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Seit mehr als 35 Jahren sind BONFIRE der Inbegriff von "Hard'n'Heavy made in Germany". Jetzt veröffentlichen sie ihre beliebtesten Alben "POINT BLANK", "FIREWORKS" und "DON'T TOUCH THE LIGHT" als MMXXIII Re-Recording-Versionen mit einem komplett neuen Artwork! Erstmals digital bei allen Streaming-Anbietern, als farbig limitierte und nicht limitierte Vinyl und als CD-Digipack verfügbar. In ihrer Karriere sammelten Bonfire mehrere Millionen Streams und Plays und erreichten mit einer ihrer letzten Veröffentlichungen "Fistful Of Fire" Platz 35 in den deutschen Albumcharts und stiegen auch in der Schweiz auf Platz 43 ein.

Seit mehr als 35 Jahren sind BONFIRE der Inbegriff von "Hard'n'Heavy made in Germany". Jetzt veröffentlichen sie ihre beliebtesten Alben "POINT BLANK", "FIREWORKS" und "DON'T TOUCH THE LIGHT" als MMXXIII Re-Recording-Versionen mit einem komplett neuen Artwork! Erstmals digital bei allen Streaming-Anbietern, als farbig limitierte und nicht limitierte Vinyl und als CD-Digipack verfügbar. In ihrer Karriere sammelten Bonfire mehrere Millionen Streams und Plays und erreichten mit einer ihrer letzten Veröffentlichungen "Fistful Of Fire" Platz 35 in den deutschen Albumcharts und stiegen auch in der Schweiz auf Platz 43 ein.

Seit mehr als 35 Jahren sind BONFIRE der Inbegriff von "Hard'n'Heavy made in Germany". Jetzt veröffentlichen sie ihre beliebtesten Alben "POINT BLANK", "FIREWORKS" und "DON'T TOUCH THE LIGHT" als MMXXIII Re-Recording-Versionen mit einem komplett neuen Artwork! Erstmals digital bei allen Streaming-Anbietern, als farbig limitierte und nicht limitierte Vinyl und als CD-Digipack verfügbar. In ihrer Karriere sammelten Bonfire mehrere Millionen Streams und Plays und erreichten mit einer ihrer letzten Veröffentlichungen "Fistful Of Fire" Platz 35 in den deutschen Albumcharts und stiegen auch in der Schweiz auf Platz 43 ein.

Seit mehr als 35 Jahren sind BONFIRE der Inbegriff von "Hard'n'Heavy made in Germany". Jetzt veröffentlichen sie ihre beliebtesten Alben "POINT BLANK", "FIREWORKS" und "DON'T TOUCH THE LIGHT" als MMXXIII Re-Recording-Versionen mit einem komplett neuen Artwork! Erstmals digital bei allen Streaming-Anbietern, als farbig limitierte und nicht limitierte Vinyl und als CD-Digipack verfügbar. In ihrer Karriere sammelten Bonfire mehrere Millionen Streams und Plays und erreichten mit einer ihrer letzten Veröffentlichungen "Fistful Of Fire" Platz 35 in den deutschen Albumcharts und stiegen auch in der Schweiz auf Platz 43 ein.

Seit mehr als 35 Jahren sind BONFIRE der Inbegriff von "Hard'n'Heavy made in Germany". Jetzt veröffentlichen sie ihre beliebtesten Alben "POINT BLANK", "FIREWORKS" und "DON'T TOUCH THE LIGHT" als MMXXIII Re-Recording-Versionen mit einem komplett neuen Artwork! Erstmals digital bei allen Streaming-Anbietern, als farbig limitierte und nicht limitierte Vinyl und als CD-Digipack verfügbar. In ihrer Karriere sammelten Bonfire mehrere Millionen Streams und Plays und erreichten mit einer ihrer letzten Veröffentlichungen "Fistful Of Fire" Platz 35 in den deutschen Albumcharts und stiegen auch in der Schweiz auf Platz 43 ein.

Seit mehr als 35 Jahren sind BONFIRE der Inbegriff von "Hard'n'Heavy made in Germany". Jetzt veröffentlichen sie ihre beliebtesten Alben "POINT BLANK", "FIREWORKS" und "DON'T TOUCH THE LIGHT" als MMXXIII Re-Recording-Versionen mit einem komplett neuen Artwork! Erstmals digital bei allen Streaming-Anbietern, als farbig limitierte und nicht limitierte Vinyl und als CD-Digipack verfügbar. In ihrer Karriere sammelten Bonfire mehrere Millionen Streams und Plays und erreichten mit einer ihrer letzten Veröffentlichungen "Fistful Of Fire" Platz 35 in den deutschen Albumcharts und stiegen auch in der Schweiz auf Platz 43 ein.

„Reparatur“ heißt das am 22. September erscheinende dritte Albums des mehrfachen Amadeus-Preisträgers JOSH. In den zwölf abwechslungsreichen und mit viel Liebe zum Detail eingespielten neuen Songs des Albums zeigt JOSH., dass er es nicht nur versteht, mit humorvollen Texten und unwiderstehlichen Melodien zu unterhalten sondern auch ernstere Themen - wie z.B. seinem Burnout - in eingängige Pop- und Rocksongs zu verpacken. Unüberhörbar ist, dass sich die „Wolke aus Fiktion und Wirklichkeit“, auf die JOSH. sich bei Fragen nach dem autobiografischen Bezug seiner Texte gerne bezieht, diesmal ein klein wenig mehr in Richtung Lebensrealität bewegt hat. Einige der Texte setzen sich nämlich offen mit seiner Krankheit und dem Weg zurück auseinander, so z.B. in „Ich gehör repariert“, einem der absoluten Höhepunkte des Albums. Trotzdem schafft es der gebürtige Wiener souverän, textlich nicht resignativ und düster zu werden sondern stets auch das eine blaue Stück Himmel am tiefgrauen Firmament zu entdecken. Mit „Reparatur“ präsentiert sich JOSH. 2023 also gereifter denn je, bleibt aber stets unverkennbar er selbst.

Original soundtrack from the animated TV series 'Professor Balthazar' (1967 - 1978) by Tomislav Simovic.

Gatefold LP, cut from the original master tapes, liner notes by Zeljko Luketic and exclusive graphics by Boris Stapic.

Master tapes were considered lost; now found and restored for this unique release celebrating Yugoslavia's biggest cartoon export of the times.

