Search:schluss

In der Hoffnung, Sun Konkurrenz zu machen, startete Meteor 1952 vielversprechend mit dem in Chicago aufgenommenen R&B-Hit 'I Believe' von Elmore James. Ein zweiter Hit, diesmal im Country-Bereich, 'Daydreamin' von Bud Deckelman Ende 1954, verlieh Meteor jedoch neues Leben und weckte Lesters Interesse an Aufnahmen von Rockabilly-Künstlern, insbesondere jetzt, da der Newcomer Elvis Presley bei Sun seinen Durchbruch hatte. Meteor's Studio war dazu da, seine Geheimnisse zu bewahren, und darin lag die Magie. Niemand wurde jemals bezahlt und niemand wurde zu einer zweiten Session eingeladen. Irgendwann im Sommer 1957 machte Lester Bihari das Licht aus, schloss ab und ging, ohne sich die Mühe zu machen, die Master und irgendwelche Unterlagen mitzunehmen, und machte das Label mit dieser letzten Drehung des Schlüssels zum Mythos. Die unfreiwillige Wahrheit von Meteor Rockabilly ist: Man ließ die Musik für sich selbst sprechen, ungeschönt und frei von kommerziellen Zwängen. Exquisit gemastert aus den besten verfügbaren Quellen und attraktiv verpackt, ist 'Bop Baby Bop - Meteor Rockabilly' ein wichtiges Zeugnis des Nachkriegs-Amerika. Auf Black Vinyl!

'Kaleidoscope' erschien ursprünglich 1999 und stellte Kelis' einzigartigen Stil vor, der R&B, Funk und die futuristische Produktion von The Neptunes vermischte. Schlüsseltracks wie 'Caught Out There' mit seinem ikonischen 'Ich hasse dich gerade so sehr!'-Schrei wurden zu einer prägenden Hymne, während 'Good Stuff' Kelis' grenzüberschreitende Fusion aus Hip-Hop und gefühlvollem Gesang präsentierte.

Zur Feier des 25-jährigen Jubiläums wurde das Album mit dieser speziellen 2LP-Vinylpressung, die den lebendigen Sound des Albums wiederbelebt und seine zeitlose Energie einfängt, neuaufgelegt. Für Fans und Sammler gleichermaßen ist diese Veröffentlichung eine Feier von Kelis' mutigem und einflussreichem Debüt.

Violator wurde 2002 in der brasilianischen Hauptstadt Brasília gegründet und hat sich zum Ziel gesetzt, eines der Aushängeschilder der postmillennialen neuen Welle des Old-School-Thrash-Metal zu werden. Die vierköpfige Band entstand aus der gemeinsamen Vorliebe der Mitglieder für genreprägende Acts aus der goldenen Ära der Szene in den 1980er Jahren. Sie mischten den unerbittlichen Stil der frühen Pioniere aus ihrem Land (Sepultura, Korzus) mit der amerikanischen Tradition (insbesondere den Genre-Titanen Exodus) und einer Prise Hardcore-Crossover. High Roller Records sind stolz darauf, vier Schlüsselveröffentlichungen der Gruppe auf Vinyl neu aufzulegen, wobei „Violent Mosh“ 2004 ihr erstes professionelles Werk auf dem brasilianischen Label Kill Again Records war. Nach einem Demo und einem Vierer-Split gab die Sechs-Track-EP den Ton an für das, was zwei Jahre später auf Violators Debütalbum „Chemical Assault“ folgen sollte. Beide Titel fangen die energiegeladenen Live-Shows ein, die sie sowohl alleine als auch als Support von internationalen Größen wie Destruction spielten. Apropos, auf der „Annihilation Process“-EP von 2010 konnte Sänger/Bassist Pedro Arcanjo nicht mehr nur den deutschen Frontmann Schmier oder Kreators Mille imitieren, während die Musik reifer wurde und Songs wie das ausgefeilte „Futurephobia“ haufenweise Potenzial erkennen ließen. Mit ihrem zweiten Album „Scenarios of Brutality“ (2013) löste die Band dieses Versprechen ein, indem sie ihren mittlerweile unverkennbaren Sound voll zur Geltung brachte, der das Flair eines neuzeitlichen Genre-Klassikers verströmt. Riff-lastig, mit intensivem Tempo und glaubwürdig Zorn und Wut durch etablierte Themen ausdrückend, die von gesellschaftspolitischem Bewusstsein und Doom-Mongering bis hin zu schlichter Thrash-Selbstreferenzialität reichen und mit rohen, aber kraftvollen Produktionen aufwarten, sind diese vier Platten äußerst wichtige Ergänzungen zum Genre-Kanon - Let the Violation Begin!

Mastered for vinyl by Christoph Brandes at Iguana Studios

Violator wurde 2002 in der brasilianischen Hauptstadt Brasília gegründet und hat sich zum Ziel gesetzt, eines der Aushängeschilder der postmillennialen neuen Welle des Old-School-Thrash-Metal zu werden. Die vierköpfige Band entstand aus der gemeinsamen Vorliebe der Mitglieder für genreprägende Acts aus der goldenen Ära der Szene in den 1980er Jahren. Sie mischten den unerbittlichen Stil der frühen Pioniere aus ihrem Land (Sepultura, Korzus) mit der amerikanischen Tradition (insbesondere den Genre-Titanen Exodus) und einer Prise Hardcore-Crossover. High Roller Records sind stolz darauf, vier Schlüsselveröffentlichungen der Gruppe auf Vinyl neu aufzulegen, wobei „Violent Mosh“ 2004 ihr erstes professionelles Werk auf dem brasilianischen Label Kill Again Records war. Nach einem Demo und einem Vierer-Split gab die Sechs-Track-EP den Ton an für das, was zwei Jahre später auf Violators Debütalbum „Chemical Assault“ folgen sollte. Beide Titel fangen die energiegeladenen Live-Shows ein, die sie sowohl alleine als auch als Support von internationalen Größen wie Destruction spielten. Apropos, auf der „Annihilation Process“-EP von 2010 konnte Sänger/Bassist Pedro Arcanjo nicht mehr nur den deutschen Frontmann Schmier oder Kreators Mille imitieren, während die Musik reifer wurde und Songs wie das ausgefeilte „Futurephobia“ haufenweise Potenzial erkennen ließen. Mit ihrem zweiten Album „Scenarios of Brutality“ (2013) löste die Band dieses Versprechen ein, indem sie ihren mittlerweile unverkennbaren Sound voll zur Geltung brachte, der das Flair eines neuzeitlichen Genre-Klassikers verströmt. Riff-lastig, mit intensivem Tempo und glaubwürdig Zorn und Wut durch etablierte Themen ausdrückend, die von gesellschaftspolitischem Bewusstsein und Doom-Mongering bis hin zu schlichter Thrash-Selbstreferenzialität reichen und mit rohen, aber kraftvollen Produktionen aufwarten, sind diese vier Platten äußerst wichtige Ergänzungen zum Genre-Kanon - Let the Violation Begin!

Mastered for vinyl by Christoph Brandes at Iguana Studios

Violator wurde 2002 in der brasilianischen Hauptstadt Brasília gegründet und hat sich zum Ziel gesetzt, eines der Aushängeschilder der postmillennialen neuen Welle des Old-School-Thrash-Metal zu werden. Die vierköpfige Band entstand aus der gemeinsamen Vorliebe der Mitglieder für genreprägende Acts aus der goldenen Ära der Szene in den 1980er Jahren. Sie mischten den unerbittlichen Stil der frühen Pioniere aus ihrem Land (Sepultura, Korzus) mit der amerikanischen Tradition (insbesondere den Genre-Titanen Exodus) und einer Prise Hardcore-Crossover. High Roller Records sind stolz darauf, vier Schlüsselveröffentlichungen der Gruppe auf Vinyl neu aufzulegen, wobei „Violent Mosh“ 2004 ihr erstes professionelles Werk auf dem brasilianischen Label Kill Again Records war. Nach einem Demo und einem Vierer-Split gab die Sechs-Track-EP den Ton an für das, was zwei Jahre später auf Violators Debütalbum „Chemical Assault“ folgen sollte. Beide Titel fangen die energiegeladenen Live-Shows ein, die sie sowohl alleine als auch als Support von internationalen Größen wie Destruction spielten. Apropos, auf der „Annihilation Process“-EP von 2010 konnte Sänger/Bassist Pedro Arcanjo nicht mehr nur den deutschen Frontmann Schmier oder Kreators Mille imitieren, während die Musik reifer wurde und Songs wie das ausgefeilte „Futurephobia“ haufenweise Potenzial erkennen ließen. Mit ihrem zweiten Album „Scenarios of Brutality“ (2013) löste die Band dieses Versprechen ein, indem sie ihren mittlerweile unverkennbaren Sound voll zur Geltung brachte, der das Flair eines neuzeitlichen Genre-Klassikers verströmt. Riff-lastig, mit intensivem Tempo und glaubwürdig Zorn und Wut durch etablierte Themen ausdrückend, die von gesellschaftspolitischem Bewusstsein und Doom-Mongering bis hin zu schlichter Thrash-Selbstreferenzialität reichen und mit rohen, aber kraftvollen Produktionen aufwarten, sind diese vier Platten äußerst wichtige Ergänzungen zum Genre-Kanon - Let the Violation Begin!

