Buscar:noch

Novelists FR sind zurück! Aber „Déjà Vu“ setzt sie die Messlatte höher als je zuvor. Mit einem Vibe der an Bring Me The Horizon erinnert, kreieren viele Songs einen Pop-zentrierten Ansatz zeitgemäßer Rockmusik mit Akzenten des modernen Metalcore. Das Resultat sind große Riffs und eingängige Refrains, die in „Smoke Signals“ und „Made By Design“ perfekt vermischt sind.
Auf „Déjà Vu“ gibt es fünf atmosphärische Interludes, die als angenehme Zwischenspiele inmitten der explosiven Songs, wie „Terrorist“, „Do You Really Wanna Know“ und „Lost Cause“ zu finden sind. Diese Zwischenspiele reichen von elektronischen Soundscapes („Mae“) über liebevoll gespielte klassische Gitarre („Erre“) hin zu beflügelndem Post Rock („Colas“).
Novelists FR halten 2022 noch immer ihren groovigen und druckvollen Metalcore Sound („Heretic“). Die Band zeigt immer noch ihre Gitarrenskills, die in kurzen Solopassagen durchblitzen und sich mitsamt der Synthesizer-lastigen Klangwelten perfekt in Szene setzen. Darüber hinaus sind es die elektronischen Elemente, die die Produktion des Albums unglaublich reich klingen lassen.
Viele Dinge haben sich geändert, aber es ist auch aufgrund von Tisches eingängigen Vocals, das Novelists FR ihr Level auf „Déjà Vu“ erneut angehoben haben und am Ende mit einer gewissen Leichtigkeit ihr stärkstes, überzeugendstes, sowie authentischstes Material überhaupt abliefern.

Der niederländische Singer-Songwriter remme hat in den letzten zwei Jahren seiner Karriere sein Songwriting zu einem tiefgründigen Geschichtenerzählen entwickelt. Die warme, sanfte Stimme ist immer noch da. Die Songs handeln von der Liebe und den polarisierenden Momenten des Lebens, aber remme klingt mehr denn je angekommen in seinem Sound zwischen Powerballaden und Pop-Hymnen, die man laut mitsingen und noch lauter mitfühlen möchte.

CAUSTIC CASANOVA, die psychedelischen Heavy-Riffonauten aus Washington, DC nutzen auf ihrem fünften, das Gehirn schmelzenden Album die starke Kernkraft ihres hyperkinetischen Zentrums, um diverse Soundpartikel in die musikalische Wechselwirkung einzubinden und in einer kaleidoskopischen Heavy-Rock-Extravaganz explodieren zu lassen. Im Jahr 2005 als Trio gegründet, schlagen Schlagzeugerin und Sängerin Stefanie Zaekner, Bassist und Sänger Francis Beringer sowie Gitarrist Andrew Yonki, mit CAUSTIC CASANOVA immer wieder neue Wege ein, um ihre ebenso packende wie unvorhersehbare Musik spannend zu verfeinern. In ihren Klangräumen verbindet sich sardonischer Noise-Rock und proggiger Sludge im Stile von BARONESS, RED FANG und TORCHE mit der gewaltigen Wucht der MELVINS, der Experimentierfreude von BORIS und flottem Gitarren-Heldentum sowie einem Hauch von verdunkeltem Post-Punk. Mit der Aufnahme eines zweiten Gitarristen in der Person von Jake Kimberley im Jahr 2019 machte sich das nunmehrige Quartett auf eine Abenteuerreise mit dem erklärten Ziel, das waghalsigste und rockigste CAUSTIC CASANOVA Album aller Zeiten zu erschaffen. Dabei nutzen die Amerikaner geschickt alle erweiterten Möglichkeiten, die sich aus ihrer Verstärkung mit einer zweiten Gitarre ergeben. Gleichzeitig unterstreichen die Vier auf "Glass Enclosed Nerve Center" auch all ihre bisherigen Stärken: Beringers straffer, melodischer Bass pumpt heftig die beiden heiß-bruzzelnden Gitarren auf, die den gesanglichen Dreiklang flankieren. Zaenkers flexibles Schlagzeugspiel treibt die fünf mäandrierenden Songs des Albums einfallsreich an und fühlt sich sowohl im swingenden Bill-Ward-Stomp als auch in der Hibbeligkeit des Math-Rock wohl. Langjährige Reisende in CAUSTIC CASANOVAs Fahrwasser dürfen "Glass Enclosed Nerve Center" als eine Art von berauschender Rückkehr empfinden, zu der auch das ehrgeizig ausufernde, 22-Minuten-Epos 'Bull Moose against the Sky' erheblich beiträgt, welches die gesamte B-Seite des Albums in Beschlag nimmt. Doch auch wer den massiven Sound dieser galoppierenden Psychedelic-Sludge-Büffel noch nicht kennt, bekommt hier herausragendes Songhandwerk und eine reiche lyrische Erzählkultur geschenkt, die jede Sekunde und unzählige Wiederholungen wert sind. Drei, zwei, eins... nun geht es rund!

CAUSTIC CASANOVA, die psychedelischen Heavy-Riffonauten aus Washington, DC nutzen auf ihrem fünften, das Gehirn schmelzenden Album die starke Kernkraft ihres hyperkinetischen Zentrums, um diverse Soundpartikel in die musikalische Wechselwirkung einzubinden und in einer kaleidoskopischen Heavy-Rock-Extravaganz explodieren zu lassen. Im Jahr 2005 als Trio gegründet, schlagen Schlagzeugerin und Sängerin Stefanie Zaekner, Bassist und Sänger Francis Beringer sowie Gitarrist Andrew Yonki, mit CAUSTIC CASANOVA immer wieder neue Wege ein, um ihre ebenso packende wie unvorhersehbare Musik spannend zu verfeinern. In ihren Klangräumen verbindet sich sardonischer Noise-Rock und proggiger Sludge im Stile von BARONESS, RED FANG und TORCHE mit der gewaltigen Wucht der MELVINS, der Experimentierfreude von BORIS und flottem Gitarren-Heldentum sowie einem Hauch von verdunkeltem Post-Punk. Mit der Aufnahme eines zweiten Gitarristen in der Person von Jake Kimberley im Jahr 2019 machte sich das nunmehrige Quartett auf eine Abenteuerreise mit dem erklärten Ziel, das waghalsigste und rockigste CAUSTIC CASANOVA Album aller Zeiten zu erschaffen. Dabei nutzen die Amerikaner geschickt alle erweiterten Möglichkeiten, die sich aus ihrer Verstärkung mit einer zweiten Gitarre ergeben. Gleichzeitig unterstreichen die Vier auf "Glass Enclosed Nerve Center" auch all ihre bisherigen Stärken: Beringers straffer, melodischer Bass pumpt heftig die beiden heiß-bruzzelnden Gitarren auf, die den gesanglichen Dreiklang flankieren. Zaenkers flexibles Schlagzeugspiel treibt die fünf mäandrierenden Songs des Albums einfallsreich an und fühlt sich sowohl im swingenden Bill-Ward-Stomp als auch in der Hibbeligkeit des Math-Rock wohl. Langjährige Reisende in CAUSTIC CASANOVAs Fahrwasser dürfen "Glass Enclosed Nerve Center" als eine Art von berauschender Rückkehr empfinden, zu der auch das ehrgeizig ausufernde, 22-Minuten-Epos 'Bull Moose against the Sky' erheblich beiträgt, welches die gesamte B-Seite des Albums in Beschlag nimmt. Doch auch wer den massiven Sound dieser galoppierenden Psychedelic-Sludge-Büffel noch nicht kennt, bekommt hier herausragendes Songhandwerk und eine reiche lyrische Erzählkultur geschenkt, die jede Sekunde und unzählige Wiederholungen wert sind. Drei, zwei, eins... nun geht es rund!

'Sieg der Vernunft' - Knorkator betreten dünnes Eis!

Knorkator bereichern Deutschlands Kulturlandschaft seit über 25 Jahren mit humorvoller, intelligenter und druckvoller Musik. Immer schon stilübergreifend, gelten sie inzwischen als eine Kategorie für sich mit einer großen, treuen Fanbase. Doch während sie sich bisher aus allzu aktuellen Themen raushielten, ist ihr mittlerweile zehntes Studioalbum 'Sieg der Vernunft' deutlich bissiger, engagierter und aktueller als die Vorgänger. Es geht darin um das Schwinden unserer gemeinsamen Ziele und Werte, unsere Unfähigkeit, darüber zu reden und um jene, die davon profitieren. Doch keine Sorge - Knorkator zeigen immer noch eine große Freude an unbedarftem, infantilem Nonsens in pathetischem Gewand.