Professor Balthazar was filmed from 1967 to 1978 in Zagreb. It was a huge international success: from large fan base in Scandinavia to broadcasting on USA television and countries like Germany, Italy, UK, France and even Iran. It's still aired on various TV programs and video platforms.

Animation style and content is widely praised for being one of the rare cartoons that does not feature any kind of violence or aggression. The character of Professor Balthazar solves problems in a peaceful way. He uses his inventions and science to help his friends. Distinctive visual influence is a crossover of bright, psychedelic colors, weird shapes and naive art, typical for Zagreb School of Animated Film. This soundtrack is mastered from original tapes, composed and conducted by Tomislav Simovic.

The music is busy, playful and mixes influences of jazz, modern classical and even electronica. Fox & His Friends Records, also the curators of the largest ever multimedia exhibition on Professor Balthazar series in Museum of Modern and Contemporary Art in Rijeka as a part of the European Capital of Culture program in 2020, present the masters without any interventions in sound. This album cut includes longer rare version of main credits, made exclusively for Zagrebfilmijada, an event of public screenings of Professor Balthazar and other cartoons in cinemas in 1970's Yugoslavia.

Es beherrscht ein grauer, stimmungsvoller und dichter Spätherbst-Tag das Geschehen. Viel zu früh hat der Himmel sich verdunkelt. Jetzt plätschert gleichförmig und regelmäßig Regen auf die Straßen, auf die Erde, auf die griesgrämig wirkenden Menschen herab. So stellt man sich die Atmosphäre vor, in welcher das sechste Subsignal-Studioalbum "A Poetry of Rain" entstanden ist.
Fünf endlos wirkende Jahre ließen Subsignal ihre Anhänger auf neue akustische Klang-Abenteuer warten. "Und auch das hatte wieder mit der Pandemie zu tun", offenbart Markus Steffen den Grund für die quälend lange Pause. "Existenzängste schlichen sich ein", reflektiert er. "Im Zuge dessen verließ der langjährige Bassist Ralf Schwager die Band. Mit Martijn Horsten aus Rotterdam war allerdings rasch würdiger Ersatz gefunden. Dennoch schwelgen die zehn Kompositionen vor Sehnsucht und einer gehörigen Portion Wehmut."
Der progressive Mix aus Rock, Metal und Artrock gelingt scheinbar spielerisch. Ausnahme-Drummer Dirk Brand setzt dabei eine fulminante Basis, auf die mal rockige, mal elegante Gitarren-Sounds zusammen mit den Keyboards einmalige Klangwelten zaubern. Darüber schwebt das wunderbare Timbre von Sänger Arno Menses - immer präsent, immer einnehmend, voller Leidenschaft und Kraft. Dazu trägt auch die kristallklare und druckvolle Produktion von Yogi Lang von ihrem Label Gentle Art Of Music bei.

Presse:
Rocks 9/10: "Songs wie ›Impasse‹ oder "Marigold‹ berühren, transportieren Gefühle und packen den Hörer, wie es sonst Marillion, Yes oder Kansas am besten können. Auf welch hohem Niveau die Herren musizieren, wird bei Nummern wie The Art Of Giving Ins oder ›Sliver (The Sheltered Garden)‹ klar, aber Komplexi-lät ist hier nie Mittel zum Zweck."

Deaf Forever 8.5/10: "…meistens die wie immer großartigen Refrains, die einen aufrichten. ….wie gewohnt exzellent gesungene Artrock-Stücke, die von den nach fünf Jahren Wartezeit dürstenden Anhängern nun endlich auch zu Hause genossen werden können."

Rock It - Soundcheck #6/32: "…so steht der Name Subsignal auch auf Album Nummer sechs doch für handgemachte Qualitätsarbeit mit Herz und Seele. Reinhören, eintauchen und mitfühlen!"

Break Out: "Mit "Poetry Of Rain" unterstreichen Subsignal ihre Ausnahmestellung im Rock: Scheibe unbedingt zulegen! Ich bin mir sicher, dass niemand bei diesem Longplayer enttäuscht sein wird, der sich in melodischen Bereichen mit progressiven Parts wohlfühlt."

Gäste:
David Bertok - Keyboards "Embers Part II - Water Wings)
Marek Arnold - Saxophon "The Last of its Kind"
Yogi Lang - Keyboards
Dietmar Waechtler - Pedal Steel "The Art of Giving In"
Iraklis Choraitis - Backing Vocals "Sliver (The Sheltered Garden)"

Mix & Master von Yogi Lang, Farm-Studios Freising

Es beherrscht ein grauer, stimmungsvoller und dichter Spätherbst-Tag das Geschehen. Viel zu früh hat der Himmel sich verdunkelt. Jetzt plätschert gleichförmig und regelmäßig Regen auf die Straßen, auf die Erde, auf die griesgrämig wirkenden Menschen herab. So stellt man sich die Atmosphäre vor, in welcher das sechste Subsignal-Studioalbum "A Poetry of Rain" entstanden ist.
Fünf endlos wirkende Jahre ließen Subsignal ihre Anhänger auf neue akustische Klang-Abenteuer warten. "Und auch das hatte wieder mit der Pandemie zu tun", offenbart Markus Steffen den Grund für die quälend lange Pause. "Existenzängste schlichen sich ein", reflektiert er. "Im Zuge dessen verließ der langjährige Bassist Ralf Schwager die Band. Mit Martijn Horsten aus Rotterdam war allerdings rasch würdiger Ersatz gefunden. Dennoch schwelgen die zehn Kompositionen vor Sehnsucht und einer gehörigen Portion Wehmut."
Der progressive Mix aus Rock, Metal und Artrock gelingt scheinbar spielerisch. Ausnahme-Drummer Dirk Brand setzt dabei eine fulminante Basis, auf die mal rockige, mal elegante Gitarren-Sounds zusammen mit den Keyboards einmalige Klangwelten zaubern. Darüber schwebt das wunderbare Timbre von Sänger Arno Menses - immer präsent, immer einnehmend, voller Leidenschaft und Kraft. Dazu trägt auch die kristallklare und druckvolle Produktion von Yogi Lang von ihrem Label Gentle Art Of Music bei.

Presse:
Rocks 9/10: "Songs wie ›Impasse‹ oder "Marigold‹ berühren, transportieren Gefühle und packen den Hörer, wie es sonst Marillion, Yes oder Kansas am besten können. Auf welch hohem Niveau die Herren musizieren, wird bei Nummern wie The Art Of Giving Ins oder ›Sliver (The Sheltered Garden)‹ klar, aber Komplexi-lät ist hier nie Mittel zum Zweck."

