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The Modulator, AKA Freddy Fresh is back in town !

LTD 100 COPIES !!!


To share this event in the best way i asked him a few questions...
Official Interview now begins :)

Tool : The last Analog Records USA was in 2000... Why did you stop it and why do you wish to realese vinyls again ?


Mr Fresh : Ii actually never stopped I just made alot of other styles of music that I do not think were proper for my Analog and E.M.F. labels (Analog is now run by Mike McLure of SAuto Kinetic we work together on that label and Electric Music Foundation is all my label.. we did some great digital releases on E.M.F. recently with ADSX / Scott Radke/Dave Olson / Poor Boy Rich etc.. and can be found here

for me my last Techno Analog vinyl 12” Release was in 1997 Quiver 12"


But I did release a few Techno/Electro style tracks on my Electric Music Foundation labels as 12” singles
in 2003 I made these
Black Out

Orange Krush


I always continue to make music and have hundreds of unreleased songs that I think some are not worth putting on 12” single as I fear to weird, experimental etc.. I try to isolate myself and make unique music hopefully not sounding like what others are making but try to be my own self




Tool : What are you favourite machines or software to make music these days ?


Mr Fresh : I still use many vintage synths like my Jupiter 8, Arp 2600, Roland System 100M, 303’s etc.. but now I also use some Eurorack Modules E950, Clouds, Metropolis Sequencer etc.. also TR8, Twisted Electrons Acid 8, Teenage Engineering Factory, PO Calculators, Korg Volca Sampler, Electrix Filter Factory, Space Echo (Boss) and MPC 4000 controlling Hardware and I usually record random ideas to a flash recorder and sometimes import into ableton tracks etc.. then use Reaktor or some other soft synths but I always start Analog. I also use Critter and Guitari Looper to record organic sounds to use for percussion.




Tool : What are your forthcoming projects on vinyl in the near future ?


Mr Fresh : I have a remix electro style for New Zealand Independent Cardboard and Computers soon on 12” single

I have COMACID EP coming out of Belgium on 12” single very soon which features some older tracks (Binder, Scared, Slow Death, Spacefunk) mainly re-release of Techno/Acid stuff all analog of course

Then I have two releases with Toolbox Records and possible new stuff with Acid.Paris and hopefully we start a nice relationship with Toolbox for a long term ha ha! My daughters start school next month so I am preparing new Eurorack Modules and getting Syncussion to really hit it and spend some serious time in the studios. I am really inspired to do the more electronic vibes now and feeling the A.C.I.D. alot lately with the newer technology

Harmony marches eastward with its 21st EP, reconnecting with its roots through a collaboration with Kohra and Monophonik. While firmly grounded in the label’s deep-techno foundations, this release leans into a sharper focus on functional, dance oriented grooves and basslines.

A-side is opening with weight and intent, shedding the EP’s melancholic hues for something darker and more forceful. The gently broken spirit of “Uyire” follows, gliding between drones and gated vocals, stitched together by tactile percussion and an underlying volatility.

“Wavefolding Dreams” lives up to its name—wickedly modulated waveforms rise from a slapping bassline that pour like upside-down rain, finally dissolving into soothing, dreamy pads.

“Eastern Timbers” starts B-side with a deep, driving momentum. Trancey basslines and swinging arpeggios ebb and flow with tidal pads, wrapping the EP in a hypnotic finish that pulses with forward energy.

Decompress with “Neuroresonance” situated on the inner ring of the B-side. Suspenseful sliding drones in a wide stereo field and a sustained chord that breathes nostalgia, covered by a playful filter in motion.

Brainwave Music No. III was initially recorded live on October 30th 2021 as part of 10 Brain Wave - sound installation - performances by Ilpo Väisänen and Dirk Dresselhaus (die ANGEL) in the Life on a Leaf house, Turku, Finland.

The concept was based on an interactive system including brainwave interfaces that allowed the two performers to process the sounds of several semi-modular synthesizers via CV with their brain activities.

Brainwave Music No. III was initially recorded live on October 30th 2021 as part of 10 Brain Wave - sound installation - performances by Ilpo Väisänen and Dirk Dresselhaus (die ANGEL) in the Life on a Leaf house, Turku, Finland.

The concept was based on an interactive system including brainwave interfaces that allowed the two performers to process the sounds of several semi-modular synthesizers via CV with their brain activities.

Brainwave Music No. III was initially recorded live on October 30th 2021 as part of 10 Brain Wave - sound installation - performances by Ilpo Väisänen and Dirk Dresselhaus (die ANGEL) in the Life on a Leaf house, Turku, Finland.

The concept was based on an interactive system including brainwave interfaces that allowed the two performers to process the sounds of several semi-modular synthesizers via CV with their brain activities.

Chris Hontos und Aaron Anderson sind sowohl als Nuke Watch als auch als ihre auf Samples basierenden Cousins Beat Detectives tätig. Die Detectives sind das, was The Beatnuts unter dem Einfluss einer experimentellen dissoziativen Droge produzieren würden, während Nuke Watch eine freie Improvisationsband ist, die keinen Grund sieht, zu quietschen, und an Vergnügen glaubt. Das neue Album von Nuke Watch, "Grave New World", ist ihr zehntes seit Beginn des Projekts im Jahr 2020. Diese Musik taucht ein, kollidiert und quillt aus einer Tasche heraus, der Sound einer elektrischen Welt, die sich selbst mulcht. Modulare Synthesizer breiten sich wie Cordyceps in Räumen voller Bass, Saxophon und Handtrommeln aus und hinterlassen einen neuen, verseuchten Raum: leuchtend, sicher und verrückt. Diese Musik wurde mit Instrumenten gespielt, ein Großteil davon komplett live. Die meisten Tracks sind Aufnahmen von Hontos und Anderson mit ein oder zwei weiteren Musikern, es handelt sich also größtenteils um Trio-Aufnahmen. Man ist versucht, Grave New World als Fusion zu bezeichnen, aber das trifft es nicht ganz. Otto Willbergs Bassspiel ist so versiert, dass es Giganten wie Percy Jones und Jaco heraufbeschwört, und Leonard King nähert sich dem Bass ein wenig wie jemand aus Felas Africa 70. Die drei verarbeiteten Blasinstrumente - Zack Stafford an der verarbeiteten Flöte, Christopher Farstad am MIDI-Blasinstrument und Cole Pulice am verarbeiteten Saxophon - bringen die Musik in die Nähe des Jazz, obwohl keine der Kompositionen der Band wirklich nach Jazz klingt. Outtakes aus der Star Wars Foley-Datenbank? Eine berührungsempfindliche Multimedia-Gewächshausausstellung, die von einer Kindergartengruppe übernommen wurde? Eine Zoom-Session mit Latenzproblemen, verursacht durch Musiker auf fünf verschiedenen Kontinenten? "Grave New World" könnte man als Weltmusik bezeichnen, in dem Sinne, dass, wenn man die Welt zu einem Trichter zusammenfalten, schütteln und alle auf einen Teller voller Menschen rutschen lassen würde, mit denen sie nicht aufgewachsen sind, sie am Ende vielleicht genau das hier produzieren würden. - Sasha Frere-Jones, 2025

