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Produziert von dem mit einem Grammy ausgezeichneten Produzenten Leon Michels (Norah Jones, Clairo) und mit musikalischen Beiträgen von Homer Steinweiss, Nick Movshon, Marco Benevento und Brainstory. Lady Wray meldet sich mit "Cover Girl", ihrem dritten Album bei Big Crown Records, mit Spannung erwartet zurück. Der Album-Opener "My Best Step" sagt alles: "My next step is my best step", und in der Tat hebt sie ihre künstlerische Leistung auf ein neues Niveau und macht die beste Musik ihres Lebens. Das feierliche "Cover Girl" nimmt den Hörer mit auf eine ausgelassene Spritztour, die von Soul und Disco der 60er und 70er Jahre, Hip-Hop und R&B der 90er Jahre und dem vielleicht wichtigsten Element, dem Gospel, geprägt ist. Nach dem 2022 veröffentlichten "Piece of Me" trat Nicole Monique Wray a.k.a. Lady Wray in der Late Show With Stephen Colbert und bei NPR's Tiny Desk auf und tourte durch die ganze Welt. "Cover Girl" ist mühelos und unbestreitbar der bisherige Höhepunkt ihrer langjährigen Zusammenarbeit mit dem Produzenten Leon Michels (Norah Jones / Clairo / El Michels Affair), die sich über ein Jahrzehnt erstreckt. "Ich habe mich mit diesem Album mehr der Liebe und der Selbstfürsorge zugewandt. Piece of Me war die Erkenntnis, dass ich Mutter werde, und all diese Gefühle lagen mir auf dem Herzen", sagt Lady Wray. "Jetzt kann ich mich zurücklehnen und eine echte Chefin sein. Ich habe meine Karriere, meine Mutterschaft und meine Ehe in den Griff bekommen. Ich bin zu einer selbstbewussteren und schöneren Werbeträgerin für Cover Girl geworden." Die Singer-Songwriterin mit der allmächtigen Stimme, den aufrüttelnden Texten und ihrer anziehenden Persönlichkeit erzählt von ihrer Wertschätzung für ihre Familie, ihrem Glauben und ihrer erneuerten Liebe zu sich selbst - all das ist der Antrieb für ihr neues Album. Die Leadsingle "You're Gonna Win" ist ein tanzbarer Feel-Good-Banger. Nicole lässt sich gehen, während sie ihre Macht benennt und einfordert: "I do not care who came before me, after me there will be none". Der Chor der Fabulous Rainbow Singers schließt sich dem Refrain an und bringt die ganze Angelegenheit in die Kirche und stellt sie neben die besten Gospel-Disco-Platten, die je gepresst wurden. "Be a Witness" ist ein funkiges Mid-Tempo-Kraftpaket, das Prince stolz machen würde. Nicole findet den perfekten Groove über druckvollen Drumcomputern und ansteckenden Synthesizern, singt über eine Liebe, die dazu bestimmt ist, zu geschehen, und verbreitet die guten Vibes an jeden in Hörweite. Der Titeltrack von Cover Girl ist einer der verletzlichsten Momente des Albums. Lady Wray liefert eine atemberaubende Darbietung in dem schlichten Stück, in dem sie ihre Reise zur Selbstfindung beschreibt: ""I lost myself trying to please someone else / I want to be me again." Der Titel leitet sich von einem Spitznamen aus ihrer Kindheit ab, den sie sich wegen ihres stets gepflegten Stils zulegte. Lady Wray erklärt. "Als ich erwachsen wurde und ins Musikgeschäft einstieg, verlor ich diesen glücklichen Teil von mir. Ich sehe dieses Glück in meiner Tochter, die einfach wunderschön, talentiert und klug ist. Mit ,Cover Girl' kehre ich zu diesem kleinen Mädchen zurück. Es geht darum, sich selbst wieder zu lieben". In ähnlicher Weise fordert sie in "Where Could I Be" das Glück und den Sinn für Identität zurück, den sie durch die Kämpfe des Lebens verloren hatte. In "Best For Us" und "Hard Times" schwärmt Nicole von ihrer Liebe und ihrem Respekt für ihre Ehe, wobei sie sowohl die Unvollkommenheit anerkennt als auch auf die Stärke und Widerstandsfähigkeit der wahren Liebe verweist. In "Higher" singt sie für ihre Tochter und lehrt sie, wie man liebt und geliebt wird, und ermutigt sie, beharrlich und ausdauernd zu sein. Lady Wray wurde geboren, um zu singen und ihre Seele und ihr Leben durch ihre Musik mit uns zu teilen. Mit ihren glaubwürdigen Botschaften und ihrer unvergleichlichen Stimme hat sie sich weltweit eine treue Fangemeinde geschaffen. Egal, ob sie von ihren Kämpfen oder ihren Stärken singt, es ist tröstlich zu hören, dass sie uns wissen lässt, dass wir nicht allein damit sind. Nicole Wray ist inspirierend und aufbauend. Sie hat viel durchgemacht und ist durch all das zu einem besseren Menschen und einer besseren Künstlerin geworden. "Du musst deine eigene Welt beherrschen. Lass niemanden in deinen Weg kommen. Du rockst mit deinen Träumen, bis die Räder abfallen", sagt Lady Wray. "Das ist es, was ich mit meiner Karriere seit 1998 mache. Ich weiß, wer ich bin und was ich auf den Tisch bringe. Es war eine Wahnsinnsreise, und ich bin so glücklich, die beste Musik meines Lebens zu machen."

Frontmann Simon Neil erklärt:
„Futique ist eine Reise durch Gedanken, Dinge und Beziehungen, die über die Zeit hinweg existieren – wir wissen nie, wann wir etwas zum letzten Mal tun. Und genau darin liegt eine gewisse Schönheit, aber auch eine Traurigkeit. Was wird dein Futique sein?“

Der Titel basiert auf Simons Überlegungen, wie sich unsere Erinnerungskultur im digitalen Zeitalter verändert hat. Früher klebte man seine Lieblingsfotos sorgsam ins Album, heute sind sie als endloser Strom aus Bildern in Sekunden auf dem Smartphone abrufbar.

Diese Reflexion rief Erinnerungen an Menschen seiner Jugend wach, an Dinge, die er heute vermisst – aber noch spannender war die Frage: Was werde ich in der Zukunft vermissen, das mir heute wichtig ist? Ein Gedanke, der ihn besonders während der Tour 2023 mit seinem experimentellen Metal-Projekt Empire State Bastard beschäftigte.

Er reiste gedanklich zurück zu den Anfängen mit seinen Bandkollegen James und Ben Johnston, zu holprigen Nirvana-Covers im Garagen-Proberaum im zarten Alter von 15 Jahren, zu Festivalbühnen, auf denen sich das Publikum bis zum Horizont erstreckte, und zu all den kleinen Dingen, die alles bedeuten. Insider-Gags, endlose Gespräche, stilles Einvernehmen, das lauter spricht als jedes Wort.

Wie in jeder langjährigen Beziehung gab es auch bei Biffy Höhen und Tiefen. Aber sie haben gelernt, das zu pflegen, was sie immer zusammengehalten hat: eine tiefe, unverbrüchliche Liebe – zueinander und zur Musik. Biffy Clyro gegen den Rest der Welt: ein sehr persönliches Narrativ, das trotzdem universell anfühlt. Denn Hand aufs Herz – wer vergisst im Strudel des Alltags nicht manchmal, wie wertvoll das Hier und Jetztist?

