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Chris Korda is an internationally renowned multimedia artist, whose work spans thirty years and includes electronic music, digital and video art, performance and conceptual art, and culture jamming. Chris pioneered the use of complex polymeter in electronic dance music, and invented a unique MIDI sequencer in order to explore polymeter composition techniques. Chris composes and performs music in a variety of genres, and has released many albums on labels such as Perlon, Mental Groove, and Gigolo Records. Chris also worked as a computer programmer for thirty-five years.

Her new album "Passion For Numbers" is one of the very few album in the world entirely composed in complex polymeter, meaning that each pieces of music uses several prime meters simultaneously. A unique way to compose music with a new generation of musical algorithmic, inside which Korda injects the DNA of neo classical, ambient and jazz music.

This refreshing album will please you whether you are into complex musical composition, experimental music or just seeking for a beautiful, emotional and accessible musical moment. This is a "In your hearts not the charts" album, as Irdial Discs once said.

Pleases read an extract of Chris Korda's letter about Passion For Numbers, included as insert in its entirety in this vinyl release:

This is an album of piano music, but I wrote it without a piano. Not having a piano turned out to be constructive, because I had to rely on my brain instead of my fingers, and particularly on my imagination and inner hearing. The album belongs to a category called phase music, and it’s also algorithmic, or more precisely rules-based generative music.

I don’t write music in the usual sense of the word “write.” I build kinetic sculptures, and the sculptures generate my music. My sculptures are virtual, meaning they’re invisible machines that exist only as data within my home-grown software.
My process is related to the work of a relatively obscure early 20th century artist named Thomas Wilfred. Like me, Wilfred was an engineer-artist, and built machines that generated art from phase shift.

My music is in complex polymeter, meaning it’s not just in odd time, but in multiple odd time signatures, and not one odd time signature after another sequentially, but all of them running concurrently. Most music isn’t constructed this way, which is why I needed to develop custom software in order to compose my music. My software is called The Polymeter MIDI Sequencer, and you can easily find it on the Internet. I also use music set theory, change-ringing and gray code, explanations of which can be found in Wikipedia.

Chris Korda

2005 erschien die erste CD auf der Wolfgang Ambros
Lieder von Hans Moser interpretierte. Es war, das kann
man im Nachhinein sagen, ein gewagtes Experiment das
Ur-Wienerische von einer Generation in die nächste zu
heben. Doch allen Unkenrufen zum Trotz: Die CD stieg in den
offiziellen Verkaufscharts bis auf Platz 5 und die Live-DVD
debütierte gar auf der Eins. Und da im Archiv noch zahlreich
weitere Wienerlieder schlummerten, setzten sich Christian
Kolonovits und Wolfgang Ambros noch einmal zusammen,
spielten eine weitere CD ein und auch diese schaffte es 2008
in die österreichischen Top10: bis auf Rang 8. Weil schließlic
aller guten Dinge drei sind, gibt es nun mit „Der alte Sünder
eine weitere „Ambros singt Moser“, wieder mit dem
Ambassade Orchester Wien unter Leitung des Mastermindes
Christian Kolonovits!
„Der alte Sünder“ gibt es traditionell auf Vinyl und als
limitierte Sonderedition auf Gold-Vinyl!

2005 erschien die erste CD auf der Wolfgang Ambros
Lieder von Hans Moser interpretierte. Es war, das kann
man im Nachhinein sagen, ein gewagtes Experiment das
Ur-Wienerische von einer Generation in die nächste zu
heben. Doch allen Unkenrufen zum Trotz: Die CD stieg in den
offiziellen Verkaufscharts bis auf Platz 5 und die Live-DVD
debütierte gar auf der Eins. Und da im Archiv noch zahlreich
weitere Wienerlieder schlummerten, setzten sich Christian
Kolonovits und Wolfgang Ambros noch einmal zusammen,
spielten eine weitere CD ein und auch diese schaffte es 2008
in die österreichischen Top10: bis auf Rang 8. Weil schließlic
aller guten Dinge drei sind, gibt es nun mit „Der alte Sünder
eine weitere „Ambros singt Moser“, wieder mit dem
Ambassade Orchester Wien unter Leitung des Mastermindes
Christian Kolonovits!
„Der alte Sünder“ gibt es traditionell auf Vinyl und als
limitierte Sonderedition auf Gold-Vinyl!

White Vinyl

The Duo met on a rainy day in Tilburg (NL) while working for a dance project — they came down from very different roads. Fhunyue, a stage director–performer–musician chameleon, works alone or collaborate with Annalena Fröhlich (Robinrobin, Just Another Woman In Space), Thom Luz, Unplush, Peeping Tom, Dorit Chrysler, Ko Murobushi, Damien Jalet, The Scottish Dance Theatre, Bern Ballett, for a most colourful variety of venues in Europe. She is a member of the music association Bongo Joe (Switzerland). Sven, an established musician living between Hamburg and Nairobi, who released several records on Honest Jons and Bureau B and collaborated with several artists like Shabaka Hutchings, Ogoya Nengo, Marc Ribot, John McEntire, Sofia Jernberg, Nils Frahm, Hauschka, F.S. Blumm and Stefan Schneider.

Their encounter quickly revealed that both their musical sensitivity and their instruments (Marimbas, Drums, Percussions, Electronics, Theremin, Buchla Synthesizer, Piano) matched stunningly, and that they had to play together. After a short while of rocky life adventures and theatre projects in which they collaborated, their off rehearsal sessions would become a lively necessity. The wish to give birth to a project entirely their own, grew so strong that they locked themselves in Sven’s studio at Jaffestrasse in Hamburg, and started working on the debut of their duet. They are happy to present and share with you their labour of love, in hope that it will be good to your heart.

Es braucht nur ein paar Sekunden, bis die verführerisch honigsüß-rauchige Stimme von Sängerin Jillian Taylor, Johnny Scarps' satte, knackige Gitarrenriffs und Sean Hurs große, beinahe nostalgische Rockorgel auf '1000 Years', dem ersten Track von RUBY THE HATCHETs neuer EP "Live at Earthquaker" ihre Hooks fest in Herzen und Ohren versenken.
Durch die Adern von "Live at Earthquaker" pulsiert eine organische, rohe Energie, da die EP im Hauptquartier der EarthQuaker Devices in Akron, Ohio während der US-Tour mit KADAVAR komplett live aufgenommen wurde. Die drei Tracks bestehen aus zwei frühen Versionen brandneuer Songs, die auf dem für 2022 angekündigten neuen Studioalbum der Riff-Rocker in überarbeiteten, voll produzierten Fassungen erneut auftauchen werden. Mit ihrer erstmals in physischer Form erscheinenden, wilden Interpretation von URIAH HEEPs 70er-Hymne 'Easy Livin'' setzen RUBY THE HATCHET der EP das Sahnehäubchen auf.
"Live at Earthquaker" ist ein köstlicher Vorgeschmack auf die mit Spannung erwartete Rückkehr der Band aus New Jersey mit einem frischen Album und Konzertreisen im Jahr 2022.