Mastered for vinyl by Christoph Brandes at Iguana Studios

Violator wurde 2002 in der brasilianischen Hauptstadt Brasília gegründet und hat sich zum Ziel gesetzt, eines der Aushängeschilder der postmillennialen neuen Welle des Old-School-Thrash-Metal zu werden. Die vierköpfige Band entstand aus der gemeinsamen Vorliebe der Mitglieder für genreprägende Acts aus der goldenen Ära der Szene in den 1980er Jahren. Sie mischten den unerbittlichen Stil der frühen Pioniere aus ihrem Land (Sepultura, Korzus) mit der amerikanischen Tradition (insbesondere den Genre-Titanen Exodus) und einer Prise Hardcore-Crossover. High Roller Records sind stolz darauf, vier Schlüsselveröffentlichungen der Gruppe auf Vinyl neu aufzulegen, wobei „Violent Mosh“ 2004 ihr erstes professionelles Werk auf dem brasilianischen Label Kill Again Records war. Nach einem Demo und einem Vierer-Split gab die Sechs-Track-EP den Ton an für das, was zwei Jahre später auf Violators Debütalbum „Chemical Assault“ folgen sollte. Beide Titel fangen die energiegeladenen Live-Shows ein, die sie sowohl alleine als auch als Support von internationalen Größen wie Destruction spielten. Apropos, auf der „Annihilation Process“-EP von 2010 konnte Sänger/Bassist Pedro Arcanjo nicht mehr nur den deutschen Frontmann Schmier oder Kreators Mille imitieren, während die Musik reifer wurde und Songs wie das ausgefeilte „Futurephobia“ haufenweise Potenzial erkennen ließen. Mit ihrem zweiten Album „Scenarios of Brutality“ (2013) löste die Band dieses Versprechen ein, indem sie ihren mittlerweile unverkennbaren Sound voll zur Geltung brachte, der das Flair eines neuzeitlichen Genre-Klassikers verströmt. Riff-lastig, mit intensivem Tempo und glaubwürdig Zorn und Wut durch etablierte Themen ausdrückend, die von gesellschaftspolitischem Bewusstsein und Doom-Mongering bis hin zu schlichter Thrash-Selbstreferenzialität reichen und mit rohen, aber kraftvollen Produktionen aufwarten, sind diese vier Platten äußerst wichtige Ergänzungen zum Genre-Kanon - Let the Violation Begin!

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Violator wurde 2002 in der brasilianischen Hauptstadt Brasília gegründet und hat sich zum Ziel gesetzt, eines der Aushängeschilder der postmillennialen neuen Welle des Old-School-Thrash-Metal zu werden. Die vierköpfige Band entstand aus der gemeinsamen Vorliebe der Mitglieder für genreprägende Acts aus der goldenen Ära der Szene in den 1980er Jahren. Sie mischten den unerbittlichen Stil der frühen Pioniere aus ihrem Land (Sepultura, Korzus) mit der amerikanischen Tradition (insbesondere den Genre-Titanen Exodus) und einer Prise Hardcore-Crossover. High Roller Records sind stolz darauf, vier Schlüsselveröffentlichungen der Gruppe auf Vinyl neu aufzulegen, wobei „Violent Mosh“ 2004 ihr erstes professionelles Werk auf dem brasilianischen Label Kill Again Records war. Nach einem Demo und einem Vierer-Split gab die Sechs-Track-EP den Ton an für das, was zwei Jahre später auf Violators Debütalbum „Chemical Assault“ folgen sollte. Beide Titel fangen die energiegeladenen Live-Shows ein, die sie sowohl alleine als auch als Support von internationalen Größen wie Destruction spielten. Apropos, auf der „Annihilation Process“-EP von 2010 konnte Sänger/Bassist Pedro Arcanjo nicht mehr nur den deutschen Frontmann Schmier oder Kreators Mille imitieren, während die Musik reifer wurde und Songs wie das ausgefeilte „Futurephobia“ haufenweise Potenzial erkennen ließen. Mit ihrem zweiten Album „Scenarios of Brutality“ (2013) löste die Band dieses Versprechen ein, indem sie ihren mittlerweile unverkennbaren Sound voll zur Geltung brachte, der das Flair eines neuzeitlichen Genre-Klassikers verströmt. Riff-lastig, mit intensivem Tempo und glaubwürdig Zorn und Wut durch etablierte Themen ausdrückend, die von gesellschaftspolitischem Bewusstsein und Doom-Mongering bis hin zu schlichter Thrash-Selbstreferenzialität reichen und mit rohen, aber kraftvollen Produktionen aufwarten, sind diese vier Platten äußerst wichtige Ergänzungen zum Genre-Kanon - Let the Violation Begin!

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Violator wurde 2002 in der brasilianischen Hauptstadt Brasília gegründet und hat sich zum Ziel gesetzt, eines der Aushängeschilder der postmillennialen neuen Welle des Old-School-Thrash-Metal zu werden. Die vierköpfige Band entstand aus der gemeinsamen Vorliebe der Mitglieder für genreprägende Acts aus der goldenen Ära der Szene in den 1980er Jahren. Sie mischten den unerbittlichen Stil der frühen Pioniere aus ihrem Land (Sepultura, Korzus) mit der amerikanischen Tradition (insbesondere den Genre-Titanen Exodus) und einer Prise Hardcore-Crossover. High Roller Records sind stolz darauf, vier Schlüsselveröffentlichungen der Gruppe auf Vinyl neu aufzulegen, wobei „Violent Mosh“ 2004 ihr erstes professionelles Werk auf dem brasilianischen Label Kill Again Records war. Nach einem Demo und einem Vierer-Split gab die Sechs-Track-EP den Ton an für das, was zwei Jahre später auf Violators Debütalbum „Chemical Assault“ folgen sollte. Beide Titel fangen die energiegeladenen Live-Shows ein, die sie sowohl alleine als auch als Support von internationalen Größen wie Destruction spielten. Apropos, auf der „Annihilation Process“-EP von 2010 konnte Sänger/Bassist Pedro Arcanjo nicht mehr nur den deutschen Frontmann Schmier oder Kreators Mille imitieren, während die Musik reifer wurde und Songs wie das ausgefeilte „Futurephobia“ haufenweise Potenzial erkennen ließen. Mit ihrem zweiten Album „Scenarios of Brutality“ (2013) löste die Band dieses Versprechen ein, indem sie ihren mittlerweile unverkennbaren Sound voll zur Geltung brachte, der das Flair eines neuzeitlichen Genre-Klassikers verströmt. Riff-lastig, mit intensivem Tempo und glaubwürdig Zorn und Wut durch etablierte Themen ausdrückend, die von gesellschaftspolitischem Bewusstsein und Doom-Mongering bis hin zu schlichter Thrash-Selbstreferenzialität reichen und mit rohen, aber kraftvollen Produktionen aufwarten, sind diese vier Platten äußerst wichtige Ergänzungen zum Genre-Kanon - Let the Violation Begin!

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Violator wurde 2002 in der brasilianischen Hauptstadt Brasília gegründet und hat sich zum Ziel gesetzt, eines der Aushängeschilder der postmillennialen neuen Welle des Old-School-Thrash-Metal zu werden. Die vierköpfige Band entstand aus der gemeinsamen Vorliebe der Mitglieder für genreprägende Acts aus der goldenen Ära der Szene in den 1980er Jahren. Sie mischten den unerbittlichen Stil der frühen Pioniere aus ihrem Land (Sepultura, Korzus) mit der amerikanischen Tradition (insbesondere den Genre-Titanen Exodus) und einer Prise Hardcore-Crossover. High Roller Records sind stolz darauf, vier Schlüsselveröffentlichungen der Gruppe auf Vinyl neu aufzulegen, wobei „Violent Mosh“ 2004 ihr erstes professionelles Werk auf dem brasilianischen Label Kill Again Records war. Nach einem Demo und einem Vierer-Split gab die Sechs-Track-EP den Ton an für das, was zwei Jahre später auf Violators Debütalbum „Chemical Assault“ folgen sollte. Beide Titel fangen die energiegeladenen Live-Shows ein, die sie sowohl alleine als auch als Support von internationalen Größen wie Destruction spielten. Apropos, auf der „Annihilation Process“-EP von 2010 konnte Sänger/Bassist Pedro Arcanjo nicht mehr nur den deutschen Frontmann Schmier oder Kreators Mille imitieren, während die Musik reifer wurde und Songs wie das ausgefeilte „Futurephobia“ haufenweise Potenzial erkennen ließen. Mit ihrem zweiten Album „Scenarios of Brutality“ (2013) löste die Band dieses Versprechen ein, indem sie ihren mittlerweile unverkennbaren Sound voll zur Geltung brachte, der das Flair eines neuzeitlichen Genre-Klassikers verströmt. Riff-lastig, mit intensivem Tempo und glaubwürdig Zorn und Wut durch etablierte Themen ausdrückend, die von gesellschaftspolitischem Bewusstsein und Doom-Mongering bis hin zu schlichter Thrash-Selbstreferenzialität reichen und mit rohen, aber kraftvollen Produktionen aufwarten, sind diese vier Platten äußerst wichtige Ergänzungen zum Genre-Kanon - Let the Violation Begin!

