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REISSUE OF THE 1972 MASTERPIECE BY THE BRAZILIAN SOLO GUITARIST - A VIRTUOSO ALBUM BLENDING CLASSICAL TECHNIQUE AND BRAZILIAN RHYTHMS and A STUNNING COVER

OFFICIALLY LICENSED FROM SONY.

Talulah’s Tape is the debut offering from magnetic Midwest-jangle collective Good Flying Birds. Across a patchwork mixtape of stripped-down home recordings that span the independent-guitar spectrum, the band delivers colorful, intricate pop songs perched between the immediacy of DIY punk and the intimate sweetness of twee. Breakbeats, memes, and noise glue everything together, making the album feel as chronically online as it is timeless.

Originally released on cassette in January 2025 by Midwest-punk legend Martin Meyers’s Rotten Apple label, the tape sold more than 300 copies in under a month and quickly became an out-of-print and coveted item. Meyers called it “certified catnip for popheads.” Now, with a refined track list and a fresh master from Greg Obis, Talulah’s Tape returns on LP and CD via Carpark and Smoking Room in October 2025.

While production and approach vary, a through-line of sensitive self-contemplation rests on bright, scrappy guitars and hyperactive melodic bass. Opener “Down on Me” rides a buoyant bass line while jangling guitars frame reflections on overcoming trauma: “I see you in the mirror every time I cry / I hear your voice every time I try.” Next, the guitars trade twinkling counter-melodies on “I Care for You,” pairing sugary, lovestruck lyrics with effervescent strums: “You catch me when I fall / You build me up so tall.”

The rosy grin occasionally twists into a wicked smirk. “Dynamic” warns, “You used to paint the face, but now you’re just the clown,” while “Glass” asks, “Is it lonely at the top when everyone follows the trend, and you hold the pen?” Both tracks brim with sparkling guitar interplay. By the closing, nearly five-minute “Last Straw,” Good Flying Birds stand far beyond conventional indie-pop or 4-track punk, unveiling a roller-coaster of unpredictable changes, vocal harmonies, and instrumental cross-talk.

Altogether, Talulah’s Tape is a pastel-yellow, candy-coated shell filled with thoughtful juxtapositions and melodic experiments. Standing on the same ground as idiosyncratic songwriters like Connie Converse and Daniel Johnston, Good Flying Birds find sweetness in sadness, tear stains on a colorful flower-print couch. Simultaneously, it’s packed with the scratchy guitars and vibrant rhythms of Scottish guitar groups like The Pastels, Orange Juice, and Josef K. It’s a tremendous opening statement from a band just getting started.

Emerging from the vivid chaos of Detroit’s underground, ZelooperZ returns with Dali Ain’t Dead — a surreal yet deeply grounded statement from one of rap’s most singular voices. Following his recent collaborative exploration Dear Psilocybin (with Real Bad Man) — which found him moving through a “stream of psychosis” just before sobriety. (Pitchfork) — ZelooperZ enters this new chapter not simply as the same intricate-flows rapper, but as a rising cult-figure in underground hip-hop who’s forged an identity both enigmatic and quietly unstoppable.

On Dali Ain’t Dead, ZelooperZ channels the spirit of the surreal — the album’s title a nod to the iconic surrealist artist Salvador Dalí — as he reframes his world post-substance, post-chaos, yet still dripping with vivid imagination. Reviews highlight that the album finds him in a more focused mode: one critic writes that “ZelooperZ seems to have adopted a similar outlook to Dalí… embracing sobriety and allowing his art to exist as the psychotropic fuel for his mind.” (Album of the Year) Production (courtesy of Dilip) is inventive and cohesive, blending experimental hip-hop, trap, cloud-rap and drumless textures to mirror Ze’s newly clear-eyed vantage point and trademark eccentricity. (Legends Will Never Die)

Tracks like “Mona Lisa Left Eye” and “Push Me Around” (featuring Zack Fox) carry Z’s jagged humor and restless energy, while deeper cuts like “Shrooms” and “Take Me I’m Drugs” trace his evolving relationship with psychedelia and the legacy of his past. (Legends Will Never Die) In doing so, the record positions itself as the sound of a freak-icon in transition — still wild, still weird, but sharpened, matured, operating with a purpose and increasingly commanding the attention of fans who relish the underground unusual.

ZelooperZ’s trajectory continues to rise. From his roots in the Bruiser Brigade collective in Detroit to the present moment as a cult figure whose every release feels like a mission statement, Dali Ain’t Dead confirms that he’s no longer just the oddball off-to-the-side: he’s the weirdo that others are quietly watching. This album isn’t just for the longtime disciples of his left-field aesthetic — it’s an invitation to anyone curious about hip-hop bending, breaking, and rebuilding itself from the fringes inward.

Célia Oneto Bensaid reveals the full palette of the master of minimalism: original works, opera and film transcriptions, hypnotic flashes and introspective tenderness.

This album paints a sensitive and vibrant portrait of a composer in constant metamorphosis, for whom repetition becomes breath, emotion and light.

These resonances together form the true ‘Echoes’ of Philip Glass


[b] The Poet Acts (Music from the motion picture "The Hours") [Arr. for Piano Solo by Michael Riesman and Nico Muhly]

[d] "Trilogy" Sonata: II. Knee Play 4 (From" Einstein on the Beach") [Arr. for Piano Solo by Paul Barnes]
[e] "Trilogy" Sonata: I. Dance (From "Akhnaten", Scene 3) [Arr. for Piano Solo by Paul Barnes]
[f] Mad Rush The Hours (Music from the motion picture "The Hours") [Arr. for Piano Solo by Michael Riesman and Nico Muhly

Formed in Taipei in 2013, Scattered Purgatory (破地獄) has occupied a liminal space between drone, ambient, psychedelic folk and ritualistic kosmiche experimentation. Their early work, including ‘Lost Ethnography of the Miscanthus Ocean’ (2014) and ‘God of Silver Grass’ (2016), blended dense instrumental drones, improvisational guitar, and ambient textures rooted in the heat, humidity, and urban pulse of Taiwan. Over the years, the duo-turned-band has drawn on Krautrock, minimalist electronic music, and heavy drone traditions while remaining firmly grounded in Taiwanese geography and culture.

‘Post Purgatory’ emerges after a three-year hiatus following the pandemic, a period the band describes as pivotal to the album’s conception. “The feeling of loss and uncertainty has later become the inspiration of this record, and ‘time’ is the main theme – it can heal or it can destroy,” they explain. Musically and lyrically, the record traverses Taiwanese, traditional Chinese, and English, reflecting the multilingual fabric of Taipei life. While there isn’t a linear storyline, metaphor and poetry imbue the lyrics with reflections on love, loss, and the human experience, interlaced with influences of Hokkien and Mando pop and traces of trip-hop.

Recorded half in their home and half at the studio where they composed their first album, ‘Post Purgatory' integrates precision, clarity, and digital production techniques. Guest contributions—from White Wu’s dynamic drumming to Minyen Hsieh’s tenor saxophone and dotzio’s sci-fi-infused vocals—expand the band’s sonic palette, creating a doom metal record shaped by electronic sensibilities.

