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Die Hamburger Band Rantanplan um Torben Meissner, Marcus Wiebusch und Reimer Bustorff wurde im Herbst 1995 nach dem Vorbild von Bands wie Operation Ivy und den Mighty Mighty Bosstones gegründet. Ihre zweite Platte "Köpfer" von 1998 war jahrelang auf Vinyl nicht erhältlich, erscheint jetzt aber als 25 Jahre Jubiläums-Edition auf 180 Gramm mintgrünem, farbigen Vinyl. Neben den Smashhits "Ich erinner" mich an alles" und der Funny Van Dannen Coverversion "Unbekanntes Pferd" (auch heute noch das Highlight jeder Rantanplan Show) findet sich ein kleiner Text von Bassist Reimer Bustorff und einige Photos. "Köpfer" war die letzte Platte der Band mit Wiebusch und Bustorff, die nach ihrem Ausstieg Kettcar gründeten.

"Frozen Aggressors" bringt die Hörer zurück in die goldene Ära des Thrash, wo jeder Song ein einzigartiges Erlebnis war!
"C.H.U.D. Invasion" und "Circus Of Deception" sind eine Reminiszenz an die "Forgotten Skeleton"-Zeiten, während "Song 666" mit seiner 'S.O.D. meets Pennywise'-Blasphemie ein echtes Crossover-Juwel ist.
"Holidays In Sodom" bietet einen Venom-esken Vibe, der an Sasquatchs Vorliebe für die frühen Venom-Platten erinnert.
"Crib Of Thorns" und "Queen Of The Damned" liefern hochqualitative Thrash-Momente, während das augenzwinkernde "Satanic Cult Gangbang" zeigt, dass die Band immer noch Spaß haben kann, ohne auf Kontroversen zu verzichten.
"Hyperspectral Winter Incursions" ist ein sentimentales Stück, da es der letzte Song ist, den AGGRESSION mit dem inzwischen verstorbenen ehemaligen Schlagzeuger Gaetan "Gate" Bourassa im Jahr 1987 geschrieben haben, und er wäre unheimlich stolz auf die finale Version gewesen.
Insgesamt wird dieses AGGRESSION Album die Band auf den ihnen gebührenden Platz unter den anderen kanadischen Thrash-Legenden katapultieren!
"This is a perfect crossover blend, delivered from our black hearts, influenced by ancient recordings of the past that changed our lives. Fast, furious, and straight through your face!" - Aggression

Auf ihrem umfangreichen neuen Album "Water Made Us" stellt die Chicagoer Musikerin und Dichterin Jamila Woods die Frage, was es bedeutet, sich der Liebe voll und ganz hinzugeben. Auf "Water Made Us" umarmt Jamila neue Genres, verspielte Melodien und hypnotisierende Wortspiele, während sie durch die berauschenden Turbulenzen von Liebeswracks und Zuflucht watet. Während Jamila auf "HEAVN" (2017) ihre Community innerhalb der schwarzen feministischen Bewegung feierte und auf "Legacy! Legacy!" (2019) ihre Lebenserfahrungen durch die Geschichten schwarzer und brauner Künstlerinnen und Künstler verarbeitete, ist "Water Made Us" eine völlig neue Art der Selbstoffenbarung und damit ihr bisher persönlichstes Album. "Water Made Us", das sie zusammen mit dem in LA ansässigen Produzenten McClenney aufgenommen hat und auf dem langjährige Freunde aus Chicago wie Saba und Peter CottonTale zu hören sind, ist ein weitläufiges und intimes Porträt der Selbstreflexion, das geschickt die verschiedenen Phasen einer Beziehung widerspiegelt: Die Anfänge, in denen man leicht Kompromisse eingeht, kokettiert und Spaß hat; das vorsichtige Aushandeln von Momenten des Konflikts oder der Verletzung; die Trauer über etwas Verlorenes; und die zärtliche Erkenntnis am Ende von allem, dass die Person, die gegangen ist, einen nie wirklich verlässt, sondern bei einem bleibt, während man bereit ist, es noch einmal zu versuchen, erfrischt und beruhigt. Der Titel des Albums - eine Zeile aus dem Highlight des Albums "Good News" - ist eine subtile Anspielung auf das berühmte Toni-Morrison-Zitat "All water has a perfect memory and is forever trying to get back to where it was". Es ist dieses Gefühl - der Erinnerung, des Ortes und der Rückkehr - das als Pfeiler für den Bogen des Albums dient. "Water Made Us" erinnert uns daran, dass die Liebe im besten Fall ein warmer, stiller Ozean ist. Tief, schimmernd und endlos in seinem Wunder. Und im schlimmsten Fall kann die Liebe ein reißender Strom sein, der uns so weit von uns selbst entfernt, dass wir kaum den Weg zurückfinden, ja nicht einmal mehr wissen, wie wir schwimmen sollen. Und doch ergibt sich Jamila dieser Brandung - jeder Welle und jedem Sog - weil vielleicht sogar die schmerzhaftesten Enden eine Einladung sein können, die sie zurück nach Hause ruft, zurück ans Ufer, zurück zu sich selbst.

Wir können mit Sicherheit sagen, dass die Spiritual Jazz-Reihe ohne die Inspiration des geistigen Messias John Coltrane nicht existieren würde. Deshalb kann es nur angemessen sein, seinem Erbe und bleibendem Einfluss ein ganzes Album widmen: 'Spiritual Jazz 15 – A Tribute to 'Trane' wirft ein Schlaglicht auf die Ehrfurcht, die dem Saxophonisten in vielerlei Hinsicht entgegengebracht wird. Die Auswahl zeigt Coverversionen seiner Songs, dargeboten von von ihm inspirierten Musikern, und Originale, die zu Ehren Coltranes geschrieben wurden. Der Prediger ist vielleicht auf eine höhere Ebene aufgestiegen, aber seine Gemeinde ist immer noch hier unten auf der Erde. 10 Tracks, die die Stimmung aller überall heben.

Street/OI-Punkrocker LOIKAEMIE kehren auf die Bühnen und in die Ohren unserer Zeit zurück! Und sie haben immer noch und auch wieder was zu sagen! Nachdem die Band 2014 ihr 20-jähriges Bestehen feierte, legte sie eine Pause ein, kehrte aber bereits 2019 erstmals live zurück und ist mit den diesjährigen Gigs enorm erfolgreich und gefeiert. Nun mit der brandneuen Single "Lumpenmann" am Start, welches der erste neue Song seit 2007 ist, aber nicht der letzte sein wird. Versprochen! Denn ab dem 16.09.2022 gibt's den Song als Single Digital und zugleich geht diese Doppel-A-Seite-7"-Vinyl-Single mit dem weiteren neuen Stück "Tief Im Herzen" (ebenfalls Single Digital am 04.11.2022) in den Vorverkauf! Und danach geht's in 2023 mit noch mehr neuen Stücken und in der zweiten Jahreshälfte mit Album Nummer 5 weiter... Der LUMPENMANN ist Feuerwehr und Müllabfuhr zugleich. Man braucht ihn vielleicht, aber man mag ihn nicht in der Nähe haben, und wenn er kommt, soll er baldmöglichst wieder verschwinden. In dem Song steht der Lumpensammler für all jene Mitmenschen, die ihre Meinung nicht sagen können oder wollen, wo es zweifelsohne angebracht und notwendig wäre. Wenn alles schief gelaufen ist, alles gegen die Wand gefahren ist, dann kommt der Lumpenmann und muss mit brachialer Gewalt Erfolg erzwingen und die Geschichte wieder in Ordnung bringen. Der Song spiegelt zum Teil persönliche Erfahrungen der Band wider und soll die Notwendigkeit ausdrücken, sich selbst treu zu bleiben, um nicht zu einem reinem Lumpen zu werden. Denn wenn man das nicht tut, wird der Weg durchs Leben Aufgenommen und produziert von KURT EBELHÄUSER mit MICHEL WERN in den OFF THE ROAD STUDIOS /Leipzig , September 2021.- Abgemischt von KURT EBELHÄUSER im TONSTUDIO 45/Koblenz- Gemastert von ANDY "DOG YOUNG" JUNG im KENNER MASTERING STUDIO Berlin. Produzent Kurt Ebelhäuser ist Gitarrist/Sänger von SCUMBUCKET und BLACKMAIL sowie Produzent von u.a. DONOTS, PASCOW, KMPFSPRT, ACHT EIMER HÜHNERHERZER und ADAM ANGST. Schwarze Doppel-A-Seiten-Single mit zweiseitigem Poster und Beilage (limitiert auf 700 Stück weltweit)!

28. September 2023 – Als Tina Turner im Mai dieses Jahres verstarb, hinterließ sie das Erbe eines gewaltigen Lebenswerkes. Eine neue Anthologie blickt zurück auf ihre legendäre Solokarriere, die vor fast 50 Jahren ihren Anfang nahm. „Queen of Rock ‘n‘ Roll“ ist eine Zusammenstellung von 55 Tracks, die uns anhand ihrer Singles durch ihre einzigartige Solokarriere führt, angefangen bei ihrer Coverversion von „Whole Lotta Love“ (1975) bis hin zum Kygo-Remix von „What's Love Got to Do With It“ aus dem Jahr 2020. Es ist das erste Mal, dass ihre gesamte Single-Sammlung in einem Set veröffentlicht wird.

„Queen of Rock ‘n‘ Roll“ ist ab dem 24. November erhältlich und kann ab jetzt vorbestellt werden. Die Anthologie erscheint als 3-CD und 5LP-Set sowie als abgespeckte Vinyl-Version mit 12 Tracks. Alle physischen Varianten enthalten ein Vorwort von Bryan Adams, langjähriger Freund und Kreativpartner Turners.

Tinas erste Veröffentlichung als Solokünstlerin erfolgte zu einer Zeit, als sie mit dem Duo Ike & Tina Turner Revue tourte und Alben herausbrachte. „Tina Turns The Country On!“ – so der Titel des 1974 veröffentlichten Solo-Debüts – brachte keine Singles hervor, weshalb diese Anthologie erst 1975 einsetzt. Da nämlich wurde ihre Coverversion von Led Zeppelins „Whole Lotta Love“ vom zweiten Album „Acid Queen“ offiziell als Single veröffentlicht. Im weiteren Verlauf hält die Sammlung Duette mit anderen legendären Künstlern wie David Bowie, Bryan Adams, Eric Clapton und Rod Stewart sowie einige der unvergesslichsten und berühmtesten Pop- und Rock-Singles aller Zeiten bereit, darunter „What's Love Got To Do With It“, „Private Dancer“, „We Don't Need Another Hero“, „The Best“, „Steamy Windows“, „I Don't Wanna Lose You“ und „Disco Inferno“, um nur einige zu nennen.