Violator wurde 2002 in der brasilianischen Hauptstadt Brasília gegründet und hat sich zum Ziel gesetzt, eines der Aushängeschilder der postmillennialen neuen Welle des Old-School-Thrash-Metal zu werden. Die vierköpfige Band entstand aus der gemeinsamen Vorliebe der Mitglieder für genreprägende Acts aus der goldenen Ära der Szene in den 1980er Jahren. Sie mischten den unerbittlichen Stil der frühen Pioniere aus ihrem Land (Sepultura, Korzus) mit der amerikanischen Tradition (insbesondere den Genre-Titanen Exodus) und einer Prise Hardcore-Crossover. High Roller Records sind stolz darauf, vier Schlüsselveröffentlichungen der Gruppe auf Vinyl neu aufzulegen, wobei „Violent Mosh“ 2004 ihr erstes professionelles Werk auf dem brasilianischen Label Kill Again Records war. Nach einem Demo und einem Vierer-Split gab die Sechs-Track-EP den Ton an für das, was zwei Jahre später auf Violators Debütalbum „Chemical Assault“ folgen sollte. Beide Titel fangen die energiegeladenen Live-Shows ein, die sie sowohl alleine als auch als Support von internationalen Größen wie Destruction spielten. Apropos, auf der „Annihilation Process“-EP von 2010 konnte Sänger/Bassist Pedro Arcanjo nicht mehr nur den deutschen Frontmann Schmier oder Kreators Mille imitieren, während die Musik reifer wurde und Songs wie das ausgefeilte „Futurephobia“ haufenweise Potenzial erkennen ließen. Mit ihrem zweiten Album „Scenarios of Brutality“ (2013) löste die Band dieses Versprechen ein, indem sie ihren mittlerweile unverkennbaren Sound voll zur Geltung brachte, der das Flair eines neuzeitlichen Genre-Klassikers verströmt. Riff-lastig, mit intensivem Tempo und glaubwürdig Zorn und Wut durch etablierte Themen ausdrückend, die von gesellschaftspolitischem Bewusstsein und Doom-Mongering bis hin zu schlichter Thrash-Selbstreferenzialität reichen und mit rohen, aber kraftvollen Produktionen aufwarten, sind diese vier Platten äußerst wichtige Ergänzungen zum Genre-Kanon - Let the Violation Begin!

Buffalo Tom (Bill Janovitz, Chris Colbourn und Tom Maginnis) gründeten sich 1984 an der University of Massachusetts in Amherst - einer Brutstätte von Post-Punk-Gitarrenbands wie Dinosaur Jr. und Pixies. Die drei langjährigen Bandmitglieder erkennen die Leistung ihrer Langlebigkeit als kreative Einheit an. Anfänglich boten sie einen rauen, treibenden Sound, der Janovitz" imposanten Gitarrensound hervorhob, doch der frühe Ansatz von Buffalo Tom wich einem melodischeren, aber nicht weniger unverwechselbaren Stil. Die Band hat zehn Studioalben veröffentlicht, das jüngste, Jump Rope, erschien Anfang dieses Jahres. "Big Red Letter Day" wurde 1993 veröffentlicht. Auf ihrem vierten Album machten sie das, was sie sehr gut können, aber mit mehr Glanz in der Produktion. Das Album wurde in LA von den Robb Brothers aufgenommen und enthält zahlreiche Publikumslieblinge, vor allem: "Sodajerk", 'I"m Allowed", 'Treehouse" und 'Late At Night". Die Band erlangte neue Berühmtheit, als "Late At Night" in einer Schlüsselszene der kurzlebigen TV-Kultserie "My So Called Life" mit Claire Danes und Jared Leto in den Hauptrollen zu hören war, die Mitte der 90er Jahre ausgestrahlt wurde. Der Song kam nicht nur in der Folge vor, sondern die Band wurde auch bei der Aufführung des Songs gezeigt. Der Rolling Stone bezeichnete den Song in einem Bericht über die Band als "inspirierte, geradlinige Power-Pop-Sammlung", und Spin schrieb: "Die Leidenschaft fühlt sich echt an und die Musik ist erhaben."

Das klassische Debütalbum von Trouble aus dem Jahr 1984 mit originalgetreu restauriertem Ton repräsentiert alles, was Doom Metal sein sollte! 40th
anniversary Picture-LP edition includes an A2 poster! Das Frühwerk von Trouble und insbesondere "Psalm 9" repräsentiert alles, was Doom Metal sein
sollte (aber so oft nicht ist). Man bedenke, dass es sich hier um eine Band handelt, die wirklich sehr vielfältig ist, was Tempo, Arrangements und
Stimmung angeht, und die sich nicht scheut, mit dem zu brechen, was von einer Doom-Band üblicherweise erwartet wird. Für 1984 ist dies eine
unglaublich zeitgemäße Platte; sie ist Doom durch und durch, aber auch thrashig und mit einigen, für die damalige Zeit, modernen Heavy
Metal-Anleihen versehen. Im Grunde gibt es nichts Rückschrittliches oder Abgedroschenes an dieser Platte. Ehrlich gesagt, es ist zum Lachen, wenn so
etwas als traditioneller Doom Metal" bezeichnet wird; was ist daran traditionell? Bands wie Trouble und Candlemass bewegten sich nicht in einer
etablierten Tradition, sondern schmiedeten ihren eigenen Sound.Zu oft hört man Doom-Bands, die den Metal aus dem Doom herausnehmen. Doom
scheint heutzutage oft ein Synonym für "spiel langsam, minimiere deine metallischen Anleihen" zu sein. Natürlich erhört "Psalm 9" die Gebete, denn
es gibt Leadgitarren und schnelle Parts in Hülle und Fülle. Der Kontrast ist der Schlüssel zum Erfolg, und jedes stampfende, niedergeschlagene Riff
wird durch einen schnellen Break ausgeglichen. Trouble lieben es, langsam zu spielen, aber verdammt, sie werden dir auch das Gesicht abreißen!

Die neuseeländische Musikerin und Produzentin Princess Chelsea präsentiert ihr kommendes "nervous breakdown album" "Everything Is Going To Be Alright", das im pastoralen Aotearoa Neuseeland aufgenommen wurde und eine Art Trostspender ist. Es sind keine traurigen Lieder, sondern die beiden Eröffnungs- und Schlusstracks erzählen von Chelseas Genesung und sind als kathartischer Hörgenuss für alle gedacht, die es brauchen könnten. "If you feel you want to die / trust me darling / it just takes time", singt sie in "Time". In der Zwischenzeit zeigen Chelseas sorgfältig geschichtete Gesangsmelodien über Mellotron-Flöten und Harfe, verwoben mit Live-Cello und Violine, ihre Fähigkeiten als Arrangeurin und Produzentin. Princess Chelseas cineastischer, verträumter Pop hat sich in elf Jahren, fünf Alben, einer EP und elf Singles weiterentwickelt. Ihre Vortragsweise und ihr Songwriting zeichnen sich dadurch aus, dass sie eine fast naive Ernsthaftigkeit mit zynischem, augenzwinkerndem Witz und akustischen Funken überlagert. Ihr Grunge-Girlgroup-Song "I Love My Boyfriend" aus dem Jahr 2018 und ihr von Nancy & Lee inspiriertes "Cigarette Duet" aus dem Jahr 2011 haben ihren Bekanntheitsgrad durch den Einfluss einer neuen TikTok-Generation in das öffentliche Bewusstsein gerückt. Für dieses Album wurden Chelseas Instrumentalarrangements von ihrer Live-Band inspiriert, die die Schlafzimmerdemoaufnahmen mit einem überraschenden Sound interpretiert hat. Es klingt anders, als man vielleicht erwarten würde. "The Forest" wurde live in einem Take mit Chelsea und der gesamten Band im beliebten neuseeländischen "The Lab" aufgenommen und zeigt dynamische Gitarrenwände und eine leidenschaftliche Gesangsperformance. Es ist eine markante Abweichung von ihrem bisherigen Schaffen und stellt eine weitere Einführung in das dar, was sie seit der Veröffentlichung der verträumten und doch düsteren Single "Everything is Going To Be Alright" im Februar als ihr "Gitarrenalbum" bezeichnet hat. Chelseas Fähigkeiten als Arrangeurin und Produzentin kommen auf dem Album voll zur Geltung, aber oft in Form von komplizierten Gitarrenarrangements, die an The Cars und die Breeders ("Forever is a Charm") und an klassische neuseeländische Flying Nun-Bands der 80er und 90er Jahre ("Love is More") erinnern. Obwohl das Album eine deutliche musikalische Entwicklung darstellt, sind ihre Markenzeichen immer noch da - klassische 80er Jahre Synths (Yamaha DX7, Roland D-50), vielschichtige Melodien, orchestrale Instrumente, verträumter Gesang, verdrehter Pop, der oft Vergleiche mit Julee Cruise oder Enya gezogen hat.