‘Post Purgatory’ is a statement of loss and re-empowerment, a bridge between their past and present. Through it, Scattered Purgatory reclaim their distinctive voice, presenting a sound that is at once rooted in Taiwan, informed by global musical traditions, and unflinchingly forward-looking.
credits

Mountain Call, ein Höhepunkt im musikalischen Schaffen von Miroslav Vitous, präsentiert den Meisterbassisten in unterschiedlichen Ensemblekonstellationen – zu seinen musikalischen Mitstreitern auf dem
Album gehören u.a. Klarinettist Michel Portal und Schlagzeuger Jack DeJohnette. Der Mitbegründer
von Weather Report kam Ende der 1970er-Jahre erstmals zu ECM, im Trio mit Terje Rypdal und Jack
DeJohnette. Schon damals bildeten Miroslav und Jack eine kraftvolle Rhythmussektion, die später auf Universal Syncopations (2003) mit Jan Garbarek und Chick Corea erneut zusammen kam. Auch auf Mountain
Call spielt diese Kombination eine zentrale Rolle. Bassist und Schlagzeuger interagieren dynamisch auf
„Tribal Dance“ und „Epilog“, wobei ihr Spiel im letzteren Stück orchestral eingerahmt wird – Jack soliert
auf Vitous’ dreiteiligem Werk „Evolution“ mit großer Entdeckungslust. In der Suite „Rhapsody“ tritt die
Stimme Esperanza Spaldings in den Vordergrund, die Vitous’ Texte singt. Mountain Call beginnt und endet jedoch mit einer Reihe herausragender Duette mit Michel Portal, die möglicherweise Miroslavs stärkste
improvisatorische Momente seit seiner gefeierten Zusammenarbeit mit Jan Garbarek auf Atmos darstellen.
Der abschließende Titelsong mit Miroslavs dramatischem Arco-Spiel und Portals eindringlicher Bassklarinette bestätigt ihre bemerkenswerte kreative Verbindung. Mountain Call wurde von Miroslav Vitous und
Manfred Eicher produziert

High-quality FERRO cassette tapes, printed on 160g premium paper.

Release info
New release with a remix coming from Mirror Lake (Mexico). His version of the track could easily fit into a drum & bass set, but would work just as well in a classic 4/4 set as a refreshing change of pace. Compared to my original, his version features a shorter bass, making the groove more dance-driven and energetic. Superb control over detail throughout the entire track.

Hurts Like Hell ist Charlotte Cornfields sechstes Album und das erste, das sie seit der Geburt ihrer Tochter aufgenommen hat - ein Wendepunkt für sie als Mensch und Künstlerin. Die wiederkehrenden Themen des Albums - persönliche Entwicklung und Erneuerung, die Beständigkeit der Liebe trotz Schwierigkeiten, Scham und Unbeholfenheit - haben dort ihren Ursprung. ,Diese Erfahrung hat mich aus mir selbst herausgeholt und mir eine andere Sichtweise auf die Dinge gegeben", sagt sie. ,Die Verletzlichkeit, Zerbrechlichkeit und Wildheit des Ganzen haben dazu geführt, dass ich mich weniger auf mich selbst konzentriere und mehr Abstand gewinne." Hurts Like Hell ist das offenste und stimmgewaltigste Album ihrer Karriere und auch dasjenige, an dem am meisten mitgearbeitet wurde. Cornfield zog sich in Philip Weinrobes Sugar Mountain Studio in Brooklyn zurück und wurde von einer kompletten Begleitband unterstützt, darunter El Kempner von Palehound, Bridget Kearney von Lake Street Dive, Adam Brisbin und Sean Mullins, mit wichtigen Beiträgen von Núria Graham und Daniel Pencer. Cornfield holte dann Feist, Buck Meek, Christian Lee Hutson und Maia Friedman als Gastsänger für das Album dazu. Das Ergebnis dieses Prozesses wird sofort in der Lead-Single ,Hurts Like Hell" deutlich, einem von Country-Klängen durchdrungenen Sehnsuchtslied, das Cornfield als ,eine Liebesgeschichte schüchterner Menschen" bezeichnet, wobei die Band Cornfields eigenwilligen Flow aufnimmt, als wolle sie das Herz ihrer Protagonistin wiegen. Dass der Song so verletzlich und so lebendig ist, ist eine Frage des Vertrauens zwischen Cornfield und ihren Bandkollegen, untereinander und in ihr Bauchgefühl. Ihr Sound liegt irgendwo zwischen Nashville Skyline und Harvest - eine warme, reichhaltige Antwort auf ihren verletzten, aber suchenden Ruf. Ein Großteil der Magie von Hurts Like Hell entsteht in dem Raum, den Cornfield für Harmonie schafft. Von Meek oder Hutson aufgegriffen, werden die Charaktere wie mit einem Pinselstrich zum Leben erweckt. Wenn Kempner oder Kearney hinzukommen, entsteht eine schillernde Facette der natürlichen, blitzartigen Chemie ihrer Band. In ,Kitchen" spiegelt Friedman Cornfields Erstaunen darüber wider, dass sie sich verliebt hat, und bringt die Emotion auf ihren ätherischen Höhepunkt. In ,Living With It" wird sie von Feist begleitet, die Cornfield über einen Gruppenchat für Mütter, die als Musikerinnen auf Tournee sind, kennengelernt hat. Cornfield ist mit den Narben ihrer Vergangenheit und der Hoffnung für die Zukunft zu diesem Album gekommen. Sie hat sich selbst von außen betrachtet und überlegt, was sie mit ihrer Musik nach der Geburt ihres Kindes erreichen will. Dabei war sie mutig genug, um Freiraum, Zeit und Hilfe von vertrauten und unerwarteten Quellen zu bitten - einem Gruppenchat, Songwritern, die sie bewundert, aber nicht persönlich kennt, Freunden, deren längst vergessener Song ihr den Refrain für einen neuen Song geliefert hat. Jedes ,Ja", jede Sprachmemo, jede geteilte Datei, jede offene Tür führte zu diesem Moment in Charlotte Cornfields Karriere. Nenn diesen Moment, wie du willst - eine Erweiterung, eine Wiedergeburt, ein Durchbruch - Hurts Like Hell ist groß genug, um ihm gerecht zu werden, und hat nichts von Cornfields Charme, Witz oder Dringlichkeit verloren. Es ist gleichzeitig eine Bestätigung ihrer Stellung unter den großen Singer-Songwritern ihrer Generation und die erste Formulierung ihrer Zukunft, egal welche Unsicherheiten und welche Liebe sie mit sich bringen mag.

