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Nach fast zwei Jahren meldet sich Okonski mit „Entrance Music“ zurück - ein Album, auf dem sich das Trio auf dem Höhepunkt seines improvisatorischen Könnens befindet und das Spontane und Meditative zelebriert. Nach dem Debüt „Magnolia“ von 2023 hat der Pianist und Bandleader Steve Okonski seine langjährigen musikalischen Mitstreiter (Durand Jones & The Indications-Bandkollege Aaron Frazer am Schlagzeug und Bassist Michael Isvara „Ish“ Montgomery) für eine weitere Session im Geiste von Künstlern wie The Bad Plus, Gerald Clayton und The Breathing Effect wieder zusammengebracht. Letztendlich ist „Entrance Music“ eine Einladung zu frühen Stunden, in denen die Songs in der Tür verweilen und ihre Anwesenheit ankündigen, bevor sie in die Luft zurückkehren, um sorgfältig in die nächste Runde zu treiben. „Entrance Music“ wurde in einer fünftägigen Session aufgenommen und war eines der ersten Alben, die in Portage Lounge, dem Studio von Terry Cole in Loveland, OH, auf Band gebannt wurden. „Es war ein neues Setup, aber mit Terry hinter den Reglern war es sehr vertraut“, sagt Okonski. „Ich kann nicht genug betonen, wie sehr sich Terry wie ein viertes Mitglied der Band fühlt, wegen des Raums, den er kuratiert, der Energie, die er einbringt, und den Produktionsideen.“ Die Energie und der Sound, die mit dem Colemine-Labelchef am Ruder entstanden sind, sorgen für ein Hörerlebnis, das sich mit den Katalogen von ECM oder Stones Throw messen kann. Während ein Großteil des Debüts auf seine Zeit in New York zurückgeht, fühlt sich „Entrance Music“ „ein bisschen weniger wie ‚auf den Straßen um 2 Uhr morgens‘ und ein bisschen mehr auf der Natur basierend an - ein bisschen mehr ätherisch“, sagt Okonski. „Es ist definitiv das Alter, die Umgebung und die Familie - all das kommt in der Musik durch.“

Das zweite gefühlvolle Dark Pop Album des legendären Schlagzeugers Dave Lombardo und der Singer-Songwriterin Paula Lombardo.

Die Beziehung von Dave und Paula Lombardo ist wie geschaffen für eine romantische Komödie. Man stelle sich vor: Der Mann, der die Messlatte für Heavy-Metal-Schlagzeuger höher gelegt hat, hat ein Rendezvous mit einer schönen Frau, deren musikalischer Hintergrund darin besteht, dass sie in Las Vegas als Backgroundsängerin für bekannte Bands gearbeitet hat und in Nashville als Singer/Songwriterin Fuß fassen wollte. Zum Glück für die Welt hat sich ihr musikalischer Bund in Venamoris manifestiert, deren Ipecac-Debüt To Cross Or To Burn (erscheint am 28. Februar) weit davon entfernt ist, vorgefasste Meinungen zu zerstören, während es fesselnde neue Möglichkeiten aufbaut.

Natürlich sind die Qualitäten des unermüdlichen Dave Lombardo als Weltklasse-Schlagzeuger bekannt. Aber während er die Blaupause entwarf, die das Thrash-Metal-Schlagzeugspiel definieren sollte, hat er seine Finesse auch auf Solo-Schlagzeug (Rites Of Percussion von 2023, ebenfalls auf Ipecac), Hip-Hop und klassische Musik angewandt, und er hat grenzüberschreitende Aufnahmen und Auftritte mit jedem gemacht, von John Zorns Ensembles bis zu den Punk-Ikonen Misfits und Mr. Bungle. To Cross... ist ein weiterer Meilenstein in seiner bewegten Karriere, in der er seine klanglichen Fähigkeiten um Gitarre, Bass und bemerkenswerte Produktionstechniken erweitert hat. „Das einzige, was mit den vielen Schlagzeugen, die wir zu Hause haben, mithalten kann, sind die vielen Gitarren, die Dave hat“, sagt Paula lachend. „Also spielt er auf diesem Album ziemlich viel Gitarre.“

Paula ist eine wahrhaft dynamische musikalische Kraft mit beeindruckenden stimmlichen Fähigkeiten, Geschick am Klavier und am Synthesizer und einem ausgeprägten Gespür für verführerische Texte, Melodien und Arrangements. Mit 18 war sie Backgroundsängerin in der Enklave des Entertainers Wayne Newton in Las Vegas, wo sie lernte, mit dem Druck umzugehen, wenn man mehrere Auftritte an einem Abend hat und jeden Tag Perfektion verlangt wird. Sie verließ Vegas und ging nach Nashville, um ihre Musikkarriere fortzusetzen, aber, wie sie selbst sagt, „es war einfach nicht das Richtige“.

Der Name Venamoris leitet sich vom lateinischen vena amoris („Liebesader“, die angeblich vom linken Ringfinger zum Herzen verläuft) ab. Die erste öffentliche Aufnahme von Venamoris war „The Gift“, ein Weihnachtslied, das die Lombardos auf Bandcamp veröffentlichten. Kurz darauf erschien ihr Debütalbum "Drown In Emotion", das sich durch Paulas Singer-Songwriter-Vibe auszeichnet, als wäre es 1975 zwischen den Deep Cuts von Carole Kings "Tapestry" und "Heart's Dog And Butterfly" aus dem FM-Radio gezupft worden.

Unter den Special Guests auf dem Album::
Kontrabass - Trevor Dunn von Mr. Bungle (Stay with Me)
Bass - Ra Diaz von Korn (Stain of Pain)
Gitarre - Alex Skolnick von Testament (Stain of Pain, Burnt Paper)
Gitarre - Gary Holt von Slayer (Animal Magnetism)

Cabaret" bietet eine lebendige Mischung aus globalen Einflüssen, Virtuosität und spielerischer Improvisation. Aufgenommen auf einer abgelegenen Insel mit seinen bewährten Mitarbeitern, ist dieses Album eine Feier der verschiedenen Stile, die Neset seit seiner Kindheit geprägt haben. Von vertrackten Melodien bis hin zu spontanen Soli liefert das Quintett eine überzeugende Feier der musikalischen Freiheit und Zusammenarbeit.