Es braucht nur ein paar Sekunden, bis die verführerisch honigsüß-rauchige Stimme von Sängerin Jillian Taylor, Johnny Scarps' satte, knackige Gitarrenriffs und Sean Hurs große, beinahe nostalgische Rockorgel auf '1000 Years', dem ersten Track von RUBY THE HATCHETs neuer EP "Live at Earthquaker" ihre Hooks fest in Herzen und Ohren versenken.
Durch die Adern von "Live at Earthquaker" pulsiert eine organische, rohe Energie, da die EP im Hauptquartier der EarthQuaker Devices in Akron, Ohio während der US-Tour mit KADAVAR komplett live aufgenommen wurde. Die drei Tracks bestehen aus zwei frühen Versionen brandneuer Songs, die auf dem für 2022 angekündigten neuen Studioalbum der Riff-Rocker in überarbeiteten, voll produzierten Fassungen erneut auftauchen werden. Mit ihrer erstmals in physischer Form erscheinenden, wilden Interpretation von URIAH HEEPs 70er-Hymne 'Easy Livin'' setzen RUBY THE HATCHET der EP das Sahnehäubchen auf.
"Live at Earthquaker" ist ein köstlicher Vorgeschmack auf die mit Spannung erwartete Rückkehr der Band aus New Jersey mit einem frischen Album und Konzertreisen im Jahr 2022.

Honey for Petzi sind zurück! Heute feiern wir, (etwas) mehr als ein Jahrzehnt nach dem letzten Album (General Thoughts and Tastes, 2011), eine neue Veröffentlichung des Trios aus der Westschweiz
'Observations + Descriptions' durch Two Gentlemen! Auf dem neuen Album finden sich zwölf Tracks voller offener, agiler und sich entwickelnder Emotionen - wie mit einem scharfen und subtilen Messer geschnitten.
Das Trio, bestehend aus Sami Benhadj Djilali (Gitarre und Gesang), Philippe Oberson (Bass und Gesang) und Christian Pahud (Schlagzeug und Gesang), entstand Ende des 20. Jahrhunderts in Lausanne. Als damals die Post-Rock-Szene aufblühte krönten Honey For Petzi diesen Prozess mit ihren packenden Rhytmen, schwachen Beats, Fallen und Synkopen. Diese Ästhetik hat im Laufe der Jahre über die herausragenden Alben der Band - insbesondere Heal All Monsters (produziert von Steve Albini) und Nicholson (2003), beide auf Two Gentlemen - mehrere Mutationen erfahren.
Ende 2021 veröffentlichten Honey for Petzi mit 'Écoute' ein neues Stück: Die ungeraden Taktarten, die das bisherige Schaffen des Trios kennzeichneten, sind zwar vorhanden, werden aber durch eine einen befreienden Impuls ergänzt, den man so noch nicht gehört hatte. Grammatikalisch gesehen könnte 'Écoute' in zwei Kategorien eingeordnet werden: als Substantiv (die Handlung des Zuhörens), aber vielleicht auch als Imperativ. Dies impliziert: alles ist möglich.
Und in der Tat: Dieser Track ist sowohl ein Vorspann als auch eine Einladung, das gesamte Album 'Observations + Descriptions' zu entdecken, das heute veröffentlicht wird. Die Band erklärt gemeinsam die Entstehung des Al bums wie folgt: 'Es war Ende 2018, als wir auf die Idee kamen, wieder zusammen zu spielen. Nach ein paar gemeinsamen Tagen wurde 'Observations + Descriptions' 2019 und 2020 geschrieben. Anfang 2021 reichten wir die neuen Songs bei unserem Label ein, welches begeistert und interessiert war, das Album zu veröffentlichen.'
Verständlich! Diese Platte enthält ein ganzes Arsenal an Waffen. Treibende Steigerungen: Apnée (welcher Ende 2021 auch als Single veröffentlicht wurde), Island oder Géométrie zeichnen sich durch eine polyrhythmische Raserei aus, die den Weg für verrückte Tänze ebnet. Echorec geht sogar noch einen Schritt weiter: ein wuchtiger Bass, eine vielschichtige Gitarre: ein reines Meisterwerk an Energie und Seltsamkeit - wie Kawasaki und sein parodistischer und trockener Humor, inspiriert
von dem Paar Bardot/Gainsbourg.
Lasst es uns noch einmal von der Band selbst hören: 'Wir haben da weitergemacht, wo wir mit 'General Thoughts and Tastes' aufgehört haben. Es war ein Album, das bereits mehr ‘Pop’-Formate enthielt, als wir zuvor gemacht hatten.' Die ätherische Subtilität anderer Tracks auf 'Observations + Descriptions' (wie Infini oder Dog even) mit ihren herzzerreissenden Akkorden zeugt von einer Wende, die zudem mit einer grösseren Risikobereitschaft einhergeht: 'Neu an diesem Album ist
die (signifikante) Präsenz von Titeln, die auf Französisch gesungen werden. Dies ist ein fruchtbarer Schritt, der uns direkt in die Poesie von Benhadj Djilali, Oberson und Pahud führt: etwas, das gleichzeitig eine Form der Detailgenauigkeit, des halbautomatischen Schreibens und der Melancholie, manchmal sogar der elegischen Ekstase ist.'
'Observations + Descriptions', und das ist seine tour de force, schafft es, diese Wege, von denen man annehmen könnte, dass sie parallel verlaufen oder sich gar kreuzen, zu einer mehr als kohärenten Einheit zu verbinden. Vielleicht ist es ganz einfach eine Definition von Identität: die Aufrechterhaltung eines starken Herzens unter der Vielfalt seiner Bewegungen.

Mit ihrem neuen und dritten Studioalbum "Ad Astra" melden sich BLOODRED etwas mehr als ein Jahr nach der Veröffentlichung ihres letzten Albums "The Raven's Shadow" zurück und zeigen sich reifer und vielschichtiger denn je!