Deaf Forever 8.5/10: "…meistens die wie immer großartigen Refrains, die einen aufrichten. ….wie gewohnt exzellent gesungene Artrock-Stücke, die von den nach fünf Jahren Wartezeit dürstenden Anhängern nun endlich auch zu Hause genossen werden können."

Rock It - Soundcheck #6/32: "…so steht der Name Subsignal auch auf Album Nummer sechs doch für handgemachte Qualitätsarbeit mit Herz und Seele. Reinhören, eintauchen und mitfühlen!"

Break Out: "Mit "Poetry Of Rain" unterstreichen Subsignal ihre Ausnahmestellung im Rock: Scheibe unbedingt zulegen! Ich bin mir sicher, dass niemand bei diesem Longplayer enttäuscht sein wird, der sich in melodischen Bereichen mit progressiven Parts wohlfühlt."

Gäste:
David Bertok - Keyboards "Embers Part II - Water Wings)
Marek Arnold - Saxophon "The Last of its Kind"
Yogi Lang - Keyboards
Dietmar Waechtler - Pedal Steel "The Art of Giving In"
Iraklis Choraitis - Backing Vocals "Sliver (The Sheltered Garden)"

Teenage Fanclubs elftes Studioalbum 'Nothing Lasts Forever' ist wunderbar reichhaltig und melodisch - der Klang des Endes einer Jahreszeit, der letzten warmen Tage des Jahres, während die Nächte hereinbrechen und die Gedanken nachdenklich und melancholisch werden. Diese herbstliche Reflexion ist auf dem Album allgegenwärtig. Eines der wiederkehrenden Themen in den neuen Songs ist das Licht, als Metapher für Hoffnung und als ultimatives Ziel des Weges. Aufgenommen Ende August während einer intensiven zehntägigen Phase in der walisischen Landschaft, kann man die Wirkung dieser Umgebung auf der Platte hören - sie ist voller sanfter Brisen, weitem Himmel, Schönheit und Raum. Einer der eindrucksvollsten Texte des Albums findet sich im finalen Track 'I Will Love You'. Das wunderschöne siebenminütige, fast kosmisch-akustische Tagtraumstück blickt jenseits der Wut und Polarisierung unseres modernen Diskurses auf eine Zeit, in der 'the bigots are gone/after they apologise/for all the harm that they've done'. Die Suche nach dem Positiven angesichts der düsteren Realitäten des 21. Jahrhunderts fühlt sich sehr nach Teenage Fanclub an - einer Band, die seit über drei Jahrzehnten eine Kraft des Guten ist und Melancholie mühelos in glorreich klingende Harmonien verwandeln kann.

Teenage Fanclubs elftes Studioalbum 'Nothing Lasts Forever' ist wunderbar reichhaltig und melodisch - der Klang des Endes einer Jahreszeit, der letzten warmen Tage des Jahres, während die Nächte hereinbrechen und die Gedanken nachdenklich und melancholisch werden. Diese herbstliche Reflexion ist auf dem Album allgegenwärtig. Eines der wiederkehrenden Themen in den neuen Songs ist das Licht, als Metapher für Hoffnung und als ultimatives Ziel des Weges. Aufgenommen Ende August während einer intensiven zehntägigen Phase in der walisischen Landschaft, kann man die Wirkung dieser Umgebung auf der Platte hören - sie ist voller sanfter Brisen, weitem Himmel, Schönheit und Raum. Einer der eindrucksvollsten Texte des Albums findet sich im finalen Track 'I Will Love You'. Das wunderschöne siebenminütige, fast kosmisch-akustische Tagtraumstück blickt jenseits der Wut und Polarisierung unseres modernen Diskurses auf eine Zeit, in der 'the bigots are gone/after they apologise/for all the harm that they've done'. Die Suche nach dem Positiven angesichts der düsteren Realitäten des 21. Jahrhunderts fühlt sich sehr nach Teenage Fanclub an - einer Band, die seit über drei Jahrzehnten eine Kraft des Guten ist und Melancholie mühelos in glorreich klingende Harmonien verwandeln kann.

Teenage Fanclubs elftes Studioalbum 'Nothing Lasts Forever' ist wunderbar reichhaltig und melodisch - der Klang des Endes einer Jahreszeit, der letzten warmen Tage des Jahres, während die Nächte hereinbrechen und die Gedanken nachdenklich und melancholisch werden. Diese herbstliche Reflexion ist auf dem Album allgegenwärtig. Eines der wiederkehrenden Themen in den neuen Songs ist das Licht, als Metapher für Hoffnung und als ultimatives Ziel des Weges. Aufgenommen Ende August während einer intensiven zehntägigen Phase in der walisischen Landschaft, kann man die Wirkung dieser Umgebung auf der Platte hören - sie ist voller sanfter Brisen, weitem Himmel, Schönheit und Raum. Einer der eindrucksvollsten Texte des Albums findet sich im finalen Track 'I Will Love You'. Das wunderschöne siebenminütige, fast kosmisch-akustische Tagtraumstück blickt jenseits der Wut und Polarisierung unseres modernen Diskurses auf eine Zeit, in der 'the bigots are gone/after they apologise/for all the harm that they've done'. Die Suche nach dem Positiven angesichts der düsteren Realitäten des 21. Jahrhunderts fühlt sich sehr nach Teenage Fanclub an - einer Band, die seit über drei Jahrzehnten eine Kraft des Guten ist und Melancholie mühelos in glorreich klingende Harmonien verwandeln kann.

'Blind At The Age Of Four' ist der Einstieg in die anachronistische Welt von Jack Warnes GAUNT, mutig und gewagt, voller musikalischer und technologischer Experimente und visueller Kunst, und folgt auf die Frühwerke ETB I&II und 'Raw Cartoon' (auf Leon Vynehalls Fabric-Sampler). Das Debüt des am Royal College Of Art tätigen Designers und bildenden Künstlers besteht aus sich ständig verändernden Schleifen experimenteller Elektronik, begleitet von surrealen Bildern, die Warne mit analoger und digitaler Technologie, Augmented Reality, 3D-Rendering, Zeichnung und digitalen Maltechniken erschuf. Das gesamte Artwork enthält Augmented-Reality-QR-Code-ausgelöste Bilder.

