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Los Angeles-based artist Sam Wilkes is known for his genre-defying solo work and collaborations in the experimental and jazz community. His debut release for Psychic Hotline, 104.3 is part of the label's ongoing Singles Series. Stepping away from his bass guitar, Wilkes explores new territory on a borrowed Fender Stratocaster, lent to him by longtime friend Brian Robert Jones (Paramore, Vampire Weekend). On the very night he brought the guitar home, Wilkes recorded a live, loop-based version of Tom Petty's "Learning to Fly" in a single take, later layering in bass and background vocals. The whole thing started as an experiment; more about exploring an instrument than making a record. A few weeks later on his last night with the Strat, Wilkes recorded what would become the A-Side: his reimagining of Fleetwood Mac's "I Know I'm Not Wrong." "I just wanted to document what was happening without any other intention. Half of my time on bass is spent trying to make it sound not like a bass, so actually getting to play a different instrument felt incredibly liberating," says Wilkes. Both arrangements are intuitive and spontaneous. Captured without pretense, the result is a pair of understated songs, perfect for a summer drive. This release is the latest installment in our long-running Psychic Hotline Singles Series, which has featured standout tracks from artists like Kieran Hebden, Sam Gendel, Blake Mills, Flock of Dimes, Anjimile, and Bartees Strange. With each new entry, the series continues to showcase boundary-pushing work from across our extended creative family.

Limitiertes "26 Highlighter Yellow" Vinyl. Hayley Williams ist eine dreifache GRAMMY-Gewinnerin, Sängerin, Songwriterin und Musikerin, die vor allem als Frontfrau der legendären Rockband Paramore bekannt ist. Nachdem Paramore mehr als 20 Jahre lang ihren Vertrag mit Atlantic Records erfüllt hatten - einen Vertrag, den Williams als Teenager unterzeichnet hatte -, gaben sie im Dezember 2023 bekannt, dass sie nun endlich eine unabhängige Band seien. Diese Überraschungssammlung wird von Hayley Williams auf ihrem neuen Label Post Atlantic selbst veröffentlicht und zeigt sie in ihrer ganzen Bandbreite. Williams hat eine Reihe von verschiedenen Instrumental-Parts geschrieben, gespielt und aufgenommen, wobei langjährige Kollaborateure wie Brian Robert Jones und Joey Howard projektübergreifend mitgewirkt haben und Jim-E Stack bei "True Believer" mitgewirkt hat. "Mirtazapine" ist eine Liebeserklärung an Antidepressiva im Stile des Alternative Rock der späten 90er Jahre, während sie in "Glum" ihre eigene Stimme mit beeindruckenden Effekten durch Vocal-Presets untergräbt, während der Track über Einsamkeit meditiert. Weitere Höhepunkte sind "Whim", ein eingängiger Americana-Ohrwurm, dessen Songwriting an ihre Wurzeln in Nashville anknüpft, und "Ice in My OJ", ein durch und durch moderner Track, der eine scharfe Produktion mit einigen der bis heute bissigsten und humorvollsten Texte von Williams verbindet. Langjährige Paramore-Fans werden den Refrain von "Ice In My OJ" möglicherweise schnell wiedererkennen, da Williams diesen erstmals 2004 auf "Jumping Inside" von den Mammoth City Messengers gesungen hatte. Die Sammlung fängt die ganze Dynamik ein, die Williams bereits im Laufe ihrer Karriere und ihrer Kollaborationen gezeigt hat. Im Kern sind diese Songs das Werk einer äußerst begabten Künstlerin mit einem unersättlichen, genreübergreifenden Appetit auf Musik und kreative Entdeckungen. Diese Songs sind die dritte Veröffentlichung von Williams als Solokünstlerin. In der COVID-Ära veröffentlichte sie zwei außergewöhnliche Alben - ,Petals For Armor" (2020) und ,Flowers for Vases" (2021). Beide Alben waren wunderschöne und eindringliche Meditationen über den Verlust und standen im Kontrast zu der energiegeladenen und temporeichen Kraft, die sie bei Paramore zeigt. ,Das Album - das Verletzlichkeit und transformatives Wachstum verkörpert - offenbart eine reifere und introspektive Seite von Williams", schrieb Pitchfork über ,Petals" und fuhr fort: ,Ihre Stimme ist zweifellos das herausragende Merkmal ... rau und sanft, gefährlich und doch warm", und erklärte, dass die minimalistische Produktion ,dies zu einem bewussten Neuanfang macht".

Mardi Gras Marble Coloured Vinyl Sao Paulo, Brazil's Blind Pigs are excited to give an essential record in their renowned discography - 2006's Heróis ou Rebeldes (Heroes or Rebels) - the re-issue it deserves. Considered by many in the band's home country as their finest release, many fans around the world have yet to hear it. It was originally released only on CD in Brazil, with the lyrics written entirely in Portuguese. Consequently, the band released it under their Portuguese name: Porcos Cegos. However, when it was released, many fans did not realize it was the same band! On top of that, it has never had a release outside of Brazil_until now! Nevertheless, within Brazil, the album was an instant sensation that bridged the gap between punk, streetpunk, and Oi! - exposing the country to sounds influenced by contemporary US streetpunk bands such as Reducers SF, Dropkick Murphys, and the bands on TKO Records. In particular, the title track, for which the band made a music video, became a shout along anthem for the band's fans, AKA "The Legion of the Unconformed." After a 10" vinyl pressing quickly sold out in 2013, the album has been tragically out of print. The new edition on 12" Mardi Gras Marble Vinyl from Pirates Press Records has been remastered by Dan Randall (Subhumans, The Slackers, Fucked Up), bringing new life to a master that the band was never quite satisfied with. With the addition of a song cut from the original tracklisting - "Tiros No Escuro" ("Shots in the Dark") - this is truly the record the band have always wanted fans to hear. And with it finally bearing the name "Blind Pigs" on the cover, there will be no more confusion_and as the band's frontman Henrike Baliu proudly puts it, "the world can finally witness a record that was so important to the Brazilian punk rock scene."

