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Italian producer, musician, DJ, and groove architect Sam Ruffillo drops his long-awaited debut album Tipo Così on Toy Tonics – a sun-drenched, genre-blurring statement that blends classic house with Mediterranean flair, romantic funk, and tongue-in-cheek Italo vibes. Over 11 expertly crafted tracks, Ruffillo delivers a dancefloor-ready, emotionally rich LP that connects deep musicality with irresistible rhythm and light-hearted elegance.

After three acclaimed EPs and collaborations with revered artists such as Barbara Boeing, Kapote, and Fimiani, Ruffillo has firmly cemented himself as a core artist on the Berlin-based label. Known for his unmistakable signature sound — a warm mix of vintage disco, 90s house, and Italian vocals — Sam’s music has garnered widespread DJ support from tastemakers like Gerd Janson, Palms Trax, Seth Troxler, and DJ Tennis, while becoming a staple on Italian airwaves. His infectious summer anthems like Danza Organica and Perfetta Così have soundtracked countless club nights and festivals, creating a loyal following that eagerly awaited this full-length debut.

Tipo Così is the natural culmination of a musical journey that’s both playful and profound — a travel diary written in grooves, synth stabs, and melodies that feel like postcards from a parallel Mediterranean universe. The album expands and deepens Ruffillo’s world into a fully immersive experience: lush emotional chords meet tight syncopated grooves, vintage synth textures collide with irresistibly catchy pop refrains, and the boundary between sincerity and playful irony is exquisitely blurred.

Entirely written, produced, and recorded in Italy, in his beloved hometown of Bologna, the album finds Ruffillo at the helm on keys, drum machines, and production, supported by a talented cast of musicians contributing live bass, guitar, and other organic elements — further enriching his trademark fusion of electronic grooves and natural instrumentation. There’s a tactile warmth in these tracks, a hands-on feel that adds soul and depth to every beat.

This album also marks Ruffillo’s heartfelt return to singing in Italian, with standout tracks like House Tipo Così, Mi Fa Volare, Ancora, and Dentro Di Me, where romantic naïveté meets pulsing club energy in a way that feels both timeless and refreshingly new. The vocal performances add an intimate, human touch to the music, reinforcing the personal stories woven into each song. There’s poetry in the casual, a bittersweet elegance in the way the lyrics float over groove-heavy production.

Having toured extensively across Europe, Australia, Indonesia, New Zealand, and Mexico — with sets at iconic venues like Panorama Bar and festivals such as Sónar Barcelona — Ruffillo has fine-tuned much of this album in front of live audiences. The real-world testing ground infused the record with a dynamic energy and immediacy that only comes from genuine crowd interaction. These songs weren’t just made in the studio — they were lived on dancefloors around the world.

Tipo Così is not just a collection of tracks. It’s a philosophy — playful, stylish and unmistakably personal. A modern club album bursting with heartfelt emotion and sophistication. Music for dancers with taste; for lovers of beauty, rhythm, and the little imperfections that make things feel real.

But what exactly is Tipo Così? More than just a phrase, it’s a way of being. It’s about embracing elegance without effort, mixing irony with sincerity, and letting nostalgia slip into the room without taking over the party. It’s Sam Ruffillo’s signature language: relaxed, confident, meticulous yet never rigid — where a chord progression can say as much as a lyric, and every beat carries intention.

The album’s visual identity complements this vision perfectly. The artwork and promotional materials lovingly reference Italian design from the ’80s and ’90s, combining bold graphic elements with playful pop culture nods. This aesthetic mirrors Ruffillo’s music — a fusion of vintage warmth and contemporary freshness, delivered with authenticity and charm.

Sam Ruffillo belongs to a new generation of European artists who are reshaping electronic music by blending past and present, analog and digital, groove and emotion — without nostalgia or pose. His artistic universe is coherent, vibrant, and alive; a rich tapestry of sound, images, and stories that coexist with lightness, precision, and a distinctive voice.

Reflecting on his artistic journey, Sam describes music as a vital, deeply human impulse — a tribal connection to rhythm and body that has driven him since he was a teenager. His creative process balances meticulous planning with room for spontaneity, usually sparked by clear melodic ideas that evolve naturally. Collaborations with close friends, especially vocalists like Ninfa, add warmth and authenticity, exemplified in tracks like “House Tipo Così.” For Sam, music is honest self-expression — crafted for listeners who crave memorable melodies and rhythms imbued with genuine feeling.

While technical perfection is tempting, Sam prioritizes emotion, knowing that what truly resonates is the soul behind the sounds. His long-standing partnership with Toy Tonics has been key in nurturing his vision, offering a blend of creative freedom and professional support. Looking ahead, Sam Ruffillo is excited to broaden his live performances, and release new projects that continue to blend electronic grooves with organic, heartfelt sounds — maintaining the delicate balance between playful irony and sincere emotion that defines Tipo Così.




Kurzversion:
Italian DJ, producer and musician Sam Ruffillo drops his debut album Tipo Così on Toy Tonics - a sunny blend of house, funk, Italo and pop, full of groove and emotion. Written and recorded in Bologna with live instruments and Italian vocals, it’s a playful, elegant journey shaped on dancefloors worldwide. A stylish, sincere club album where nostalgia, irony and rhythm meet in perfect harmony.

- Mi Fa Volare
Road-tested across continents and now finally released, “Mi Fa Volare” channels 90s uplifting euphoria with big breakbeats, lush chords, and Italian vocals built to stick. Somewhere between balearic bliss and piano house nostalgia, it’s a feel-good club weapon made for peak-time moments - already sung back by crowds after just one listen.


- Ancora
“Ancora” is a vibrant hi-NRG track inspired by 80s Italo disco, sung entirely in Italian. It blends driving rhythms with dreamy melodies, capturing the radiant spirit of the decade. This fresh yet nostalgic song delivers euphoric vibes and timeless energy, making it a perfect fit for both dancefloors and reflective listening moments worldwide.


- Dentro Di Me
“Dentro Di Me” channels ‘90s sensuality through a fast-paced, UK house-inspired lens. Entirely in Italian, it’s a bold and contemporary dance track where hypnotic vocals meet high-energy grooves. Blending nostalgic textures with forward-thinking production, the result is a seductive and euphoric trip - equal parts emotional and club-ready.


- Amigo
“Amigo” blends Latin groove, acoustic guitar-driven rhythm, and Mediterranean flair into a warm, magnetic, cross-cultural dance anthem. Sung in Spanish and Italian, it celebrates connection, inclusivity, and the joy of moving together - whether stranger or friend. With its unstoppable rhythm and vibrant energy, it’s a feel-good track with a unifying spirit.


- Ma Sei Fuori
“Ma Sei Fuori” is a tongue-in-cheek dancefloor bomb blending raw house energy with catchy vocal phrases and a nod to classic French touch. Driven by hypnotic vocal lines and a playful attitude, it doesn’t take itself too seriously - while still proving serious club impact. Built for late-night moments, it’s bold, bouncy, and impossible to ignore.

Furthering the passionate exploration of cinema that has guided her two previous LPs - 2017’s ‘Fassbinder Wunderkammer’ and 2020’s ‘I Should Have Been a Gardener’ - the Milanese guitarist/composer, Alessandra Novaga, returns to Die Schachtel with ‘The Artistic Image Is Always a Miracle’, two sides off shimmering, tense compositions – culminating as one of her most creatively ambitious and conceptually rich outings to date – freely inspired by the life and work of the Russian director Andrej Tarkovsky and the music of Johann Sebastian Bach.

Classically trained at the Musik Akademie in Basel, Switzerland, over the last decade Alessandra Novaga has emerged as one of the leading figures within northern Italy’s thriving new, experimental, and improvised music scene, rendering striking solo efforts, in addition to collaborations with Loren Connors, Stefano Pilia, Elliott Sharp, Nicola Ratti, Paula Matthusen, Sandro Mussida, Kid Millions, Travis Just, Francesco Gagliardi, and others. Remarkably ambitious and forward thinking, her approach to the guitar embarks upon a relentless deconstruction and rethinking of her instrument’s unique properties through distinct applications of structure, resonance, space, and tone, creating in a deeply personal and emotive music, seeking narrative and meaning within the abstractions of sound.