■ Die Nits sind eine niederländische Art-Pop-Rockgruppe, die 1974 in Amsterdam
gegründet wurde. Ihr musikalischer Stil hat sich im Laufe der Jahre ebenso geändert wie
ihre Besetzung, aber die Kernmitglieder sind der Leadsänger und Texter Henk Hofstede,
Robert-Jan Stips an den Keyboards (der mit Supersister, Gruppo Sportivo, The Golden
Earring zusammengearbeitet hat) und Rob Kloet am Schlagzeug.
Im Jahr 2024 feiert die Band ihr 50-jähriges Jubiläum mit einer Europatournee und
brandneuer Musik. Sechs frisch geschriebene Tracks sind auf der Mini-Album "Tree
House Fire" enthalten, wobei das zentrale Thema der Songs das Feuer ist, das das
Amsterdamer Studio der Band im Jahr 2022 vollständig zerstört hat. Diese
10-Zoll-Schallplatte ist als limitierte Edition von 500 einzeln nummerierten Copies auf
Flamino Coloured Vinyl erhältlich und enthält ein 4-seitiges Booklet.

Orange-farbenes Vinyl mit DLC sowie Digisleeve-CD! Memorial Waterslides" ist das Debütalbum von MEMORIALS, dem Duo bestehend aus Verity Susman und Matthew Simms (zuvor bei Electrelane und Wire). Es handelt sich um ein surrealistisches Pop-Album, das sowohl zeitlos als auch zeitgemäß ist und eine seltene Mischung aus klassischem Songwriting und Avantgarde-Attitüde aufweist. MEMORIALS kreieren einen Panorama-Pop, der auf Vertrautes und Fremdes zurückgreift, aber bekannte Pfade aber auch neue Wege beschreitet. Mit ihrem verspielten und experimentellen Stil, kombiniert mit einer Liebe zu Melodien, stehen sie in einer Reihe mit Broadcast, Portishead, Arthur Russell, The Velvet Underground, Yo La Tengo und Tortoise. Das Album ist voll von Bildern, die eine verlorene Zukunft, eine verschleierte Gegenwart und eine tagträumerische Vergangenheit heraufbeschwören, wobei jeder Song eine Rolle bei der Schaffung einer wirbelnden Breitwandatmosphäre spielt und den Hörer mit auf die Reise nimmt. Der Sound des Albums, das die beiden komplett selbst produziert haben, wurde von den Experimenten mit Tonbändern inspiriert, mit denen sie zunächst auf der Bühne herumspielten, als sie begannen, ihre vielschichtigen Aufnahmen für Live-Auftritte als Duo zu entwickeln. Nach ihren gefeierten 2023-Soundtracks "Women Against The Bomb" und "Tramps!", einer Europatournee mit Stereolab (sie wurden als "Stereolabs böser Zwilling" bezeichnet) und einem neuen Musikauftrag des Centre Pompidou in Paris kamen Verity und Matthew auf MEMORIALS in umgekehrter Richtung an, indem sie ihren Soundtrack-Alltagsjobs entflohen, um kosmische Reisen durch den Gartenschuppen in psychedelischen Rock, abgefahrenen Folk und wilde analoge Elektronik zu unternehmen. "Exciting and unpredictable" The Guardian. "Everything you'd expect from a duo adept in the strange and esoteric, while also in thrall to pop music's melodic bent." The Quietus.

Als Sänger, Songwriter und Komponist verwandelt Emile Mosseri die menschliche Erfahrung in Gesang. Musikalisches Geschichtenerzählen ist sein Lebenselixier - ein Talent, das er mit Songwritern und Regisseuren geteilt hat, indem er Filme wie Minari & The Last Black Man in San Francisco vertonte - und das in letzter Zeit in den Mittelpunkt seiner Arbeit als Künstler gerückt ist. Unterstützt von einer Band, bestehend aus Meg Duffy (Hand Habits), Dougie Stu und Kosta Galanopolous, zog sich Mosseri im Herbst 2023 mit seinem häufigen Kollaborateur, Komponisten und Produzenten Bobby Krlic (Midsommar, The Haxan Cloak) nach Altamira Sound zurück, um das Fundament für sein zweites Album Tryin to be born zu legen. Das Album folgt auf sein Debüt Heaven Hunters und gemeinsame Veröffentlichungen mit Sam Gendel und Kaitlyn Aurelia Smith.