The Sludge Of The Land is the new album by digital folklore and post-exoticism Italian duo Babau. Their first full length since 2023’s Flatland Explorations Vol. 2, with The Sludge Of The Land Babau lands on Impatience with their signature audio-prestidigitation at it’s most disorientingly pungent and zonked, a uniquely contemporary approach described as the sound of a continent moving; animals, plants and minerals included.

As part of a residency at Casa degli Artisti, Milan, in 2022, Babau turned their atelier into a recording studio and performing venue thanks to Francesco Piro, who produced the entirety of the album. There, the duo improvised with different acoustic and digital instruments for several hours a day. Returning after ten years to a sound more akin to a band or small orchestra, Babau re-explores tropes and themes of exotica and jazz from their unique and off-kilter perspective of terminally-online diggers-dwellers of the internet flatland.

An homage to digital content consumption and dopamine-infused sensory overloads, The Sludge Of The Land imagines itself as an abstract sonic wunderkammer of online detritus. By diving into the world of ‘sludge content’: audiovisual chaos produced by mixing different content using split screens or dizzying patchworks of videos, Babau celebrates the formless, viscous goo, spam, chum and slop of out-of-context moving image, fast paced digital videos and lo-fi mp4 artifacts. By endlessly spiraling into the non-spaces of The Net, Babau explore the uncharted parageographies of lavacasts, mysterious Chinese anthropozoomorphic legendary beings, vampiric doomscrolling glides and doppelganger, ctrl+c & ctrl+v spiritualism. These ghosts of pointless microevents and traveling-without-moving bedroom boredom are stuffed by Babau with the epic tone and compositional approach of exotica and world music 2.0 reveries, resulting in an absurd, playful narrative of the dangers and allures of the web.

Bringing together the sound of Richard Hayman and Black Dice, Korla Pandit and Sun Araw, Tony Scott and Carl Stone, once again the duo crafts a compelling audio-textual hallucination of transglobal chimera. A multi-fi, extremely layered treasure of fifth world music.

RIYL - Sun Araw, the strangest corners of the internet, Senyawa, digital wind instruments, Nuke Watch, Black Dice, exotica, hallucinating.

Babau is the pantropical project of Artetetra founders Matteo Pennesi and Luigi Monteanni, where their fascination with exotica, world music 2.0, and field recordings merges with the compositional and improvisational techniques of computer music.

Their latest work, All the Gurls were at the Women’s Archo Ashinto, was recently released by Bamboo Shows, while the previous Stock Fantasy Zone and Flatland Explorations Vol.2, were released by Discrepant. They were selected as SHAPE+ artists in 2023, and the duo has performed at various festivals in Italy and beyond, including Fusion, Club to Club, Terraforma, Nextones, Outernational Days, Camp Cosmic, and Saturnalia. For years, they have been striving to synthesize what has been described as the sound of a continent in motion—people, animals, plants, and minerals included.

The Sludge Of The Land was produced and mixed by Francesco Piro at Casa degli Artisti, Milan, and co-produced by Babau
Drums by Giovanni Todisco, bass by Francesco Piro and piano on A4 by Vittorio Cosmo.
Master by Nick Foglia.
Art by Luca Schenardi.

Der Breakthrough-Artist sombr hat sein Debütalbum "I Barely Know Her" veröffentlicht. Das 10-Track-Album ist jetzt über Warner Records erhältlich und enthält die Hits „back to friends”, „undressed” und „12 to 12” (inklusive Musikvideo mit Addison Rae), die weiterhin international die Charts stürmen – darunter die globalen Spotify-Charts, die UK Official Singles Charts sowie die US-amerikanischen „Top 40 Radio“ und „Alternative Radio“-Charts. In diesen erreichte sombr schneller als jeder andere neue Künstler der letzten zehn Jahre Platz 1. Auch in den Billboard Hot Rock Songs setzte er ein Ausrufezeichen und verdrängte Hozier nach einem Jahr von der Spitze. In Deutschland befinden sich mit „back to friends”, "12 to 12" und „undressed” mittlerweile 3 Singles in den Top 30 der deutschen Single-Charts und das Debutalbum schoss auf Platz #16 der offiziellen deutschen Albumcharts!
"I Barely Know Her" wurde komplett von sombr geschrieben und vom 20-jährigen Künstler zusammen mit dem renommierten Produzenten Tony Berg (Phoebe Bridgers, The Replacements) co-produziert. Gegenüber i-D gibt er zu Protokoll, die Songs seien inspiriert von „young romance, dimly lit rooms, late nights, and love, loss, and life.” Die Veröffentlichung folgt auf die Nachricht, dass sombr sein Debüt bei den MTV Video Music Awards geben wird – live aus New York am 7. September –, wo er als Best New Artist und Best Alternative Artist nominiert ist.

sombr (bürgerlich Shane Boose) wuchs im New Yorker Stadtteil Lower East Side auf und entdeckte seine Liebe zur Musik als Teenager im eigenen Schlafzimmer. Parallel dazu studierte er klassische Musik an der renommierten LaGuardia High School. Mit dem viralen Hit „Caroline“ (2022) wurde er über Nacht zum Internetphänomen. Seitdem hat er mehrere EPs und Singles veröffentlicht und bringt es inzwischen auf über 400 Millionen monatliche Streams über alle Plattformen hinweg. Heute lebt sombr in Los Angeles und verarbeitet in seinen Songs die Höhen und Tiefen junger Liebe – alles selbst geschrieben, co-produziert und veröffentlicht über Warner Records.