- LP (schwarzes Vinyl, 180g)

Mit seinem dritten Album als Peel Dream Magazine lockt Joseph Stevens in eine fabelhafte, zickzackförmige Welt, die er selbst entworfen hat. Auf Pad verzichtet er auf die unscharfe vorherige Glorie seiner Indie-Pop-Vergangenheit - hier zittert erst ein Vibraphon, stehen Streicher ebenfalls im Mittelpunkt. Der Vorhang hebt sich für einen opulentem Kammerpop und gibt den Blick frei auf Banjo. Glockenspiel. Farfisa. Und als er im Titeltrack des Albums ein Stöhnen ausstößt, wird klar, dass dies kein gewöhnlicher Auftritt ist. Pad ist ein konzeptionelles Werk über das Sich-Verlieren, wenn man nur noch sich selbst hat, und deutet auf eine aufregende neue Zukunft für Stevens' Pop-Song hin, indem es seine eigene Existenz neu interpretiert. Als Nachfolger des erfolgreichen Agitprop Alterna aus dem Jahr 2020 stellt Pad eine bedeutende soundtechnische Entwicklung für den 34-jährigen Songwriter dar, der im selben Jahr mitten in der Pandemie nach Los Angeles zog. Drumcomputer und Synthesizer aus den siebziger Jahren sind geblieben, aber er hat seine schnarrende Offset-Gitarre gegen eine Nylonsaite ausgetauscht und sich für einen sanften Barock-Pop-Sound entschieden, der von Bossa, Folk und seiner eigenen unheimlichen Mystik durchdrungen ist. Neben Vorbildern aus der Mitte des Jahrhunderts wie Burt Bacharach greift Stevens auf die kultisch geliebten Basteleien der Beach Boys aus den späten 1960er Jahren zurück und bietet eine surreale Melange aus alten Orgeln und gefundener Percussion sowie Harry Nilssons Songteppich The Point!von 1970. Pad klingt zwar wunderschön, hat aber auch eine gewisse Dunkelheit. Stevens spricht unsere generelle Ambivalenz gegenüber der Zukunft von allem, was wir kennen, an, teilweise beeinflusst durch seine Zeit in New York zu Beginn der Pandemie. In "Hiding Out" klagt er: Ich wandere an der Vernon Mall vorbei und hinauf zur Queensboro Bridge. Man gibt mir das Gefühl, zwei Fuß klein zu sein, aber das ist keine Art zu leben. Letzten Endes verfolgt Stevens einen Ansatz, bei dem der erste Gedanke der beste Gedanke ist, und lehnt sich an die fantastischen Elemente seiner eigenen Lebensgeschichte an. Pad ist ebenso archetypisch wie seltsam und verwischt genau die Grenzen, die es zu definieren versucht. Die Kunst ahmt das Leben nach, aber das Leben ahmt auch die Kunst nach - und die Ergebnisse können manchmal unvorhersehbar sein. Für Freunde von Sterolab, Beach Boys ca. Smile, High Llamas, Broadcast, The Lilys

Die Jazzkantine hatte nie Berührungsängste beim Manövrieren zwischen den Genres, das neue Studioalbum "Discotheque" stellt dies eindrucksvoll unter Beweis. Gründer und Bandleader Christian Eitner hat es geschafft, die vielköpfige Charaktertruppe im Kern seit fast 30 Jahren zusammenzuhalten. Gestählt durch unzählige Gigs in kleinen schmuddeligen Clubs, aber auch in piekfeinen Theatern und in riesigen Arenen. Die Jazzkantine hat bis dato um die 1.500 Konzerte gespielt, das Schönste und Schlimmste, Aufregendste und Außergewöhnlichste aus allen Musikwelten erlebt. Und sie hat noch lange nicht genug. Wir müssen wieder tanzen. Wir müssen wieder singen. Und so taucht die Jazzkantine ein in die Welt der "Discomusik", die in ihren Ursprüngen vor 50 Jahren im Milieu des New Yorker Undergrounds viel diverser und innovativer ist, als man vermutet. Eine Melange aus ersten DJ-Techniken und neuen bombastischen Sound-Systemen bietet auf privat organisierten House Partys viel Raum zur Entfaltung der LGBT-Community. Noch heute erinnert alljährlich der Christopher Street Day an die Stonewall-Riots und somit an eine Zeit, als noch gleichgeschlechtlicher Tanz verboten ist. Vor allem David Mancusos "Loft" ist Anfang der 70er eine Keimzelle für den Disco-Sound, der erst viel später mit Hits wie "Stayin' Alive" und "Le Freak" zum internationalen Boom wächst - auch die Rolling Stones, Abba und Kiss springen bekanntlich später auf den Zug auf. Parallel verbinden aber auch Jazzgrößen wie Herbie Hancock, Miles Davis und Chick Corea die Raffinesse des Jazz mit der rhythmischen Intensität des Funks zu "Fusion". Und Fred Wesley sagt: "Discomusic ist Funk mit einer Krawatte". Wie es sich für die experimentierfreudige Jazzkantine gehört, entsteht auf "Discotheque" ein Sound, den man "Disco Jazz" nennen könnte - alles im gewohnten Mix aus Funk, Soul und Rap. Songs, die Lust machen, die neun Musiker endlich wieder live auf der Clubbühne zu erleben.

Die Jazzkantine hatte nie Berührungsängste beim Manövrieren zwischen den Genres, das neue Studioalbum "Discotheque" stellt dies eindrucksvoll unter Beweis. Gründer und Bandleader Christian Eitner hat es geschafft, die vielköpfige Charaktertruppe im Kern seit fast 30 Jahren zusammenzuhalten. Gestählt durch unzählige Gigs in kleinen schmuddeligen Clubs, aber auch in piekfeinen Theatern und in riesigen Arenen. Die Jazzkantine hat bis dato um die 1.500 Konzerte gespielt, das Schönste und Schlimmste, Aufregendste und Außergewöhnlichste aus allen Musikwelten erlebt. Und sie hat noch lange nicht genug. Wir müssen wieder tanzen. Wir müssen wieder singen. Und so taucht die Jazzkantine ein in die Welt der "Discomusik", die in ihren Ursprüngen vor 50 Jahren im Milieu des New Yorker Undergrounds viel diverser und innovativer ist, als man vermutet. Eine Melange aus ersten DJ-Techniken und neuen bombastischen Sound-Systemen bietet auf privat organisierten House Partys viel Raum zur Entfaltung der LGBT-Community. Noch heute erinnert alljährlich der Christopher Street Day an die Stonewall-Riots und somit an eine Zeit, als noch gleichgeschlechtlicher Tanz verboten ist. Vor allem David Mancusos "Loft" ist Anfang der 70er eine Keimzelle für den Disco-Sound, der erst viel später mit Hits wie "Stayin' Alive" und "Le Freak" zum internationalen Boom wächst - auch die Rolling Stones, Abba und Kiss springen bekanntlich später auf den Zug auf. Parallel verbinden aber auch Jazzgrößen wie Herbie Hancock, Miles Davis und Chick Corea die Raffinesse des Jazz mit der rhythmischen Intensität des Funks zu "Fusion". Und Fred Wesley sagt: "Discomusic ist Funk mit einer Krawatte". Wie es sich für die experimentierfreudige Jazzkantine gehört, entsteht auf "Discotheque" ein Sound, den man "Disco Jazz" nennen könnte - alles im gewohnten Mix aus Funk, Soul und Rap. Songs, die Lust machen, die neun Musiker endlich wieder live auf der Clubbühne zu erleben.