Um das Vermächtnis der Queen of Rock ‘n’ Roll zu feiern, enthält die Sammlung auch eine neue Version von „Something Beautiful Remains“, nunmehr schlicht betitelt „Something Beautiful“. Der ursprünglich 1996 veröffentlichte Track wurde von Turners legendärem Produzenten und langjährigen Mitstreiter Terry Britten überarbeitet und ist ein gefühlvoller und angemessener letzter Tribut an das kraftvolle Vermächtnis, das sie hinterlässt. Britten, der das Rework nicht lange nach ihrem Tod anfertigte, kommentiert: „Liebe Tina, die Zusammenarbeit mit dir war eine Erfahrung, die sich niemals wiederholen wird. Und doch bleibt in meinem Herzen ‚Something Beautiful‘ zurück.“

Tina wird auf der ganzen Welt verehrt. Mit ihrer persönlichen Geschichte, ihrem Gesang und ihrer Art des Tanzens war und ist sie eine Inspiration für Millionen von Menschen rund um den Globus. Und nicht zuletzt hat sie ein musikalisches Vermächtnis hinterlassen, das einige der bekanntesten Songs aller Zeiten umfasst.

Tina Turner ist zweifellos eine der bedeutendsten Künstlerinnen der modernen Musikgeschichte. Um es mit den Worten Beyoncés bei der Verleihung Kennedy Center Honours 2005 an Tina Turner zu sagen: „Ich werde nie den Moment vergessen, als ich den ersten Auftritt von dir Tina Turner sah. Ich hatte noch nie in meinem Leben eine Frau gesehen, die so kraftvoll, so furchtlos und so fantastisch war." (Hier kann man Beyoncés Laudatio samt darauffolgender Live-Performance ansehen.) 2008 traten die beiden dann gemeinsam bei den Grammy Awards auf und performten „Proud Mary“, ein Song von Ike & Tina Turner aus dem Jahr 1971. Diese Performance – anzusehen hier – gilt heute als einer der ikonischsten Momente in der Geschichte des weltweit wichtigsten Musikpreises.

Tina Turner hat über 200 Millionen Tonträger verkauft und hatte in Deutschland acht Top-10-Singles und ebenso viele Top-10-Alben (bzw. fünf, wenn man die Compilations/Livealben nicht dazuzählt), darunter die #1-Single „We Don’t Need Another Hero“ und die #1-Alben „Break Every Rule“ und „Foreign Affair“. Im UK war sie die erste weibliche Künstlerin, die in sechs aufeinanderfolgenden Jahrzehnten einen Top-40-Hit im Vereinigten Königreich hatte. Dort sind ihre Alben heute mit 20-fachem Platin dekoriert, in den USA mit 9-fachem Platin und in Deutschland mit 11-fachem Platin. Auch im Rest der Welt erzielte Turner gewaltige Verkaufszahlen. Bei den Grammy Awards wurde sie achtmal ausgezeichnet und insgesamt 25-mal nominiert. 1991 wurde Turner in die Rock & Roll Hall of Fame aufgenommen, außerdem hat sie Sterne auf dem Hollywood Walk of Fame und dem St. Louis Walk of Fame. Das Konzert im Maracanã in Rio de Janeiro im Rahmen ihrer „Break Every Rule“-Tournee 1988 stellte mit 184.000 Zuschauer:innen im Maracanã in Rio de Janeiro einen neuen Weltrekord für das größte zahlende Publikum bei einem Solokonzert auf. Das Rolling Stone Magazine führt Tina Turner auf #17 der 100 größten Sänger:innen aller Zeiten und auf #63 der 100 größten Künstler:innen aller Zeiten.

Trotz all dieser Erfolge und ihres gewaltigen Ruhms verschwand die Person Tina Turner nie hinter der Persona Tina Turner. Sie blieb ihre gesamte Karriere über nahbar und authentisch – ein weiterer Grund, wieso sie bis heute weltweit so geliebt wird. Bryan Adams dürfte in seinem wunderschönen und persönlichen Vorwort vielen Menschen aus dem Herzen sprechen, wenn er über die Wirkung schreibt, die Tina auf ihn hatte:

„Tina hat den Lauf meines Lebens verändert, denn ihr schreibe ich zu, dass ich es aus der Bedeutungslosigkeit auf die Bühnen des Vereinigten Königreiches und Europas gebracht habe. Ich bin so dankbar, dass sie etwas von ihrer kostbaren Zeit mit mir teilte. Sie war eine Naturgewalt, niemand hatte ihre Energie oder ihre Stimme“, so Adams, der dann mit Bezug auf seinen 1985er-Song mit Tina Turner anfügt: „It’s only love, and that's all.“

28. September 2023 – Als Tina Turner im Mai dieses Jahres verstarb, hinterließ sie das Erbe eines gewaltigen Lebenswerkes. Eine neue Anthologie blickt zurück auf ihre legendäre Solokarriere, die vor fast 50 Jahren ihren Anfang nahm. „Queen of Rock ‘n‘ Roll“ ist eine Zusammenstellung von 55 Tracks, die uns anhand ihrer Singles durch ihre einzigartige Solokarriere führt, angefangen bei ihrer Coverversion von „Whole Lotta Love“ (1975) bis hin zum Kygo-Remix von „What's Love Got to Do With It“ aus dem Jahr 2020. Es ist das erste Mal, dass ihre gesamte Single-Sammlung in einem Set veröffentlicht wird.

„Queen of Rock ‘n‘ Roll“ ist ab dem 24. November erhältlich und kann ab jetzt vorbestellt werden. Die Anthologie erscheint als 3-CD und 5LP-Set sowie als abgespeckte Vinyl-Version mit 12 Tracks. Alle physischen Varianten enthalten ein Vorwort von Bryan Adams, langjähriger Freund und Kreativpartner Turners.

Tinas erste Veröffentlichung als Solokünstlerin erfolgte zu einer Zeit, als sie mit dem Duo Ike & Tina Turner Revue tourte und Alben herausbrachte. „Tina Turns The Country On!“ – so der Titel des 1974 veröffentlichten Solo-Debüts – brachte keine Singles hervor, weshalb diese Anthologie erst 1975 einsetzt. Da nämlich wurde ihre Coverversion von Led Zeppelins „Whole Lotta Love“ vom zweiten Album „Acid Queen“ offiziell als Single veröffentlicht. Im weiteren Verlauf hält die Sammlung Duette mit anderen legendären Künstlern wie David Bowie, Bryan Adams, Eric Clapton und Rod Stewart sowie einige der unvergesslichsten und berühmtesten Pop- und Rock-Singles aller Zeiten bereit, darunter „What's Love Got To Do With It“, „Private Dancer“, „We Don't Need Another Hero“, „The Best“, „Steamy Windows“, „I Don't Wanna Lose You“ und „Disco Inferno“, um nur einige zu nennen.

Um das Vermächtnis der Queen of Rock ‘n’ Roll zu feiern, enthält die Sammlung auch eine neue Version von „Something Beautiful Remains“, nunmehr schlicht betitelt „Something Beautiful“. Der ursprünglich 1996 veröffentlichte Track wurde von Turners legendärem Produzenten und langjährigen Mitstreiter Terry Britten überarbeitet und ist ein gefühlvoller und angemessener letzter Tribut an das kraftvolle Vermächtnis, das sie hinterlässt. Britten, der das Rework nicht lange nach ihrem Tod anfertigte, kommentiert: „Liebe Tina, die Zusammenarbeit mit dir war eine Erfahrung, die sich niemals wiederholen wird. Und doch bleibt in meinem Herzen ‚Something Beautiful‘ zurück.“

Tina wird auf der ganzen Welt verehrt. Mit ihrer persönlichen Geschichte, ihrem Gesang und ihrer Art des Tanzens war und ist sie eine Inspiration für Millionen von Menschen rund um den Globus. Und nicht zuletzt hat sie ein musikalisches Vermächtnis hinterlassen, das einige der bekanntesten Songs aller Zeiten umfasst.

Tina Turner ist zweifellos eine der bedeutendsten Künstlerinnen der modernen Musikgeschichte. Um es mit den Worten Beyoncés bei der Verleihung Kennedy Center Honours 2005 an Tina Turner zu sagen: „Ich werde nie den Moment vergessen, als ich den ersten Auftritt von dir Tina Turner sah. Ich hatte noch nie in meinem Leben eine Frau gesehen, die so kraftvoll, so furchtlos und so fantastisch war." (Hier kann man Beyoncés Laudatio samt darauffolgender Live-Performance ansehen.) 2008 traten die beiden dann gemeinsam bei den Grammy Awards auf und performten „Proud Mary“, ein Song von Ike & Tina Turner aus dem Jahr 1971. Diese Performance – anzusehen hier – gilt heute als einer der ikonischsten Momente in der Geschichte des weltweit wichtigsten Musikpreises.

Tina Turner hat über 200 Millionen Tonträger verkauft und hatte in Deutschland acht Top-10-Singles und ebenso viele Top-10-Alben (bzw. fünf, wenn man die Compilations/Livealben nicht dazuzählt), darunter die #1-Single „We Don’t Need Another Hero“ und die #1-Alben „Break Every Rule“ und „Foreign Affair“. Im UK war sie die erste weibliche Künstlerin, die in sechs aufeinanderfolgenden Jahrzehnten einen Top-40-Hit im Vereinigten Königreich hatte. Dort sind ihre Alben heute mit 20-fachem Platin dekoriert, in den USA mit 9-fachem Platin und in Deutschland mit 11-fachem Platin. Auch im Rest der Welt erzielte Turner gewaltige Verkaufszahlen. Bei den Grammy Awards wurde sie achtmal ausgezeichnet und insgesamt 25-mal nominiert. 1991 wurde Turner in die Rock & Roll Hall of Fame aufgenommen, außerdem hat sie Sterne auf dem Hollywood Walk of Fame und dem St. Louis Walk of Fame. Das Konzert im Maracanã in Rio de Janeiro im Rahmen ihrer „Break Every Rule“-Tournee 1988 stellte mit 184.000 Zuschauer:innen im Maracanã in Rio de Janeiro einen neuen Weltrekord für das größte zahlende Publikum bei einem Solokonzert auf. Das Rolling Stone Magazine führt Tina Turner auf #17 der 100 größten Sänger:innen aller Zeiten und auf #63 der 100 größten Künstler:innen aller Zeiten.