25 Jahre nach seinem Durchbruch zieht Eminem den Schlussstrich unter das aggressive Slim Shady-Kapitel,
mit dem 1999 alles anfing – auf dem 12. Studioalbum „The Death of Slim Shady (Coup De Grâce)“.
Weltbekannt für seinen bissigen Humor und seinen einzigartigen Flow, zählt Eminem seit gut 25 Jahren
zu den größten Heavyweights der Hip-Hop-Welt – und als popkulturelle Ikone. Schon kurz nach der
Veröffentlichung der „The Slim Shady LP“ im Jahr 1999 avancierte er zum meistverkauften Rapper der
Musikgeschichte. Abgesehen von inzwischen weit über 220 Millionen verkauften Alben, konnte Eminem
bereits 15 GRAMMYs sowie einen Academy Award in Empfang nehmen. In den USA erhielt er bereits
seine sechste Diamant-Auszeichnung (!). Zuletzt hatte Eminem im Jahr 2020 mit dem Vorgänger-Album
„Music to Be Murdered By“ zum 10. Mal Platz #1 der Billboard-200 eingenommen. Während auch
hierzulande etliche Alben regelmäßig Platz #1 der Charts belegten (u.a. „The Eminem Show“, „Encore“,
„The Marshall Mathers LP2“), ist Eminem inzwischen der Musiker mit den meisten Studioalbum, die schon
für sich genommen Streams in Milliardenhöhe verbuchen. Mit „The Death of Slim Shady (Coup De Grâce)“
schlägt der 51-jährige ”Über-MC” das 12. Albumkapitel auf und sorgt dafür, dass sich der Kreis schließt.

Als Band sind die sechsköpfigen SILVERBACKS aus Irland rastlos und begierig darauf, das nächste eigene große Ding in Angriff zu nehmen: Drei Alben in vier Jahren sind der Beweis dafür. Dass ihre zischenden, rockigen Songs selten die Vier-Minuten-Marke überschreiten, ist ein weiterer Beweis dafür. Und sie machen einfach nur noch was ihnen wirklich Spass macht und deshalb vielleicht noch authentischer nach SILVERBACKS klingt als je zuvor. Wie sie im Schlusstrack des dritten Albums "Easy Being A Winner" singen: "You start to figure it out." Wie schon das 2020 erschienene, hochgelobte Debütalbum "Fad" und der 2022 erschienene Nachfolger "Archive Material" haben SILVERBACKS "Easy Being A Winner" mit Daniel Fox (GILLA BAND) in den Sonic Studios in Stoneybatter, Dublin, aufgenommen. Nach sieben Jahren in ihrer Karriere beschreibt das Sextett sein kommendes Album als das, wonach sie definitiv klingen, wie O'Kelly erklärt: "Jetzt, wo "Easy Being A Winner" herauskommt, habe ich das Gefühl, dass ich selbstbewusster sagen kann, wer wir sind. Wir sind Indie-Rock. Und dieses Album klingt noch mehr nach dem Indie-Rock, den ich mir vor all den Jahren für unsere Band vorgestellt habe." Das Ergebnis ist prächtig.

Als Band sind die sechsköpfigen SILVERBACKS aus Irland rastlos und begierig darauf, das nächste eigene große Ding in Angriff zu nehmen: Drei Alben in vier Jahren sind der Beweis dafür. Dass ihre zischenden, rockigen Songs selten die Vier-Minuten-Marke überschreiten, ist ein weiterer Beweis dafür. Und sie machen einfach nur noch was ihnen wirklich Spass macht und deshalb vielleicht noch authentischer nach SILVERBACKS klingt als je zuvor. Wie sie im Schlusstrack des dritten Albums "Easy Being A Winner" singen: "You start to figure it out." Wie schon das 2020 erschienene, hochgelobte Debütalbum "Fad" und der 2022 erschienene Nachfolger "Archive Material" haben SILVERBACKS "Easy Being A Winner" mit Daniel Fox (GILLA BAND) in den Sonic Studios in Stoneybatter, Dublin, aufgenommen. Nach sieben Jahren in ihrer Karriere beschreibt das Sextett sein kommendes Album als das, wonach sie definitiv klingen, wie O'Kelly erklärt: "Jetzt, wo "Easy Being A Winner" herauskommt, habe ich das Gefühl, dass ich selbstbewusster sagen kann, wer wir sind. Wir sind Indie-Rock. Und dieses Album klingt noch mehr nach dem Indie-Rock, den ich mir vor all den Jahren für unsere Band vorgestellt habe." Das Ergebnis ist prächtig.

26 Jahre nach seinem Debüt mit dem Soloprojekt Panda Bear (1999) und sechs Jahre nach seinem letzten Soloalbum Buoys (2019) tut sich Noah Lenox (alias Panda Bear) mit Animal Collective - Bandkollege und Produzent Josh „Deakin“ Dibb zusammen, um Sinister Grift zu schaffen ein Album, das sich gleichermaßen kumulativ und beispiellos anfühlt. Die erste Single 'Defense', dem
Schlusstrack des Albums, bei dem Cindy Lee an der Gitarre zu hören ist, gibt es als limitierte 7”!

Erste Vinylreissue eines Klassikers aus der On-U Sound-Frühphase: Das 1982er Solodebütalbum der jamaikanischen Saxofonlegende "Deadly" Headley Bennett, der seit den 1960ern Stars wie Bob Marley und Alton Ellis begleitete, mit Produzenten wie Coxsone Dodd und Bunny Lee arbeitete und eine Schlüsselrolle in Bands wie Sound Dimension, Aggrovators, Revolutionaries und Soul Syndicate spielte. Aufgenommen mit Musikern von Creation Rebel und Roots Radics, Adrian Sherwood am Mischpult und Bim Sherman on vocals auf 3 Tracks. Die CD erschien erstmals 1999 und enthält hier zwei unveröffentlichte Bonustracks. Das Vinyl wurde komplett neu geschnitten. Beide Formate kommen mit ausführlichen Linernotes und rarem Fotomaterial.

"Wer hätte gewollt, dass wir eine neue Extrem-Metal-Band gründen? Nun, vielleicht tatsächlich jemand, aber das ist diesmal nicht der Fall, denn wir haben etwas ganz anderes auf dem Teller..." Die nachdenkliche Stimme gehört dem außergewöhnlichen Gitarristen Markus Vanhala (Insomnium, Omnium Gatherum). In der neuen düsteren Band CEMETERY SKYLINE wird Vanhala von Keyboarder Santeri Kallio (Amorphis), Schlagzeuger Vesa Ranta (Sentenced, The Abbey), Bassist Victor Brandt (Dimmu Borgir und viele mehr) und Sänger Mikael Stanne (Dark Tranquillity, The Halo Effect) verstärkt. "Mit CEMETERY SKYLINE begeben wir uns in bisher unbetretene musikalische Richtungen - in jene dunkleren Gassen, die uns am Herzen liegen, die wir aber bisher nicht wirklich durchwandert haben. Und wir sind kollektiv sehr begeistert!" Eines der Schlüsselwörter, Gothic, wurde bereits erwähnt. "Wir alle teilen eine tiefe Liebe für den Goth-Rock der 80er und 90er Jahre - egal, ob es sich um eher synthiegetriebene oder härtere, gitarrenlastige Sachen handelt. Du kennst das mit den besten Bands von The Sisters of Mercy bis Type O Negative", sagt Santeri Kallio, der sich das Songwriting mit Vanhala teilt. "Aber ist CEMETERY SKYLINE eine Gothic-Band? Vielleicht bis zu einem gewissen Grad, aber das ist sicherlich nicht die ganze Geschichte. Wenn ihr die vielfältige Musik von CEMETERY SKYLINE irgendwie beschreiben müsst, tut uns einen Gefallen und nennt uns Botschafter des melodischen, melancholischen und dunklen Rock. Danke." Der Inhalt der Texte ist tief in eine düstere Gothic-Atmosphäre eingebettet. Das von Stanne geschriebene Konzept - zum ersten Mal in seiner bemerkenswerten Karriere verwendet Mikael während des gesamten Albums Clean Vocals - taucht unwiderstehlich in die paradoxe Welt der "nördlichen Einsamkeit" ein. "Die Texte sind tief verwurzelt in der selbstgewählten Einsamkeit der nordischen Menschen, ihrem anti-sozialen Verhalten und ihrem düsteren Sinn für Humor... Beim Schreiben der Texte habe ich mir diese Besonderheit zu Nutze gemacht, die man als den skandinavischen Gothic-Lifestyle bezeichnen könnte", sagt Stanne. "Nordic Gothic" ist erhältlich als: Ltd. CD Digipak, als 180g LP sowie als digitales Album.