War "Funeral for Justice" der Klang der Entrüstung, so ist "Tears of Injustice" der Klang der Trauer. Mit dem neuen Album "Tears of Injustice", das am 28. Februar 2025 erscheint, hat Mdou Moctar sein Meisterwerk "Funeral for Justice" neu interpretiert. Dieses wurde vollständig neu aufgenommen und mit akustischen sowie traditionellen Instrumente arrangiert. Das Album ist die kontemplative Weiterentwicklung der Band - das ruhige Gegenstück zum intensiven Original. Im Juli 2023 war Mdou Moctar auf Tournee in den USA, als eine Militärjunta den nigrischen Präsidenten Mohamed Bazoum stürzte und ihn in der Präsidentenresidenz festsetzte. Aufgrund der geschlossenen Landesgrenzen konnten Mdou Moctar, Ahmoudou Madassane und Souleymane Ibrahim nicht zu ihren Familien zurückkehren. Obwohl bereits Pläne zur Aufnahme von Begleitmaterial zu Funeral for Justice - das zu diesem Zeitpunkt noch Monate vor der Veröffentlichung stand - existierten, gewann das Projekt plötzlich an Dringlichkeit und Tiefe. Nur zwei Tage nach Abschluss der Tour in New York City begann das Quartett im Bunker Studio in Brooklyn unter der Leitung von Toningenieur Seth Manchester mit den Aufnahmen zu Tears of Injustice. "Wir wollten unsere eigene Interpretation von 'Funeral" schaffen, die die Menschen auf eine andere Art erleben können", sagt Mikey Coltun, der in den USA lebende Bassist und Produzent der Band. "Bei unseren Konzerten experimentieren wir ständig mit den Arrangements. Nun wollten wir zeigen, dass wir diese kreative Vielfalt auch auf einem Album umsetzen können. Wenn wir ein reduziertes Set spielen, zeigt sich eine ganz neue Seite der Band - es wird zu etwas Eigenem." Sie entschieden sich, Tears gemeinsam in einem Raum aufzunehmen und die Session spontan und unstrukturiert zu gestalten. "Wir haben die Arrangements nicht im Voraus festgelegt", erinnert sich Coltun. "Wir haben einfach gespielt, das richtige Gefühl eingefangen und die Songs aufgenommen. Alles fügte sich schnell zusammen, und die Hauptaufnahmen waren in nur zwei Tagen abgeschlossen." Der hypnotische 8-Minuten-Track Imouhar besteht eigentlich aus zwei direkt hintereinander aufgenommenen Durchläufen - Moctar hörte kaum auf zu spielen, sodass die Takes nahtlos ineinander übergingen. Nach einem Monat konnte die Band schließlich nach Niger zurückkehren, und Coltun gab Madassane einen Zoom-Recorder mit. Damit nahm der Rhythmusgitarrist eine Gruppe von Tuaregs auf, die traditionelle Call-and-Response-Gesänge vortrugen, die später in den endgültigen Mix eingearbeitet wurden. Auf Funeral for Justice äußert sich die Wut über die schwierige Lage des Niger und des Tuareg-Volkes durch die Lautstärke und das Tempo der Musik. Auf Tears bewahren die Lieder dieses Gewicht, jedoch ohne elektrische Verstärkung. Sie sind von tiefer Traurigkeit durchdrungen und vermitteln das Leid eines Volkes, das in ständiger Armut, unter kolonialer Ausbeutung und politischen Umbrüchen lebt. Es ist Tuareg-Protestmusik in ihrer rohesten und essenziellsten Form. "Wenn Mdou die Texte schreibt, tut er das oft mit einer Akustikgitarre", erklärt Coltun. "Dadurch kommt man dem ursprünglichen Moment näher. Die Schwere bleibt, aber die Intensität ist auf eine eindringlichere Weise spürbar."

War "Funeral for Justice" der Klang der Entrüstung, so ist "Tears of Injustice" der Klang der Trauer. Mit dem neuen Album "Tears of Injustice", das am 28. Februar 2025 erscheint, hat Mdou Moctar sein Meisterwerk "Funeral for Justice" neu interpretiert. Dieses wurde vollständig neu aufgenommen und mit akustischen sowie traditionellen Instrumente arrangiert. Das Album ist die kontemplative Weiterentwicklung der Band - das ruhige Gegenstück zum intensiven Original. Im Juli 2023 war Mdou Moctar auf Tournee in den USA, als eine Militärjunta den nigrischen Präsidenten Mohamed Bazoum stürzte und ihn in der Präsidentenresidenz festsetzte. Aufgrund der geschlossenen Landesgrenzen konnten Mdou Moctar, Ahmoudou Madassane und Souleymane Ibrahim nicht zu ihren Familien zurückkehren. Obwohl bereits Pläne zur Aufnahme von Begleitmaterial zu Funeral for Justice - das zu diesem Zeitpunkt noch Monate vor der Veröffentlichung stand - existierten, gewann das Projekt plötzlich an Dringlichkeit und Tiefe. Nur zwei Tage nach Abschluss der Tour in New York City begann das Quartett im Bunker Studio in Brooklyn unter der Leitung von Toningenieur Seth Manchester mit den Aufnahmen zu Tears of Injustice. "Wir wollten unsere eigene Interpretation von 'Funeral" schaffen, die die Menschen auf eine andere Art erleben können", sagt Mikey Coltun, der in den USA lebende Bassist und Produzent der Band. "Bei unseren Konzerten experimentieren wir ständig mit den Arrangements. Nun wollten wir zeigen, dass wir diese kreative Vielfalt auch auf einem Album umsetzen können. Wenn wir ein reduziertes Set spielen, zeigt sich eine ganz neue Seite der Band - es wird zu etwas Eigenem." Sie entschieden sich, Tears gemeinsam in einem Raum aufzunehmen und die Session spontan und unstrukturiert zu gestalten. "Wir haben die Arrangements nicht im Voraus festgelegt", erinnert sich Coltun. "Wir haben einfach gespielt, das richtige Gefühl eingefangen und die Songs aufgenommen. Alles fügte sich schnell zusammen, und die Hauptaufnahmen waren in nur zwei Tagen abgeschlossen." Der hypnotische 8-Minuten-Track Imouhar besteht eigentlich aus zwei direkt hintereinander aufgenommenen Durchläufen - Moctar hörte kaum auf zu spielen, sodass die Takes nahtlos ineinander übergingen. Nach einem Monat konnte die Band schließlich nach Niger zurückkehren, und Coltun gab Madassane einen Zoom-Recorder mit. Damit nahm der Rhythmusgitarrist eine Gruppe von Tuaregs auf, die traditionelle Call-and-Response-Gesänge vortrugen, die später in den endgültigen Mix eingearbeitet wurden. Auf Funeral for Justice äußert sich die Wut über die schwierige Lage des Niger und des Tuareg-Volkes durch die Lautstärke und das Tempo der Musik. Auf Tears bewahren die Lieder dieses Gewicht, jedoch ohne elektrische Verstärkung. Sie sind von tiefer Traurigkeit durchdrungen und vermitteln das Leid eines Volkes, das in ständiger Armut, unter kolonialer Ausbeutung und politischen Umbrüchen lebt. Es ist Tuareg-Protestmusik in ihrer rohesten und essenziellsten Form. "Wenn Mdou die Texte schreibt, tut er das oft mit einer Akustikgitarre", erklärt Coltun. "Dadurch kommt man dem ursprünglichen Moment näher. Die Schwere bleibt, aber die Intensität ist auf eine eindringlichere Weise spürbar."

12 Inch weiße Vinyl inkl. limitiertem Plakat A2. Jo Halbig ist ein Künstler, der sich in den letzten Jahren immer wieder neu erfunden hat. Bekannt geworden als Sänger der Killerpilze, einer Band, die sich im Laufe der Jahre zu einer Kultformation des deutsch-sprachigen Punkrocks entwickelte, zeigt Halbig nun eine Seite, die sowohl tief verwurzelt als auch radikal neu ist. Während viele ihn nur als den charismatischen Frontmann der Killerpilze kennen, schlägt Halbig heute als Solokünstler mit erwachsenem Indie-Rock neue Wege ein und reflektiert dabei über Themen, die aktueller nicht sein könnten. Die erste Debüt-EP HERZLAND, die am 28.02.2025 erscheint, baut musikalisch dabei eine Utopie in den unruhigen Zeiten, die wir erleben. 8 Songs zwischen Innenschau und Live-Energie, im Weltgeschehen und für nostalgisches Mitsingen im Pogo der Zukunft.