Eco Coloured Edition
Elena Tonra ist zwar keine passionierte Schwimmerin, aber der Sound auf dem neuen Daughter Album "Stereo Mind Game" klingt wie ein Ozean, in den man eintauchen möchte. Das dritte Album der britischen Band, gleichzeitig das erste Studioalbum seit sieben Jahren, setzt sich damit auseinander, was es bedeutet, von geliebten Menschen und auch von sich selbst getrennt zu sein - ein komplexes Thema. Daughter, das Trio bestehend aus Elena Tonra, Igor Haefeli und Remi Aguilella - wurde 2010 gegründet. Nach der Veröffentlichung von zwei Studioalben, "If You Leave" (2013) und "Not to Disappear" (2016), und dem Videospiel-Soundtrack Music "From Before the Storm" (2017), beschlossen sie, eine Auszeit voneinander zu nehmen. Kurz zuvor jammten sie allerdings noch gemeinsam in Los Angeles, zwischen einer Support-Tour für The National und ihren ersten Headline-Shows in Südamerika. Hier begann die Arbeit am neuen Album. Danach herrschte erst einmal Stille - als Band und untereinander. In den nächsten Jahren, in denen die Mitglieder an ihren eigenen Projekten arbeiteten, darunter auch Tonras Soloplatte als Ex:Re, trafen sich Daughter gelegentlich zum gemeinsamen Schreiben in Studios in London, Portland und San Diego, wo Haefeli 2019 für sechs Monate lebte. Die zentrale romantische Figur der Platte ist jemand, den Tonra dort kennengelernt hat, als sie aus London zu Besuch kam. Sie teilten eine bedeutende Verbindung, aber sie wusste, dass der Atlantik zwischen ihnen liegt. Daughter begann 2021 konkret mit den Aufnahmen für die zwölf Songs des Albums. Haefeli, der in Bristol lebt, traf sich mit Tonra in den Middle Farm Studios in Devon. Aguilella, der in Portland, Oregon, lebt, nahm seine Schlagzeugparts im Bocce Studio in Vancouver, Washington, auf. Haefeli produzierte eine Reihe der Songs, während Tonra "Junkmail" produzierte. Den Rest haben sie gemeinsam produziert. Die Sehnsucht, physische Entfernungen zu überwinden, ein Gefühl, das sich während der Pandemie noch verstärkt hat, ist in viele dieser Stücke eingeflossen. Auf "Wish I Could Cross the Sea" hören wir Sprachnotizen von Tonras junger Nichte und ihrem Neffen, die in Italien leben. "(Missed Calls)" enthält eine weitere Sprachnotiz, in der ein Freund einen Traum beschreibt. Gefüttert mit einigen modularen Effekten, klingt er geisterhaft eindringlich. Diese Nachrichten, Versuche einer Verbindung von geliebten Menschen, die man nicht sehen kann, "können einen aus dem Brunnen ziehen", sagt Tonra - aber nur, wenn man den Hörer abnimmt. Wenn man andere hereinlässt, kann Schönheit entstehen. Tiefes Gefühl kommt von den Bögen des 12 Ensemble, dem in London ansässigen Streichorchester, das bei vielen Stücken des Albums zu hören ist. Die von Haefeli und Tonra arrangierten und von Josephine Stephenson orchestrierten Stücke wurden, passenderweise, im The Pool aufgenommen, einem Raum in Bermondsey im Süden Londons, der eine ehemalige Badeanstalt war. Ein Blechbläserquartett verleiht auch "Neptune" und "To Rage" eine wohlig klangliche Wärme. Während Daughters frühere Arbeiten ihre Kraft in ihrer entwaffneten und emotionalen Ehrlichkeit fanden, handelt "Stereo Mind Game" von gegensätzlichen Gefühlen. "Es geht darum, nicht in absoluten Kategorien zu arbeiten", sagt Haefeli. Nach mehr als einem Jahrzehnt, in dem sie die dunkelsten Emotionen darstellten, haben Daughter ihr bisher optimistischstes und ein fast schon strahlendes Album aufgenommen.

Glasgow-based producer and modular performer TRSSX returns with his second EP this year, following “The Degree of Difference Between Them” on Zhark Recordings Berlin released in April, and a more recent appearance on Hardwired, a compilation compiled by JakoJako and released on Air Texture. "A Mass Deliberately Deprives Itself of Reason” follows the path of modular industrial distortion and techno-trajectories performed live. A more narrative structure emerges, with experimental noise framing devices and disintegrated, granular voices coming to the surface.

The EP was recorded live between 2023-25, and is a reflection of a sonic identity present at EXIT, the Glasgow club that TRSSX co-founded in September 2023.

Mastered at Black Monolith Studio.

Sam Prekop"s work over the last 30 years, whether created primarily on his guitar or on his modular synth, is consistent in its powerful melodicism, delicate arrangements and subtle evolution. Prekop"s singular blend of melody, impressionistic lyricism and quietly intricate rhythms are the core of the singular sound of The Sea and Cake. Since 2010"s Old Punch Card, Prekop"s exploration of modular synthesis and electronic atmospheres, has come into its own. Highly skilled at manipulating the sonic interplay, Prekop has established a sytle all his own, his pieces are complex expressing real movement. Harmonies bloom with granular detail and contrary to their machine sources are able to convey emotion. Open Close is an album that captures the flow and energy of a live performance through the lens of a deft craftsman, an equilibrium of intuitive composition and the excitement of possibility.

Sam Prekop"s work over the last 30 years, whether created primarily on his guitar or on his modular synth, is consistent in its powerful melodicism, delicate arrangements and subtle evolution. Prekop"s singular blend of melody, impressionistic lyricism and quietly intricate rhythms are the core of the singular sound of The Sea and Cake. Since 2010"s Old Punch Card, Prekop"s exploration of modular synthesis and electronic atmospheres, has come into its own. Highly skilled at manipulating the sonic interplay, Prekop has established a sytle all his own, his pieces are complex expressing real movement. Harmonies bloom with granular detail and contrary to their machine sources are able to convey emotion. Open Close is an album that captures the flow and energy of a live performance through the lens of a deft craftsman, an equilibrium of intuitive composition and the excitement of possibility.

Was ist das Leben anderes als eine endlose Reihe von ,Oh oh"-Momenten? Von unseren frühesten Kindheitsunfällen bis hin zu unseren überwältigenden Ängsten als Erwachsene - dieser kleine Ausdruck prägt unser gesamtes Dasein. Fragen Sie einfach den Indie-Pop-Maestro Patrick Watson aus Montreal, der kürzlich mit dem größten ,Oh oh"-Moment konfrontiert wurde, den ein professioneller Sänger erleben kann. Eines Morgens im Winter 2023 wachte Patrick auf und stellte fest, dass seine Stimme - das engelsgleiche Instrument, das 2006 sein kunstvolles Art-Rock-Opus ,Close to Paradise" auf das Podium des Polaris Music Prize katapultierte - komplett kaputt war. ,Natürlich singe ich gerne für Menschen, aber ich hatte auch viel Spaß mit meinem Modular Synthesizer und tauchte tief in die Instrumentalmusik ein" - eine natürliche Neigung für Patrick, der bis heute über 15 Filmmusiken komponiert hat. ,Aber dann dachte ich mir: ,Oh, es wäre cool, Songs für all diese verschiedenen Sänger zu schreiben, die ich wirklich gerne singen hören möchte - so finde ich einen Ausweg aus dieser Situation.` Denn meine Stimme sollte eigentlich nicht zurückkommen. Und als sie es doch tat, dachte ich einfach, dass es für ein Album immer noch cooler wäre, all diese anderen Sänger zu haben, als mich selbst singen zu hören." Einzelne schwarze Vinylplatte in einer Gatefold-Hülle mit bedruckter Innenhülle.

Was ist das Leben anderes als eine endlose Reihe von ,Oh oh"-Momenten? Von unseren frühesten Kindheitsunfällen bis hin zu unseren überwältigenden Ängsten als Erwachsene - dieser kleine Ausdruck prägt unser gesamtes Dasein. Fragen Sie einfach den Indie-Pop-Maestro Patrick Watson aus Montreal, der kürzlich mit dem größten ,Oh oh"-Moment konfrontiert wurde, den ein professioneller Sänger erleben kann. Eines Morgens im Winter 2023 wachte Patrick auf und stellte fest, dass seine Stimme - das engelsgleiche Instrument, das 2006 sein kunstvolles Art-Rock-Opus ,Close to Paradise" auf das Podium des Polaris Music Prize katapultierte - komplett kaputt war. ,Natürlich singe ich gerne für Menschen, aber ich hatte auch viel Spaß mit meinem Modular Synthesizer und tauchte tief in die Instrumentalmusik ein" - eine natürliche Neigung für Patrick, der bis heute über 15 Filmmusiken komponiert hat. ,Aber dann dachte ich mir: ,Oh, es wäre cool, Songs für all diese verschiedenen Sänger zu schreiben, die ich wirklich gerne singen hören möchte - so finde ich einen Ausweg aus dieser Situation.` Denn meine Stimme sollte eigentlich nicht zurückkommen. Und als sie es doch tat, dachte ich einfach, dass es für ein Album immer noch cooler wäre, all diese anderen Sänger zu haben, als mich selbst singen zu hören." Limitierte Edition auf canary-yellow Vinyl in einer Gatefold-Hülle mit bedruckter Innenhülle.