Trotz all dieser Erfolge und ihres gewaltigen Ruhms verschwand die Person Tina Turner nie hinter der Persona Tina Turner. Sie blieb ihre gesamte Karriere über nahbar und authentisch – ein weiterer Grund, wieso sie bis heute weltweit so geliebt wird. Bryan Adams dürfte in seinem wunderschönen und persönlichen Vorwort vielen Menschen aus dem Herzen sprechen, wenn er über die Wirkung schreibt, die Tina auf ihn hatte:

„Tina hat den Lauf meines Lebens verändert, denn ihr schreibe ich zu, dass ich es aus der Bedeutungslosigkeit auf die Bühnen des Vereinigten Königreiches und Europas gebracht habe. Ich bin so dankbar, dass sie etwas von ihrer kostbaren Zeit mit mir teilte. Sie war eine Naturgewalt, niemand hatte ihre Energie oder ihre Stimme“, so Adams, der dann mit Bezug auf seinen 1985er-Song mit Tina Turner anfügt: „It’s only love, and that's all.“

"Heavenly Cream 'An Acoustic Tribute To Cream'" ist eine akustische Hommage an die
legendäre Band Cream und enthält Beiträge von Musikern wie Ginger Baker, dem
Cream-Texter Pete Brown, Paul Rodgers von Free, Bernie Marsden, Joe Bonamassa,
Bobby Rush, Malcolm Bruce (Sohn von Jack Bruce), Debra Bonham, Maggie Bell und
anderen.
Obwohl Cream nur zweieinhalb Jahre lang existierte, hat ihr Einfluss und ihre Berühmtheit
im Laufe der Jahrzehnte scheinbar immer weiter zugenommen.
Ein Höhepunkt dieses Projekts war die Beteiligung des Originalschlagzeugers von Cream,
Ginger Baker. Leider stellte sich heraus, dass dies die letzten Aufnahmesessions waren,
die er jemals gemacht hat.
Ein weiterer großer Pluspunkt war die Beteiligung von Bobby Rush, dem großartigen
Blues-/Funk-Meister im Alter von 85 Jahren. Seine Energie und sein Schwung waren
spektakulär.
Joe Bonamassa hatte nicht ganz realisiert, dass alle Aufnahmen akustisch waren, aber er
hat seinen Verstärker für sein Slide-Spiel bei "Sunshine" in großartiger Weise eingesetzt.
Die kraftvolle Stimme von Deborah Bonham erschütterte eindrucksvoll die Wände der
Abbey Road Studios, als sie ein paar Tracks aufnahm. Ihr Ehemann Peter Bullick trug
ebenfalls zur Mischung bei und zeigte seine Gitarrenfertigkeiten mit großer Leichtigkeit.
Die Auftritte von Maggie Bell waren eine willkommene Erinnerung daran, dass sie immer
noch eine der größten britischen Blues-/Soul-Künstlerinnen unserer Zeit ist. Und der
Multiinstrumentalist und Sänger Malcolm Bruce, der auf jedem Track spielte, leistete
einige zauberhafte Arbeit, auf die sein verstorbener Vater Jack sicherlich sehr stolz
gewesen wäre.
Wenn das nicht genug wäre, setzt die phänomenale Stimme von Paul Rodgers die
süßeste Krönung auf diese feine Sammlung von Tracks mit seiner unverkennbaren
Präsenz.
Im Jahr 2006 erhielt Cream den Lifetime Achievement Award bei den Grammys. Die
Compilation enthält Beiträge von Joe Bonamassa, der dreimal für den Grammy nominiert
wurde, Bobby Rush, der zweimal den Grammy gewonnen hat, sowie Malcolm Bruce, dem
Sohn von Jack Bruce, der auf jedem Track spielt. Produziert wurde das Album von Rob
Cass, der auch das letzte Album von Jack Bruce, "Silver Rails", produziert hat.
RD

Mit einer Mischung aus klassischen Popmelodien, Dancefloor-Beats und einem einzigartigen Reggae-Touch, serviert mit einer Beilage nordischer Melancholie, wurden Schwedens Ace Of Base in den 1990er-Jahren zu einem globalen Phänomen. Und die Hits bewähren sich auch dreißig Jahre später noch immer. Das Debütalbum 'Happy Nation' enthält fünf Hitsingles, darunter 'All That She Wants' (UK Nr. 1, US Nr. 2), 'The Sign' (UK Nr. 2, US Nr. 1) und 'Don't Turn Around' (UK Nr. 5, US Nr. 4). Das Album stieg im Juni 1993 in die britischen Album-Charts ein, und erreichte schließlich ein Jahr später Platz 1. Eine Position, die es auch in den US-Album-Charts erreichte. Nun erscheint 'Happy Nation' erstmals als limitierte Picture-LP im Die-Cut-Sleeve.

LTD MARBLED YELLOW-OXBLOOD LP

16 Jahre nach dem letzten Studioalbum kommt das neue Album von LOIKAEMIE mit Namen "Menschen"! "Anschnallen! Unglaublich, aber wahr! Verdammte Axt!" Die Worte von Sachsens größtem Punkfestival hätten keinen Funken kleiner sein dürfen. Mit ihrem Überraschungs-Headliner verkündete das Back To Future 2019: LOIKAMIE ist wieder da! Innerhalb von fünf Jahren ging so gleich zweimal ein Ruck durch die europäische Oi!- und (Street-)Punk-Szene: Schwer die Emotionen beim Abschied 2014, umso größer die Euphorie beim Live-Comeback! Und noch größer angesichts 12 neuer Songs! Seit 2019 ist LOIKAEMIE wieder eine feste Größe, weit oben in den Lineups der Festivals und den Clubs, und das weit über Deutschland hinaus. Thomas, Eddie, Paul und Bruno konnten live nicht nur nahtlos anknüpfen, sondern eine Stufe emporsteigen, auf den Konzerten trifft sich Jung und Alt in seiner ganzen subkulturellen Vielfalt, LOIKAEMIE ist eine Band, auf die sich - im besten Sinne - alle einigen können. Auch die Kreativität ist wieder erwacht: 2022 erschienen mit "Lumpenmann" und "Tief im Herzen" die ersten neuen Songs seit 2007 (digital und als limitierte 7"-Single), dazu gesellen sich bisher "Was Soll Die Ganze Scheisse?" und "Lasst Uns rein", alles Vorboten des nun erscheinenden fünften Studioalbums "Menschen" und schon auf einer Menge Playlists zuhause. Kein Wunder, dass nach 16 Jahren die Erwartungen riesig sind, bei den Fans wie der Band selbst. Und ,Menschen" ist nicht weniger als ein Manifest dessen, wie Punkrock im Jahr 2023 klingen muss: Rotzig und melodisch, kompromisslos und reflektiert, politisch und gut gelaunt. Alle zwölf Ohrenfräsen atmen den unverkennbaren LOIKAEMIE-Spirit und doch ist ,Menschen" ein Riesenschritt nach vorn. Schon der überaus modern klingende Opener ,Wenn wir alle so wären" fegt alles weg, was derzeit belanglos auf Allgemeinplätzen durch den Punk pogt, vom anschließenden hymnischen Titeltrack bis zur abschließenden Selbsteinladung ,Lasst und rein" bleibt die Energie ganz oben, gleichzeitig ist das Album vielschichtig wie nie zuvor in der Bandgeschichte. Zu Streetpunk- und Rock'n'Roll-Brettern gesellt sich Reggea, Sprechgesang, Ballade und Melodien, die sich auch im Pop nicht verstecken müssten. Statt markiger Statements erzählen die Texte pointierte Geschichten, teilen durchdachte Gedanken zu aktuellen Miseren in der Welt, der Szene oder im eigenen Kopf. Aber es gibt auch keine Scheu vorm hymnischen Refrain, den fortan volle Konzertsäle gemeinsam intonieren können. Oi!, was sind das knallende Hits! Im Klappcover mit bedruckter Innenhülle, hier auf klassisch schwarzem Vinyl!

LTD MARBLED YELLOW-OXBLOOD LP

16 Jahre nach dem letzten Studioalbum kommt das neue Album von LOIKAEMIE mit Namen "Menschen"! "Anschnallen! Unglaublich, aber wahr! Verdammte Axt!" Die Worte von Sachsens größtem Punkfestival hätten keinen Funken kleiner sein dürfen. Mit ihrem Überraschungs-Headliner verkündete das Back To Future 2019: LOIKAMIE ist wieder da! Innerhalb von fünf Jahren ging so gleich zweimal ein Ruck durch die europäische Oi!- und (Street-)Punk-Szene: Schwer die Emotionen beim Abschied 2014, umso größer die Euphorie beim Live-Comeback! Und noch größer angesichts 12 neuer Songs! Seit 2019 ist LOIKAEMIE wieder eine feste Größe, weit oben in den Lineups der Festivals und den Clubs, und das weit über Deutschland hinaus. Thomas, Eddie, Paul und Bruno konnten live nicht nur nahtlos anknüpfen, sondern eine Stufe emporsteigen, auf den Konzerten trifft sich Jung und Alt in seiner ganzen subkulturellen Vielfalt, LOIKAEMIE ist eine Band, auf die sich - im besten Sinne - alle einigen können. Auch die Kreativität ist wieder erwacht: 2022 erschienen mit "Lumpenmann" und "Tief im Herzen" die ersten neuen Songs seit 2007 (digital und als limitierte 7"-Single), dazu gesellen sich bisher "Was Soll Die Ganze Scheisse?" und "Lasst Uns rein", alles Vorboten des nun erscheinenden fünften Studioalbums "Menschen" und schon auf einer Menge Playlists zuhause. Kein Wunder, dass nach 16 Jahren die Erwartungen riesig sind, bei den Fans wie der Band selbst. Und ,Menschen" ist nicht weniger als ein Manifest dessen, wie Punkrock im Jahr 2023 klingen muss: Rotzig und melodisch, kompromisslos und reflektiert, politisch und gut gelaunt. Alle zwölf Ohrenfräsen atmen den unverkennbaren LOIKAEMIE-Spirit und doch ist ,Menschen" ein Riesenschritt nach vorn. Schon der überaus modern klingende Opener ,Wenn wir alle so wären" fegt alles weg, was derzeit belanglos auf Allgemeinplätzen durch den Punk pogt, vom anschließenden hymnischen Titeltrack bis zur abschließenden Selbsteinladung ,Lasst und rein" bleibt die Energie ganz oben, gleichzeitig ist das Album vielschichtig wie nie zuvor in der Bandgeschichte. Zu Streetpunk- und Rock'n'Roll-Brettern gesellt sich Reggea, Sprechgesang, Ballade und Melodien, die sich auch im Pop nicht verstecken müssten. Statt markiger Statements erzählen die Texte pointierte Geschichten, teilen durchdachte Gedanken zu aktuellen Miseren in der Welt, der Szene oder im eigenen Kopf. Aber es gibt auch keine Scheu vorm hymnischen Refrain, den fortan volle Konzertsäle gemeinsam intonieren können. Oi!, was sind das knallende Hits! Im Klappcover mit bedruckter Innenhülle, hier auf klassisch schwarzem Vinyl!