Frontmann Simon Neil erklärt:
„Futique ist eine Reise durch Gedanken, Dinge und Beziehungen, die über die Zeit hinweg existieren – wir wissen nie, wann wir etwas zum letzten Mal tun. Und genau darin liegt eine gewisse Schönheit, aber auch eine Traurigkeit. Was wird dein Futique sein?“

Der Titel basiert auf Simons Überlegungen, wie sich unsere Erinnerungskultur im digitalen Zeitalter verändert hat. Früher klebte man seine Lieblingsfotos sorgsam ins Album, heute sind sie als endloser Strom aus Bildern in Sekunden auf dem Smartphone abrufbar.

Diese Reflexion rief Erinnerungen an Menschen seiner Jugend wach, an Dinge, die er heute vermisst – aber noch spannender war die Frage: Was werde ich in der Zukunft vermissen, das mir heute wichtig ist? Ein Gedanke, der ihn besonders während der Tour 2023 mit seinem experimentellen Metal-Projekt Empire State Bastard beschäftigte.

Er reiste gedanklich zurück zu den Anfängen mit seinen Bandkollegen James und Ben Johnston, zu holprigen Nirvana-Covers im Garagen-Proberaum im zarten Alter von 15 Jahren, zu Festivalbühnen, auf denen sich das Publikum bis zum Horizont erstreckte, und zu all den kleinen Dingen, die alles bedeuten. Insider-Gags, endlose Gespräche, stilles Einvernehmen, das lauter spricht als jedes Wort.

Wie in jeder langjährigen Beziehung gab es auch bei Biffy Höhen und Tiefen. Aber sie haben gelernt, das zu pflegen, was sie immer zusammengehalten hat: eine tiefe, unverbrüchliche Liebe – zueinander und zur Musik. Biffy Clyro gegen den Rest der Welt: ein sehr persönliches Narrativ, das trotzdem universell anfühlt. Denn Hand aufs Herz – wer vergisst im Strudel des Alltags nicht manchmal, wie wertvoll das Hier und Jetztist?

Einatmen. Ausatmen. Einatmen. Ausrasten! Mit ihrer neuen Platte "The Power of Now" heben THE DEAD END KIDS die Messlatte für energiegeladenen Punkrock auf ein neues Level. Unbändig, mitreisend und voller Entschlossenheit nehmen Caro, Charlie und Fatima ihre Hörer*innen mit auf eine wilde Achterbahnfahrt durch den Zeitgeist. Egal ob Millennials in der Krise, Z-Promis im Trash TV, missglückte Datingversuche im Fitnessstudio, dem Empfinden, sich aus einer gescheiterten Beziehung nicht lösen zu können oder der Abschied eines geliebten Menschen, die vielseitigen Kids finden für jedes Gefühl und jeden Moment die richtigen Worte und die passende Tonlage, um die jeweilige Stimmung, zu unterstreichen. Jeder Song gleicht einer Explosion aus dynamischen Gitarrenriffs, treibenden Schlagzeugrhythmen und Texten, die von den Dramen und Triumphen des Alltags erzählen. Und seien wir ehrlich: keine Punkband hat so schöne Gitarrensoli wie das Trio Infernale.âÇ¿Aufgenommen wurde "The Power of Now" von Thies Neu und Rodrigo Gonzalez in der Tonbrauerei in Berlin, das Mastering hat Andi Jung übernommen.

Einatmen. Ausatmen. Einatmen. Ausrasten! Mit ihrer neuen Platte "The Power of Now" heben THE DEAD END KIDS die Messlatte für energiegeladenen Punkrock auf ein neues Level. Unbändig, mitreisend und voller Entschlossenheit nehmen Caro, Charlie und Fatima ihre Hörer*innen mit auf eine wilde Achterbahnfahrt durch den Zeitgeist. Egal ob Millennials in der Krise, Z-Promis im Trash TV, missglückte Datingversuche im Fitnessstudio, dem Empfinden, sich aus einer gescheiterten Beziehung nicht lösen zu können oder der Abschied eines geliebten Menschen, die vielseitigen Kids finden für jedes Gefühl und jeden Moment die richtigen Worte und die passende Tonlage, um die jeweilige Stimmung, zu unterstreichen. Jeder Song gleicht einer Explosion aus dynamischen Gitarrenriffs, treibenden Schlagzeugrhythmen und Texten, die von den Dramen und Triumphen des Alltags erzählen. Und seien wir ehrlich: keine Punkband hat so schöne Gitarrensoli wie das Trio Infernale.âÇ¿Aufgenommen wurde "The Power of Now" von Thies Neu und Rodrigo Gonzalez in der Tonbrauerei in Berlin, das Mastering hat Andi Jung übernommen.

In der schottischen Musikszene der frühen 2000er Jahre, aus der Camera Obscura, Arab Strap und Belle and Sebastian hervorgingen, waren Tacoma Radar die stillen Erfolgreichen. Ihr einziges Album, No One Waved Goodbye - eine faszinierende Sammlung leiser Melancholie - wird heute als Kultklassiker gefeiert. Dieses Deluxe-Doppelalbum erscheint zum ersten Mal neu und enthält No One Waved Goodbye, beide 7"-Singles sowie das bisher unveröffentlichte Live From the 13th Note.

In der schottischen Musikszene der frühen 2000er Jahre, aus der Camera Obscura, Arab Strap und Belle and Sebastian hervorgingen, waren Tacoma Radar die stillen Erfolgreichen. Ihr einziges Album, No One Waved Goodbye - eine faszinierende Sammlung leiser Melancholie - wird heute als Kultklassiker gefeiert. Dieses Deluxe-Doppelalbum erscheint zum ersten Mal neu und enthält No One Waved Goodbye, beide 7"-Singles sowie das bisher unveröffentlichte Live From the 13th Note.

The Rachel's band began when Jason Noble joined forces with Christian Frederickson. Within months of their meeting on a crowded trolley, they had formed a small ensemble to perform original compositions. In the next three years, madness ensued. Christian finished his degree at the Peabody Conserva-tory of Music, traveled to Switzerland to study, returned home, then wound up in NYC to attend the Julliard School. Jason didn't finish his degree, moved back to Louisville, began employment as an artist by day, dishwasher by night, and be-gan working with friends in a band that would become Rodan. This insane, all over the world life-style, led to a barrage of telephone, demo tape, notepaper, sheet music & mail communication. This, combined with sporadic two-week or two-day person-to-person collaborations in whatever city was central enough, became the bizarre process of the music. During this long gestation, Rachel Grimes became involved, first assisting Jason in his brute comprehension of written music, then joining as a pianist & confidant. Soon she was fully entrenched, providing the strange coincidence of possessing the name "Rachel," and an incredible backbone to the project. Several recordings had been finished, some in the studio, hundreds of 8-track cassettes, a few jambox cuts, but the time for a concentrated attempt at an LP seemed far away. Finally, Rachel, Christian, & Jason began assembling musicians who they respected; John, Mark and Barry from the Chicago supergroup The Coctails, Kevin Coul-tas from Rodan, Bob Weston, and several other string players from various walks of life. The result was a group of semi-vagrants, some reading from sheet music, some rambunctious noisemakers, working from an equally improvisational and tight-assed way. The real character comes from the musicians involved, participating in what can only be called a "labor of love." Handwriting, the band's debut album, was originally released by Quarterstick Records in 1995. Jacket custom screen-printed by Jeff Mueller at Dexterity Press.