Gwenan Spearing, known for her perceptive, groove-oriented DJ sets, and more recently as a live performer working with hardware improvisation, launches a new imprint, Phase Space, with Degrees of Freedom, a debut album diving deep into generative electronics, modular systems, and real-time response. Composed and recorded in 2019-2020, the album treats constraint as creative fuel, floating between ambient,
sonic sculpture, and improvisation, mapping Gwenan’s path from rural Wales to Berlin’s outer zones of experimental sound.
Sync opens with a theme on a slow triangle wave, expanding the space as it evolves. Some Pluck explores generative counterpoint using LFOs and Euclidean rhythms. Generator I unfolds in an oscillating time where keyboard and bass circuits cross-modulate. Sleep Pressure is a lullaby for grown-ups, capturing that eerie threshold before sleep, followed by Loper, where time flows fluid and unstable. The closer, Generator II, holds machine heartbeats in delicate equilibrium before unraveling into graceful decay, a soft farewell. (That’s the Universe waving.) Degrees of Freedom is algorithmic music with a pulse: visceral, hand-wired, and built for deep listening.

Written & Produced by Daniele Serraino (D/n), and Carlos Pineda (Linear Phase) all rights reserved

"Static Rite" is the result of a sonic dialogue between two producers-D/n and Linear Phase-united by a deep, hypnotic, and physical approach to techno. The EP unfolds within the realm of hypnotic/RAW tech- no, where repetition becomes a perceptual language and sound turns into ritual.

Italian-born, Berlin-based D/n contributes the A-side with "Resonant Shift" and "Blind Motion," two tracks built on dub textures, dark atmospheres, and broken rhythmic structures. His magnetic, slow-burning sound reflects years of evolution from the underground acid scene to immersive techno sets in venues like Tresor and Zur Klappe. D/n's tracks have garnered support from renowned artists.

On the B-side, Spanish producer Linear Phase offers "Mandatory" and "Silent Widow," showcasing his refined modular synthesis and deep sound design. With over 50 releases on labels like Drumcode LTD, Planet Rhythm, and Edit Select, his style fuses ambient depth with raw, hypnotic intensity.

„A Danger to Ourselves“, das neue Album von Lucrecia Dalt, erscheint am 5. September 2025 bei RVNG Intl. und ist eine gewagte und doch intime Reflexion über die ungefilterten Komplexitäten menschlicher Beziehungen. Ohne die fiktiven Erzählungen der letzten Alben der Künstlerin kommt „A Danger to Ourselves“ von einem Ort der emotionalen Aufrichtigkeit. Dalts Stimme steht im Mittelpunkt und wird von einer üppigen akustischen Orchestrierung, perkussiven Instrumenten und einer Reihe hochkarätiger Mitstreiter unterstützt, die sich wie ein tiefes persönliches Gespräch entwickeln.



Die in Pereira, Kolumbien, geborene Dalt wuchs in einer musikbegeisterten Familie auf, die sie im Alter von neun Jahren dazu ermutigte, eine Gitarre in die Hand zu nehmen. Dalt folgte diesem kreativen Impuls, war fasziniert von computergestützter Produktion und verließ eine aufkeimende Karriere als Bauingenieurin, zog von Medellín nach Barcelona und schließlich nach Berlin, wo sie ihren unverwechselbaren, abenteuerlichen Sound entwickelte. Mit „Anticlines“ (2018) und „No era sólida“ (2020) und vor allem mit „¡Ay!“, Dalts bahnbrechendem Sci-Fi-Bolero-Album von 2022, hat sich ihre Arbeit auf immer anspruchsvolleres Terrain begeben. Auf dem Weg dorthin hat Dalt ihre Praxis auf die Vertonung von Filmen wie „On Becoming a Guinea Fowl“ (2024), die HBO-Serie „The Baby“ (2022) und den bevorstehenden psychologischen Horrorfilm „Rabbit Trap“ ausgeweitet, während sie Klanginstallationen und Performances kreiert, die ihre leuchtenden Modulationen und ihren unverwechselbaren, sich entwickelnden stimmlichen Ansatz zur Schau stellen. „A Danger to Ourselves“ entstand aus fragmentarischen Erklärungen, die Dalt aufschrieb, während sie das Leben auf der Tournee von „¡Ay!“ und die prägenden Momente einer neuen Beziehung meisterte. Im Januar 2024 begann sie, diese intimen Fragmente zu musikalischen Kompositionen zu kristallisieren, die allmählich zu einer zielgerichteten Konstellation von Songs wurden. Die Klangarchitektur des Albums basiert auf dynamischen Drum-Loops, die von Alex Lázaro beigesteuert werden, dessen perkussives Rückgrat wie bei „¡Ay!“ zur Leinwand für Dalts vielschichtigen Gesang wurde. Anstatt konventionellen melodischen Strukturen zu folgen, erzeugt das Album Musikalität durch das Zusammenspiel von Basslinien, Rhythmen und kompositorischem Design. „A Danger to Ourselves“ offenbart Dalts kompromissloses Streben nach klanglicher Klarheit, bei dem kühne Produktionsentscheidungen und sorgfältige Aufnahmetechniken Stimme und Instrument mit neuer Tiefe und Strahlkraft harmonieren lassen. „A Danger to Ourselves“ ist eindeutig anti-konzeptionell und ein poetischer Instinkt, mit dem Dalt den Fokus auf die Musik selbst lenkt, indem er Stimmen verwendet, die über die Parameter der Songs hinaus schwingen, und die perlenden Echos der ursprünglichen, romantischen Erregung beobachtet. Dalts klare Aufmerksamkeit für Details ist in jedem Takt spürbar, eine Hingabe, die sich in konzentrischen Kreisen dreht und ein Feld bildet, das das Persönliche und das Ätherische vereint. Das Album basiert auf intuitiven Experimenten und nutzt einfache Gesten und komplexe Kompositionen, um wandernde Linien zu weben, wie in „Divina“, das sich zwischen Spanisch und Englisch durch elastische Klanglandschaften bewegt. Der Titel des Albums geht auf David Sylvians Text „cosa rara“ zurück, der die Zerbrechlichkeit des Lebens, die Schwingungen der Liebe und die treibende Sehnsucht nach dem Wundersamen symbolisiert. „A Danger to Ourselves“ spiegelt diese transzendenten Zustände wider, indem es die Komplexität menschlicher Verstrickungen und den Wunsch nach Befreiung von Dopaminspiralen und gewöhnlichen Pfaden hin zu einer offeneren inneren Welt widerspiegelt. Sylvian selbst hat auf „A Danger to Ourselves“ eine Doppelrolle als Co-Produzent und Musiker gespielt. Es ist eine kollaborative Collage mit Beiträgen zahlreicher gefeierter Künstler. Weitere Kollaborationen ziehen sich durch das gesamte Album: Juana Molina ist Co-Autorin und Interpretin von „The Common Reader“, Camille Mandoki singt bei „Caes“, Cyrus Campbell spielt den grundlegenden Elektro- und Kontrabass, und Eliana Joy steuert bei mehreren Stücken Hintergrundgesang und Streicherarrangements bei. In den leuchtenden Tiefen von „A Danger to Ourselves“ inszeniert Dalt eine tiefgreifende Metamorphose, bei der das Persönliche durch klangliche Alchemie zum Universellen wird. Dieses Album ist sowohl Höhepunkt als auch Aufbruch - ein Portal, an dem ihre früheren experimentellen Reisen zu etwas verblüffend Intimem und doch Expansivem zusammenlaufen. Das Album ist ein Netz emotionaler Offenbarungen, jede Komposition ein präziser Indikator für Verletzlichkeit, in der Dalts Stimme eine Offenbarung in neuen harmonischen Gefilden verkörpert. Dalt hat ein lebendiges Dokument der Intuition jenseits konventioneller Grenzen geschaffen, das den Weg in Bereiche eröffnet, in denen die Musik sowohl Spiegel als auch Fenster ist.