Musikalisch hat Ron Merz daran gearbeitet, die Charakteristika von BLOODRED weiter zu verfeinern, ohne den typischen Sound aufzugeben. Auf dem Album finden sich wuchtige Death Metal-Songs neben epischen Hymnen mit mehr als nur einem Hauch von Black, einprägsame Melodien und komplexe Songstrukturen. All dies gipfelt im Titelsong, der mit einer Spielzeit von über 11 Minuten alle typischen BLOODRED-Merkmale vereint und den Hörer absolut herausfordern will. Jeder Song kann auf dem neuen Album für sich stehen und dennoch ist "Ad Astra" ein stimmiges Album, das alle Fans von extremem Metal unbedingt im Auge behalten sollten.

The Duo met on a rainy day in Tilburg (NL) while working for a dance project — they came down from very different roads. Fhunyue, a stage director–performer–musician chameleon, works alone or collaborate with Annalena Fröhlich (Robinrobin, Just Another Woman In Space), Thom Luz, Unplush, Peeping Tom, Dorit Chrysler, Ko Murobushi, Damien Jalet, The Scottish Dance Theatre, Bern Ballett, for a most colourful variety of venues in Europe. She is a member of the music association Bongo Joe (Switzerland). Sven, an established musician living between Hamburg and Nairobi, who released several records on Honest Jons and Bureau B and collaborated with several artists like Shabaka Hutchings, Ogoya Nengo, Marc Ribot, John McEntire, Sofia Jernberg, Nils Frahm, Hauschka, F.S. Blumm and Stefan Schneider.

Their encounter quickly revealed that both their musical sensitivity and their instruments (Marimbas, Drums, Percussions, Electronics, Theremin, Buchla Synthesizer, Piano) matched stunningly, and that they had to play together. After a short while of rocky life adventures and theatre projects in which they collaborated, their off rehearsal sessions would become a lively necessity. The wish to give birth to a project entirely their own, grew so strong that they locked themselves in Sven’s studio at Jaffestrasse in Hamburg, and started working on the debut of their duet. They are happy to present and share with you their labour of love, in hope that it will be good to your heart.

Produziert von Jorge Elbrecht (SKY FERREIRA, JAPANESE BREAKFAST, WILD NOTHING) ist "Giving The World Away" HATCHIEs bisher ausuferndstes Werk. Mit umfangreichem Input von ihrem langjährigen Kollaborateur Joe Agius, nimmt es die himmlischen, schimmernden Shoegaze- und Pop-Sensibilitäten ihrer früheren Veröffentlichungen auf, dreht aber den Lautstärke-Regler um das Zehnfache auf. Ursprünglich wollte Harriette Pilbeam mit diesen Songs eine energischere Richtung einschlagen - sie hatte die klare Vision einer HATCHIE-Show, die sich in eine Tanzparty verwandelt und mehr Bewegung und Lebendigkeit in ihre Live-Shows bringt. Aber dann, zwischen Covid und den Lockdowns in Australien, zog sich Pilbeam mehr in sich selbst zurück, und diese Selbstbeobachtung und Selbstfindung diente als wahre Inspiration für die Platte. In "Giving The World Away" kehrt sie immer wieder zu demselben Thema zurück - verinnerlichte Scham abzubauen und Dankbarkeit und Beständigkeit zu finden, und endlich in der Lage zu sein, sich selbst zu vertrauen. Harriette Pilbeam wuchs als Jüngste in ihrer Familie auf, ein selbst bezeichnetes "großes Baby", aber sie sagt, die letzten anderthalb Jahre hätten ihr den Raum gegeben, sich selbst besser zu verstehen. Nach Jahren der emotionalen Selbstverleugnung legt sie hier ihre Ängste offen. "Giving The World Away" ist ein Album über Selbstvertrauen, über Rückgewinnung, über die seltsame Zeit im jungen Erwachsenenalter, in der man endlich in der Lage ist, sich selbst klar zu sehen. "Giving The World Away" ist der bisher klarste Blick auf Pilbeam und ein Zeugnis der Kraft und des Mutes, die daraus entstehen, wenn man sich verletzlich zeigt und sein Herz aufs Spiel setzt.

Produziert von Jorge Elbrecht (SKY FERREIRA, JAPANESE BREAKFAST, WILD NOTHING) ist "Giving The World Away" HATCHIEs bisher ausuferndstes Werk. Mit umfangreichem Input von ihrem langjährigen Kollaborateur Joe Agius, nimmt es die himmlischen, schimmernden Shoegaze- und Pop-Sensibilitäten ihrer früheren Veröffentlichungen auf, dreht aber den Lautstärke-Regler um das Zehnfache auf. Ursprünglich wollte Harriette Pilbeam mit diesen Songs eine energischere Richtung einschlagen - sie hatte die klare Vision einer HATCHIE-Show, die sich in eine Tanzparty verwandelt und mehr Bewegung und Lebendigkeit in ihre Live-Shows bringt. Aber dann, zwischen Covid und den Lockdowns in Australien, zog sich Pilbeam mehr in sich selbst zurück, und diese Selbstbeobachtung und Selbstfindung diente als wahre Inspiration für die Platte. In "Giving The World Away" kehrt sie immer wieder zu demselben Thema zurück - verinnerlichte Scham abzubauen und Dankbarkeit und Beständigkeit zu finden, und endlich in der Lage zu sein, sich selbst zu vertrauen. Harriette Pilbeam wuchs als Jüngste in ihrer Familie auf, ein selbst bezeichnetes "großes Baby", aber sie sagt, die letzten anderthalb Jahre hätten ihr den Raum gegeben, sich selbst besser zu verstehen. Nach Jahren der emotionalen Selbstverleugnung legt sie hier ihre Ängste offen. "Giving The World Away" ist ein Album über Selbstvertrauen, über Rückgewinnung, über die seltsame Zeit im jungen Erwachsenenalter, in der man endlich in der Lage ist, sich selbst klar zu sehen. "Giving The World Away" ist der bisher klarste Blick auf Pilbeam und ein Zeugnis der Kraft und des Mutes, die daraus entstehen, wenn man sich verletzlich zeigt und sein Herz aufs Spiel setzt.