Gold Vinyl

Die Jazzkantine hatte nie Berührungsängste beim Manövrieren zwischen den Genres, das neue Studioalbum "Discotheque" stellt dies eindrucksvoll unter Beweis. Gründer und Bandleader Christian Eitner hat es geschafft, die vielköpfige Charaktertruppe im Kern seit fast 30 Jahren zusammenzuhalten. Gestählt durch unzählige Gigs in kleinen schmuddeligen Clubs, aber auch in piekfeinen Theatern und in riesigen Arenen. Die Jazzkantine hat bis dato um die 1.500 Konzerte gespielt, das Schönste und Schlimmste, Aufregendste und Außergewöhnlichste aus allen Musikwelten erlebt. Und sie hat noch lange nicht genug. Wir müssen wieder tanzen. Wir müssen wieder singen. Und so taucht die Jazzkantine ein in die Welt der "Discomusik", die in ihren Ursprüngen vor 50 Jahren im Milieu des New Yorker Undergrounds viel diverser und innovativer ist, als man vermutet. Eine Melange aus ersten DJ-Techniken und neuen bombastischen Sound-Systemen bietet auf privat organisierten House Partys viel Raum zur Entfaltung der LGBT-Community. Noch heute erinnert alljährlich der Christopher Street Day an die Stonewall-Riots und somit an eine Zeit, als noch gleichgeschlechtlicher Tanz verboten ist. Vor allem David Mancusos "Loft" ist Anfang der 70er eine Keimzelle für den Disco-Sound, der erst viel später mit Hits wie "Stayin' Alive" und "Le Freak" zum internationalen Boom wächst - auch die Rolling Stones, Abba und Kiss springen bekanntlich später auf den Zug auf. Parallel verbinden aber auch Jazzgrößen wie Herbie Hancock, Miles Davis und Chick Corea die Raffinesse des Jazz mit der rhythmischen Intensität des Funks zu "Fusion". Und Fred Wesley sagt: "Discomusic ist Funk mit einer Krawatte". Wie es sich für die experimentierfreudige Jazzkantine gehört, entsteht auf "Discotheque" ein Sound, den man "Disco Jazz" nennen könnte - alles im gewohnten Mix aus Funk, Soul und Rap. Songs, die Lust machen, die neun Musiker endlich wieder live auf der Clubbühne zu erleben.

- Limitierte orange-schwarz marmorierte 2LP im Gatefold Sleeve mit Etching auf Seite 4 und Downloadkarte


Brandneues Lambchop Album, das erste nicht in Nashville produzierte Album und beinhaltet mit 'Little Black Boxes' eine geniale Crossover-Hymne für Fans von "The Hustle" oder "Up With People"!

Kurt Wagner fand sich im schwülen Sommer 2021 in Minneapolis in einer stillgelegten Farbenfabrik wieder, die zum Proberaum umfunktioniert wurde, als noch jeder jeden als potenzielle Krankheitsquelle betrachtete. Er vertraute sich diesem Pianisten, Andrew Broder, und seinem genialen Produktionspartner Ryan Olson an. "Ryan und Andrew sind wie zwei Seiten meiner Persönlichkeit", sagt Wagner. "Und wenn man sie als Team zusammenbringt, repräsentieren sie mich." Es wäre das erste Mal, dass Wagner eine Lambchop-Platte von jemand anderem produzieren lässt - noch dazu von jemandem, der keinerlei Verbindung zum heiligen, alten Nashville hat. Es war in dieser stillgelegten Lackfabrik in Minneapolis, wo Wagner einen Haufen ausgebrannter Freaks beim Spielen ihrer Instrumente beobachtete, die ihn zum Schreiben von The Bible brachten. Die Sessions erinnerten ihn an die lange zurückliegenden Tage im Springwater Supper Club in Nashville, als er zum ersten Mal die Afterparty zu sich nach Hause holte. Aber vielleicht, weil er diesmal nicht derjenige war, der die Regeln für die Afterparty aufstellte, ist die Musik auf The Bible unberechenbarer als je zuvor auf einer Lambchop-Platte. Jazz geht über in Country, in Disco, in Funk und wieder zurück in Country. Dies ist Lambchops neues Album - geboren an einem neuen Ort, aber aus einem Prozess heraus, den er zuerst zu Hause in Nashville entdeckte und der ihm half, seine eigene Stimme zu finden. Amen. Dies ist "The Bible".

"Expanding Senses" - der heftige Nachfolger von "Insanity" - bietet viel Abwechslung in den Songs. Es gibt die schnelleren Tracks voller Chops, und dann gibt es mittelschnelle Songs mit viel Gitarren-Crunch (ein neuer Aspekt von DARKANE). Und natürlich dürfen wir die Tracks nicht vergessen, die beides mischen und sich von brutal zu melodisch und wieder zurückbewegen, während sie auf dem Weg dorthin das atmosphärische Cyber-Gefühl einbauen.

"Expanding Senses" ist etwas weniger progressiv und chaotisch, sondern eher geradlinig. Das ist aber in Ordnung, denn DARKANE haben es sich zur Aufgabe gemacht, ihre Songs konzentrierter, aber nicht zu einfach zu halten.

Andreas Sydow zeigt einen Gesangsstil, der eher an Slayers Araya erinnert, was perfekt zu den Songs passt.
Zu den herausragenden Tracks "Innocence Gone" und "Chaos vs Order" wurden zwei Videos produziert, die DARKANE einen weiteren Schub gaben. Diese beiden Songs werden immer noch bei den meisten Live-Shows gespielt.

Um "Expanding Senses" gebührend vorzustellen, absolvierten DARKANE ihre ersten größeren Tourneen, u.a. mit Testament, Behemoth, Death Angel und Marduk, und sie traten auch auf einigen Festivals wie dem Sweden Rock Festival und dem Wacken Open Air (Deutschland) auf. Auch in Japan und Israel waren sie erstmals zu Gast.

In historischem Quadrophon-Surround-Sound präsentieren ...And You Will Know Us By The Trail of Dead ihr elftes Album BLEED HERE NOW... und bieten dem Hörer ein immersives Hörerlebnis, das ihn von einem Track zum nächsten auf eine Reise mitnimmt. Nach einer pandemiebedingten Absage der Tourneen 2020/2021 zog sich die Band in eine längere Phase des Nichtstuns zurück. Nach einer langen Zeit des Nichtstuns beschloss die Band, ein Album auf eine Art und Weise zu machen, wie es seit den 70er Jahren nicht mehr gemacht wurde - in quadrophonischem Sound. Vom Eröffnungsbombast von 'Our Epic Attempts' über den alternativen Drive von 'Penny Candle' bis hin zum donnernden 11-Minuten-Opus 'Taken By The Hand' ist dieses Album anders als alles, was die Band bisher produziert hat, zu gleichen Teilen experimentell und ehrgeizig, aber immer noch ehrlich und dem treu, was die Band ist. XI: BLEED HERE NOW wurde von Ingenieur Charles Godfrey zusammen mit Conrad Keely von Trail produziert, der auch das gesamte Artwork des Albums kreierte, Regie führte, bearbeitete und produzierte. Neben den Standardformaten wird das Album auch als Ltd. CD+Blu-ray Mediabook und als 180g Gatefold 2LP Edition (inkl. 24seitigem LP-Booklet und einem Insert, das den quadrophonen Sound erklärt).

Brandneues Album der norwegischen Progressive Rock Band. Das Konzeptalbum thematisiert die norwegische Serienmörderin Belle Gunness, die 1981 in die USA emigrierte und dort ihr Unwesen trieb. Musikalisch erkunden Adventure immer noch die goldene Ära des symphonischen Hardrocks der 70er Jahre und mischt dabei progressive und folkige Elemente. Gitarren und Hammond-Orgel-Drive treffen auf mehrstimmigen Harmoniegesang und solides Fundament aus Bass und Drums.
Für Fans von Fans von Camel, Deep Purple, Uriah Heep und mehr. Kleine Vinyl-Version in limitierter Auflage.
…True crime, the prog metal way…

Als Diamond Head Lightning To The Nations vor mehr
als 40 Jahren herausbrachten, haben nur wenige die
Wichtigkeit voraussagen können, die sich hinsichtlich der
neuen Heavy Metal Welle und ihrem Sound ergab.
Vollgepackt mit Riffs wurde Lightning To The Nations zu
einem der wichtigsten Katalysatoren für die Bewegung,
die sich New Wave Of British Heavy Metal (NWOBHM)
nannte.

Lightning To The Nations (The White Album)
Remastered 2021 ist die ultimative Version dieses
ultimativen Albums. Gefeatured wird das Original Album
von den ¼ Inch Master Tapes bei dem Lars Ulrich Brian
Tatler geholfen hat, sie 1990 wieder zu entdecken. Es
sind ebenso alternative Mixe der Klassiker "Lightning To
The Nations?, "The Prince?, "Sucking My Love?, "Am I
Evil?? und "Sweet And Innocent? auf dem Album, die
vorher noch nicht veröffentlicht wurden oder die man
hören konnte. Es kommt mit einem brandneuen Cover
Artwork, die Brain Tatlers Idee aufgreift, den ?The
Lightning God' zu zeigen.