L’Osmose returns with their second full-length album First Dog, expanding on their unique blend of groove-driven psychedelia, jazz fusion, and experimental pop with a more vocal-forward production. First Dog features lush arrangements, hypnotic rhythms, and collaborations such as Swiss rapper Rico TK, bridging soulful melodies with bold rhythmic energy. A deep yet accessible record, it stands at the crossroads of jazz, psych-soul, and contemporary fusion. Perfect for fans of Khruangbin, BADBADNOTGOOD, and The Mariás.

SID MEIER’S CIVILIZATION VII – DER SOUNDTRACK AUF VINYL

Firaxis Games, 2K Games und Laced Records schließen sich zusammen und bringen den epischen Soundtrack von Sid Meier’s Civilization VII erstmals auf Vinyl.
Diese exklusive Doppel-LP präsentiert eine sorgfältige Auswahl musikalischer Highlights aus den verschiedenen „Zeitaltern“ des Spiels – verpackt in kunstvoll gestalteten Hüllen mit historischen Illustrationen aus dem Hause Firaxis.
Der Soundtrack spannt einen weiten Bogen über die Menschheitsgeschichte und Kulturen weltweit – mit orchestraler Wucht, weltmusikalischer Tiefe und eindrucksvollen Chören.
Den Auftakt macht Grammy-Gewinner Christopher Tin mit dem epischen Hauptthema „Live Gloriously“, gesungen in Altgriechisch, Altenglisch, K’iche’ und Sanskrit vom renommierten Crouch End Festival Chorus. Bereits mit „Baba Yetu“ (Civilization IV) schrieb Tin Videospielmusikgeschichte.
Die restliche Ingame-Musik stammt von den langjährigen Civilization-Komponisten Geoff Knorr und Roland Rizzo. Eingespielt wurde sie von internationalen Ensembles wie dem Prague FILMharmonic Orchestra, dem Mongolian State Morin Khuur Ensemble oder der Southern Pine Drum Group – eine weltumspannende Klangreise durch Vergangenheit und Gegenwart.

Ein Must-Have für Sammler*innen, Gaming-Fans und Liebhaber orchestraler Weltmusik.

wieder lieferbar Wer ist Angela Aux, die mit langen blonden Haaren, Bart und sanften Songs am Rande des Nervenzusammenbruchs die Münchner Szene mit einer Eigenwilligkeit bezirzt, der man sich schwer entziehen kann? Süddeutsche Zeitung Das ist die Geschichte eines unwahrscheinlichen Tonträgers mit einem unwahrscheinlichen Cover. Und sie beginnt am Meer. Am Atlantik genauer, der kühl flirrt und von dessen Wellenkämmen es im Gegenlicht neoprenschwarze Silhouetten in die Gischt spült. "Easy Tunas", Etüden im Fallenlassen. Sommer 2020. Kurzer Logout vom Lockdown. Hier am Meer in Südfrankreich blödeln Florian Kreier (Angela Aux, Aloa Input) und Leo Hopfinger (Das Hobos) mit Gitarren in jener verdröhnten Surfcamp-Melancholie aus Salz, Gras und Abendsonne. Eine Woche Künstler-Residency am Ozean. Ein Konzert, viel Freizeit. 28 Songs nehmen die beiden in diesen Tagen auf. 28 Songs, ohne Auftrag in den Sand gejammt. Ein Soundtrack der Sorglosigkeit, der später - völlig unerwartet -zu musikalischer Hyaluronsäure mutiert . Als Straffungsmittel in der Sorgenfaltenzeit. Aber der Reihe nach: "Es gibt Dinge" taufen die zwei diesen, am Ende auf elf Stücke kondensierten Surfcamp-Impressionismus. Die Songs - zart hingetupfte Fantasien über diese südfranzösische Surfer-Parallelwelt. Über die "Wanna be hippies", die "Fishermen", das "Surfer Girl". Aber natürlich ist das kein Surf-Album. Die Wellenreiterhofidylle ist nur Ausgangspunkt für Exkursionen, die explizit das finden wollen, wonach sie nicht suchen.

For the first time ever, the only full-length album by Spanish soul and garage legends Z-66 is being reissued. Z-66's signature blend of powerful soul, psychedelia, and pop-clearly influenced by bands like The Move, Stones, Vanilla Fudge, and Blood, Sweat & Tears delivers a bold, modern sound that remains fresh and compelling. Unlike other Spanish bands of the time, Los Z-66 enjoyed unique conditions that allowed their sound to stand out as one of the most advanced on the local scene in the late 1960s. As was the case with many other groups, their repertoire for entertaining discotheques had to include the hits of the moment and was not always open to the songs of the most daring international bands, which was the sound that most stimulated the musicians. In the case of Los Z-66, being based in Mallorca meant they had privileged access to hard to-find records, imported by foreign tourists, and to a much more modern atmosphere than in other parts of the country. Songs in Italian and French soon gave way to English hits by the Animals, the Stones, and the Beatles. But it was the offer received from Mike Jeffries, manager of Jimi Hendrix, the Animals, and others, to serve as the house band at the newly opened club Sgt. Pepper's that allowed the group to raise their live performances to a level rarely seen in these parts... They even soon incorporated the distorted sound of fuzz into their guitar when they received a fuzz face pedal as a gift from Jimi Hendrix himself, who was invited to play at the club's opening! Their excellent blend of stunning soul, psychedelia, and pop became their hallmark, not only in the band's concerts but also in the handful of singles and EPs they released on the Regal label. We are now re-releasing for the first time their only full-length album, originally published in 1969, which is actually a compilation of songs previously released in 45 rpm format, complete with two bonus tracks not included on the original LP plus a booklet with liner notes and rare photos.