Am 26.09.2025 erscheint beim feinen Wiener Indie-Label Voller Sound endlich das heiß erwartete Debüt-Album der New-New-Wave-Band Parc de Triomphe - als Vinyl mit grell-pinken Farbtupfern. Eine Reminiszenz an die 1980er- und 1990er-Jahre. Auf dem selbstbetitelten Album setzen sich Jörn Brien und Florian Knabenschuh in gewohnt düsterer Elektro-Pop-Manier mit der eigenen Vergangenheit auseinander. Themen wie Einsamkeit, Verletzlichkeit und die Angst vor Umbrüchen werden aufgehellt von Farb- und Hoffnungsschimmern. Druckvoll, treibend, wütend Musikalisch geht es bass- und beat-lastig zur Sache. In den oft tanzbaren Stücken werden der druckvolle Basslauf und die treibenden Beats von der markanten Stimme und einem ebenso einprägsamen Gitarrensound begleitet. Manchmal schrille, oft wütende, dann wieder ruhige, kühle Synthie-Klänge unterstreichen die Anleihen beim New Wave der 1980er. Passend zu den Texten, die sich nicht zuletzt mit DDR, Wende und den nachfolgenden Baseballschlägerjahren in Ostdeutschland auseinandersetzen. Aber keine Sorge vor zu viel Vergangenheit und Nostalgie. Im Gegenteil: Frei nach dem Bandmotto "Krawall! Elektro! Pop!" schlagen die Musiker mit ihrer melancholisch-düsteren Musik und den aufwühlenden, lyrischen Texten eine Brücke ins Hier und Jetzt. Die erzeugten Emotionen bewegen Jung und Alt. Radio-Airplay, Charts und TV Mit der EP "Harte Zeiten" haben Parc de Triomphe Ende 2023 ein erstes Ausrufezeichen gesetzt. Mit Airplay auf FM4, zahlreichen Konzerten und einem TV-Auftritt sowie Platzierungen in den Austrian Indie-Charts konnte sich die Band in der Wiener Indie-Szene schon einen Namen machen. Der Song "Westradio" lief beim beliebten Berliner Sender radioeins. Auf Spotify kommen die bisher vorab veröffentlichten Singles jeweils auf Tausende Streams. Auf dem Album "Parc de Triomphe" finden sich insgesamt 12 fein produzierte (Alf Peherstorfer) Songs, die eingängig, aber nie langweilig sind, straight, aber auf ihre Art trotzdem schräg. "Geschmackvoll, eingängig und wundervoll" FM4-Moderator Andreas Gstettner-Brugger schrieb zur Single "Harte Zeiten": "Die beiden deutschen Musiker, die sich in einem Wiener Park kennengelernt haben, produzieren hier einen geschmackvollen, eingängigen und wundervollen Song, der mich an Tocotronic, frühe Blumfeld und diverse Krautrockbands erinnert." Fazit: Fans deutschsprachiger Musik, die den New-Wave-Sound der 1980er-Jahre im modernen Gewand feiern und dem Indie-Sound der frühen 1990er-Jahre nicht abgeneigt sind, sollten "Parc de Triomphe" auf ihre Plattenteller legen.

Kings Elliot war schon immer fasziniert davon, was einen Song wirklich ausmacht und das bereits im Alter
von etwa sieben Jahren. Aufgewachsen in einer kleinen Schweizer Stadt mit ihrer britischen Mutter, wusste
sie immer, dass sie anders war: Sie kämpfte mit denselben Dämonen, die heute ihre Musik inspirieren. Ihre
Fans, liebevoll als „sick puppies” benannt, haben durch ihre Songs, ihre Tourneen, ihr Social Media und
ihre Twitch-Livestreams, in denen Gespräche über psychische Gesundheit, Geschichten hinter ihren Songs
und Heilung im Mittelpunkt stehen, eine enge Bindung zu ihr aufgebaut.
Jetzt beginnt für Kings Elliot ein aufregendes neues Kapitel:
Ihr lang erwartetes Debütalbum „Born Blue” ist ab dem 26. September digital, auf CD (mit blauer Unterseite) sowie in 2 verschiedenen Vinylvarianten erhältlich:
- schwarze LP
- coloured LP (deep ocean mit pearl Effekt) inkl. Poster
Diese Veröffentlichung folgt auf Kings Elliots jüngsten Erfolg bei den Swiss Music Awards, wo sie mit dem
Preis als „Best Breaking Act“ ausgezeichnet wurde. Mit neuer Musik und ihrer ersten Headliner-Tournee
durch Europa im Oktober ist sie bereit, ihre Welt mehr Fans als je zuvor näherzubringen.

Kings Elliot war schon immer fasziniert davon, was einen Song wirklich ausmacht und das bereits im Alter
von etwa sieben Jahren. Aufgewachsen in einer kleinen Schweizer Stadt mit ihrer britischen Mutter, wusste
sie immer, dass sie anders war: Sie kämpfte mit denselben Dämonen, die heute ihre Musik inspirieren. Ihre
Fans, liebevoll als „sick puppies” benannt, haben durch ihre Songs, ihre Tourneen, ihr Social Media und
ihre Twitch-Livestreams, in denen Gespräche über psychische Gesundheit, Geschichten hinter ihren Songs
und Heilung im Mittelpunkt stehen, eine enge Bindung zu ihr aufgebaut.
Jetzt beginnt für Kings Elliot ein aufregendes neues Kapitel:
Ihr lang erwartetes Debütalbum „Born Blue” ist ab dem 26. September digital, auf CD (mit blauer Unterseite) sowie in 2 verschiedenen Vinylvarianten erhältlich:
- schwarze LP
- coloured LP (deep ocean mit pearl Effekt) inkl. Poster
Diese Veröffentlichung folgt auf Kings Elliots jüngsten Erfolg bei den Swiss Music Awards, wo sie mit dem
Preis als „Best Breaking Act“ ausgezeichnet wurde. Mit neuer Musik und ihrer ersten Headliner-Tournee
durch Europa im Oktober ist sie bereit, ihre Welt mehr Fans als je zuvor näherzubringen.

"Later Than You Think" erscheint bei seinem neuen Label YOUNG und beschäftigt sich mit Themen wie Trauer, Gerechtigkeit, Wiedergeburt, Transformation und spirituellem Kampf. Es ist ein Werk von Bekenntnis und Konfrontation, für das sich Affekt, Intellekt und Geist auf der Suche nach dem Schönen, der Wahrheit und dem Realen zusammenschließen. Entstanden ist das Album in den Ozarks von Missouri. Die 16 Tracks vereinen Elemente und Gegensätze wie Üppigkeit und rohe Reduziertheit, das Heilige und das Profane, minimalistische Disziplin und maximale Schwelgerei, Kontrapunkt und simple Popharmonien. Im Kern unterstreicht das Album aber vor allem Maus" Hingabe an radikale Aufrichtigkeit und emotionale Wahrhaftigkeit in einem Zeitalter der Entfremdung - angetrieben von Konfrontation, Glauben und der tiefen Überzeugung, dass Sinn und Bedeutung noch immer etwas meinen. Maus, der einen Abschluss in Experimental Music und einen Doktortitel in Politikwissenschaft hat, wurde für die Art und Weise, auf die er akademische Sorgfalt und Lo-Fi Synthpop-Ästhetik verbindet, mal als "philosopher pop star" mal als "analog futurist" bezeichnet. Sein Wirken zieht sich dabei quer durch die Popkultur - von der Grime-Ikone Skepta, der seinen Track "I"m Only Human" sampelte bis zum Gen-Z-Rapper nettspend, von Filmemacher Josh Safdie ("Uncut Gems") bis zum Fotografen Wolfgang Tillmans. Sein Track "Cop Killer" ist im 2025er Film "Friendship" mit Tim Robinson und Paul Rudd enthalten. Mit exzessiven Liveshows und seinen bislang erschienenen Alben, auf denen Ironie, Trauer, Freude und Absurdität stets dicht beieinander liegen, hat Maus einen einzigartigen Weg beschritten und sich eine ergebene Fanbase erspielt.

2LP-Neuauflage des 2013er Albums mit Coversongs, mit besonderen Gästen wie Jello Biafra, Clem Burke, Mark Arm, JG Thirlwell und mehr.