Das brandneue Album des Songwriters, Produzenten, Multi-Instrumentalisten und langjährigem Bon Iver-Mitglieds ist sowohl persönlicher als auch kollaborativer, als er es je hätte vorhersagen können. In den vier Jahren seit seinem letzten Album "Hundred Acres" hat Sean Carey diese 10 Songs in der herausforderndsten und von Veränderungen geprägten Zeit seines Lebens geschrieben. Von der Aufnahme und Reflexion zu Hause in Eau Claire, über die Zusammenarbeit mit den Co-Produzenten Chris Messina und Zach Hanson in einem Studio-Außenposten in Gualala bis hin zu einer unvergesslichen Erleuchtung während eines ruhigen Moments beim Fliegenfischen in Montana - "Break Me Open" zeigt, wie Carey den Schmerz über das Auseinanderbrechen seiner Ehe, das Ableben seines Vaters und das Aufwachsen seiner Kinder verarbeitet, nur um mit einem überwältigenden Gefühl der Dankbarkeit und Großzügigkeit daraus hervorzugehen. Vor dem Hintergrund einer Pandemie erschütterten diese Erfahrungen von Trauer und Verlust S. Carey bis ins Mark und ließen ihn sich fragen, wer er war und wohin er gehen wollte. Doch mit dem Versprechen, präsent und verletzlich zu bleiben, ging er weiter nach vorne, fand heraus, wo die Angst schwelte, und kanalisierte diese Gefühle in die Musik. In den letzten zehn Jahren ist S. CAREY zu einem unverzichtbaren Kollaborateur innerhalb der Bon Iver-Gemeinschaft und darüber hinaus geworden. Er hat an Sufjan Stevens "Carrie & Lowell" mitgewirkt, mit Low und anderen Songs geschrieben und produziert, während er sein eigenes Werk durch Themen wie Natur und Nachhaltigkeit, Jazz-Anklänge und herzliche Lyrik vorantreibt. Auf "Break Me Open" öffnet er nicht nur sich selbst und die intime Inspirationsquelle für die meisten gemeinsam geschriebenen Songs, die er je auf einem Album hatte, sondern er heißt auch mehr Stimmen in seiner Welt willkommen als je zuvor. Bläser-Arrangements von CJ Camerieri (CARM), die Streicher kommen von dem meisterhaften Rob Moose, mit zusätzlicher Unterstützung von Ben Lester, Jeremy Boettcher, Nick Hall, John Raymond, Chris Thomson, Eli Teplin und Talyor Deupree.

Das brandneue Album des Songwriters, Produzenten, Multi-Instrumentalisten und langjährigem Bon Iver-Mitglieds ist sowohl persönlicher als auch kollaborativer, als er es je hätte vorhersagen können. In den vier Jahren seit seinem letzten Album "Hundred Acres" hat Sean Carey diese 10 Songs in der herausforderndsten und von Veränderungen geprägten Zeit seines Lebens geschrieben. Von der Aufnahme und Reflexion zu Hause in Eau Claire, über die Zusammenarbeit mit den Co-Produzenten Chris Messina und Zach Hanson in einem Studio-Außenposten in Gualala bis hin zu einer unvergesslichen Erleuchtung während eines ruhigen Moments beim Fliegenfischen in Montana - "Break Me Open" zeigt, wie Carey den Schmerz über das Auseinanderbrechen seiner Ehe, das Ableben seines Vaters und das Aufwachsen seiner Kinder verarbeitet, nur um mit einem überwältigenden Gefühl der Dankbarkeit und Großzügigkeit daraus hervorzugehen. Vor dem Hintergrund einer Pandemie erschütterten diese Erfahrungen von Trauer und Verlust S. Carey bis ins Mark und ließen ihn sich fragen, wer er war und wohin er gehen wollte. Doch mit dem Versprechen, präsent und verletzlich zu bleiben, ging er weiter nach vorne, fand heraus, wo die Angst schwelte, und kanalisierte diese Gefühle in die Musik. In den letzten zehn Jahren ist S. CAREY zu einem unverzichtbaren Kollaborateur innerhalb der Bon Iver-Gemeinschaft und darüber hinaus geworden. Er hat an Sufjan Stevens "Carrie & Lowell" mitgewirkt, mit Low und anderen Songs geschrieben und produziert, während er sein eigenes Werk durch Themen wie Natur und Nachhaltigkeit, Jazz-Anklänge und herzliche Lyrik vorantreibt. Auf "Break Me Open" öffnet er nicht nur sich selbst und die intime Inspirationsquelle für die meisten gemeinsam geschriebenen Songs, die er je auf einem Album hatte, sondern er heißt auch mehr Stimmen in seiner Welt willkommen als je zuvor. Bläser-Arrangements von CJ Camerieri (CARM), die Streicher kommen von dem meisterhaften Rob Moose, mit zusätzlicher Unterstützung von Ben Lester, Jeremy Boettcher, Nick Hall, John Raymond, Chris Thomson, Eli Teplin und Talyor Deupree.

Picture/ Shape vinyl, Sammlerstück in limitierter Auflage dieses Thrash Metal Klassikers von DESTRUCTION!

High Roller Records, lyric sheet, ltd 500. Picture Shape Schallplatten sind besondere Accessoires, welche einzigartig aussehen, aber sicherlich nicht die Klangqualität einer herkömmlichen Pressung darbieten werden. Vor allem sind sie als Sammlerstücke mit optischem Faktor zu betrachten.Leichte Verkrümmungen durch den Herstellungsprozess, die jedoch die Bespielbarkeit nicht beeinträchtigen, können auftreten.

HRR 848PS, ltd 500, lyric sheet

Picture Shape Schallplatten sind besondere Accessoires, welche einzigartig aussehen, aber sicherlich nicht die Klangqualität einer herkömmlichen Pressung darbieten werden. Vor allem sind sie als Sammlerstücke mit optischem Faktor zu betrachten.Leichte Verkrümmungen durch den Herstellungsprozess, die jedoch die Bespielbarkeit nicht beeinträchtigen, können auftreten.

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Picture/ Shape vinyl, Sammlerstück in limitierter Auflage dieses Thrash Metal Klassikers von DESTRUCTION!

High Roller Records, lyric sheet, ltd 460, Picture Shape Schallplatten sind besondere Accessoires, welche einzigartig aussehen, aber sicherlich nicht die Klangqualität einer herkömmlichen Pressung darbieten werden. Vor allem sind sie als Sammlerstücke mit optischem Faktor zu betrachten.Leichte Verkrümmungen durch den Herstellungsprozess, die jedoch die Bespielbarkeit nicht beeinträchtigen, können auftreten.

Picture/ Shape vinyl, Sammlerstück in limitierter Auflage dieses Thrash Metal Klassikers von DESTRUCTION!

High Roller Records, ltd 500. Picture Shape Schallplatten sind besondere Accessoires, welche einzigartig aussehen, aber sicherlich nicht die Klangqualität einer herkömmlichen Pressung darbieten werden. Vor allem sind sie als Sammlerstücke mit optischem Faktor zu betrachten. Leichte Verkrümmungen durch den Herstellungsprozess, die jedoch die Bespielbarkeit nicht beeinträchtigen, können auftreten.