In 2017, with the LP, ‘Fassbinder Wunderkammer’, issued by Setola Di Maiale, Novaga embarked upon the exploration of her love of film. Having begun with Rainer Werner Fassbinder, this was followed in 2020 by Die Schachtel’s release of ‘I Should Have Been a Gardener’, a deeply intimate mediation on the life and work of Derek Jarman. Rather than focusing on a fixed point of inspiration or a single film to work from, these pieces achieve a form of abstract portraiture, distilling elements drawn from these filmmaker’s life and work into ambient networks of texture and tonality. ‘The Artistic Image Is Always a Miracle”’ freely inspired by the Russian director Andrej Tarkovsky and the music of Johann Sebastian Bach, finds Novaga radically expanding her sonic palette within this approach.

The seeds of ‘The Artistic Image Is Always a Miracle’ can be traced to a conversation that Novaga had with Alan Licht (contained in the highly regarded Common Tones: Selected interviews with artists and musicians 1995–2020, Blank Forms, 2021), relating to the connections between music and cinema, which led her to consider Andrej Tarkovsky’s use of Bach's music within a symbiotic framework: how the music illuminates the imagism of the films, and the film illuminates new dimensions of the music. Slowly developing over the subsequent years, the resulting album comprises six individual works, some of which draw directly upon pieces of Bach’s music that Tarkovsky used in his films – specifically 'Erbarme dich, Mein Gott', 'Das alte Jahr vergangen ist', and 'Ich ruf zu dir, Herr Jesu Christ' - while others draw upon the sensibilities and moods evoked in the imagination by the director’s films.

As a point of departure and illumination into the process and spirit that underscored the creation of the album, Novaga points toward a passage in Tarkovsky’s "Sculpting in Time”:

“Art is born and takes hold wherever there is a timeless and insatiable longing for the spiritual, for the ideal: that longing which draws people to art. Modern art has taken a wrong turn in abandoning the search for the meaning of existence in order to affirm the value of the individual for its own sake. What purports to be art begins to look like an eccentric occupation for suspect characters who maintain that any personalized action is of intrinsic value simply as a display of self-will. But in artistic creation the personality does not assert itself, it serves another, higher and communal idea.”

‘The Artistic Image Is Always a Miracle’ can be understood as a realisation of the collectivism of which Tarkovsky speaks, in the service of something far beyond the expression of self. Encountering Novaga moving into fairly uncharted waters, three of the album’s pieces incorporate the human voice we encounter the voices of others: that of the poet Arsenij Tarkovsky, the director’s father; a singer from Bach’s ‘Erbarme dich, Mein Gott’, capturing a broadcast in an underground parking lot, and Novaga’s own, rendering the melody from Bach’s “Ich ruf zu dir, Herr Jesu Christ”. Roughly alternating between solo excursions on guitar and bristling electroacoustic pieces, over the course of the album’s two sides Novaga weaves one of her most abstract and ambitious bodies of recordings to date, shifting between the complex tonal mediations generated by the six strings of her instrument, and phycological densities activated by the expanded pallet of sonority made possible by the tactics and approaches of musique concrète.

An immersive, deeply engaging meeting of beauty and melancholy within a labyrinth of voices and ideas, ‘The Artistic Image Is Always a Miracle’ transfigures the life and work of Andrej Tarkovski – one of the greatest auteurs in the history of cinema – into a singular, experimental statement of collective truth. Belonging to recent, ambitious stream of contemporary new music releases on Die Schachtel that’s already included Novaga’s ‘I Should Have Been a Gardener’, Stefano Pilia’s ‘Spiralis Aurea’, Jim O'Rourke & Giovanni Di Domenico’ ‘Immanent In Nervous Activity’, Claudio Rocchetti’s ‘Labirinto Verticale’, and Damāvand’s ‘As Long As You Come To My Garden’, among others, ‘The Artistic Image Is Always a Miracle’ is available on as a limited edition of 300 dark turquoise vinyl LPs released on June 21, 2024. The LP, designed by Bruno Stucchi / dinamomilano, comes with an 8-pages insert illuminated by Alessandra’s text as well as the lovely and intense photographs of Matilde Piazzi.

Heutzutage ist beinahe vergessen, dass im letzten Jahrhundert Jazzaufnahmen auch auf 45er-Singles erschienen, nicht zuletzt, um damit die populären Jukeboxen zu bestücken. Diese streng limitierte Sonderausgabe der Blue Note Tone Poet Serie versammelt alle Singles, mit denen Tenorsaxofonist Ike Quebec ab
1959 ein überwältigendes Comeback bei Blue Note Records feierte. Mit ihnen knüpfte Quebec an seine
Erfolge der Mittvierziger Jahre an, als er sich bei Blue Note den Ruf erwarb, der ”König der Jukebox-Hits”
zu sein.
Ausstattung LP: Das 3-LP-Set ist wie immer bei der Tone Poet Serie von Joe Harley produziert und
von Kevin Gray komplett analog und direkt von Rudy Van Gelders Original-Masterbändern geschnitten
worden. Die bei RTI auf 180-g-Vinyl gepressten LPs werden in einem luxuriösen Dreifach-Gatefold verpackt, das zudem ein Booklet mit unveröffentlichten Fotos von Francis Wolff und einem ausführlichen
Essay von Loren Schoenberg enthält.
Ausstattung CD: Doppel-CD in Jewelbox, Booklet mit gleichem Inhalt wie o.g

»I Feel Alive« ist das 2020 veröffentlichte vierte Studio-Album der aus der Indie-Szene Kanadas stammenden Tops. Der Tops-Sound mit grandiosen Melodien über federleichten Indie-Grooves und einem Hauch von 80er-Jahre-Sophisti-Pop klingt kühner und weitläufiger denn je und gilt inzwischen als unverkennbar. Neben den hochfliegenden Melodien und der knackigen Inszenierung setzt sich »I Feel Alive« inhaltlich mit der Qual auseinander, alte Dinge hinter sich zu lassen. Es ist eine introspektive Platte, zu der man tanzen kann, Musik die zuschlägt und wie die Erinnerung an eine perfekte und gleichzeitig dem Untergang geweihte Liebesbeziehung, samt all ihrer Freude und Schmerz, für immer ein Teil des Lebens wird. Das Artwork zu »I Feel Alive« gibt den Ton an! Inspiriert von der Arbeit des Fotografen Thomas Ruff, starrt die Tops-Sängerin Jane Penney mit bloßem Gesicht in die Linse - einfach und ungestellt, aber auffallend starr und verletzlich. Attribute die sich auch auf die Musik übertragen lassen.

1998 erschien das zweite Knochenfabrik Album cooler Parkplatz. Hier wurde Scheitern noch konsequent gefeiert. Statt sinnloser Fan-Edition, Promo-Tour und uninteressanten Interviews wurde die Band pünktlich zum Erscheinen des Albums aufgelöst. Es blieb bei der kleinen Erstauflage, die zu einem beliebten Renditeobjekt und Rentenversicherungs-Geheimtipp wurde. Seit 2008 sind Knochenfabrik wieder Live unterwegs und vertrösten Privatanleger am Merchandise Stand mit der Aussicht auf eine Neuauflage dieses Deutschpunk Klassikers. Um den hohen Papierpreisen Rechnung zu tragen wurde bei der nun erschienenen Nachpressung auf ein Gatefold Cover verzichtet. Dafür gibt es eine bedruckte Innenhülle, Innencoverboy Chris Scholz präsentiert eine 90er Jahre Sonnenbrillenkollektion.