Dez Andres, Detroit's groove specialist Dez Andres can make you move whether laying down deep house, hip-hop, funk or plenty in between. This new one on Deep Fried Music is another dose of high-quality goodness that finds him serving up old school tinged and funky breaks. First up, he flips Jimmy Castor Bunch's b-boy classic 'It's Just Begun' into something that hits hard and packs a solid groove, then on the flip side he reworks Men Without Hats' 80s new wave favourite 'Safety Dance' with plenty of Motor City swagger and booming 808 drum kicks that force you to jerk your body. Two very different but equally characterful reworks from this modern GOAT.

Survival Of The Sickest offers no respite from the horrors of reality. Instead, BLOODBATH’s latest and greatest album gleefully confronts the slavering ghoul lurking in the shadows, and treats him to ten songs of ripping death metal frenzy. In contrast with their last album, Survival of the Sickest goes straight for the jugular in true old school fashion. With strong echoes of everything from Morbid Angel & Death through to Deicide & Obituary. Survival Of The Sickest boasts a smattering of irresistible cameos from the great, and ghoulish of the metal underground, including Barney Greenway (Napalm Death), Luc Lemay (Gorguts) & Marc Grewe (Morgoth). On Survival Of The Sickest, BLOODBATH evoke their most horrifying sonic scenarios to date.

Decades on, the time has come for Island Issues, in collaboration with Onis, to proudly dust off a selection of César de Melero & Mr. Claude’s productions that have shaped the highs of countless nights.
Side A opens with D.O.D.’s “1, 2, 3, 4”, a trusted tool for DJs worldwide since 1997. While the elusive “De Pompidou’s Mix”, previously only available on the Sónar ’99 CD compilation, makes its first appearance on vinyl, revealing a deeper, late-night dimension. On the flip, D.D.D.’s “Moovin’ (Bisexual Mix)” channels pure 1996 rave energy, turning the core sample shared with the A-side into a raw and infectious groove. Closing the record, “The Struggle” weaves a James Baldwin speech into layers of warm, old-school deepness, sustaining tension and purpose until the very last bar.
Dedicated to Pro-Zak Trax founder Alex Lamarque.

Der norwegische Saxophonist Bendik Giske steht an der Schwelle zu seinem dritten Soloalbum und kennt sich selbst gut. Mit seinem neuen, selbstbetitelten Album befindet er sich in seiner Blütezeit als Künstler: selbstbewusst in Bezug auf seine Stimme und seine Fähigkeiten, beflügelt von Kritikerlob aus allen Ecken - einschließlich zweier norwegischer Grammy-Nominierungen - und einer Welle von Zuhörern überall. Mit der Wahl von Beatrice Dillon als Produzentin des Albums - die britische Elektronikmusikerin ist eindeutig eine Weggefährtin in der Praxis des originellen ästhetischen Ausdrucks - ist ihr Einfluss unmittelbar und deutlich spürbar. Gemeinsam entfernen sie eine Schicht des Melodismus und konzentrieren sich auf Muster und Rhythmus, um eine andere Dimension seines faszinierenden Sounds hervorzuheben. Da er wieder mit Einzelaufnahmen arbeitet, ohne Overdubs, nur mit Saxophon und seinem Körper, sind der hallige Raum und der liebliche Glamour verschwunden. Für Giske kommt das Ergebnis einer musikalischen Nacktheit von ganz vorne gleich - jedes Detail, jedes Röcheln und Schnaufen ist hörbar, nichts wird verdeckt, nichts ästhetisiert. Die Leute schauen vielleicht weg, wenn es nicht so schön ist, aber was übrig bleibt, fühlt sich präsenter und stärker an. Es ist konfrontativ, verlangt mehr Aufmerksamkeit, aber durch seine Körperlichkeit - man kann seinen Körper in der Musik hören und fühlen - versetzt es einen in einen Flow-Zustand, irgendwo zwischen Ekstase, Hochgefühl und spirituellem Erwachen. Es ist sehr menschlich, aber es gibt auch eine starke Spannung - die es immer geben wird, wenn man um Existenz und Gültigkeit kämpft - elegant illustriert durch Florian Hetz' eindrucksvolle Fotografien des Künstlers zu der Veröffentlichung. Zum Teil ist Giske von Judith Halberstams The Queer Art of Failure inspiriert. So sehr er auch von seiner Ausbildung und Teilnahme am Umfeld des Jazz-Konservatoriums profitiert hat, führte ihn sein Weg doch weit über dessen Grenzen hinaus. Die Arbeit an diesen neuen Erkundungen mit seinem Instrument war ein zehnjähriger Prozess, in dem er das, von dem er wusste, dass es letztlich nicht passte, abstreifte und das klangliche Territorium seiner gelebten Erfahrung fand. Daraus entstanden Systeme, die Studien von Tempo und Proportionen ermöglichten, ein Ausgangspunkt für einen immersiven improvisatorischen Ansatz, der jahrelange musikalische Erkundungen abbildet. Es ist der Klang von sozialer Emanzipation durch den meditativen Puls und die Geschwindigkeit der Zirkularatmung und den Tanz des Körpers, insbesondere der Finger, der Zunge und der Lippen. Giske weiß, dass Musik ein mächtiges Werkzeug sein kann, um Menschen zusammenzubringen und Ideen zu finden, und die Langlebigkeit seines Projekts ist vor allem ein Aufruf zu Fürsorge, Zusammengehörigkeit, Geschichtenerzählen und der Fähigkeit, sich für eine gemeinsame Sache zu versammeln. In aller Ernsthaftigkeit ist BendikGiske ein Vorschlag für Wahrhaftigkeit und Existenz, ein Raum für jemanden, der sein tiefstes Selbst ausdrücken kann.

The Illegal Disco is in red hot form and is back with more illicit disco deliciousness here with a fifth outing that finds the faultless Mexican groove master Monsieur Van Pratt back at it once more. As always, he draws from a vast well of vintage funk, soul and disco and reworks it with a new school edge that brims with dance floor effectiveness. 'You Never Loved Me\ is florid, full of glossy strings and diva vocals, 'I Got Music' host aboard the soul train with its chugging drums and bright horns and 'Behind The Groove' gets the hops swinging with funky bass and more bold brass work. This is another do-not-miss drop from Illegal Disco.

5 Mag has long been a bastion of real house authority, a Chicago staple that now marks two decades of tastemaking with its first-ever vinyl release. The EP comes on Rima and features a trio of unmistakably talented and rightfully revered artists, starting with raw-as-you-like hip-house master Mike Dunn. His 'Don't Let Love (Git Cha Down)' is a laid-back groove topped with percussion and imbued with machine soul. Jamie 3:26 & Danou P offer the laidback vibes of 'Keep On' with its old school chords and smooth vocals. Roy Davis Jr closes with 'Atmospheric Flight', which is another roomy sound with loveably lazy pads and percussion. Timeless stuff.

'Osborne' is a rock n roll recovery album for the opioid age, inspired by Trapper Schoepp's own struggles with addiction. It was produced by Mike Viola (Andrew Bird, Jenny Lewis) & Tyler Chester (Madison Cunningham, Iron & Wine, Jackson Browne). After relying on prescription painkillers and other substances for a decade, Trapper checked into the Hazelden Betty Ford rehab center near his birthplace in Minnesota last year. Fittingly, the rock n roller was placed in the 'Osborne' unit - a letter off from Ozzy's surname but appropriated as such to honor the former Hazelden patient.

A1 - The Moon On The Moors
ASC opens the EP with a distinctive, purposeful and dancefloor-friendly piece, driven by an intensely memorable drum pattern that will have your head nodding instantly - that's before the deep, earthy room-filling bassline quakes below. Filtered metallic breakbeats join the mix periodically along with string melodies and a plethora of sci-fi effects and classic micro samples. Absolutely essential stuff from the atmospheric wizard that is ASC.