Für Fans von PJ Harvey, Broadcast, St. Vincent, ML Buch, Stereolab, Cate LeBon, Aldous Harding, Mabe Fratti, Dry Cleaning, Juana Molina

First released on August 18, 2023, "Outline of Nature" started as an experiment in building a modular synthesizer system and ended up as a voltage controlled outpouring of love for the natural world. Sylvan-born and pastoral-powered, sap-blooded and lightning-charged, this album grew out of the damp florescent corners of the woods, each note and sound, a fractal extension of their seedling sounds. It was nurtured into being at The Twilight Research Centre, a studio facility situated on the border of Somerset and Dorset. During Covid lockdown 1.0, I spent the outdoor hours we were permitted, wandering through the centre's surroundings, in the green lanes, woodlands and corridors of the wilds with their wary and flickering inhabitants, beneath the distant eyes of the soaring buzzards and the hulking red kites. I didn't expect it, but it was in the quiet, ferociously vibrant dens of nature, that I found a deeply profound connection with the natural world. It once again made sense to feel as much a part of the woods as the trees were; I felt like a natural entity in its habitat again, not something I'd properly felt since running wild through the gullies, dells and fells of the Midlands as a child. And I became afflicted with a powerful urge to build strange electronic sound systems that were organic, chaotic, fractal and in some way reflective of the awesome natural systems that surround us and surround the centre. I plugged in the modular, and went searching for signs of life. Adding to this, just before the lockdowns, I stumbled across a three volume nature encyclopedia in a local charity shop, called "Outline of Nature in the British Isles" by Sir John Hammerton. The sub-heading reads "A Comprehensive Photo-Survey of the Varied Life of Field and Hedgerow, Moor and Mountain, River, Pond and Sea", and it's a stunning collection of grainy photographs, beautiful illustrations and wondrously poetic writing, some of which inspired track titles and of course, the album title. I also rekindled my love of Ladybird nature books such as the "What to Look for in Spring/Summer/Autumn/Winter" series, "Birds and How They Live" and "Butterflies, Moths and Other Insects", rebuilding a small collection I had as a child and discovering numerous volumes new to me. Between the two literary sources, I had a rich well of imagery, writing and pastoral nostalgia to draw from; and coupled with the extended sessions of blissing out in my own heavily ecstatic awe descended on me in the sheer grandness of the wilderness, I set about enticing out of the woods an album of phosphorescent electrical music, abundant with comparatively microscopic, but persistent and wild life-forces.

PDMV005 comes from the one and only Alexis Cabrera, blending jazz, minimal house, retro textures, rolling basslines and modular magic. A true multi-instrumentalist with genre-crossing skill, he delivers three standout cuts for this special vinyl edition, plus a killer remix by Sweely who flips Nonchalantly with his signature twist.

Montreal duo Flabbergast—aka Guillaume Coutu Dumont and Vincent Lemieux—return to Circus Company, the label where it all began with their debut EP in 2015. Now seasoned veterans of leftfield club experimentation, they deliver Weirdo Active, a two-track vinyl release that distills their signature
blend of groove, absurdity, and refined weirdness.
On the A-side, “Timecrowave” is a swung, syncopated burner built around fragmented drum programming, warbled synth textures, and subtly detuned atmospheres. It's a tool that thrives in the inbetween moments of a set—unpredictable yet fluid.
On the B-side “Serpentoute,” a slinky groove laced with dubwise processing and modular squelch, maintaining tension through micro-edits and playful FX. Perfect for after-hours transitions or more openminded floors.
Following standout releases on Yoyaku, Copier/Coller, and Chapelle XVI, Flabbergast continue to offer up dance music that’s deeply heady, subtly unhinged, and always full of intent. A finely sculpted dose of dancefloor surrealism—just the way Flabbergast likes it.

Inspired by the lyrics of Ric Ocasek, Beroshima's "This Could Be Love" was released in a more stripped down fashion some years ago. Thanks to new technology, voice modulation and the recent attention it gained, it now appears in as a totally different version, on vinyl for the first time. For the lovers of the golden Electroclash era, this is your jam.

Released by Hegoa Records and Night School Records.
Greatest Heads is the fourth album by the radical Basque- Berlinesque group Al Karpenter. A deconstruction of structured “rock” music, here Al Karpenter re-imagine “the band” to explore the intersection between Free music, afro-beat, the avant garde and gonzo rock.
If Theodore Adorno wrote “To Write Poetry after Auschwitz is Barbaric” in 1949, Al Karpenter attempts to answer the difficult question today; what kind of music can be done in the face of a genocide? Álvaro Matilla, Marta Sainz, Enrique Zaccagnini & Mattin’s response to the planet’s slipping into a vortex of hate is to create a music ecstatic, a music of protest bursting with multiple musical languages and glossaries, full of overlapping histories and thrilling tensions.
Greatest Heads posits a plurality of musics both in opposition and intertwined: Al Karpenter play rock instruments pulled apart in the studio in post-production. Distorted rhythm chunks bit-crushed and dissipated, segments of freedom oppressed by waves of sound invading from every direction. The interplay between the chief instrumentalists and renowned, storied sound artist Mattin creates something akin to ESP freedom-seekers Cro Magnon playing in Miles Davis’ early 70s groups, The Los Angeles Free Music Society tightening up into a clenched fist of plunderphonics and runaway percussion.
We Are All Karpenters opens Greatest Heads with the most straight-forward song refrain of the record accompanied by a band that soon crash into eruption, imagining Sun City Girls in full free rock mode.
The modulating synth sound soon sucks the band into its wake to create a spine-chilling climax of distorted sound, made fully orgasmic with mastering engineer Rashad Becker’s attention to detail. On Izugarrizko Buruak (Greatest Heads), Matilla intones in Basque over a mangled distorto-beat. A Brand New Astraphobia creates a black space for a heavily processed guitar to blow up before falling to earth at night, a gentle figure serenading the coming end.
On Side B, the band begins by being masticated by a brutal phaser, squelching and stretching the music into new territories. The overt message of Stop The Genocide! is besieged by violence before Worm City aggressively samples the ghosts of soul music, mixing in noise bursts, prepared piano and swiping, abstracted sound. Epic closer Perfect Love feels like a beat poetry performance on a burnt world, still grasping for community, for home, for some sort of human love. A Mad love, then; an angry love fuelled by solidarity and collaboration.
The band’s cascading layers of references and polyglottal musics attempt to create the perfect lover, alive with rage and disorientating ecstasy: Al Karpenter.