DJ H0TLINE lands on his own imprint CALL 808 with an eclectic four-track EP – now on vinyl for the very first time! „Mars 96“ launches you right into martian orbit with wicked Jungle and playful Techno. On the flipside you forget about time and space with a deep Dubstep cut and finally touch down with floating Ambient.

Named after a failed Russian space mission in 1996 the record comes with an insert with more information – and even the hand stamped label matches the rust-red surface of Mars.

CALL 808 is more than a Cologne-based label, it’s a music hotline that pays artists up to 1000x more per listener than the average streaming service. Try it out & support local artists: 0900 3 808 303 (only 1,50€/min. Available in Germany.).

Product info: 12'' hand-stamped black vinyl + insert. + download

Small first pressing – limited copies available!
DJ H0TLINE landet auf seinem eigenen Label CALL 808 – mit einer abwechslungsreichen Vier-Track-EP, jetzt zum allerersten Mal auf Vinyl!

„Mars 96“ schickt dich direkt in den Orbit, mit wildem Oldschool-Jungle und verspieltem Techno. Verlier dich auf der B-Seite in Raum und Zeit mit einem deepen Dubstep-Track und schwebe mit Ambient in die Stratosphäre hinab.

Benannt nach der gescheiterten russischen Weltraummission von 1996, kommt die Platte mit einem Insert mit Infos und handgestempeltem Label – rostrot wie der Mars.

CALL 808 ist mehr als ein Kölner Label, es ist eine echte Musik-Hotline, die ihren Künstler:innen bis zu 1000× mehr pro Hörer:in auszahlt als Streamingdienste. Ruf an und hör selbst: 09003 808 303 (nur 1,50 €/Min.).

Produktinfo: 12'' schwarzes Vinyl (Hand-gestempelt) + Insert + Download

Kleine erste Pressung – wenige Exemplare verfügbar.

ORBIT CULTURE läuten eine neue Ära ein. Das Century Media-Debüt des schwedischen Quartetts, "Death Above Life", ist nicht nur ein Statement, wie weit sie es gebracht haben, sondern es ist der Sound von Metal in seiner modernsten Form. "Das Album steht für einen Neuanfang", sagt ORBIT CULTURE-Gitarrist, Sänger und Songwriter Niklas Karlsson. "Es ruft positive und negati-ve Emotionen hervor, aber insgesamt bedeutet es eine Veränderung zum Besseren. Es fühlt sich an wie eine Wiedergeburt." Vom Opener "Inferna" über den stampfenden Titeltrack bis zum melancholischen Schlussstück "The Path I Walk" ist klar: ORBIT CUL-TURE sind in Bestform.
Neben ihrem DIY-Ethos und ihren kompromisslosen Dark-on-Dark-Visuals prägt laut Karlsson seine Vorliebe für Soundtracks und cineastische Soundscapes ihren Sound und Vision. Komponisten wie Hans Zimmer (Dune, Interstellar) und Howard Shore (Der Herr der Ringe) hätten einen großen Einfluss auf die Band. "Wahrscheinlich deutlich mehr als aktueller Metal", sagt Niklas. "Jeder von uns würde sich lieber den Soundtrack von 'Inception' anhören, weil er zeitlos ist. Wenn ich beim Schreiben nicht wei-terkomme, bieten mir z.B. Cello oder Klavier neue Möglichkeiten. Wir schreiben einfache Riffs und Strukturen, und wenn wir uns dabei von einem Künstler wie Hans Zimmer inspirieren lassen, kommt ein Song wie 'Inferna' heraus, weil wir den Chorus größer und cineastischer machen."
Produziert von der Band und gemixt von Buster Odeholm (Vildhjarta, Humanity's Last Breath, Thrown), ist "Death Above Life" ein Statement für den Metal, seine Gegenwart und Zukunft. Es ist ein entscheidender nächster Schritt für ORBIT CULTURE, da sie sich selbst und Metal als Ganzes frischer definieren. "Wir spielen Metal", sagt Karlsson. "Wir haben Einflüsse von Djent, von Me-talcore und melodischem Death Metal. Wir bleiben uns selbst treu, und ich denke, die Leute sind genau danach hungrig."
"Death Above Life" ist erhältlich als: Ltd. CD Digipak, Gatefold 2LP, Digital Album.

The Criminal Minds return with the superb Smoove Criminal, a collection of criminally good tracks, the title track, Smoove Criminal, shows off the clean and sharp sound of the latest TCM workout, with heavy drums, rolling grooves and devastating bass.
Meanwhile, The Criminal Part 2 is a proper authentic old skool work out, a follow on from the classic Criminal Minds track, The Criminal.
And lastly, the Swankout Remix is a ruff jungle workout of a classic track, and this is the mix that has already been played on national radio, so its bound to hit in all the right places...

Five years on from their iconic debut album, the Red Robin posse return with another epic full length LP - this time featuring the ruffneck deejay styling of their longtime friend Tippa Lee.

With ten hardcore riddims from Naram stretching the full spectrum of 80s roots, rub-a-dub, and digi - and uncompromising street level lyrics from the LA-based Jamaican veteran Tippa Lee - Musically Bad is an absolute must-have for any discerning reggae collector.

The culmination of nearly a decade of collaboration, with multiple trips to LA where they improvised studio set ups at a range of cheap motels. Tippa takes listeners on a journey through his history in reggae, lamenting the rise of slackness and gun culture, firing shots at politicians and oligarchs, and shining a spotlight on the struggles of people of all colours and creeds suffering in the ghetto.

Despite the serious messages conveyed, and the heavyweight militant riddims, the album contains plenty of moments of humour and levity thanks to Tippa's lyrical nous.

With all riddims recorded and mixed to half inch tape in Naram's analogue Whanganui studio, and crisp mastering from Downbeat Studios, the LP is fine tuned to mash up any dancehall or living room.

Satisfaction comes in many forms. When the magical word Motown is uttered, most people are hard-wired to The Four Tops, the Temptations and The Supremes. But to reduce Motown to the effervescent sixties is only part of the label’s remarkable legacy.
By the 1970s, a different sound was gathering. America was on the verge of a nervous breakdown. The Vietnam War had been a disaster, urban street crime was epidemic and the nation’s college campuses were alive with political resistance. The joyful hope that had inspired “Baby Love” now felt anachronistic and out of time.

The music industry was changing too. The vinyl pop single on 45rpm which had been the staple of Motown’s success was being challenged by concept albums.   This was the era of Edwin Starr’s anti-war album War and Peace (1970), The Temptations mind-bending Psychedelic Shack (1970) and Marvin Gaye’s state-of-the-nation classic What’s Going On (1971).
By the early 1970s Motown had a stable of male vocalists that was arguably the best in the world, among them former lead singers from The Temptations - David Ruffin, Dennis Edwards and Eddie Kendricks. Alongside them singer-producers like Leon Ware and Frank Wilson were asserting their presence.

David Ruffin’s “Crime in the Street” captured the epidemic of violence in Detroit allowing his exquisite voice to quietly rage against gun crime. Recorded a few years before his underground classic “Rode by the Place”, both sound more modern today than when they were recorded.
If there is a common thread here, it’s the mid-tempo shifting soul soon to be christened as “quiet storm” including groups on the margins of Motown such as The Originals and The Fantastic Four led by the impassioned “Sweet” James Epps.
Just to keep you satisfied, immerse yourself in the overlooked creativity of Detroit’s male voices in the early 1970s.

A new Toy Tonics artist! Brazilian DJ, vinyl collector, party promoter, and style aficionado Martha Pinel has joined the Toy Tonics family.

Originally from Rio de Janeiro, where she is a well-established DJ and a prominent figure in the lifestyle scene, Martha also resides in Berlin, where she became friends with the Toy Tonics crew.