Hurts Like Hell ist Charlotte Cornfields sechstes Album und das erste, das sie seit der Geburt ihrer Tochter aufgenommen hat - ein Wendepunkt für sie als Mensch und Künstlerin. Die wiederkehrenden Themen des Albums - persönliche Entwicklung und Erneuerung, die Beständigkeit der Liebe trotz Schwierigkeiten, Scham und Unbeholfenheit - haben dort ihren Ursprung. ,Diese Erfahrung hat mich aus mir selbst herausgeholt und mir eine andere Sichtweise auf die Dinge gegeben", sagt sie. ,Die Verletzlichkeit, Zerbrechlichkeit und Wildheit des Ganzen haben dazu geführt, dass ich mich weniger auf mich selbst konzentriere und mehr Abstand gewinne." Hurts Like Hell ist das offenste und stimmgewaltigste Album ihrer Karriere und auch dasjenige, an dem am meisten mitgearbeitet wurde. Cornfield zog sich in Philip Weinrobes Sugar Mountain Studio in Brooklyn zurück und wurde von einer kompletten Begleitband unterstützt, darunter El Kempner von Palehound, Bridget Kearney von Lake Street Dive, Adam Brisbin und Sean Mullins, mit wichtigen Beiträgen von Núria Graham und Daniel Pencer. Cornfield holte dann Feist, Buck Meek, Christian Lee Hutson und Maia Friedman als Gastsänger für das Album dazu. Das Ergebnis dieses Prozesses wird sofort in der Lead-Single ,Hurts Like Hell" deutlich, einem von Country-Klängen durchdrungenen Sehnsuchtslied, das Cornfield als ,eine Liebesgeschichte schüchterner Menschen" bezeichnet, wobei die Band Cornfields eigenwilligen Flow aufnimmt, als wolle sie das Herz ihrer Protagonistin wiegen. Dass der Song so verletzlich und so lebendig ist, ist eine Frage des Vertrauens zwischen Cornfield und ihren Bandkollegen, untereinander und in ihr Bauchgefühl. Ihr Sound liegt irgendwo zwischen Nashville Skyline und Harvest - eine warme, reichhaltige Antwort auf ihren verletzten, aber suchenden Ruf. Ein Großteil der Magie von Hurts Like Hell entsteht in dem Raum, den Cornfield für Harmonie schafft. Von Meek oder Hutson aufgegriffen, werden die Charaktere wie mit einem Pinselstrich zum Leben erweckt. Wenn Kempner oder Kearney hinzukommen, entsteht eine schillernde Facette der natürlichen, blitzartigen Chemie ihrer Band. In ,Kitchen" spiegelt Friedman Cornfields Erstaunen darüber wider, dass sie sich verliebt hat, und bringt die Emotion auf ihren ätherischen Höhepunkt. In ,Living With It" wird sie von Feist begleitet, die Cornfield über einen Gruppenchat für Mütter, die als Musikerinnen auf Tournee sind, kennengelernt hat. Cornfield ist mit den Narben ihrer Vergangenheit und der Hoffnung für die Zukunft zu diesem Album gekommen. Sie hat sich selbst von außen betrachtet und überlegt, was sie mit ihrer Musik nach der Geburt ihres Kindes erreichen will. Dabei war sie mutig genug, um Freiraum, Zeit und Hilfe von vertrauten und unerwarteten Quellen zu bitten - einem Gruppenchat, Songwritern, die sie bewundert, aber nicht persönlich kennt, Freunden, deren längst vergessener Song ihr den Refrain für einen neuen Song geliefert hat. Jedes ,Ja", jede Sprachmemo, jede geteilte Datei, jede offene Tür führte zu diesem Moment in Charlotte Cornfields Karriere. Nenn diesen Moment, wie du willst - eine Erweiterung, eine Wiedergeburt, ein Durchbruch - Hurts Like Hell ist groß genug, um ihm gerecht zu werden, und hat nichts von Cornfields Charme, Witz oder Dringlichkeit verloren. Es ist gleichzeitig eine Bestätigung ihrer Stellung unter den großen Singer-Songwritern ihrer Generation und die erste Formulierung ihrer Zukunft, egal welche Unsicherheiten und welche Liebe sie mit sich bringen mag.

Maui Blue & Orchid Vinyl. Nachdem wir American Don mit (Steve) Albini fertiggestellt hatten, waren wir kurz davor, dass die Spannungen zwischen uns so groß wurden, dass wir uns trennen mussten. Ich (Eric) war überzeugt, dass wir bei den Aufnahmen die wahre Essenz der Songs verloren hatten. Es war keine einstimmige Entscheidung, mit Steve aufzunehmen. Wir haben das Album komplett mit Gitarrenloops geschrieben, und Team Storm & Stress wollte im Studio mit Pro Tools weitermachen, was sowohl zu dem passte, was wir machten, als auch zu dem, was wir erreichen wollten. Steve hatte gerade den großartigen A-Raum bei Electrical fertiggestellt, und Damon bestand darauf, dass wir dort die Drums aufnehmen würden. Er gab in dieser Frage nicht nach. Sobald wir dort ankamen, wurde uns klar, dass alle Songs, die wir mit unseren Pedalen in mehreren Overdubs geschrieben hatten, nur Mono-Gitarrenaufnahmen zuließen. Wir haben das Problem gelöst, indem wir die Songs zu einem einzigen Loop gespielt und alle Gitarren später überlagert haben, sodass ein volles Stereofeld entstand, das zu den grandiosen Drum-Aufnahmen von Steve passte. Dieser Ansatz hat unsere Spielweise total verändert. Das hat zwar magische Momente der Improvisation ermöglicht (Peter Criss Intro), aber als das Album fertig war, klang es aufgebläht und die Darbietungen waren träge. Ich war mir immer sicherer, dass der Sound des Akai Headrush und die Tempi, die er für Damon vorgab, das Herzstück dieser Songs waren. Ian stimmte mir zu. In einem gewagten letzten Versuch hatte ich die Idee, Greg Norman (der für Steve arbeitete!) anzurufen und ihn zu fragen, ob wir nach unseren nächsten Shows heimlich in sein Studio in S. Chicago kommen und das Album LIVE neu aufnehmen könnten. Es war ein riesiger Schritt, der niemals hätte funktionieren können, aber wie durch ein Wunder waren alle einverstanden, und wir versuchten es. Greg hat uns persönlich und professionell in unserer heißesten Phase eingefangen. Die Tempi sind schneller, und niemand hält sich zurück. Diese echten Live-Bänder zeigen die Songs genau so, wie wir sie auf Tour gespielt haben, wo sie zwischen Juni 1999 und Juli 2000 entstanden sind. Jetzt, 25 Jahre später, wurden die Greg-Norman-Aufnahmen entstaubt und digitalisiert. Mit Hilfe moderner Restaurierungswerkzeuge und dem Fachwissen von Sir Bob Weston konnten wir diese Aufnahmen zum ersten Mal neu abmischen und mastern. - Eric Emm, Bassist

Aurora-Glow-Vinyl, limitiert auf 700 Exemplare. Lange war es ruhig um Sound Of Smoke aus Freiburg im Breisgau. Nachdem das Psychedelic Soulrock Quartett ihre letzte Platte PHASES im Frühjahr 2023 über Tonzonen Records veröffentlicht hatte, gab es viel Zuspruch innerhalb der deutschen und teils auch internationalen Szene. Aufgrund anschließender diverser privater Umstände, unter anderem ein Baby und der Umzug in eine andere Stadt, hatte sich die Band darauf geeinigt, sich mehr dem Songwriting zu widmen und das Touren zu reduzieren. Nun freuen sich die Freiburger*innen im März 2026 ein neues Album zu präsentieren! MIRAGE, so wird die 3. Langspielplatte der Band heißen und knüpft an das bewährte Konzept von Sound Of Smoke an: Johannes Braunsteins vorantreibende Schlagzeugbeats, Florian Kiefers donnernder Bass, welcher teilweise schon als Rhythmusgitarre interpretiert werden kann, Jens Stövers elektrische, twangy Gitarre ergänzt mit sphärischen Echo- & Fuzz-Sounds, sowie oszillierende Synthesizer. Zu guter Letzt gibt Isabelle Bapté mit ihrer souligen Stimme und Flöteneinsätzen dem Sound Of Smoke den famosen, individuellen Touch, welcher die Band so einzigartig macht.