Lightning To The Nations (The White Album)
[Remastered 2021] kommt als Doppel CD, als Deluxe
180g Gatefold 3LP Edition mit dem remasterten Original
Album, den verlorenen Mixen und Bonus Tracks. Es gibt
auch eine einfache 180g Vinyl Edition nur vom
remasterten Album

1000 Robota im Jahr 2022 sind, soviel sei verraten, immer noch Sebastian Muxfeldt, Jonas Hinnerkort und Anton Spielmann. Und was macht eine Band, die schon immer den Zeitgeist angeschrien hat, mit der hochfrequenten Gegenwart? Sie durch den Fleischwolf drehen und ihr die eigene Reflexion vorlegen, genauer: Ein neues Album. Es klingt gewaltig, intensiv und intim zugleich und strahlt eine utopisch finstere Wärme aus.

Auf ‚Hurt & The Merciless' bannt das britische Soul/Rock Quartett The Heavy den Spirit ihrer gefeierten Liveperformances auf Platte!

The Heavy haben während der Vorbereitungen zu - Hurt & The Merciless', ihrem nunmehr vierten Album, schwere Zeiten durchlebt. Als wollten sie ihrem Bandnamen alle Ehre machen. Scheidung, Trennungen und alles, was der Alltag sonst noch an Steinen ins Flussbett des Lebens wirft, konnte die Band aus dem englischen Bath jedoch nicht davon abhalten, ihr bislang aufgedrehtestes und aufgekratztestes Album einzuspielen. Kelvin Swaby, Gitarrist Dan Taylor, Bassist Spencer Page und Drummer Chris Ellul hatten für das Album ein erklärtes Ziel: Sie wollten endlich den phänomenalen Furor ihrer Liveshows eins zu eins ins Studio übertragen. Tatsächlich lässt es das Quartett richtig krachen und die pure Rock'n'Roll gewordene Lebensfreude dringt hier bei jedem Song, jeder Performance durch die Poren.
Im Jahr 2009 war der Band mit der monströs guten Single - How You Like Me Now' der internationale Durchbruch gelungen. Wie populär der Song schließlich wurde, zeigte sich auch daran, dass er auf etlichen Filmsoundtracks, in Fernsehserien, Games und Werbespots auftauchte. - Hurt & The Merciless' markiert in seiner nahtlos verzahnten Mischung aus Rock'n'Roll-Klassizismen, Funk- und Soul-Grooves sowie feinen Zusätzen experimenteller Klangelemente den vorläufigen Höhepunkt im Schaffen dieser Band. Das Feuer ihrer Liveshows haben sie in ein knappes Dutzend ihrer bis dato besten Songs infiltriert. Sie klingen fürwahr gnadenlos gut. The Heavy dürften mit diesem furiosen Opus mehr denn je schwer angesagt sein.

Third volume in our series of Afro-Latin sounds from the golden period of the seminal Discos Fuentes label in Colombia. An outstanding selection of 26 hard-to find-tracks, many reissued for the first time, covering a wide array of Afro-rooted genres, with an stronger focus on the music's folkloric origins than in previous volumes, comprising recordings by the likes of Michi Sarmiento, Wganda Kenya, The Latin Brothers, Los Corraleros De Majagual, Peregoyo_ It's been a few years, but Vampisoul is back with the next installment of Colombian tropical bangers from the deep vaults of Discos Fuentes. The term Afrosound denotes an always exciting, sometimes surprising soundtrack chronicling the embrace, development, dissemination, and commercialization of the country's rich Afro-Coastal musical heritage over more than four decades. It is the proud sound of African-rooted culture translated, transformed, and transmitted through the commercial enterprise of Discos Fuentes, and this third collection offers an even more diverse and chronologically wide-ranging array of tracks than the previous two volumes, with an even stronger focus on the music's folkloric origins. The unifying factor this time is the same: African roots or influences and the period of experimentation, self-expression, upheaval, rebellion, and rebirth in the industry, nurtured by the label and its stable of musicians, song-writers, producers, and engineers. Although this volume does not list Fruko Y Sus Tesos in the track-by-track credits, the presence of Julio Ernesto Estrada Rincón can be felt throughout, with the first half setting the stage for his artistic birth, schooling and eventual emergence at the label, and the second half featuring bands that he was an integral part of or had a hand in creating, producing, and composing for. And with that said, we dedicate this collection to Fruko: long may he reign as The King of Afrosound. This incredible stream of black gold adorned and enriched the public airways of Cali, Buenaventura, Cartagena, Baranquilla, to become a symbol of pride and part of Colombia's collective identity. It includes an extended booklet with notes by compiler Pablo Yglesias aka DJ Bongohead.

1000 Robota im Jahr 2022 sind, soviel sei verraten, immer noch Sebastian Muxfeldt, Jonas Hinnerkort und Anton Spielmann. Und was macht eine Band, die schon immer den Zeitgeist angeschrien hat, mit der hochfrequenten Gegenwart? Sie durch den Fleischwolf drehen und ihr die eigene Reflexion vorlegen, genauer: Ein neues Album. Es klingt gewaltig, intensiv und intim zugleich und strahlt eine utopisch finstere Wärme aus. 1000 Robota über das Artwork: Jede Platte ist physisch (per Hand) individuell von uns gestaltet worden. Kein Artwork sieht gleich aus. Durch Heißluft werden handelsübliche Supermarkttüten um die Albumhülle geschmolzen. Faktisch gibt es kein "grafisches Artwork", es ist physischer Natur und schafft sich seine ganz eigene Form, die zu immer wieder neuen, unberechenbaren Oberflächen, Kerben und Strukturen führt, zu einer zusammengeschmolzenen und übersehenen Welt. Wahrscheinlich unsere Welt.

Nach einer fünfjährigen Auszeit, in der er sich ganz unterschiedlichen Musikprojekten widmete, kündigt Squarepusher sein nächstes Studioalbum "Be Up A Hello" an. Für das neue Album setzte Tom Jenkinson nach vielen Jahren erstmals wieder auf dieselbe digitale und analoge Hardware, mit der er in den frühen 1990ern seinen Trademark-Sound definierte. Die Verwendung der Vintage-Synthesizer und -Effekte (inkl. eines Commodore Vic-20) markiert eine radikale Kehrtwende für den Briten, der auf dem Vorgänger "Damogen Furies" noch komplett auf moderne Tools und die neueste Software setzte, von ihm selbst im Laufe von 15 Jahren programmiert und optimiert. Das Ergebnis klingt vor allem ausgelassen, wenn Tom astreine Breakbeat-Tunes wie "Nervelevers" und "Terminal Slam" – klassisches Dancefloor-Material – vom Stapel lässt. Düstere Tracks wie "Vortrack" und "Mekrev Bass" belegen derweil, dass er nach wie vor ein Faible für perfekt ausbalancierten Psycho-Overload hat. Insgesamt verweist "Be Up A Hello" auf die Ära der DIY-Raves in Essex, deren Ekstase, Ausgelassenheit und Hemmungslosigkeit die ganze Herangehensweise von Tom nachhaltig prägen sollten.

Nordjevel entwickelt sich konzeptionell weiter und begibt sich in noch düsterere Gefilde. Gnavhòl ist getrieben von Krieg, Zerstörung und höllischem Esoterik-Glauben - sie haben ein Album geschaffen, das noch düsterer und brutaler ist als ihre bisherigen Veröffentlichungen. Über das Album sagt Nordjevel: "Gnavhòl ist düsterer, dynamischer und technisch auf einem anderen Level als zuvor. Genau so wollen wir Nordjevel klingen lassen." Nordjevel betrat die internationale Black-Metal-Szene im Jahr 2015, verbreitete sich wie eine Seuche und eroberte das Publikum auf Festivals wie Inferno, Kaltenbach Open Air, Wacken, Hellfest, Bloodstock, Maryland Deathfest und In Flammen Open Air. Die Band wurde von Doedsadmiral gegründet und besteht aus etablierten Musikern von Bands wie Ragnarok, Myrkskog und Dark Funeral. Mit unverwechselbarem Gesang, untermalt von einer brutalen, instrumentalen Klangwüste, führt Nordjevel die Zuhörer in ein Reich infernalischer Wut - erfüllt von einer obskuren, barbarischen Dunkelheit.

Ihr selbstbetiteltes Debütalbum wurde 2016 veröffentlicht und Nordjevel wurden schnell zu einer Kraft, mit der man rechnen muss. Nordjevels brutale und wahre Interpretation von Black Metal beeindruckte. Der atmosphärische und engagierte Sound der Band, gepaart mit hoher technischer Finesse, einzigartigem Zusammenspiel und roher, ungefilterter Bildsprache, hat das Zeug dazu, jedem Black-Metal-Fan eine Gänsehaut zu verpassen. Im Jahr 2019 veröffentlichte Nordjevel das Nachfolgealbum Necrogenecis und 2021 die EP Fenriir. Beide Veröffentlichungen zeigen die Größe, zu der Nordjevel fähig ist, und erhielten begeisterte Kritiken und Top-Bewertungen von Presse und Fans auf der ganzen Welt. Alle Veröffentlichungen von Nordjevel haben es in zahlreiche "Best of the Year"-Listen geschafft, und sie haben ihre Position in der internationalen Black-Metal-Szene schnell bewiesen.