Anathema has spent the vast majority of their career making music that defies
description. As part of the Peaceville 3, along with Paradise Lost & My Dying Bride,
Anathema have carved a strong legacy since their inception at the turn of the 1990s,
to become a widely revered & respected band within both the metal world & beyond,
as their sound & compositions progressed from doom/death metal into more rock &
progressive territory with each subsequent release, becoming one of the UK's most
cherished & critically acclaimed rock bands.
'The Silent Enigma', Anathema's second studio album, was originally released in the
summer of '95 & was the first release on which guitarist Vincent Cavanagh took over
the vocal duties of the departed Darren White. Where Darren's vocals were guttural,
Vincent's style pushed the possibilities for Anathema onwards & upwards, with a
scope & breadth beyond his years, complimenting an ethereal roller- coaster of
thoughtful atmospherics & crushing Celtic Frost style riffs - the Swiss legends being a
notable inspiration. What emerged was a fine example of highly-atmospheric & often
emotional gothic doom, spawning classic Anathema songs such as "Restless
Oblivion", "Sunset Of Age", "The Silent Enigma" & "A Dying Wish". Lauded by the metal
press & fans alike as a doom metal classic, the album's popularity has remained a
favourite within the metal scene.
This special 30th anniversary edition of 'The Silent Enigma' is presented on limited
marble vinyl, with the vinyl mastering work carried out by Abbey Road Studios,
London.

Ein inspiriertes Treffen musikalischer Köpfe erzeugt eine mehrdimensionale Noir-Welt auf diesem luftig-intimen, wunderschönen Kooperationsalbum. Zugleich der Höhepunkt seiner Disciples-Trilogie, treibt Ruth Mascelli (Special Interest) zusammen mit Mary Hanson Scott die paranoiden Torch-Songs des Vorgängers "Non-Stop Healing Frequency" in noch liminalere und abgehobenere Gefilde. Die Songseite ist stärker denn je, während die FX-beschallten Rohrblatt-Klänge von Mary Hanson Scott nicht nur Ruths verführerisches Gesäusel perfekt untermalen, sondern auch ein wolkig-ambientes Klangbett für die Instrumentals bilden, die die Sequenzen zusammenhalten und zu einer wahrhaft emotional mitreißenden Reise formen. Mit Gastauftritten von Jae Matthews (Boy Harsher) und Maria Elena (Special Interest). Im Coverdesign von Brett LaBauve von der Queer-Dance-Party-Institution Gimme A Reason, New Orleans. Zu den Höhepunkten zählt die episch-sehnsuchtsvolle Power-Ballade "Haunted Hearts", das hinreißende Zeitlupen-Cover des Hi-NRG-Pop(per)-Knallers "Self Control" und die zerhackten Rhythmen von "A Lover's Theory Of Value" zwischen abgestumpftem Trip-Hop und Julee Cruise, während "Vaseline Lens" an die elegischen Klagelieder über den Niedergang auf Seite 2 des Debütalbums "A Night At The Baths" erinnert.

Debut full length of old school DEATH METAL on a timeless warpath strewn with familiar and unknown terrors beyond.

Timelessly in the vein of Bolt Thrower, Nihilist, Entombed and Dismember where death takes bearing on the facade of life.

LIMITED to 666 COPIES WORLDWIDE

Alina Kalancea's Impedance is an entirely instrumental album spanning four sides, contains powerful rhythmic sequences, heart-beating frequencies and hypnotic loops that are paradoxically encapsulated in carefully crafted compositions which are full of secret passages and hidden doors. Kalancea's work creates ungraspable sonic experiences, which overtakes you, immersing its listeners in powerful and mind-altering soundscapes. There's no quick payoff on Impedance. This is the sound of new, patient electronic music, full of depth and substance.

Alina Kalancea is a Romanian sound artist and composer based in Modena, Italy. She has studied sound design and synthesis with Enrico Cossimi and collaborated with producer Alex Gamez, and artists Julia Kent and Raven Bush. Highly recommended to fans of Eleh, Caterina Barbieri, Shasta Cults, Jessica Ekomane, Eliane Radigue, and Alessandro Cortini. Packaged in a deluxe, heavy duty tip-on gatefold sleeves printed by Stoughton; cut by Golden Mastering and pressed at RTI.

Tape

Atsuko Hatano is a contemporay classical Viola player who works with electronics to add textures and layers to her sound. Located in Tokyo, Japan, she is a commanding instrumentalist and composer who constructs innovative compositions with strings and layered electronics.
Cells #5 is an orchestral collection and sequel to her previous album Cells #2 which will also be released on cassette via Imprec’s Cassauna label. Cells #5 required three years to complete and the work features the artist’s signature methodology where the instrumental performances are gradually enveloped by multiple layers of a string orchestration.
When not playing solo Atsuko is extremely active recording, collaborating and playing live with Jim O’ Rourke, Eiko Ishibashi, Mocky, Midori Hirano and many more acts.

Atsuko Hatano: Violin, Viola, Cello, Contrabass, Piano (track 1), Xylophone, Oscillator and Chorus

Guest Musicians:
Eiko Ishibashi: Piano, Marimba, Vibraphone
Yuko Ikoma: Accordion
Natsumi Kudo: Horn and flugelhorn
Icchie: Trumpet, Flugelhorn, Piccolo Trumpet
Tatsuhisa Yamamoto: Snare Drum

Composed and Mixed by Atsuko Hatano. Mastered by Jim O’Rourke. Cover by Saskia Griepink.

