Pop-Sounds schmiegen, während das Fagott von den allermeisten aus der Popmusik verbannt wird. Sich wirklich zeigen, das kann Alli. „Being loved for not being loved“, beschreibt sie selbst, nur immer als Versuch. Bemerkenswert ist, dass die Musikerin bei ihrem Tempo und ihren Kurven der vergangenen Jahre nie Splitter ihres Ichs verloren hat. Während sie also 2025 zwischen den Zeilen über eine „ROQUESTAR“-Identität textet, ist sie es längst: Ein Stern, der vom Himmel auf den Boden einer steinigen Realität fällt, sich umschaut und unaufhörlich probiert. Im ewigen Gerangel zwischen laut und leise, Kraut und Folklore, Protest und Rückzug. Zwischen amüsiert und politisch, Großstadt und Landleben, 80ies und Barock. Alli und ihre Musik strahlen manchmal gleißend hell und manchmal gedimmt hinein in diese Welt, aber leuchten, das tun sie wirklich immer.

Die Black Lips sind mit einer 40-minütigen Rock'n'Roll-Odyssee quer durch die Genres zurück, bei der Garagenrock auf New-Wave-Pop trifft und verärgerter Country sich die Hand mit epischen Western-Soundtracks gibt. Das 14-Track-Album fängt die Energie und den Geist der frühen Black Lips ein und geht gleichzeitig neue Wege beim Songwriting. Das Album ist ein musikalisches Karussell, eine Trip mit straßengeschundenen Geschichten aus der Schattenseite eines lichtlosen Amerikas. Die Rahmung bildet "The Illusion", pt.I und II: eine Suche nach Hoffnung, Angst und Hass in einer Bar, die immer wieder von einem Gefühl der Resignation durchkreuzt wird: ,you reach for the sky / but it's an illusion". An anderer Stelle spielt sich "Wild One" wie ein Morricone-Taumel durch einen weiteren Tag in der Hölle ab. Ein Mantra für verkatertes, himmelschreiendes Klagelied zum Lob des Wilden im Herzen. "Tippy Tongue" zeigt, wie Black Lips den Soul der 60er-Jahre-Girlgroups aufgreifen, wie Shangri-Las oder Ronettes, die von Jayne/Wayne County infiltriert wurden, und ist eine Hommage an Buddha Records. "Kassandra" hat einen sonntäglichen Gitarrensound, der sich wie The Chocolate Watchband mit Zappa am Gesang durch immer wiederkehrende Salven schlängelt. "Zulu Saints" ist ein beschwingter Country-Hupf, ein Gute-Laune-Stück mit Bravour, gespickt mit Cole in einer ungläubigen Radio-Telefon-Show, der nach schwarzäugigen Erbsen sucht und an den Spielautomaten groß gewinnt. Für die Aufnahmen verschanzten sie sich in der idyllischen Umgebung von Schlagzeuger Oakleys neuem Sound At Manor Studio in den Catskills (das erste Album, das dort aufgenommen wurde, seit Oakley das Studio 2020 baute). In dieser idyllischen Umgebung entzog sich die Band dem Stadtleben und nahm ihre Musik analog auf Band auf - Teil ihres Bestrebens, Spontaneität zu leben und die Energie eines Live-Konzerts der Black Lips auf Platte einzufangen. Gelungen! "Simply masters in their field" NME" - Limitiertes, cremefarbenes Vinyl mit DLC sowie CD im Digisleeve

"Half Of It" ist ein Konzeptalbum, von Anfang bis Ende. Traurigkeit, Verlust und Trauer sind die Themen, die Jaimi aufgreift, durchdenkt, vertont und in eindringliche Worte packt. Er agiert dabei im Geiste von Ryan Adams" "Heartbreaker" oder Bon Ivers "For Emma, Forever Ago", Alben, die sich auf ihre Art mit den benannten Themen auseinandersetzen. "Meine Platte "Half Of It" ist genau das - eine Platte, auf der ich eine Bestandsaufnahme meiner Gefühle mache, mich mit ihnen auseinandersetze, sie verarbeite und schließlich über meine Erfahrungen schreibe. Es ist bei weitem das verletzlichste Album, das ich bisher gemacht habe, und dementsprechend war es für mich ein sehr kathartisches Album." ergänzt der Künstler. "Half of it" ist nichts für Zartbesaitete: Es ist ein intensives Hörerlebnis, das den Hörer auf eine sehr persönliche Reise einlädt. Jaimi trägt sein Herz auf der Zunge und gibt einen intimen Einblick in seine persönliche Reise. "Half of it" ist der perfekte Begleiter für jeden, der sich von einem geliebten Menschen verabschieden musste. Wie schon auf den Vorgängern Back Road und Allen Keys & Broken Bits spielt er versiert und eingängig mit Blues, Soul, Rock und Songwriter Versatzstücken. Und doch ist es diesmal anders, denn es ist ein sehr persönliches, reflektierendes Album, mit dem er die letzten Jahre aufarbeitet. Ein Album, das textlich tief in die Seele des Musikers blicken lässt.

NEW SAINTS sind Mel Quitt (Gitarre) und Harry Darling (Gesang und Gadgets) - und nein, sie sind nicht vom Himmel gefallen. Beide sind seit mehr als einem Jahrzehnt fester Bestandteil der Punkrock-Szene und schreiben, nehmen auf und spielen seit ihrer Jugend zusammen Musik. Mit ihrer vorherigen Band BITCH QUEENS haben sie über 7 Alben veröffentlicht und ausgiebig durch ganz Europa, die USA und sogar Japan getourt. Die NEW SAINTS bleiben ihren Wurzeln treu, während sie eine erfrischend vielfältige Mischung aus schweren Gitarren, Hardcore-Gesang, elektronischen Beats und verzerrten Synthesizern bieten. Es ist modern, aber echt, direkt, aber melodiös, sozialkritisch, aber unterhaltsam - ein perfekter Mix, der dich gleichzeit tanzen und pogen lässt, bis der Schweiss von der Decke tropft!

Die frühen Achtzigerjahre waren für den härteren Rock aus Deutschland eine ganz besondere Zeit. Der ausufernde Progressive Rock und der sogenannte Krautrock waren am Ausklingen, der Punk musste dem New Wave weichen und der Heavy Metal begann Fahrt aufzunehmen.

Einige Bands saßen zwischen 1980 und 1983 zwischen den Stühlen und können gar als „das fehlende Glied“ bezeichnet werden. In diesem Boxset
befinden sich gleich drei Schmuckstücke und Geheimtipps, die heute sogar aufregender klingen als damals. REQUIEM kamen aus Stuttgart
und lieferten auf ihrer einzigen LP einen Mix aus Hardrock, Pomprock und Progressive Rock. Gitarrist Tommy Clauss wurde später mit Bands wie ZAR
berühmt, bei denen auch ex-Uriah Heep Sänger John Lawton dabei war.

SPHINX ist eine andere Geschichte, denn hier haben ein paar italienische Gastarbeitersöhne im Raum Stuttgart eine Band gegründet. So wurde
das Debüt „Here We Are“ vom Label als „Made In Italy“ verkauft, was natürlich nur eine Verkaufsstrategie war. SPHINX nehmen das voraus,
was uns Jahre später unter Anderem Dream Theater lieferten. Eine frühe Version des Prog Metal, oder ein Vorläufer davon. Das gleiche Album wurde
von einem anderen Label 1985 als „Burning Lights“ erneut ins Rennen geschickt; dieses Mal mit einem Heavy Metal-tauglichem Coverartwork.
LIMERICK aus Saarbrücken haben als Schülerband 1980 eine heute sehr rare Single aufgenommen. Das einzige Album erschien dann 1983 – mit
deutschen Texten! Regional war der kräftige Rock mit Dialekt im Gesang sehr erfolgreich und spielte Shows mit Kim Wilde und Climax Blues Band.
Die Gruppe ist heute wieder aktiv und wurde kürzlich im Magazin Rock Hard gefeatured