- Gnavhòl" ist düsterer, dynamischer und technisch auf einem anderen Level als bisher. So wollen wir Nordjevel klingen lassen." - NORDJEVEL
- Nordjevel betrat 2015 die internationale Black-Metal-Szene und verbreitete sich wie eine Seuche und eroberte das Publikum auf Festivals wie Inferno, Kaltenbach Open Air, Wacken, Hellfest, Bloodstock, Maryland Deathfest und In Flammen Open Air.
- Die Band wurde von Doedsadmiral gegründet und besteht aus etablierten Musikern von Bands wie RAGNAROK, MYRKSKOG und DARK FUNERAL.
- Alle Veröffentlichungen von Nordjevel haben es in zahlreiche "Best of the Year"-Listen geschafft, und sie haben ihre Position in der internationalen Black Metal-Szene schnell bewiesen.
- Erhältlich auf CD Digipak (INDIE314CD), Black Vinyl Gatefold 2xLP mit 12-seitigem Buch und Side D Ätzung (INDIE314LP), Blue Vinyl Trifold 2xLP mit 12-seitigem Buch und Bonus Track (INDIE314LPL)

Nordjevel entwickelt sich konzeptionell weiter und begibt sich in noch düsterere Gefilde. Gnavhòl ist getrieben von Krieg, Zerstörung und höllischem Esoterik-Glauben - sie haben ein Album geschaffen, das noch düsterer und brutaler ist als ihre bisherigen Veröffentlichungen. Über das Album sagt Nordjevel: "Gnavhòl ist düsterer, dynamischer und technisch auf einem anderen Level als zuvor. Genau so wollen wir Nordjevel klingen lassen." Nordjevel betrat die internationale Black-Metal-Szene im Jahr 2015, verbreitete sich wie eine Seuche und eroberte das Publikum auf Festivals wie Inferno, Kaltenbach Open Air, Wacken, Hellfest, Bloodstock, Maryland Deathfest und In Flammen Open Air. Die Band wurde von Doedsadmiral gegründet und besteht aus etablierten Musikern von Bands wie Ragnarok, Myrkskog und Dark Funeral. Mit unverwechselbarem Gesang, untermalt von einer brutalen, instrumentalen Klangwüste, führt Nordjevel die Zuhörer in ein Reich infernalischer Wut - erfüllt von einer obskuren, barbarischen Dunkelheit.

Ihr selbstbetiteltes Debütalbum wurde 2016 veröffentlicht und Nordjevel wurden schnell zu einer Kraft, mit der man rechnen muss. Nordjevels brutale und wahre Interpretation von Black Metal beeindruckte. Der atmosphärische und engagierte Sound der Band, gepaart mit hoher technischer Finesse, einzigartigem Zusammenspiel und roher, ungefilterter Bildsprache, hat das Zeug dazu, jedem Black-Metal-Fan eine Gänsehaut zu verpassen. Im Jahr 2019 veröffentlichte Nordjevel das Nachfolgealbum Necrogenecis und 2021 die EP Fenriir. Beide Veröffentlichungen zeigen die Größe, zu der Nordjevel fähig ist, und erhielten begeisterte Kritiken und Top-Bewertungen von Presse und Fans auf der ganzen Welt. Alle Veröffentlichungen von Nordjevel haben es in zahlreiche "Best of the Year"-Listen geschafft, und sie haben ihre Position in der internationalen Black-Metal-Szene schnell bewiesen.

- Gnavhòl" ist düsterer, dynamischer und technisch auf einem anderen Level als bisher. So wollen wir Nordjevel klingen lassen." - NORDJEVEL
- Nordjevel betrat 2015 die internationale Black-Metal-Szene und verbreitete sich wie eine Seuche und eroberte das Publikum auf Festivals wie Inferno, Kaltenbach Open Air, Wacken, Hellfest, Bloodstock, Maryland Deathfest und In Flammen Open Air.
- Die Band wurde von Doedsadmiral gegründet und besteht aus etablierten Musikern von Bands wie RAGNAROK, MYRKSKOG und DARK FUNERAL.
- Alle Veröffentlichungen von Nordjevel haben es in zahlreiche "Best of the Year"-Listen geschafft, und sie haben ihre Position in der internationalen Black Metal-Szene schnell bewiesen.
- Erhältlich auf CD Digipak (INDIE314CD), Black Vinyl Gatefold 2xLP mit 12-seitigem Buch und Side D Ätzung (INDIE314LP), Blue Vinyl Trifold 2xLP mit 12-seitigem Buch und Bonus Track (INDIE314LPL)

..Zeit für ein neues gurD Album!
Nach 8 Jahren seit dem letzten regulären Studioalbum war es wieder an der Zeit, die Gitarren sprechen zu lassen!
Vollgepackt mit rasanten Thrashern wie "Merry Go Round", "Devil's Bread" oder "Taste For More" ist auch Platz für groovige Riff-Monster, für die die Band bekannt ist.

Tracks wie "FEAR" oder "I Like The Pain" beweisen, dass sie es immer noch verstehen, ein solides Fundament aus schweren Riffs und stampfenden Drums zu legen.

Der letztgenannte Song kann als Hommage an die vergangenen Touren mit ihren guten Kumpels von Pro-Pain verstanden werden und beschreibt die Freude und den Schmerz des Unterwegsseins.
Auf dem Album gibt es mehrere Gastauftritte der ehemaligen gurD-Gitarristen Tommy B. (er spielte auf den ersten beiden Alben) und Bruno Spring (er war von 1999-2004 in der Band). Es war ein großes Vergnügen, sie erneut im Studio zu haben.

"Hallucinations" wurde wieder in V.O.s eigenem Little Creek Studio aufgenommen, wo auch Bands wie Destruction, Burning Witches, Pro-Pain und natürlich Poltergeist einen Großteil ihrer Alben aufgenommen haben.

..Zeit für ein neues gurD Album!
Nach 8 Jahren seit dem letzten regulären Studioalbum war es wieder an der Zeit, die Gitarren sprechen zu lassen!
Vollgepackt mit rasanten Thrashern wie "Merry Go Round", "Devil's Bread" oder "Taste For More" ist auch Platz für groovige Riff-Monster, für die die Band bekannt ist.

Tracks wie "FEAR" oder "I Like The Pain" beweisen, dass sie es immer noch verstehen, ein solides Fundament aus schweren Riffs und stampfenden Drums zu legen.

Der letztgenannte Song kann als Hommage an die vergangenen Touren mit ihren guten Kumpels von Pro-Pain verstanden werden und beschreibt die Freude und den Schmerz des Unterwegsseins.
Auf dem Album gibt es mehrere Gastauftritte der ehemaligen gurD-Gitarristen Tommy B. (er spielte auf den ersten beiden Alben) und Bruno Spring (er war von 1999-2004 in der Band). Es war ein großes Vergnügen, sie erneut im Studio zu haben.

"Hallucinations" wurde wieder in V.O.s eigenem Little Creek Studio aufgenommen, wo auch Bands wie Destruction, Burning Witches, Pro-Pain und natürlich Poltergeist einen Großteil ihrer Alben aufgenommen haben.

Das Nachfolgealbum von 'Spiders' aus 1998 konnte sich bis auf Platz 3 der UK-Charts schieben. Singles waren 'Avenging Angels' und 'The Ballad Of Tom Jones' mit Cerys Matthews von Catatonia als Gastsängerin.

'Tin Planet' wird im Zuge der 2022er UK-Tour der Kritiker-Lieblinge nun nochmals als LP aufgelegt. Das Vinyl ist Clear mit Suilber-Splittern.