C"mon Tigre announces their new instrumental project,Instrumental Ensemble - Soundtrack for Imaginary Movie Vol 1. This album oï¬Çers an alternate view of cinematic music: a soundtrack composed for a fictional film using a challenging and inventive method.This project investigates an alternative approach in which music shapes and guides visual storytelling. It"s the first in a series of albums dedicated to as-yet-unmade films, enabling listeners to explore music as a key component in cinematic narrative. The original story that inspired this music was created in partnership with a large language model, which was taught and instructed in substance and style to best fit the project"s artistic concept. C"mon Tigre works with AI to achieve collaborative harmony while contemplating on the unavoidable future ahead. Each track on the album depicts a scene, delivering stories about humans jugglingpersonal issues and contacts with advanced technology. The end result is a story told by sound and text, designed to immerse listeners in a multisensory universe

Die Nine Mile Section in der Gemeinde Saint Ann ist die Geburts- und Ruhestätte der Reggae-Legende Bob Marley. Das Mausoleum, das seine sterblichen Überreste beherbergt, ist eine wichtige Pilgerstätte für Fans aus der ganzen Welt. Nine Mile wird oft mit der Rastafari-Kultur in Verbindung gebracht, die die Reggae-Musik stark beeinflusst. Die Gemeinde spiegelt das langsamere Lebenstempo, die tiefe Verbundenheit mit der Natur und das afrozentrische spirituelle Ethos wider, das dem Roots-Reggae zugrunde liegt. Dies inspirierte Alborosie zu seinem neuesten Album, das seine persönliche Hommage „Trench Town Legend“ enthält.
„Come My Way“, die erste Single aus dem Album, ist eine Neubearbeitung von „King Tubby Meets Rockers Uptown“, einem weiteren Markenzeichen von Roots Reggae und Dub.

Die kommende Single „Calling Selassie“ liefert einen einheitlichen Roots-Sound und eine inspirierende Botschaft.
Alborosie ist im Frühjahr und Sommer 2025 auf Tournee und wird diese Songs bei seinen Live-Auftritten präsentieren.

Dub techno dons Lempuyang are back with the first double LP from the revered JS Zeiter, an assured artist whose early 12"s merged Chain Reaction's energy with deepchord's immersive depth and made him a modern-day great. Since then, he has spent years refining his craft into a consistently exceptional and sought-after sound across various aliases. Context Collapse marks a significant new chapter with eight expertly designed sounds that offer dub for all occasions, from those zoned out early mornings after a long night at it to more airy and uplifting dreamers like 'Interplay' via cosy, cuddly and introspective gems such as the smooth and seductive 'Open'. JS Zeiter is a true craftsman, as this double pack shows once more.

Unearthed from the tropical pressure of Paraguay’s underground scene. Solo EP debut from Notorious Club Condesa resident: Chavi — Unreleased Data, out now on Pampanam Records. Club-approved and heat-tested, with early support from global selectors. Composed and arranged in Asuncion. Mastered by Analogcut.

Chris Menist pares his sound right back for A book of imaginary beings, his fourth Awkward Corners outing with a project of electronic and abstracted global grooves. Experimenting with simple melodies and uncluttered arrangements, as well as taking inspiration from the Borges' short stories alluded to in the title, the project took shape in the early part of 2025, in the shorter days and dark evenings of January.

The initial challenge was to knock a basic track into shape each evening after work, then refine it later. There's a melancholy in the air in late winter, compounded by the creeping threat of national and geopolitical instability. Ulla, Natural Information Society, Jabu, Torso and Dawuna formed some of the background soundtrack as each tune took shape.

The track titles came after sitting with the sounds for a while, giving shape to images of people, creatures and their stories for a book that is yet to be written.

Two former friends sets the tone for the album perfectly as a minimal electronic piece with a slowly simmering synth bassline underpinning the groove whilst the trademark Awkward sound of the Shahi Baaja enters drenched in effects. It's the first demonstration of Chris' unique ability to create a world from apparently very little.

Dance of the silver beetles is completely unique in that we can hear chopped up Illimba samples seemingly playing backwards and forewords sometimes alone, sometimes together in duet with Chris' conga rhythms. Add to that a more conventional Illimba melody and added shaker percussion and you have one of A book of imaginary beings most curious chapters.

Anxious shadow puppets is closer to the Awkward Corners sound from previous albums as electronic pulses move around the arrangement with the urgency that the track title suggests. Chris' percussive roots move to the fore with the congas that tie down the Paradise Bangkok Molam International Band's sound. Here, the bassline is more playful and works together with one of Chris' many African Illimbas.

Fans of Chris' adventures on his Roland 808 will dig A leopard with no spots, although the minimal mood continues to flow through on this track. The lolloping, but hard-hitting rhythm track provides the grounding for strange and twisting feedback-sounding tones to work the soundscape.

Abandoned boy (left in charge of the family business) is Awkward Corners at his atmospheric best. Drift off to the sublime sounds of Chris exploring the Shahi Baaja, whilst a soft, repetitive synth line and abstracted pads give the listener that feeling of meditation and peace.

Flamingo with bandaged neck is A book of imaginary beings' perfect coda and is exclusively Shahi Baaja draped in reverbs and delays. It feels like the resolution and the closing of a book that – as of yet – remains unwritten.