Die schwedischen Punkrocker City Saints kündigen die Veröffentlichung ihres mit Spannung erwarteten neuen Studioalbums an: "Explosiv!" ist das sechste Album der Band seit ihrer Gründung 2012 in Göteborg. Seitdem tourte die Band mehrmals durch ganz Europa und erreichte Millionen von Streams. City Saints haben sich einen Namen gemacht für ihre "take no prisoners "-Attitüde immer auf "High Voltage" und ihren eingängigen Refrains. "Explosiv!" ist da keine Ausnahme. Das Album kann als liebevolle Hommage an die Heimatstadt Göteburg der Band verstanden warden. Sowohl in den Texten als auch durch den musikalischen Einfluß der Göteborger Punkszene der späten 70er und frühen 80er Jahre sind die neuen Songs dazu passend wieder in Ihrer Heimatsprache aufgenommen worden. "Explosiv!" beginnt mit einer Überraschung im von Ennio Morricone inspirierten "Göta Älv". Diese stimmungsvolle Nummer ebnet den Weg für eine Reihe von rasanten, hymnischen Songs wie "Majorna" und "På G", bei denen ein Hauch des Ramones-Spirit sofort spürbar ist. Die Liebe der Band zu ausgeprägt verspieltem Down- und Dirty-Rock'n'Roll mit rotzigem Gesang und voller Tempo ist in "Blod & Bly" und "Kranarnas Stad" deutlich zu spüren. Weitere Überraschungen gibt es in Form des Titeltracks, in dem ein wildes Bass-Solo dem Namen "Explosiv!" alle Ehre macht, und des Outros "Fan Ta Er", einem kurzen Live-Cut, der in einer intimen Umgebung nur mit Gesang und Mundharmonika zum treibendem Beat gespielt wird. City Saints haben für das neue Album erneut mit Produzent Chips Kiesbye zusammengearbeitet, der für seine Arbeit mit The Hellacopters und Michael Monroe bekannt ist. Das Ergebnis ist eine natürlich klingende Platte, die an die reduzierten Produktionen aus dem goldenen Zeitalter des Punkrock erinnert. Die Band nutzte Kiesbyes Talent voll aus und konnte zudem den Sänger und Gitarristen von "Sator" bei "Explosiv!" für die Mandoline und Akkordeon zu einem Gastspiel ins Studio einladen. Die LP kommt als Collectors Edition auf 180gr. Vinyl im Gatefolder und neben klassisch schwarzem Vinyl auch in 2 limitierten farbigen Variationen

Die schwedischen Punkrocker City Saints kündigen die Veröffentlichung ihres mit Spannung erwarteten neuen Studioalbums an: "Explosiv!" ist das sechste Album der Band seit ihrer Gründung 2012 in Göteborg. Seitdem tourte die Band mehrmals durch ganz Europa und erreichte Millionen von Streams. City Saints haben sich einen Namen gemacht für ihre "take no prisoners "-Attitüde immer auf "High Voltage" und ihren eingängigen Refrains. "Explosiv!" ist da keine Ausnahme. Das Album kann als liebevolle Hommage an die Heimatstadt Göteburg der Band verstanden warden. Sowohl in den Texten als auch durch den musikalischen Einfluß der Göteborger Punkszene der späten 70er und frühen 80er Jahre sind die neuen Songs dazu passend wieder in Ihrer Heimatsprache aufgenommen worden. "Explosiv!" beginnt mit einer Überraschung im von Ennio Morricone inspirierten "Göta Älv". Diese stimmungsvolle Nummer ebnet den Weg für eine Reihe von rasanten, hymnischen Songs wie "Majorna" und "På G", bei denen ein Hauch des Ramones-Spirit sofort spürbar ist. Die Liebe der Band zu ausgeprägt verspieltem Down- und Dirty-Rock'n'Roll mit rotzigem Gesang und voller Tempo ist in "Blod & Bly" und "Kranarnas Stad" deutlich zu spüren. Weitere Überraschungen gibt es in Form des Titeltracks, in dem ein wildes Bass-Solo dem Namen "Explosiv!" alle Ehre macht, und des Outros "Fan Ta Er", einem kurzen Live-Cut, der in einer intimen Umgebung nur mit Gesang und Mundharmonika zum treibendem Beat gespielt wird. City Saints haben für das neue Album erneut mit Produzent Chips Kiesbye zusammengearbeitet, der für seine Arbeit mit The Hellacopters und Michael Monroe bekannt ist. Das Ergebnis ist eine natürlich klingende Platte, die an die reduzierten Produktionen aus dem goldenen Zeitalter des Punkrock erinnert. Die Band nutzte Kiesbyes Talent voll aus und konnte zudem den Sänger und Gitarristen von "Sator" bei "Explosiv!" für die Mandoline und Akkordeon zu einem Gastspiel ins Studio einladen. Die LP kommt als Collectors Edition auf 180gr. Vinyl im Gatefolder und neben klassisch schwarzem Vinyl auch in 2 limitierten farbigen Variationen