Celebrating the 30th anniversary of Enlace Funk magazine, they present the world's first Flamenco-Jazz compilation, featuring 16 tracks from between 1978 to 2025, released on vinyl for the first time. A musical dialogue between Flamenco and Jazz, unique in the world, a journey through some of the most important artists of this style, starting with the seminal work of the group Dolores in 1978, and continuing to examples of the current sound of this exciting fusion. Includes tracks never before released on vinyl by artists such as Jorge Pardo, Chano Dominguez, Pedro Ojesto, and Marc Miralta. The first volume of Flamenco-Jazz aims to showcase this unique style that has proven to be a bridge of communication and dialogue between flamenco and jazz musicians, creating an inimitable sound that is constantly evolving and transcending barriers. We take as our starting point a 1978 recording by Dolores, featuring Paco de Lucía, which later led to the formation of her legendary sextet with musicians who had participated in this recording. Of course, this first volume wouldn't be complete without other masters like Josemi Carmona, Pedro Ojesto, and Marc Miralta. And of course, a new generation of names that have elevated the genre to its current status, such as flautists Trinidad Jiménez and Sergio De Lope, Juanfe Pérez and Juan Pérez Rodríguez from Huelva, Pablo Martín Caminero from Vitoria, and Miquel Alvarez from Valencia. Not forgetting innovators like Antonio Lizana and Enriquito, who are crossing borders and sharing their unique style. Ltd ed.classic black vinyl double LP in gatefold sleeve

In ,Osni the Flare", dem zweiten Teil von Tristan Allens mythischer Trilogie, zeigt der Komponist, Produzent und Puppenspieler, wie ein Sterblicher durch die Entdeckung des Feuers zu einer Gottheit wird. ,Osni the Flare" wurde über vier Jahre hinweg mit wortlosen Gesängen, Orgeln, Okarinas, einer Menge Spielzeuginstrumenten und einem ausgeklügelten Sounddesign aufgenommen und erzählt in vier akustisch und visuell beeindruckenden Akten von den Ursprüngen der Flamme und der Zeitlichkeit. Allen webt einen Schöpfungsmythos, der zwischen Schönheit, Schatten und wehmütiger Glut wechselt, und schafft so ein Portal zu einem sorgfältig gestalteten, emotional kraftvollen Klang und einer Geschichte, die durch ein fantastisches Reich hallen. Allen wurde in Saratoga Springs, New York, geboren und hat Kindheitserinnerungen an den Aufenthalt seiner Familie in Japan. Sein Weg führte ihn zu prägenden Begegnungen, darunter mit seinem Lehrer Andy Lorio, der das wachsende Interesse und Können des jungen Musikers am Klavier durch Improvisationstechniken förderte, und Amanda Palmer, die ihn mit 16 Jahren während eines Sommerprogramms am Berklee College entdeckte und seine erste Veröffentlichung durch Crowdfunding finanzierte. Nachdem er an der Berklee Klavier studiert, das Live-Elektronik-Kollektiv Nue mitbegründet, mit der Metal-Band Dent durch China getourt und zwei Solo-Klavier-EPs veröffentlicht hatte, zog Allen 2018 von Boston nach Brooklyn. Eine Anzeige auf Craigslist führte zu einer Puppenspielausbildung bei Mike Leach, der ihnen sechs Monate lang beibrachte, wie man eine Marionette richtig führt, was ihnen eine Stelle als Darsteller am renommierten Puppetworks Theater einbrachte. Diese harte Arbeit, zusammen mit dem Kontakt zu den Artefakten des Bread and Puppet Theater ihres Vaters und dem balinesischen Schattenspiel, brachte Allen zu ihrer kreativen Praxis: Komponieren für akustische Instrumente, elektronisches Arrangieren und Auftritte mit Puppenspiel. Osni the Flare erzählt einen Schöpfungsmythos, in dem die Titelfigur in einem Garten aufwacht und Äpfel von einem Baum pflückt. Von einem Loon herbeigerufen, macht sich Osni auf, den Baum vor der Kälte des Winters zu schützen. Als der Loon von einem Drachen verschlungen wird, wagt sich Osni in dessen Bauch und entdeckt dort Glut. Als er diese Glut dem Baum anbietet, entzündet sich dieser - der Ursprung des Feuers selbst. Iso, der Gott des Meeres, greift mit einer Flut ein, die Osnis Garten überschwemmt. Nach seinem Tod gelangt Osnis Seele in das Reich der Schatten, wo sie sich Tin und Iso anschließt und zur Gottheit des Feuers wird - Osni the Flare. Das Album klingt menschlicher und kindlicher als sein Vorgänger ,Tin Iso and The Dawn" und wechselt von der Perspektive der Götter als Beobachter zu der des ersten sterblichen Charakters in Allens Welt. Unterstützt durch neue Liebe, kanalisiert das Projekt Gefühle in Musik, die zu einem ganz eigenen Zauber wird. Wie Tin Iso beginnt und endet das Album mit Klavierklängen als Portal, das die Heimat repräsentiert, während Osni sich auf eine Reise durch drei Reiche begibt: das Land der Lebenden, das Zwischenreich und das Jenseits. Osni the Flare wurde fast komplett mit einem Aston-Kondensatormikrofon in Allens Wohnung in Brooklyn mit Blick auf den Cypress Hills Friedhof aufgenommen und besteht aus Spielzeugklavier und Flöten, Okarinas, Harmonium, Pumporgel, E-Bass und Kontrabass, Gadgets und einer umfangreichen Sammlung von Spieluhren und Glocken. Die Gesangsmelodie - inspiriert vom Summen seiner Partnerin Virginia Garcia Ruiz, das an Pans Labyrinth erinnert - war Allens erster Ausflug in den Gesangsbereich, wobei er eine Melodie ohne Worte verwendete, um den Zuhörern zu ermöglichen, die Protagonisten zu bleiben. Die Flöten wurden Note für Note akribisch aufgenommen, darunter balinesische Sulings, Fundstücke aus chinesischen Souvenirläden und vogelförmige Okarinas. Die Spieluhren wurden langsam aufgezogen, einzeln gesampelt und dann neu arrangiert und gestimmt, um Virginias Summen zu verdoppeln. Ein ausgedientes Casio SK-1 mit einem kaputten Lautsprecher wird mit einem Harmonium kombiniert, um Akkordtexturen zu erzeugen. Stundenlange Improvisationen, die durch Bastl Thyme und NanoVerb geleitet wurden, erzeugten lange, ausklingende Delays, wobei die besten Momente für Songs ausgewählt wurden. Feuergeräusche entstanden durch Fingernagelklicken auf Klaviertasten. Feldaufnahmen hielten das Zerlegen eines Klavieruntergestells, das Löschen von Kerzen und Geräusche aus einem Hospiz fest. Die Stimme des Drachen spricht Worte aus Allens erfundener Sprache. Die Melodie liegt oft im Bass - inspiriert von Goth und Gamelan - mit nach oben gerichteten Verzierungen. Der detailreiche Ansatz spiegelt eine Punktierung wider, die Allens Original-Artwork für das Albumcover ähnelt und durch ihre obsessive Arbeit kleine Teile zu einem großen Bild zusammenfügt - unter der Dusche, vor dem Einschlafen, mitten im Satz. Das Klavier wurde von der Toningenieurin Katie Von Schleicher bei Figure 8 Recording neu aufgenommen, gemischt wurde das Album von Paul Corley. Der technische Leiter Jim Freeman arbeitete vier Monate lang am Halsgelenk und fünf Monate lang an den Schultern der Basswood-Stabpuppe, die von Bruce Schwartz' Ballerina inspiriert ist. Freeman verbrachte Jahre damit, ein selbstgebautes LED-System zu entwickeln, um das Puppenspiel von der Bühne aus zu beleuchten, und sein unwillkürliches Pfeifen während der Arbeit wurde heimlich aufgenommen und ist im Schlussmoment zu hören. Die Herstellung der Puppen wurde von Miryam Moutillet und Lauder Weldon überwacht, die hybriden Köpfe wurden von Duygu Bayar Ekren entworfen. Seit der Veröffentlichung von Tin Iso im Jahr 2023 hat Allen in der experimentellen Puppenspiel-Community von New York City eine Heimat gefunden und wird von der Jim Henson Foundation und La MaMa unterstützt. ,Osni the Flare" steht für Tristan Allens kontinuierliche Weltgestaltung mit akribischer Kontinuität - viele bewegliche Teile, die in funkelnder Kohäsion präsentiert werden, wobei sich jede Komponente aus einer Idee entwickelt, wie eine Fantasy-Serie, die im selben Reich spielt. Das Album erreicht das, was sich Allens kindliches Ich beim Anschauen von Fantasy-Filmen vorgestellt hat: Musik, die nicht so klingt, als würden Menschen Instrumente spielen, sondern wie das Werk der fantastischen Welt selbst. Durch die Kunst des Puppenspielers, ,wahre Lügen zu erzählen", lädt Allen die Zuhörer ein, etwas Ursprüngliches und Unmittelbares zu erleben. Während Osni sich von einem Sterblichen zu einer Gottheit verwandelt, zeichnet das Album nicht nur den Ursprung des Feuers nach, sondern auch den Ursprung des Mythos selbst.