A2 - Persuasion
A measured approach introduces Persuasion, with light hats and a subtle bleepy melody gradually pulling us toward a stunningly crisp slice of breakbeat heaven. Impossibly detailed rapidfire snares dominate the mix with incredible clarity that just has to be heard to be believed. Light bongos and airy synthwork nestle beautifully alongside trademark old school high pitched female vocal hits to cap off another stunner.

AA1 - Time and Again
Setting the tone immediately with thunderous, deep Hot Pants breaks - finely crafted as ever - Time and Again sees ASC explore an other-worldly setting with an uneasy intrigue to the echoing keys, while rousing strings provide a suitably nervy backdrop to the mix. A mellow yet tense breakdown is quickly nudged aside with the crunching breaks and darkly bassline, while echoed vocal hits add further texture.

AA2 - Severance
A wonderfully old school slice of breakbeat action quickly unfolds as Severance sees ASC playfully experiment with varied break patterns riddled with delicious little details you will pick out with each repeated listen. Sublime intent is present throughout with a heavy undertone bassline, not to mention the excellent sampled quote from the show of the same name - eventually we all have to accept reality. If this is our reality, bring it on.

Words by Chris Hayes (Spatial / Red Mist)

If there is one person, who has been causing a stir on the international club circuit recently, it is Barcelona's John Talabot. Already his debut “My Old School“ (which is meant literally by the way) on Permanent Vacation in 2009 and shortly after that the single “ Sunshine”, which he put out on his own Hivern Disc imprint, made him one of the most promising musicians of the Spanish electronic scene. And those two releases also already set the mark for John Talabot’s unparalleled music: raw, loopy, heavy on the kick drum, sample based, moderate on the tempo, distorted on the drums and light years away from the clean and ever revolving house sound of today. This unique style which also blends influences from afro beat, Detroit techno, Chicago house and cosmic disco, but also northern soul or the energy of Flamenco, immediately turned some heads around. James Murphy, Âme and Aeroplane started including Talabot music in their sets like it was the most natural thing. However - and this is quite rare - he not only gained legions of fans in the house and disco community, but also amongst the leftfield pop and indie rock followers. NME and Resident Advisor both had “Breakthrough“ features on John Talabot and he can be proud of a “Best New Music“ dubbing on
Pitchfork. (Being rather elusive on showing his face in magazines or the web it also came to some funny rumors that John Talabot was the alter ego of a well-known techno producer from Detroit).
At the same time he drew the attention of like-minded artists like James Holden and Luke Abott from Border Community, Blondes or Delorean, which lead to a bunch of fertile collaborations: Luke Abbott and Blondes remixed Talabot’s “Sunshine“ single , John Talabot remixed a track by Delorean and vice versa Delorean’s Ekhi contributed vocals to the track “Journeys “ on John’s album). Another example is the Young Turks Label (home of Jamie XX, Holy Fuck, El Guincho or SBTRKT ) on which he released the “Families“ EP in 2010. It was praised beyond limits. Pitchfork for
instance hailed: “… where pop and house influences sweetly buffer up against one another to provide an unyielding sense of elation“ and even brought Talabot a comparison with artists like Four Tet or Caribou.
While staying true to his sound, John Talabot has nevertheless shown a constant evolution as a producer since his first release. He has traced a solid musical path that has turned him into one of the big references of European House and has made him also a highly in demand Remixer (for the likes of The XX, Francesco Tristano’s “Aufgang” project, Shit Robot on DFA, Thaiti 80, Joakim or Teengirl Fantasy to name just a few ).
A progression that now crystallizes in “ƒin”, his first full-length album for Permanent Vacation. A record, in which the Barcelona mastermind sets aside the danceable immediacy to expand his stylistic palette more than ever. For that purpose, Talabot melts all the elements that have constructed his distinctive sound until now and makes them emerge from a new perspective, in which the construction of complex song structures, intricate rhythms and superpositions of ever-evolving melodies and atmospheres pick up the baton of the “a kick-drum and a sampler” philosophy of his initial productions. The result brings us 11 tracks (we should call them songs really!) dominated by dark ambiances, gaseous textures and bittersweet moods that, above all, reveal a kind of vivacity that’s really hard to find in contemporary electronics. “Fin” is far from being a track collection. From the majestic opener “Depak Ine“ to it’s solemn ending with
“So Will Be Now“ , one of the two tracks that features Talabot’s soul and label mate Pional, each song traces an overall dialogue with the rest, culminating a highly emotional journey through Talabot’s always compelling and unique musical vision.

SCHWERT AUS HOLZ“ klingt euphorisch, leicht und positiv. Bei aller Holz-Melancholie, erlauben es sich die DONOTS, sämtliche Songs neu zu denken mit anderem Vibe, neuen Rhythmen, alternativen Melodien und trotzdem immer mit genügend Grip und auch Drive - denn schnelle Songs wie der Live-Klassiker „Dead Man Walking“ oder der heimliche Sommerhit „Problem kein Problem" treten auch auf dem Akustikalbum durch den Holztisch. Frischen Wind pusten aber nicht nur die neuen Arrangements durch das DONOTS eigene Heavy Kranich Studio, in dem die Songs in diversen Sessions neu gedacht und recorded wurden. Die DONOTS haben sich alte Freund:innen und Wegbegleiter für diverse Gänsehautmomente eingeladen.

So ist aus dem DONOTS Hit „Stop The Clocks“ ein Duett mit Campino von Die Toten Hosen geworden, während Kuddel von Holst (ebenfalls Die Toten Hosen) ein wunderschönes Gitarrensolo zum ersten neuen englischsprachigen DONOTS Song in 13 Jahren eingespielt hat. Frank Turner darf in der Neuauflage von „So Long“ selbstredend nicht fehlen, Chuck Ragan von Hot Water Music und Matt Hensley von Flogging Molly empfehlen sich mit Reibeisenstimme und Akkordeon und Shitney Beers singt auf ihre wunderbare Shoegaze Art und Weise das Intro zu „Keiner kommt hier lebend raus“.

Die Vorab-Singles „Allein zu allein“ und „Problem kein Problem“ haben schon diverse Herzen eingesammelt und das „SCHWERT AUS HOLZ“ dürfte sämtliche restlichen Herzkammern fluten - auch auf der restlos ausverkauften Vorab-Akustik-Tour zum Albumrelease. It’s a love thing…

JUST. LIFE. is FDC's second endeavour after their 2022 debut 'Some Kind Of Wisdom'. The A-side draws inspiration from everyday life. Things that are often overlooked. Birds whistling. Just being somewhere spending time together. Whereas the first 4 tracks open up a can of playful jazz the B-side explores more heavy conceptualizations. Birth and love for a child & the passing of a friend. Life and death. The cyclicity of it all.

Fruit Distro Collective is a project by long-time friends Boris van der Hoff & Tristan Coco. Raised on boombap beats, schooled through Jazz composition and inspired by Afro & Latin styles. Pour some reel-to-reel tape sauce over it et voilá.

The songs of Louisiana's Francophone and Creole heritage have flowed through the bayous for centuries, shaped by African, Native American, French, and Caribbean influences. Combining a vinyl record and a bilingual book, Pasé Bél Tan: Francophonies and Creolities in Louisiana celebrates this cultural legacy. It pairs historical recordings with contemporary reflections, inviting artists and scholars to explore this ever-evolving soundscape. Bridging a vibrant present with a painful past, it creates a space for dialogue around identity, memory, and the ongoing transformation of Louisiana’s musical traditions.



The double vinyl compilation and its OBI strip features a staggering 34 songs, ranging from French ballads and Creole renditions to zydeco hooks and reinterpretations by a wide array of contemporary artists such as Madteo, Tanz Mein Herz, Radio Hito, Cyril Cyril, and Deafkids, among others. With archival recordings and contemporary creations side by side, it serves as a bridge across the vast bayou of Louisiana music.