Tender / Wading zeigt Matthew Sage, alias M. Sage, in den Ausläufern und Weiden Colorados, wo er schreibt, aufnimmt und zu einem Stück seiner Heimat und Identität zurückkehrt, wobei ein Akt der Fürsorge den nächsten nach sich zieht. Das Album, das hauptsächlich auf Klavier und Klarinette aufgebaut ist und dann mit Gitarre, modularem Synthesizer, Percussion und Feldaufnahmen aus der Umgebung seines Zuhauses verziert wurde, ist eine weitreichende, ruhige Vision von Vitalität, radikaler Sanftheit und dem beruhigenden Gefühl, nach Hause zu kommen, auch wenn sich das Zuhause verändert hat. Seit den frühen 2010er Jahren hat Sage ein eigenwilliges Musikrepertoire zusammengestellt, das sich in verschiedene Klangrichtungen erstreckt, sich in Veröffentlichungen auf Geographic North, Orange Milk und Moon Glyph manifestiert und sowohl kritische Aufmerksamkeit als auch eine treue Zuhörerschaft für jede neue Wendung erlangt hat. 2023 debütierte Sage bei RVNG Intl. mit Paradise Crick, das zeitgleich mit seiner laufenden Arbeit im improvisierten Ambient-Jazz-Quartett Fuubutsushi erschien. Nun präsentiert er sein nächstes Soloalbum und seine neue Richtung. Tender / Wading folgt auf Sages Rückkehr nach Colorado nach fast einem Jahrzehnt in Chicago, wo er nun mit seiner jungen Familie dreißig Meilen außerhalb seiner Heimatstadt ein paar Hektar verwildertes Land bewirtschaftet. In einem ganzheitlichen Kontrast zu Cricks synthetischer Klangwelt schafft Sage Kunst aus dem Akt des Pflegens neuen Wachstums, hinterfragt Konstrukte des häuslichen Lebens und versteht die Spuren seines früheren Selbst durch die schmutzverschmierte, schweißvernebelte Linse der Gegenwart. Das Ergebnis ist sein bisher autobiografischstes Material, geprägt von Zeit und Veränderungen in der Wahrnehmung sowie bedeutungsvollen Details aus Sages psychischer Suche. Sage vergleicht das Gefühl, verschiedene Versionen von sich selbst zu sehen, mit der berühmten Hase-Ente-Theorie des Philosophen Ludwig Wittgenstein. ,Es ist dieselbe Zeichnung, aber je nachdem, wer man ist, wo man ist und wann man ist, sehen manche Menschen einen Hasen und manche eine Ente oder beides", erklärt Sage. Hier sind das Subjekt und der Betrachter, zurück in vertrauten Landschaften, als Partner und Elternteil, der Gestrüpp zurückschneidet, gedemütigt von invasiven Pflanzen, Schädlingsbefall und verdichtetem Lehmboden, seine Prioritäten haben sich grundlegend geändert. Und doch ist auch dieses andere Ich da: ein gewiefter Akademiker, der oft in Memes denkt und das Ziehen seines Handys in der Hosentasche spürt. ,In diesem Album geht es darum, diese Wahrnehmungsverschiebungen zu ergründen und ihnen Raum zu geben, beides zu tun: hüpfen und quaken." Es ist ein inneres Kind, das Sages intermediale Praxis in seinem Atelier leitet, einer Scheune, die nach dem großen Umzug im Jahr 2022 im Rahmen einer hausweiten DIY-Renovierung umgebaut wurde. Im Inneren werden Gedichte zu Zeichnungen, zu Skulpturen im Hinterhof und darüber hinaus, und alberne Ausflüge in den Vogelgesang oder die Freude an der Herausforderung, Klarinette zu lernen, weichen ernsthafter Musik. ,Ich glaube, ich habe entdeckt, dass es diese Linien gibt, die alles miteinander verbinden", sagt er. ,Und dieses Album ist voller hartnäckigem Optimismus und Hoffnung, aber auch der Bewusstheit, dass wir uns in einer späten Phase befinden, und dem Versuch, mit der Rhetorik dieser Phase umzugehen." Für Tender / Wading setzt Sage einen unverwechselbaren Sound ein: eine pastorale Art von Folk Kosmiche, kontemplativer elektroakustischer Barn Jazz für die Front Range, voller blasser Puddle Blues und rostigen Oil Drum Reds. Die meisten Songs entstanden auf einem 1910er Hamilton-Klavier, das kurioserweise in Chicago gebaut, von den Vorbesitzern zurückgelassen und von Mäusen bewohnt worden war. Die zufällige Begegnung mit dem Instrument fühlte sich kosmisch an, nicht nur wegen seiner Verbindung zur Windy City, sondern auch wegen Sages sich weiterentwickelnder Herangehensweise an das Songwriting nach Fuubutsushi. Er fühlt sich hinter den Tasten wohler und kehrt zurück zum Schlagzeug (seiner Jugendliebe). In einem passenden Raum für Holzblasinstrumente umarmt er das Elementare und Absichtliche und verleiht der Musik von Anfang an mehr strukturelles Gewicht und Wärme. Tender's M. Sage verbindet die Studioexperimente und Improvisationen seiner Vergangenheit mit einem geschärften Ohr für melodische Phrasierungen und Akkordwechsel und hat seine übliche Fülle an Demos auf neun finale Stücke reduziert. Seine charakteristischen Weltbilder bleiben erhalten, von Holzhauskröten, die in statischer Elektrizität schwimmen, über raschelndes Gras und Regen, der in die Dachrinnen plätschert, bis hin zu walzenden Sternbildern im Mondlicht. Während Cricks Universum aus magischem Realismus und digitaler Fantasie entstanden ist, greift Tender / Wading direkter auf menschliche Erfahrungen zurück. Er weist schnell Vorwürfe zurück, es handele sich um ein hochkonzeptionelles Album: ,Ich mache einfach die Musik, die ich selbst gerne in meinen Kopfhörern hören würde, während ich Unkraut jäte oder so." Es könnte beides sein, wie der Hase und die Ente behaupten würden: zutiefst persönlich und abstrakt, eine faszinierende und natürliche Wendung eines experimentellen Künstlers des 21. Jahrhunderts, dessen Vermächtnis sich in Echtzeit weiterentwickelt und wächst.

„A Danger to Ourselves“, das neue Album von Lucrecia Dalt, erscheint am 5. September 2025 bei RVNG Intl. und ist eine gewagte und doch intime Reflexion über die ungefilterten Komplexitäten menschlicher Beziehungen. Ohne die fiktiven Erzählungen der letzten Alben der Künstlerin kommt „A Danger to Ourselves“ von einem Ort der emotionalen Aufrichtigkeit. Dalts Stimme steht im Mittelpunkt und wird von einer üppigen akustischen Orchestrierung, perkussiven Instrumenten und einer Reihe hochkarätiger Mitstreiter unterstützt, die sich wie ein tiefes persönliches Gespräch entwickeln.



Die in Pereira, Kolumbien, geborene Dalt wuchs in einer musikbegeisterten Familie auf, die sie im Alter von neun Jahren dazu ermutigte, eine Gitarre in die Hand zu nehmen. Dalt folgte diesem kreativen Impuls, war fasziniert von computergestützter Produktion und verließ eine aufkeimende Karriere als Bauingenieurin, zog von Medellín nach Barcelona und schließlich nach Berlin, wo sie ihren unverwechselbaren, abenteuerlichen Sound entwickelte. Mit „Anticlines“ (2018) und „No era sólida“ (2020) und vor allem mit „¡Ay!“, Dalts bahnbrechendem Sci-Fi-Bolero-Album von 2022, hat sich ihre Arbeit auf immer anspruchsvolleres Terrain begeben. Auf dem Weg dorthin hat Dalt ihre Praxis auf die Vertonung von Filmen wie „On Becoming a Guinea Fowl“ (2024), die HBO-Serie „The Baby“ (2022) und den bevorstehenden psychologischen Horrorfilm „Rabbit Trap“ ausgeweitet, während sie Klanginstallationen und Performances kreiert, die ihre leuchtenden Modulationen und ihren unverwechselbaren, sich entwickelnden stimmlichen Ansatz zur Schau stellen. „A Danger to Ourselves“ entstand aus fragmentarischen Erklärungen, die Dalt aufschrieb, während sie das Leben auf der Tournee von „¡Ay!“ und die prägenden Momente einer neuen Beziehung meisterte. Im Januar 2024 begann sie, diese intimen Fragmente zu musikalischen Kompositionen zu kristallisieren, die allmählich zu einer zielgerichteten Konstellation von Songs wurden. Die Klangarchitektur des Albums basiert auf dynamischen Drum-Loops, die von Alex Lázaro beigesteuert werden, dessen perkussives Rückgrat wie bei „¡Ay!“ zur Leinwand für Dalts vielschichtigen Gesang wurde. Anstatt konventionellen melodischen Strukturen zu folgen, erzeugt das Album Musikalität durch das Zusammenspiel von Basslinien, Rhythmen und kompositorischem Design. „A Danger to Ourselves“ offenbart Dalts kompromissloses Streben nach klanglicher Klarheit, bei dem kühne Produktionsentscheidungen und sorgfältige Aufnahmetechniken Stimme und Instrument mit neuer Tiefe und Strahlkraft harmonieren lassen. „A Danger to Ourselves“ ist eindeutig anti-konzeptionell und ein poetischer Instinkt, mit dem Dalt den Fokus auf die Musik selbst lenkt, indem er Stimmen verwendet, die über die Parameter der Songs hinaus schwingen, und die perlenden Echos der ursprünglichen, romantischen Erregung beobachtet. Dalts klare Aufmerksamkeit für Details ist in jedem Takt spürbar, eine Hingabe, die sich in konzentrischen Kreisen dreht und ein Feld bildet, das das Persönliche und das Ätherische vereint. Das Album basiert auf intuitiven Experimenten und nutzt einfache Gesten und komplexe Kompositionen, um wandernde Linien zu weben, wie in „Divina“, das sich zwischen Spanisch und Englisch durch elastische Klanglandschaften bewegt. Der Titel des Albums geht auf David Sylvians Text „cosa rara“ zurück, der die Zerbrechlichkeit des Lebens, die Schwingungen der Liebe und die treibende Sehnsucht nach dem Wundersamen symbolisiert. „A Danger to Ourselves“ spiegelt diese transzendenten Zustände wider, indem es die Komplexität menschlicher Verstrickungen und den Wunsch nach Befreiung von Dopaminspiralen und gewöhnlichen Pfaden hin zu einer offeneren inneren Welt widerspiegelt. Sylvian selbst hat auf „A Danger to Ourselves“ eine Doppelrolle als Co-Produzent und Musiker gespielt. Es ist eine kollaborative Collage mit Beiträgen zahlreicher gefeierter Künstler. Weitere Kollaborationen ziehen sich durch das gesamte Album: Juana Molina ist Co-Autorin und Interpretin von „The Common Reader“, Camille Mandoki singt bei „Caes“, Cyrus Campbell spielt den grundlegenden Elektro- und Kontrabass, und Eliana Joy steuert bei mehreren Stücken Hintergrundgesang und Streicherarrangements bei. In den leuchtenden Tiefen von „A Danger to Ourselves“ inszeniert Dalt eine tiefgreifende Metamorphose, bei der das Persönliche durch klangliche Alchemie zum Universellen wird. Dieses Album ist sowohl Höhepunkt als auch Aufbruch - ein Portal, an dem ihre früheren experimentellen Reisen zu etwas verblüffend Intimem und doch Expansivem zusammenlaufen. Das Album ist ein Netz emotionaler Offenbarungen, jede Komposition ein präziser Indikator für Verletzlichkeit, in der Dalts Stimme eine Offenbarung in neuen harmonischen Gefilden verkörpert. Dalt hat ein lebendiges Dokument der Intuition jenseits konventioneller Grenzen geschaffen, das den Weg in Bereiche eröffnet, in denen die Musik sowohl Spiegel als auch Fenster ist.