River of Music, das neue Album der „musikalischen Zauberer“ der Kanneh-Masons (The Guardian), bringt
nach dem Erfolg von Carnival (2020) alle sieben Geschwister - Isata, Braimah, Sheku, Konya, Jeneba, Aminata und Mariatu - wieder zusammen. Auf dem Album sind neue Arrangements von klassischen Werken
bis hin zu Folk-Songs zu hören. Das Herzstück bildet Schuberts Forellenquintett - ein Lieblingsstück der
Familie, das die Geschwister seit ihrer Kindheit gemeinsam hören. River of Music wurde im Sommer 2024
in den Abbey Road Studios aufgenommen und erzählt, wie die Liebe der Kanneh-Masons zur Musik über
Generationen hinweg weitergetragen wurde. Von der walisischen Großmutter, die ihrer Liebe über das Meer
nach Sierra Leone folgte, bis hin zum antiguanischen Großvater, der seine eigenen Träume einer Musikkarriere weitergab, feiert dieses Album die musikalischen Wurzeln der Familie Kanneh-Mason.
”Dies ist eine Geschichte über unsere Familie und die Quellen unserer Musik. Musik fließt wie ein Fluss
durch die Generationen, und unsere Leidenschaft, Musik zu hören und zu spielen, stammt von unseren
Großeltern und ihren Geschichten, von den Orten und Träumen, die sie weitergegeben haben...”
Konya Kanneh-Mason, Grandad’s Dream

Nach dem Erfolg der ersten zehn Alben der Vinyl Edition von Hyperion (veröffentlicht im September 2024
und März 2025) folgen nun sechs weitere LPs. Alle Alben erscheinen erstmals auf Vinyl und zeigen weltweit
tourende Künstler, mit denen das Label seit langem eng zusammenarbeitet. Jeder der sechs Titel wird als
limitierte 180g-LP erscheinen, die in einem vollfarbigen Gatefold präsentiert wird und mit einem Begleitheft
ausgestattet ist.
2025 feiert das Nash Ensemble sein 60-jähriges Bestehen, und Hyperion begeht diesen Anlass mit einem
Programm aus Debussys Sonaten & Prélude à l’après-midi d’un faune. Das Originalalbum stand Anfang
des Jahres auf Platz 1 der britischen Specialist Charts, und die Times schrieb: ”Sechzig Jahre haben uns
gezeigt, dass mit den Musikern des Nash Ensembles, ganz gleich, welches Repertoire sie spielen, eigentlich
nie etwas schiefgehen kann.
Das Nash Ensemble, residierendes Kammerensemble in der Londoner Wigmore Hall, gilt als Vorreiter
des britischen Musiklebens und wurde von The Independent als „unvergleichliche Kammermusikgruppe“
bezeichnet. Das Nash Ensemble hat sich einen bemerkenswerten Ruf als eines der besten Ensembles
Großbritanniens erarbeitet und sich dank des Engagements seiner Gründerin und künstlerischen Leiterin
Amelia Freedman und des Kalibers seiner Spieler einen ähnlichen Ruf in der ganzen Welt erworben.

Nach dem Erfolg der ersten zehn Alben der Vinyl Edition von Hyperion (veröffentlicht im September 2024
und März 2025) folgen nun sechs weitere LPs. Alle Alben erscheinen erstmals auf Vinyl und zeigen weltweit
tourende Künstler, mit denen das Label seit langem eng zusammenarbeitet. Jeder der sechs Titel wird als
limitierte 180g-LP erscheinen, die in einem vollfarbigen Gatefold präsentiert wird und mit einem Begleitheft
ausgestattet ist.
Alina Ibragimovas Aufnahme der Solo-Violinkonzerte von Bach mit Jonathan Cohen und Arcangelo wurde
bei ihrer CD-Veröffentlichung von der Kritik durchweg gelobt. Gramophone begrüßte sie als „eine herausragende und unverwechselbare Ergänzung zu einem Katalog, der aus allen Nähten platzt“, und Classic FM
lobte Ibragimova für ihr „Spiel auf höchstem Niveau“.
Als Interpretin von Barockmusik bis hin zu neuen Kompositionen auf modernen und historischen Instrumenten hat sich Alina Ibragimova einen Ruf für ihre Vielseitigkeit und die „Unmittelbarkeit und Ehrlichkeit“
(The Guardian) ihrer Darbietungen geschaffen. Alina Ibragimova ist unter anderem mit Orchestern wie
dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks und dem London Philharmonic sowie den Dirigenten
Sir John Eliot Gardner und Jakub Hrůša aufgetreten.

Neue Auflage, Fu Manchus komplette Performance 2003 beim Roadburn Festival, ein legendäres Fu-Set mit den Klassikern "Squash That Fly", "Hell On Wheels", "Boogie Van" und "King Of The Road". Die Band fand die professionellen Originalaufnahmen, die direkt vom Soundboard aufgenommen wurden, und hat diese speziell für diese Veröffentlichung mastern lassen. Scott Hill, Leadsänger/Gitarre von Fu Manchu kommentiert: "Roadburn im Jahr 2003 zu spielen, war ein Riesenspaß! Es war das Jahr, bevor wir "Start The Machine" herausbrachten, und wir spielten zum ersten Mal auf dieser Tour ein paar Songs davon live. Einer der Songs, der auf diesem Live-Album zu hören ist, "I Wanna Be", ist ein anderes Arrangement als das, was dann auf der Studio-Veröffentlichung gelandet ist". 2025er Pressung als rot-gelbe- blauees Splatter-Vinyl!

"Cutthroat ist eine wilde Fahrt. Es ist für den unerfahrenen Fahrer. Für denjenigen, der einfach nur schnell fahren will, ohne einen anderen Grund als den, dass es Spaß macht. Es wird von Hunger angetrieben. Hunger nach etwas Besserem. Nach etwas, von dem man einem gesagt hat, dass man es nicht verdient. Es ist instinktiv. Es ist roh. Es ist kompromisslos. Es ist die Person, die unangekündigt auf der Party auftaucht. Denn wenn du am Boden liegst, gibt es nur einen Weg - nach oben. Wenn du nichts hast, hast du nichts zu verlieren." - shame "Cutthroat" ist shame in seiner besten Form. Das neue Album mit Grammy-Preisträger John Congleton am Ruder ist unerbittlich, aufgemotzt und überladen. Es ist genau da, wo man shame haben möchte. "It's about the cowards, the cunts, the hypocrites", sagt Sänger Charlie Steen und ergänzt: "Seien wir ehrlich, von denen gibt es im Moment eine Menge." Die fünf Freunde aus Kindertagen - Charlie Steen, die Gitarristen Sean Coyle-Smith und Eddie Green, Bassist Josh Finerty und Schlagzeuger Charlie Forbes - sind noch in ihren Zwanzigern und haben shame exponentiell wachsen lassen, mit ehrgeizigen klanglichen Ideen und den technischen Möglichkeiten, sie umzusetzen. shame haben sich mit ihren legendären Liveshows und drei von der Kritik gefeierten Alben bereits mehrfach bewährt und waren bereit, mit "Cutthroat" ein neues Ground Zero zu schaffen. "Hier geht es darum, wer wir sind", sagt Steen. "Unsere Live-Shows sind keine Performance-Kunst - sie sind direkt, konfrontativ und roh. Das war schon immer der Kern von uns. Wir leben in verrückten Zeiten. Aber es geht nicht um 'Armes Ich'. Es geht um 'Fick dich'." Entscheidend für diese aufrüttelnde neue Sichtweise war Produzent John Congleton (St. Vincent, Angel Olsen). Von ihrem ersten Treffen an wurde Congletons "No-Bullshit"-Herangehensweise zu einer treibenden Kraft, um die Ideen der Band zu optimieren. Das Album ist durch und durch von shames typischen Sinn für Humor geprägt und nimmt sich der großen Themen unserer Zeit an und spielt fröhlich mit ihnen. Mit Trump im Weißen Haus und shame in den Salvation Studios in Brighton, werfen sie einen gnadenlosen Blick auf Themen wie Konflikte und Korruption, Hunger und Begehren, Lust, Neid und den allgegenwärtigen Schatten der Feigheit. Auch musikalisch spielt die Platte mit neuen Ideen, die ins Herz gehen. Coyle-Smith, der auf Tournee zum Spaß elektronische Musik macht, hatte die Loops, die er herstellte, zuvor als etwas anderes betrachtet als das, was er für shame schrieb. Dann wurde ihm klar, dass sie das vielleicht gar nicht sein müssen. "Diesmal konnte man alles verwenden, wenn es gut klang und man es richtig machte", sagt er. Die erste Single und der Titeltrack von "Cutthroat" greifen diese Idee auf und machen daraus den vielleicht besten Song, den shame je auf Band gebracht haben. Es ist ein Knäuel kaum zu bändigender Attitüde, verpackt in drei Minuten Indie-Dancefloor-Hedonismus. Er führt auch meisterhaft in die lyrische Perspektive des Albums ein: eine, in der selbstsichere Arroganz und tiefe Unsicherheit zwei Seiten der gleichen Medaille sind. "Ich habe viele Stücke von Oscar Wilde gelesen, in denen sich alles um Paradoxe dreht", erklärt Steen. "In 'Cutthroat' geht es um diese ganze Idee aus 'Lady Windermere's Fan': 'Das Leben ist viel zu wichtig, um ernst genommen zu werden'." Auch diese freche Selbsterkenntnis ist wichtig. So sehr shame die Seifenblasen des Getöses und des Egos zerplatzen lassen wollen und uns ermutigen, in den Spiegel zu schauen und uns zu fragen: "Wer den ersten Stein wirft...", so sehr verstehen sie auch, dass das Leben im Grunde genommen oft lächerlich ist. Das Ergebnis ist ein Album, das in den Idiosynkrasien des Lebens schwelgt, eine Augenbraue hochzieht und die unangenehmen Fragen stellt, die so oft taktvoll übergangen werden. Aber die einzige Antwort, die "Cutthroat" mit durchschlagendem Erfolg gibt, ist, dass shame im Moment nie besser klangen.