Der wahre Blues ist lange keine Neuigkeit mehr. Hier finden sich nun 16 elektrifizierte Post-War Kracher, aufgenommen zwischen Chicago und New Orleans, die oft nur ein kurzes Leben als 7"-Single fristeten und heute begehrte Sammlerobjekte sind. Diese Musik wurde in verschwitzten Clubs und bei House Rent Parties der 50er und frühen 60er Jahre gespielt bzw. aufgelegt. Und noch heute kann man exzellent dazu tanzen, denn alle Tunes sind schnell, rauh und dafür gemacht, die Meute in Bewegung zu bringen. Volle fünf Sterne für die fünfte Veröffentlichung der Rockinitis-Reihe! Diese Zusammenstellungen zeigen die rauen und wilden Klänge des rockigen Electric Blues aus den 1950er und frühen 1960er Jahren. Auf der A-Seite ist R-Man, Chef des Stag-O-Lee-Labels, mit weiteren acht Dirty-Blues-Dancetracks zurück, zu denen die Tailfeather zwingend geshaket werden muss. Jeweils zwei Tunes von Killerlabels wie Excello, Groove, Herald und Chess/Checker. In diversen Clubs auf Tauglichkeit getestet. Die Rückseite bestreitet Donna Driscoll, langjährige Kennerin und Sammlerin zwischen Northern Soul und R&B aus London. Donna legt regelmäßig in Blues- und Soul-Clubs sowie bei Mod-Events im Vereinigten Königreich und im Ausland auf. Egal in welcher Stimmung man ist, ihre Auswahl wird jeden in Bewegung und zum Grooven bringen. Hear me now!

Zweite Auflage des "Downer" Albums als Vinyl in neuen Farben Rot und Gelb! ten56. stehen kurz vor der Veröffentlichung ihres ersten Full-Length-Albums "Downer", das aus zwei Teilen besteht, die bereits als EPs veröffentlicht wurden. Ihre Musik ist die perfekte Porträtierung von brachialer Aggression, dystopischer Weltsicht und einem erdrückenden Gesamtsound mit Aaron Matts beeindruckenden Vocals.
Bouncy-Aspekte auf Tracks wie "Yenta" oder dem "Diazepam" (der bereits fast 3 Millionen Streams auf Spotify erreicht hat) sorgen unvermeidbar für Headbang Momentum. Einflüsse von Trap-Musik und andere Einflüsse kulminieren in einem hochmodernen Sound, der gleichzeitig die besten Trademarks des 2010er Deathcores einbaut. Ähnlich bedrückend wie Korns „Selftitled“ Album oder Slipknots „Iowa“ präsentieren ten56. ihren beängstigenden Sound in Tracks wie "Boy" oder "Traumadoll", während stampfende Grooves, knallende Riffs und aggressive Drums kombiniert mit Rap-Elementen "Saiko" zu einem weiteren Brecher werden lassen, der (im guten Sinne) fast schon unangenehm klingt.
Kurze Blast-Beat-Passagen sorgen für noch mehr Härte, als ob "Downer" nicht schon heavy genug wäre. Als Bonus gibt es mit "Choky" einen exklusiven Track auf dem Album, der mit Downtempo-Grooves einmal mehr ten56.s faszinierenden Nu-Metal-beeinflussten Deathcore-Sound aufblitzen lässt. ten56. verstehen sich als moderne Interpretation der frühen Emmure, kombiniert mit Nu-Metal der goldenen Ära, eingängigen Grooves und einer zerstörerischen Soundwand, wie man sie von Humanity's Last Breath kennt - das Ergebnis ist mit Sicherheit deine neue Lieblings-Deathcore-Band!

Mit dem Original-Soundtrack von A Charlie Brown Christmas aus dem Jahr 1965 kommt Weihnachtsstimmung auf. Als eines der beliebtesten und ikonischsten Weihnachtsalben aller Zeiten führt dieser BestsellerKlassiker Jahr für Jahr Generationen von Kindern in die Freuden des Jazz ein, mit Songs wie ”Christmas Time Is Here” und dem sofort erkennbaren ”Linus and Lucy”.

Das für den Grammy® nominierte Album ist nach wie vor der zweitbestverkaufte Jazz-Titel der Geschichte und wartet auf die Zertifizierung für 5-faches Platin. Vielleicht noch beeindruckender ist, dass A Charlie Brown Christmas im Jahr 2021 auf Platz 6 der Billboard Charts landete, was für die Zeitlosigkeit für dieses Album spricht.

Das erste Live-Album von Dead Can Dance erschien im Oktober 1994 unter dem Titel "Toward The Within". Und damit zu einem Zeitpunkt, als die Band nach den gefeierten Alben "Aion" (1990) und "Into The Labyrinth" (1993) sowie der Retrospektive "A Passage In Time (Best Of)" (1991) auf dem - vermeintlichen - Höhepunkt ihres Erfolgs stand. Um so erstaunlicher, dass "Toward The Within" überwiegend bislang unveröffentlichte Titel enthielt! Das Album wurde 1993 während der ausverkauften Welttour im Mayfair Theater in Santa Monica, Kalifornien, mitgeschnitten. Auch heute noch lösen die Songs Gänsehaut aus. Beim Vortrag von Perry und Gerrard herrscht wie bei einem Klassikkonzert gebannte, geradezu andächtige Stille, nach den Songs bricht frenetischer Jubel los. Mit der vom DCD-Stammlabel 4AD verantworteten Nachpressung von "Toward The Within" ist die LP erstmals seit ihrem Ersterscheinen wieder auf Vinyl erhältlich.

Zum 30-jährigem Jubiläum erweiterte Neuauflage des nächsten Klassikers der Lemonheads aus dem Jahr 1993, inklusive neuem Cover-Artwork. Die bahnbrechende Platte, die auf It's A Shame About Ray und "Mrs. Robinson" folgte, den amerikanischen Alt-Rock weltweit bekannt machte und Evan Dando in die Herzen einer ganzen Generation katapultierte. Mit einer Fülle von unveröffentlichten Demos, alternativen Versionen und Raritäten - darunter Coverversionen von Victoria Williams, Buddy Holly und den Flying Burrito Brothers sowie The Lemonheads' Interpretation des Cole Porter-Standards "Miss Otis Regrets". In den 90er Jahren produzierten Evan's Lemonheads einen Alternative-Hit nach dem anderen, eine Reihe von wirklich guten Singles: 'Big Gay Heart', 'Into Your Arms', 'It's About Time' und 'The Great Big NO'. Pures Genie, das über's Radio ging und die Indie-Herzen eroberte. Heute ist Evan immer noch ein Meister des Songwritings und 'Come On Feel The Lemonheads' klingt nebenbei noch so frisch wie eh und je. Inmitten der Hits der Originalplatte findet sich aber für noch mehr magische Musik, und diese Deluxe-Edition fügt nun eine zweite Disc mit Demos und Akustikversionen hinzu, sowie eine Vielzahl von Tracks aus Sessions und von Compilations, die dem Mythos und seiner Entstehung weitere Farbe verleihen. So covert die Band liebevoll Victoria Williams' "Frying Pan" von ihrem "Sweet Relief"-Album. Dazu gesellen sich eine Reihe von Flipsides und Out-Takes, wie ihre Version des Garagen-Punk-Knüllers "Little Black Egg" von The Nightcrawlers, Evans Hommage an Gram Parsons "Streets Of Baltimore" und Buddy Hollys melancholisches "Learning The Game". Evan erkennt einen guten Song, wenn er ihn hört, und wie 'Come On Feel The Lemonheads' beweist, kann er auch selbst gar keine schlechten schreiben. Unabhängig davon, dass der Vorgänger ,It's A Shame About Ray" als der Klassiker der LEMONHEADS dargestellt wird, hat der Nachfolger ... seine ganz eigene Geschichte. Erneut gab Juliana Hatfield mit den Ton an, ... auch wenn auf diesem Album Nic Dalton hauptsächlich den Bass einspielte. Es geht insgesamt ruhiger zur Sache, orientiert man sich nur an den Singleauskopplungen ,Into your arms", ,The great big no", ,It's about time" oder ,Big gay heart"." - OX 2015 "Dabei hat Evan Dando seine musikalische Palette wieder erweitert: Neben reinen Country-Songs mit Slide-Gitarre und den poppigen Parts, blitzen plötzlich doch wieder nach vorne treibende punkige Tracks auf. Und diese Mischung passt so gut, dass selbst Pop-Göttin Belinda Carlisle (!) mal singen und auch Punk-Ikone Rick James seinen Part beisteuern darf." - Visions 1993