Awkward Corners is Chris Menist, a musician, DJ and writer. It started life as a small project in Islamabad, where Chris was living at the time. Initial recordings were made with local musicians in Pakistan and then subsequently in Thailand. This culminated in the Sweet Decay LP that came out on Finders Keepers' Disposable Music in 2014, and in turn led to a limited tape release on Boomkat/Reel Torque of original compositions and re-edits of Thai 45s the same year. Chris released – Dislocation Songs – his second LP proper with Shapes of Rhythm in May 2020, collaborating on many of the tracks with award-winning performer Sarathy Korwar. The LP was picked up by many radio stations including NTS, Resonance FM, BBC 6 Music, Balamii and many more. It made Tom Ravenscroft's LPs of 2020. Amateur Dramatics, Chris' second LP arrived just a year later in 2021 and was a more ambitious project featuring more jazz-focussed compositions and featuring Tamar Osborn and Kitty Whitelaw. Shortly after that came another pivot with the heavier, dancefloor-friendly EP Somebody Somewhere. Somebody Somewhere is Dancing in a Field brought the House (yes House!) vibes, whilst Hector Plimmer turned in a remix of No Words in the same club mood.

As one of NTS Radio's longest-standing presenters, Chris continues to hold down the Paradise Bangkok show. Playing drums and percussion since he was a kid, Chris is the percussionist for The Paradise Bangkok Molam International Band as well as co-founding the record label of the same name. Chris has curated compilations for labels such as Finders Keepers, Soundway and Dust-To-Digital. He has been featured on the Boiler Room, Vinyl Factory Collections, played at the Four Tet curated Nuits Sonores festival, and has put together an edition of Volumes which featured unreleased Awkward Corners compositions.






[d] 04: All the Goodbyes (You Tried to Defer) [Original]





[j] 10: Abandoned Boy (Left in Charge of the Family Business) [Original]

This is a reissue of the third album released in 1981, arranged by a professional female singer.
The album features an urban groove with top musicians such as Jun Aoyama, Akihiro Tanaka, and Shigeru Suzuki.

Nach zwei gefeierten experimentellen Instrumentalalben, Feral Hymns (2021) und Acts of Light (2023), kehrt Hilary Woods auf ihrer neuen LP Night CRIU zur Songform und vor allem zu ihrer Stimme zurück. Sie lernt erneut, wie sie ihre Stimme einsetzen kann, und komponiert Songs, die sich um sie drehen. Das intime Ökosystem von Night CRIU mit sieben Songs nutzt Vokalharmonien und die Aussprache der Texte als Mittel, um wieder in den Körper einzutreten, mit dem Unbewussten zu sprechen und es bewusst zu machen. Night CRIU ist eine Zeremonie aus Licht und Schatten, ein Album, das sich gegen die erdrückende Monokultur auflehnt, indem es gleichzeitig verlorene Unschuld zurückerobert und betrauert. Woods' Klangpalette ist dynamisch und verletzlich zugleich, in ihrem Bestreben, verlorene und zersplitterte Teile des Ganzen zu integrieren. Losgelöste Klangfäden erinnern an die Risse, Ränder, vergessenen Handlungsmöglichkeiten und vielschichtigen, schlummernden Persönlichkeiten, die nachts an die Oberfläche kommen und darauf warten, bei Tageslicht wiedergefunden und integriert zu werden. Inspiriert und beflügelt von vielen Dingen, darunter die Wiederbelebung indigener Sprachen, persönliche Erfahrungen mit Paraden und Prozessionen, frühe irische Musik, die Freude am Northern Soul-Tanzen, Aspekte des tschechischen und frühen italienischen Kinos, die Unmittelbarkeit des Klangs und das Aufbegehren einer Gegenwartskollektivität, die sich mit ihrer Stimme und ihrem Eintreten für das Menschsein angesichts von Tyrannei und Unterdrückung zu Wort meldet. Night CRIU wurde zwischen 2023 und Januar 2025 an der Westküste Irlands, in Dublin, London und teilweise in Lettland aufgenommen. Diese Lieder für Gesang, Blechblasinstrumente, Streicher, Elektronik, Feldaufnahmen, Texturen, Synthesizer und Klavier wurden aus vielen frühen Heimaufnahmen ausgewählt, die Woods als Spiegelbilder einander gegenüberstellte. Night CRIU wurde von Hilary Woods geschrieben und produziert, von Dean Hurley gemischt, mit zusätzlicher Produktion von Dean Hurley und Oliver Turvey, gemastert von Brian Lucey und mit Beiträgen von Hannah Fallon, Hangleton Brass Band, Gabriel Ferrandini und Ajo Gonsenica. ,Jede Platte ist eine Rettungsboje, eine Momentaufnahme, eine Markierung im Sand, ein Termin, den ich einhalten muss", so Woods. ,Ein Floß, das gleichzeitig kathartisch, schwimmfähig und verspielt ist - Platten aufzunehmen ist eine Art zu sein."

Nach der selbstproduzierten EP namens »The Sign« (2021) und der vielversprechenden Debüt-LP »Paralyzing Chains« für High Roller Records im Jahre 2023 sind die deutschen Traditions-Metaller Sintage bereit, ihr zweites Album auf die Welt loszulassen.

Mit »Unbound Triumph« zementieren Sintage ihren Status als eine der talentiertesten neuen deutschen Bands im Bereich des traditionellen Heavy Metal.

Peace and love in late 60s America did not come without parallel feelings of fear and confusion about the social situation – specifically about Vietnam. “Safe In My Garden” is the latest Ace compilation in an acclaimed series compiled by Bob Stanley – it’s a companion piece to the much-praised “State Of The Union (The American Dream In Crisis 1967 – 1973)” Ace CDCHD 1533/XXQLP2 057 2018).

The music on “Safe In My Garden” is harmony-laden, beautifully produced soft rock. Sunshine pop, even - a melodic, innovative style of American music that grew in the mid-60s out of the folk and surf scenes, exemplified by the Beach Boys and the Mamas and Papas. You will hear orchestral arrangements, and soft boy-girl vocals. But it wasn’t made in isolation from what was going on in the outside world. There are clouds and minor chords, plenty of melancholy in those harmonies.