Killer Groove Records proudly presents the self-titled debut album by Italian cinematic funk trio Atabasca. A sonic journey where funk, psychedelia and desert groove merge into a timeless narrative suspended between rhythm and vision.


"Atabasca" marks the debut release from the cinematic funk trio, dropping March 27th on limited edition LP, CD digipack and digital formats, the latter featuring an exclusive bonus track. This is a project built on evocative imagery: each song unfolds as an open scene, an emotional landscape where listeners can step inside and write their own ending.

Lap steel, kalimba, percussion and guitars interweave with bass and drums, striking an original balance between tradition and experimentation that evokes unwritten soundtracks for worlds at once distant and familiar. The record navigates between melancholy and irony, tension and release, with a sharp focus on dynamics and sonic narrative.


Deserts, seas, imaginary villages, getaways, pursuits and collective rituals: "Atabasca" emerges as a collection of musical landscapes that unfolds through vivid, evocative imagery.

Jazz-funk, world music, afrobeat, psychedelia and the Italian Golden Age of movie soundtracks merge into a singular emotional geography: warm, analog and deeply human.

The musical journey opens with "Dune", a melancholic statement that leaves room for imagination, before igniting with "Kundela Mawedi" and its cascading lap steel over haunting vocal chants. "Paco" tips its hat to classic westerns, tracing a bandit's trajectory, while "Cameo" drifts back to childhood through minimal rumba and shimmering kalimba. The cinematic imagery continues in "Cacopoulos", a nod to Spaghetti westerns and Eli Wallach, built on raw drum patterns and distorted guitars. Intensity builds in "Khettara", where afrobeat rhythms and Middle Eastern textures intertwine, before "Hell Dorado" tears off in pursuit of the American dream's funk-fueled mirage. "Papambra" weaves hypnotic polyrhythms between kalimba and lap steel, while "Porpora" delivers a sensual, visceral tango of passion and tension. The digital edition closes with "Reprise", a sequel that stretches the album's central theme into an expansive, meditative interpretation.

The tracks were recorded in single takes, capturing the raw energy and natural atmosphere of the performance. Artistic production was handled by the trio alongside Andrea Fabrizii (digger, musician, producer and catalogue curator for CAM Sugar), while Riccardo Ricci mastered the album at Velvet Room Mastering Studio in Brighton.

Like a desert blooming within the evergreen forests of the planet's far north, a unique, alien, disruptive environment. This is the vision behind Atabasca, the project of Luca Mongia (guitars, lap steel, keyboards, vocals), Paolo Mazziotti (bass, keyboards, vocals) and Valerio Pompei (drums, percussion, vocals).

Individually active for over twenty years on both the national and international scenes, the three Italian musicians came together in 2023 to create a project that merges experience, experimentation and creative freedom. Their music is imaginative and at times dreamlike, blending the classic concept of the instrumental trio with the worlds of film scoring and sound design.

Atabasca's sound moves through jazz-funk, world and cinematic territories, weaving together afrobeat, desert and psychedelic influences into a personal and timeless language. Each piece is a scene; each sound, a fragment of a world, a journey between reality and imagination where groove, texture and organic timbre merge into a singular sonic ecosystem: a perpetually shifting balance that generates new inner landscapes.


For fans of Khruangbin, Surprise Chef and instrumental psych-funk!

“If I never make it home, thank you for everything.” — “Ten Years” It’s hard to believe twenty years have passed since The Academy Is… released their breakthrough debut Almost Here, a record that quietly shaped an underground era. In the years since, the band grew up, lived full lives, and ultimately found their way back. Almost There serves as a conceptual companion to their debut, reexamining the past from the present with clarity, reflection, and experience. “Almost Here was about leaving home,” William Beckett reflects. “This album is about finding your way back.” The songs capture the bittersweet truth that time moves fast, carrying a quiet urgency to chase what matters before it slips away.

It’s 5 AM, the world is still quiet as dawn begins to rise. While most are asleep, a few of us are in the final stretch, finishing last edits or easing into the day, surrounded by scattered notes in the living room with a sleepy cat nearby.

5 AM Study Session is a tribute to the early risers and the night owls. This collection of 34 tracks carries early-morning focus and momentum, guiding you through the quiet and setting the tone for the day ahead. Sunlight slowly peeks in as the melodies play, creating a soundtrack for productivity and peace.

The physical edition captures the warmth of a fresh cup of coffee: pressed on double "Morning Latte" marble vinyl, the swirling beige and brown tones mirror the cozy, studious atmosphere of the artwork. A tangible reminder that the best work often happens when the world is still.

Slip on your headphones, pour a hot drink, and let the sunrise guide your workflow.

Rooted in modern blues but unafraid to stretch beyond tradition, the record crackles with grit, groove, and lived- in emotion, presenting an artist who isn't waiting for answers, he's moving forward without them. Across the album, Stillman digs deep into themes of self-reckoning, loss, pride, and renewal.

Songs wrestle openly with identity, shame, and hard- earned perspective, balancing moments of vulnerability with sharp wit and raw confidence. Whether confronting inner demons or finding humor in heartbreak, the writing feels honest and unfiltered, anchored by soulful vocals and muscular musicianship . What Happens Next? is an album about growth through motion-- accepting change, facing consequences, and choosing momentum over fear. High- energy, emotionally grounded, and deeply human, it marks a defining step forward for Gabe Stillman , capturing an artist fully stepping into his voice and daring the listener to do the same.

Jards Macalé’s biography is a testament to the electrifying energy of music and the unwavering spirit of artistic rebellion. Macalé has remained true to his vision, unapologetically embracing the unconventional and challenging the status quo. His music, a conduit of emotion and a mirror to society, continues to weave a sonic tapestry that resonates with the souls of listeners.

In 2022, Macalé celebrated the momentous 50th anniversary of his debut solo album, a groundbreaking masterpiece released by Philips in 1972. This iconic record gifted us timeless tracks such as “Vapor Barato”, “Mal Secreto”, “Farinha do Desprezo”, “Revendo Amigos”, and “Hotel das Estrelas”. Its sheer brilliance united the realms of Brazilian music, infusing samba and bossa nova with the fiery essence of rock, classical harmonies, and the improvisational spirit of jazz. As the years passed, a new generation of musicians and fans discovered this gem, fueling its resurgent popularity and inspiring fresh collaborations.

Last year, Jards Macalé assembled a formidable new band, igniting stages across Brazil with a tour that now sets its sights on Europe. Together with Gui Held on guitar, the Paulo Emmery on bass, and Thomas Harres on drums, Macalé conjures an exhilarating homage to his illustrious body of work. This live performance embodies the untamed spirit and boundless musical freedom that define this visionary artist, transporting audiences to a realm where the past intertwines with the present in a breathtaking display of artistic prowess.