GER "Wir suchen nach Glitzer, nach dem hellsten Geröll und Blitzen. Wer sich heute Nacht verliert, wird sich nicht finden. Ihr sucht in uns die Perfektion der Generation Maximum.." An was noch glauben. Mit ihrem dritten Album Generation Maximum nehmen CULK den Druck von einer Generation, die den Horror der Gegenwart wie durch Magie doch noch zu etwas Positivem wandeln - und richten ihn bewusst auf diejenigen, die ihre Zukunft zerstört haben. "... Ihr sucht in uns die Revolution, bürgt uns auf, was ihr nicht leisten wollt. Wer sich heute nicht mehr wehrt, wird übrigbleiben." Generation Maximum ist sicherlich kein Album, bei dem im SUV laut mitgegrölt wird, weil der Refrain so schön in die Sonnenuntergangsstimmung passt. Niemand klatscht vor Freude über den nächsten Waldbrand die Hände zusammen. Stattdessen beobachtet Sängerin Sophie Löw ihre Umwelt durch ein Brennglas und nimmt die Zuhörer:innen mit auf eine lyrische Rückblende der letzten zwanzig Jahre, in denen sie selbst vom Kind zur Zeugin wurde. Das selbstbetitelte CULK Debut (2019) erschien beim Wiener Label Siluh Records, einer der verlässlichsten Quellen für spannende Indie-Musik in all seinen Facetten. Vom Spiegel-Magazin gab es dazu das Attribut "Suchtsound". Mit ihrem zweiten Album "Zerstreuen über Euch" (2020) schuf die Gruppe ein famoses Konzept-Album. Es wurde von vielen Seiten als eine Kampfansage an tiefverwurzelte patriarchale Strukturen gedeutet und schaffte es u.a. in die TOP 5 der Jahresbestenliste des Spiegel-Magazins. Mit "Generation Maximum" übernimmt Jakob Herber die Rolle des Bassisten von Gründungsmitglied Benjamin Steiger. Herber ist von Anfang an ein wichtiger Wegbegleiter im engen Zirkelder Band, Sängerin/Gitarristin Sophie Löw hat im August 2022 als SOPHIA BLENDA ihr Solo-Debüt-Album "Die neue Heiterkeit" veröffentlicht. "Die neue Heiterkeit" ist eines der stärksten deutschsprachigen Pop-Statements der jüngeren Zeit" - Spiegel. Für ihr neues und nun drittes Album "Generation Maximum" hat sich die Band mit dem Produzenten Wolfgang Lehmann, vormals Wolfgang Möstl, zusammengetan, der unter anderem für seine Arbeit mit Voodoo Jürgens, Clara Luzia, Jungstötter, Dives uvm. bekannt ist. Und bringen es musikalisch nach draußen zu den Menschen, die vor lauter Existenzkämpfen fast vergessen hätten, die Revolution zu starten ("Generation Maximum"). Kein Ausbaden. Generation Maximum ist ein progressiv lauter werdendes "Nein" zur auferlegten Bürde, ein Appell an mehr Verletzlichkeit ("Eisenkleid") "Jede Rüstung erzählt von Verletzlichkeit. Stärke zeigt, wer Narben teilt." und weniger Elend im Privaten wie im Öffentlichen. Letztlich aber auch eine Suche nach einer neuen "Ode an die Freude" und Mut um uns. "Wir erheben Stimmen, auf dass sie für immer klingen. Wo sollen wir heute Zukunft finden?" Wer genau hinhört, findet sie: Lieder über unausgesprochene Träume, die durch epische Gitarrenklänge und Löws entrückten Gesang näher wirken, als sie eigentlich sind. LP klassisch schwarzes Vinyl.


With their third album Generation Maximum, CULK take the pressure off a generation that magically transforms the horror of the present into something positive after all - and deliberately direct it at those who have destroyed their future."... Ihr sucht in uns die Revolution, bürgt uns auf, was ihr nicht leisten wollt. Wer sich heute nicht mehr wehrt, wird übrig bleiben." Generation Maximum is certainly not an album to be bawled along to loudly in the SUV because the chorus fits so nicely into the sunset mood. No one claps their hands together in joy over the next forest fire. Instead, singer Sophie Löw observes her environment through a burning glass and takes the listeners on a lyrical flashback of the last twenty years, during which she herself went from child to witness. The self-titled CULK debut album (2019) was released on the Viennese label Siluh Records, one of the most reliable sources for exciting indie music in all its facets. Spiegel magazine gave it the attribute "addictive sound". With their second album "Zerstreuen über Euch" (2020), the group created a fabulous concept album. It was often viewed as a declaration of war against deeply rooted patriarchal structures and made it to the TOP 5 of the Spiegel magazine's best of the year list and gained the band a following in various scenes and audiences. With "Generation Maximum", Jakob Herber takes over the role of bass player from founding member Benjamin Steiger. Herber has been an important companion from the beginning. Singer/guitarist Sophie Löw released her solo debut album "Die neue Heiterkeit" as SOPHIA BLENDA in August 2022. "Die neue Heiterkeit" is one of the strongest German-language pop statements of recent times" - Spiegel. For their new and now third album "Generation Maximum", the band teamed up with producer Wolfgang Lehmann, formerly Wolfgang Möstl, who is known for his work with Voodoo Jürgens, Clara Luzia, Jungstötter, Dives and many more. And they take it musically outside to the people who almost forgot to start the revolution because of all the struggles for existence ("Generation Maximum"). No payback Generation Maximum is a progressively louder "no" to the burden imposed, an appeal for more vulnerability ("Eisenkleid") "Every armour tells of vulnerability. Strength shows who shares scars" and less misery in private as well as in public. But ultimately also a search for a new "Ode an die Freude" and courage around us. "Wir erheben Stimmen, auf dass sie für immer klingen. Wo sollen wir heute Zukunft finden?" Wer genau hinhört, findet sie: Lieder über unausgesprochene Träume, die durch epische Gitarrenklänge und Löws entrückten Gesang näher wirken, als sie eigentlich sind. RIYL Nu Wave, Independent, Shoegaze

GER "Wir suchen nach Glitzer, nach dem hellsten Geröll und Blitzen. Wer sich heute Nacht verliert, wird sich nicht finden. Ihr sucht in uns die Perfektion der Generation Maximum.." An was noch glauben. Mit ihrem dritten Album Generation Maximum nehmen CULK den Druck von einer Generation, die den Horror der Gegenwart wie durch Magie doch noch zu etwas Positivem wandeln - und richten ihn bewusst auf diejenigen, die ihre Zukunft zerstört haben. "... Ihr sucht in uns die Revolution, bürgt uns auf, was ihr nicht leisten wollt. Wer sich heute nicht mehr wehrt, wird übrigbleiben." Generation Maximum ist sicherlich kein Album, bei dem im SUV laut mitgegrölt wird, weil der Refrain so schön in die Sonnenuntergangsstimmung passt. Niemand klatscht vor Freude über den nächsten Waldbrand die Hände zusammen. Stattdessen beobachtet Sängerin Sophie Löw ihre Umwelt durch ein Brennglas und nimmt die Zuhörer:innen mit auf eine lyrische Rückblende der letzten zwanzig Jahre, in denen sie selbst vom Kind zur Zeugin wurde. Das selbstbetitelte CULK Debut (2019) erschien beim Wiener Label Siluh Records, einer der verlässlichsten Quellen für spannende Indie-Musik in all seinen Facetten. Vom Spiegel-Magazin gab es dazu das Attribut "Suchtsound". Mit ihrem zweiten Album "Zerstreuen über Euch" (2020) schuf die Gruppe ein famoses Konzept-Album. Es wurde von vielen Seiten als eine Kampfansage an tiefverwurzelte patriarchale Strukturen gedeutet und schaffte es u.a. in die TOP 5 der Jahresbestenliste des Spiegel-Magazins. Mit "Generation Maximum" übernimmt Jakob Herber die Rolle des Bassisten von Gründungsmitglied Benjamin Steiger. Herber ist von Anfang an ein wichtiger Wegbegleiter im engen Zirkelder Band, Sängerin/Gitarristin Sophie Löw hat im August 2022 als SOPHIA BLENDA ihr Solo-Debüt-Album "Die neue Heiterkeit" veröffentlicht. "Die neue Heiterkeit" ist eines der stärksten deutschsprachigen Pop-Statements der jüngeren Zeit" - Spiegel. Für ihr neues und nun drittes Album "Generation Maximum" hat sich die Band mit dem Produzenten Wolfgang Lehmann, vormals Wolfgang Möstl, zusammengetan, der unter anderem für seine Arbeit mit Voodoo Jürgens, Clara Luzia, Jungstötter, Dives uvm. bekannt ist. Und bringen es musikalisch nach draußen zu den Menschen, die vor lauter Existenzkämpfen fast vergessen hätten, die Revolution zu starten ("Generation Maximum"). Kein Ausbaden. Generation Maximum ist ein progressiv lauter werdendes "Nein" zur auferlegten Bürde, ein Appell an mehr Verletzlichkeit ("Eisenkleid") "Jede Rüstung erzählt von Verletzlichkeit. Stärke zeigt, wer Narben teilt." und weniger Elend im Privaten wie im Öffentlichen. Letztlich aber auch eine Suche nach einer neuen "Ode an die Freude" und Mut um uns. "Wir erheben Stimmen, auf dass sie für immer klingen. Wo sollen wir heute Zukunft finden?" Wer genau hinhört, findet sie: Lieder über unausgesprochene Träume, die durch epische Gitarrenklänge und Löws entrückten Gesang näher wirken, als sie eigentlich sind. LP klassisch schwarzes Vinyl.


With their third album Generation Maximum, CULK take the pressure off a generation that magically transforms the horror of the present into something positive after all - and deliberately direct it at those who have destroyed their future."... Ihr sucht in uns die Revolution, bürgt uns auf, was ihr nicht leisten wollt. Wer sich heute nicht mehr wehrt, wird übrig bleiben." Generation Maximum is certainly not an album to be bawled along to loudly in the SUV because the chorus fits so nicely into the sunset mood. No one claps their hands together in joy over the next forest fire. Instead, singer Sophie Löw observes her environment through a burning glass and takes the listeners on a lyrical flashback of the last twenty years, during which she herself went from child to witness. The self-titled CULK debut album (2019) was released on the Viennese label Siluh Records, one of the most reliable sources for exciting indie music in all its facets. Spiegel magazine gave it the attribute "addictive sound". With their second album "Zerstreuen über Euch" (2020), the group created a fabulous concept album. It was often viewed as a declaration of war against deeply rooted patriarchal structures and made it to the TOP 5 of the Spiegel magazine's best of the year list and gained the band a following in various scenes and audiences. With "Generation Maximum", Jakob Herber takes over the role of bass player from founding member Benjamin Steiger. Herber has been an important companion from the beginning. Singer/guitarist Sophie Löw released her solo debut album "Die neue Heiterkeit" as SOPHIA BLENDA in August 2022. "Die neue Heiterkeit" is one of the strongest German-language pop statements of recent times" - Spiegel. For their new and now third album "Generation Maximum", the band teamed up with producer Wolfgang Lehmann, formerly Wolfgang Möstl, who is known for his work with Voodoo Jürgens, Clara Luzia, Jungstötter, Dives and many more. And they take it musically outside to the people who almost forgot to start the revolution because of all the struggles for existence ("Generation Maximum"). No payback Generation Maximum is a progressively louder "no" to the burden imposed, an appeal for more vulnerability ("Eisenkleid") "Every armour tells of vulnerability. Strength shows who shares scars" and less misery in private as well as in public. But ultimately also a search for a new "Ode an die Freude" and courage around us. "Wir erheben Stimmen, auf dass sie für immer klingen. Wo sollen wir heute Zukunft finden?" Wer genau hinhört, findet sie: Lieder über unausgesprochene Träume, die durch epische Gitarrenklänge und Löws entrückten Gesang näher wirken, als sie eigentlich sind. RIYL Nu Wave, Independent, Shoegaze

Zum ersten Mal auf "normalem" Vinyl (die Picture-LP ist seit Jahren aus) auf Black /White Colored Vinyl. Die Emscherkurve77 stellte 2011 die (rhetorische) Frage "Dat soll Punkrock sein?!" und die Antwort in Form von 15 neuen Gassenhauern ließ nicht lange auf sich warten: Das erste Album bei dem Gitarrist Daniel jetzt mit Szene-Urgestein "Secret Agent" Spiller zusammen das Mikro übernahm, läutete für die Ruhrpott-Punks eine neue Ära in ihrer langen Bandvita ein.Songs wie "Wir ham den Punk verstanden", ""Hier bei uns", "Nicht wie sie" bis hin zum Dritte Wahl Cover "Zeit bleib stehen" oder dem pogo-lastigen Titellied wurden bei den Konzerten schnell Höhepunkte der Setlist und gelten zurecht auch heute noch als deutsche Punk-Klassiker.Dabei kommt weder der bissige Humor oder kleinere Seitenhiebe zu kurz, noch braucht sich die Band irgendwelchem aufgesetztem Pathos zu bedienen: Man ist lieber "der "Einfachheit (verschrieben)", was zwar sympathisch untertrieben ist, aber Punkrock und sein Revier hat man halt im Herzen oder nicht...