Die schwedischen Punkrocker City Saints kündigen die Veröffentlichung ihres mit Spannung erwarteten neuen Studioalbums an: "Explosiv!" ist das sechste Album der Band seit ihrer Gründung 2012 in Göteborg. Seitdem tourte die Band mehrmals durch ganz Europa und erreichte Millionen von Streams. City Saints haben sich einen Namen gemacht für ihre "take no prisoners "-Attitüde immer auf "High Voltage" und ihren eingängigen Refrains. "Explosiv!" ist da keine Ausnahme. Das Album kann als liebevolle Hommage an die Heimatstadt Göteburg der Band verstanden warden. Sowohl in den Texten als auch durch den musikalischen Einfluß der Göteborger Punkszene der späten 70er und frühen 80er Jahre sind die neuen Songs dazu passend wieder in Ihrer Heimatsprache aufgenommen worden. "Explosiv!" beginnt mit einer Überraschung im von Ennio Morricone inspirierten "Göta Älv". Diese stimmungsvolle Nummer ebnet den Weg für eine Reihe von rasanten, hymnischen Songs wie "Majorna" und "På G", bei denen ein Hauch des Ramones-Spirit sofort spürbar ist. Die Liebe der Band zu ausgeprägt verspieltem Down- und Dirty-Rock'n'Roll mit rotzigem Gesang und voller Tempo ist in "Blod & Bly" und "Kranarnas Stad" deutlich zu spüren. Weitere Überraschungen gibt es in Form des Titeltracks, in dem ein wildes Bass-Solo dem Namen "Explosiv!" alle Ehre macht, und des Outros "Fan Ta Er", einem kurzen Live-Cut, der in einer intimen Umgebung nur mit Gesang und Mundharmonika zum treibendem Beat gespielt wird. City Saints haben für das neue Album erneut mit Produzent Chips Kiesbye zusammengearbeitet, der für seine Arbeit mit The Hellacopters und Michael Monroe bekannt ist. Das Ergebnis ist eine natürlich klingende Platte, die an die reduzierten Produktionen aus dem goldenen Zeitalter des Punkrock erinnert. Die Band nutzte Kiesbyes Talent voll aus und konnte zudem den Sänger und Gitarristen von "Sator" bei "Explosiv!" für die Mandoline und Akkordeon zu einem Gastspiel ins Studio einladen. Die LP kommt als Collectors Edition auf 180gr. Vinyl im Gatefolder und neben klassisch schwarzem Vinyl auch in 2 limitierten farbigen Variationen

The Standard School Broadcast Recordings, einst als lange verschollene (und in den meisten Fällen völlig
unbekannte) Studioaufnahme von John Lee Hooker angesehen, ist die erste kommerzielle Veröffentlichung
einer seltenen, vollständig elektrischen Bluesband-Aufnahme aus dem Jahr 1973. Die Session wurde bei
Coast Recorders in San Francisco direkt auf Band aufgenommen und fängt Hooker in einer turbulenten
und zutiefst transformierenden Zeit seiner Karriere ein, begleitet von seiner zuverlässigen Rhythmusgruppe
aus Bassist Gino Skaggs und Schlagzeuger Ken Swank sowie Hookers Sohn Robert, dem Pianisten.
The Standard School Broadcast, 1928 ins Leben gerufen, war eine mehrfach preisgekrönte Bildungsradioserie, die von Standard Oil (auch bekannt als Esso, später Exxon) gesponsert wurde. Die in San Francisco ansässige Sammlung war auf Musikverständnis und amerikanische Geschichte spezialisiert. Kopien
einiger ihrer Shows wurden auch auf Vinyl-LPs an Schulen verteilt. Ein solches Set mit zehn Alben war
Musikinstrumenten gewidmet, darunter auch der Gitarre. Während andere legendäre Gitarristen dabei
waren: der klassische Virtuose George Sakellariou, die Jazzgiganten Herb Ellis und Joe Pass sowie der
Session-Geselle Chuck Day, war ihre endgültige Auswahl die reine Verkörperung des Herzens und der Seele
der Bluesgitarre: John Lee Hooker.
Die CD enthält außerdem zwei Bonustitel – „Sallie Mae“ und „Instrumental“

Obwohl es eigentlich keiner weiteren Vorstellung bedarf, war Ace of Spades ein wahrhaft legendäres, bahnbrechendes Stück Hardrock-Perfektion. Es begeisterte Generationen von Musikfans mit seinen zerstörenden
Riffs, ohrenbetäubender Lautstärke und unbezwingbarer Geschwindigkeit und Stil. Es war eine Platte, die
Grenzen überschritt und die Musiklandschaft für immer veränderte. Auf 11 hochgedreht war nichts härter,
nichts war schneller und ganz sicher nichts war lauter.

Ein Top-Album des Funk- und Fusion-Jazz – jetzt LP-Premiere remastered als 180g-Doppel-Vinyl!
Till Brönner braucht natürlich keine Vorstellung. Aber vielleicht haben einige seiner Fans „Midnight“
noch nicht entdeckt, sein brillantes Album, das er zu Beginn seiner Karriere aufgenommen hat, vor erfolgreichen Veröffentlichungen wie „Chattin’ With Chet“, „That Summer“ und „Oceana“, und bevor er eine
Grammy-Nominierung und drei ECHO-Jazz erhielt.
1995 bot sich dem damals 24-jährigen Trompeter die Gelegenheit, in den USA mit Musikern seiner Wahl
ein Album aufzunehmen. „Midnight“ präsentiert die erstaunlichen Sidemen Michael Brecker, sicherlich der
beste Tenorsaxofonist seiner Generation, Gitarrist Dean Brown, Bassist Anthony Jackson, Schlagzeuger
Dennis Chambers und Weather-Report-Perkussionist Manolo Badrena. Hinzu kommen David Mann von
Tower of Power und George Whitty von der Brecker-Brothers-Band.
„Midnight“ wurde auf einem Independent-Label veröffentlicht und sorgte damals noch nicht für das verdiente internationale Aufsehen. Jetzt kehrt das soulig-zeitlose Album, über das AllMusic in seiner VierSterne-Rezension schreibt es sei „nicht nur ein Höhepunkt in Brönners Werk, sondern ein Highlight des
zeitgenössischen Jazz”, zurück als remasterte 180g Doppel-LP im Gatefold-Sleeve.