Nachdem sich Noorvik auf ihren ersten beiden Alben thematisch den kälteren Sphären gewidmet haben, geht es mit dem neuen Album "Hamartia" unter veränderter Besetzung in die feurige Welt der griechischen Mythologie. Die Geschichte des Königs Tantalos steht im Mittelpunkt einer musikalischen Reise, die auch in ihrem Umfang episch ist: Knapp 70 Minuten progressiver Instrumental-Musik, in der Tantalos die Konsequenzen seines überheblichen Handelns zu spüren bekommt und am Ende vom Glück ins Unglück - den Tartaros - stürzt. "Hamartia" zeigt metaphorisch, wie die Gier und Überheblichkeit des Menschen zu dessen Untergang führt. Narzissmen und Egoismen überstrahlen die unberührte Schönheit der Welt und die Unschuld ihrer Bewohner. Tantalos steht sinnbildlich für ein Menschenbild in Gesellschaften, was auf dem Vormarsch ist, jedoch irgendwann die unausweichliche Konsequenz seines Handelns erleben wird. Noorvik spiegeln auf "Hamartia" aber auch die Verzweiflung und Hoffnung einer Generation wider, etwas verändern und den Ist-Zustand nicht tolerieren zu wollen. Dabei wird klar, dass der uralte Mythos um Tantalos auch heute noch relevant ist. Noorvik präsentieren acht instrumentale Rock- und Metal-Songs, die Spannungen provozieren, aber auch Hoffnung verströmen.

Revealed in the late 90s with his astonishing album “A Grand Love Story”, Kid Loco soon became a successful act on the international Trip Hop scene. The parisian artist is back with an album of covers called Born In The 60’s. On this record, Kid Loco pays tribute to all the acts he admires since he was a teenager, with cool tempo versions of The Rolling Stones, The Stooges, The Pink Floyd or even The Temptations.

Produziert von Jorge Elbrecht (SKY FERREIRA, JAPANESE BREAKFAST, WILD NOTHING) ist "Giving The World Away" HATCHIEs bisher ausuferndstes Werk. Mit umfangreichem Input von ihrem langjährigen Kollaborateur Joe Agius, nimmt es die himmlischen, schimmernden Shoegaze- und Pop-Sensibilitäten ihrer früheren Veröffentlichungen auf, dreht aber den Lautstärke-Regler um das Zehnfache auf. Ursprünglich wollte Harriette Pilbeam mit diesen Songs eine energischere Richtung einschlagen - sie hatte die klare Vision einer HATCHIE-Show, die sich in eine Tanzparty verwandelt und mehr Bewegung und Lebendigkeit in ihre Live-Shows bringt. Aber dann, zwischen Covid und den Lockdowns in Australien, zog sich Pilbeam mehr in sich selbst zurück, und diese Selbstbeobachtung und Selbstfindung diente als wahre Inspiration für die Platte. In "Giving The World Away" kehrt sie immer wieder zu demselben Thema zurück - verinnerlichte Scham abzubauen und Dankbarkeit und Beständigkeit zu finden, und endlich in der Lage zu sein, sich selbst zu vertrauen. Harriette Pilbeam wuchs als Jüngste in ihrer Familie auf, ein selbst bezeichnetes "großes Baby", aber sie sagt, die letzten anderthalb Jahre hätten ihr den Raum gegeben, sich selbst besser zu verstehen. Nach Jahren der emotionalen Selbstverleugnung legt sie hier ihre Ängste offen. "Giving The World Away" ist ein Album über Selbstvertrauen, über Rückgewinnung, über die seltsame Zeit im jungen Erwachsenenalter, in der man endlich in der Lage ist, sich selbst klar zu sehen. "Giving The World Away" ist der bisher klarste Blick auf Pilbeam und ein Zeugnis der Kraft und des Mutes, die daraus entstehen, wenn man sich verletzlich zeigt und sein Herz aufs Spiel setzt.

AUDREY Horne liefern skandinavischen Hard Rock der Extraklasse!
AUDREY HORNE sind zurück – mit unstillbarem Hunger und destilliertem Rock’n’Roll in den Venen! 2002 geründet erspielten sich die Norweger um Ausnahmesänger Toschie und Enslaved Gitaristen Ice Dale schnell den Status als eine der besten Live Bands in der Szene. Sie gehörten zu den ersten, die den Radio Rock der 70er und 80er Jahre wiederbelebten und die Tradition von Frank Stallone, Toto und Billy Joel fortführten, lange bevor das zum Trend wurde. Vier Jahre nach Blackout sind die Norweger mit ihrem siebten Album zurück! Devil’s Bell erscheint am 22. April 2022 und ist ein grandioses Rock’n’Roll-Album voller Ohrwürmer!

Devil’s Bell kommt mit 9 mitreißenden Songs daher, die Konzerthallen auf der ganzen Welt zum Beben bringen werden. Man spürt in jeder Sekunde, dass das Album die stickige Luft eines schweißgebadeten
Konzertabends atmet.

Toschie beweist einmal mehr, dass er eine der charismatischsten und energetischsten Stimmen im Hard Rock hat. Die herausragende Gitarrenarbeit von Ice Dale (Enslaved) und Thomas Tofthagen (ex-Sahg) unterstreicht den bemerkenswerten Mix aus 70er und 80er Rock mit NWOBHM. Wie bei jedem AUDREY HORNE Album gehen die Songs nahtlos ineinander über und bleiben schon beim ersten Hören hängen – ein modernes Hard Rock-Album der Extraklasse!

Am 22.04. erscheint ”Epithymia” von Die Andere Seite. Ein erstes Album, aber kein klassisches Debüt, denn: Bis vor kurzem traten Tom Schilling und seine Band noch als Tom Schilling & The Jazz Kids auf und veröffentlichten als solche 2017 das Album ”Vilnius”. Die Besetzung ist zwar weitestgehend gleichgeblieben und auch Moses Schneider ist wieder dabei. Doch mit Die Andere Seite wird in vielfacher Hinsicht ein neues Kapitel aufgeschlagen, was sich auch in den zehn Liedern von ”Epithymia” manifestiert.

”Mir gefällt natürlich, dass ‚Die Andere Seite‘ eine Metapher für den Tod ist. Das passt gut zu einem Sehnsuchts-Album. Wenn man dieses unstillbare Gefühl in sich trägt, erlebt man vieles intensiver, aber
man fühlt sich oft auch fremd und heimatlos in dieser Welt”, so Tom Schilling. ”Ich weiß nur, dass der Kern meiner Sehnsucht letztlich der Wunsch nach innerem Frieden ist. Nach dem Ankommen. Dem Nichts. Zu Ende gedacht also vielleicht die Sehnsucht nach dem Tod.”