She is the creator of Assembleia, a celebrated party in Rio de Janeiro known for its laid-back and unpretentious atmosphere. Assembleia has also become a Carnival sensation, hosting unforgettable annual editions that are now a highlight of the season. In Brazil, she is also known as the co-founder of the Croma project, where fashion and music merged to revolutionize Rio de Janeiro's alternative scene. She has been featured on the cover of GQ Brazil, which named her one of the "13 artists giving voice to the generation that is changing the world."

Martha has been DJing worldwide at festivals such as KALA Festival, Paris Fashion Week, DGTL, and Boiler Room. She has made a name for herself in the diggers scene, sharing the stage with DJs such as Hunee, Antal, Yusu, Sam Ruffillo, Prins Thomas, and many others.

Martha is passionate about discovering music daily and crafts dynamic, non-linear sets that play with the audience's emotions. Known for her bold approach, her sets are always powerful and brimming with personality. They seamlessly blend ethnic musical influences with cutting-edge productions from Brazil and beyond, incorporating African and Middle Eastern sounds, space disco, Italo disco, Balearic beats, house, and its subgenres.

Martha Pinel's debut EP, Real Rio, was born during a moment of rediscovery in her hometown, Rio de Janeiro, after spending a long time abroad. This project is a celebration of that reconnection, capturing the city's most authentic and visceral aspects-a place where beauty and chaos coexist, with dramatic highs and lows.

In the track "Uber Moto," Martha reflects on the urban phenomenon of app-based motorcycles, which have become a symbol of the city.

"Espírito de Estado," on the other hand, is a track that embodies the spirit of the Carioca Carnival, the greatest party in the world.

Finally, "Assim" offers a personal reinterpretation of Marcos Valle's classic Estrelar. In this track, Martha and Gabto leave their mark on this Brazilian music icon, reflecting on the concept of Body Culture-it's often said that it's impossible to walk along Ipanema Beach without noticing the Carioca cult of the body.

„Fresh Outta 'P' University“ ist das vierte Soloalbum von BOOTSY COLLINS aus dem Jahr 1997, das seinen unverkennbaren P-Funk-Sound zelebriert. Das Album ist eine funkige Reise durch humorvolle Texte und groovige Basslines, allesamt geprägt von Bootsys einzigartigem Stil. Das Album festigte Bootsys Ruf als eine der wichtigsten Figuren des Funk, und seine kreative Energie ist in jedem Song spürbar. „Fresh Outta 'P' University“ ist ein Muss für jeden Funk-Liebhaber, der sich von guten Vibes und tanzbaren Rhythmen mitreißen lassen möchte.Nachdem es 20 Jahre lang vergriffen war, ist dieses essenzielle Funk-Meisterwerk nun als Wiederveröffentlichung auf 2x180g-LP und CD erhältlich, bereit, die Party einmal mehr zu starten.

Vor zwanzig Jahren kam der Film „Brokeback Mountain“ heraus, der längst als jüngerer Klassiker Hollywoods gilt und mit seiner dramatischen und anrührenden Story ein riesiges Publikum erreicht hat. Oscars
gab es nicht nur für die beste Regie und das beste Drehbuch, sondern auch für die Filmmusik von Gustavo
Santaolalla (The Last Of Us, August: Osage County, Babel).
Das Soundtrack-Album zum Film wurde ebenfalls ein großer Erfolg, es enthält neben dem Score auch
Titel von u.a. Willie Nelson, Rufus Wainwright, Linda Ronstadt und Emmylou Harris. Zum zwanzigsten
Jubiläum des Films erscheint der Soundtrack jetzt weltweit erstmals als LP.

Nach dem Erfolg der ersten zehn Alben der Vinyl Edition von Hyperion (veröffentlicht im September 2024
und März 2025) folgen nun sechs weitere LPs. Alle Alben erscheinen erstmals auf Vinyl und zeigen weltweit
tourende Künstler, mit denen das Label seit langem eng zusammenarbeitet. Jeder der sechs Titel wird als
limitierte 180g-LP erscheinen, die in einem vollfarbigen Gatefold präsentiert wird und mit einem Begleitheft
ausgestattet ist.
2025 feiert das Nash Ensemble sein 60-jähriges Bestehen, und Hyperion begeht diesen Anlass mit einem
Programm aus Debussys Sonaten & Prélude à l’après-midi d’un faune. Das Originalalbum stand Anfang
des Jahres auf Platz 1 der britischen Specialist Charts, und die Times schrieb: ”Sechzig Jahre haben uns
gezeigt, dass mit den Musikern des Nash Ensembles, ganz gleich, welches Repertoire sie spielen, eigentlich
nie etwas schiefgehen kann.
Das Nash Ensemble, residierendes Kammerensemble in der Londoner Wigmore Hall, gilt als Vorreiter
des britischen Musiklebens und wurde von The Independent als „unvergleichliche Kammermusikgruppe“
bezeichnet. Das Nash Ensemble hat sich einen bemerkenswerten Ruf als eines der besten Ensembles
Großbritanniens erarbeitet und sich dank des Engagements seiner Gründerin und künstlerischen Leiterin
Amelia Freedman und des Kalibers seiner Spieler einen ähnlichen Ruf in der ganzen Welt erworben.

Anlässlich des 30-jährigen Jubiläums von ,Lost Dogs & Mixed Blessings" erscheint über Oh Boy Records eine Deluxe-Edition von John Prines beliebtem Album mit fünf bisher unveröffentlichten Demos und alternativen Takes sowie dem bisher unveröffentlichten Titel ,Hey Ah Nothin'". Dieses lange verschollene Juwel wird sowohl langjährige Fans als auch Neulinge begeistern und bietet einen intimen Einblick in die Entstehung des Albums und den spontanen Geist, der die Sessions geprägt hat. Das für einen Grammy nominierte Album wird außerdem zum ersten Mal auf Vinyl veröffentlicht, neu gemastert von den Originalbändern. ,Lost Dogs & Mixed Blessings" wird wegen seiner Wärme, seinem Witz und seiner Tiefe sehr geschätzt, und diese Neuauflage bietet einen noch genaueren Einblick in eine der fröhlichsten und kreativsten Phasen in Prines legendärer Karriere. "Lost Dogs & Mixed Blessings" erschien ursprünglich 1995 nach Prines Grammy-prämiertem Album "The Missing Years" und festigte seinen Ruf als einer der größten Songwriter Amerikas. Produziert von Howie Epstein von Tom Petty and the Heartbreakers, zeigt das Album Prine auf einem persönlichen und künstlerischen Höhepunkt, erfüllt von der Freude über eine neue Liebe, seine Vaterschaft und einer unerschütterlichen kreativen Chemie. Unterstützt von einem All-Star-Ensemble, darunter Heartbreakers-Pianist Benmont Tench und Gastsängerinnen Carlene Carter und Marianne Faithfull, ist ,Lost Dogs & Mixed Blessings" ein lebendiges Beispiel für Prines unvergleichliches lyrisches Talent. Das Album fließt mühelos von der ironischen Zufriedenheit von ,Ain't Hurtin' Nobody" zu der epischen Erzählung von ,Lake Marie", einem Song, den Bob Dylan einmal als einen seiner Lieblingssongs bezeichnet hat. Mit seiner Mischung aus herzlichen Balladen, surrealen Erzählungen und verspieltem Humor bleibt ,Lost Dogs & Mixed Blessings" eines der umfangreichsten und beliebtesten Werke von Prine. Mit 14 Titeln und einer Länge von fast einer Stunde fängt es die Fülle der Erfahrungen der Lebensmitte ein, ehrlich, entspannt und voller Leben. Dreißig Jahre später lädt diese Veröffentlichung dazu ein, ein Album wiederzuentdecken, das weiterhin tröstet, überrascht und inspiriert.