Nach ihrem zweiten Sieg in Folge als ”Jazz Group of the Year” bei der DownBeat-Leserumfrage kehren
ARTEMIS mit ihrem dritten Blue-Note-Album zurück, als Quintett-Besetzung unter Leitung der Pianistin
und musikalischen Leiterin Renee Rosnes. NPR Music bezeichnete die Band als ”Femme Fatale Supergroup”, was nicht verwundert bei der herausragenden Besetzung mit Trompeterin Ingrid Jensen, Saxophonistin Nicole Glover, Bassistin Noriko Ueda und Schlagzeugerin Allison Miller.
Als Inspiration für Klang und Repertoire von ”ARBORESQUE” nennt die Band diesmal die Natur und
ihre Wirkung auf uns Menschen. Die acht Tracks des Albums, bestehend aus je einer Originalkomposition der Bandmitglieder sowie neuen Arrangements von Stücken von Wayne Shorter, Burt Bacharach und
Donald Brown, klingend dementsprechend harmonisch und organisch, geben den fünf Musikerinnen viel
Spielraum für ebenso elegante wie herausfordernde Improvisationen

Eine Ella-Entdeckung sondergleichen: die „First Lady of Jazz“ singt und swingt ein dynamisches Konzert mit Top-Musikern der Ellington-Band. Dass dieses Traum-Konzert von 1967 in Stereo mitgeschnitten
wurde, war bislang unbekannt. Im Nachlass ihres Managers Norman Granz fanden sich jetzt die von Wally
Heider hervorragend aufgenommenen 4-Spur-Bänder, und die haben es in sich! Ella war in phänomenaler
Form und wurde vom Trio aus Jimmy Jones, Bob Cranshaw und Sam Woodyard sowie Ellington-Legenden
wie Paul Gonsalves, Jimmy Hamilton und Johnny Hodges zusätzlich beflügelt.
Vom swingenden Opener “The Moment Of Truth” und dem lässigen Klassiker „Let’s Do It“ bis zum
Fitzgerald-Evergreen „Mack The Knife“ ist alles dabei, was man als Fan liebt. Zwei zusätzliche Pop-Songs
der Sixties transponiert Ella meisterhaft in die Jazz-Welt: die bittersüße Ballade „Alfie“ von Burt Bacharach
und den Ohrwurm „Music To Watch Girls By”. Beide Songs waren bislang noch nie von Ella interpretiert
zu hören!
Ausstattung LP: 140g, Gatefold-Sleeve mit ausführlichen Linernotes von Will Friedwald
Ausstattung CD: Mintpack, Booklet mit ausführlichen Linernotes von Will Friedwald

Der Einstieg in die Musik von Q Lazzarus erfolgte für fast alle über „Goodbye Horses“. Der Song tauchte erstmals 1988 in Jonathan Demmes „Married to the Mob“ auf, aber er sollte sich erst dann vollständig im Bewusstsein der Menschen verankern, als er 1991 in Demmes „The Silence of the Lambs“ wieder auftauchte. „Goodbye Horses“ fühlte sich an wie ein in sich geschlossenes Universum - traumhaft und völlig ungewöhnlich, ein sofortiger Klassiker, der die Zuhörer fesselte und neugierig auf die geheimnisvolle Stimme dahinter machte. Diese Stimme gehörte Diane Luckey, einer einzigartig talentierten Künstlerin, deren Musik ihrer Zeit voraus war und die letztlich zu Lebzeiten weitgehend unerkannt bleiben sollte. In Verbindung mit der Veröffentlichung des Dokumentarfilms „Goodbye Horses: The Many Lives of Q Lazzarus“ von Aridjis Fuentes veröffentlicht Sacred Bones eine Sammlung von Songs, die die gesamte Karriere von Q abdecken und die verschiedenen Epochen ihres Schaffens und die ganze Bandbreite ihrer Persönlichkeit zeigen. „Goodbye Horses“ ist die erste Musiksammlung, die den Segen von Qs verbliebener Familie erhalten hat, und hat die Besonderheit, ihre erste und einzige Albumveröffentlichung in voller Länge zu sein. Aufgenommen zwischen 1985 und 1995, spiegelt diese Fundgrube bisher unveröffentlichter Musik einige der interessantesten Facetten der Popmusik der letzten vier Jahrzehnte auf eine Weise wider, die sowohl versiert als auch wild eklektisch wirkt Das titelgebende „Goodbye Horses“ bleibt ein einzigartiges Stück gespenstischer New-Wave-Perfektion, und man könnte sich ein ganzes Q-Lazzarus-Album vorstellen, das sich um diese Ästhetik dreht, aber ähnlich den Gesangsikonen Alison Moyet, Annie Lennox oder Lisa Gerrard eignet sich Qs chamäleonhafte Stimme perfekt für eine Vielzahl von Stilen und Settings. Ihre Coverversion von Talking aHeads' „Heaven“ verwandelt den Song in eine aus voller Kehle gesungene Power-Ballade mit klimpernden Klavierverzierungen, während ihre Interpretation von Gershwins „Summertime“ wie eine dubbige Club-Reduktion klingt, die zu einem Grace Jones Stück der Nightclubbing-Ära hätte passen können. Tracks wie „My Mistake“ und „Hellfire“ flirten mit House-Musik und zeigen, wie frech und glockig Qs Stimme sein kann, wenn sie sich richtig austobt, während „Don't Let Go“ wie eine bombastische Radiosingle klingt, die Cher vor einigen Jahrzehnten hätte veröffentlichen können. Andere Songs wie „Bang Bang“ und „I See Your Eyes“ sind von einer gitarrenbetonten Alt-Rock-Sensibilität, die in einem Paralleluniversum auch auf MTVs 120 Minutes Show hätte laufen können. „Goodbye Horses“ verkörpert das Potenzial für so viele verschiedene Arten von Karrieren, die, aus welchen Gründen auch immer, nie vollständig verwirklicht wurden. Dass wir jetzt diese Songs in der Welt haben und ein klareres Bild von der Person dahinter, ist nichts weniger als ein Segen.