Die japanische Band CHAI verzauberte die Welt 2017 mit ihrem Debütalbum PINK, einer Sammlung von Songs, die ihren einzigartigen, verspielten Pop vorstellten. Das enthusiastisch-feministische Nachfolgealbum PUNK wurde von der Musikpresse und anderen Künstlern hoch gelobt. Das führte zu WINK, das CHAI per Remote-Zoom-Sessions aufnahmen - eine Einschränkung, die sich als Stärke erwies, da MANA (Leadgesang und Tasten), KANA (Gitarre), YUNA (Schlagzeug) und YUUKI (Bass und Texte) mit Künstler*innen im Ausland zusammenarbeiten konnten, um ein Werk zu schaffen, das in ihrer internationalen Gemeinschaft Katharsis fand. Im Gegensatz zu WINK kehren CHAI auf ihrem neuen, selbstbetitelten Album zu ihren Wurzeln zurück und lassen sich von ihrem japanischen Erbe und der Musik, mit der sie aufgewachsen sind, inspirieren. "Alles, was sich in den Texten widerspiegelt, drückt unsere Erfahrungen als japanische Frauen aus", sagt MANA. CHAIs Ethos ist das der Inklusion, und die erste Ssingle "We The Female!" - die live aufgenommen wurde, um die krawalligen Auftritte der Band zu würdigen - lädt die Zuhörer zu dieser Mission ein. Während ihrer Tourneen nach der Pandemie, bei denen sie vor riesigen Menschenmengen in Städten wie Santiago, Buenos Aires und Sao Paulo auftraten, wurde CHAI klar, dass sie sich ein globales Publikum erschlossen hatten. CHAI schrieben das neue Album unterwegs und fanden zwischen den Auftritten im Stones Throw Studio in L.A., in der Ometusco Sound Machine in Mexico City und in der Grand Street in New York Zeit für die Aufnahmen. Als sie erkannten, dass ihre befreiende, ermächtigende Botschaft auch für Menschen außerhalb Japans gilt, überlegten CHAI, welche Facetten ihrer Erziehung beim Publikum außerhalb ihres Heimatlandes Anklang finden könnten. Auf CHAI schöpft die Band direkt aus dem City-Pop, einem in Tokio entstandenen Sound, der in den 70er und 80er Jahren populär war. City-Pop war eine japanische Interpretation westlicher Lounge-Musik, die Anleihen bei Jazz, Boogie, Funk und Yacht-Rock machte, um einen Sound zu kreieren, der sich zwischen zwei Kulturen bewegte. Während der City-Pop in letzter Zeit über TikTok und YouTube ein US-Publikum gefunden hat, sind CHAI mit diesem Genre aufgewachsen. Für die Produktion griffen sie auf ihren früheren Mitarbeiter Ryu Takahashi zurück, der ihre Vorliebe für City Pop, Eurobeat und die Melodien von J-Pop-Künstlern wie Maria Takeuchi teilte. "Sie wollten sich mit ihrer japanischen Identität auseinandersetzen, nicht im traditionellen Sinne, sondern auf diese gefilterte westliche Art", sagt Takahashi. Die Arbeit in gut ausgestatteten Studios ermöglichte es ihnen, mit einer Ästhetik zu experimentieren, die auf einem CHAI-Album noch nicht zu hören war.

Die japanische Band CHAI verzauberte die Welt 2017 mit ihrem Debütalbum PINK, einer Sammlung von Songs, die ihren einzigartigen, verspielten Pop vorstellten. Das enthusiastisch-feministische Nachfolgealbum PUNK wurde von der Musikpresse und anderen Künstlern hoch gelobt. Das führte zu WINK, das CHAI per Remote-Zoom-Sessions aufnahmen - eine Einschränkung, die sich als Stärke erwies, da MANA (Leadgesang und Tasten), KANA (Gitarre), YUNA (Schlagzeug) und YUUKI (Bass und Texte) mit Künstler*innen im Ausland zusammenarbeiten konnten, um ein Werk zu schaffen, das in ihrer internationalen Gemeinschaft Katharsis fand. Im Gegensatz zu WINK kehren CHAI auf ihrem neuen, selbstbetitelten Album zu ihren Wurzeln zurück und lassen sich von ihrem japanischen Erbe und der Musik, mit der sie aufgewachsen sind, inspirieren. "Alles, was sich in den Texten widerspiegelt, drückt unsere Erfahrungen als japanische Frauen aus", sagt MANA. CHAIs Ethos ist das der Inklusion, und die erste Ssingle "We The Female!" - die live aufgenommen wurde, um die krawalligen Auftritte der Band zu würdigen - lädt die Zuhörer zu dieser Mission ein. Während ihrer Tourneen nach der Pandemie, bei denen sie vor riesigen Menschenmengen in Städten wie Santiago, Buenos Aires und Sao Paulo auftraten, wurde CHAI klar, dass sie sich ein globales Publikum erschlossen hatten. CHAI schrieben das neue Album unterwegs und fanden zwischen den Auftritten im Stones Throw Studio in L.A., in der Ometusco Sound Machine in Mexico City und in der Grand Street in New York Zeit für die Aufnahmen. Als sie erkannten, dass ihre befreiende, ermächtigende Botschaft auch für Menschen außerhalb Japans gilt, überlegten CHAI, welche Facetten ihrer Erziehung beim Publikum außerhalb ihres Heimatlandes Anklang finden könnten. Auf CHAI schöpft die Band direkt aus dem City-Pop, einem in Tokio entstandenen Sound, der in den 70er und 80er Jahren populär war. City-Pop war eine japanische Interpretation westlicher Lounge-Musik, die Anleihen bei Jazz, Boogie, Funk und Yacht-Rock machte, um einen Sound zu kreieren, der sich zwischen zwei Kulturen bewegte. Während der City-Pop in letzter Zeit über TikTok und YouTube ein US-Publikum gefunden hat, sind CHAI mit diesem Genre aufgewachsen. Für die Produktion griffen sie auf ihren früheren Mitarbeiter Ryu Takahashi zurück, der ihre Vorliebe für City Pop, Eurobeat und die Melodien von J-Pop-Künstlern wie Maria Takeuchi teilte. "Sie wollten sich mit ihrer japanischen Identität auseinandersetzen, nicht im traditionellen Sinne, sondern auf diese gefilterte westliche Art", sagt Takahashi. Die Arbeit in gut ausgestatteten Studios ermöglichte es ihnen, mit einer Ästhetik zu experimentieren, die auf einem CHAI-Album noch nicht zu hören war.