"Cutthroat ist eine wilde Fahrt. Es ist für den unerfahrenen Fahrer. Für denjenigen, der einfach nur schnell fahren will, ohne einen anderen Grund als den, dass es Spaß macht. Es wird von Hunger angetrieben. Hunger nach etwas Besserem. Nach etwas, von dem man einem gesagt hat, dass man es nicht verdient. Es ist instinktiv. Es ist roh. Es ist kompromisslos. Es ist die Person, die unangekündigt auf der Party auftaucht. Denn wenn du am Boden liegst, gibt es nur einen Weg - nach oben. Wenn du nichts hast, hast du nichts zu verlieren." - shame "Cutthroat" ist shame in seiner besten Form. Das neue Album mit Grammy-Preisträger John Congleton am Ruder ist unerbittlich, aufgemotzt und überladen. Es ist genau da, wo man shame haben möchte. "It's about the cowards, the cunts, the hypocrites", sagt Sänger Charlie Steen und ergänzt: "Seien wir ehrlich, von denen gibt es im Moment eine Menge." Die fünf Freunde aus Kindertagen - Charlie Steen, die Gitarristen Sean Coyle-Smith und Eddie Green, Bassist Josh Finerty und Schlagzeuger Charlie Forbes - sind noch in ihren Zwanzigern und haben shame exponentiell wachsen lassen, mit ehrgeizigen klanglichen Ideen und den technischen Möglichkeiten, sie umzusetzen. shame haben sich mit ihren legendären Liveshows und drei von der Kritik gefeierten Alben bereits mehrfach bewährt und waren bereit, mit "Cutthroat" ein neues Ground Zero zu schaffen. "Hier geht es darum, wer wir sind", sagt Steen. "Unsere Live-Shows sind keine Performance-Kunst - sie sind direkt, konfrontativ und roh. Das war schon immer der Kern von uns. Wir leben in verrückten Zeiten. Aber es geht nicht um 'Armes Ich'. Es geht um 'Fick dich'." Entscheidend für diese aufrüttelnde neue Sichtweise war Produzent John Congleton (St. Vincent, Angel Olsen). Von ihrem ersten Treffen an wurde Congletons "No-Bullshit"-Herangehensweise zu einer treibenden Kraft, um die Ideen der Band zu optimieren. Das Album ist durch und durch von shames typischen Sinn für Humor geprägt und nimmt sich der großen Themen unserer Zeit an und spielt fröhlich mit ihnen. Mit Trump im Weißen Haus und shame in den Salvation Studios in Brighton, werfen sie einen gnadenlosen Blick auf Themen wie Konflikte und Korruption, Hunger und Begehren, Lust, Neid und den allgegenwärtigen Schatten der Feigheit. Auch musikalisch spielt die Platte mit neuen Ideen, die ins Herz gehen. Coyle-Smith, der auf Tournee zum Spaß elektronische Musik macht, hatte die Loops, die er herstellte, zuvor als etwas anderes betrachtet als das, was er für shame schrieb. Dann wurde ihm klar, dass sie das vielleicht gar nicht sein müssen. "Diesmal konnte man alles verwenden, wenn es gut klang und man es richtig machte", sagt er. Die erste Single und der Titeltrack von "Cutthroat" greifen diese Idee auf und machen daraus den vielleicht besten Song, den shame je auf Band gebracht haben. Es ist ein Knäuel kaum zu bändigender Attitüde, verpackt in drei Minuten Indie-Dancefloor-Hedonismus. Er führt auch meisterhaft in die lyrische Perspektive des Albums ein: eine, in der selbstsichere Arroganz und tiefe Unsicherheit zwei Seiten der gleichen Medaille sind. "Ich habe viele Stücke von Oscar Wilde gelesen, in denen sich alles um Paradoxe dreht", erklärt Steen. "In 'Cutthroat' geht es um diese ganze Idee aus 'Lady Windermere's Fan': 'Das Leben ist viel zu wichtig, um ernst genommen zu werden'." Auch diese freche Selbsterkenntnis ist wichtig. So sehr shame die Seifenblasen des Getöses und des Egos zerplatzen lassen wollen und uns ermutigen, in den Spiegel zu schauen und uns zu fragen: "Wer den ersten Stein wirft...", so sehr verstehen sie auch, dass das Leben im Grunde genommen oft lächerlich ist. Das Ergebnis ist ein Album, das in den Idiosynkrasien des Lebens schwelgt, eine Augenbraue hochzieht und die unangenehmen Fragen stellt, die so oft taktvoll übergangen werden. Aber die einzige Antwort, die "Cutthroat" mit durchschlagendem Erfolg gibt, ist, dass shame im Moment nie besser klangen.

Ready for take off?

With his new album 'Cruise Control', Satin Jackets presents a perfect musical soundtrack for relaxed moments that take us away from the stresses of everyday life. The title of the album is meaningful: 'Cruise Control' stands for the feeling of switching on the autopilot, leaning back and enjoying the journey to the fullest - an atmosphere that the album unfolds.

The album is a collection of singles that have been released over the last few years and are all interwoven at their core. Because no matter where you listen to the songs, they work, images arise in your head and your feet rarely stay still. Satin Jackets remains true to himself with his album sound, as he repeatedly receives feedback from listeners who appreciate the positive mood in his songs and which always puts them in a good mood.

The songs are first created in the producer's head and then develop together with the features, who add their own touch. For Satin Jackets, 'the most important thing is this immediate feeling that it fits musically and atmospherically'. This can also come out of nowhere, as was the case with David Bay and Small Black, who got in touch with the producer and it was an instant fit.

'There are always those magical moments when a song comes out of nowhere. Once I had an idea for a chord sequence that I couldn't get out of my head, but somehow that certain something was still missing. I then spontaneously asked a bassist friend of mine if he would like to play something to it - ten minutes later we had a hook that carried the whole piece. It's these unexpected, spontaneous inspirations that make the process so exciting.'

'Cruise Control' is more than just another album from Satin Jackets. It is an invitation to enjoy the moment and surrender to the music - a soundtrack that creates a good mood and takes us on a relaxing journey. So just switch on the autopilot again, put on your headphones and let yourself go.

Ready for take off?

Satin Jackets präsentiert mit seinem neuen Album "Cruise Control" einen perfekten musikalischen Begleiter für entspannte Momente, die uns vom Alltagsstress befreien. Der Titel des Albums ist vielsagend: "Cruise Control" steht für das Gefühl, den Autopiloten einzuschalten, sich zurückzulehnen und die Reise in vollen Zügen zu genießen - eine Atmosphäre, die das Album entfaltet.

Das Album ist eine Sammlung der Singles, die über die letzten Jahre erschienen und im Kern alle miteinander verwoben sind. Denn egal, wo man die Songs hört, sie funktionieren, es entstehen Bilder im Kopf und die Füße bleiben selten still. Mit dem Albumsound bleibt Satin Jackets sich treu, denn immer wieder bekommt er die Rückmeldung von Hörer:innen, die die positive Stimmung in seinen Songs schätzen und die immer wieder für gute Laune sorgt.

So entstehen die Songs zuerst im Kopf des Produzenten und entwickeln sich im Anschluss gemeinsam mit den Features, die ihre eigene Note mit einbringen. Für Satin Jackets ist es "das Wichtigste dieses unmittelbare Gefühl, dass es musikalisch und atmosphärisch passt". Das kann auch aus dem Nichts kommen, so wie bei David Bay und Small Black, die sich bei dem Produzenten meldeten und es sofort passte.

"Es gibt immer wieder diese magischen Momente, in denen ein Song quasi aus dem Nichts entsteht. Einmal hatte ich eine Idee für eine Akkordfolge, die mir nicht aus dem Kopf ging, aber irgendwie fehlte noch das gewisse Etwas. Ich habe dann spontan einen befreundeten Bassisten gefragt, ob er etwas dazu spielen möchte - zehn Minuten später hatten wir einen Hook, der das ganze Stück getragen hat. Es sind diese unerwarteten, spontanen Eingebungen, die den Prozess so spannend machen."