”Epithymia” ist ein besonderes, ein intensives, ein herausforderndes Album. Was nicht nur für die Musik gilt. Für das Artwork fand Tom Schilling eine Künstlerin, die seiner Arbeit und seinen Gedanken sehr nahe steht: Natalie Huth, die aus alten Zeitschriften, Zeitungen und Fotografien dunkle, mal Angst einflößende, mal romantische Collagen fertigt, hat nicht nur das Album-Cover gestaltet – sie bebildert jeden Track des Albums mit ihren düsteren Arbeiten.

Roger Eno ist ein britischer Komponist und Musiker, dessen unverwechselbarer Stil als Aufnahmekünstler Kultstatus erlangt hat. Letztes Jahr gab er sein Debüt bei der Deutschen Grammophon mit Mixing Colours, seinem ersten Duo-Album mit seinem Bruder Brian, das mit großem Erfolg veröffentlicht wurde. Nun erscheint Rogers neuestes Soloalbum, The Turning Year, am 22. April 2022 beim Yellow Label.

The Turning Year erlaubt es dem Hörer, durch Roger Enos Spiegel zu blicken, gefüllt mit Einblicken in pastorale Szenen und frei fließenden, berührenden Kompositionen. Diese Stücke werden von Eno als Pianist exquisit umgesetzt und von einigen der besten Orchesterspieler Berlins begleitet. Mit einer Mischung aus neuen Kompositionen und bereits vorhandener Musik bietet das Album eine umfassende Präsentation des Solowerks des Komponisten. ”The Turning Year ist wie eine Sammlung von Kurzgeschichten oder
Fotografien einzelner Szenen, von denen jede ihren eigenen Charakter hat, aber irgendwie eng mit den anderen zusammenhängt”, erklärt Eno. ”Beim Anhören musste ich darüber nachdenken, wie wir unser
Leben in Facetten leben, wie wir flüchtige Blicke erhaschen, wie wir durch unser Leben gehen, wie wir die Jahreswende wahrnehmen.”

Nach der Wiederveröffentlichung von „Back To The Light“ letztes Jahr erscheint nun auch endlich Brian May´s „Another World“ am 22. April!
Diese Neuauflage kommt genau zur richtigen Zeit, denn lange war das Album überhaupt nicht erhältlich. Brian May kümmerte sich zusammen mit dem Co-Produzenten Justin Shirley-Smith, dem Queen- und BM Pro Tools-Experten Kris Fredriksson und dem langjährigen Queen-Artdesigner Richard Gray um die neue
Reissue-Version.

Nach der Wiederveröffentlichung von „Back To The Light“ letztes Jahr erscheint nun auch endlich Brian May´s „Another World“ am 22. April!
Diese Neuauflage kommt genau zur richtigen Zeit, denn lange war das Album überhaupt nicht erhältlich. Brian May kümmerte sich zusammen mit dem Co-Produzenten Justin Shirley-Smith, dem Queen- und BM Pro Tools-Experten Kris Fredriksson und dem langjährigen Queen-Artdesigner Richard Gray um die neue
Reissue-Version.

Alan-Parsons-Fans dürfen sich 2021 gleich über zwei besondere Reissues freuen: Der britische Musiker, Tontechniker und Produzent legt seine Alben »On Air« und »The Time Machine« noch einmal auf, und zwar auf CD und LP. Die beiden Vinyl-Versionen kommen auf Translucent Blue Vinyl bzw. Transparant Vinyl, sind nummeriert und auf jeweils 1500 Exemplare limitiert.

»The Time Machine« erschien 1999 und ist das dritte Soloalbum von Alan Parsons. Es handelt von Zeitreisen und von der Erinnerung an die Vergangenheit.

Der Gesang auf dem Konzeptalbum stammt unter anderem von Tony Hadley (Spandau Ballet), Colin Blunstone, Maire Brennan (Clannad), Beverly Craven und Neil Lockwood (ELO).

»The Time Machine« klingt wie eine Kombination aus dem Alan Parsons Project der 1970er-Jahre mit einer Prise Pink Floyd und ist ein Klangerlebnis, das Fans von Parsons, New Age und Electronica begeistern wird.

Das Album beginnt mit dem Instrumental »The Time Machine (Part 1)«, geschrieben von Cockney-Rebel-Schlagzeuger/Komponist Stuart Elliott (später Al Stewart und Kate Bush u. a.), das der Art und Weise ähnelt, wie das Project sein Album zu eröffnen pflegte. Es gibt den sanften Song »Out Of The Blue«, mit Leadgesang von Tony Hadley von Spandau Ballet. »Ignorance Is Bliss« ist einer der schönsten Songs mit dem Gesang des ehemaligen Zombies-Leadsängers Colin Blunstone.

"Albert Pöschl ist seit fast zwanzig Jahren als Label- und Studio-Betreiber, Produzent und Musiker einer der umtriebigsten kreativen Köpfe in München." fasste DFL-Kultur treffend zusammen. Er holte den 90ern Bands wie Die Goldenen Zitronen, Tocotronic oder Die Sterne nach München und war maßgeblich an bedeutenden kulturellen Zwischennutzungen wie dem "Puerto Giesing" beteiligt. Mit dem Label "Echokammer" gehört er zu den einer der zentralen Münchner Szeneakteure. Die Diskographie liest sich wie ein Who is Who der Münchner Independant-Szene, mit Platten von Queen of Japan, Das weiße Pferd, Tom Wu, Kamerakino, Damenkapelle uvm. Nun veröffentlicht Albert Pöschl am Freitag 8.4 mit "Jason B.Sad / Jason B.Glad" das zweite (Solo-)Album unter dem Namen "Jason Arigato". Bestückt nur mit Akustikgitarre, Fuzz, Echo und einer speziellen Stimme ist diese Kunstfigur (ehem. Bassist bei Queen of Japan) nun schon seit 2010 aktiv. Das neue Album is voller bitterer, süßer & bittersüßer, wunderschön geisterhafter Songwriter-Nummern im Stil der alternativen 60ies, voll "analoger, wirklich zuckersüßer Lo-Fi-Ästhetik" (Groove) und erzählt von Isolation….