Die Farben der Nacht
Die Nacht mit ihrer Stille und geheimnisvoll-poetischen Aura übt seit jeher eine Anziehungskraft auf Künstler aller Art aus, seien es Komponisten, Dichter oder Maler wie der Niederländer Vincent van Gogh. Er schrieb: „Oft scheint es mir, als sei die Nacht viel lebendiger und farbenreicher als der Tag – als wäre die Nacht nicht schwarz, sondern blau, violett und grün.“ Nicht nur mit diesen Worten, auch mit seinen Gemälden hat van Gogh den Neoklassik Komponisten und Pianisten Matteo Myderwyk dazu inspiriert, die Nacht zum Gegenstand eines ganzen Albums zu machen. Nocturnal Blues heißt diese Sammlung aus 15 stimmungsvollen Nachtstücken, die Warner sowohl digital als auch auf LP veröffentlicht.

IARC108LP – black vinyl / IARC108LPI – indies exclusive grapefruit colour vinyl. All formats are extremely limited and orders may be subject to cutbacks.

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Motown Records: The Supremes, Stevie Wonder, The Miracles, Marvin Gaye, Martha Reeves and The Vandelas and, of course, The Temptations. It is antithetical to mention any of those without the others. The community of artists started as the Sound of Young America, but as history has proven, it became the sound, the look and the inspiration of so much more. And now, little nuggets of Motown's influence can be found the world over. David Ruffin, founding member of Motown superstars The Temptations, went on to become a successful solo artist even after he left the group. In 1969, Ruffin released two fantastic solo records, My Whole World Ended and Feelin' Good. Between 1970 and 1971 he recorded what was to be his third long playing solo record. However, his career was suddenly put on hold when Motown, for reasons unclear, shelved the album that had been dubbed David. The record had even been assigned a catalog number and final artwork. Ruffin returned in 1973 with a brand new LP titled David Ruffin (treated officially as his third LP) and the previously recorded album David sat on the shelves, unheard for decades. This deluxe 2xLP set features the original, rare David LP, plus an LP of bonus tracks and mono single mixes all packaged in a beautiful gatefold jacket, featuring extensive liner notes and striking color photographs of Ruffin. His red and yellow suede suit featured in the interior gatefold LP jacket is an absolute must-see! The record was cut and pressed at Third Man's Detroit HQ, just a couple miles away from the original Motown HQ. For the first time ever on vinyl, Third Man is proud to present the essential, true third LP from the Temptations' mighty David Ruffin.

Calvin Love is a Canadian singer-songwriter, composer, and producer from Edmonton, Alberta, now based between Edmonton and Los Angeles. With a sound that blends noir-tinged folk‑pop, crooning rock ’n’ roll, and cinematic storytelling, Love has become a distinctive voice in the international indie landscape. His music has drawn comparisons to Roy Orbison, Leonard Cohen, and Bryan Ferry, with Aquarium Drunkard describing his work as “a crestfallen soundtrack of near‑escape… like Chris Isaak trapped in a David Lynch film.”
Since his debut New Radar (2012), Love has released a run of acclaimed records including Super Future (Arts & Crafts, 2015), Highway Dancer (2018), Night Songs (2020), and Lavender (2021). Along the way, he has collaborated with renowned producers and artists such as Gus Seyffert (Beck, Roger Waters, Black Keys) and the late Richard Swift (The Shins, Damien Jurado), while earning coverage from outlets including SPIN, The Fader, Interview Magazine, and Stereogum.
A seasoned live performer, Love has toured extensively across North America, Europe, and Asia, appearing at festivals such as SXSW, Pop Montréal, Strawberry Festival (China), Endless Daze (South Africa), and Sled Island. He has shared stages with Morrissey, Mac DeMarco, Courtney Barnett, Jonathan Wilson, The Divine Fits, and Jim James, performing in iconic venues like Carnegie Hall, The Troubadour, and Hollywood Forever Cemetery.
In early February 2026, Love releases his seventh studio album, Throw My Shadow To The Sun — a bold, visceral statement that captures him at a new creative peak. Self‑produced and recorded by Reverend Baron at The Ladder Factory in East Los Angeles, the album channels raw, unfiltered energy into a late‑night rock ’n’ roll atmosphere built on moody grooves, gritty textures, and Love’s unmistakable croon.
The sessions brought together a formidable live band: Josh Da Costa (Drugdealer) on drums, Brent Randall (Vanity Mirror) on bass, Davey Chegwidden (De La Soul, Ghostface Killah, Raekwon, Too Short) on percussion, Jeremy Brian Gill (Curtis Harding) on tenor saxophone and flutes, Daniel E. Garcia (Reverend Baron) on lead guitars, and multi‑instrumentalist Laena Myers (White Fence, Orville Peck, El Mariachi Bronx) on violin.
From the hypnotic sway of “Underneath It All,” to the reverb‑drenched sax of “Forever Feels,” to the heavy sludge‑rock crush of “Setting Sun,” Throw My Shadow To The Sun draws from the lyrical storytelling of Dire Straits, the laid‑back blues of JJ Cale, and the timeless melodic drama of Roy Orbison. The result is a cohesive, lived‑in record that transforms fleeting moments and late‑night impressions into something enduring and cinematic.

Baptized with a name derived from astrophysical theories about dark matter and black holes, THE HOLEUM was formed in 2014 in Alicante, Spain. Founded by former members of NahemaH, Demised, quantumXperience, Hela, Neptunian Sun, and Priest of Dawn, the quintet set out to push the boundaries of heavy music and to intensify the emotional impact of darkness in sound. Their concept is both cosmic and sonic: “THE HOLEUM is related to the dark matter that forms the black holes in the universe. THE HOLEUM is not a black hole, but black holes are formed by The Holeum. That is the idea from which we extract our concept – we are a sonic and cosmic vision of the sublime.” With their third album “Ensis” (2025), the band continues its journey through experimental metal, death doom, melodic metal, and post-metal. This work is more than a continuation – it is a condensation and expansion of their previous soundscape. “Ensis” reveals itself as finely nuanced, challenging, yet at the same time profoundly sensitive and multifaceted. The songs unfold like cosmic landscapes where heaviness and melancholy meet subtle emotionality. The intensity remains palpable, but it is complemented by a deeper sensitivity that draws the listener into a fragile balance between harshness and delicacy. “Ensis” is an album that demands and touches at once – a work that makes the complexity of human existence audible in the mirror of the universe.

Ten years after their last collaboration, Jacques Duvall and Benjamin Schoos return with Plein Sommeil, a duo album that is at once melancholic, ironic, and tender—a poetic mirror of the fatigue of the modern world.

The legendary lyricist for Lio, Chamfort, and Daho meets the indie pop producer and sonic adventurer of Freaksville, in a generational union as improbable as it is natural.
Between Brussels and Paris, they weave songs about slowness, worn-out love, and resistance through gentleness.

Blending original compositions and delicate covers (The Kinks, Higelin, Daho), the album evokes a sensual and lucid refuge amid the overheating of everyday life.
Recorded with Bertrand Burgalat, The Loved Drones, and lush string arrangements, Plein Sommeil embraces a handcrafted, timeless aesthetic.

Its motto: “Slow business” — a manifesto against the speed and emptiness of contemporary times.

Each song, balancing irony and elegance, celebrates fragility and humanity.