Für Fans von PJ Harvey, Broadcast, St. Vincent, ML Buch, Stereolab, Cate LeBon, Aldous Harding, Mabe Fratti, Dry Cleaning, Juana Molina

"Reflection Code" is an EP that delves into the multifaceted aspects of human reflection through a collection of immersive musical compositions, each inviting the listener on a unique sonic journey.

The Practice of Desire — A deep techno track featuring enveloping pads and modulating metallic cosmic sounds, reminiscent of heavy matter from outer space. Accompanied by a lecture from Gangaji, this track adds an extra layer of depth and meaning to the musical experience.

Port Del Compte — Inspired by memories of Spain's stunning landscapes and a performance at the Parallel festival, this track transports the listener to picturesque settings, filling their heart with joy and harmony.

Bad Trigger — This track offers a profound reflection on life events, utilizing an expressive electronic soundscape with a compelling bass line at 144 bpm. It creates an atmosphere conducive to introspection and self-discovery.

Green Frequency — A shamanic sequence infused with forest vibes and the calls of an electronic bird. This composition immerses the listener in nature, evoking a sense of unity with the surrounding environment and the inner self.

"Reflection Code" invites listeners to explore their inner reflections and connect with each composition on a profound level, creating a unique auditory landscape that lingers long after the music ends.

Toki Fuko music can be described as mechanical signals are structured in a hypnotic substance. Their constant musical experimentation actor perceives as an analysis of the surrounding world.

Students of Decay presents The Dip, a new full-length recording by Berlin-based artist and composer Thomas Ankersmit, marking his debut with the label and sixth album to date. Comprised of two expansive, sidelong pieces composed entirely on the Serge Modular synthesizer, it signals a subtle yet significant shift in Ankersmit’s trajectory, imbuing the hyper-physical, psychoacoustic intensities of his live performances with introspective, atmospheric, and even melodic elements.

Primarily known for a site-responsive approach to sound, often realized in the moment of performance, Ankersmit’s turn toward the studio in the last few years has opened up a new dimension within his practice. It is in this quiet rupture that The Dip emerged, a study in internality and suspended states, rich with cinematic undercurrents and ghostly spatial suggestion. Here, electricity itself feels transfigured – becoming supple, even organic – within an environment shaped entirely by analog signals.

Over the past two decades, Ankersmit has established himself as one of the foremost practitioners of the Serge, the notoriously idiosyncratic and expressive instrument that has remained central to his work. On The Dip, he harnesses its potential not for brute force or disorientation, but for spaciousness, resonance, and lyrical abstraction. Without resorting to additional processing or effects, he draws out tones that feel simultaneously raw and refined, articulated and blurred – intricate structures that seem to breathe and evolve of their own volition.

The result is a kind of auditory hallucination, a “cinema for the ears,” wherein impressions, emotional arcs, and imagined topographies unfold. Each side of The Dip plays like a single gesture unfolding in time – a spatial narrative constructed through vibration, density, and the movement of air.

The Dip follows acclaimed works on PAN, Touch, and Shelter Press, and reaffirms Thomas Ankersmit’s position as one of the most focused and probing voices in contemporary experimental music. Quietly radical and meticulously constructed, it is less a departure than a deepening – a descent into a more private sonic world, where the boundaries between perception, memory, and pure signal dissolve.

Some light is leaking under a door. Endlec cuts out 4 tracks and 3 loops. Arriving as a warning before it's real.

'The story of IDM in the USA begins in Miami’ - Fact Mag

Control Freak Recordings are thrilled to be launching its new reissue sub-label with Soul Oddity’s Tone Capsule - a seminal electro/IDM classic from mid-90s Miami.

Originally released as a series of 3 EPs, the reissue compiles these into an album, newly remastered by Keith Tenniswood (Radioactive Man) - available digitally and, for the first time, on 2x12" LP album.

Soul Oddity marked the first outing for a pair of musicians who were instrumental in bringing the UK's post-rave IDM scene to the US. Having bonded over a love for the Warp output at the time, the pair fused this influence with the sound of their native Miami, where hip-hop, breaks and bass soundtracked a lively party scene.

A masterpiece of machine-driven, emotionally abstract storytelling, Tone Capsule rivals some of the best of 90s leftfield electronica. Twitchy beats and gloopy synth-funk are melded into jams that make for a seriously otherworldly listen - as forward-thinking now as it was in 1996.

This record kickstarts our new reissue sub label Capsule Freak - marking the beginning of our dive into the rich past of dance music history which has brought the scene we love to where it is today. We can’t think of a more fitting time capsule to begin this journey with - over two years in the making, we hope you find this release as wild and intriguing as we do.

Deep siren & straight to the groove Techno by Ronny Nyheim on new Norwegian outlet PsyPal. Full A-side with a minimally modulating solid driver emphasizing sonic tunnelling below razor sharp hihats. B1 is a faster pounding & psycho-tweeked remix by E-GZR (from Wania fame) and B2 rounds off as a saturated banger conflicting melody & lightly groving harmonic & padded noise. Stylistically functional & very real!

* 140gm vinyl in charcoal black reverse-board disco bag, with red/ hot pink/ blue/ off-white patterned wraparound sticker, and embossed play:musik icon on front sleeve.

* Kuttin Edge arrives on p:m with (115), a musically adventurous set that draws from a range of influences - West African funk, UK and US electronics, Autonomic moods, minimal techno, and Brutalism; while a focus on analogue feel, overdubbing, and textural detail processes tie it together. An interesting, experimental, yet firmly dancefloor friendly EP.

* Tracklist:
A1. Onyeabor: a unique track full of vintage-sound synths, bright melodic lines, Moog-style arpeggios, and rhythms built on a CR78, layered with live drums, tambourines, and bass guitar. Disco funk samples and fx add texture, alongside heavy overdubbing. Inspired by early William Onyeabor aesthetics.

A2. Dark Horse: Dark Horse: an atmospheric arrangement of phase-y pads reminiscent of the peak Autonomic era, filtered through the abstract lens of artists like Actress or King Britt. The pacing and negative space give the tune a weighty but airy feel, punctuated by heavy toms and documentary-style foley. Soulfully cosmic.

B1. Loop Me: polyrhythmic arpeggios, swirling delays, unstable harmonic structure, and chromatic movement form a tense, shifting progression. Built around a single bell sample, the track is reshaped through layering, modulation, subtle changes in texture, and filtered transitions. A techno stepper.

B2. Geiger Scale: experiments with playful but controlled randomness, minimal structure and off-grid sequencing. The idea centres on a toy synth with loose notes and laidback groove formed of irregular, rhythmic patterns. Geiger Scale perfects restraint as the arrangement bubbles along with sparse melodies. Smokey and potent.