“Safe In My Garden” includes songs of escape (Mark Eric’s ‘Move With The Dawn’, the Groop’s ‘A Famous Myth’), loss (the Eighth Day’s ‘How Can I Stop Loving You’, the New Colony Six’s ‘Prairie Grey’), dreamscapes (Tommy James and the Shondells’ ‘She’, Nancy Priddy’s ‘Christina’s World’), rebirth (Smokey and his Sister’s ‘Creators Of Rain’), a simpler world (the Free Design’s ‘My Brother Woody’) and a philosophically sounder future (Chad & Jeremy’s ‘The Ark’, Best of Friends’ ‘Summer Sound’).

It contains some surprisingly dark messages paired with beautiful melodies, as well as songs of hope. Thousands of young musicians in cities, suburbs and small towns across the States from the mid to late 60s spent their mornings hiding from the mailman, dreading the draft. This is the Sound of Young America in the late 60s, keeping its fingers crossed.

REISSUE of the band's sophomore album. "Ciudad de Brahman" is the second album by Argentinian stoner rock band Los Natas, released in 1999. It's considered a landmark album in their discography and a key release in the South American stoner rock scene. The album is praised for its blend of stoner rock with psychedelic, progressive, and space rock elements. Reviews often highlight the album's instrumental passages, trippy atmosphere, and the band's unique sound.

Cyan blue vinyl, limited to 250 copies. REISSUE of the band's sophomore album. "Ciudad de Brahman" is the second album by Argentinian stoner rock band Los Natas, released in 1999. It's considered a landmark album in their discography and a key release in the South American stoner rock scene. The album is praised for its blend of stoner rock with psychedelic, progressive, and space rock elements. Reviews often highlight the album's instrumental passages, trippy atmosphere, and the band's unique sound.

Transparentes orangefarbenes Vinyl. Diese beiden Tracks, die aus den Randbereichen von "Nosebleed Weekend" ausgegraben wurden, bieten einen rohen, aufschlussreichen Einblick in den kreativen Prozess von The Coathangers und zeigen eine Band in voller Fahrt, die zwischen Instinkt und Absicht hin- und hergerissen ist. "Hurry" und "Drifter" wurden beide während der Sessions für dieses Album geschrieben und als Demos aufgenommen, aber letztendlich auf Eis gelegt und blieben in den Archiven liegen. Jahre später hörte sich Sängerin Julia Kugel die Tracks mit neuen Ohren an und entdeckte etwas Wichtiges: eine Lockerheit, einen Funken. "Hurry" begann als Experiment mit vertauschten Instrumenten - Julia am Schlagzeug, Stephanie an der Gitarre - mit einem rauen Charme und einer wilden Dynamik. Die Rhythmusgruppe ist treibend, die Gitarren sind übersteuert und drahtig, der Gesang hallt mit einer Art privater Dringlichkeit nach. Der Song ist nicht auf Hochglanz poliert, und genau darum geht es: Man hat das Gefühl, dass die Band etwas Neues entdeckt hat, indem sie nicht zu viel nachgedacht hat. "Drifter" hingegen ist eine frühe Version eines Songs, der später auf der "Parasite" EP erschien, diesmal mit einem leichteren Touch die Verzerrung wurde gerade so weit zurückgenommen, dass die Gesangsmelodie mehr im Vordergrund steht und selbstbewusster wirkt. Es fühlt sich ein bisschen wie eine Zeitreise zu den ursprünglichsten Instinkten der Band an. Beide Tracks haben eine Unmittelbarkeit, sind Skizzen, die während des Chaos der Albumproduktion entstanden sind, voller Experimentierfreude und Risikobereitschaft. Die von Suicide Squeeze auf 7" gepressten Tracks sind weniger auf Perfektion ausgerichtet, sondern mehr auf den Prozess: ein Beweis für die Fähigkeit der Coathangers, ihrem Bauchgefühl zu vertrauen und den Dingen Raum zum Atmen zu lassen.

A samba funk essential. This debut album from Jorge Ben's iconic backing band blends Brazilian rhythms, soulful vocals, and American funk energy into one unforgettable groove. Includes the hit single 'Coqueiro Verde' along with standout tracks like 'Meu País,' 'Aleluia, Aleluia,' and 'O Canto da Ema.' A timeless gem for fans of Brazilian soul, vintage funk, or global grooves. Trio Mocotó is best known for being the powerhouse backing band behind Brazilian legend Jorge Ben during the height of his creative explosion in the early 1970s. But their contribution to music goes far beyond the supporting role-they were instrumental in shaping what would become known as samba funk, a vibrant fusion of traditional Brazilian rhythms with the groove and energy of American soul and funk music. Formed in Sao Paulo's iconic Jogral nightclub, Trio Mocotó-featuring Fritz Escovao, Joaozinho Parahyba, and Nereu Gargalo-began their musical journey as resident musicians, providing live accompaniment for a rotating cast of performers. It was here that Jorge Ben first encountered their raw talent and unmistakable chemistry, ultimately inviting them to join his band. The collaboration would go on to define an era. In 1971, Trio Mocotó stepped into the spotlight with their debut solo album, "Muita Zorra! (...Sao Coisas Que Glorificam a Sensibilidade Atual)." The record made an immediate impact, climbing the charts with the infectious single 'Coqueiro Verde' and marking the start of a prolific period in the group's career. "Muita Zorra!" is a dazzling blend of styles-mixing the baroque funk and melodic sophistication of artists like Marcos Valle with the soulful spirit of Jorge Ben. Layered with elements of American funk, the album delivers a dynamic, rhythm-driven sound that still feels fresh today. The trio's vocal harmonies are front and center, weaving through each track with warmth and richness, creating a captivating sonic tapestry that energizes every beat. This album isn't just a snapshot of a musical moment-it's a cornerstone of Brazilian soul. A must-listen for fans of global grooves, vintage funk, and timeless Brazilian music, "Muita Zorra!" is once again available and ready to take its well-deserved place in your collection. First time official reissue.