The third release from Fourier Transform is coloured, marbled green/silver vinyl and with a special hand painted label to match how special the music is on this EP from Dorsets' finest, James 'ReKaB' Baker. Joined by Sound Synthesis with an amazing remix of the title track and comes with an invaluable collectible info sheet on 'How not to get caught by your partner, buying records'. This is strictly limited at this stage to under 180 copies worldwide. Deep melodic house and techno spread across this EP, inspiration looks towards Detroit vibes and makes a special nod to the recently departed Mike Huckaby.
Plays, charts and show features from Derek Carr, Moy, Placid, Sound Synthesis, G-Prod, Omid 16b, Colin Dale, Kone-R, Mark Darby, Laurent Garnier, Mr C.

Debut full length album on the Valley of Search label by Mexican born, New York-based vibraphonist, marimbist, improviser and composer Patricia Brennan. The twelve original instrumentals that make up the album were composed and performed solo by Brennan on vibraphone and marimba. Employing unusual performance techniques and occasional electronics, many of the compositions were borne from improvisations created live in the studio at the time of recording. At times exploring silence and space, stillness and patience the album investigates new sonic territories with an endless sense of curiosity. "This album is a personal statement not only as a vibraphonist but also as an improviser and composer," says Brennan. "From bowing and bending pitch, to the use of extended effects via guitar pedals, this album reflects my vision for the vibraphone and the potential of all the possible ways it can be played. I wanted to not only incorporate all those techniques in the compositions but also wanted them to become part of my general improvisatory language." Patricia has performed with many renown musicians including singer and composer Meredith Monk and Theo Bleckmann, saxophonists Jon Irabagon and Scott Robinson, trumpeter Ambrose Akinmusire, drummer Marcus Gilmore, guitarist Mary Halvorson and many others. She has performed in venues such as Newport Jazz Festival, SF JAZZ, and Carnegie Hall, as well as international venues such as Wiener Konzerthaus in Vienna, Austria, Alte Oper in Frankfurt, Germany, Palacio de Bellas Artes in Mexico City and Teatro Colón in Buenos Aires, Argentina.

Falk & Klou thrives in the glorious nostalgia of the golden age of grooving jazz, jazzy libraries and pfunky stuff, reimagined in the year of the Corona. The Swedish duo consisting of multi instrumentalists Carl Johan Fogelklou and Fredrik Segerfalk who haphazardly met over a pile of vintage synthesizers that required immediate attention, only to realize that they had a common goal in this life - to pretend that they were recording producers and artist in the seventies. The urge led to actual sessions, first only the two, later to be followed by horn players, drummers and other desperate pandemic struck musicians. In the end ten prominent tracks emerged, with the common denominator being the love of great music. The library of Falk & Klou.

2020 erschien mit "KiCk i" der Grammy nominierte Auftakt zur Serie; auch nominiert bei den Latin Grammy Awards als "Best Alternative Music Album". 2021 setzt Arca mit "KICK ii" bis "IIIII" nun die "KiCk"-Serie auf XL Recordings fort. Jetzt erscheinen diese auch physisch auf CD und Vinyl! Als Künstlerin war Arca schon immer eine Gestaltenwandlerin - äußerlich wie musikalisch. Sie produzierte Musik für Lady Gaga, Frank Ocean, Björk, Kanye West und FKA twigs, komponierte Musik für das MoMA, trat 2020 mit den Labèque Schwestern, zwei fantastischen Pianistinnen, bei der Burberry Fashion-Show auf, schrieb einen Soundtrack-Beitrag für die HBO-Serie "Euphoria", erschuf gewaltige Noise-Skulpturen oder gab sich auf Partys als exaltierte Diva. Arca wurde für einen GLAAD Media Award nominiert und ist die erste nicht-binäre Künstlerin, die schließlich für einen GRAMMY nominiert wurde. Sie hat ihr eigenes Album-Artwork entworfen und gemalt, für Bottega Venetta, Calvin Klein und Loewe gemodelt, Musikinstrumente der nächsten Generation mitentwickelt und auch mit KI experimentiert. Alejandra Ghersi Rodriguez, wie Arca eigentlich heißt, wurde erst vor kurzem von Publikationen wie dem Time Magazine, Guardian, DAZED, Billboard, Pitchfork, Stereogum und der Los Angeles Times zur einer der innovativsten Künstlerinnen des 21. Jahrhundert ernannt. Als nonbinäre Latinx-Transfrau will Doña Arca die Rolle des Popstars für kommende Generation neu definieren - mit "KICK ii bis IIIII" entführt sie uns in diese Zukunft und öffnet die Tür in eine neue und nonbinäre Soundwelt.

A surefire Afro-Funk classic, long treasured by collectors across the globe, the fantastic self-titled LP from Ghanaian singing/percussion sensation Sidiku Buari nevertheless remains a criminally hard-to find gem. We're honoured to present the first ever officially licensed vinyl reissue of this undoubted masterpiece. Limited to just 500 copies.

Originally released on RCA in 1975, this is, quite simply, a ridiculous record. This super-rare album boasts an all-star cast of top funk instrumentalists playing alongside Buari as he blends heavy African rhythms with American soul-funk grooves. The arrangements and the playing are incredibly tight and the album is stacked with killer tracks including "Advice From Father" (sampled brilliantly by Kenny Dope) and "Ku Ka Maria", with its intense, neck-snapping breaks and funky drumming from legend Bernard 'Pretty' Purdie. Purdie is in the pocket for the entirety of this stunning LP - the drumming is just straight out of hand; so varied yet so precise.

It's not hard to fathom why these tracks have always been huge on the b-boy/breaking scene. Other standouts include the wonderful disco-tinged afro monsters "Karam Bani" and "Iro Le Pa" plus the cool laidback groove of "Them Yebtheyet".

With access to the original analogue tape transfers, Simon Francis' stellar mastering elevates the sound throughout and, as ever, it has been pressed at a reassuringly weighty 180g.

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"Half a Klip" is a Vinyl Reissue of Kool G Rap's first solo release It was originally released in 2007: As is to be expected, G Rap fills out the lyrics sheet here with banana clips and stacks of body bags -- certainly not a disappointment (he played a big part in inventing this agenda after all), though the MC's steady, workmanlike approach and topical sameness leaves a lot of responsibility on the shoulders of his producers. t's open to debate as to whether there has ever been a rapper more influential, yet somehow less celebrated, than Kool G Rap. From his seminal work on Marley Marl's Juice Crew productions and Cold Chillin' Records, to the major contributions he gave to the blueprint of gangster storytelling in rap, the Kool Genius has remained relevant and consistent despite heaps of record label drama and the ever-diminishing attention span of the listening public. It's unlikely that the new Chinga Chang Records EP Half A Klip will do much to elevate G Rap's legacy, but there are still shining moments to remind us why the legendary MC is more than deserving of the little reverence he receives.IThus, the EP's best moments come when he is united with a strong hand behind the boards. Marley Marl's sinister keys and kettle drum composition for "With A Bullet" (inexplicably buried at track eight on this 11-track offering) is probably the best canvas for Rap's gangster mentality. DJ Premier contributes a strong track (merely serviceable by Premier standards, but a standout here) and the lesser-known Domingo also seems to be able to give G Rap room to run. Unfortunately, the rest is just middling with one true mistake, Critical Child's dismal "Turn It Out", which sounds like a cast-off from a Jim Jones studio session. In any event, this collection of new and unreleased material is not the next Road to the Riches. On the bright side, the MC behind Road to the Riches is still here (in every sense) and still doing it 20 years later.