"Cruise Control" ist mehr als nur ein weiteres Album von Satin Jackets. Es ist eine Einladung, den Moment zu genießen und sich der Musik hinzugeben - ein Soundtrack, der für gute Stimmung sorgt und uns auf eine entspannte Reise mitnimmt. Von daher einfach mal wieder den Autopiloten einschalten, , Kopfhörer aufsetzen und fallen lassen.

„A Danger to Ourselves“, das neue Album von Lucrecia Dalt, erscheint am 5. September 2025 bei RVNG Intl. und ist eine gewagte und doch intime Reflexion über die ungefilterten Komplexitäten menschlicher Beziehungen. Ohne die fiktiven Erzählungen der letzten Alben der Künstlerin kommt „A Danger to Ourselves“ von einem Ort der emotionalen Aufrichtigkeit. Dalts Stimme steht im Mittelpunkt und wird von einer üppigen akustischen Orchestrierung, perkussiven Instrumenten und einer Reihe hochkarätiger Mitstreiter unterstützt, die sich wie ein tiefes persönliches Gespräch entwickeln.



Die in Pereira, Kolumbien, geborene Dalt wuchs in einer musikbegeisterten Familie auf, die sie im Alter von neun Jahren dazu ermutigte, eine Gitarre in die Hand zu nehmen. Dalt folgte diesem kreativen Impuls, war fasziniert von computergestützter Produktion und verließ eine aufkeimende Karriere als Bauingenieurin, zog von Medellín nach Barcelona und schließlich nach Berlin, wo sie ihren unverwechselbaren, abenteuerlichen Sound entwickelte. Mit „Anticlines“ (2018) und „No era sólida“ (2020) und vor allem mit „¡Ay!“, Dalts bahnbrechendem Sci-Fi-Bolero-Album von 2022, hat sich ihre Arbeit auf immer anspruchsvolleres Terrain begeben. Auf dem Weg dorthin hat Dalt ihre Praxis auf die Vertonung von Filmen wie „On Becoming a Guinea Fowl“ (2024), die HBO-Serie „The Baby“ (2022) und den bevorstehenden psychologischen Horrorfilm „Rabbit Trap“ ausgeweitet, während sie Klanginstallationen und Performances kreiert, die ihre leuchtenden Modulationen und ihren unverwechselbaren, sich entwickelnden stimmlichen Ansatz zur Schau stellen. „A Danger to Ourselves“ entstand aus fragmentarischen Erklärungen, die Dalt aufschrieb, während sie das Leben auf der Tournee von „¡Ay!“ und die prägenden Momente einer neuen Beziehung meisterte. Im Januar 2024 begann sie, diese intimen Fragmente zu musikalischen Kompositionen zu kristallisieren, die allmählich zu einer zielgerichteten Konstellation von Songs wurden. Die Klangarchitektur des Albums basiert auf dynamischen Drum-Loops, die von Alex Lázaro beigesteuert werden, dessen perkussives Rückgrat wie bei „¡Ay!“ zur Leinwand für Dalts vielschichtigen Gesang wurde. Anstatt konventionellen melodischen Strukturen zu folgen, erzeugt das Album Musikalität durch das Zusammenspiel von Basslinien, Rhythmen und kompositorischem Design. „A Danger to Ourselves“ offenbart Dalts kompromissloses Streben nach klanglicher Klarheit, bei dem kühne Produktionsentscheidungen und sorgfältige Aufnahmetechniken Stimme und Instrument mit neuer Tiefe und Strahlkraft harmonieren lassen. „A Danger to Ourselves“ ist eindeutig anti-konzeptionell und ein poetischer Instinkt, mit dem Dalt den Fokus auf die Musik selbst lenkt, indem er Stimmen verwendet, die über die Parameter der Songs hinaus schwingen, und die perlenden Echos der ursprünglichen, romantischen Erregung beobachtet. Dalts klare Aufmerksamkeit für Details ist in jedem Takt spürbar, eine Hingabe, die sich in konzentrischen Kreisen dreht und ein Feld bildet, das das Persönliche und das Ätherische vereint. Das Album basiert auf intuitiven Experimenten und nutzt einfache Gesten und komplexe Kompositionen, um wandernde Linien zu weben, wie in „Divina“, das sich zwischen Spanisch und Englisch durch elastische Klanglandschaften bewegt. Der Titel des Albums geht auf David Sylvians Text „cosa rara“ zurück, der die Zerbrechlichkeit des Lebens, die Schwingungen der Liebe und die treibende Sehnsucht nach dem Wundersamen symbolisiert. „A Danger to Ourselves“ spiegelt diese transzendenten Zustände wider, indem es die Komplexität menschlicher Verstrickungen und den Wunsch nach Befreiung von Dopaminspiralen und gewöhnlichen Pfaden hin zu einer offeneren inneren Welt widerspiegelt. Sylvian selbst hat auf „A Danger to Ourselves“ eine Doppelrolle als Co-Produzent und Musiker gespielt. Es ist eine kollaborative Collage mit Beiträgen zahlreicher gefeierter Künstler. Weitere Kollaborationen ziehen sich durch das gesamte Album: Juana Molina ist Co-Autorin und Interpretin von „The Common Reader“, Camille Mandoki singt bei „Caes“, Cyrus Campbell spielt den grundlegenden Elektro- und Kontrabass, und Eliana Joy steuert bei mehreren Stücken Hintergrundgesang und Streicherarrangements bei. In den leuchtenden Tiefen von „A Danger to Ourselves“ inszeniert Dalt eine tiefgreifende Metamorphose, bei der das Persönliche durch klangliche Alchemie zum Universellen wird. Dieses Album ist sowohl Höhepunkt als auch Aufbruch - ein Portal, an dem ihre früheren experimentellen Reisen zu etwas verblüffend Intimem und doch Expansivem zusammenlaufen. Das Album ist ein Netz emotionaler Offenbarungen, jede Komposition ein präziser Indikator für Verletzlichkeit, in der Dalts Stimme eine Offenbarung in neuen harmonischen Gefilden verkörpert. Dalt hat ein lebendiges Dokument der Intuition jenseits konventioneller Grenzen geschaffen, das den Weg in Bereiche eröffnet, in denen die Musik sowohl Spiegel als auch Fenster ist.



Für Fans von PJ Harvey, Broadcast, St. Vincent, ML Buch, Stereolab, Cate LeBon, Aldous Harding, Mabe Fratti, Dry Cleaning, Juana Molina

"Double Infinity" folgt auf das Grammy-nominierte Album "Dragon New Warm Mountain I Believe In You" und wurde im letzten Winter in der New Yorker Power Station aufgenommen. Drei Wochen lang pendelte die Band mit ihren Rädern auf vereisten Wegen zwischen Brooklyn und dem Studio in Manhattan hin und her, um dort Tag für Tag zusammen zu spielen, zu improvisieren und zu arrangieren. Daran war neben der Kernbesetzung Adrianne Lenker, Buck Meek und James Krivchenia eine Community von zehn Musikerinnen und Musikern beteiligt. "Double Infinity" wurde so live mit minimalen Overdubs vom langjährigen Band-Partner Dom Monks aufgenommen, der auch Engineering und Mix übernahm.

"Double Infinity" folgt auf das Grammy-nominierte Album "Dragon New Warm Mountain I Believe In You" und wurde im letzten Winter in der New Yorker Power Station aufgenommen. Drei Wochen lang pendelte die Band mit ihren Rädern auf vereisten Wegen zwischen Brooklyn und dem Studio in Manhattan hin und her, um dort Tag für Tag zusammen zu spielen, zu improvisieren und zu arrangieren. Daran war neben der Kernbesetzung Adrianne Lenker, Buck Meek und James Krivchenia eine Community von zehn Musikerinnen und Musikern beteiligt. "Double Infinity" wurde so live mit minimalen Overdubs vom langjährigen Band-Partner Dom Monks aufgenommen, der auch Engineering und Mix übernahm.

"Double Infinity" folgt auf das Grammy-nominierte Album "Dragon New Warm Mountain I Believe In You" und wurde im letzten Winter in der New Yorker Power Station aufgenommen. Drei Wochen lang pendelte die Band mit ihren Rädern auf vereisten Wegen zwischen Brooklyn und dem Studio in Manhattan hin und her, um dort Tag für Tag zusammen zu spielen, zu improvisieren und zu arrangieren. Daran war neben der Kernbesetzung Adrianne Lenker, Buck Meek und James Krivchenia eine Community von zehn Musikerinnen und Musikern beteiligt. "Double Infinity" wurde so live mit minimalen Overdubs vom langjährigen Band-Partner Dom Monks aufgenommen, der auch Engineering und Mix übernahm.