The book is a 272-page bilingual (French/English) publication that seeks to encapsulate the far-reaching implications of Louisiana’s musical heritage within both Louisianan and American society. It explores how this culture has shaped—and been shaped by—its surroundings. With contributions from many key figures of the scene—musicians, researchers, club owners, and other vital witnesses—it aims to present the intricate and singular relationship that exists between Louisiana and its music.



The book only is not available through distribution but only as a bundle with the 2LP version.

The songs of Louisiana's Francophone and Creole heritage have flowed through the bayous for centuries, shaped by African, Native American, French, and Caribbean influences. Combining a vinyl record and a bilingual book, Pasé Bél Tan: Francophonies and Creolities in Louisiana celebrates this cultural legacy. It pairs historical recordings with contemporary reflections, inviting artists and scholars to explore this ever-evolving soundscape. Bridging a vibrant present with a painful past, it creates a space for dialogue around identity, memory, and the ongoing transformation of Louisiana’s musical traditions.



The double vinyl compilation and its OBI strip features a staggering 34 songs, ranging from French ballads and Creole renditions to zydeco hooks and reinterpretations by a wide array of contemporary artists such as Madteo, Tanz Mein Herz, Radio Hito, Cyril Cyril, and Deafkids, among others. With archival recordings and contemporary creations side by side, it serves as a bridge across the vast bayou of Louisiana music.



The book is a 272-page bilingual (French/English) publication that seeks to encapsulate the far-reaching implications of Louisiana’s musical heritage within both Louisianan and American society. It explores how this culture has shaped—and been shaped by—its surroundings. With contributions from many key figures of the scene—musicians, researchers, club owners, and other vital witnesses—it aims to present the intricate and singular relationship that exists between Louisiana and its music.



The book only is not available through distribution but only as a bundle with the 2LP version.

Mit ihrem vierten Album voller Eigenkompositionen lädt die eigenwillige Singer-Songwriterin Kendra Morris dazu ein, in die DIY-Kaleidoskopwelt von Next einzutauchen. Morris' neuestes Album für Karma Chief verzichtet auf vielschichtige Produktionen und glatte Sounds und präsentiert Kendra von ihrer authentischsten Seite, mit einem kreativen Prozess, der lebendig, schön und chaotisch ist und von Herzblut und der unvollkommenen Perfektion des Augenblicks getragen wird. Als Konzeptalbum in umgekehrter Reihenfolge verbindet ,Next" Kendras Figuren mit einem Vintage-Brettspiel im Stil von Milton Bradleys besten Retro-Würfelspielen. Begeben Sie sich auf die Reise von Block zu Block durch Next, und dieses Universum offenbart sich Ihnen. Sie können hören, wie die Klangpalette mit Morris' Einflüssen und Inspirationen mitschwingt. Jahrzehntelange New Yorker Klänge und Stimmen verschmelzen an den Nahtstellen dieser Tracks - eine Welt, in der das Brill Building und Warhols Factory im selben Block florieren, während Blondie und die Frightnrs rockige Sounds erkunden. Doo-Wop und Boom-Bap untermalen den Cut-and-Paste-Stil eines UHF-Senders, während Morris, eine Künstlerin, die sich hinter der Kamera genauso wohlfühlt wie vor dem Mikrofon, das Tempo vorgibt. Kendra Morris und Karma Chief Records laden Sie ein, mit Next mitzuspielen, einer akustischen Reise, auf der Würfeln für Spannung und Abenteuer steht. Es ist Next, komplett mit 10 Tracks und stundenlangem Spaß für die ganze Familie. Einige Teile müssen zusammengebaut werden. Plattenspieler, CD-/Kassettenplayer oder Streaming-Dienst sind separat erhältlich.

Mit ihrem vierten Album voller Eigenkompositionen lädt die eigenwillige Singer-Songwriterin Kendra Morris dazu ein, in die DIY-Kaleidoskopwelt von Next einzutauchen. Morris' neuestes Album für Karma Chief verzichtet auf vielschichtige Produktionen und glatte Sounds und präsentiert Kendra von ihrer authentischsten Seite, mit einem kreativen Prozess, der lebendig, schön und chaotisch ist und von Herzblut und der unvollkommenen Perfektion des Augenblicks getragen wird. Als Konzeptalbum in umgekehrter Reihenfolge verbindet ,Next" Kendras Figuren mit einem Vintage-Brettspiel im Stil von Milton Bradleys besten Retro-Würfelspielen. Begeben Sie sich auf die Reise von Block zu Block durch Next, und dieses Universum offenbart sich Ihnen. Sie können hören, wie die Klangpalette mit Morris' Einflüssen und Inspirationen mitschwingt. Jahrzehntelange New Yorker Klänge und Stimmen verschmelzen an den Nahtstellen dieser Tracks - eine Welt, in der das Brill Building und Warhols Factory im selben Block florieren, während Blondie und die Frightnrs rockige Sounds erkunden. Doo-Wop und Boom-Bap untermalen den Cut-and-Paste-Stil eines UHF-Senders, während Morris, eine Künstlerin, die sich hinter der Kamera genauso wohlfühlt wie vor dem Mikrofon, das Tempo vorgibt. Kendra Morris und Karma Chief Records laden Sie ein, mit Next mitzuspielen, einer akustischen Reise, auf der Würfeln für Spannung und Abenteuer steht. Es ist Next, komplett mit 10 Tracks und stundenlangem Spaß für die ganze Familie. Einige Teile müssen zusammengebaut werden. Plattenspieler, CD-/Kassettenplayer oder Streaming-Dienst sind separat erhältlich.