"It's a Beautiful Day" brings together 12 outstanding songs recorded between 1971 and 1976, reminiscent of sunshine pop, psych folk and soft rock with Peruvian touches, taken from extremely hard to find records, some of them reissued here on vinyl for the first time. A mindblowing look at a really stunning musical moment in Peru. Unusual instruments and exceptional vocal play also feature in the ten original songs and two cover versions, all performed by Lima-based groups. MAG has been, since its foundation in 1953, an essential label in the music scene of Peru, allowing the development of the careers of both tropical artists and musicians of other genres. At the head was Don Manuel Antonio Guerrero, its founder, whose name comes from the acronym of the label itself (M.A.G.). In 2021 MAG was acquired by the Spanish company Distrolux SL, owner of the Munster and Vampisoul record labels, after years of previous collaborations in which some of the most emblematic titles in the catalog were already reissued for the international market: Nils Jazz Ensemble, Sonora Casino, Traffic Sound, Al Valdez, Pax... Following our recent release "14 MAGníficos Bailables", comprising some of the best tropical music on MAG, this new compilation brings together 12 songs recorded between 1971 and 1976, reminiscent of sunshine pop, folk psych and soft rock but with Peruvian touches. The lyrics range from youthful reflections, environmental awareness, paradigm changes to all shades of love that the youth of the day experienced. Unusual instruments and exceptional vocal play also feature in the ten original songs and two cover versions, all performed by Lima-based groups.

Es ist alles überlebensgroß, düsterer als der Tod und das beste Album, das die Horror-Punks von Creeper je aufgenommen haben.

Das Album "SANGUIVORE" hat Creepers ohnehin schon überlebensgroße Ambitionen auf neue Höhen geführt, was zu den positivsten Kritiken ihrer Karriere führte und in ihrem ersten Headliner-Konzert in der OVO Wembley Arena in London gipfelte. Historisch gesehen schließt die Band am Ende einer Creeper-Ära den Sargdeckel, um sich erneut neu zu erfinden. Doch dieses Mal trotzt die fünfköpfige Band den Erwartungen, indem sie das kreative Universum des Vorgängeralbums erweitert und am 31. Oktober mit "Sanguivore II: Mistress Of Death" aufs Neue ins Vampir-Universum eintaucht.

"Sanguivore II: Misstress Of Death" ist eher eine thematische Fortsetzung als eine direkte Weiterführung der ursprünglichen Geschichte. Wie eine klassische Horror-Anthologie spinnt es eine neue Geschichte aus derselben Blutlinie wie das Original, diesmal mit dem blutigen Vampirherz als roter Faden, um eine brandneue Erzählung einzuführen.
Die Geschichte führt uns zurück in die moralische Hysterie der Satanic Panic und ihre Auswirkungen auf die Welt des Hardrock und Heavy Metal der 80er Jahre. Es war eine Zeit, in der der verstorbene Prince of Darkness, Ozzy Osbourne und Judas Priest von Gerichtsverfahren verfolgt wurden. Iron Maiden spielte tief im Herzen Amerikas, während W.A.S.P. und Mötley Crüe mit ihrer skandalösen Theatralik und Dekadenz die Gemüter der Konservativen erhitzten.

Wie schon das Original wurde auch "Sanguivore II" von Tom Dalgety (Ghost, Rammstein, Royal Blood) produziert.

Es ist alles überlebensgroß, düsterer als der Tod und das beste Album, das die Horror-Punks von Creeper je aufgenommen haben.

Das Album "SANGUIVORE" hat Creepers ohnehin schon überlebensgroße Ambitionen auf neue Höhen geführt, was zu den positivsten Kritiken ihrer Karriere führte und in ihrem ersten Headliner-Konzert in der OVO Wembley Arena in London gipfelte. Historisch gesehen schließt die Band am Ende einer Creeper-Ära den Sargdeckel, um sich erneut neu zu erfinden. Doch dieses Mal trotzt die fünfköpfige Band den Erwartungen, indem sie das kreative Universum des Vorgängeralbums erweitert und am 31. Oktober mit "Sanguivore II: Mistress Of Death" aufs Neue ins Vampir-Universum eintaucht.

"Sanguivore II: Misstress Of Death" ist eher eine thematische Fortsetzung als eine direkte Weiterführung der ursprünglichen Geschichte. Wie eine klassische Horror-Anthologie spinnt es eine neue Geschichte aus derselben Blutlinie wie das Original, diesmal mit dem blutigen Vampirherz als roter Faden, um eine brandneue Erzählung einzuführen.
Die Geschichte führt uns zurück in die moralische Hysterie der Satanic Panic und ihre Auswirkungen auf die Welt des Hardrock und Heavy Metal der 80er Jahre. Es war eine Zeit, in der der verstorbene Prince of Darkness, Ozzy Osbourne und Judas Priest von Gerichtsverfahren verfolgt wurden. Iron Maiden spielte tief im Herzen Amerikas, während W.A.S.P. und Mötley Crüe mit ihrer skandalösen Theatralik und Dekadenz die Gemüter der Konservativen erhitzten.

Wie schon das Original wurde auch "Sanguivore II" von Tom Dalgety (Ghost, Rammstein, Royal Blood) produziert.

Plaque is a young Bristol label which knows what’s what; always worth checking.
Tiny runs so look sharp.

"Founder of KUMP and Meth.O tapes, Lyon’s Marc-Étienne Guibert (AKA Gil.Barte) awakens his new Mert Seger moniker for a shadowy Plaque excursion. Nine slow burners strike from the murk with venomous precision."