Comet Dust Red Vinyl. Jason Molina war ein Künstler, der nicht gerne zurückblickte. Während seines gesamten Lebens und seiner Karriere als Singer-Songwriter trieb ihn ein rastloser und sich ständig weiterentwickelnder kreativer Impuls voran, der seinen Fokus auf das Wesentliche richtete. Seine unermüdliche Kreativität und Arbeitsmoral trugen Früchte. In seinem kurzen Leben erreichte Molina das, wonach die meisten Musiker streben: einen Sound, der sofort wiedererkennbar ist, sich aber selten wiederholt. Von den Ufern des Eriesees in seiner Heimatstadt Lorain, Ohio, bis hin zu internationalen Bühnen mit seinen Bands Songs: Ohia und Magnolia Electric Co. spielte Molina sein umfangreiches Repertoire an geheimnisvollen, romantischen, stürmischen und monumentalen Songs, die gleichzeitig innovativ und in der amerikanischen Tradition verwurzelt waren. Er tüftelte ständig an seinem Sound, seinem Image, seiner Band und seinem Zuhause, um seine Muse zu befriedigen. Ein Tenor-Gitarre spielender Außenseiter. Ein liebeskranker Lo-Fi-Indie-Rocker. Ein trauriger Slowcore-Barde. Ein Pionier des Roots-Rock des 21. Jahrhunderts. Ein kanonischer Songwriter des Mittleren Westens. Jason Molina hat seine kreative Flagge in all diesen Bereichen gehisst - um seinen Anspruch zu markieren, um zu zeigen, wie weit er gekommen war, und um eine Spur wertvoller Talismane zu hinterlassen. Mit ,I Will Swim to You: A Tribute to Jason Molina" - benannt nach einer Zeile aus Molinas Song ,Lioness" - würdigen Run For Cover Records und eine Gruppe befreundeter Künstler den bleibenden Einfluss des Songwriters. Die Compilation mit Molina-Covers wurde von einigen der visionärsten Singer-Songwritern der Gegenwart eingespielt, darunter MJ Lenderman, Hand Habits, Horse Jumper of Love, Sun June und viele mehr, und enthält einzigartige Interpretationen von Molina-Fan-Favoriten und weniger bekannten Stücken aus seinen Soloalben und weniger bekannten EPs. Das Ergebnis ist eine unverwechselbare Liebeserklärung, eine oft atemberaubende Gesamtdarbietung generationenübergreifender Talente, die einem der begabtesten, aber unterschätzten amerikanischen Songwriter Tribut zollen.

UK Subs, gegründet 1976, muss man eigentlich nicht mehr vorstellen. Sie gehören zur ersten Welle der Punkbewegung in England und sind bis heute in wechselnden Besetzungen aktiv. 1991 erschien auf Receiver Records die CD und LP „Live At The Roxy Club“.Eine ungespielte Kopie der 1991er
Pressung bekommt man nicht unter 150 Euro.

Ob „Live At The Roxy Club“ eine EP oder ein Album ist, wurde bisher nicht wirklich festgelegt. Die Spieldauer liess aber zu, zwei Versionen auf die LP zu packen. Seite 1 enthält das 2025 Remaster von Neudi, während Seite 2 das alte Master enthält.

Wer auf unverfälschten und authentischen Punk und Punkrock steht, kommt an „Live At The Roxy Club“ nicht vorbei. Die immer noch aktive Band spielt zudem dieses Jahr in Wacken, was ihnen ebenso mediale Aufmerksamkeit schenken wird, wie die vielen Pressemeldungen über die Einreiseprobleme in die USA

Nach dem ausgiebig gefeierten Meisterwerk ,Slave Ambient" (2011) erscheint nun zwei Jahre später - im März 2014 - das dritte Album der aus Philadelphia stammenden Band THE WAR ON DRUGS. "Lost in the Dreams" heißt das neue Glanzstück der Band um Adam Granduciel, deren Gründungsmitglied Kurt Vile mittlerweile solo unterwegs ist. Mit der Veröffentlichung des letzten Albums ,Slave Ambient" gelang der Band der langersehnte und verdiente Durchbruch. Daraufhin tourte die Band zwei Jahre lang von North Carolina bis New York City durch alle Rockclubs, spielte auf unzähligen Festivals und in Late Night-TV-Shows, die Amerika so zu bieten hat. Mit dieser Erfahrung im Gepäck tüftelte Granduciel gemeinsam mit dem Produzenten Jeff Zeigler (Lymbyc Systym, Kurt Vile u.a.) am neuen, dritten Album. Die Band komplett machen außerdem Dave Hartley (Bass) und Robbie Bennet (Piano u.a.), die auch im privatem Leben zu Granduciels engstem Umfeld gehören. Er sagt selbst zu seinem neuen Werk: ,Ich wollte, dass es ein Projekt unter Freunden wird. Jeder einzelne in der Band nimmt unser Projekt ernst. Davon handelt auch unser Album - Freundschaft, Erwachsen werden, das Leben leben und einander zu helfen." Diese persönliche und berufliche Weiterentwicklung ist auch im Sound der Band zu hören. Nicht zuletzt ist Granduciel nicht nur Kopf einer Indie-Rockband, sondern hat auch eine unverkennbare Stimme, um sich der Welt mitzuteilen.

CRYSTAL STILTS haben zum ersten Mal mit ihrer selbstbetitelten EP 2005 und dem Nachfolger "Alight Of Night" aufhorchen lassen - ein kleines Vorbeben der Welle von fuzzigen, Hall-orientierten Bands, die ihnen auf dem Fuße folgen sollten. In den Jahren, die seitdem ins Land gezogen sind, hat sich die Band weiterentwickelt und 2011 das kräftige ,In Love With Oblivion" und die ,Radiant Door"-EP veröffentlicht. Gegründet von Sänger Brad Hargett und Gitarrist JB Townsend haben sich CRYSTAL STILTS mit Andy Adler am Bass, Keegan Cooke am Schlagzeug und dem Organisten Kyle Forester zu einer kompletten Band gemausert. Dementsprechend wurde das neueste Album der Band, ,Nature Noir", vom Quintett eingespielt. Aufgenommen im Frühjahr 2013 weiten CRYSTAL STILTS ihre Soundpalette aus und spielen mit Streichern, Percussion und Synthies. Auf Tracks wie ,Star Crawl" und ,Sticks And Stones" verfügt der Gesang von Hargett über eine brillante Klarheit und Gefühlstiefe, während die musikalischen Arrangements eine Gewandtheit bezeugen, die die überraschen wird, die CRYSTAL STILTS bisher in die Lo-Fi-Schublade gesteckt hatten.

Dies ist das achte Album von DESTROYER, das ursprünglich 2008 erschien. Hier etabliert sich Dan Bejar aus Vancouver als ein Künstler, der so verschroben und rätselhaft wie DAVID BOWIE, so symphonisch und bombastisch wie SCOTT WALKER und so fantastisch literarisch wie BOB DYLAN ist. Eine Sammlung von Songs, die frisch und neu ist und dennoch wie die Faust aufs Auge in das Werk von DESTROYER passt. ,Von allen zeitgenössischen Schreibern ist er der größte Einfluss und die größte Inspiration. Weil er anmaßend ist, aber anmaßend auf die Art und Weise, die es zu einem Spiel macht, uns vorzumachen, wie grandios wir alle sind." - Will Sheff, OKKERVIL RIVER