'Monarch' von Raum Kingdom in limitierter Auflage als White & Black Splatter Vinyl.

Mit ihrem von der Kritik gefeierten Debütalbum konnten Raum Kingdom schon 2018 auf sich aufmerksam machen. Nach dem plötzlichen Tod des Bassisten Ronan Connor im März 2021 widmet die Band ihr neues Album 'Monarch' eben diesen. Ein Album, das emotional, roh, melodisch, atmosphärisch, hart und hypnotisierend ist und eine musikalische Reise für die Sinne darstellt.

'AVANT TRASH' ist der programmatische Titel des Debütalbums der Cousines like Shit.
Mit ihren kritischen Punchlines verlautbaren die Cousinen ihre Beobachtungen zu Gesellschaft und dem Paradoxon Mensch. In Tracks wie 'Barbie', 'Vivid Sassy' oder 'Bachelorette' kann man sich wiederfinden, ertappt fühlen, oder man muss schlicht schmunzeln, wenn einem die Komik gewisser menschlicher Verhaltensmuster bewusst wird. Mit der Wahl des Titels 'AVANT TRASH' kreieren die Cousinen nicht weniger als ein eigenes Genre für sich, für ihren unverkennbaren Stil, textfokussiert und untermalt von simplen, aber eingängigen Melodien.

Holy Hive haben in der kurzen Zeitspanne von 3 Jahren zwei Alben und eine EP veröffentlicht und dann beschlossen, sich aufzulösen. Während die Fans diese Nachricht zweifellos nicht mögen werden, bleibt uns allen die zeitlose Musik, die sie während ihrer gemeinsamen Zeit gemacht haben, erhalten, und produktiv waren sie sicherlich. Springs zartes Falsett über dem schweren Schlagzeugspiel von Homer Steinweiss erwies sich als eine himmlische Kombination und sie schufen einen Sound, der die Ohren und Herzen aller Hörer verzauberte und den Begriff "Folk Soul" prägte. "Big Crown Vaults Vol. 3 : Holy Hive" gräbt in der Schatztruhe unveröffentlichter Aufnahmen und holt einige heraus, die nie den Weg auf Vinyl gefunden haben. Diese Aufnahmen entstanden größtenteils während ihrer zwei Album-Sessions, einige wurden sogar aufgenommen, bevor sie bei Big Crown unterschrieben.

Die berüchtigte Black-Metal-Horde PROFANATICA kriechen mit ihrem neuen Album "Crux Simplex" aus den tiesten Tiefen der Hölle hervor. Diese neueste Salve der Sünde und des Sakrilegs, diese Zehn-Track-Offensive ist eine Huldigung des Bösen, der die ersten 10 Stationen des Kreuzes bastardisiert.
Die Band, angeführt vom berüchtigten Meister der schwarzen Perversion Paul Ledney, steht für bestialischen Black Metal der ersten Stunde, und "Crux Simplex" offenbart ein gottloses Ausmaß an Galle und Blasphemie.

180 g black Vinyl, Gatefold, DLC, Insert
Seit 1988 stehen Cannibal Corpse an der Spitze des Death Metal und haben das Genre geprägt und definiert. Im Jahr 2021 setzten sie mit ihrem 15. Album Violence Unimagined die Messlatte erneut höher. 2023 kehren sie mit dessen Nachfolger, dem ebenso monströsen Chaos Horrific, zurück und schlagen damit ein neues Kapitel ihres Vermächtnisses auf. Kurz nach Abschluss der Violence Unimagined-Sessions geschrieben, finden sich in Chaos Horrific Anklänge an jenes Album. "Für mich fühlt sich dieses Album wie eine Art Fortsetzung von Violence Unimagined an. Der Stil ist ziemlich ähnlich, aber im Einzelnen klingt keiner der Songs auf Chaos Horrific wie die Songs auf Violence Unimagined", sagt Bassist Alex Webster. "Es ist ein vollwertiges Death-Metal-Album im Stil von Cannibal Corpse."

Ltd. Ltd.burned flesh marbled Vinyl, Gatefold, DLC, Insert

Seit 1988 stehen Cannibal Corpse an der Spitze des Death Metal und haben das Genre geprägt und definiert. Im Jahr 2021 setzten sie mit ihrem 15. Album Violence Unimagined die Messlatte erneut höher. 2023 kehren sie mit dessen Nachfolger, dem ebenso monströsen Chaos Horrific, zurück und schlagen damit ein neues Kapitel ihres Vermächtnisses auf. Kurz nach Abschluss der Violence Unimagined-Sessions geschrieben, finden sich in Chaos Horrific Anklänge an jenes Album. "Für mich fühlt sich dieses Album wie eine Art Fortsetzung von Violence Unimagined an. Der Stil ist ziemlich ähnlich, aber im Einzelnen klingt keiner der Songs auf Chaos Horrific wie die Songs auf Violence Unimagined", sagt Bassist Alex Webster. "Es ist ein vollwertiges Death-Metal-Album im Stil von Cannibal Corpse."

'Can I Go Again?', das Debütalbum von Benét (Benét Nutall) aus Richmond, VA, ist eine abwechslungsreiche Sammlung nachdenklicher, dicht gepackter Indie-Pop-, Rock- und Soul-Tracks, die ebenso emotional mitschwingen wie sie unmittelbar und ansteckend sind. Diese Tracks sind es gleichermaßen wert, Herzschmerz zu verarbeiten, mit Freunden zu spielen oder Kraft in der Einsamkeit zu finden. Die Debüt-EP von Benét, "Game Over" (2021), war ein ehrlicher Versuch der Selbstreflexion durch elektronische Dance- und Disco-Atmosphären - die titelgebende Frage ihres Debütalbums dient als Neustart des Arcade-Spiels mit mehr Wissen, Reife und Sicherheit, während Benét sich zu organischerer Instrumentalbegleitung und raffiniertem Songwriting bewegt. Die überschwänglichen und scharfen Gitarrenriffs und die treibende Bassline von "Insensitive" heben Benéts Gesang an, wenn sie über Gefühle von Nervosität, Sehnsucht und die letztendliche Überwindung von beidem mit Selbstsicherheit singen. In "Overpowering" können Benét über einer sanften Bassline und einem stolpernden Beat ihre persönliche Entwicklung zur Schau stellen. "No Alarm" bietet einen weiteren Einblick in Benéts lyrische Verwundbarkeit, die sich zwischen Selbstbewusstsein in den Strophen und einer flirrenden, stringent betonten Sicherheit im Refrain hin und her bewegt. Die Musik von Benét wurde schon immer von der Umgebung und den Menschen, mit denen sie zusammenarbeiten, beeinflusst. Das Album ist das Ergebnis von etwa drei Jahren des Schreibens und Aufnehmens zu verschiedenen Zeiten mit verschiedenen Gruppen von Freunden und musikalischen Partnern - in Richmond, VA mit Jacob Grissom, Christian Lewis, Neal Perrine und John Trainum, in Philadelphia mit Kyle Pulley und Danny Murillo und in New York mit Carlos Truly. In "Can I go again?" geht es darum, sich Zeit zu nehmen und zu erkennen, bewusst zu wachsen und Freude und Nervosität selbstbewusst auszudrücken. Benét nutzt "Can I Go Again?" um ihren eigenen Platz inmitten inspirierender, verwirrender, schwieriger und schöner menschlicher Verbindungen zu verarbeiten und diese unvergesslichen, eingängigen, emotionalen Lieder zu präsentieren, in der Hoffnung, dass das Publikum zuhören und dasselbe tun kann.