Anlässlich des 30-jährigen Jubiläums von ,Lost Dogs & Mixed Blessings" erscheint über Oh Boy Records eine Deluxe-Edition von John Prines beliebtem Album mit fünf bisher unveröffentlichten Demos und alternativen Takes sowie dem bisher unveröffentlichten Titel ,Hey Ah Nothin'". Dieses lange verschollene Juwel wird sowohl langjährige Fans als auch Neulinge begeistern und bietet einen intimen Einblick in die Entstehung des Albums und den spontanen Geist, der die Sessions geprägt hat. Das für einen Grammy nominierte Album wird außerdem zum ersten Mal auf Vinyl veröffentlicht, neu gemastert von den Originalbändern. ,Lost Dogs & Mixed Blessings" wird wegen seiner Wärme, seinem Witz und seiner Tiefe sehr geschätzt, und diese Neuauflage bietet einen noch genaueren Einblick in eine der fröhlichsten und kreativsten Phasen in Prines legendärer Karriere. "Lost Dogs & Mixed Blessings" erschien ursprünglich 1995 nach Prines Grammy-prämiertem Album "The Missing Years" und festigte seinen Ruf als einer der größten Songwriter Amerikas. Produziert von Howie Epstein von Tom Petty and the Heartbreakers, zeigt das Album Prine auf einem persönlichen und künstlerischen Höhepunkt, erfüllt von der Freude über eine neue Liebe, seine Vaterschaft und einer unerschütterlichen kreativen Chemie. Unterstützt von einem All-Star-Ensemble, darunter Heartbreakers-Pianist Benmont Tench und Gastsängerinnen Carlene Carter und Marianne Faithfull, ist ,Lost Dogs & Mixed Blessings" ein lebendiges Beispiel für Prines unvergleichliches lyrisches Talent. Das Album fließt mühelos von der ironischen Zufriedenheit von ,Ain't Hurtin' Nobody" zu der epischen Erzählung von ,Lake Marie", einem Song, den Bob Dylan einmal als einen seiner Lieblingssongs bezeichnet hat. Mit seiner Mischung aus herzlichen Balladen, surrealen Erzählungen und verspieltem Humor bleibt ,Lost Dogs & Mixed Blessings" eines der umfangreichsten und beliebtesten Werke von Prine. Mit 14 Titeln und einer Länge von fast einer Stunde fängt es die Fülle der Erfahrungen der Lebensmitte ein, ehrlich, entspannt und voller Leben. Dreißig Jahre später lädt diese Veröffentlichung dazu ein, ein Album wiederzuentdecken, das weiterhin tröstet, überrascht und inspiriert.

Nach dem Erfolg der ersten zehn Alben der Vinyl Edition von Hyperion (veröffentlicht im September 2024
und März 2025) folgen nun sechs weitere LPs. Alle Alben erscheinen erstmals auf Vinyl und zeigen weltweit
tourende Künstler, mit denen das Label seit langem eng zusammenarbeitet. Jeder der sechs Titel wird als
limitierte 180g-LP erscheinen, die in einem vollfarbigen Gatefold präsentiert wird und mit einem Begleitheft
ausgestattet ist.
Alina Ibragimovas Aufnahme der Solo-Violinkonzerte von Bach mit Jonathan Cohen und Arcangelo wurde
bei ihrer CD-Veröffentlichung von der Kritik durchweg gelobt. Gramophone begrüßte sie als „eine herausragende und unverwechselbare Ergänzung zu einem Katalog, der aus allen Nähten platzt“, und Classic FM
lobte Ibragimova für ihr „Spiel auf höchstem Niveau“.
Als Interpretin von Barockmusik bis hin zu neuen Kompositionen auf modernen und historischen Instrumenten hat sich Alina Ibragimova einen Ruf für ihre Vielseitigkeit und die „Unmittelbarkeit und Ehrlichkeit“
(The Guardian) ihrer Darbietungen geschaffen. Alina Ibragimova ist unter anderem mit Orchestern wie
dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks und dem London Philharmonic sowie den Dirigenten
Sir John Eliot Gardner und Jakub Hrůša aufgetreten.

Die genreübergreifenden Tropical Fuck Storm präsentieren ihr mit Spannung erwartetes viertes Album "Fairyland Codex" auf ihrem neuen Label Fire Records. Aufgenommen mit Co-Produzent Michael Beach im Dodgy Brothers Studio der Band in Nagambie, Australien, lassen uns die Songs auf "Fairyland Codex" in das Chaos eines schicksalhaften Erdrutsches eintauchen und die Charaktere herauspicken, die den drohenden Zusammenbruch der Gesellschaft besudeln. Sauer, bissig, anarchisch: Tropical Fuck Storm beherrschen das Wortspiel, das durch knurrende Gitarren, pulsierende Rhythmen und explosive Salven unterstrichen wird, und bevölkern ein Hinterland zwischen Licht und Dunkelheit. Das stimmliche Zusammenspiel zwischen Liddiard und den hochfliegenden Harmonien von Kitschin und Dunn schafft einen schwankenden Balanceakt, der durch die verzweifelten Erzählungen, die sich aus ihrer kollektiven Psyche entwickeln, noch verstärkt wird. Tropical Fuck Storm entstand, als The Drones - die vorherige Band von Gitarrist und Sänger Gareth Liddiard und Bassistin und Sängerin Fiona Kitschin - 2016 in eine Pause ging. Zusammen mit der Gitarristin, Keyboarderin und Sängerin Erica Dunn und der Schlagzeugerin Lauren Hammel hat die Gruppe eine Reihe von der Kritik gefeierten Alben veröffentlicht und sich einen Ruf für ihre aufrüttelnden Live-Shows erworben. Magenta farbenes Vinyl.

"Arvo Pärt zum 90. Geburtstag
Am 11. September feiert Arvo Pärt seinen 90. Geburtstag, ein Komponist, dessen Musik zu einer universellen Sprache des Friedens geworden ist. Um dieses Jubiläum zu feiern, versammelt die Vinyl PAX einige seiner friedvollsten Werke - Kompositionen, die zu Stille, Besinnung und spiritueller Klarheit einladen. Verwurzelt in Einfachheit und Stille, bietet Pärts Musik einen kraftvollen Weg zu innerem Frieden, während sie gleichzeitig einen tieferen Ruf nach globaler Harmonie erklingen lässt. In einer Zeit des Lärms und der Unruhe ist PAX zeitgemäß und zeitlos zugleich - ein unverzichtbares Hörerlebnis."