No one can help you build something beautiful quite like those who know you best. Alan Sparhawk knows this well. In his years in Low, he built decades of stirring music with his wife and lifelong creative partner Mimi Parker. In recent years, he has performed around Minnesota with his son Cyrus in DERECHO Rhythm Section, a funk band that also frequently features his daughter Hollis on vocals. There's an irreplaceable naturalism that comes with this kind of dynamic. Those who know you understand you. They love you. They want to help you bring your greatest passions to fruition. So it made sense that Sparhawk would turn to fellow Duluth musicians Trampled by Turtles to realize his latest record. As friends and mentees of Low's, taken under Sparhawk and Parker's wing from their earliest days as a bar band, Trampled by Turtles have performed with Sparhawk countless times over the years. The Duluth ties run deep: "There's a certain vibe that has to do with underdog syndrome, coming from a small town," Sparhawk muses. "Some of it is the weird grind and slackness that being at the mercy of Mother Nature puts in you. It humbles you." The two artists hold the kind of ironclad bond. Following Parker's passing in 2022, Trampled by Turtles invited Sparhawk to join them on tour to give him a space to be surrounded by friends. Occasionally, he would join them onstage. The outpouring of love was palpable every time they played together, a surge of warmth. When playing together is that powerful, why stop there? In winter, 2024, Sparhawk and Trampled by Turtles created With Trampled by Turtles, a record exactly as its name implies: Collective. Communal. Fraternal. Empathetic. A vessel for comfort, a reminder of the harmony that can exist when surrounded by those closest to you. Where White Roses, My God, Sparhawk's last album, plunged headfirst into electronica and radical vocal modulation, With Trampled by Turtles leans into the folk and bluegrass stylings of its backing band, Sparhawk's voice now completely unvarnished. With Trampled by Turtles is far more than just Alan Sparhawk and Trampled by Turtles. It's an affirmation of all the people who have been vital in Sparhawk's life and music, and an opportunity to hold each of their gifts into the light. It's producer Nat Harvie, who has been collaborating and performing with him for years. It's Sparhawk's daughter Hollis, who duets with her father on "Not Broken." And it's Mimi Parker, too: "Too High," "Princess Road Surgery," and "Not Broken" were all tracks she and Sparhawk had been working on in the last few years. These songs finally found a setting that stirringly commemorates them, bolstered by a full ensemble to make every note sing. Their presence is a kind of eternal connection to Parker, a way her musical grace will keep flourishing.

Turnend Tapes is back with some superb cuts from Swiss duo Le Lab Registered. These have only previously been available on CD having dropped back in 2006 and are indicative of their experimental, rule-breaking techno sound which is full of life and imagination. 'The Pitch' kicks off with rugged drums and haunting synth notes, 'Radio Tirana' then layers spoken words into eerie synth modulations and moody drones and 'CB Music' is a slithering and minimal sound with retro-future chords. 'Broadcast All Electronic' shuts down with another wiry arrangement, bleeps, squeaks and the sound of muffled vocals and radio interference all adding an occult edge.

An ever-present name in underground house, Alex Celler is back once again on Baby Ford's cult Trelik label. This is his third and maybe best outing yet with 'Twilight Firedancer' being a long and extended dub tech workout with wobbly bass and off-balance drums topped with glowing chords that bring occasional relief to the pressure of the groove. 'Mescaline' is much more busy with abstract pops and squeaks, synth modulations and an urgent, tightly programmed minimal tech groove that you would expect of this label. It's high-class music for mind and body.

In the previous episode, the Vibracid technique was discovered as a way to deactivate memories imposed by technocratic elites.

Now, with VIBRACID 2, its real deployment begins: a series of sonic attacks targeting control systems through rave vibrations.

Each track is a weapon. Each producer, a node of resistance. “Vibracid Advent,” the single that launched the assault, opens the mini album with acidic force — delivering the first sonic strike that breaks through imposed control. From the acidic and powerful aggression of Calagad 13 (Spain), through the modular precision and acid techno of C.C.O (Contra Communem Opinionem, Switzerland), to the dark, industrial electro of Mokotron (New Zealand). Atix brings the French 90s rave energy; Wicked Wes, from Florida (USA), builds grooves with bifasic rhythms and glitch textures; and Romphea (Greece) closes with distorted breaks exploring chaos and sonic escape.

Careful sound and mastering, and exceptional design for a limited edition of 150 copies on solid red vinyl.

Auf »Necessary Fictions« zeigt das Trio GoGo Penguin, das seit seiner Gründung Jazz, klassische Musik und elektronische Einflüsse miteinander verbindet, was es aktuell als seine »wesentlichen, authentischen Qualitäten empfindet«. Das führt zu einem verstärkten Einsatz modularer Synthesizer in seinem Sound.

GoGo Penguin, zu denen seit der Pandemie der Schlagzeuger Jon Scott gehört, luden erstmals einige Gastmusiker für ihr neues Albumprojekt dazu: das achtköpfige Streicherensemble Manchester Collective unter der Leitung der künstlerischen Direktorin und Geigerin Rakhi Singh sowie den Singer-Songwriter Daudi Matsiko.
»Necessary Fictions« wurde so ein Album voller ambitionierter neuer Entwicklungen – von einer Band, die vollkommen im Reinen mit sich selbst ist: selbstbewusst genug, um sich auf Zusammenarbeit einzulassen, gespannt darauf, wohin die Reise als Nächstes geht, und voller Lust, dabei auch Spaß zu haben. »Mir ist sehr bewusst aufgefallen, wie oft ich im Studio beim Aufnehmen gelächelt habe“, sagt Illingworth, „und ich lächle jetzt gerade, wenn ich nur daran denke. Ich hoffe, diese Energie überträgt sich auf die Menschen.«

Für »Necessary Fictions« konnten sie ihr eigenes Studio in Manchester in einen stimmungsvollen Treffpunkt verwandeln – einen angenehmen Ort, an dem man gerne Zeit verbringt, mit Kunstwerken, Fotografien und anderen Bildern an den Wänden, die als Anregung und Inspiration dienten. Illingworth und Blacka waren dort so gut wie jeden Tag über zwölf Monate hinweg im Jahr 2024; dann kam Scott, der in London lebt, nach Manchester, um mit den beiden festen Größen von GGP zu arbeiten, sobald sie bereit für seinen rhythmischen Input waren. Der Titel des Albums stammt aus dem Buch »The Middle Passage - From Misery to Meaning in Midlife« des Psychoanalytikers James Hollis, das, wie Nick sagt, »sehr jungsche Sachen über das Schatten-Ich und verborgene Persona präsentiert. Man fängt an zu denken, ‚Moment mal, da ist ein authentisches Ich, tief drinnen irgendwo!«. »Musikalisch«, ergänzt er, »war es der gleiche Prozess, die gleiche Reise, einige der Dinge abzulegen, an die wir uns gewöhnt hatten und die uns zurückhielten.«

Der gesamte Veränderungsprozess ihrer musikalischen Entwicklung wird von einem Track auf »Necessary Fictions« zusammengefasst, der bezeichnenderweise den Titel »What We Are And What We Are Meant To Be« trägt. »Es ist wirklich einfach, wirklich melodisch«, erklärt Nick. »Es ist kein Showoff, wie ‚Hey, schaut mal, was für Skills wir haben und wie großartig wir sind!‘ Es gibt nicht einmal Improvisation darin. Bassmäßig hat es einfach einen Bass-Synthesizer wie ein Dance-Track. Ein Teil von mir denkt immer noch: ‚Was werden die Leute denken?‘ Dann gibt es einen anderen Teil, der einfach denkt: ‚Was soll‘s, die können denken, was sie wollen! Das ist das, was wir gerade machen wollen, und es fühlt sich authentisch an.‘«

Für Chris Illingworth hingegen bestand ihre Reise darin, weiter in eine Welt vorzudringen, die ihn immer schon angezogen hat, nämlich Synthesizer. »Ich bin früher oft live zu Leuten gegangen, die auftraten, wie Underworld, The Prodigy, Orbital, sogar Nine Inch Nails, und ich habe all ihr Equipment auf der Bühne gesehen, und ein Teil von mir dachte: ‚Verdammt, das sieht nach Spaß aus!‘« Illingworth und Blacka blieben jedoch weiterhin äußerst vorsichtig, was das willkürliche Einfügen von schrillen Sounds betrifft. »Wir wollten nicht, dass es wie ein Gimmick wirkt«, erklärt Chris. »Es musste einen Grund geben – und für uns war das der Wunsch, an bestimmten Stellen den Charakter der Musik zu verändern.«

GoGo Penguin hatte schon immer einen erzählerischen, filmischen Ansatz in ihrer Musik – weit entfernt von simplen Strophe-Refrain-Strukturen, inspiriert von Debussys »Préludes« bis hin zu Underworlds »Pearl’s Girl«. Auf »Necessary Fictions« nimmt diese Klang-Erzählkunst nun deutlich größere Dimensionen an – mit spürbar mehr Raffinesse.
GoGo Penguin graben nun selbstbewusst tief in sich hinein, um ihr bestes Selbst hervorzubringen und andere Talente in ihre harmonische Klangwelt einzubeziehen. Mit »Necessary Fictions« bewegen sich die Drei auf neuen Pfaden – und ja, es ist völlig in Ordnung, dabei zu lächeln.