Tarja Turunen ist seit 2005 auf Solopfaden unterwegs. Die ehemalige Sängerin der finnischen SymphonicRock-Formation Nightwish nennt sich seither nur noch Tarja und hat inzwischen zahlreiche Alben veröffentlicht.
Ob klassisch, live eingespielt oder farbenfroher Symphonic Rock, mit ihrem englischsprachigen Rockdebüt My Winter Storm” legte sie bereits 2007 den Grundstein für ihren späteren Soloerfolg.
Die stilistisch abwechslungsreiche Platte erreichte in Deutschland Platz 3 der Albumcharts und wurde mit
Gold ausgezeichnet. Im Zuge des Jubiläums wird der Album-Opener ”I Walk Alone” als limitierte 10-ZollSonderedition auf weißem Vinyl veröffentlicht.
Der fast meditative, von Metal-Gitarren und symphonischem Orchester untermalte Track zu Beginn gipfelt
in einem eingängigen und monumentalen Hardrock-Refrain, dem Tarja die funkelnde Gesangskrone aufsetzt.
Neben der ”Single Version” und der ”Artist Version” enthält die 10inch-Single drei weitere Mixversionen
des Songs: Den markanten ”In Extremo Remix” mit den typischen Sounds der deutschen Mittelalterband,
den stark elektronisch angehauchten ”The Tweaker Remix” und den wahrhaft düsteren ”The Darkroom
Mix” von Deviousnoise.
I Walk Alone” stammt übrigens aus der Feder des erfolgreichen schwedischen Songwriter-Teams Wollbeck/Lindblom/Sommerdahl (das u.a. auch für Tina Arena, den Jazzer Till Brönner oder Südkoreas Girls’
Generation arbeitete).

180gr. Vinyl limited 100 copies in blood-black haze Color, 350gr Heavy Weight Hardcover, sowie A2 Poster, Download-Code und Textbeiblatt. Fast genau 2 Jahre nach der Veröffentlichung des Debut ''Unsere Strassen Unsere Lieder'' erscheint nun mit ''Skinhead Party'' das zweite Album der Oi! & Streetpunk Band. Und schon nach den ersten Klängen und Gesängen dürfte klar sein: Nicht nur der gleichnamige Titelsong hat dabei locker das Zeug zum Gassenhauer zu werden….BIERTOIFEL hauen hier eine Hymne nach der anderen raus und gehören mit dieser Scheibe neben den Gewohnheitstrinkern wohl derzeit zur Speerspitze deutschsprachiger Oi!-Musik. Parole Spaß, Zusammenhalt, Leben am sozialen Rand in einer Subkultur, wilde Nächte und Oi!Oi!Oi! bis hin zur Liebeserklärung an alle Renee´s….Biertoifel besinnen sich auf alte Tugenden textlich und musikalisch…besingen das was für viele vom Way of Life in den letzten Jahren abhanden gekommen ist. Fette Bassläufe und Gitarrenmelodien paaren sich mit dem Biertoifel typischen Wechsel aus rauhen und melodischem Vocals der beiden Sänger, Mitgröhlrefrains und ""Fäuste bzw Humpen hoch"-Perlen inklusive . Und wer als besonderes Bonbon "Oi-Konzert" von den ehemaligen Mainzer Droogs "Springtoifel" covert, hat eh alles richtig gemacht.

Das postume Album „Faith“ der New Yorker Drill- und Rap-Ikone Pop Smoke ist ab sofort auf Vinyl erhältlich! Sein neustes Meisterwerk debütierte auf Platz #1 der Billboard 200 Charts und auf Platz #7 der deutschen Albumcharts. Auf seinem Projekt ist die Crème de la Crème der Rap und Pop-Welt vertreten, darunter Megastars wie Kanye West, Pharrell, Kid Cudi, Chris Brown, Rick Ross, Future, Dua Lipa und viele mehr. Auf 20 fulminanten Tracks stellt Pop Smoke sein Talent und seine Vielseitigkeit wieder einmal unter Beweis, darunter die hitverdächtigen Songs „Demeanor“, „Woo Baby“ und „Tell the Vision“. Pop Smoke konnte in seiner kurzen Karriere bemerkenswerte, globale Erfolge zelebrieren und erreichte mit seinem Debütalbum „Shoot for the Stars, Aim for the Moon“ als erster posthumer Künstler die Spitze der deutschen Hip Hop Album Charts. „Faith“ ist ein weiteres Testament an die Rap-Welt, welches seinen Legendenstatus nochmals untermalt. Rest in Peace Pop Smoke – gone but never forgotten.

Dass die Band aus Minneapolis, Minnesota kurz davor ist eine ganz große Nummer zu werden, zeigen nicht nur die fast 200.000 monatlichen Hörer*innen auf Spotify. Der Sound, den Villain of the Story liefern, ist unwiderstehlich und kombiniert das allerbeste aus modernem Metalcore und einem radiotauglichen Rocksound, den sonst nur Bands wie I Prevail so ausgeklügelt kombiniert bekommen.
Energetisch, eingängig und explosiv – so ist der erste Eindruck von „Losing Control“, der ersten Single des vierten Villain of the Story Albums „Divided“. Zwischen poppigen Rock Parts finden sich groovige Metalcore Elemente, die einen Sound auf der Höhe der Zeit abbilden und mit Spannung erwarten lassen, wie dieser Sound auf voller Länge klingen wird.

Die zweite Single „Karma“ zeigt sich hingegen mit harten Metalcore Elementen und einem catchy Pop Chorus, der sich schnell ins Gedächtnis einprägt. Auch Tracks wie „Never Again“ folgen diesem Ansatz. Es gelingt Villain of the Story unfassbar gut, diese harten Breakdowns mit poppigen Refrains zu verknüpfen und dabei enorm frische Metalcorehymnen zu kreieren. Dabei bleiben die US-Amerikaner jedoch nie eindimensional.

Im Sound von „Divided“ finden sich mitunter progressive Elemente, die mit dezentem Deathcore Einschlag an Bands wie Veil Of Maya und Born Of Osiris erinnern, was insbesondere durch die dezent platzierten elektronischen Elemente und Synthesizer unterstützt wird. Neben den leicht djentigen, bouncy Grooves, die Tracks wie „Jester“ und „Under My Skin“ zu wahren Moshpitmagneten werden lassen, sind es die unwiderstehlichen Vocals der beiden Sänger, die den Sound von Villain of the Story so einzigartig werden lassen.

Mit „Wrong“ liefern Villain of the Story jedoch auch einen krassen Kontrast, der noch mehr Farbe mit in das Bild von „Divided“ bringt. „Wrong“ ist eine herzzerreißende Ballade, die mit minimalistischer Klavierbegleitung dem Gesang seine ungeteilte Aufmerksamkeit gibt und die Band von einer vollkommen zarten Seite zeigt. Eine Seite, die spätestens aber vom schmetternden Beginn von „Don’t Go“ schnell wachgerüttelt wird. Es ist eben dieser Kontrast, der die Spannung im acht Track starken Album aufrecht hält und es so überzeugend macht.
Villain of the Story gehen mit “Divided” den nächsten Schritt in der Karriere ihrer Band und beweisen, dass Metalcore im Jahr 2022 noch lange nicht auserzählt ist. Stattdessen ist das vierte Album der Band ein wahres Genrehighlight das sowohl Fans von harter, als auch rockiger Popmusik vor allem in puncto Emotionalität bestens unterhält.

Das neue Album von Die Sterne heißt 'Hallo Euphoria' (VÖ 16.09.22 über PIAS Recordings), und da fragt man sich natürlich gleich, ob die noch alle Tassen im Schrank haben. Denn Euphorie ist von allen Gefühlen, die man derzeit so haben kann, das unwahrscheinlichste. Dann hört man die zehn neuen Lieder, und spätestens vierzig Minuten später, wenn die Streicher vom letzten Stück – dem traurigsten Sterne-Song aller Zeiten – verklungen sind, spürt man sie, die Euphorie.

Musikalisch ist 'Hallo Euphoria' typisch Die Sterne, aber weitergedacht und freigedreht. Es gibt den Funk, die Licks und Riffs, das sexy Eckige, aber nun auch Streicherharmonien und so was Treibendes auf der Autobahn zwischen Köln und Düsseldorf – Krautpop, Baby. Die Band lässt es konzentriert verspielt und oberlässig laufen, mit Kraut und Funk und kurzen Schlenkern zur Bongo oder zum Schönklang.

'Hallo Euphoria' könnte auch als Debüt durchgehen, so frisch, leicht und relevant wie das Ding um die Ecke biegt.

In den letzten 20 Jahren haben sich die Schwaben Brainstorm an die Spitze der deutschen Power-Metal-Szene gespielt und auch nach über 15 Jahren steht Liquid Monsters im grellen Rampenlicht der Szene!
Endlich auf Vinyl verfügbar!