Born in Douarnenez, at the far edge of Brittany (France), Komodor has quickly established itself as one of the most vibrant names in the French rock landscape. Their high-energy rock, fueled by fuzz, sweat, and vocal harmonies woven in the spirit of MC5 and T. Rex, immediately drew attention: Rolling Stone, Rock & Folk, Libération and Rock Hard Germany all praised the fiery impact of their debut album Nasty Habits (which sold over 2,000 vinyl copies). Since then, the quintet has mostly lived on the road: a long European tour, followed by the larger-than-life saga of Komodrag & The Mounodor, carrying them to stages such as Hellfest, Les Vieilles Charrues, and the Francofolies de La Rochelle, among many others.

Their second album, Time & Space, reveals a band in full metamorphosis. Without abandoning the explosive force that defines them, Komodor widens its scope: volcanic riffs, more sinuous grooves, mist-laden harmonies, psychedelic flashes… The energy is still wild, but more inhabited, more liberated, almost ceremonial at times. The record opens with two telling bursts: Bliss & Joy, a libertarian charge with the feel of a manifesto, and Soul Tricker, a rock incantation where trance overtakes sheer electric assault. Two sides of the same coin, pulled taut between urgency and enchantment.

On stage, Komodor remains a true shockwave, forged across European festivals (Freak Valley, Motocultor, Fête du Bruit, and more) and now awaited at the legendary Desertfest London. Their music feels made for such spaces: a visceral, flesh-and-amp kind of rock, drawing from the seventies’ heritage to speak even more vividly to the present. A band moving forward at full volume, without nostalgia or calculation, carried by a simple conviction: as long as the amps are hot, rock can still burn.

In short: Komodor is the band of friends from Douarnenez bringing pencil-and-paper rock into the streaming age while preserving its analog soul (with the album mastered at the legendary Miraval Studios), the smell of warm tubes, the grain of vinyl. With this second album, they hit harder, truer, and more vividly than ever.
Time & Space stands as a “must-have French rock record”, a tangible piece worth cherishing in any collection.

Born in Douarnenez, at the far edge of Brittany (France), Komodor has quickly established itself as one of the most vibrant names in the French rock landscape. Their high-energy rock, fueled by fuzz, sweat, and vocal harmonies woven in the spirit of MC5 and T. Rex, immediately drew attention: Rolling Stone, Rock & Folk, Libération and Rock Hard Germany all praised the fiery impact of their debut album Nasty Habits (which sold over 2,000 vinyl copies). Since then, the quintet has mostly lived on the road: a long European tour, followed by the larger-than-life saga of Komodrag & The Mounodor, carrying them to stages such as Hellfest, Les Vieilles Charrues, and the Francofolies de La Rochelle, among many others.

Their second album, Time & Space, reveals a band in full metamorphosis. Without abandoning the explosive force that defines them, Komodor widens its scope: volcanic riffs, more sinuous grooves, mist-laden harmonies, psychedelic flashes… The energy is still wild, but more inhabited, more liberated, almost ceremonial at times. The record opens with two telling bursts: Bliss & Joy, a libertarian charge with the feel of a manifesto, and Soul Tricker, a rock incantation where trance overtakes sheer electric assault. Two sides of the same coin, pulled taut between urgency and enchantment.

On stage, Komodor remains a true shockwave, forged across European festivals (Freak Valley, Motocultor, Fête du Bruit, and more) and now awaited at the legendary Desertfest London. Their music feels made for such spaces: a visceral, flesh-and-amp kind of rock, drawing from the seventies’ heritage to speak even more vividly to the present. A band moving forward at full volume, without nostalgia or calculation, carried by a simple conviction: as long as the amps are hot, rock can still burn.

In short: Komodor is the band of friends from Douarnenez bringing pencil-and-paper rock into the streaming age while preserving its analog soul (with the album mastered at the legendary Miraval Studios), the smell of warm tubes, the grain of vinyl. With this second album, they hit harder, truer, and more vividly than ever.
Time & Space stands as a “must-have French rock record”, a tangible piece worth cherishing in any collection.

Against all odds, a devout audience has ridden shotgun and grown with them every step of the way. This symbiotic relationship speaks to the band's quiet impact with over 167 million streams in the United States alone, widespread acclaim, and sold-out shows. They loudly carved out their own corner of heavy music with an inimitable hybrid of head-crushing polyrhythmic prog-spiked metal, hardcore spirit, and unbridled attitude.

They have assuredly leveled up over the course of albums such as Via 2011, No Sleep [2014], Different Animals [2017], and Happier? [2021]. Kerrang! hailed the latter as "an album that gives a nod to the band's past while still bringing in new ideas." Meanwhile, the group shared stages on tour with everyone from Ice Nine Kills and Born of Osiris to Dance Gavin Dance and Counterparts.

Here we find ourselves, among the Canadian miscreants Egregore whereupon they return from whence the wind howls like a damned choir and the Earth knows no master, to chart a broader sonic wilderness via ‘It Echoes In The Wild’. And much as sea-rogues and freebooters sought fortune upon blackened waters, so too does Egregore venture musically into diabolic and ungoverned lands. Presenting something more expansive, elemental and untamed on ‘It Echoes In The Wild’, the early occult Black Death Metal lunacy embraces atmospheric breadth equally alongside primitive force to delve deep into not only geographic wilds, but the psychological, esoteric and spiritual hinterlands at the edges of complete madness. Dark invocations and secret tongues draw forth echoes from forest and fen, cave and cliff, tempting the temporally tethered to receive the curse, all the while driven by a primal, unknowable sardonic menace. Though the voyage be perilous, to succumb to ‘It Echoes In The Wild’ is to become ensconced in a lawless dominion of the soul in service of a higher call. Mirroring nature’s unbridled forces and the hidden echoes that dwell within, Egregore’s second album takes the band’s mystical insanity and magickal perversion to the edge of the abyss and plunges forward.

GAEREA ist nichts weniger als ein fantastisches Rätsel, tief verwurzelt in Extremen und leidenschaftlicher Hingabe. In weniger als einem Jahrzehnt hat das maskierte Kollektiv, das in der portugiesischen Stadt Porto gegründet wurde, unzählige dunkle Facetten des Metal getestet und präsentiert nun mit "Loss" sein fünftes Album sowie Debüt bei Century Media Records.
"Wir haben das getan, was wir immer getan haben - wir sind unserem Instinkt gefolgt", sagt der anonyme Sänger von GAEREA. "Doch etwas sagt mir, dass dieses neue Album Elemente hat, die sowohl unsere neuen als auch unsere alten Fans lieben werden - aber es ist nicht gerade genau das, was sie von uns erwarten."
"Loss" definiert GAEREA neu und verquickt Elemente aus ihrer Post-Black-Metal Vergangenheit mit eindringlichen Melodien zu raffinierten Klanglandschaften. Dabei schlüpft die Band aus dem kreativen Kokon, um sich in etwas ebenso Mitreißendes wie Unerwartetes zu verwandeln: Es gibt Klargesang. Es gibt Refrains, die so eingängig und leidenschaftlich sind wie die besten Rock- und Metal-Songs. Und doch ist es unverkennbar GAEREA.
Die maskierte und ritualisierte Bühnenpräsenz der Band ist nicht nur Teil einer Show, sondern ein integraler Bestandteil von GAEREA, der ihre musikalische Extremität auf ein philosophisches, avantgardistisches Level hebt. Ihre Uniformen bieten dabei eine gesichtslose und androgyne Leinwand, die es ihnen erlaubt, sich in vollkommen in ihre Performance zu stürzen, die nicht zuletzt durch eine gewisse Körperlichkeit in ihren Bann zieht. Trotz ihrer dunklen Präsenz versprüht die Band stets einen Hauch von Transzendenz und Positivität. Mit "Loss" verschmelzen GAEREA die Ästhetik des Extreme Metal, die Offenheit des Post-Rock und einen freigelegten, emotionalen Nerv zu einem neuen musikalischen Paradigma.
Das ist GAEREA.
"Loss" ist erhältlich als: Ltd. CD Digipak in O-Card, LP, Digital Album

They also embraced a more organic, live- recording approach on Welcome to the Mood. The group explains, "Off the back of touring the last album, we had played more shows than ever and wanted to bring more of the live element into the process, so we didn't use drum breaks and loops as much as previous records and tracked live." They continued expanding their sound by bringing in specialist musicians -- string sections, brass, pianos, and backing vocalists -- pushing the sonic possibilities beyond their individual skill sets. Yet at its core, the album remains deeply personal. Written in remote hideaways, the songs carry the tranquility of escape while capturing a newfound confidence in emotional vulnerability.