"Laurel Hell" ist ein Soundtrack zur Transformation. Eine Landkarte für den Ort, an dem Verletzlichkeit und Widerstandsfähigkeit, Trauer und Freude, Fehler und Transzendenz in unserer Menschlichkeit Platz finden und als würdig angesehen werden können - um letztendlich anerkannt und geliebt zu werden. "I accept it all," verspricht MITSKI. "I forgive it all." Auf "Laurel Hell" festigt MITSKI ihren Ruf als Künstlerin, die die Kraft besitzt, unsere wildesten und zwiespältigsten Erfahrungen in ein heilendes Elixier zu verwandeln. "I wrote what I needed to hear. As I've always done." Nach der Veröffentlichung von "Be The Cowboy", einem der meistgelobten Alben des Jahres 2018, das von Outlets wie Pitchfork (u.a.) zum Album des Jahres gekürt wurde, stieg MITSKI vom Kultliebling zum Indie-Star auf. Mit spürbaren Folgen: Die Schinderei des Tourlebens und die Fallstricke die mit der erhöhten Sichtbarkeit einhergingen, beeinflussten ihre Musik ebenso wie ihren Geist, die sich in der ersten Single "Working For The Knife" niederschlägt. Ein Song, wie ein Prüfstein für das Gesamtgefühl von "Laurel Hell": "I start the day lying and end with the truth / That I'm dying for the knife." "Be The Cowboy" wurde von weiblicher Stärke und Trotz angetrieben, lebte jedoch von seinem Spiel mit Masken. Wie der Berglorbeer bzw. die "laurel hell", nach dem das neue Album benannt ist, kann die öffentliche Wahrnehmung, wie das berauschende Prisma des Internets, eine verlockende Fassade bieten, hinter der sich eine tödliche Falle verbirgt. Die sich immer enger zieht, je mehr man sich anstrengt. "I got to a point, where I just knew that if I kept going this way, I would numb myself to completion." Erschöpft von diesem verzerrten Spiegel und unserer Sucht nach falschen Binaritäten, begann MITSKI, Songs zu schreiben, die die Masken abstreifen und die komplexen und oft widersprüchlichen Realitäten dahinter offenbaren. MITSKI dazu: "I needed love songs about real relationships that are not power struggles to be won or lost. I needed songs that could help me forgive both others and myself. I make mistakes all the time. I don't want to put on a front where I'm a role model, but I'm also not a bad person. I needed to create this space mostly for myself where I sat in that gray area." Die daraus entstanden Songs verkörpern genau diesen Raum. Wie die zweite Single des Albums, "The Only Heartbreaker", die gemeinsam mit Dan Wilson geschrieben wurde und der erste Song dieser Art in ihrer Diskografie ist. "The Only Heartbreaker" verbindet treibenden 80er-Pop mit einem trügerisch einfachen Text, dessen aufrichtiger Refrain ins Ironische kippt, sobald dieser "the person always messing up in the relationship, the designated Bad Guy who gets the blame," beschreibt und sich zugleich fragt, ob "the reason you're always the one making mistakes is because you're the only one trying." MITSKI schrieb viele Songs für "Laurel Hell" während und teilweise vor 2018. Das Album wurde allerdings erst im Mai 2021 final abgemischt. Es ist die längste Zeitspanne, die MITSKI jemals für ein Album gebraucht hat und für die Musikerin inmitten einer radikal veränderten Welt endete. MITSKI nahm "Laurel Hell" mit ihrem langjährigen Produzenten Patrick Hyland in der Zeit der Isolation während der Pandemie auf, als einige der Songs "slowly took on new forms and meanings, like seed to flower." Das Album als Ganzes entwickelte sich "to be more uptempo and dance-y. I needed to create something that was also a pep talk" erklärt MITSKI. Die Spannung, die zwischen ihren raffinierten, aber wehmütigen Texten und dem sprudelnden Pop-Sound der 1980er Jahre entsteht, ist eine dringend benötigte Infusion in Zeiten wie diesen und das Werk einer reifen wie unwiderstehlichen Künstlerin, die auch zu fröhlich ansteckenden Dance-Beats immer noch etwas Profundes beizutragen hat.

Die FETENHITS-Folge NDW Neue Deutsche Welle wurde neu aufgelegt - mit verändertem Tracklisting.
Einige Titel, die auf der früheren Folge fehlten, sind nun endlich mit dabei, wie z.B. ”Der Mussolini” und
”Als wär’s das letzte Mal” von DAF sowie ”Der Kommissar” von Falco. Des weiteren finden sich einige
tolle Raritäten von Michael Cretu, Alphaville und Thomas Anders wieder. Man darf gespannt bleiben...
Als 3CD & Download und im September dann auch als 4-fach Vinyl!

Bassist Pino Palladino hat als gefragter Studiomusiker mit vielen Giganten gespielt, darunter Elton John,
Tears for Fears, David Gilmour, D’Angelo und Adele. Sein Jazz-Talent spielte er mit Manu Katché, Dominic
Miller u.a. aus. 2021 erschien auf Impulse! Records „Notes with Attachments“, seine erste gemeinsame
Produktion mit dem Gitarristen und Multiinstrumentalisten Blake Mills.
Beider Mischung aus Jazz, minimalistischem Funk, Indie Rock und subtilen Melodien kam bei Hörern
und Kritikern an und wurde sogar mit Joni Mitchell’s “Hejira” und Miles Davis’ “Bitches Brew” verglichen.
Jetzt kehren Palladino und Mills mit ihrem zweiten gemeinsamen Album auf Impulse! Records zurück, das
ihren ganz eigenen Sound fortführt und weiterentwickelt.

Live One ist der legendäre Mitschnitt des mit Spannung erwarteten Auftritts von COIL im April 2000 in der Londoner Royal Festival Hall (im Rahmen des ,Cornucopea"-Minifestivals von Julian Cope). Während es in den frühen 1980er Jahren bereits erfolglose Versuche von Live-Shows gegeben hatte, gilt dieses Konzert allgemein als das wahre COIL-Live-Debüt. In der Besetzung John Balance, Peter ,Sleazy" Christopherson, Thighpaulsandra und Ossian Brown betraten COIL die RFH-Bühne in ihren eigens entworfenen, flauschigen, polaren Teletubby-Anzügen und spielten ein äußerst hypnotisches Set, das ein wenig an ihr bahnbrechendes Album ,Time Machines" erinnerte, aber auch Variationen und Spannungen enthielt, die bei diesem dröhnenden Meisterwerk weitgehend fehlten. Balances Gesang bei "Queens of the Circulating Library" ist immer noch eine sehr kontrollierte, aber effektive Angelegenheit und unterscheidet sich deutlich von seinen späteren manischen Ausbrüchen. Sowohl die Show selbst als auch die lange vergriffene und jetzt sehr gesuchte CD-Veröffentlichung von 2003 wurden extrem gut aufgenommen und wurden zum Eckpfeiler einer schnellen Folge von COIL-Touren in den dazwischen liegenden vier kurzen Jahren bis zu Balances frühem Tod. Diese allererste Doppel-Vinyl-Version dieses fantastischen historischen Dokuments der COIL-Erfahrung wurde vollständig von dem überlebenden Mitglied Thighpaulsandra betreut und ist jetzt auf dem Retractor-Label erhältlich, präsentiert in klassischem Schwarz mit einer aufwendigen Gatefold-Hülle und gepresst auf 180g Vinyl. Auch als Einzel-CD wieder erhältlich.

Lemon Yellow Vinyl. Eine der umfangreichsten Instrumental-Hip-Hop-Reihen aller Zeiten, MF DOOMs gefeierte Special Herbs"-Serie versammelt eine riesige Sammlung seiner Beats, von exklusiven Tracks bis hin zu leicht überarbeiteten Favoriten, die er für sich selbst und andere produziert hat. Unter dem Pseudonym Metal Fingers veröffentlicht, gelingt es Special Herbs", DOOMs äußerst einflussreichen Sound einzufangen, der immer wieder die Regeln des Spiels zugunsten des Super-Bösewichts bricht und neu interpretiert. Super-Villain. Die Welt ist eine Fundgrube für Sounds, und der Metal-Fingered DOOM kennt keine Grenzen: 70er-Jahre- Soul-/Funk-Klassiker, 80er-Jahre-R&B-Hits, Rap-Nostalgie und sogar Soundbites aus Kinderplatten und dem Fernsehen finden ihren Platz in den Zutaten, die er für seine perfekten Rezepte benötigt.

Apple Red Vinyl. Eine der umfangreichsten Instrumental-Hip-Hop-Reihen aller Zeiten, MF DOOMs gefeierte Special Herbs"-Serie versammelt eine riesige Sammlung seiner Beats, von exklusiven Tracks bis hin zu leicht überarbeiteten Favoriten, die er für sich selbst und andere produziert hat. Unter dem Pseudonym Metal Fingers veröffentlicht, gelingt es Special Herbs", DOOMs äußerst einflussreichen Sound einzufangen, der immer wieder die Regeln des Spiels zugunsten des Super-Bösewichts bricht und neu interpretiert. Super-Villain. Die Welt ist eine Fundgrube für Sounds, und der Metal-Fingered DOOM kennt keine Grenzen: 70er-Jahre- Soul-/Funk-Klassiker, 80er-Jahre-R&B-Hits, Rap-Nostalgie und sogar Soundbites aus Kinderplatten und dem Fernsehen finden ihren Platz in den Zutaten, die er für seine perfekten Rezepte benötigt.