'Can I Go Again?', das Debütalbum von Benét (Benét Nutall) aus Richmond, VA, ist eine abwechslungsreiche Sammlung nachdenklicher, dicht gepackter Indie-Pop-, Rock- und Soul-Tracks, die ebenso emotional mitschwingen wie sie unmittelbar und ansteckend sind. Diese Tracks sind es gleichermaßen wert, Herzschmerz zu verarbeiten, mit Freunden zu spielen oder Kraft in der Einsamkeit zu finden. Die Debüt-EP von Benét, "Game Over" (2021), war ein ehrlicher Versuch der Selbstreflexion durch elektronische Dance- und Disco-Atmosphären - die titelgebende Frage ihres Debütalbums dient als Neustart des Arcade-Spiels mit mehr Wissen, Reife und Sicherheit, während Benét sich zu organischerer Instrumentalbegleitung und raffiniertem Songwriting bewegt. Die überschwänglichen und scharfen Gitarrenriffs und die treibende Bassline von "Insensitive" heben Benéts Gesang an, wenn sie über Gefühle von Nervosität, Sehnsucht und die letztendliche Überwindung von beidem mit Selbstsicherheit singen. In "Overpowering" können Benét über einer sanften Bassline und einem stolpernden Beat ihre persönliche Entwicklung zur Schau stellen. "No Alarm" bietet einen weiteren Einblick in Benéts lyrische Verwundbarkeit, die sich zwischen Selbstbewusstsein in den Strophen und einer flirrenden, stringent betonten Sicherheit im Refrain hin und her bewegt. Die Musik von Benét wurde schon immer von der Umgebung und den Menschen, mit denen sie zusammenarbeiten, beeinflusst. Das Album ist das Ergebnis von etwa drei Jahren des Schreibens und Aufnehmens zu verschiedenen Zeiten mit verschiedenen Gruppen von Freunden und musikalischen Partnern - in Richmond, VA mit Jacob Grissom, Christian Lewis, Neal Perrine und John Trainum, in Philadelphia mit Kyle Pulley und Danny Murillo und in New York mit Carlos Truly. In "Can I go again?" geht es darum, sich Zeit zu nehmen und zu erkennen, bewusst zu wachsen und Freude und Nervosität selbstbewusst auszudrücken. Benét nutzt "Can I Go Again?" um ihren eigenen Platz inmitten inspirierender, verwirrender, schwieriger und schöner menschlicher Verbindungen zu verarbeiten und diese unvergesslichen, eingängigen, emotionalen Lieder zu präsentieren, in der Hoffnung, dass das Publikum zuhören und dasselbe tun kann.

Die unverwechselbare Stimme von Frontman Christian Schöttel dient als Bindemittel der 10 Songs auf 'Sonne, Mond & Dynamit', die sich auf verspielte Sound-Exkursionen durch rockige Gitarrenriffs und wabernde Synths begeben. Sie begleiten die Reise des in der Ich-Form erzählenden Protagonisten durch Exzesse, Herzschmerzen und düstere Zukunftsdystopien, ohne Selbstmitleid, aber oft mit Humor und einem Schuss Selbstironie.

Mit einer fesselnden Zusammenstellung neu-geschriebener, klangmalerischer Arrangements für Violine und Orchester von bekannten Film- und Serien-Soundtracks und neuen Kompositionen der Oscar-prämierten Komponistinnen Rachel Portman und Anne Dudley zeigt die Geigerin Esther Abrami auf Cinéma ihre Vielseitigkeit, musikalische Sensibilität und Raffinesse. "Ich bin so stolz auf mein neues Album. Ich wollte eine abwechslungsreiche musikalischer Reise zusammenstellen, die meinen klassischen Hintergrund, mein französisch-jüdisches Erbe, meine Unterstützung für Frauen in der Musik und meine Liebe zu Filmen und Anime widerspiegelt und verschiedene Genres, Kulturen und Generationen verbindet. Ich hoffe, dass sich die Zuhörer*innen in die Musik von Cinéma genauso verlieben wie ich", erklärt Esther Abrami. Cinéma enthält neue Arrangements von Blockbuster-Hits aus Animes, Serien und Kinofilmen wie Naruto und Demon Slayer, The Witcher oder The Hunger Games, genauso wie Musik aus ikonischen französischen Filmen wie die Die fabelhafte Welt der Amelie und Die Kinder des Monsieur Mathieu. Darüber hinaus sind klassische Stücke aus Filmen mit Musik von Pjotr Tschaikowsky, Dmitri Schostakowitsch und Astor Piazzolla sowie zwei Weltpremieren der Oscar-prämierten Komponistinnen Anne Dudley und Rachel Portman enthalten, mit denen Esther Abrami persönlich bekannt ist. Besonders emotional ist die Verbindung der durch ihre Großmutter zur Geige gekommenen Musikerin jedoch zu den Filmen Das Leben ist schön und Das Tagebuch der Anne Frank. Ein ebenfalls sehr emotionales Stück auf Cinéma ist das neue Arrangement vom Thema des Protagonisten "Zeyn" aus dem Oscar-nominierten libanesischen Sozialdrama Capernaum, das Komponist und Film-Produzent Khaled Mouzanar eigens für Esther Abrami geschrieben hat. Für die Erstellung der Arrangements von Cinéma hat Esther Abrami mit einem Team von Arrangeur*Innen zusammengearbeitet. Bis auf das ursprünglich für Klavier geschriebene Stück "Comptine d'un autre été, l'après-midi" aus Die fabelhalte Welt der Amelie, das Esther Abrami mit einer Loop-Station auf der Geige neu aufgebaut hat, und "Libertango" von Astor Piazzolla aus Le Pont du Nord, für das sie nur von dem Gitarristen Marcin begleitet wird, ist jedes Stück auf dem Album mit Orchester produziert. Die Aufnahmen zu Cinéma fanden mit dem City of Prague Philharmonic Orchestra unter der Leitung des Dirigenten und Arrangeurs Ben Palmer in den legendären Smecky Studios in Prag statt.