Erstmals auf Vinyl: Das On-U Sound-Album des legendären Trompeters Harry Beckett, einer Schlüsselfigur der britischen und europäischen Jazzszene, das 2008 nur als CD erschien. Kein geringerer als Charles Mingus nahm Beckett in seine Band auf, es kam zu Kollaborationen mit Zeitgenossen wie Dudu Pukwana, Graham Collier, Mike Westbrook und Ian Carr, Beckett inspirierte eine ganze Generation jüngerer Musiker (Courtney Pine) und Trendsetter (Gilles Peterson). Teilnehmende Musiker waren Junior Delgado (mit starker Vocalperformance), Carlton "Bubblers" Ogilvie (Veteran der UK-Reggae-Szene) und Alan Glen (Yardbirds!).

- "Becketts Genialität besteht darin, dass er sich selbst immer treu bleibt, egal mit wem er auftritt. Seine sprudelnden, sprudelnden, improvisierten Melodien heben immer die Stimmung. „The Modern Sound Of Harry Beckett“ ist ein großartiger Klanggenuss." - The Guardian

- "Sherwoods Produktionsstil schafft hier eine perfekte Balance zwischen klanglicher Kreativität und respektvoller Zurückhaltung, und Beckett selbst ist brillant und kreiert Bläserlinien, die sich durch die Rillen schlängeln und schlängeln, anstatt auf ihnen zu reiten. Etablierte On-U Sound-Fans werden dies als unterhaltsame Kuriosität empfinden; Harry Beckett-Fans werden es vielleicht aufschlussreich finden."

OH TELEPHONE haben ihren Ursprung in den tiefen Tälern des Glarnerlands, wo sie dank dem Veka Club bestens sozialisiert und resistent gemacht wurden gegen jegliche Mainstreameinflüsse. Bookingagenturen schiessen nur so um sich mit Bands mit Psych in der Bezeichnung welche gerne die nächsten Oh-Sees wären und dabei ihren Sound grausig radiotauglich modellieren. OH TELEPHONE hingegen sind "the real shit", Garage-Psych wie er momentan von keiner Band besser gespielt wird. Ihre Schreie wirken nie berechnet sondern wie ein spontaner Ausbruch der Leidenschaft, ihre Gitarren durchlöchern jedes Trommelfell und wenn am Boden so einige Effektgeräte rumstehen wird nicht Shoegaze sondern Steptanz betrieben. Nun haben die beiden Masterminds hinter ihren früheren Bands SHOUTIN' MOE und THE OUTTA MIND ihren Wohnwagen nach Bern gebracht und dort die perfekte Mischung ihrer beiden früheren Bands gezüchtet, zusammen mit Gael am druckvollen Post-Punk Bass und dem kalifornischen Import Timothy U. am effizienten Schlagzeug. Für diese Aufnahmen auf dem Album sind sie ins Tiefe Süd Frankreich gefahren um mitLo Spider in sein Swamp lands Studio (the Monsters, the Spits, Scanners, the Lullies etc) dieses album einzuspielen den schluss fix hatt dann noch Jim Diamond dazu gegeben (The Dirtbombs, Electric Six, The White Stripes, The Sonics, The Devils) Aufgepasst! Abfeiern! (wicked wiggler)

Seit über einem Jahrzehnt haben Drug Church den Beweis angetreten, dass sie die beste laute Gitarrenband der Welt sind.
Ihr fünftes Album PRUDE - ein 28-minütiges Feuerwerk aus Aggression, Melodie, Respektlosigkeit und echtem Herz - ist der unbestreitbare Beweis.
Das Album ist so befriedigend, dass man glaubt, es sei gar nicht so überraschend, dass eine schwer einzuordnende Punkband aus Albany, NY, mit
einem Namen wie Drug Church überhaupt eine Karriere hat, geschweige denn eine, die über 10 Jahre andauert und sie als die beste Band der
Gegenwart qualifiziert. Aber bevor Sie sich überlegen, was der Schlüssel zum unerwarteten Durchhaltevermögen von Drug Church sein könnte:
Nehmt es nicht zu ernst.

Der renommierte Neoklassik- Komponist und Pianist Dirk Maassen kündigt die Veröffentlichung seines neuesten Albums "Inception" an. "Inception" stellt eine deutliche Abkehr von Maassens früheren Werken dar, indem es das Thema der rohen, organischen Schöpfung aufgreift. Das Album "Inception" ist eine Erzählung über das Erfinden von Geschichten und das Einfangen von Momenten der Schöpfung in ihrer reinsten Form. Dieses Konzept kommt in Tracks wie "Waterways" und "Sailing" anschaulich zum Ausdruck, die jeweils einzigartige Aspekte dieses kreativen Prozesses verkörpern. Das Album beschäftigt sich auch thematisch mit Anfängen und reflektiert über Momente, die Veränderungen und Wandel in unserem Leben einleiten. Jedes Stück auf dem Album erforscht die Emotionen und Geschichten, die mit diesen Schlüsselmomenten verbunden sind, und zeigt Maassens charakteristische Mischung aus komplizierten Klaviermelodien und cinematischer Atmosphäre. Das Konzept des Albums regt den Hörer dazu an, über die Anfangspunkte seines eigenen Lebens und die kontinuierliche Reise der persönlichen Entwicklung und Entdeckung zu reflektieren.

Hier also nochmal "Die Braut haut ins Auge" - digital gibt"s ja zum Glück endlich alles, wirklich alles was diese 5 Braut-Frauen je veröffentlicht haben. Zur großen Freude der Band, der Trikonts und der vielen Braut-Fans da draußen und 35 Jahre nach Bandgründung. Was noch fehlt? Eben! Deshalb! Songs quer durchs Braut-Universum auf Vinyl - von jedem Album ein paar Perlen. Euphorische Girlpower-Pop-Energie. Fotos und Songtexte gibt"s noch obendrauf. Wie schön ist das denn... Und da ist nochmal ganz klar, wem die größte Liebe der Braut gehört: dem Popsong. Jeder der drei-bis-fünf-Minuten-Songs ist eine Welt für sich, blickt vom Makro- in den Mikro - Kosmos ("ÜberAll"), durchs Schlüsselloch ("Wenn Du gehst") oder in die Sterne ("Mann mit Hang zur Depression"); bei der Braut hängt der Himmel eben immer voller Rhythmusgitarren. Und warum machen die Trikonts das? Für die Millionen, die sie damit verdienen werden, eh klar. Aber auch und vor allem, weil die ursprüngliche Plattenfirma alle Tonträger eingestampft hatte... und natürlich, damit man sich nicht nur an die Band mit diesem seltsamen Namen erinnert, sondern vor allem an ihre mitreißenden Hop"n Roll-Pop-Cow-Songs. Wenn diese Band kein Role-Model für feministische Power, für ihre Entschlossenheit und ihren Humor ist, wer dann?

Das 14. Studioalbum einer der einflussreichsten britischen Bands der letzten drei Jahrzehnte!

Soft Tissue ist ihr bisher gelungenstes Album und ein Schlüsselwerk in ihrer Diskografie und es verbindet die gefühlvolle Essenz ihrer frühen Musik mit beispielloser Musikalität, die das Album zu außergewöhnlichen Höhen erhebt.

Live At the Opera House ist die allererste vollständige Veröffentlichung von Sylvesters legendärem Konzert
im San Francisco War Memorial Opera House aus dem Jahr 1979, das bisher nur als stark bearbeitete
Ausschnitte erhältlich war. Das Album enthält 13 ungeschnittene Songs aus dem Konzert sowie eine Aufnahme der Zeremonie in der Mitte des Konzerts, bei der Sylvester der Schlüssel zu San Francisco überreicht
wurde. Das Ganze gipfelt in über einer Stunde bisher unveröffentlichter Musik und einer Gesamtlaufzeit
von über 2 Stunden.

Das 14. Studioalbum einer der einflussreichsten britischen Bands der letzten drei Jahrzehnte!

Soft Tissue ist ihr bisher gelungenstes Album und ein Schlüsselwerk in ihrer Diskografie und es verbindet die gefühlvolle Essenz ihrer frühen Musik mit beispielloser Musikalität, die das Album zu außergewöhnlichen Höhen erhebt.