Sky Blue Vinyl. Eine der umfangreichsten Instrumental-Hip-Hop-Reihen aller Zeiten, MF DOOMs gefeierte Special Herbs"-Serie versammelt eine riesige Sammlung seiner Beats, von exklusiven Tracks bis hin zu leicht überarbeiteten Favoriten, die er für sich selbst und andere produziert hat. Unter dem Pseudonym Metal Fingers veröffentlicht, gelingt es Special Herbs", DOOMs äußerst einflussreichen Sound einzufangen, der immer wieder die Regeln des Spiels zugunsten des Super-Bösewichts bricht und neu interpretiert. Super-Villain. Die Welt ist eine Fundgrube für Sounds, und der Metal-Fingered DOOM kennt keine Grenzen: 70er-Jahre- Soul-/Funk-Klassiker, 80er-Jahre-R&B-Hits, Rap-Nostalgie und sogar Soundbites aus Kinderplatten und dem Fernsehen finden ihren Platz in den Zutaten, die er für seine perfekten Rezepte benötigt.

Evergreen Vinyl. Eine der umfangreichsten Instrumental-Hip-Hop-Reihen aller Zeiten, MF DOOMs gefeierte Special Herbs"-Serie versammelt eine riesige Sammlung seiner Beats, von exklusiven Tracks bis hin zu leicht überarbeiteten Favoriten, die er für sich selbst und andere produziert hat. Unter dem Pseudonym Metal Fingers veröffentlicht, gelingt es Special Herbs", DOOMs äußerst einflussreichen Sound einzufangen, der immer wieder die Regeln des Spiels zugunsten des Super-Bösewichts bricht und neu interpretiert. Super-Villain. Die Welt ist eine Fundgrube für Sounds, und der Metal-Fingered DOOM kennt keine Grenzen: 70er-Jahre- Soul-/Funk-Klassiker, 80er-Jahre-R&B-Hits, Rap-Nostalgie und sogar Soundbites aus Kinderplatten und dem Fernsehen finden ihren Platz in den Zutaten, die er für seine perfekten Rezepte benötigt.

Als Ahmad Jamal 1995 dieses Album veröffentlichte, war es wie ein frischer Windstoß für den Jazz - befreit von der Eintönigkeit junger Musiker, die nur ihre Vorbilder imitierten.
Mit neuer Energie, vertrauten Weggefährten wie Idris Muhammad und James Cammack, sowie Gästen wie George Coleman und Manolo Badrena, zeigt Jamal, warum er zu den unverwechselbaren Größen des Jazz gehört.
Sein Spiel: kraftvoll, elegant, voller Dynamik und mit einem Sound, den man sofort erkennt. Dieses Album ist vielleicht sein stärkstes der 90er - ein Meisterwerk, das man nicht vergisst.

„Rivière Noire“ ist das erste Album von Reginald Omas Mamode IV auf dem Kölner Label Melting Pot Music und sein erstes Solo-Projekt seit 2022.
Reginald Omas Mamode IV ist ein anglo-mauritischer Sänger, Produzent und Multiinstrumentalist. Geboren und aufgewachsen in Großbritannien, pflegt er eine enge Verbindung zur afrikanischen Insel Mauritius, der Heimat seines Vaters. Seine musikalischen Wurzeln reichen von Süd-London bis zu den Maskarenen-Inseln (Réunion, Mauritius und Rodrigues), wo seine Familie einst an den legendären „Electric Sega“-Aufnahmen der 1970er beteiligt war. Musik liegt den Mamodes im Blut: Auch seine Brüder sind als Musiker aktiv.
Reginalds Stil vereint Elemente aus Golden Era Hip-Hop, Jazz, Soul, Afro, Funk sowie den traditionellen mauritischen Stilen Sega und Maloya. Man hört Einflüsse von J Dilla und D’Angelo, aber auch den Spirit von Sly Stone, Shuggie Otis oder Lee Perry. Mit vier Soloalben auf dem Londoner Label Five Easy Pieces sowie zahlreichen Kollaborationen gehört Reginald zu den prägenden Stimmen der britischen Beat- und Jazzszene. Seit 2012 wird er regelmäßig von BBC-Legende Gilles Peterson unterstützt, der seine Musik seither kontinuierlich spielt.
Gemeinsam mit seinen Brüdern Mo Kolours und Jeen Bassa sowie langjährigen Weggefährten wie Al Dobson Jr. und Tenderlonious zählt Reginald zu den Mitbegründern der 22a-Kooperative. Das US-Magazin The FADER beschrieb deren Sound einmal als „ein kaleidoskopisches Patchwork aus Hip-Hop-, House- und Groove-Explorationen – verbunden durch den zeitlosen Glauben an Rhythmus als universelle Sprache.“
„Rivière Noire“ markiert eine künstlerische Weiterentwicklung – fast schon eine Wiedergeburt. Zum ersten Mal verzichtet Reginald vollständig auf Samples. Stattdessen spielt er sämtliche Instrumente und Gesangsspuren selbst ein. In seinem bescheidenen Studio erschafft er organische Grooves aus Live-Drums, Drumcomputern, Perkussion, Gitarre, Fender Rhodes und Synthesizern.
Seine Musik ist Ausdruck einer tiefen Sehnsucht nach universeller Liebe und Mitgefühl. Sie reflektiert globale Herausforderungen ebenso wie persönliche Erfahrungen: wachsende Armut, politische Spannungen, ethnische Spaltungen – aber auch alltägliche Beobachtungen. „Rivière Noire“ ist Reginalds Aufruf an die Menschheit, sich ihrer Verbundenheit bewusst zu werden.

„Lady on the Bike“, das am 9. Mai erscheint, ist eine Mischung aus Shaws und Parpans Vergangenheit und Gegenwart, die auf neue Weise zum Ausdruck kommt. Die beiden Musikerinnen fanden durch ihre gegenseitige Bewunderung für ihre Arbeit zueinander. Shaw gewann für ihre bahnbrechenden Kompositionen einen Pulitzer-Preis und mehrere Grammy Awards und arbeitete mit gefeierten Künstlern wie Nas und Rosalía zusammen. Parpan hingegen ist eine dynamische Sängerin und Folk-Pop-Singer-Songwriterin, die emotional berührende Texte singt und es genießt, die Spielweise von Instrumenten zu hinterfragen. „Ringdown“ ist ein Spielplatz, den sie nur gemeinsam erreichen können und der es ihnen ermöglicht, einen Popstil zu kreieren, der die Grenzen zwischen elektronischen und akustischen Klängen auslotet und traditionelle Songstrukturen neu interpretiert.

Das zweite Album von Runnner, A Welcome Kind of Weakness, entstand aus einem gleichzeitigen Riss im Körper und im Leben des Songwriters Noah Weinman. Während der Monate, die er im Bett verbrachte, um sich von einem Achillessehnenriss und dem drastischen Umbruch einer Trennung zu erholen, schrieb er die 11 Songs auf diesem Album, die Weinmans stärkste sind und die vermeintliche Verletzlichkeit des Albumtitels bereitwillig aufnimmt. Aber zur gleichen Zeit sind diese Songs die präsentesten von Runnner, trotzig und selbstbewusst, eine Erinnerung an die Entschlossenheit, die aus der anmutigen Unterwerfung entstehen kann. Langjährige Fans von Weinman haben sich wahrscheinlich in seinen unverkennbaren Indie-Rock verguckt, der fast ausschließlich in Schlafzimmern und Heimstudios aufgenommen wurde, wo seine ergreifenden und selbstironischen Texte über Banjos, Gitarren und hallenden Bläsern schweben, die sich zu kathartischen Gipfeln steigern. Aber auf A Welcome Kind of Weakness erhebt sich Weinman zum ersten Mal in High Fidelity. Das erste richtige Studioalbum von Runnner erinnert an die überlebensgroßen Höhen des Rocks der frühen achtziger Jahre, mit dem Weinman aufgewachsen ist, an Bands wie Coldplay, Radiohead und Snow Patrol, mit ihrer unverfälschten stimmlichen Präsenz, ihren schillernden Gitarrenriffs und ihrem astralen Synthesizer-Glanz. Das ist Rockmusik in ihrer köstlichsten Form, Musik die Weinman etwas gab, worauf er sich freuen konnte, als er endlich wieder live spielen konnte. Aber so hoch die klanglichen Höhen auf A Welcome Kind of Weakness auch sein mögen, wir sehen Weinman auch, wie er anmutig mit den Fragen kämpft, die sich aus Momenten des körperlichen und emotionalen Verderbens ergeben. Es erfordert eine gewisse Tapferkeit, lange genug in der trüben Mitte zu sitzen, um darüber zu schreiben. Und in seiner Bereitschaft, diesen transitorischen Raum zu bezeugen, scheint Weinman uns zu beruhigen: Du magst denken, dass du nicht mehr laufen wirst, aber mit der Zeit, könntest du es.