In der post-pandemischen Trostlosigkeit von Los Angeles re-materialisieren sich 3TEETH als rätselhafte Kraft der kybernetischen Entropie und enthüllen ihre bisher eindringlichste Offenbarung des technosozialen Zerfalls: "EndEx". Alexis Mincolla, der kryptische Provokateur, und seine Komplizen eskalieren ihren eigenen akustischen Aufstand mit dem verwirrenden Bruch der Vorreiter-Single "Merchant of the Void". Indem sie sich mit der Kommerzialisierung der Identität, dem Hyperkonsum und der Vormachtstellung der Technologie als Triebkraft für Ideologie und menschliches Verhalten auseinandersetzen, legen sie die Grundlagen unserer zerfallenden Realität offen.Die daraus resultierenden akustischen Schockwellen hallen in dröhnenden Offensiven wie dem explosiven "Slum Planet", "Higher Than Death" und einer phantasmagorischen Neuinterpretation des bahnbrechenden "Everybody Wants to Rule the World" von Tears For Fears wider. "Endex" verkörpert 3TEETHs Verwandlung des Industrial Metal in eine hyperzeitliche Ära und entfesselt eine memetische Plage aus esoterischer Theorie-Fiction."EndEx" ist als CD, Gatefold-LP und digitales Album erhältlich.

REPENTANCE wurde 2018 vom ehemaligen SOIL- und DIRGE WITHIN-Gitarristen Shaun Glass aus Chicago, Illinois gegründet und ist eine primitive, aggressive Metal-Band. Im Frühjahr 2018 veröffentlichte die Band ihre ersten beiden Demo-Tracks, gefolgt von einem von der Kritik gefeierten Debütalbum ("God For A Day", 2020) und zahlreichen Shows mit hochkarätigen Acts wie TRIVIUM, DEVILDRIVER, JINJER, SKULL FIST, TOXIC HOLOCAUST, SACRED REICH und anderen.
"REUE kam ganz natürlich zusammen, was eine sehr reinigende Erfahrung war. An diesem Punkt in meinem Leben hatte ich gehofft, mit einer fast völlig neuen Gruppe von Menschen zu arbeiten und neue Musik zu machen -- und diese Crew war organisch eingesperrt. " Shaun Glas
Im September 2021 kündigten REPENTANCE ihren weltweiten Vertrag beim deutschen Label Noble Demon an und veröffentlichten ihre brandneue Single "Reborn". Ausgehend von der nächsten EP der Band und mit Corey Beaulieu vom mächtigen TRIVIUM an der Gitarre für ein Gast-Solo, war "Reborn" ein beeindruckender erster Blick auf das, was in naher Zukunft von REPENTANCE zu erwarten ist! Aber nicht nur mit einer neuen Single, sondern auch mit einer erneuerten Besetzung ist dieser Track der perfekte Einstieg in die Wiedergeburt des aggressiven, modernen Metal Sounds der Band. Die Ankunft der wilden Stimme von Adam Gilley setzt die Messlatte hoch und macht deutlich, dass es sich hier um eine wahrhaftige Reinigung des Sounds der Band auf allen Ebenen handelt.
Im Mai 2023 kehrt die Band mit einer weiteren Ohrfeige zurück, die in der Metal-Szene Wellen schlagen wird, indem sie die erste Single des kommenden Albums auf den Markt bringt, die Gesangsaufgaben von MILO SILVESTRO, dem neuen Sänger von FEAR FACTORY, beinhaltet!
Das neue Album "The Process of Human Demise" erscheint am 4. August 2023.

REPENTANCE wurde 2018 vom ehemaligen SOIL- und DIRGE WITHIN-Gitarristen Shaun Glass aus Chicago, Illinois gegründet und ist eine primitive, aggressive Metal-Band. Im Frühjahr 2018 veröffentlichte die Band ihre ersten beiden Demo-Tracks, gefolgt von einem von der Kritik gefeierten Debütalbum ("God For A Day", 2020) und zahlreichen Shows mit hochkarätigen Acts wie TRIVIUM, DEVILDRIVER, JINJER, SKULL FIST, TOXIC HOLOCAUST, SACRED REICH und anderen.
"REUE kam ganz natürlich zusammen, was eine sehr reinigende Erfahrung war. An diesem Punkt in meinem Leben hatte ich gehofft, mit einer fast völlig neuen Gruppe von Menschen zu arbeiten und neue Musik zu machen -- und diese Crew war organisch eingesperrt. " Shaun Glas
Im September 2021 kündigten REPENTANCE ihren weltweiten Vertrag beim deutschen Label Noble Demon an und veröffentlichten ihre brandneue Single "Reborn". Ausgehend von der nächsten EP der Band und mit Corey Beaulieu vom mächtigen TRIVIUM an der Gitarre für ein Gast-Solo, war "Reborn" ein beeindruckender erster Blick auf das, was in naher Zukunft von REPENTANCE zu erwarten ist! Aber nicht nur mit einer neuen Single, sondern auch mit einer erneuerten Besetzung ist dieser Track der perfekte Einstieg in die Wiedergeburt des aggressiven, modernen Metal Sounds der Band. Die Ankunft der wilden Stimme von Adam Gilley setzt die Messlatte hoch und macht deutlich, dass es sich hier um eine wahrhaftige Reinigung des Sounds der Band auf allen Ebenen handelt.
Im Mai 2023 kehrt die Band mit einer weiteren Ohrfeige zurück, die in der Metal-Szene Wellen schlagen wird, indem sie die erste Single des kommenden Albums auf den Markt bringt, die Gesangsaufgaben von MILO SILVESTRO, dem neuen Sänger von FEAR FACTORY, beinhaltet!
Das neue Album "The Process of Human Demise" erscheint am 4. August 2023.