"Laurel Hell" ist ein Soundtrack zur Transformation. Eine Landkarte für den Ort, an dem Verletzlichkeit und Widerstandsfähigkeit, Trauer und Freude, Fehler und Transzendenz in unserer Menschlichkeit Platz finden und als würdig angesehen werden können - um letztendlich anerkannt und geliebt zu werden. "I accept it all," verspricht MITSKI. "I forgive it all." Auf "Laurel Hell" festigt MITSKI ihren Ruf als Künstlerin, die die Kraft besitzt, unsere wildesten und zwiespältigsten Erfahrungen in ein heilendes Elixier zu verwandeln. "I wrote what I needed to hear. As I've always done." Nach der Veröffentlichung von "Be The Cowboy", einem der meistgelobten Alben des Jahres 2018, das von Outlets wie Pitchfork (u.a.) zum Album des Jahres gekürt wurde, stieg MITSKI vom Kultliebling zum Indie-Star auf. Mit spürbaren Folgen: Die Schinderei des Tourlebens und die Fallstricke die mit der erhöhten Sichtbarkeit einhergingen, beeinflussten ihre Musik ebenso wie ihren Geist, die sich in der ersten Single "Working For The Knife" niederschlägt. Ein Song, wie ein Prüfstein für das Gesamtgefühl von "Laurel Hell": "I start the day lying and end with the truth / That I'm dying for the knife." "Be The Cowboy" wurde von weiblicher Stärke und Trotz angetrieben, lebte jedoch von seinem Spiel mit Masken. Wie der Berglorbeer bzw. die "laurel hell", nach dem das neue Album benannt ist, kann die öffentliche Wahrnehmung, wie das berauschende Prisma des Internets, eine verlockende Fassade bieten, hinter der sich eine tödliche Falle verbirgt. Die sich immer enger zieht, je mehr man sich anstrengt. "I got to a point, where I just knew that if I kept going this way, I would numb myself to completion." Erschöpft von diesem verzerrten Spiegel und unserer Sucht nach falschen Binaritäten, begann MITSKI, Songs zu schreiben, die die Masken abstreifen und die komplexen und oft widersprüchlichen Realitäten dahinter offenbaren. MITSKI dazu: "I needed love songs about real relationships that are not power struggles to be won or lost. I needed songs that could help me forgive both others and myself. I make mistakes all the time. I don't want to put on a front where I'm a role model, but I'm also not a bad person. I needed to create this space mostly for myself where I sat in that gray area." Die daraus entstanden Songs verkörpern genau diesen Raum. Wie die zweite Single des Albums, "The Only Heartbreaker", die gemeinsam mit Dan Wilson geschrieben wurde und der erste Song dieser Art in ihrer Diskografie ist. "The Only Heartbreaker" verbindet treibenden 80er-Pop mit einem trügerisch einfachen Text, dessen aufrichtiger Refrain ins Ironische kippt, sobald dieser "the person always messing up in the relationship, the designated Bad Guy who gets the blame," beschreibt und sich zugleich fragt, ob "the reason you're always the one making mistakes is because you're the only one trying." MITSKI schrieb viele Songs für "Laurel Hell" während und teilweise vor 2018. Das Album wurde allerdings erst im Mai 2021 final abgemischt. Es ist die längste Zeitspanne, die MITSKI jemals für ein Album gebraucht hat und für die Musikerin inmitten einer radikal veränderten Welt endete. MITSKI nahm "Laurel Hell" mit ihrem langjährigen Produzenten Patrick Hyland in der Zeit der Isolation während der Pandemie auf, als einige der Songs "slowly took on new forms and meanings, like seed to flower." Das Album als Ganzes entwickelte sich "to be more uptempo and dance-y. I needed to create something that was also a pep talk" erklärt MITSKI. Die Spannung, die zwischen ihren raffinierten, aber wehmütigen Texten und dem sprudelnden Pop-Sound der 1980er Jahre entsteht, ist eine dringend benötigte Infusion in Zeiten wie diesen und das Werk einer reifen wie unwiderstehlichen Künstlerin, die auch zu fröhlich ansteckenden Dance-Beats immer noch etwas Profundes beizutragen hat.

Die FETENHITS-Folge NDW Neue Deutsche Welle wurde neu aufgelegt - mit verändertem Tracklisting.
Einige Titel, die auf der früheren Folge fehlten, sind nun endlich mit dabei, wie z.B. ”Der Mussolini” und
”Als wär’s das letzte Mal” von DAF sowie ”Der Kommissar” von Falco. Des weiteren finden sich einige
tolle Raritäten von Michael Cretu, Alphaville und Thomas Anders wieder. Man darf gespannt bleiben...
Als 3CD & Download und im September dann auch als 4-fach Vinyl!

Woo, formed in 1975 by brothers Mark and Clive Ives in London, is known for its experimental blend of folk, jazz, ambient, and electronic music. Their sound, characterised by the delicate integration of acoustic and electronic elements, has earned them recognition in ambient and healing music spheres. Over decades, the duo has produced over 1,500 tracks, evolving a unique style that evokes dream-like atmospheres and a meditative, soothing quality perfect for moments of reflection.

Dedicated to intertwining the serene beauty of music with the nurturing process of planting seeds when the first new signs of life emerge in the growing season. A carefully crafted collection of ambient & minimalist soundscapes, occasionally branching into the new age. A soundtrack for quiet moments of sowing, nurturing, & witnessing the slow reward of growth.

Each artist will release a recycled cassette and digital format. We plan to release one cassette each month from November through June, aligning our releases with the ideal growing period. Each physical release will precede its digital counterpart by a few months, allowing the music to be experienced in its intended form first, with the tangible connection of a cassette and seeds before becoming accessible to a broader audience in the online sphere. This staggered release allows listeners to engage with the music more profoundly and intentionally, akin to the patience and care required in gardening. Best get that portable cassette player on eBay!

Each release will serve as a soundtrack to quiet moments of sowing, nurturing, and witnessing the slow, rewarding growth process, both in plants and in the listeners' lives. Whether tending to a window sill garden or simply seeking a peaceful retreat in sound, "Music to Watch Seeds Grow By" is an invitation to pause, listen, and cultivate.

Early DJ support including Tom Ravenscroft, Deb Grant, Vladimir Ivkovic,Ruf Dug, Eva Geist, Domenic Cappello, Fergus Clarke & Sofie K.

Nach zwei Jahren unermüdlichen Tourens und zahlreicher Festivalauftritte kehrt die finnische Melodic-Death-Metal-Band Suotana mit ihrem bislang ambitioniertesten Album zurück: „Ounas II“, dessen Veröffentlichung für den 29. August 2025 geplant ist.

Als epische Fortsetzung von „Ounas I“ aus dem Jahr 2023 hebt dieses Album den charakteristisch frostigen Sound der Band auf ein neues Level und liefert eisige, zugleich mitreißende Melodic-Death-Hymnen, die das Genre neu definieren werden. Nach dem Erfolg ihres letzten Albums begab sich Suotana Anfang 2024 auf eine Asientour mit Kalmah sowie auf eine Europatour mit Finntroll und brachte ihren energiegeladenen, atmosphärischen Sound einem neuen internationalen Publikum näher. Auch bei namhaften Festivals wie Summer Breeze, Ragnarök Festival, Nummirock, Tuska und dem Hellsinki Metal Festival konnte die Band ihren Ruf als ernstzunehmende Größe der Szene weiter festigen. Die Rückkehr ins Studio mündete in einem Werk, das Aggression, Melodie und monumentales Storytelling meisterhaft vereint. Ounas II ist ein eindrucksvolles Zeugnis für Suotanas Weiterentwicklung – epische, frostklirrende Melodic-DeathHymnen mit Einflüssen aus Black und Power Metal. Songs wie „Twilight Stream“ und „Winter Visions“ demonstrieren das gereifte Songwriting und die eiskalte, zugleich elektrisierende Atmosphäre der Band. Das unbestrittene Herzstück des Albums ist jedoch „1473 Ounas“ – eine zehnminütige Melodic-Death-Odyssee mit einem atemberaubenden Gastauftritt von Zoe Marie Federoff-Šmerda (Cradle of Filth). Ihre eindringlichen Gesangslinien verschmelzen nahtlos mit Suotanas Signature-Sound und machen den Song zu einem sofortigen Klassiker.

Zum Abschluss der Ounas-Saga präsentiert Suotana eine eiskalte Neuinterpretation des Children-of-Bodom-Klassikers „Hatebreeder“, in ihrem eigenen, rauen und arktisch geprägten Stil.Das beeindruckende Cover-Artwork, erneut geschaffen von Simo Räsänen, fängt die majestätische nordische Landschaft und die rohe Intensität perfekt ein, die Suotana auszeichnet. Mit „Ounas II“ festigt Suotana ihren Platz in der Elite des nordischen Metals und liefert ein Album ab, das die Maßstäbe des Melodic Death Metals mit Black-Metal-Einflüssen neu setzt.