Marcin ist ein weltweites Phänomen und der Gitarrist der Gen Z. Sein Debütalbum "Dragon in Harmony" ist eine Demonstration seines selbst-entwickelten, atemberaubend virtuosen Stils, Gitarre zu spielen in 14 genre-übergreifenden Titeln. Bei TikTok, Youtube und Instagram begeistert Marcin Millionen Follower mit seinem unnachahmlichen Stil, die Gitarre mit beiden Händen am Griffbrett zu spielen. Er zerlegt Klassiker aus Rock, Hip-Hop oder Klassik in "real time" in ihre Einzelteile und türmt diese zu neuen Gitarren-Arrangements auf, wobei er die Akkorde, Melodien und eine handtrommelartige Percussion gleichzeitig spielt. Ein musikalisches Spektakel als One-Man-Show. Auch Kritiker vom "Rolling Stone", "Billboard", "Premier Guitar" oder "Guitar World" preisen Marcin als "einen der talentiertesten Gitarristen seiner Generation". Mit all seinen Erfahrungen aus den letzten Jahren hat Marcin sein Album "Dragon in Harmony" konzipiert. Er möchte ein Publikum weit jenseits der Gitarren-Fans erreichen und erklärt selbstbewusst: "Mein Statement an die Gitarrenpuristen ist: Ja, ihr habt recht. Die Gitarre ist tot. Macht weiter so wie bisher. Mein Ziel war es aber schon immer, ein breites Publikum zu begeistern." Zusammen mit Producer Dan Book (Blink-182, Shania Twain, Britney Spears) verbindet Marcin auf "Dragon in Harmony" eine genreübergreifende Sammlung von Originalkompositionen und Covern zu einem harmonischen Ganzen. Songs von Justin Timberlake ("Cry Me A River"), Sade ("Smooth Operator") und Nirvana ("Heart-Shaped Box") fügen sich schlüssig an Kompositionen von Mozart (Requiem), Debussy ("Claire de Lune") oder Miles Davis/Bill Evans ("Nardis"). Der Alternative-Radio-taugliche Titel "When The Light Goes", für den Marcin den Sänger Portugal.The Man (bekannt für seinen Hit "Feel It Still") eingeladen hat, und "Allergies" mit Sängerin Delaney Bailey, bilden weitere stimmige Farbakzente auf dem Album. "Ich wurde im Jahr 2000, dem Jahr des Drachen, geboren und veröffentliche mein Debüt im Jahr 2024, ebenfalls ein Jahr des Drachen. Der Drache ist ein feuriges, mythisches Wesen, ungezähmt und chaotisch. Aber er steht ebenso für Harmonie. In den letzten Jahren habe ich viele unterschiedliche Dinge ausprobiert, die scheinbar nicht zusammenpassen. Mit meinem Album mache ich jetzt eine künstlerische Aussage, die kohärent ist. The dragon is in harmony." erläutert Marcin seine Album-Idee. Mit Ichika Nito ("I Don't Write About Girls") und Tim Henson von der Band Polyphia ("Classical Dragon") sind zwei weitere junge Gitarren-Heroes für jeweils einen Titel als Duett-Partner zu hören.

TRELLDOM sind das geistige Kind von Kristian Eivind Espedal - besser bekannt unter seinem Künstlernamen Gaahl. Der Norweger wurde zu einem der führenden Köpfe der nordischen Black Metal Szene, nachdem er sich im Jahr 1998 der berüchtigten Bergener Band GORGOROTH angeschlossen hatte. Sowohl aufgrund seines extremen Gesangs als auch zahlreicher finsterer Gerüchte über seine Person wurde der Frontmann oft in eine besonders schmale Schublade gesteckt. Doch wenn eine Aussage über Espedal wahr ist, dann ist es die gegenteilige, nämlich dass von ihm meist das Unerwartete kommt. Auch mit TRELLDOM hat er bereits Black Metal Geschichte geschrieben. Die im Jahr 1992 von Gaahl in Sunnfjord im Distrikt Vestland, gegründete Band veröffentlichte drei Jahre später ihr Debütalbum "Til evighet..." (1995), das in Underground Black Metal Kreisen großen Anklang fand. Das Nachfolgeralbum "Til et annet..." (1999) präsentierte den Gitarristen Valgard sowie Stian "Sir" Kårstad am Bass als Neuzugänge bei TRELLDOM und erreichte auch die "Mainstream-Medien" im Metal. Als Produzent zeichnete der legendäre Toningenieur Pytten in den Grieghallen Studios in Bergen verantwortlich. Pytten nahm ebenfalls den dritten Meilenstein "Til minne..." (2007) auf, der sowohl von Kritikern als auch von Fans hoch gelobt wurde. Einer der Schlüsselaspekte dieser ersten TRELLDOM-Trilogie lag darin, dass Gaahl in seiner eigenen Band die Möglichkeiten seiner Stimme frei von den strengen Regeln erforschen konnte, unter denen GORGOROTH operierte. Danach wurde es still um die Band, da sich alle beteiligten Musiker auf zahlreiche andere Projekte konzentrierten. Bei der Rückkehr bleibt die wichtige Zusammenarbeit mit Stian Kårstad das musikalische Herzstück der Band. Der größte Teil des Materials auf "...by the shadows..." stammt aus der Feder des Gitarristen. Andere Aspekte von TRELLDOM hat Espedal bewusst verändert. Die daraus resultierenden Effekte haben zu faszinierenden Resultaten geführt. Auf dem Hocker thront nun der renommierte Schlagzeuger Kenneth Kapstad, der neun Jahre lang bei MOTORPSYCHO war und aktuell auch bei SPIDERGAWD, MØSTER! und THORNS für den Rhythmus sorgt. Mit Kapstad stieß auch der international gefeierte Jazzmusiker und Saxophonist Kjetil Møster (MØSTER!, RÖYKSOPP, THE END) zur Besetzung. Die Einbeziehung von Møsters unorthodoxen Saxophon-Klängen ist ein erstes Indiz dafür, dass sich TRELLDOM nicht mehr durch eine enge Definition von Black Metal gebunden fühlen. Die Musik auf "...by the shadows..." ist zwar nach wie vor dunkel und harsch, und auch ihre Wurzeln in der schwarzen Vergangenheit bleiben erkennbar. Doch Espedal hat seine Band in eine weitaus komplexere Kreatur verwandelt und sie in einer avantgardistischen Dimension losgelassen - mit einem Sound, der manchmal sogar ins Experimentelle reicht. TRELLDOM sind erwacht und liefern mit "...by the shadows..." ein beherztes Manifest der künstlerischen Freiheit als starke Kampfansage an jegliche nostalgische Stagnation ab. Dieses Album fordert heraus: Love it or leave it!

TRELLDOM sind das geistige Kind von Kristian Eivind Espedal - besser bekannt unter seinem Künstlernamen Gaahl. Der Norweger wurde zu einem der führenden Köpfe der nordischen Black Metal Szene, nachdem er sich im Jahr 1998 der berüchtigten Bergener Band GORGOROTH angeschlossen hatte. Sowohl aufgrund seines extremen Gesangs als auch zahlreicher finsterer Gerüchte über seine Person wurde der Frontmann oft in eine besonders schmale Schublade gesteckt. Doch wenn eine Aussage über Espedal wahr ist, dann ist es die gegenteilige, nämlich dass von ihm meist das Unerwartete kommt. Auch mit TRELLDOM hat er bereits Black Metal Geschichte geschrieben. Die im Jahr 1992 von Gaahl in Sunnfjord im Distrikt Vestland, gegründete Band veröffentlichte drei Jahre später ihr Debütalbum "Til evighet..." (1995), das in Underground Black Metal Kreisen großen Anklang fand. Das Nachfolgeralbum "Til et annet..." (1999) präsentierte den Gitarristen Valgard sowie Stian "Sir" Kårstad am Bass als Neuzugänge bei TRELLDOM und erreichte auch die "Mainstream-Medien" im Metal. Als Produzent zeichnete der legendäre Toningenieur Pytten in den Grieghallen Studios in Bergen verantwortlich. Pytten nahm ebenfalls den dritten Meilenstein "Til minne..." (2007) auf, der sowohl von Kritikern als auch von Fans hoch gelobt wurde. Einer der Schlüsselaspekte dieser ersten TRELLDOM-Trilogie lag darin, dass Gaahl in seiner eigenen Band die Möglichkeiten seiner Stimme frei von den strengen Regeln erforschen konnte, unter denen GORGOROTH operierte. Danach wurde es still um die Band, da sich alle beteiligten Musiker auf zahlreiche andere Projekte konzentrierten. Bei der Rückkehr bleibt die wichtige Zusammenarbeit mit Stian Kårstad das musikalische Herzstück der Band. Der größte Teil des Materials auf "...by the shadows..." stammt aus der Feder des Gitarristen. Andere Aspekte von TRELLDOM hat Espedal bewusst verändert. Die daraus resultierenden Effekte haben zu faszinierenden Resultaten geführt. Auf dem Hocker thront nun der renommierte Schlagzeuger Kenneth Kapstad, der neun Jahre lang bei MOTORPSYCHO war und aktuell auch bei SPIDERGAWD, MØSTER! und THORNS für den Rhythmus sorgt. Mit Kapstad stieß auch der international gefeierte Jazzmusiker und Saxophonist Kjetil Møster (MØSTER!, RÖYKSOPP, THE END) zur Besetzung. Die Einbeziehung von Møsters unorthodoxen Saxophon-Klängen ist ein erstes Indiz dafür, dass sich TRELLDOM nicht mehr durch eine enge Definition von Black Metal gebunden fühlen. Die Musik auf "...by the shadows..." ist zwar nach wie vor dunkel und harsch, und auch ihre Wurzeln in der schwarzen Vergangenheit bleiben erkennbar. Doch Espedal hat seine Band in eine weitaus komplexere Kreatur verwandelt und sie in einer avantgardistischen Dimension losgelassen - mit einem Sound, der manchmal sogar ins Experimentelle reicht. TRELLDOM sind erwacht und liefern mit "...by the shadows..." ein beherztes Manifest der künstlerischen Freiheit als starke Kampfansage an jegliche nostalgische Stagnation ab. Dieses Album fordert heraus: Love it or leave it!