Thematically, Welcome to the Mood is a rich sonic auditory tapestry woven with threads of authenticity, humanity, and creative celebration. Lyrically, the album explores universal experiences -- love, loss, connection, hope, and purpose -- drawn from the everyday yet rendered in LEISURE's distinct palette of lush tones and laidback groove. Tracks are anchored in realness but elevated by a sonic landscape that feels simultaneously nostalgic and futuristic, mirroring the ethos of Frank Lloyd Wright, whose Taliesin West provided literal and symbolic inspiration during the album's visual journey.

From the depth of transient memories comes ‘Some Leaves Must Fall 聽其自然’, Temple Rat’s latest EP and the inaugural release for Martin Gilleshøj’s ‘Buttheads’ label.

Across 6 tracks Temple Rat distills fragments of spatial memory, merging conceptual ambience with the mystic, spatial, and driven edges of deep trance and hypnotic techno. A pensive and functional synthesis, one played out like an ode to the sustained.

Through 2024 while moving between Berlin and Sichuan, Temple Rat conceptualized and finished ‘Some Leaves Must Fall 聽其自然’. At its core, the work is an exploration of how the personal memory of cities and their particular acoustic environments can be transmuted in musical form. For these places, altered by the passing of time and the shifting of contexts, mirror the fluid and generative nature of sound itself.

Creatively this approach was borne out in a kind of archaeology of sound: by sampling and capturing auditory fragments Mei was able to preserve otherwise fleeting moments of experience. Sonics which not only embodied the emotions of the present but served too as a mechanism of recall, pulling memory back into focus even against the erasures of time.

In its method this project seeks to transform the sonic textures of urban and natural environments into high-energy dance tracks, exploring the tension between the certainty of space and the uncertainty of time. A tension operating not only within the structural logic of the sound itself, but so too as an affective experience, extending into the listener’s body and perceptual field.

For we are not the first to note that in a world of pervasive temptation and fragmented information, sustained listening has become rarified. Through this project, Temple Rat hopes to counter this tendency; to encourage a deeper mode of listening that restores attention, re-establishing our essential connection with the present.

All music is written, recorded, arranged, and produced by Temple Rat aka Yuxin Mei
Mastered by Giuseppe Tillieci at Enisslab
Distributed by One Eye Witness


Chalybeate documents a month long stay by Tokyo based producer aus in Ikaho, one of Japan's most established Onsen (hot spring) towns, during autumn 2024.

Working from field-recordings captured inside multiple ryokan baths, aus synthesized the subterranean movement of the onsen's with local details: the bubbling of source water, the hoozuki lantern plants and wind chimes placed at each inn, and the surrounding insects and birds. Rather than portraying Ikaho as a landscape, the recordings trace the town's respiration.

The material was first presented on site as an installation unfolding across eight different baths, where visitors listened while soaking in roten-buro (open air hot baths). The project drew wide attention for proposing listening as a bodily act, inseparable from heat, moisture, and duration.

Chalybeate re constructs that installation as an album. The recordings were left to sit for a year within Ikaho's air and humidity, allowing the sound itself to slowly change. The title refers to Ikaho's iron rich mineral water, known as "Golden Water," which oxidizes upon contact with air and leaves rust colored traces in its baths. Following this process, the album's sound was repeatedly re submerged and re worked, gradually absorbing a corroded texture.

Tape hiss, gentle distortion, and subtle fluctuations rise quietly, like steam.
What remains is not documentation but residue.

Mixing was handed over to Manchester based producer The Humble Bee by Craig Tattersall, known for his work with The Boats and The Remote Viewer, after aus exhausted himself traversing Ikaho's steep stone steps. The exchange mirrors the work itself: from bathtub to hot spring, from sound to something that surrounds the body.

Woodwind like tape noise and the movement of water dissolve into one another.
The music does not arrive all at once. It settles slowly, as if lowering into warm water.

Repress on purple vinyl. Limited to 250 copies. "Our upcoming album, titled "Helichrysum," delves deep into the human experience, exploring the wounds we carry and the transformative power that lies within us. It serves as a culmination of the countless creative and personal choices we have made, leading us to a place of greater harmony within ourselves, with each other, and with our collective intentions. Musically speaking, the new album is a testament to our commitment to delivering a sonic experience that is unapologetically raw, adventurous, heavy, groovy and psychedelic. The choice to name the album after the Helichrysum plant, holds a significance as the plant symbolizes endurance, healing, immortality, and the power to overcome adversity, which mirror many of the themes throughout the record."

Singularidad Emocional Cuántica explores the intersection of rhythm, data, and memory. Three tracks where Dark Vektor bends the electro form into something deeply human. Teslasonic closes the cycle with a precise and atmospheric rework.

Dusty Springfield hosted this impromptu TV special to promote the Tamla Motown artists that were taking part in their first ever European tour in 1965. Motown sent over their six premier - The Supremes, The Temptations, The Miracles, Stevie Wonder, Marvin Gaye, Martha & The Vandellas were all backed by the Motown house band, The Earl Van Dyke Sextet. Dusty was a huge Motown fan and was keen to play her part in bringing the acts to a wider audience. The Beatles and the Stones also went out of their way to give Motown a mention in their interviews. Remember, Motown had only just launched its label in Europe earlier that year and the artists were known only to a small number of soul aficionados, so ticket sales for the tour were very poor. Mary Wilson recalls that the acts referred to it as the ghost tour, but they all put a performance for this fabulous TV show.

D: Das mit Spannung erwartete neue Album von Kungs, ”Out Loud”, verspricht ein bedeutendes und
vielseitiges Werk zu werden. Es verbindet Rock-, Disco- und elektronische Klänge, genau wie die erste
Single ”Light Me Up”. Dieses Album mit 10 Titeln enthält überraschende Kollaborationen und präsentiert
den einzigartigen Stil des Künstlers.
F: Le nouvel album très attendu de Kungs, Out Loud, s’annonce comme une sortie majeure et éclectique. Il mêle rock, disco et sons électroniques, à l’image du premier single Light Me Up. Cet album de
10 titres réserve des collaborations surprises et met en valeur le style unique de l’artiste. Pour les collectionneurs, l’édition vinyle est une véritable œuvre d’art : son artwork exclusif est imprimé sur du papier
métallisé miroir, avec le titre de l’album en relief. ”Out Loud” est également disponible en CD dans une
édition collector qui est présentée dans un digisleeve 3 volets haut de gamme. Son artwork exclusif, imprimé
sur du papier métallisé miroir et estampillé du titre de l’album, en fait un véritable bijou, tout comme le
vinyle.