Lathe of Heaven kehren mit ihrem zweiten Album Aurora zurück, einer kühnen Erweiterung ihrer klanglichen und thematischen Palette, die sich wie eine Reihe lebendiger, emotionaler Vignetten entfaltet. "Aurora" ist eine bisher unerforschte Variante des Lathe of Heaven-Sounds, die eine delikate Balance zwischen ihren Punk-Wurzeln und einer fesselnden New-Wave- und 80er-Jahre-Post-Punk-Ästhetik bietet, die Einflüsse aus dem britischen und finnischen Post-Punk der mittleren 80er-Jahre mit subtilen Nuancen aus dem Underground-Pop der 90er-Jahre und der Gegenwart kombiniert. Aufgenommen mit Ben Greenberg bei Circular Ruin und gemastert von Brad Boatright, ist das Album klanglich beeinflusst vom melodischen Rock von The Cure, Musta Paraatis Gothic-Post-Punk-Synthie und intensivem Schlagzeugspiel und A Flock of Seagulls' Art-Pop-Gesang und Gitarrenriffs. Textlich schreckt Aurora nicht vor schweren Themen zurück. Aurora ist als eine Sammlung von Science-Fiction-Kurzgeschichten gedacht, die von Themen wie Antikolonialismus, Vielfalt und Gleichberechtigung beeinflusst sind und sich in den Texten niederschlagen. Diese Geschichten sind von den Romanen von Ursula K. le Guin, Octavia Butler, Greg Egan und Peter Watts inspiriert und führen den Hörer in mythische, kühne und etwas beunruhigende Realitäten. Der Titeltrack "Aurora" spielt in einer dystopischen Zukunft, in der die Erde aufgrund von nuklearem Fallout längst verlassen ist - er erforscht Themen wie Verlust, Liebe und Hingabe. "Oblivion" befasst sich mit dem Phänomen der semantischen Sättigung - wenn man ein Wort oft genug sagt, verliert es seine Bedeutung. "Exodus" ist eine Neuinterpretation des Schiffsparadoxons von Theseus und erzählt von der Erfahrung, das Bewusstsein in einen neuen, perfekten Körper zu übertragen. An anderer Stelle steht "Portrait of a Scorched-Earth" für einen direkten Akt des Widerstands. Als einer der emotionalsten Songs des Albums bricht er mit der üblichen lyrischen Abstraktion der Band und ist eine schonungslose Abrechnung mit den Schrecken der modernen Kriegsführung und der Vertreibung, die in der gelebten Tragödie von Gaza wurzelt. Lathe of Heaven hoffen, dass "Aurora" ein breites Spektrum an Emotionen hervor ruft und zum Nachdenken über den Zustand unserer Realität und der Menschheit anregt. Es ist literarisch, ohne prätentiös zu sein, politisch, ohne zu predigen, und emotional, ohne mit der Wimper zu zucken. Jeder Song hält ein Stück eines zerbrochenen Spiegels, und was zum Vorschein kommt, ist eine prismatische, verwundete Schönheit, die mit tausend Gesichtern zurückstarrt. "Aurora" erhebt den Anspruch, "ohne Angst in das traumlose Vergessen zu zittern". Sie sind herzlich eingeladen.

Just a year after the last compilation stood out as one of the best of 2024, Pete Herbert is back with a another brilliant collection of poolside sounds that again explore leftfield Balearica. These are delightfully horizontal grooves that transport you to sunny climes and starry skies in an instant. His own reworks feature, including a version of Sidirum's blissful and astral trip 'Ex Plane', a more tropical and propulsive dub of Lulla's 'Love Comes Quickly' and a quietly epic ambient daydream rework of Bill Mango's 'Inflight Sample.' These are grown-up sounds for cathartic moments lost in your own thoughts.

DJ Feedback

Don Letts/BBC6:
"Good to go on my show!"

Phil Mison/Cantoma:
"Another great MFSP release . Very summery, full support."

Leo Mas/Amnesia:
"Great Stuff."

Sean Johnston/ALFOS:
"PH on fire once again."

Trepanado/Selvagem/Brazil:
"Makes me wanna set sails and just go."

Ruf Dug/Pikes:
"Yeah this ticks loads of my boxes. Mega work."

Bill Brewster/DJ History/Lowlife:
"Some nice cuts on here especially Marius, Fernando etc."

Marco Gallerani/Hell Yeah:
"Beautiful compilation overall."

Sally Rogers/A Man Called Adam:
"Loads of lovely tracks here."

Feel Fly/International Feel:
"Definitely the compilation of the summer! thank you for this fresh breath of summer!"

Max Essa/Jansen Jardin,Tokyo:
"A beautifully curated collection providing a sublime listening experience!"

sferic land a debut album of thizzing and blown-out ambient trap x dub techno vapours from XTCLVR.

Produced under trying circumstances, Ukraine’s XTCLVR wrests an escapist sense of hazed beauty on a compelling maiden voyage for bleary-eyed specialists sferic, written and recorded during long nights under curfew and occasional shelling. Vocals are there, but mostly unintelligible, disrupted by a persistent offbeat churn and fragmentary instability, a paradoxically lush but anxious sound that reflects broader butterfly effects of war and its ripples of socio-economic fuckery on one level, and simply a trippy soundtrack to the afters on another.

Ten smudged shots unfurl across a 3D stereo space in gyring and shearing motion, cryptically shielding and scrambling a message meant to be deciphered by your sixth senses. A vocoder is diffused in aerosolised designs on the rugged lean of ‘Perspective’, setting up a chain reaction that buckles to more fraught feels on ‘Allergen’ and the ruptured raptures of a ‘Storm Shadow’ recalling Nazar’s recent sound design spheres for Hyperdub.

BSW948 lends nervous bars laced into the warped matrix of ’Night Shift Cut’, and OB3TH perfuses the iridescent dub techno of ‘The Wise Mystical Tree’, whilst Indy lends to the ambient drill of ‘Acid Flavour’, and closer ‘Dead Smoke’ perhaps best betrays, even if metaphorically, a feeling of psychic distress in its dank, submerged mire.

In 1965 in the face of social unrest, legendary Memphis label Stax Records put on two pulsating shows at the 5-4 Ballroom in Los Angeles, featuring Rufus Thomas, Booker T. and the M.G.’s, William Bell, Carla Thomas, Wilson Picket and more. 60 years later the recordings, newly mastered by Joe Tarantino, with lacquers cut by Jeff Powell at Take Out Vinyl, have been collected with a bonus set of performances recorded at Club Paradise, Memphis to form Stax Revue – Live In ’65!.

Initially serving as the house band for Stax Records, organist Booker T. Jones, guitarist Steve Cropper, bassist Lewie Steinberg (later replaced by bass monster Donald ‘Duck’ Dunn), and drummer Al Jackson Jr. were instrumental in creating the “Memphis Sound.’ They recorded the basic tracks for well over a hundred records, including backing some of the greatest artists of all time: Otis Redding, Sam & Dave, Rufus Thomas, and Albert King, all the while breaking barriers as one of the South’s first integrated acts. 1966’s And Now!’ is the first to feature long-term bassist Duck Dunn, who helps create a nightclub feel that alternates between some of their most aggressive recordings and most sultry. No stranger to being in the U.S. and U.K. music charts (in both the Hot 100 & R&B categories), the jazzy first single off the record, “My Sweet Potato,” landed them yet another top 40 placement.

Following the success of the CD release, "Warszawski Rapton", the unique project by Bilon & Nowa Ferajna, is now available for the first time on 2LP vinyl in a strictly limited collector’s edition. Each copy is hand-numbered, making it a true gem for fans and vinyl collectors.
"Warszawski Rapton" is a musical tribute to the old urban folklore of Warsaw – melancholic, reflective, and boldly avant-garde. The album blends pre-war Warsaw street vibes with modern production, creating what Bilon calls a manifesto of avant-garde neofolk, deeply rooted in the cultural soul of the city.
The album features guest appearances by Marysia Starosta, Żary, Rufuz, Marek Dylak, and Solka. Production is by Szwed SWD, with live instrumentation by top Polish musicians, including DJ Cent on cuts and scratches.
This is more than just music – it’s Warsaw’s history told through rhythm, sound, and soul.

Natty Dread gilt als Bob Marleys bestes Album, die vielleicht beste Reggae-Aufnahme aller Zeiten.