Obwohl es erst ein Jahrzehnt später offiziell veröffentlicht wurde, stellten sich TORMENTOR mit "Seventh Day of Doom" bereits 1987 vor. Angeführt vom legendären Sänger Attila Csihar klang die ungarische Bande böser und verdorbener als der primitive Heavy Metal, der in den späten 80ern und frühen 90ern aus Osteuropa kam. Sie sollten zwar noch böser klingen, aber auf dieser Aufnahme kann man bereits hören, warum diese Band von der zweiten Welle des Black Metal überschwänglich gelobt wurde.Die Riffs dröhnen, das Schlagzeug ist so schnell wie eine Lokomotive, die durch die Tore der Hölle rast, und Attila klingt, als würde er heiße Galle spucken.

Parallel zur Singleveröffentlichung hat die Band aus Los Angeles auch erste Details über GODMODE bekanntgegeben. Das achte Studioalbum von In This Moment, das in den Hideout Recording Studio in Las Vegas aufgenommen wurde, vereint insgesamt 10 Tracks. Produziert wurde es von Kane Churko (Ozzy Osbourne, Papa Roach, Five Finger Death Punch) und Tyler Bates (John Wick, Jerry Cantrell, Bush). „Wir können es echt kaum noch abwarten, bis alle hören, was wir dieses Mal aufgenommen haben“, so Howorth.

In This Moment sind Maria Brink (Leadgesang), Chris Howorth (Gitarre), Travis Johnson (Bass), Randy Weitzel (Rhythmusgitarre) und Kent Diimmel (Schlagzeug)


Über In This Moment:

Seit der Gründung im Jahr 2005 haben sich In This Moment aus Los Angeles eine riesige internationale Fanbase erspielt. Unterstützung bekommen die „Mother“-Figur und Sängerin Maria Brink und der Leadgitarrist Chris Howorth (ebenfalls ein Gründungsmitglied) aktuell vom Bassisten Travis Johnson, dem Gitarristen Randy Weitzel und dem Schlagzeuger Kent Diimmel. Besonders ihre gefeierten Live-Shows bescherten den Kaliforniern eine gewaltige Fanbase, weshalb sie ganz beiläufig zu einer der einfluss- und erfolgreichsten Bands des 21. Jahrhunderts avancieren konnten: Inzwischen gehen mehr als 1,3 Milliarden kombinierte Streams aufs Konto der US-Metalcore-Institution.



Nachdem ihnen schon das 2012 veröffentlichte Album Blood US-Gold beschert hatte, konnten zwischenzeitlich neben einem halben Dutzend Gold- und Platinsingles gleich drei Alben in Folge die Top-25 der US-Albumcharts aufmischen: Nach Blood und Black Widow (2014) stieg auch Ritual (2017) direkt auf Platz 23 in die Billboard-200 ein. Auch künstlerisch auf einem ganz neuen Level angekommen, sollten allein die Songs von Ritual seither mehr als eine Viertelmilliarde Streams generieren.



Neben ausverkauften Headliner-Tourneen rund um den Globus füllten sie die größten Stadien auch schon zusammen mit Disturbed und traten dazu bei den größten Festivals auf (u.a. Rockville, Sonic Temple).



Unterwegs zwischen den größten Bühnen war zuletzt das siebte Studioalbum Mother (Roadrunner Records) entstanden, das die US-Band mit dem angestammten Studiopartner Kevin Churko (Ozzy Osbourne, Five Finger Death Punch) aufgenommen hatte. Waren bei Ritual auch Blues-Elemente in ihrem knallharten Sound aufgetaucht, zog einen Mother schon mit der ersten Single unweigerlich in seinen Bann: Die Auskopplung „The In-Between“ wurde hinterher auch für einen GRAMMY Award nominiert. Im Jahr 2022 veröffentlichten In The Moment die EP Blood 1983 (BMG), ein musikalisches Update zum 10. Jubiläum des Blood-Albums. Außerdem war der Exklusivtitel „I Would Die For You“ auf dem Soundtrack zum Kinofilm John Wick: Chapter 4 zu hören.

Parallel zur Singleveröffentlichung hat die Band aus Los Angeles auch erste Details über GODMODE bekanntgegeben. Das achte Studioalbum von In This Moment, das in den Hideout Recording Studio in Las Vegas aufgenommen wurde, vereint insgesamt 10 Tracks. Produziert wurde es von Kane Churko (Ozzy Osbourne, Papa Roach, Five Finger Death Punch) und Tyler Bates (John Wick, Jerry Cantrell, Bush). „Wir können es echt kaum noch abwarten, bis alle hören, was wir dieses Mal aufgenommen haben“, so Howorth.

In This Moment sind Maria Brink (Leadgesang), Chris Howorth (Gitarre), Travis Johnson (Bass), Randy Weitzel (Rhythmusgitarre) und Kent Diimmel (Schlagzeug)


Über In This Moment:

Seit der Gründung im Jahr 2005 haben sich In This Moment aus Los Angeles eine riesige internationale Fanbase erspielt. Unterstützung bekommen die „Mother“-Figur und Sängerin Maria Brink und der Leadgitarrist Chris Howorth (ebenfalls ein Gründungsmitglied) aktuell vom Bassisten Travis Johnson, dem Gitarristen Randy Weitzel und dem Schlagzeuger Kent Diimmel. Besonders ihre gefeierten Live-Shows bescherten den Kaliforniern eine gewaltige Fanbase, weshalb sie ganz beiläufig zu einer der einfluss- und erfolgreichsten Bands des 21. Jahrhunderts avancieren konnten: Inzwischen gehen mehr als 1,3 Milliarden kombinierte Streams aufs Konto der US-Metalcore-Institution.



Nachdem ihnen schon das 2012 veröffentlichte Album Blood US-Gold beschert hatte, konnten zwischenzeitlich neben einem halben Dutzend Gold- und Platinsingles gleich drei Alben in Folge die Top-25 der US-Albumcharts aufmischen: Nach Blood und Black Widow (2014) stieg auch Ritual (2017) direkt auf Platz 23 in die Billboard-200 ein. Auch künstlerisch auf einem ganz neuen Level angekommen, sollten allein die Songs von Ritual seither mehr als eine Viertelmilliarde Streams generieren.



Neben ausverkauften Headliner-Tourneen rund um den Globus füllten sie die größten Stadien auch schon zusammen mit Disturbed und traten dazu bei den größten Festivals auf (u.a. Rockville, Sonic Temple).



Unterwegs zwischen den größten Bühnen war zuletzt das siebte Studioalbum Mother (Roadrunner Records) entstanden, das die US-Band mit dem angestammten Studiopartner Kevin Churko (Ozzy Osbourne, Five Finger Death Punch) aufgenommen hatte. Waren bei Ritual auch Blues-Elemente in ihrem knallharten Sound aufgetaucht, zog einen Mother schon mit der ersten Single unweigerlich in seinen Bann: Die Auskopplung „The In-Between“ wurde hinterher auch für einen GRAMMY Award nominiert. Im Jahr 2022 veröffentlichten In The Moment die EP Blood 1983 (BMG), ein musikalisches Update zum 10. Jubiläum des Blood-Albums. Außerdem war der Exklusivtitel „I Would Die For You“ auf dem Soundtrack zum Kinofilm John Wick: Chapter 4 zu hören.

Im achten Bandjahr sind sich LETO aus Hamburg mit ihrem dritten Studioalbum "LEben und TOt" der eigentlichen Bedeutung ihres Bandnamens bewusst. Nach den beiden Alben "Vor die Hunde" (VÖ 08/18), "Wider" (VÖ 10/20) und drei digitalen Singleveröffentlichungen in 2022 ("Meins/Deins u.a.) dehnen Leto die Genrevielfalt, die ihnen von einschlägigen Magazinen seit dem Debütalbum zugesprochen wird, erneut. Auf dem sicheren Post-Punk-Trampelpfad, den Bands wie Turbostaat, Love A oder Pascow über Jahre in die Musiklandschaft stapften, lässt es sich nach wie vor gemütlich gehen. Allerdings reißen Leto auf "Leben und tot" so stark wie noch nie aus und schreien sich in Emo-/Post-Hardcore-Manier die Seele aus dem Leib und drehen Gitarreneffekte wieder auf Anschlag. Textlich sind Leto auf "Leben und tot" klarer als zuvor und diskutieren und punktieren in Themenfeldern wie struktureller Ungleichheit oder Klimakrise - den Zeigefinger richten Leto dabei vornehmlich auf sich selbst. "Leben und tot" ist laut und verlangt ab. Insgesamt wurden für das Album über 30 Songs geschrieben, wovon 11 Lieder ausgewählt wurden. Das Album wurde von Kristian Kühl im Toolhouse (Rotenburg a.d. Fulda) aufgenommen und in Hamburg gemischt. Hauke Albrecht hat das Mastering der Platte übernommen. Julius Dettmer hat das Artwork erstellt.