Eine Sammlung für M. Ward-Fans jeden Jahrgangs. "For Beginners: The Best Of M. Ward" versammelt 14 Tracks aus seiner gesamten Merge Records Discografie, einschließlich des neu aufgenommenen Songs "Cry". "For Beginners" ist sowohl eine Fibel und ein Mixtape mit Lieblingsstücken. Die Reihenfolge der Songs ist so ausgetüftelt, dass ihnen neues Leben eingehaucht wird. Beginnend mit "Chinese Translation" und "Poison Cup" vom 2006 erschienenen Album "Post-War", zeigt "For Beginners", wie Ward sein Können im Studio ausbaut. Seine einzigartige Coverversion von David Bowies "Let's Dance", aus dem 2003er Album "Transfiguration of Vincent", geht über in das überschwängliche "Never Had Nobody Like You" vom 2009er Album "Hold Time". Anstatt einer sauberen Entwicklungslinie, die ein chronologisches Arrangement suggeriert, ist das, was "For Beginners" zusammenhält, ist Wards tadelloses Können als Songwriter, das im Fokus bleibt während sich sein Sound von Low-Fi-Heimaufnahmen zu elektrischen, radiotauglichen Stompern und wieder zurück bewegt. Pünktlich zum 35-jährigen Jubiläum von Merge Records wird dieses Album eines der beliebtesten Künstler des Labels veröffentlicht und enthält mit dem Song "Cry" die erste neue M. Ward Aufnahme auf Merge seit 2018. "Cry" ist eine reduzierte Coverversion des Godley & Creme Pop-Klassikers, aufgenommen mit dem Folk Bitch Trio aus Melbourne, Australien. M. Ward über "Cry": ""Cry" wurde in einem tasmanischen Museum für moderne Kunst namens MONA aufgenommen. Ich saß am Ende eines langen Flurs, nur wenige Meter entfernt von Anselm Kiefers Skulptur eines 20 Fuß hohen Stapel von Bleibüchern, und links und rechts von mir, um ein einziges Mikrofon herum, saß das Folk Bitch Trio; wir probten und nahmen "Cry" in etwa 30 Minuten auf. Es ist mir ein Vergnügen, diesen Song zu einer Sammlung meiner schönsten Erinnerungen an das Musikmachen hinzuzufügen." Der Song ist der perfekte Schlussstein für eine Sammlung dieser Art und fasst Wards Stärke als Musiker zusammen: der Reichtum, den er in spärlichen Aufnahmen erreicht, sein Talent für Zusammenarbeit und seine Fähigkeit, die Seele eines akribisch ausgearbeiteten Popsongs zu durchschauen. Ein Mittel, um auf die Zukunft seiner eigenen Arbeit zu blicken, aber auch ein Rückblick auf seine Vergangenheit.

Längst überfällige LP-Neuauflage (Silver Vinyl) von Mortal Sins klassischem Debüt 'Mayhemic Destruction', ursprünglich 1987 veröffentlicht. Mortal Sin, die 1985 aus dem australischen Metal-Underground hervorgingen, erlangten schnell globalen Ruhm als ihre Debüt-LP vom Major-Label Vertigo 1987 weltweit aufgelegt wurde, nachdem sie erst im Eigenvertrieb lief. Mit frühen Klassikern wie 'Lebanon' und 'Blood, Death, Hatred' erwies sich das Album als eine Schlüsselveröffentlichung in der damals aufkeimenden Thrash-Metal-Szene.

Larry Mullins, langjähriger Mitarbeiter von Nick Cave and the Bad Seeds, Iggy Pop and The Stooges, Swans & The Residents, hat mit "Camissonia" ein einzigartiges und persönliches Soloalbum aus minimalen elektronischen Sci-Fi-Vignetten geschaffen, das lose auf den Schriften und dem Leben des deutschen Schriftstellers und Botanikers Adelbert von Chamisso basiert. Das Album ist nach der von Chamisso benannten Pflanzenart benannt, die von seinem Kollegen, dem Botaniker Johann Friedrich Eschscholtz, erstmals beschrieben wurde. Es ist größtenteils ein instrumentaler Soundtrack, der mehrere bemerkenswerte Ereignisse aus Chamissos Buch "Peter Schlemihls wundersame Geschichte (Der Mann, der seinen Schatten verkaufte, 1814)" sowie seine tatsächliche Überseereise an Bord von Otto von Kotzebues Schiff, der "Rurik", während der Jahre 1815-1818, als Botaniker, musikalisch illustriert. Das Artwork zum Album besteht überwiegend aus drei Holzschnitten, die zwischen 1915 und 1919 von Ernst Ludwig Kirchner geschaffen wurden. Kirchner hegte Anfang des 20. Jahrhunderts, also ca. 100 Jahre nach der Veröffentlichung von Chamissos Buch, eine ähnliche Faszination für das Werk wie Larry Mullins weitere 100 Jahre nach Erstellung von Kirchners expressionistischem Meisterwerkes - dem "Peter Schlemihl-Zyklus". Diesmal erweitert "Camissonia" das Chamisso-Erbe als Interpretation in Musik. Camissonia wurde 2020 während der Lockdown-Periode in Wien, Österreich, aufgenommen, die das belebte Zentrum Wiens in einen Zustand einer evakuierten Sci-Fi-Dystopie versetzte. Während Mullins als Musiker im Burgtheater arbeitete, fand er seine Sammlung von Instrumenten plötzlich für die kommenden Monate im Orchestergraben eingeschlossen. Er hatte jedoch eine kleine Auswahl an Elektronik in seiner Wohnung und hatte auch die Möglichkeit, sie aufzunehmen. Außerdem hatte er einen Stapel Bücher zum Lesen, und ganz oben lag - "Der Mann, der seinen Schatten verkaufte". "Die Bilder dieser Geschichte verließen meinen Geist weder bei Tag noch bei Nacht. Ich begann, Chamissos echtes Leben zu erforschen und fand ein wildes Abenteuer rund um die Welt auf einem Schiff! Eine parallele nächtliche Obsession mit den Sci-Fi-Filmen von Rainer Werner Fassbinder verschmolz schließlich zu einem bizarren Moment der Klarheit. Ich richtete mein karges Equipment ein, um zu sehen, welche Klänge ich erzeugen konnte, um die Bilder in meinem Kopf zu interpretieren. Ich entdeckte, dass die mir auferlegten Einschränkungen eine eigene Atmosphäre schufen, und so entstand jeden Tag ein neues Musikstück. Nach meiner Rückkehr nach Berlin wollte ich das Projekt so schnell wie möglich abschließen und keine weiteren Instrumente hinzufügen, um die seltsame Qualität zu bewahren. Ich lud zwei Sängerinnen ein, die ich in Berlin kannte, um bei zwei Stücken einen Chor zu singen, und ich fügte bei einem weiteren Stück selber einen Chor hinzu. Dann schloss ich die Tür und warf den Schlüssel weg."