Kobe Dupree unveils debut album, ‘Voice from the Inside’, arriving 21st May 2025. It lands on fellow Chicagoan DJ Hyperactive’s 4Trk (4 Track Recordings), and features twelve tracks already supported by the likes of Dustin Zahn, Truncate, Korea Town Acid, Amanda Mussi & more, coming out on wax alongside the digital release.

Dupree’s cosmic ambient opener, 'Jacurutu', sinks you into deep, sub-aquatic techno hypnosis before 'Heretics' layers up alien sounds and rolling kick drums. 'Syk' brings edgy, unrelieved loops and muffled spoken words over more mind-melting rhythm. The supple sounds and otherworldly atmospheres continue on 'Forms', which is marbled with static electricity, with 'Interlude of Voice' marking a moment to reset amongst gorgeous celestial synth smears.

The second half of the album takes in the more punchy but still perfectly loopy deep techno of 'Memory Replacement' and psychedelic swirls of 'Tongue of the Unseen'. There is a mystical charm to the harmonic tones of 'Gammu', a moodier vibe pervades the suspensory 'Fogwood', then 'Semuta Music' traps you in tightly coiled drums and hi-hats while a backlit glow soothes the soul. 'One of Many Faces' closes with a heart-aching piano piece that gets deeply emotional.

Kobe Dupree is a techno artist from Chicago with a deep interest in sound design and minimalism. His musical experiments have been released on Trax Research, Double Vision Records and DJ Hyperactive’s 4 Trk, on which he released the ‘Stimulate | Iterate’ EP in 2024. He has a hybrid approach to production, which involves using a modular rig for sound design before moving to a DAW for arrangement and final touches, heard on the sophisticated and cerebral ‘Voice from the Inside’ album.

Stephen James Buckley, aka Polypores, releases his brand new studio album on June 6th.‘Cosmically A Shambles’ sees a slight shift in direction from his signature sound, with stronger elements of rhythm and melody than his more abstract back catalogue though still remaining unmistakably Polypores. Highly textural, intricately woven modular synth tapestries, through to whirling psychedelic freak-outs with hypnotic polyrhythms and fuzzed-up drum machines.Still creating in the same method, using modular synths and ‘playing’, rather than the use of samples or studio or synthesiser pre sets, this album features more beats and textures, seeing a shift towards almost psyc or krautrock. Preceded by his first ever 7” lathe cut single ‘Whorl’, the album is released by Crackedankles Records from Stephen’s homewtown of Preston.

Roughly two years after the release of their initial statement of intent, debut single “Toutpartout PT2” with its hypnotic ripples, Andi Haberl and Florian Zimmer aka Bella Wakame have successfully channeled the magic of a 2024 live recording (captured at Berlin’s Donau115 & Silent Green) into their first proper studio offering. You can hear inspirations ranging from Bitchin Bajas, Jeremiah Chiu to Groupshow (Jelinek, Leichtmann, Pekler), the hypnotic, intricate battle between form and freedom (the fun of momentary formlessness) continues to unfold over the course of 10 new tracks, featuring album guest Indra Dunis (Peaking Lights). Their first single "Shadows of Nambei" was very much inspired by the wonderful band Spirit Fest and their song "Nambei".

You can either shorten the reins, or you can loosen them – and give things more slack. With Bella Wakame, it’s definitely the latter. Constantly challenging each other, they’re tapping a whole new energy. Tons of different energies.

Based on the impulsive, propulsive interplay between drums/sensory percussion (Andi Haberl) and modular synthesizer (Florian Zimmer), the frenzied, free-form results take listeners into completely new dimensions – sonic worlds that don’t really sound anything like their other musical outlets (The Notwist, SUN, Saroos, Driftmachine etc.).

Whereas most bands tend to notoriously overthink names/monikers, these guys obviously only care about the ecstatic push-and-pull that occurs once their instruments meet and overlap: it’s wildly explosive textures with a booming heart. Moving restlessly between motorik club, electro-acoustic jazz experiments, ambient excursions, and fast-paced instrumental anthems that seem to explode at the seams, one can immediately tell how much they enjoy the newfound freedom, the turbulent encounters born on the spur of the moment.

It’s all about a quick-paced exchange of friendly blows, a chasing of tails into ever-new musical terrains. Relying on just enough form for that wildness to blossom within, their just-in-time dashes continually unfold, refold, return, grow bigger – and leave you startled.

Here it is.. the final chapter from Orbital Mechanics! Founded by Sound Synthesis and JDSK back in 2021 and what a journey it has been. To finish in a nice way the 10th and final chapter is a double 12". Thanks for the support, transmission out...The End

Originally released following his acclaimed sophomore album, HYBRIDISM finds Ecuadorian producer Nicola Cruz at the height of his exploratory powers. Now reissued on limited editon green vinyl, this expansive EP re-emerges with renewed relevance—blending North African rhythms, ethereal Persian motifs, and vocal fragments that evoke both ancient traditions and imagined worlds. A contemporary take on global exotica, HYBRIDISM is a vital entry in Cruz’s ever-evolving sonic journey.

'Aima’, named after the refrain sung by Igbo girls from Nigeria, creates the illusion that you’ve dusted off a lost LP. The aesthetic details recall expertly produced French exotica from the 70s, an overall feeling of warmth and character rarely pulled off with such panache.

‘Naeku,' in Cruz’s words, is "a sorrowful song in minor tonalities, but with a warrior energy, strength and forward vision: a soul departs, but a new one arrives in the name of Naeku, a maasai child. Not all grief needs to be a suffering; a feeling which I can relate to the place I come from with a Quechua word: Llaquilla - triste, pero feliz (sad, but happy). As always, the 303 adds that heart touching feeling.” If there’s a template for Multi Culti’s ethos, Cruz has synthesized the formula: Masai lamentation filtered through Quechua wisdom with a touch of 303 for the soul.

'Drom Tradisie' is a nostalgic vignette that captures the fantasy of a scenic horizon on a lost beach, a portrait done with the FM domain of synths that somehow associates with tropical imagery.

'Third Eye Dub’ takes things deeper, exploring the fractal realm of concentration, a point where the Oud (played by Nasiri) acts on the pineal gland. This inward journey through the cavernous depths of the subconscious sails on a smooth modular groove that transports the listener across this psychic expanse, a filigree of Persian harmonies (in Shur, to be exact) tracing outlines in the dark.

Finally, 'Kawe’s Dream’ ventures even further into the imaginary spaces of the mind. It is an aural reconstruction of the Tibetan Bardo Thodol, or ‘Book of the Dead’, a sacred text that guides the spirit through the passage out of the body. In Nicola’s words "To paint that depth, I had these Tibetan chants in mind, that I ended up crafting with Ableton's vocoder over a piece of Ayan’s vocals (sung in a made-up language). A few notes, and it gave the gravity I was looking for in the song.” Stuff that only a producer as capable as Cruz could pull off.

Hybridism’s five tracks are sonically diverse, yet all possess an ephemeral quality, a pastoral, transitory feeling that travels through the music - we listen to the sounds pass us by, we might even catch a hook or two, but the feeling is of sand running through our hands, deep, elusive, beautiful.