Es war Marleys erstes Album ohne seine ehemaligen Bandkollegen Peter Tosh und Bunny Livingston und das erste, das er als Bob Marley & the Wailers veröffentlichte.
Das hier präsentierte Material definiert, worum es im Reggae ursprünglich ging, mit politischen und sozialen Kommentaren, gemischt mit religiösen Lobgesängen auf Jah.

Bob Marley war ein jamaikanischer Reggae-Sänger, Songschreiber, Musiker und Gitarrist, der internationalen Ruhm und Anerkennung erlangte.
Seine Musik begründete in den 70er Jahren seinen weltweiten Ruf und machte ihn mit mehr als 75 Millionen verkauften Tonträgern zu einem der weltweit meistverkauften Künstler aller Zeiten.

Chuck E is the amazing Jimmy Ryan aka The Good 2 Bad & Hugly. This is a repress of his 1994 EP that came out on White Records. Jimmy also had a stint as the A&R at Ruff Kut! Records. Proper banging UK jungle flavours!

Biga Ranx is a major artist of the international Dub Scene, he has been acclaimed by the biggest Jamaican MC's over the years for his unique flow and style. From the age of 14, Biga has been working on his lyrics and his compositions. After 5 albums and 1000 gigs over the world, Biga Ranx his still evolving his style by mixing Dub with Electronic, Lo-Fi and Hip Hop sounds.

1988 is his 4th album and the most successful one, it sold 80 000 units around the world and tens millions of streams.

Demon Records Singles Club are proud to present a reissue of the
legendary band Freestylers.
Freestylers formed in 1996 when DJs and producers Matt Cantor and
Aston Harvey joined forces. Two years later Freestylers would release
their debut album We Rock Hard on the legendary imprint
Freskanova.
We Rock Hard would become their most commercially successful
release to date and this reissue cherry picks four of the biggest tracks
from the album. B-Boy Stance, Ruffneck, Here We Go and Warning all
showcase the classic big beat and breakbeat electronica that would
remain the band's trademark sound throughout their career.
Newly remastered and now available in a 12” discobag sleeve
featuring the original artwork

- erste Vinylversion des hochgelobten Albums aus dem Jahr 1991
- produziert von Charlie Bauerfeind und Dirk Schlächter
- enthält eine Bonus LP mit Demoversionen und raren, unveröffentlichten Tracks
- Remaster 2025, für das Medium Vinyl gemastert
- bedrucktes Inlay mit Liner Notes, Texten und vielen Abbildungen

Ende der Achtziger hatte sich Thrash Metal auch in Deutschland etabliert und spielte weltweit sogar eine führende Rolle. Bereits zu dieser Zeit war es einigen Bands nicht mehr genug, einfach nur schnell und aggressiv zu spielen.

Der Thrash Metal wurde in vielen Fällen anspruchsvoller und technischer. In den USA trieben das Watchtower auf die Spitze, in Deutschland folgten gleich mehrere Bands auf demAaarrg-Records Label (Mekong Delta, Target). Während andere Acts erst noch straight agierten und dann im Verlauf ihrer Karriere mit progressiven Elementen liebäugelten (Holy Moses, Deathrow, Destruction), schnürten die Hamburger MEGACE schon nach der Bandgründung 1988 ein anspruchsvolles Paket aus anspruchsvollem Thrash und Prog.
Mit der Sängerin Melanie Bock hatte man zudem ein besonderes As im Ärmel, denn sie kann Beides: Das kehlige Thrash-Shouting und melodischen Gesang. Das hob MEGACE direkt von anderen Bands ab, was ihnen direkt eine Chancen bot, die auch genutzt wurden.

Nach einigen Demotapes erschien das Debütalbum „Human Errors“, welches in der Presse durchweg gelobt wurde und auch heute noch Fans auf der ganzen Welt hat (Reissue auf CD und LP, Golden Core 2025). Das zweite Album „Inner War“ kam mit Verspätung im Jahr 1999 auf dem kleinen Label Angular (Sylvan, Vanishing Point, Lana Lane).

Der Thrashfaktor wurde ein Stück zurückgefahren, während die melodische Seite der Band und der Klargesang von Melanie Bock in den Vordergrund rückt. Das schafften MEGACE ohne sich zu verbiegen. 1999 war nicht der perfekte Zeitpunkt für diesen Stil, aber die CD fand über die Jahre immer mehr Anhänger und der Ruf nach einer Vinylausgabe wurde lauter.

Die damaligen Musiker entschieden sich, Golden Core den exklusiven Zuschlag zu geben

Im Sommer 1968 traf sich der 18-jährige Genesis P-Orridge (damals Neil Andrew Megson) mit Freunden in einem bescheidenen Dachgeschoss, um mit Klängen zu experimentieren. Das Ergebnis war "Early Worm", eine Sammlung von Aufnahmen, die die aufkeimende Kreativität eines Künstlers einfing, der später eine Schlüsselfigur der Avantgarde-Musik werden sollte. Diese Sessions, die 1969 auf ein einziges Acetat gepresst wurden, zeigen eine furchtlose Erforschung von Geräuschen, Improvisationen und Tonbandexperimenten, die Einflüsse von Psychedelia, Fluxus, John Cage und Beatnik Bohemia widerspiegeln. "Early Worm" ist ein Zeugnis für P-Orridges frühes Engagement, musikalische Grenzen zu überschreiten. Die rohen und ungefilterten Klanglandschaften des Albums bieten dem Hörer einen seltenen Einblick in die Gründungsmomente, die schließlich zur Gründung von COUM Transmissions, Throbbing Gristle und Psychic TV führen sollten. Remastered und in einer limitierten Vinyl-Pressung, mit Linernotes geschrieben von Genesis Breyer P-Orridge, die den Zeitgeist des UK Undergrounds der späten 60er Jahre in Erinnerung rufen. "If nothing else, (Early Worm) revealed that P-Orridge's approach to music was defiantly left-field from the start: noise, improvisations and tape experiments that sounded a little like a more chaotic version psychedelic folkies the Incredible String Band." . The Guardian

After a five-year hiatus, Times Are Ruff is back, recharged and inspired. This return marks a renewed commitment to the underground, bringing that ruff sound.

The label returns to the wax with the sound they are known for, defined by dusty grooves, ruff rhythms and soulful moods.

This record is for the heads. A proper blend of funk, acid, late-night vibes and early morning moods, that keep the floor moving and the soul intact. Pure, stripped-back house music for those who know.

Times Are Ruff—back in the game, staying true to the craft, and ready to deliver more underground cuts.

Accomplished Polish beat-maker Emapea has made memorable appearances on many Cold Busted label compilations – such as in the IWYMI and Bust Free series – and has been selected for inclusion in Mark Farina’s next Mushroom Jazz installment. All this activity has mouths watering for the debut full length album from Emapea, and the appearance of Seeds, Roots & Fruits doesn’t disappoint one bit. Featuring sixteen exceptional tracks ranging from hip hop to acid jazz to psychedelic trip hop in the style of Mo’Wax, Emapea’s long player is indeed, as a wise man once said, “a journey into sound.” Seeds, Roots & Fruits rises above the average beats album to reveal the enduring depth of this young producer

Amy Macdonald hat großen internationalen Erfolg erzielt, indem sie konsequent ihren eigenen Weg geht.
Welttourneen vor 5 Millionen Menschen, über eine Milliarde Streams, fünf Top-5-Studioalben in ganz
Europa, darunter zwei Nr. 1-Hits in Großbritannien und drei in Deutschland, sechs Millionen verkaufte Alben
und der bahnbrechende Hit „This Is The Life“, der in zehn Ländern die Charts anführte und 2023 ein virales
TikTok-Comeback erlebte, bei dem Hunderttausende von Kreationen sie einem neuen Publikum zugänglich
machten. Sie hat ihren Ruf als weibliche Springsteen mit generationsübergreifender und internationaler
Anziehungskraft gefestigt.