Die richtigen Songs, aneinandergereiht, geben eine belebte Vision unserer Umgebung, als ob frische Augen allein durch Rhythmus gewährt werden können, neue Formen für das verwitterte Drahtgerüst der Welt finden und die Schatten sehen, wie sie mit dem Licht des Tages tanzen. Animal Hospital, die neue LP der Chicagoer Art Punks Ganser, ist ein Monument der Beobachtung, ein Wälzer verirrter Gedanken, die aufgesammelt wurden, während sie sich durch eine Menschenmenge bewegten, die sich zu einer kollektiven Betrachtung der absurden Widersprüche von vorbeiziehenden Leben zusammenfügte. Animal Hospital ist das dynamischste Album von Ganser, das die Grenzen ihres Sounds in neue Bereiche ausdehnt und die elastischen Grenzen des Klangs testet. Der Kern der Band, Alicia Gaines, Sophie Sputnik und Brian Cundiff, bleiben unbeirrt treibenden Mustern treu; Schlagzeug, das mit exakten Beats auf das Herz schlägt, Puls, der von Bass und Gitarren beschleunigt wird, Synthies, die die Nerven beruhigen. Ein endloser Rhythmus unter Füßen, die sich im Takt auf einer Tanzfläche bewegen oder auf einem Bürgersteig. Was hier zusammengetragen wurde, ist eine Sammlung von Beobachtungen, Erinnerungen an die Minuten, die zu Tagen wurden, die damit verbracht wurden, zu beobachten, wie sich die Menschlichkeit in den Menschen verändert und in neue Richtungen dreht. Die Menschen haben ihre Streifen und Flecken gewechselt, oder vielleicht haben sie nur die Zeichen gezeigt, die sie schon immer hatten. Das Leben wurde auf Distanz gehalten. Die Masken wurden straff gezogen. Die Erforschung der surrealen Wahrheiten, die in unseren Herzen schlummern, hat etwas Tiefgründiges, dass das Traurige und Alltägliche so mühelos mit dem Absurden und dem Schönen spielen kann, um etwas Eindringliches, etwas Auffallendes zu schaffen, Lieder, die stechen und aufsteigen und gleichzeitig zum Tanzen auffordern. Aufgenommen in den Jamdek Studios von Doug Malone (mit zusätzliche Aufnahmen von Nick Broste bei Electrical Audio) und produziert in Partnerschaft mit dem langjährigen Verbündeten Angus Andrews (Liars) zwischen Januar und März 2025, ist Animal Hospital ein Meisterwerk von Gansers Handwerk. Songs, die ihr Leben als Notizen begannen, die bereits im Jahr 2020 gekritzelt wurden (mit Ausnahme von ,stripe", einem Demo, das 2021 überarbeitet wurde), wurden hier auf Band geschliffen und in Wachs gepresst. Ganser haben ihren Sound ausgebaut, Mauern errichtet, die sich zu neuen Höhen auftürmen, und Charlie Landsman und Dove Hollis haben sich auf dem Album zusammengetan, um das Fundament zu stützen. Die Zeit auf Tour mit Künstlern wie IDLES, Mclusky und Ted Leo, sowie Shows mit Amyl & The Sniffers, Bikini Kill, Viagra Boys und so vielen anderen haben das unauslöschliche Talent, das in allen Ecken von Gansers Arbeit lauert, nur noch mehr geschärft. Musik, die sich weigert zu glauben, dass irgendetwas wahr ist, dass stattdessen alle Dinge Kraft und Geheimnisse in ihren Schatten bergen, und dass wir nur dann die unausweichliche Schönheit aller widersprüchlichen Dinge verstehen können, wenn wir uns alle auf den Boden begeben und uns einen Sinn geben.

Mit "I Hope We Can Still Be Friends", seinem Einstand bei Saddle Creek, geht Dean Johnson einen Pakt mit den Hörern ein: Er wird Ihnen seine Wahrheit auf die herzlichste und charmanteste Art und Weise singen, die möglich ist, wenn sie versprechen, unvoreingenommen zu bleiben. Der Titel rührt von der spielerischen Art her, mit der der Singer/Songwriter/Gitarrist aus Seattle mit seinem Livepublikum kommuniziert. Im Mittelpunkt steht der Archetyp des 'Energievampirs', der nervtötende Schwätzer, dem wir alle schon mal begegnet sind, und die Texte sind zugleich intellektuell bissig und unverkennbar urkomisch. Seine zarte Stimme klingt wie der Geist von Roy Orbison oder ein Everly Brothers-Außenseiter.

Im Alter von 50 Jahren gelang Dean mit dem Debüt "Nothing For Me Please" 2023 der Durchbruch. "I Hope We Can Still Be Friends" ist im Wesentlichen eine Anthologie - von den Anfängen bis zur heutigen Reife. Jeder Track enthält scherzhafte Gesellschaftskritiken oder liebevoll wiedergegebene Herzensangelegenheiten. Wie der Country-angehauchte Sound von John Prine oder Kris Kristofferson, der umwerfende Humor und die ökonomische Tiefgründigkeit, gebrochen durch den Dunst einer Kneipe, ist das Album voller lässigem Twang, trauriger Charaktere, universeller Wahrheiten und der Absurdität des Alltags. Mit scharfen Beobachtungen und bewegenden persönlichen Einsichten bieten die 11 Songs Raum für intensive Reflexion und emotionale Befreiung. Man kann lachen, weinen oder beides.

Lathe of Heaven kehren mit ihrem zweiten Album Aurora zurück, einer kühnen Erweiterung ihrer klanglichen und thematischen Palette, die sich wie eine Reihe lebendiger, emotionaler Vignetten entfaltet. "Aurora" ist eine bisher unerforschte Variante des Lathe of Heaven-Sounds, die eine delikate Balance zwischen ihren Punk-Wurzeln und einer fesselnden New-Wave- und 80er-Jahre-Post-Punk-Ästhetik bietet, die Einflüsse aus dem britischen und finnischen Post-Punk der mittleren 80er-Jahre mit subtilen Nuancen aus dem Underground-Pop der 90er-Jahre und der Gegenwart kombiniert. Aufgenommen mit Ben Greenberg bei Circular Ruin und gemastert von Brad Boatright, ist das Album klanglich beeinflusst vom melodischen Rock von The Cure, Musta Paraatis Gothic-Post-Punk-Synthie und intensivem Schlagzeugspiel und A Flock of Seagulls' Art-Pop-Gesang und Gitarrenriffs. Textlich schreckt Aurora nicht vor schweren Themen zurück. Aurora ist als eine Sammlung von Science-Fiction-Kurzgeschichten gedacht, die von Themen wie Antikolonialismus, Vielfalt und Gleichberechtigung beeinflusst sind und sich in den Texten niederschlagen. Diese Geschichten sind von den Romanen von Ursula K. le Guin, Octavia Butler, Greg Egan und Peter Watts inspiriert und führen den Hörer in mythische, kühne und etwas beunruhigende Realitäten. Der Titeltrack "Aurora" spielt in einer dystopischen Zukunft, in der die Erde aufgrund von nuklearem Fallout längst verlassen ist - er erforscht Themen wie Verlust, Liebe und Hingabe. "Oblivion" befasst sich mit dem Phänomen der semantischen Sättigung - wenn man ein Wort oft genug sagt, verliert es seine Bedeutung. "Exodus" ist eine Neuinterpretation des Schiffsparadoxons von Theseus und erzählt von der Erfahrung, das Bewusstsein in einen neuen, perfekten Körper zu übertragen. An anderer Stelle steht "Portrait of a Scorched-Earth" für einen direkten Akt des Widerstands. Als einer der emotionalsten Songs des Albums bricht er mit der üblichen lyrischen Abstraktion der Band und ist eine schonungslose Abrechnung mit den Schrecken der modernen Kriegsführung und der Vertreibung, die in der gelebten Tragödie von Gaza wurzelt. Lathe of Heaven hoffen, dass "Aurora" ein breites Spektrum an Emotionen hervor ruft und zum Nachdenken über den Zustand unserer Realität und der Menschheit anregt. Es ist literarisch, ohne prätentiös zu sein, politisch, ohne zu predigen, und emotional, ohne mit der Wimper zu zucken. Jeder Song hält ein Stück eines zerbrochenen Spiegels, und was zum Vorschein kommt, ist eine prismatische, verwundete Schönheit, die mit tausend Gesichtern zurückstarrt. "Aurora" erhebt den Anspruch, "ohne Angst in das traumlose Vergessen zu zittern". Sie sind herzlich eingeladen.