Drittes Soloalbum des dänischen Pretty Maids Sängers Ronnie Atkins-" Trinity". Seit bei Ronnie 2019 Lungenkrebs im vierten Stadium diagnostiziert wurde, hat er keine Sekunde seiner Zeit verloren, die er mit dem Komponieren und Aufnehmen von zwei sehr erfolgreichen Veröffentlichungen "Make it Count" und dem Debüt "One Shot" verbracht hat, die beide von Kritikern und Fans gleichermaßen sehr gefeiert wurden. Vor kurzem hat er auch Live-Shows mit seiner eigenen Band und mit dem Avantasia-Projekt wieder aufgenommen. Später in diesem Jahr plant er, wieder auf Tour zu gehen, um das neue Album zu unterstützen. "Ich glaube, ich habe heutzutage eine andere Perspektive auf das Leben als noch vor 4 Jahren", sagt Ronnie. "Lassen Sie mich hinzufügen, dass die Arbeit, die in meinem Fall darin besteht, Songs zu schreiben und auf der Bühne zu stehen, das ist, was mich am Laufen hält, denke ich. Ich konzentriere mich gerne auf die positiven Aspekte des Lebens und gönne mir Dinge, die ich wirklich gerne tun möchte." Never change a winning team und so wurde das Album erneut von Chris Laney produziert und Jacob Hansen kümmerte sich um den Mix und das Mastering.Das Album ist vielleicht etwas härter geworden, da alle Songs auf der Gitarre komponiert wurden. Seit Beginn seiner Rock'n'Roll-Reise mit Pretty Maids hat Ronnie Atkins seine Fans immer wieder mit qualitativ hochwertigem, melodischem Hard Rock beschenkt und "Trinity" zeigt ihn erneut in Höchstform.

Musikalisch macht die Band da weiter, wo das Debüt aufgehört hat, aber mit einer wuchtigen, thrashigen Produktion, starkem Songwriting und geradlinigen Texten!
Mehr als 20 Jahre nach ihrem fulminanten Debütalbum melden sich NAIL WITHIN mit ihrem neuen Studioalbum "Sound Of Demise" zurück, das 11 Songs enthält und mit Gastmusikern wie zum Beispiel Eric Peterson (Testament) oder Tom Angelripper (Sodom) afuwartet.

NAIL WITHIN sind mit ihrem dynamischen und intensiven Album "Sound Of Demise" zurück und mischen Death und Thrash mit einigen Hardcore-Elementen, die durch melodische Doppelgitarren-Leads ausgeglichen werden.
Die Musik ist immer noch sehr rifforientiert und aggressiv, aber auch melodisch, und mischt klassischen Death/Thrash mit einigen Hardcore-Elementen, die durch melodische, doppelte Gitarrenleads ausgeglichen werden.

Musikalisch macht die Band da weiter, wo das Debüt aufgehört hat, aber mit einer wuchtigen, thrashigen Produktion, starkem Songwriting und geradlinigen Texten!
Mehr als 20 Jahre nach ihrem fulminanten Debütalbum melden sich NAIL WITHIN mit ihrem neuen Studioalbum "Sound Of Demise" zurück, das 11 Songs enthält und mit Gastmusikern wie zum Beispiel Eric Peterson (Testament) oder Tom Angelripper (Sodom) afuwartet.

NAIL WITHIN sind mit ihrem dynamischen und intensiven Album "Sound Of Demise" zurück und mischen Death und Thrash mit einigen Hardcore-Elementen, die durch melodische Doppelgitarren-Leads ausgeglichen werden.
Die Musik ist immer noch sehr rifforientiert und aggressiv, aber auch melodisch, und mischt klassischen Death/Thrash mit einigen Hardcore-Elementen, die durch melodische, doppelte Gitarrenleads ausgeglichen werden.

"OK Cowboy" ist das Debütalbum des französischen Electronic-Produzenten Vitalic und erschien ursprünglich im April 2005 und ist immer noch eins der aufregendsten Dance Alben! Im Rahmen des 40-jährigen Jubiläums von PIAS erscheint das Album nun als limitierte weiße Doppel-Vinyl.

Nachdem The National den Soundcheck für ihren Auftritt in Vancouver am 5. Juni 2023 beendet hatten, spielte die Band einfach weiter. Etwas braute sich zusammen: Die prägnanten Gitarrenparts von Aaron und Bryce Dessner trafen auf den Signature-Drumbeat von Bryan Devendorf. Als der Bassist Scott Devendorf loslegte, fing Matt Berninger an, einige Zeilen zu singen, die schon seit ein paar Jahren in ihm reiften. " Smoke detector, smoke detector / All you need to do is protect her", intonierte er. Ihr Tontechniker ließ die Aufnahme laufen und plötzlich war es ein 12 Minuten-Jam. Sie wussten, dass sie etwas Besonderes hatten, und nahmen die Live-Aufnahme bald darauf in Aarons Studio mit. Sie haben ein paar Minuten gekürzt, aber ansonsten das beibehalten, was auf der Bühne in Vancouver passiert ist. Dieser Song, "Smoke Detector", ist der krönende Abschluss von "Laugh Track", die überraschende zweite Hälfte eines Doppelalbums, das im April mit "First Two Pages of Frankenstein" begann. Es erwies sich als das letzte Kapitel eines Werks, das ansonsten neben dem Schwesteralbum geschrieben wurde - der Schlussakt einer Katharsis, die zeigt, was The National in den letzten drei Jahren durchgemacht haben. Vor zwei Jahren war die "Smoke Detector"-Zeile einer der wenigen Fetzen, die Matt während einer lähmenden Depression schreiben konnte und das zu einer Zeit, in der sich die Band fragte, ob sie jemals wieder ein Album machen würde. Nach der Pandemie belebte ihr neuer Glaube aneinander die kreativen Fähigkeiten wieder. "Weird Goodbyes", das bereits im August 2022 erschien, war ihr erster Durchbruch und der erste Vorgeschmack auf diese neue Ära. "Wir haben es wirklich schnell veröffentlicht, weil es wie ein Baby war, das in der Dunkelheit geboren wurde, oder so", lacht Matt. "Wir mussten es den Menschen zeigen". Aber als sie schließlich mit diesem umfangreichen Werk vorankamen, entschieden sie sich, "Weird Goodbyes" nicht auf das Frankenstein-Album zu nehmen. "Es fühlte sich an, als ob die Geschichte bereits erzählt worden wäre. Es war eine eigene Sache", sagt Aaron. "Aber es fühlte sich auch so an, als hätte es einen Bezug zu dem, was wir taten. Das war ein Teil der Logik für die Aufnahme einer weiteren Platte - wir wollten "Weird Goodbyes" ein eigenes Zuhause geben." "Laugh Track" ist das vielleicht musikalisch bedingungsloseste Album, welches die Band seit Jahren gemacht hat. Es ist aufmüpfig und dennoch leichtfüßig, doch es enthält ebenso viel seltene, ungebremste Schönheit wie Trostlosigkeit. Thematisch gibt es keine absichtliche Trennung zwischen "Frankenstein" und "Laugh Track". Während Matt auf "Frankenstein" eher auf der Suche nach einem Zufluchtsort war, hat er hier eine neue, klare Sicht auf das, was zählt. Sein dringendes Bedürfnis nach Intimität wird durch eine immer größere Angst vor der Unwirklichkeit des modernen Lebens noch verstärkt. Die Charaktere auf diesem Album (keine Vornamen, abgesehen von einer Tourmanagerin namens Alice - nur "ich" und "du") decken einander, träumen füreinander und helfen, den Schein zu wahren - und lösen damit das Versprechen von der gegenseitigen Fürsorge ein, das Matt auf dem Frankenstein-Schlusslied "Send for Me" gegeben hat. Wenn "Frankenstein" ein Zeichen für die Wiederherstellung des Vertrauens zwischen den einzelnen Bandelementen war, so ist das lebendige und neugierige "Laugh Track" das selbstbewusste Produkt dieses Prozesses und eine Absichtserklärung für jetzt und die Zukunft.

2023 markiert den Beginn einer neuen Ära für IN FLAMES mit der Veröffentlichung des vierzehnten Studioalbums Foregone - ein neues Meisterwerk einer Band, deren kreativer Output den Kurs und die Richtung des modernen Metals verändert hat.

Um den Aufwärtstrend fortzusetzen, markiert 2023 auch die Wiederveröffentlichung von vier bahnbrechenden Titeln aus dem umfangreichen Katalog der Band, nämlich A Sense of Purpose (2008) (15th Anniversary Edition inc. The Mirror's Truth EP, die noch nie auf Vinyl erhältlich war), Reroute to Remain (2002), Come Clarity (2006) (mehr als 400.000 verkaufte Exemplare weltweit + Gewinner des schwedischen Grammis-Preises für das beste Hard Rock-Album 2017) und Sounds of a Playground Fading (2011), die alle vergriffen und bei alten und neuen Jesterheads gleichermaßen sehr gefragt waren.

Die Wiederveröffentlichungen von 2023 enthalten alle Original Artworks mit einigen wenigen, sorgfältigen Retuschen. Alle Veröffentlichungen wurden von Justin Shturtz im legendären Sterling Sound Studio in Nashville, Tennessee, speziell für Vinyl neu gemastert. Alle Platten werden auf schweres 180g-Vinyl gepresst und sind mit dem unverkennbaren Jesterhead-Logo auf Seite D (z.B. A Sense of Purpose) versehen!

2023 markiert den Beginn einer neuen Ära für IN FLAMES mit der Veröffentlichung des vierzehnten Studioalbums Foregone - ein neues Meisterwerk einer Band, deren kreativer Output den Kurs und die Richtung des modernen Metals verändert hat.

Um den Aufwärtstrend fortzusetzen, markiert 2023 auch die Wiederveröffentlichung von vier bahnbrechenden Titeln aus dem umfangreichen Katalog der Band, nämlich A Sense of Purpose (2008) (15th Anniversary Edition inc. The Mirror's Truth EP, die noch nie auf Vinyl erhältlich war), Reroute to Remain (2002), Come Clarity (2006) (mehr als 400.000 verkaufte Exemplare weltweit + Gewinner des schwedischen Grammis-Preises für das beste Hard Rock-Album 2017) und Sounds of a Playground Fading (2011), die alle vergriffen und bei alten und neuen Jesterheads gleichermaßen sehr gefragt waren.

Die Wiederveröffentlichungen von 2023 enthalten alle Original Artworks mit einigen wenigen, sorgfältigen Retuschen. Alle Veröffentlichungen wurden von Justin Shturtz im legendären Sterling Sound Studio in Nashville, Tennessee, speziell für Vinyl neu gemastert. Alle Platten werden auf schweres 180g-Vinyl gepresst und sind mit dem unverkennbaren Jesterhead-Logo auf Seite D (z.B. A Sense of Purpose) versehen!

2023 markiert den Beginn einer neuen Ära für IN FLAMES mit der Veröffentlichung des vierzehnten Studioalbums Foregone - ein neues Meisterwerk einer Band, deren kreativer Output den Kurs und die Richtung des modernen Metals verändert hat.