Dies ist die zweite Auflage von The Monsters "You're Class, I'm Trash", dem noch aktuellem Monsters-Album aus dem Jahre 2021 (erste Auflage war gelb und mit einer 7" Bonus-Single). Diese zweite Auflage hat ein neues pinkfarbendes Sleeve-Design, kommt als 180g Vinyl und mit einem zweiseitig bedrucktem Insert. HI-SPEED-BOOGIE-FUZZ-GARAGE-TRASH-ROCK-N-ROLL FROM LEGENDARY BERNESE GARAGE PUNKS PLAYED WITH A CHAINSAW-ON-STEEL 13 SPLATTER HITS INCLUDING SMALL HORROR OPERA BY SWISS FILM COMPOSER MARIO BATKOVIC The Monsters wurden 1986 in Bern der Schweiz gegründet, als Alternative zur damaligen populären Musik (z. B. Disco, Pop, Top 40 Rock). Sie nannten dies "Teenage Primitive Rock n' Roll Chainsaw Massacre Garage Trash Mix up Rockabilly mit Punkrock und Garage" und haben sich zu einer gefragten Garagen-Punkrockband gemausert, die auf Festivals, in Klubs und großen Hallen so weit gen Osten wie Japan, gen Süden wie Brasilien und gen Norden zu den Skandinavier resit und dort audspielt. Sogar im so Wilden Westen wie New York City in Amerika. Und dann öffnet 2020 die Türen, YAHOO!!! Die Welt wurde komplett abgeschottet und die Pläne aller änderten sich! Da es in naher Zukunft keine Tourneen gäbe, war es jetzt an der Zeit, ein neues Album zu machen. So widmete sich die Band zwei Wochen, um ihren Proberaum aufzuräumen und neue Musik zu schreiben, und 3 Tage im Berner Shirt Off Studio um diese aufzunehmen. Voila! Hier hast du Rosemary's Baby den Knüppel aus dem Sack: 13 raue, laute und spritzig klingende Tracks, die live ohne Overdubs (nur der Gesang/das Geschrei') aufgenommen wurden. Textlich ist das Album eine komplette Katastrophe mit nicht viel mehr als 120 Wörtern, welche aneinandergereiht meistenfalls keinen Sinn ergeben! Es ist eigentlich völliger Quatsch, aber THE MONSTERS lieben es! Das Cover stammt übrigens vom Berner Surrealisten Jerry Haenggli.

"Girl Missing" ist das zweite Album von Albertine Sarges, der einzigartigen Berliner Künstlerin, die bereits mit Holly Herndon, Colin Self, Kat Frankie und B O D I E S zusammengearbeitet hat und Teil des italienischen Synthwave-Duos Ostia ist, und folgt auf Albertines gefeiertes Debüt von 2021, "The Sticky Fingers". "Girl Missing" lädt die Zuhörer zu einer intimen Erkundung der Schwesternschaft, der Widerstandsfähigkeit und der Überwindung von Trauer ein und geht dabei mit einer großen Portion Positivität und Ermutigung für das hervor, was vor uns liegt. Die Entstehung des Albums fand in einer Zeit persönlichen Verlusts statt. Als eine enge Freundin vermisst wurde, schrieb Albertine unveröffentlichte Skizzen, überarbeitete sie und baute langsam ein musikalisches Mosaik auf, das ihr Verständnis von Abwesenheit zum Ausdruck brachte. "Ich habe eine klingende Biografie der Liebe geschaffen", überlegt sie und verwebt dabei die Themen weiblicher Freundschaft. "Girl Missing" entstand zwischen ihrem Aufnahmestudio in Ostberlin und Margate und ist sowohl nachdenklich als auch verspielt, geprägt von Sarges' flinker Stimmakrobatik. Mit ihrem langjährigen Partner Lo Selbo beschäftigte sich Albertine mit komplizierten Klanglandschaften, arrangierte luftige Flötenstimmen und Chöre, "um Platz für Verletzlichkeit zu schaffen", und nahm dann Vintage-Orgeln und E-Pianos auf, um Wärme und Seelenfülle zu erzeugen, "um den Schmerz zu lindern". Albertines Arbeit wird von einem anhaltenden Gefühl der Sehnsucht angetrieben, einer Kraft, die ihrer Musik poetische Lebendigkeit und eine ansteckende Anziehungskraft verleiht. "Girl Missing" oszilliert zwischen dem Philosophischen und dem zutiefst Emotionalen und vermischt Launen mit Schatten. Das Album endet mit einer verspielten Note ("Wie nennt man einen Fisch ohne i? A fsh."), doch im Kern erzählt es eine lebendige, zutiefst menschliche Geschichte über monumentalen Verlust und die Hoffnung auf Erneuerung. Durch das Nebeneinander scheinbar widersprüchlicher Gefühle entsteht ein Hörerlebnis, das noch lange nachklingt, nachdem die Musik verklungen ist.

Neue Musik von Anton Newcombe von BRIAN JONESTOWN MASSACRE und DOT ALLISON (u.a. ONE DOVE, Solo, Sonic Cathedrals). Eine Zusammenarbeit zwischen den beiden Soundtüftlern. Während des Lockdowns in Berlin und Schottland aufgenommen, arbeiten Dot Allison und Anton Newcombe als All Seeing Dolls zusammen. Produziert von Anton Newcombe in Berlin, schickten er und Dot sich gegenseitig Gesangs- und Musikideen, um Dots eindringlichen Gesang mit ihren Fähigkeiten als Multiinstrumentalisten zu vereinen. Auf dem Album finden sich Gitarre, Ukulele, Klavier und Autoharp, gespielt von Dot, sowie zusätzliche Beiträge von Hakon Adalsteinsson (Gitarre) und Uri Rennert. Im Interview mit Clash Magazine sagte Dot über den Entstehungsprozess: "Wir haben unseren Weg gefunden... viele der Songs wurden während des Lockdowns geschrieben... wir sprachen über Musik, das Leben, was wir für wichtig halten und teilten Songs, die wir mögen und sprachen über Künstler, die wir mögen... wir beschlossen, Ideen auszutauschen... also schickte ich etwas mit Autoharp und Stimme oder Akustik und Stimme, und er schickte mir tolle Ideen zurück... wir haben uns gegenseitig unterstützt und gestärkt... und ich sagte zu ihm, dass es ein bisschen wie ein kleines Weihnachten ist, die Tracks zu hören, nachdem er sie zurückgeschickt hatte." Auf erstem hören musikalisch näher an DOT ALLISONs letzten Sonic Cathedral-Output, finden sich hier die eher BRIAN JONESTOWN MASSACRE-typischen Ideen in den klanglichen Tiefen wieder.