Die Heroen des Powermetals "Brainstorm" sind mittlerweile seit über zwanzig Jahren im Geschäft und ihre Fanschicht wächst immer noch unaufhaltsam. Das 2005 erschienene Album "Liquid Monster" markiert in der Discographie einen echten Wendepunkt zu einer steilen Erfolgsgeschichte! 17 Jahre später bekommt das Album nun endlich seine wohlverdiente VINYL ERSTAUFLAGE passend zur großartigen "Brainrage"-Tour und dem bisher erfolgreichsten Album "Wall of Skulls".

Der Grammy-nominierte Julian Lennon hatte nicht vor, nach seiner 2011 erschienenen LP Everything Changes ein weiteres Album zu machen, aber mit der Zeit hat sich etwas verändert. Der Künstler erinnerte sich an Songs, die er vor 30 Jahren geschrieben und aufgenommen hatte, und beschloss, die Produktion zu aktualisieren, um die Tracks für die heutige Welt relevanter zu machen. Der kreative Prozess brachte auch neue Musik hervor. Diese Songs aus den letzten drei Jahrzehnten haben sich zu Julians siebtem Studioalbum JUDE entwickelt.

Der Titel des Albums ist eine Anspielung auf den kultigen Beatles-Song "Hey Jude", den Paul McCartney schrieb, um den fünfjährigen Julian nach der Trennung seiner Eltern aufzumuntern. Das Albumcover, ein Foto des jüngeren Ichs des Musikers, begleitet von
McCartneys handgeschriebenem Titel und dem Arrangement des Songs, zeigt, wie Julian sich mit seinerVergangenheit arrangiert hat, während er in die Zukunft blickt. "...wir alle beschäftigen uns immer noch mit einigen der gleichen Fragen, die wir uns vor über 30 Jahren
gestellt haben, bis heute. JUDE zu machen war wirklich eine Reise durch mein Leben und durch all die Fragen, die ich hatte - nicht nur für die Welt, sondern auch für mich selbst. Es ist fast so, als würde ich all diese Jahre später in einen Spiegel schauen."

Blue - also Antony Costa , Duncan James , Lee Ryan
und Simon Webbe -, das ist so ein Name, der einen
automatisch in die Boygroup-Ära transportiert: Sie waren
nicht nur einer der größten und erfolgreichsten Acts jener
Hochphase, sondern vor allem auch einer der besten. Auf
den drei Alben, die ihnen in den Nullerjahren
Spitzenplätze in den Charts (u.a. 3x #1 UK, 1x Top-10
DE) und reichlich Platin bescheren sollten, verschränkten
sie lässigen R&B mit hochauflösender Pop-Perfektion und
emotionalen Balladen, was der im Jahr 2000 gegründeten
Boygroup nicht nur 16 Millionen verkaufte Albumeinheiten
bescherte. Auch zwei BRITs räumten sie ab im
Königreich, wo sie gleich 11 Mal die Topregion der
UK-Singlecharts aufmischen konnten und davon gleich
noch drei Mal die #1 belegten.

Parallel zur Stadiontournee werden Blue im Herbst ihr
sechstes Album Heart & Soul veröffentlichen - ihr erstes
fürs neue Label Tag8 Music/BMG. Der neue Longplayer
unterstreicht und zelebriert all das, was die Band während
ihrer ersten Blütezeit ausmachte, denn er spielt immer
wieder auf die Vergangenheit an, bringt aber auch
kontinuierlich Neues ins Spiel. Ihr Trademark-Sound
schwingt im sorglos-ausgelassenen Titelsong, der von
MNEK (Beyoncé, Little Mix) mitkomponiert wurde,
genauso mit wie in der gefühlvollen Ballade "Magnetic",
bei der die Jungs mal wieder ihr ganzes umwerfendes
Stimmvolumen auspacken dürfen. Mit der Leadsingle
"Haven't Found You Yet" legen Blue einen Instant-Classic
vor, der klanglich eher in Richtung Justin Bieber oder
auch jüngere Coldplay-Hits geht. Man hört, dass sie
unbedingt alles geben wollten für Heart & Soul

Mit ihrem kurzweiligen "Slow Food" richtet das polnische Quintett ZK Collaboration den Fokus aufs kulinarische Ohr, das selbst bei atemberaubendem Improvisationen und rasanten Unisonoparts immer noch jede Zutat präzise herausschmecken will und nach einem Kontrast zu unserer informellen Fast Food Mentalität sucht. Mit eingängigen Themen, packenden Grooves und verführerischen Sounds ist " Slow Food" genau das richtige Album für diese Zeit.

Die stilistische Karte ihres Slow Foods ist weit gestreut, aber zu keinem Zeitpunkt eklektizistisch oder gar beliebig. In den verschiedenen Töpfen, Pfannen und Öfen wird ein Acht-Gänge-Menü gezaubert, dessen Ingredienzien sich zwar mit Jazzrock, Fusion, Post Bop, freier Improvisation, Folk, epischen Soundscapes und
typischen polnischen Jazz-Motiven von der Komeda-Tradition bis zur Aufmüpfigkeit des Yass beschreiben lassen, aber ganz eigene Geschmacksnoten und Konsistenzen entfalten, die sich jeder eindeutigen Zuordnung entziehen

Death Metal der alten Schule - unerbittlich und bitterböse!
Nach 2018 ENDLICH das neue Studioalbum der SUPER GROUP: Paradise Lost, Opeth, Katatonia & Lik

Die Zeit ist reif für “Survival Of The Sickest” (9. September 2022 via Napalm Records) - das sechste Album von BLOODBATH, den schwedischen Meistern des Old School Death Metal. Die All-Star-Supergroup wurde 1998 von Jonas Renkse und Anders Nyström (beide Katatonia), Mikael Åkerfeldt (Opeth) und Dan Swanö (Edge Of Sanity) gegründet und von Anfang an haben sich BLOODBATH dem puren und authentischen Death Metal der alten Schule verschrieben. Seit 2014 führen sie diesen musikalischen Streifzug gemeinsam mit Paradise Lost-Legende Nick Holmes - der in seiner Rolle als Old Nick Blut in Form morbider Lyric spuckt. Mit einem neu formierten Line-up, bestehend aus Renkse, Nyström, Per ’Sodomizer’ Eriksson (Ex-Katatonia), Martin ’Axe’ Axenrot (Ex-Opeth) und Holmes, konnte es nur einen Weg geben: Noch tiefer in die Abgründe der Sterblichkeit und der hässlichen Facetten des Übernatürlichen.

Ein Sprung ins Jahr 2022: Die Welt steht in Flammen, und “Survival Of The Sickest” hält den Schrecken der Realität den Spiegel vor. Gemeinsam mit ihrem neuen Gitarristen Tomas ’Plytet’ Åkvik (Lik), haben BLOODBATH ihr bis dato stärkstes Album geschaffen, das den Hörer mit zehn Songs voller gewaltiger Death Metal-Raserei unausweichlich in die Dunkelheit lockt.

DOLD VORDE ENS NAVN sind die Frucht einer Freundschaft: Dass die Band aus Veteranen der norwegischen Black Metal Szene besteht, die bei so bekannten Namen wie DØDHEIMSGARD, ULVER, SATYRICON, VED BUENS ENDE und STRID waren oder noch sind, ist nebensächlich. Für die Norweger zählt alleine, dass sie genau diese Musik aus Leidenschaft machen wollen. Ihr Debütalbum "Mørkere ("Dunkler") liefert dafür einen schlagenden Beweis. Die enthaltenen Songs wurzeln zwar fest im Black Metal, folgen auch dessen Geist, indem sie über die bisherigen Grenzen hinauswachsen.

Zusammen mit dem letzten DØDHEIMSGARD-Neuzugang, NIDINGR-Schlagzeuger Øyvind Myrvoll, nahmen DOLD VORDE ENS NAVN im Jahr 2019 die Debüt-EP "Gjengangere I Hjertets Mørke" auf. Die EP zollt zum Teil hörbar der Szene Tribut, die ihre Jugend geprägt hatte". Dies gilt ebenso für das Debütalbum. Doch obwohl der Sound von "Mørkere" im Black Metal der 90er Jahre verwurzelt ist, begibt er sich klanglich auch auf neues Terrain. DOLD VORDE ENS NAVN hängen nicht an klebriger Nostalgie: "Mørkere" ist ein zeitgenössisches Black Metal Album, das zwar auf einem stolzen Erbe fußt, aber sich unabhängig davon bewähren will.

Das erste Ströme Album “Ströme Nr. 2” ist ein charaktervolles, wunderbar warmsensitives und dennoch energetisches Werk. Ein Hauptohrenmerk ist der ultra rare und sagenumwobene Moog IIIp Modular Synthesizer Sound. (Näheres über den einzigartigen Moog IIIp ist weiter unten im Text zu entnehmen, inclusive Fotos in der 2x LP). Darüber hinaus spielt und featured Ströme noch andere analoge Synthesizer u.a. das Modular A100 System von Doepfer. Der A100 steht auch im Mittelpunkt bei den Live Auftritten von Ströme.