The underground music scene in Asia has experimented a notorious rise in the last years, Taiwan, Indonesia, Thailand or South Korea are more inside the radar than ever, contributing actively with amazing djs and super talented producers; creating an effervescence subculture where to keep an eye on.
Multifaceted producer Mogwaa is not an stranger anymore, awarded in 2021 with best electronic album of the year in South Korea, his versatility and skills have found a place in labels as "Klasse Records", "Spring Theory" or Sound Metaphors' "Bless You" among others.
We are glad to present one of the most awaited records on MM Discos; “Del Mar” is a bliss of fresh air, a story about all this little things that make us dream everyday. “The Sea” as the main actor of the movie orchested by Mogwaa and supported by crackles, waves and little islands where to get lost in.

The LP is a collaboration between oOoOO & Islamiq Grrrls. The album's title - "Faminine Mystique" - is an allusion to the Betty Friedan book 'Feminine Mystique' that inspired the 2nd wave feminist movement in the US. Freidan said that while society was providing (middle class) women with historically unparalleled material abundance, it failed to allow space for personal growth. A rigid apparatus was keeping women in a narrowly defined social role that all but excluded self-exploration. Pronounced 'Famine in Mystique,'  the LP's name reflects our feeling that, in a similar way, an increasingly powerful set of contemporary social forces are aligning to, on the one hand, provide people with more music & art than we've ever had access to before, yet rigidly limiting the types of music offered to people to sounds that favor a rigid economics first model of clicks & easy consumption over exploration & experimentation.

Faminine Mystique's 13 songs are framed by fragments of lost, forgotten, or discredited 20th century artists & genres: the well crafted guitar solos of 80s metal; jazz guitarist Barney Kessel; the Ashley's Roachclip drum break; Milli Vanilli; a Kool DJ Red Alert radio show barely audible on some bedside clock radio in some blue collar town on the outskirts of Manhattan; A freeform saxophone solo over a 2 minute, feminist juke-punk anthem. The elusively simple but dreamy vocals of a France Gall or Astrud Gilberto. All blended into the compressed sounds of modern pop & RnB.

After 'Transit', his successful solo debut, Safe is the second album Bert Dockx (Dans Dans, Flying Horseman, Ottla, Strand) is releasing under his own name.

This collection of songs and instrumentals navigates between threat and dream, between silence and storm. Unlike 'Transit', 'Safe' mainly consists of original work and just two interpretations (of The Velvet Underground & Ornette Coleman tracks). This time Dockx is not flying entirely solo either, he gets musical assistance from Loesje and Martha Maieu (Flying Horseman, Blackie & The Oohoos) and Thomas Jillings (Ottla, Linus). Koen Gisen, Ghent based producer for connoisseurs, is back at the controls. Together with them, Dockx paints a richly variegated and adventurous soundscape with echoes of his other musical projects.

We hear folk, psychedelia, ambient, introverted guitar rock, shaded jazz. Colourful vistas are contrasted with gloomy introspection. Careful listeners will also discover the narrative of a complex, painful, passionate love.

The eagerly anticipated second remix package of André Hommen’s More Than This album is set for release in April on his These Eyes imprint. Following the Remixes Pt.1, featuring Robag Wruhme and Jonathan Kaspar, André recruits heavy-weight’s Donato Dozzy, Michael Mayer and Manuel Tur to deliver the remixes of Pantone. Donato Dozzy kicks things off with a tribal-esque remix. A bass-heavy, rolling drum at the heart of the track is met with intricate percussion and bird sounds, which take you on a tropical journey. Michael Mayer’s remix gets to work with a punchy, up-tempo bassline, perfectly partnered with airy synths and soothing pads. Rounding off the release, Manuel Tur’s remix offers darker drums that progressively build, enhanced with finely chopped vocals that echo in and out combined with minimalistic melodies. Italian native Donato Dozzy is widely acclaimed in techno circles across the globe. Displaying a large variation in terms of sound and method, his releases can be found on Tresor, Spectrum Spools and his own Spazio Disponibile. As a co-founder of Kompakt, Michael Mayer works closely with artists on their releases for the label. With three studio albums under his belt and numerous remixes for the likes of Miss Kittin, Pet Shop Boys and Depeche Mode, it’s easy to see why Mayer has such an acclaimed status in the dance world. Manuel Tur was born and raised in Essen, Germany. He released his debut EP at the age of sixteen and has gone on to release on labels such as Freerange and Running Back.

Die letzten zwei Jahre seit seiner ersten Veröffentlichung
bei der Deutschen Grammophon waren turbulent für den
aus Berlin stammenden Klaviervirtuosen, Produzenten und
Sänger Dario Lessing : mit einem eklektischen Mix aus
wunderschönen Klavierstücken (DNA I), Kooperationen mit
anderen Produzenten (Robot Koch, Andrew Applepie, AK
und mehr) und alternativen Popprojekten (Better Days EP
mit Rezar uraufgeführt auf COMPLEX) wuchs seine
Online-Anhängerschaft von null auf fast eine Million
monatliche Hörer. Dario Lessing bereitet jetzt sein
Collab-gefülltes Album "Frequency" vor. Hier sind Gäste
bei jedem der elf Tracks zu hören. Kurzum - Lessing
steht für eine neue Generation von Selfmade-Künstlern
und Produzenten, die ohne musikalische oder
geographische Grenzen zusammenarbeiten. Seine
Fähigkeit, den Kern der Kreativität anderer Künstler zu
erfassen, führt zu einzigartig direkten und intuitiven
Aufnahmen mit einem spirituellen, oft mystischen
Charakter.
Neben Stimulus enthält Frequency die Stimmen von
James Chatburn (AUS), Graham Candy (NZ), Rezar
(AUT), SHAMS (GE) und Mario (GE). Jeder der 11 Songs
ist eine Geschichte von zwei Frequenzen, die
aufeinandertreffen, sich gegenseitig beeinflussen,
kollidieren und eine neue Welle erschaffen.