Um den Aufwärtstrend fortzusetzen, markiert 2023 auch die Wiederveröffentlichung von vier bahnbrechenden Titeln aus dem umfangreichen Katalog der Band, nämlich A Sense of Purpose (2008) (15th Anniversary Edition inc. The Mirror's Truth EP, die noch nie auf Vinyl erhältlich war), Reroute to Remain (2002), Come Clarity (2006) (mehr als 400.000 verkaufte Exemplare weltweit + Gewinner des schwedischen Grammis-Preises für das beste Hard Rock-Album 2017) und Sounds of a Playground Fading (2011), die alle vergriffen und bei alten und neuen Jesterheads gleichermaßen sehr gefragt waren.

Die Wiederveröffentlichungen von 2023 enthalten alle Original Artworks mit einigen wenigen, sorgfältigen Retuschen. Alle Veröffentlichungen wurden von Justin Shturtz im legendären Sterling Sound Studio in Nashville, Tennessee, speziell für Vinyl neu gemastert. Alle Platten werden auf schweres 180g-Vinyl gepresst und sind mit dem unverkennbaren Jesterhead-Logo auf Seite D (z.B. A Sense of Purpose) versehen.

Das 35-jährige Jubiläum der Popsensation Milli Vanilli wird mit einer besonderen Veröffentlichung gefeiert, die eine Hommage an die zeitlosen Hits der Kultgruppe darstellt: "The Best of Milli Vanilli (35th Anniversary)". Diese Zusammenstellung verspricht den Fans eine Reise durch Songs, die eine Ära prägten, darunter Chartstürmer wie "Girl You Know It's True", "Blame It On the Rain", "I'm Gonna Miss You" und "Baby Don't Forget My Number". Diese Songs begeistern noch heute ein weltweites Publikum und zeigen den anhaltenden Einfluss von Milli Vanilli auf die Musiklandschaft. Milli Vanilli war eine der populärsten Musikgruppen in den späten 80er und frühen 90er Jahren, von ihrem ersten Album "All Or Nothing" wurden weltweit über 8 Millionen Exemplare verkauft. Mit ihrem Debüt-Hit "Girl, You Know It's True" wurde ein einzigartiger Hype ausgelöst, der die beiden ehemaligen Clubtänzer Rob Pilatus und Fab Morvan zu Pop-Superstars machte. Sie wurden bejubelt, verehrt und gefeiert. 1990 wurde die Gruppe mit einem Grammy als "Best New Artist" ausgezeichnet, der ihr später wieder aberkannt wurde, nachdem bekannt geworden war, dass Rob Pilatus und Fab Morvan - das Gesicht des Projekts - nie wirklich gesungen hatten. Die Songs wurden von Frank Farian produziert - der auch hinter anderen Gruppen wie Boney M., La Bouche und No Mercy steckt - und verwendete die Stimmen der Sänger Brad Howell, John Davis, Jodie Rocco, Linda Rocco und Charles Shaw. Der Skandal machte weltweit Schlagzeilen und das Duo ging getrennte Wege

Das 35-jährige Jubiläum der Popsensation Milli Vanilli wird mit einer besonderen Veröffentlichung gefeiert, die eine Hommage an die zeitlosen Hits der Kultgruppe darstellt: "The Best of Milli Vanilli (35th Anniversary)". Diese Zusammenstellung verspricht den Fans eine Reise durch Songs, die eine Ära prägten, darunter Chartstürmer wie "Girl You Know It's True", "Blame It On the Rain", "I'm Gonna Miss You" und "Baby Don't Forget My Number". Diese Songs begeistern noch heute ein weltweites Publikum und zeigen den anhaltenden Einfluss von Milli Vanilli auf die Musiklandschaft. Milli Vanilli war eine der populärsten Musikgruppen in den späten 80er und frühen 90er Jahren, von ihrem ersten Album "All Or Nothing" wurden weltweit über 8 Millionen Exemplare verkauft. Mit ihrem Debüt-Hit "Girl, You Know It's True" wurde ein einzigartiger Hype ausgelöst, der die beiden ehemaligen Clubtänzer Rob Pilatus und Fab Morvan zu Pop-Superstars machte. Sie wurden bejubelt, verehrt und gefeiert. 1990 wurde die Gruppe mit einem Grammy als "Best New Artist" ausgezeichnet, der ihr später wieder aberkannt wurde, nachdem bekannt geworden war, dass Rob Pilatus und Fab Morvan - das Gesicht des Projekts - nie wirklich gesungen hatten. Die Songs wurden von Frank Farian produziert - der auch hinter anderen Gruppen wie Boney M., La Bouche und No Mercy steckt - und verwendete die Stimmen der Sänger Brad Howell, John Davis, Jodie Rocco, Linda Rocco und Charles Shaw. Der Skandal machte weltweit Schlagzeilen und das Duo ging getrennte Wege

Das 35-jährige Jubiläum der Popsensation Milli Vanilli wird mit einer besonderen Veröffentlichung gefeiert, die eine Hommage an die zeitlosen Hits der Kultgruppe darstellt: "The Best of Milli Vanilli (35th Anniversary)". Diese Zusammenstellung verspricht den Fans eine Reise durch Songs, die eine Ära prägten, darunter Chartstürmer wie "Girl You Know It's True", "Blame It On the Rain", "I'm Gonna Miss You" und "Baby Don't Forget My Number". Diese Songs begeistern noch heute ein weltweites Publikum und zeigen den anhaltenden Einfluss von Milli Vanilli auf die Musiklandschaft. Milli Vanilli war eine der populärsten Musikgruppen in den späten 80er und frühen 90er Jahren, von ihrem ersten Album "All Or Nothing" wurden weltweit über 8 Millionen Exemplare verkauft. Mit ihrem Debüt-Hit "Girl, You Know It's True" wurde ein einzigartiger Hype ausgelöst, der die beiden ehemaligen Clubtänzer Rob Pilatus und Fab Morvan zu Pop-Superstars machte. Sie wurden bejubelt, verehrt und gefeiert. 1990 wurde die Gruppe mit einem Grammy als "Best New Artist" ausgezeichnet, der ihr später wieder aberkannt wurde, nachdem bekannt geworden war, dass Rob Pilatus und Fab Morvan - das Gesicht des Projekts - nie wirklich gesungen hatten. Die Songs wurden von Frank Farian produziert - der auch hinter anderen Gruppen wie Boney M., La Bouche und No Mercy steckt - und verwendete die Stimmen der Sänger Brad Howell, John Davis, Jodie Rocco, Linda Rocco und Charles Shaw. Der Skandal machte weltweit Schlagzeilen und das Duo ging getrennte Wege

SIGIR ist eine Melodic Death Metal Band aus Finnland.

Sie kommen aus den Wäldern und folgen dem Weg, den Bands wie Amorphis, Children Of Bodom und Opeth beschritten haben. Sie sind noch jung und kommen aus einer Gegend, von der selbst die Finnen nicht wissen, dass sie existiert, und gehören zu der jungen Generation mit phänomenalen Spielfähigkeiten. Mit Hilfe von Jakob Herrmann (Schlagzeugproduktion), Jake E (Gesangsproduktion) und Euge Valovirta (Produzent) und Petri Alanko (Programmierung, Orchester), haben sie ein atemberaubendes Debütalbum geschaffen.

Erlebe die zeitlose Anziehungskraft von The Kinks mit der Best Of "The Journey - Part 2". Eine aufregende Odyssee durch die ikonischen Hits der Band, darunter das elektrisierende "Till The End of The Day", das überschwängliche "David Watts", die sonnengetränkten Vibes von "Sunny Afternoon" und die rebellische Hymne "20th Century Man", sowie viele, viele mehr.

Diese Veröffentlichung enthält drei unveröffentlichte, neu abgemischte Live-Tracks von den legendären "New Victoria Suite"-Aufführungen, die euch in die erste Reihe bringen, um die rohe Energie und musikalische Brillanz der Band zu hören.

Um die Magie von "The Journey Part 2" noch zu verstärken, enthält diese Veröffentlichung wunderschön gestaltete Linernotes von der Band selbst. Sie beleuchten die bemerkenswerte Reise der Band, den kreativen Prozess, denkwürdige Anekdoten und das bleibende Vermächtnis der Kinks und geben einen Einblick in die Welt der Band und die Geschichten, die hinter diesen zeitlosen Klassikern stehen.

Für die ultimativen Kinks-Fans gibt es auch eine 2CD-Version mit einer erweiterten Tracklist. So wird sichergestellt, dass jeder Fan in den Genuss dieser geschätzten Klassiker und seltenen Live-Perlen kommt.

Lass dich von der Nostalgie anstecken und genieße die unvergleichliche Klangwelt der Kinks.

Twentysomething Dwight Yoakam was literally the new kid in country music when he stepped onto the Austin City Limits stage in October 1988. But even then, as he has ever since, he was doing things his own way. Dwight was born in a small Kentucky town and grew up listening to mountain and bluegrass music, and unlike most of the mainstream country-pop crooners of the eighties, he almost single-handedly revived the rockabilly / honky tonk / hillbilly sound that was one of the cornerstones of country music’s formative years. Early on he discovered the fabled “Bakersfield” sound of the 60’s and adopted it as his own, in the tradition of country legends Merle Haggard and Buck Owens. Buck, in fact, became his hero and friend. When Dwight was playing a fair in Bakersfield, he stopped by Buck’s office and coaxed him into playing a few songs with him onstage that night. The result was a lasting friendship and their historic duet, “Streets Of Bakersfield.” Much like his heroes, Dwight has been true to his roots and breaking new ground for almost 20 years. - Terry Lickona (Producer Austin City Limits)

Niemals war der Entstehungsprozeß eines SONGS:OHIA Albums so wesentlich in seinem Gesamtgefühl wie bei "Didn't It Rain", dem mittlerweile sechsten Album der Band, das von Edan Cohen aufgenommen wurde. Das gesamte Album wurde live ohne Overdubs eingespielt, die gesamte Band spielte in einem Raum. Kaum eine Armlänge voneinander entfernt, teilten sich die Sänger Jason Molina, Jennie Benford und Jim Krewson ein einziges Mikrophon. Das Resultat ist ein Sound voller Wärme und Persönlichkeit, der an Aufnahmen aus den frühen und Mitte der 70er Jahre erinnert. Von einem gleichnamigen Song von Mahalia Jackson inspiriert, kommt der Titeltrack als wunderschöner Song über die Höhen und Tiefen des Lebens. Jason Molina hat eine Platte geschaffen, die noch persönlicher und heilender ist, als seine vorangegangenen Arbeiten; was für Neil Young "After The Goldrush" war, ist für Molina "Didn't It Rain".