Die ungeschlagenen Glam Punk und Bubblegum-Champs aus der Schweiz sind zurück und bringen euch mit Power Pop Stick, haarigem, seifengewaschenem Rock'n'Roll und echtem Hippie-Scheiss um den Verstand! Mit Mitgliedern von The Jackets, Dead Bunny und Lovers. THE BUDGET BOOZERS ist eine anonyme Schweizer, (Umfeld Solothurn,Bern), schwere Alkoholikergruppe mit dem Hang zum Glam Rock, und zur gitarrenlastigen Bubble Gum Pop Musik, und spielen auch noch mit ihren anderen Bands ,The Jackets' ,The Lovers' oder den Post-Punks ,Dead Bunny'. haben sich aber seit 2005 entschlossen ein eigenes GLAM-PUNK Universum zu gründen mit dem Fixplanet the BUDGET BOOZERS mitten drin freche Poesie und haariger Rock'n'Roll! Real Hippie Shit For Real Punks! für dieses ihr jetzt drittes Album (die ersten zwei haben sie selbst herausgegeben). Love you, Hate you sind sie ins Berner Strawberry Studios zu Sebastian Zwahlen gegangen und hauen dir 10 Pop-Punk Glam Bubblegum Hits um die Ohren, dass man kaum mehr geradeaus gucken kann, am Schluss wurde es noch von Jim Diamond (The Sonics, Dirtbombs, White Stripes) abgemischt und gemastert. Auf der Platte sind alles Original-Kompositionen, darunter "Für immer", das auf Schweizerdeutsch gesungen ist, und für ihren Hit "Dignity" haben sie einen tollen Videoclip gedreht.

Endlich erscheint das gefeierte 2019er Album als luxuriöse Doppel-LP!
Auf den 12 Tracks von 'The Situation' das zusammen mit seinen langjährigen Freunden und Wegbegleitern Kuma Harada, Walter Latupeirissa (beide Bass) Max Middleton (Keys), Juan van Emmerloot und Jeff Allen (beide Drums) entstand, erleben wir den Bluesmeister einmal mehr in Höchstform.

Der muntere Opener und Namensgeber des Albums lädt verheißungsvoll ein. In seinem unnachahmlich zurückhaltenden, "understated" Stil beleuchtet Snowy auf den folgenden Tracks unterschiedlichste Lebenslagen, stets untermalt und kommentiert von seinem markanten Gitarrenspiel. Das Ergebnis ist ein reifes, in sich schlüssiges und immens zufriedenstellendes Album.
Das erstmalig auf Vinyl erscheinende Album kommt als 180Gr. Doppel-LP mit Lyric-Sheet, wattierten Innenhüllen und markantem Spotlack-Effekt im Artwork, bei dem das Hauptelement herausgestellt wird. Die edle LP-Version ist streng limitiert auf 500 Stck.

Die Presse schrieb zum CD-Release:
Rock Hard 7.5/10: "Auf "The Situation" (Snowy White/Soulfood) begeistert der passionierte Les-Paul-Spieler einmal mehr mit einem wunderbaren Solo-Ton, aus seiner rauen, zerbrechlich wirkenden Stimme spricht darüber hinaus die pure Lebensweisheit. Geschmackvolles Blues-Album von einem Mann, der nichts mehr beweisen muss, es aber trotzdem tut."

Guitar 4.5/5: "…zwölf fantastische und lebhafte groovende Nummern…"

Good Times: "Starke Refrains, eingängige Melodien, reichlich Energie…"

Jazz Thing: "…eine Menge guter, von einer gewiss auch altersbedingten Nachdenklichkeit geprägter Songs. Sehr schön."

Break Out: "Eine Platte in die man ganz tief versinken kann."

Rocks 8.5/10: "White führt ein exzellentes Bluesrock-Dream-Team an…"

Classic Rock 7/10: "Eleganter Soft- und Bluesrock…"

eclipsed 8/10: "Grandiose Musik für ruhige Momente, die durch die warme und organische Einspielung gewinnt."

Legacy 12/15: "Auf jeden Fall ist Snowy & Co. ein hochwertiges Genre-Album gelungen, dessen zusätzlicher Reiz es ist, eben über die Grenzen dieses Stils hinauszuwachsen!"

“I personally feel this is a great record and recommend it to everyone. It’s positive and hot and simply
excellent.” – Gary Burton, in the liner notes.
Pat Metheny hatte sein Debüt bei ECM als Mitglied von Gary Burtons Band auf dem Album Ring im
Jahr 1974 gegeben, aber Bright Size Life, seine erste Studioaufnahme als Leader überhaupt, war das
Album, das ihn schlussendlich als neue kreative Kraft mit einem frischen Ansatz im Kontext des zeitgenössischen Jazz profilierte. Das im Dezember 1975 in Ludwigsburg aufgenommene und von Manfred Eicher
produzierte Album wurde von Methenys damaliger Stammband mit Bob Moses am Schlagzeug und dem
virtuosen, aber damals weitgehend unbekannten Jaco Pastorius am Bass eingespielt.
”Ich könnte die gesamte Musik von Bright Size Life auch jetzt noch spielen”, sagte Pat Metheny in
einem Interview für die Library of Congress im Jahr 2021. ”Es fühlt sich immer noch relevant an; die
Argumente darin erscheinen mir immer noch gültig und sie sind es wert, darüber zu reflektieren.... Damals
hatte ich das Gefühl, dass ich eine Platte machen wollte, die vielleicht die einzige sein würde, die ich je
machen würde. Ich hoffte, ein Statement zu Dingen abzugeben, die mir in Bezug auf Melodie, Harmonie,
Triospiel und sogar das Leben im Allgemeinen wichtig waren.”
Diese Luminessence Vinyl Edition des Albums erscheint in einem Tip-on Klappcover und enthält Fotos
aus dem Archiv.

Als Schüler des Mambo-Erfinders Perez Prado war der gebürtige Kubaner Modesto Duran eine Schlüsselfigur in der Übergangszeit der lateinamerikanischen Tanzmusik in der Mitte des 20. Jahrhunderts. Seine sanften Slaps kann man auf Dutzenden von Mega-Sellern der 1950er Jahre, von Esquivel bis Belafonte, Eartha Ktit bis Lena Horne. Auf seinem 1960er Solodebüt versammelt Duran ein Who's Who der Conga-Männer, einschließlich Mongo Santamaria, Willie Bobo und Juan Cheda, und liefert eine cineastische und perkussive Melange aus Afrokubanischem, Cha Cha und exotischen Jazz-Stilen für den anspruchsvollen Hörer.

Als Schüler des Mambo-Erfinders Perez Prado war der gebürtige Kubaner Modesto Duran eine Schlüsselfigur in der Übergangszeit der lateinamerikanischen Tanzmusik in der Mitte des 20. Jahrhunderts. Seine sanften Slaps kann man auf Dutzenden von Mega-Sellern der 1950er Jahre, von Esquivel bis Belafonte, Eartha Ktit bis Lena Horne. Auf seinem 1960er Solodebüt versammelt Duran ein Who's Who der Conga-Männer, einschließlich Mongo Santamaria, Willie Bobo und Juan Cheda, und liefert eine cineastische und perkussive Melange aus Afrokubanischem, Cha Cha und exotischen Jazz-Stilen für den anspruchsvollen Hörer.

Die Hamburger Punk Chaoten AXIDS veröffentlichen am 28. Juni mit den Amis von Knelt Before aus Oregon ein Split-MINI-Album mit dem Titel "SPLITSCREEN". Darauf zu hören: eigene Songs der beiden Bands und gegenseitiges Covern. Klingt nach Spaß, Krach und ewiger Adoleszenz. Die eine Seite voller stabiler HC-Screamo-Anthems, die andere eine konsequente Weiterführung, was die AXIDS 2021 mit ihrem Release "KIDS WITH AN AXE" gestartet haben: ein wilder Mix aus Punk, Garage und Black Metal mit einer ordentlichen Portion Wahnsinn. Musikalisch weiterentwickelt, bleibt inhaltlich alles beim Alten: Scream of Consciousness, Humor und purer Blödsinn. Die Titel sprechen für sich. Hier und dort taucht dann aber doch mal eine Message auf: "Nie wieder Krieg. Nie wieder Voldemort!" - zu hören im Opener: AXIDPELLIARMUS _ Wie es zu der Split gekommen ist, erzählen die AXIDS so: "Als wir das ganze vor drei Jahren gestartet haben, sind wir schnell über Insta mit unendlich vielen nicen Leuten in Kontakt gekommen. So auch mit Knelt Before. Wir haben uns sofort verstanden und eine Bandfreundschaft ist trotz der großen Distanz entstanden." Die Split läuft unter dem Titel Splitscreen und zeigt, wie die Jungs von beiden Bands aufgewachsen sind: Popkultur, Videospiele und Punkrock. Parallelen und Unterschiede wurden hier mit viel Passion fürs Detail von dem Künstler Rachid Lotf für das Cover Artwork in Szene gesetzt. Aufgenommen wurde die Seite der AXIDS von Yannig Malry - kein Unbekannter in der deutschen Punkszene - im Off Ya Tree Studio in Hamburg. Den Mix verantwortet Tobi Forneberg, der ansonsten für seine Extrem-Metal-Produktionen oder als Live-Mischer vom Freak Valley Festival bekannt ist. Ein musikalischer Spagat, der den AXIDS zugute kommt. Veredelt wurde das ganze zum Schluss von Philipp Welsing von Original Mastering.