Das Album birgt Clubtracks („Trang & Flinky” / “Panta Rhei”), aber auch entspannend ruhige und spacige Nummern („Wasser” / ”Niki”). “Das Modul” oder “Isolde” (mit dem Schauspieler Anton Weil aka Anton Zucker), überzeugen mit einer Portion Pop. Hinzu kommen noch einige krautige, an die 60er / 70er angelehnte Songs, die Ströme (Mario Schönhofer and Tobias Weber) in sehr fruchtbarer Zusammenarbeit mit Nick McCarthy (Franz Ferdinand) aufgenommen haben - “Right Now”, “Das Modul” und das wunderschöne “Stadlberg”.

-Heavy Metal Sampler mit Underground-Hits und Kultsongs
-umfasst die „goldenen Achtziger“ mit Stücken von 1981 bis 1988
-Vinyl only (keine digitale Version)!
-EYECATCHER: attraktives Cover mit Hommage an die Serie
„Stranger Things“
-bedruckte Innenhülle mit Essay über den 80s Metal und viele Fotos
-mit einem neuen Vinyl-Remaster des Manilla Road Klassikers
„Necropolis“
Trotz dem Vinylboom, der in szenestarken Musikrichtungen
noch deutlicher ist als in der Popmusik, gab es in den letzten
Jahren bisher wenige Compilations auf LP. Dabei waren
Zusammenstellungen ein ebenso wichtiger Teil der Siebziger und
Achtziger, eben in der Zeit, als die Schallplatte das gängige Medium
war und ein Mixtape eben nur ein Tape war.
„Heavy Metal Things“ spielt natürlich auf die erfolgreiche TVSerie „Stranger Things“ an, die in den Achtzigern spielt und bei
den Jugendlichen einen ganz eigenen Lifestylewunsch erzeugt hat.
Trotz der spannenden Handlung erlebt man eine Zeit, die in einigen
Punkten doch einfacher und entspannter war – trotz dem Kalten
Krieg und unsicheren Atomkraftwerken. Die Schallplatte (und
erstaunlicherweise sogar die Kassette) gehört in diese Zeit, die sich
mit der Hochphase des Heavy Metal überschneidet. In Szenekreisen
taucht daher oft die Floskel „goldene Achtziger“ auf, denn so
ziemlich jedes Metal-Subgenre wurde hier erfunden oder klang
wenigstens bereits an. Ein ruppiger, teils noch von der Gesellschaft
geächteter Stil wurde zu einem kommerziellen Erfolg. Auch die
Neunziger, gespickt mit Grunge und Crossover, konnten die Rückkeh
des traditionellen Heavy Metal in den 2000ern nicht verhindert. Und
durch die Serie „Stranger Things“ werden Jugendliche auf Songs un
Bands aufmerksam, die in Folge nach über 30 Jahren wieder in die
Charts schiessen.
Trotzdem ist die LP „Heavy Metal Things“ keine Compilation mit
den großen Hits der Mega-Acts in diesem Segment. Im Gegenteil!
Hier wird gezeigt, welche spannenden Acts aus den USA und
Europa zunächst nicht mit dem Massenerfolg gesegnet waren,
allerdings von neugierigen und interessieren Genrefans mittlerweile
entdeckt wurden. So konnte man auch in den letzten Jahren Bands
wie Manilla Road bei Festivals wie dem Hellfest, Sweden Rock
oder Maryland Death Fest sehen. Kultgruppen wie Griffin (USA),
Witchfynde, Malleus oder Dark Wizard kehrten auch zu den
Bühnen zurück. Der Underground ist im Heavy Metal in der Tat
eine größere Sache, als man bei dem Begriff zunächst annehmen
müsste.

ORIGINAL RELEASE: 1984!
Und wieder buddeln Golden Core eine vergessene Perle
aus dem German Metal Underground, auch wenn das Wort
Hardrock hier ebenso angebracht wäre. 1984 veröffentlichte
die Band STARSTRUCK aus Karlsruhe ihr einziges
Lebenszeichen: Die LP „Thru´ To You“. Damit war man
regional nicht weit weg von GAMA Records, die ihren Sitz in
Kirchheim/Teck hatten und das Potenzial der lokal bereits
angesagten Gruppe erkannten. Aufgenommen wurde die Platte
im Spygel Studio mit Engineer Batze Kramer. Eben dieser hat
auch kultige Scheiben von Bands wie Tyrant, Stormwitch,
Bloody Six, Vampyr, Gravestone, Restless oder Necronomicon
veredelt. „Thru´ To You“ ist purer Zeitgeist und dazu passt
auch das Cover, welches beim genauen Hinschauen viel
Humor beweist.
Karlsruhe, Stuttgart, Heidelberg – melodischer Heavy Metal
war in diesem Großraum immer schon mehr angesagt als im
Ruhrgebiet oder im Norden. Nur München wurde noch bekannt
für seinen Hang zum AOR. Starstruck balancieren geschickt
den Mittelweg zwischen Härte und Radiofreundlichkeit, was
bei den gut arrangierten Songs und dem spielerischen Können
hätte zum Erfolgsrezept werden können. Leider war die Firma
GAMA nicht in der Lage, das Album adäquat zu promoten.
Immerhin wurde es ein Jahr später von Mausoleum (Belgien)
lizensiert, 1990 kam es dann auch erstmals auf CD (Aurophon,
in der Brainstorm Serie, die Sammler nur zu gut kennen).
Letztere Version kann man heute nicht mehr unter 70 Euro
(siehe Discogs) bekommen…
Golden Core machten auf Starstruck bereits 2021
aufmerksam, denn sie sind mit einem Track auf der
Compilation „The Best And The Rare Of GAMA Records“ zu
finden. Zum ersten Mal gibt es nun eine remasterte Version
des kultigen Albums auf CD, später im Jahr auch auf Vinyl.
Auch wenn die weniger bekannten Bands des GAMA-Kataloges
von Einigen immer noch belächelt werden…in den letzten
Jahren hat sich gerade in Südamerika und Osteuropa eine
große Fanbase in diese Richtung entwickelt, aber auch
weltweit wird der hart rockende Sound der Achtziger geliebt
und gerne kopiert. Starstruck waren mittendrin!

Nach 'The Burden of Restlessness' und 'Acheron' aus dem Jahr 2021 folgt mit 'Regenerator' der dritte Teil von King Buffalos "Pandemie-Trilogie". Geschrieben und aufgenommen von der Band mit Mixing und Engineering von Gitarrist / Sänger Sean McVay und Mastering von Bernie Matthews.
Das 7-Track-Album ist nun also die dritte Verschmelzung progressiver Rhythmen, treibende Atmosphären zu einem spannenden Psychedelic Rock-Schmelztiegel.
Das sehr melodische Highlight 'Mammut' - mit McVays selbstbewusstester Stimme schimmert vor verzweifelter Hoffnung, auf 'Hours', entfalten sie klassischen Space Rock und die das abschließende 'Firmament' dient als Zusammenfassung aller drei Alben, die das Finale markieren von einer Trilogie, die wesentlicher Eckpfeiler von King Buffalo's Arbeit ist. 'Regenerator' ist auf CD sowie 180. Gr. LP erhältlich. Weißes Vinyl (inklusive Download).

VISIONS schrieb zum Vorgänger:

"…Umso schöner dann die Nachricht Anfang März, dass das Trio aus Rochester, New York in diesem Jahr drei Alben veröffentlichen will. Das passiert also, wenn man Ideen und - virusbedingt - Zeit hat. (…) Darunter pulsiert ein dichter Groove zwischen Psych und Prog. Tatsächlich sind King Buffalo nicht mehr weit von Tool entfernt. Der Klang von "The Burden Of Restlessness" ist unglaublich. Die Verstärker brummen und grummeln, die verzerrten Schichten sind transparent, der Bass groovt viril und transparent darunter und das Schlagzeug liefert ein sattes Fundament. Aufgenommen, produziert und gemixt hat die Band das Album selbst, was die Sache noch eindrucksvoller macht. "The Burden Of Restlessness" ist ein faszinierender, stimmungsvoller Trip, eine in sich bemerkenswert geschlossene Platte. Dessen aggressivere Ausbrüche sorgen meist ab Mitte und gegen Ende der massiven, mäandernden Songs für Höhepunkte." (VISIONS Juni 2021)