Zur Feier des 40-jährigen Jubiläums des belgischen Labels PIAS erscheint exklusive Auswahl an 12“-EPs mit Musik von einigen der wichtigsten und erfolgreichsten Wegbegleiter. Das Schweizer Trio The Young Gods wurde 1985 unter der Leitung von Franz Treichler gegründet und wurde als sollte ein radikal-ästhetischer Gegenentwurf zur damaligen konventionellen Rock-Szene werden. Ihr selbstbetiteltes Debüt sollte genau dieses Versprechen erfüllen, doch erst mit dem 1992 erschienen 'TV Sky' sollte ihnen der der internationale Durchbruch gelinge

Zur Feier des 40-jährigen Jubiläums des belgischen Labels PIAS erscheint exklusive Auswahl an 12“-EPs mit Musik von einigen der wichtigsten und erfolgreichsten Wegbegleiter. Die belgische Kultband La Muerte wurde 1983 in Brüssel gegründet und gilt als einer der Wegbereiter des belgischen Underground-Rocks. Inspiriert vom Rock’n’Roll, Genre-Kino und deren Filmemachern wie Salvador Dali, Kenneth Anger oder Blake Edwards, schufen sie außergewöhnliche und extreme Musik.

Zur Feier des 40-jährigen Jubiläums des belgischen Labels PIAS erscheint exklusive Auswahl an 12“-EPs mit Musik von einigen der wichtigsten und erfolgreichsten Wegbegleiter. Der kanadische Remixer und DJ Tiga ist seit über zwei Jahrzehnten ein fester Bestandteil der internationalen EDM-Szene. Angefangen hat er in seiner Heimatstadt Montreal, wo er neben zahlreichen Raves auch an der Gründung des SONA Clubs beteiligt war. Sein 2006er Album 'Sexor' mit dem Hit 'You Gonna Want Me' wurde schnell zu einem der einflussreichsten Alben der EDM-Szene.

Zur Feier des 40-jährigen Jubiläums des belgischen Labels PIAS erscheint exklusive Auswahl an 12“-EPs mit Musik von einigen der wichtigsten und erfolgreichsten Wegbegleiter. Mark Thomas Griffin, besser bekannt als MC 900 FT JESUS, ist amerikanischer Rapper aus Dallas, Texas. Griffin ist ein klassisch ausgebildeter Musiker und Trompeter und bekannt für seine Mischung aus Hip-Hop, Jazz und Elektronik, die in den 90er-Jahren ihrer Zeit weit voraus war. Seine Texte sind oft sozialkritisch geprägt, aber durchzogen von seinem bissigen und bisweilen schrulligen Humor.

Ligabue ist ein italienischer Rockmusiker, Schriftsteller und Regisseur. Seine musikalische Karriere begann er 1990, stilistisch verbindet er die italienische Liedermacher-Tradition mit Rockmusik. Er gilt als einer der wichtigsten Musiker Italiens. Seine letzten 5 Studio-Alben (zuletzt ‘7‘ in 2020) platzierten sich alle auf #1 der Italienischen Charts.

Ligabue ist ein italienischer Rockmusiker, Schriftsteller und Regisseur. Seine musikalische Karriere begann er 1990, stilistisch verbindet er die italienische Liedermacher-Tradition mit Rockmusik. Er gilt als einer der wichtigsten Musiker Italiens. Seine letzten 5 Studio-Alben (zuletzt ‘7‘ in 2020) platzierten sich alle auf #1 der Italienischen Charts.

High Roller Records, insert, ltd 460, handnumbered, Picture Shape Schallplatten sind besondere Accessoires, welche einzigartig aussehen, aber sicherlich nicht die Klangqualität einer herkömmlichen Pressung darbieten werden. Vor allem sind sie als Sammlerstücke mit optischem Faktor zu betrachten. Leichte Verkrümmungen durch den Herstellungsprozess, die jedoch die Bespielbarkeit nicht beeinträchtigen, können auftreten.

High Roller Records, insert, ltd 460, handnumbered, Picture Shape Schallplatten sind besondere Accessoires, welche einzigartig aussehen, aber sicherlich nicht die Klangqualität einer herkömmlichen Pressung darbieten werden. Vor allem sind sie als Sammlerstücke mit optischem Faktor zu betrachten. Leichte Verkrümmungen durch den Herstellungsprozess, die jedoch die Bespielbarkeit nicht beeinträchtigen, können auftreten.

Es gibt auf "Da ist immer noch mein Herz" eine Menge Spannendes zu entdecken. Über Gefühle und Hoffnungen, über Schmerz und Niedergeschlagenheit, über Optimismus und Hingabe. Es sind Themen, die Staubkind derzeit beschäftigen und die ihn zu diesem wunderbaren Album inspiriert haben. Mitunter haben Krisen, wenn sie überstanden sind, eine heilende Wirkung. Die neuen Staubkind-Songs besitzen genau diese Fähigkeit! Und zwar nicht nur für Louis selbst. Denn für diese Musik gilt das Motto „Fang dir deine Träume“!

Es gibt auf "Da ist immer noch mein Herz" eine Menge Spannendes zu entdecken. Über Gefühle und Hoffnungen, über Schmerz und Niedergeschlagenheit, über Optimismus und Hingabe. Es sind Themen, die Staubkind derzeit beschäftigen und die ihn zu diesem wunderbaren Album inspiriert haben. Mitunter haben Krisen, wenn sie überstanden sind, eine heilende Wirkung. Die neuen Staubkind-Songs besitzen genau diese Fähigkeit! Und zwar nicht nur für Louis selbst. Denn für diese Musik gilt das Motto „Fang dir deine Träume“!

Es gibt auf "Da ist immer noch mein Herz" eine Menge Spannendes zu entdecken. Über Gefühle und Hoffnungen, über Schmerz und Niedergeschlagenheit, über Optimismus und Hingabe. Es sind Themen, die Staubkind derzeit beschäftigen und die ihn zu diesem wunderbaren Album inspiriert haben. Mitunter haben Krisen, wenn sie überstanden sind, eine heilende Wirkung. Die neuen Staubkind-Songs besitzen genau diese Fähigkeit! Und zwar nicht nur für Louis selbst. Denn für diese Musik gilt das Motto „Fang dir deine Träume“!