Man kann nicht über Wicca Phase Springs Eternal sprechen, ohne über Verwandlung zu sprechen. Seit über einem Jahrzehnt nutzt der Sänger, Songwriter und Produzent Adam Andrzejewski diesen Künstlernamen als kreativen Sammelbegriff, unter dem er ein umfangreiches Werk geschaffen hat, das ebenso beständig fesselnd wie ständig im Wandel begriffen ist. Diese geschickte Fähigkeit, Sounds und Stile zu vermischen, ist zu seinem Markenzeichen geworden, aber unabhängig von den Genre-Kennzeichen - von Rap-Beats über New-Wave-Synthesizer bis hin zu Goth-Atmosphären - ist das schlagende Herz von WPSE Andrzejewskis einzigartige Stimme und seine esoterische und doch emotionale Lyrik. Diese Schlüsselelemente haben das Projekt durch musikalische Erkundungen geprägt, und auf seinem neuesten Album Mossy Oak Shadow" stellt Andrzejewski sie nun auf die Probe. Er verzichtet auf wummernde 808s und aufwendige Produktionen zugunsten einer schnörkellosen Band und spärlichen Live-Aufnahmen. Das Album ist eine mitreißende Sammlung von verträumten Folk-Rock-Songs, die beweisen, dass Wicca Phase Springs Eternal wirklich alles sein kann. Ich habe immer irgendwie gedacht, dass ich, solange ich den Namen Wicca Phase Springs Eternal habe, alles machen kann, was ich will", erklärt Andrzejewski. Der Name bietet einen Rahmen für die Texte und die Ästhetik des Projekts - mein Songwriting mit einer mystischen Überlagerung - und solange ich etwas darinnen zum Funktionieren bringen kann, ist das Genre nicht wirklich wichtig." Diese gewagte kreative Mentalität war es, die Andrzejewski antrieb, als er das WPSE Projekt ins Leben rief, neben seiner Arbeit als Mitbegründer des einflussreichen Kollektivs GothBoiClique oder als Mitglied von Thraxxhouse und Misery Club und seinem Punk-Nebenprojekt Pay For Pain. Dennoch hätten wohl nur wenige ahnen können, dass das neue richtige Album von Wicca Phase Springs Eternal eine Sammlung von countrylastigen Folksongs sein würde, die ohne auch nur einen Hauch von Ironie dargeboten werden. Wie bei allem, was Wicca Phase Springs Eternal macht, zeigt sich Andrzejewski auch auf Mossy Oak Shadow" voll und ganz engagiert. Mossy Oak Shadow" mag für Fans von Wicca Phase Springs Eternal, die durch seine beatlastigen modernen Klassiker wie Secret Boy" (2016) oder Suffer On" (2018) auf ihn aufmerksam geworden sind, wie eine drastische Kehrtwende erscheinen - aber das sollte keine völlige Überraschung sein. WPSE-Veröffentlichungen haben sich schon immer mit reduzierten Akustiksongs beschäftigt, und noch weiter zurück gibt es Andrzejewskis frühere Arbeit als Mitglied der Emo/Indie-Größen Tigers Jaw. Als er diese Band 2013 verließ, um sich auf Wicca Phase Springs Eternal zu konzentrieren, stieß er auf Skepsis bei den Zuhörern, die zögerten, seine neue Persönlichkeit und seinen experimentellen Trap-Sound anzunehmen. Ironischerweise hat Andrzejewski jetzt Wicca Phase Springs Eternal so gründlich etabliert, dass er seine Fans erneut mit einem krassen Klangwandel herausfordert - diesmal jedoch durch die Rückkehr zu dem gitarrenorientierten Songwriting, das er beiseite gelegt hatte. Dylan, Will Oldman, Richard Thompson - was ich an diesen Songwritern am meisten mag, ist, dass ich ihnen vertrauen kann", erklärt Andrzejewski . Wenn sie etwas völlig Seltsames machen, vertraue ich darauf, dass sie wissen, was sie tun, weil es von derselben Person kommt, die all diese anderen Songs geschrieben hat, die ich liebe. Auch wenn es vielleicht etwas Zeit braucht, bis ich dort bin, wo sie sind, möchte ich es versuchen."

Nach zwei EPs und einem aufschlussreichen Karrierestart veröffentlicht der mit einem Grammy ausgezeichnete Saxophonist Venna sein Debütalbum »Malik«. »Malik« will nicht nur im Jazz verwurzelt sein, sondern verkörpert den Schmelztiegel der Klänge, der Vennas Umfeld widerspiegelt. Bossa-Nova-Einflüsse sind auf dem Album ebenso zu hören wie eine tiefe Liebe zu Soul, R&B und Rap. Vennas breites Spektrum zeigt sich auch bei der Wahl seiner Mitstreiter, darunter die Sänger Jorja Smith, Leon Thomas, MIKE und Smino, sowie Instrumentalisten wie Yussef Dayes und Marco Bernardis. Es ist eine schöne Seltenheit, wenn ein Künstler sich selbst als Gefäß der Musik sieht, und obwohl »Malik« eine Manifestation seiner Erfahrungen ist und wie er die Welt und sein jahrelanges Handwerk sieht, möchte Venna, dass »Malik« eine Einladung ist. Eine Einladung, loszulassen, präsent zu sein und sich den sinnlichen Erfahrungen hinzugeben.

Blue House Rockin’ is the result of a unique collaboration between Soul Sugar and Dub Shepherds — two projects united by a shared love for roots reggae, vintage studio gear, and warm analog sound.

The album was recorded live over two intense days at Blue House Studio by Christophe “French kiss” Adam, using ribbon and tube microphones from the ’50s and ’60s from the ’50s and ’60s, a Hammond organ, upright piano, Fender bass and Gibson guitars, classic amps and preamps, along with drums, syndrums and percussion. The sessions were transferred to a 24-track tape machine, and final mixes were crafted the old-school way by the Dub Shepherds at their own Bat Records Studio, using analog consoles and hardware vintage effects.
The tracklist brings together deep cuts, timeless classics, and original compositions. Curtis Mayfield’s Give Me Your Love and Aaron Frazer’s My God Has a Telephone (Colemine Records) — two soul gems, one vintage, one modern — are reimagined in reggae style, both featuring the great Jolly Joseph on lead vocals, working wonders with his falsetto. He also shines on Hold My Hand, a sweet and mellow original composition with lovers rock flair, written on the spot during the session.
Other standout moments include the soulful fire of UK singer Shniece McMenamin, who lights up Family Affair (Mary J. Blige / Dr. Dre) — flipped into a fiery hip-hop-meets-reggae version packed with energy and attitude.

Instrumentals like Disco Jack, Choice of Music, and Drum Song — all originally composed by Jamaican organ legend Jackie Mittoo — bring Guillaume “Booker G” Metenier’s Hammond work to the front. The playful exchange between organ, guitar, and a rock-solid rhythm section is elevated by swirling spring reverb, dub echoes, and filter sweeps.
The album’s explosive title track — Blue House Rock — was composed and recorded on the spot at the end of the session. A raw, greasy groove that sounds like The Meters jamming at Studio One or a lost instrumental from a Beastie Boys B-side.
Blue House Rockin’ is a vibrant blend of soulful roots reggae and funk, wrapped in the deep, dusty tones of analog tape. A joyful and authentic studio experience, captured live — and played loud.

For REZ36 we turn to two old school Italian musical stalwarts in Giangi Cappai and Fabrizio Minozzi. Originally titled as the 'Dynagrooves EP' and released on Italian label HT back in the early 90's it's a diverse and interesting record that deserves to see the light of day once again. This ain't no Baseball game.

Focus Track: Bear Hill Album Description: Raekwon’s The Emperor’s New Clothes is a sharp return to form, showcasing the Wu-Tang veteran’s lyrical precision and timeless street wisdom. The album is powerful with equal parts - high-quality bars and carefully sculpted production. Raekwon recruits a stacked lineup of guests, including Nas, Griselda, Method Man, Inspectah Deck, and Ghostface Killah, injecting the project with gritty energy and legacy chemistry. Marsha Ambrosius and Stacy Barthe provide smooth, soulful hooks, adding emotional layers to the hard-edged verses. Production comes courtesy of Nottz, Swizz Beatz J.U.S.T.I.C.E League and more. The LP is a reminder of Raekwon’s enduring power as a lyricist and curator. A veteran artist showing that mastery doesn’t need excess. The Emperor’s New Clothes is regal, streetwise, and sharply tailored for those who value craft.

Nach dem rasanten The Ride (2020) meldet sich die Punk-Truppe aus Los Angeles mit Lighten Up zurück, produziert von NOFXs Fat Mike. Eine perfekte Band für Fans von melodischem SoCal-Punk mit feministischem Einschlag. Die vierköpfige Band überzeugt mit unendlicher Power und Energie auf der Bühne, inklusive zweier Hauptsängerinnen. Und musikalisch stehen sie nicht still, sondern erweitern sich jedes Mal. "Life is hard, but it's still beautiful. Stop picking the hard shit to look at_look at the beautiful stuff too. Lighten up." Lighten Up (Fat Wreck Chords), das vierte Album der SoCal-Punkband Bad Cop Bad Cop, zeichnet ein eindrucksvolles Porträt der hart erkämpften Siege und Verluste des Lebens. Aufgenommen wurde das Album im Compound in Long Beach, der Heimat des erfahrenen Produzenten Antoine Arvizu (Sublime, Ryan Bingham). Die Band liebte es schon, die Singles ,Shattered" und ,Safe and Legal" dort 2023 mit Arvizu und Migs (Sublime, Slightly Stoopid, Long Beach Dub Allstars) aufzunehmen. Bad Cop / Bad Cop strecken ihren charakteristischen, melodischen Punk in unerwartete Gefilde, wie das jazzige ,Las Ventanas", das Dub-infizierte ,Note to Self" oder ,Johnny Appleseed", eine Neuinterpretation des Joe Strummer and the Mescaleros-Klassikers. Nach dem Einspielen der Instrumente verbrachte die Band zehn intensive 12-Stunden-Tage damit, die Vocals mit Mitstreiter John E. Carey Jr. (Old Man Markley, NOFX, Get Dead) aufzunehmen. "Der Gesang war der wichtigste Teil für uns. Wir haben wirklich alles ausprobiert", sagt Dee und fügt hinzu, dass Gallarza zum ersten Mal die dritte Harmonie gesungen hat. Lighten Up profitiert auch von Windsor, einem erfahrenen Gitarristen, der nicht nur schreddert (siehe z.B. das Ende von ,I4NI"), sondern dessen musiktheoretisches Wissen sich als unschätzbar erwiesen hat. ,Alex' Gitarrenspiel ist einfach fantastisch und hat unser Songwriting wirklich aufgewertet", sagt Dee. Alles an Lighten Up fühlt sich erhaben und echt an. "Das war das erste Mal, dass wir uns einen Dreck darum scherten, was andere machen oder von uns erwarten. Lighten Up war/ist für uns", sagt Dee. ,Es hat uns total viel Spaß gemacht, es zu machen und wir lieben es so sehr." CD, schwarze LP und limitiertes, hellblaues Vinyl erhältlich!

Mit dieser exklusiven Vinyl-Collection erscheinen die unvergesslichen Klassiker von Ricky Nelson in geballter Form – ein musikalischer Rückblick auf eine der prägendsten Stimmen des Rock ’n’ Roll und Teen-Pop der 50er und 60er Jahre. Diese Vinyl ist eine Hommage an einen echten Musikpionier – perfekt zum Wiederentdecken, Genießen oder Verschenken. Die größten Hits von Ricky Nelson – der Soundtrack einer Ära!

D Stone debuts on Heist Recordings with a record that shows us why he's one of the hottest talents in house music right now

Chloe Caillet is in on it. Cinthie is in on it. SG lewis and Demi Riquísimo are in on it too. So are Folamour, Barry Can't Swim and, of course, Dam Swindle. In on what exactly?

In on the fact that D Stone might be the most exciting young producer and DJ you will find in the house scene right now. Oh, and he's also a great guy who says Heist was his dream label to release on. When we found out we were fans of on each other, it was only logical that we signed his 'Time Selection' EP; A 5-track record that shows us how cool and catchy underground house music can be if it's done well.

D Stone, born Daan Steenhuizen has had a meteoric rise in the scene in the past years and has only just finished his study at the Conservatory, where Lars was one of his mentors. His vinyl debut was on Cecille in 2023 with that absolute anthem 'Total unison'. He then released on Cinthie's 803 Crystal Grooves in 2024 and has a busy 2025 with releases on Chloe Caillet's label Smiile, Semi Delicious, a release planned for Barry Can't Swim's fresh label 'Earth's only paradise' and now, Heist. He's been touring relentlessly in between, already playing legendary places like Ibiza's Pikes, Amsterdam's Shelter and with big shows planned at Warehouse project and in Australia, you can just feel all the right things happening for him.

The 'Time Selection' EP kicks off with 'Yes I Am', an upbeat house track with plenty of hints of the old school, playful vocal chops and above all, some lovely piano work. It's stripped back, but full of energy, with driving 909 percussion, retro flutes and a rolling bass line. It's as much a pallet cleanser in a set as it is a teasing mid-set highlight.

'Move Over' features the vocals of ELY and sees D Stone dive deeper into vintage house territory, with a classic bassline and percussion that stays true to the core of the classic drum machines, hinting as much towards the electro-pop sound of New Order and the futurism of early Mr. Fingers releases. The vocal is daring and cute at the same time, and does a great job tapping into the nostalgia of the pop-house cross-over songs of the early 90s.

'Time Selection' is arguably the heaviest cut of the record, much in style of his breakthrough track 'Total Unison'. This track is built around a strong piano theme, supported by driving 909 drums, strings and cleverly placed disco bleeps to keep the track accessible and uplifting. Add to that a big breakdown, and you'll understand why we've been reaching for this track peak set for the past months.

On the flip, we've got 'One Thing', a subtle and introverted track built around a bumpy disco bassline with a hook that's silly on first listen but will end up being the one thing you'll keep humming for the rest of the day. In short, it's a banger in disguise.

The last track of the EP is 'Everything from the Organ', a track where D Stone is not afraid to show his love for throwback ravey elements. There's organ licks, horns and chopped vocals that propel you straight to the front-left of whichever dancefloor D Stone is reigning at that moment.

Don't sleep on the Heist debut of one of Amsterdam's biggest talents, cause this one will go like hot cakes! As always, enjoy the music and play it loud!

Yours, Maarten & Lars

Julia Wolf ist eine einzigartige Künstlerin, eine genreübergreifende Geschichtenerzählerin und eine Inspiration für Musikfans, Trendsetter und Musikkollegen gleichermaßen. Ihre Reise ist eine lebendige Erzählung von Verletzlichkeit, Wachstum, Experimentierfreudigkeit und menschlicher Erfahrung. Julias digitales Debütalbum ""Good Thing We Stayed"" (2023) verband eindringlich schöne Vocals und gefühlvolles Songwriting mit Trap-inspirierten Popmelodien. Mit ihrer neuen, auch physischen LP ""PRESSURE"" samt der Single ""In My Room"" kehrt die Künstlerin aus Long Island wieder zu ihren Rockwurzeln zurück, zeigt ihre vielseitige Kunstfertigkeit und Missachtung konventioneller Grenzen. Julias Bindung zu ihrem Publikum geht über die Musik hinaus; ihre Texte finden eine so tiefe Resonanz, dass Fans sie oft in Tattoos verewigen, während sie auf Spotify auf über 2 Millionen monatliche Hörer bauen kann.

Phantoms bahnbrechendes Debütalbum „Handed to Execution“ von 2023 erscheint nun mit der Klangqualität, die es schon immer verdient hat. Unter der Leitung von Patrick W. Engel wurde es sorgfältig neu abgemischt und remastered, sodass diese definitive Edition den Speed/Thrash Metal der Mexikaner endlich in seiner ganzen knochenbrechenden Pracht präsentiert.
Mastermind, Sänger und Gitarrist J.C. erklärt: „Damals wussten wir noch nichts über Recording, wir haben es während der Arbeit an der Platte gelernt. Es war auch etwas unglücklich, da sich unser anderer Gitarrist Harel den Arm gebrochen hatte und ich schließlich das gesamte Album ohne Hilfe aufnehmen musste, während wir den Schlagzeuger wechselten. Es war eine Herausforderung, aber wir haben es geschafft.“
Was als ambitioniertes DIY-Projekt begann, wurde schnell zu „einem sehr beliebten Album, das uns Fans auf der ganzen Welt beschert hat“. Phantom wurden 2021 in der Underground-Szene von Guadalajara gegründet und etablierte sich mit drei Demos und einer Vierer-Split-LP, bevor sie „Handed to Execution“ herausbrachten.
High Roller Records freuen sich nun, diese unverzichtbare Neuauflage zu veröffentlichen, die die minderwertigen früheren Pressungen vergessen macht, die J.C. als „ziemlich chaotisch“ beschreibt. Jeder donnernde Drum-Schlag und jedes messerscharfe Riff ist nun perfekt ausbalanciert, um maximale Wirkung zu erzielen.
Phantom werden im September/Oktober 2025 mit Evilcult aus Brasilien durch Europa touren.

High Roller Records, bone vinyl, ltd 350, 425gsm heavy cardboard cover, insert.