Neue Musik von Anton Newcombe von BRIAN JONESTOWN MASSACRE und DOT ALLISON (u.a. ONE DOVE, Solo, Sonic Cathedrals). Eine Zusammenarbeit zwischen den beiden Soundtüftlern. Während des Lockdowns in Berlin und Schottland aufgenommen, arbeiten Dot Allison und Anton Newcombe als All Seeing Dolls zusammen. Produziert von Anton Newcombe in Berlin, schickten er und Dot sich gegenseitig Gesangs- und Musikideen, um Dots eindringlichen Gesang mit ihren Fähigkeiten als Multiinstrumentalisten zu vereinen. Auf dem Album finden sich Gitarre, Ukulele, Klavier und Autoharp, gespielt von Dot, sowie zusätzliche Beiträge von Hakon Adalsteinsson (Gitarre) und Uri Rennert. Im Interview mit Clash Magazine sagte Dot über den Entstehungsprozess: "Wir haben unseren Weg gefunden... viele der Songs wurden während des Lockdowns geschrieben... wir sprachen über Musik, das Leben, was wir für wichtig halten und teilten Songs, die wir mögen und sprachen über Künstler, die wir mögen... wir beschlossen, Ideen auszutauschen... also schickte ich etwas mit Autoharp und Stimme oder Akustik und Stimme, und er schickte mir tolle Ideen zurück... wir haben uns gegenseitig unterstützt und gestärkt... und ich sagte zu ihm, dass es ein bisschen wie ein kleines Weihnachten ist, die Tracks zu hören, nachdem er sie zurückgeschickt hatte." Auf erstem hören musikalisch näher an DOT ALLISONs letzten Sonic Cathedral-Output, finden sich hier die eher BRIAN JONESTOWN MASSACRE-typischen Ideen in den klanglichen Tiefen wieder. Exklusiv für den Indie-Handel: Transparentes mit farbigen Splatter Vinyl

Große Neuigkeiten von Milow: Das 7. Album des Belgiers 'Nice To Meet You' wird am 20. Mai erscheinen. Milow dazu: "Ich habe in den letzten 2 Jahren an diesem Album gearbeitet und es in Brüssel, Berlin und Antwerpen mit einigen der besten Musiker und Produzenten aufgenommen, mit denen ich je zusammengearbeitet habe." Grande nouvelle de Milow : le 7e album du Belge 'Nice To Meet You' sortira le 20 mai. Milow déclare à ce sujet : "J'ai travaillé sur cet album au cours des deux dernières années et je l'ai enregistré à Bruxelles, Berlin et Anvers avec certains des meilleurs musiciens et producteurs avec lesquels j'ai jamais travaillé".

Mit MORPH legt die Ellis Mano Band ein facettenreiches, in sich schlüssiges Opus vor. “MORPH ist für uns mehr als nur ein Album – es ist unser
nächster großer Schritt, unser musikalisches Reifezeugnis,“ so die Band. Mit Tracks wie dem epischen „Countdown To Nothing“ und der rockigen
Hymne „For All I Care“ lädt die multinational besetzte Blues-Rock Institution die Hörer auf eine intensive Reise durch moderne Interpretation des
Classic Rock ein. Dabei treffen energiegeladene Riffs auf überraschende, ruhige Momente – alles verpackt im Artwork der Grafiker Legende Hugh
Syme (Rush, Aerosmith, Bon Jovi…), das den Spirit von MORPH perfekt widerspiegelt. „Wir freuen uns, diese Klangwelten mit unseren Fans zu teilen,
sowohl auf Platte als auch live!“
Mit zahlreichen Top-2-Platzierungen in den Schweizer Albumcharts und hervorragenden Kritikerreaktionen schreitet die Ellis Mano Band weiter voran
und wird auch in Zukunft Musik vom Allerfeinsten liefern - zeitlos und 100% handgemacht!

- Gatefold 2LP (schwarzes Vinyl) mit Einleger, Etching auf Seite D, gefütterten Innenhüllen und Schutzhülle

GRÀB bieten auf ihrem zweiten Album "Kremess" sowohl Kontinuität als auch Wandel. Das von Sänger Grànt gegründete bayerische Black Metal Projekt kreist lyrisch weiterhin um Geschichten und Traditionen, die im Dialekt des deutschen Alpenlandes erzählt werden. "Kremess" bedeutet auf Hochdeutsch "Leichenschmaus" - und der Tod spielt auf diesem Album erneut eine große Rolle. Musikalisch erscheinen neben dem traditionellen Hackbrett weitere akustische Instrumente. Dazu gesellen sich vor allem Einflüsse aus dem frühen nordischen Black Metal, bei dem Namen wie GEHENNA, ULVER und DARKTHRONE fallen müssen - aber auch Inspirationen von deutschen Pionieren des Genres wie NAGELFAR und LUNAR AURORA. Mit dem englischen Gitarristen Gnàst, der den bisherigen Songwriter Grain mittlerweile abgelöst hat, kommen frische Ideen und Klänge zur bajuwarisch-schwarzen Klangwelt hinzu. Eine Reihe von Gastmusikern, unter anderem Mitglieder von EMPYRIUM, TRIPTYKON und DARK FORTRESS, bereichern ebenfalls das musikalische Spektrum. GRÀB, was im bairischen Dialekt "alt und grau" und keineswegs "Grab" bedeutet, wurden vom ehemaligen DARK FORTRESS-Frontmann Grànt erdacht, der dem Black Metal eine unverkennbar bayerische Note verleihen wollte. Die anfängliche Zusammenarbeit zwischen Grànt und dem Gitarristen Grain führte im Jahr 2021 zur Veröffentlichung des Debütalbums "Zeitlang", das den Geist des frühen Black Metal sehr zur Freude von Kritikern und Fans wiederauferstehen ließ. Mit "Kremess" verleihen GRÀB ihrem bayerischen Black Metal neue musikalische Kraft, die weit in die Zukunft weist.

- Gatefold 2LP (schwarzes Vinyl) mit Einleger, Etching auf Seite D, gefütterten Innenhüllen und Schutzhülle

GRÀB bieten auf ihrem zweiten Album "Kremess" sowohl Kontinuität als auch Wandel. Das von Sänger Grànt gegründete bayerische Black Metal Projekt kreist lyrisch weiterhin um Geschichten und Traditionen, die im Dialekt des deutschen Alpenlandes erzählt werden. "Kremess" bedeutet auf Hochdeutsch "Leichenschmaus" - und der Tod spielt auf diesem Album erneut eine große Rolle. Musikalisch erscheinen neben dem traditionellen Hackbrett weitere akustische Instrumente. Dazu gesellen sich vor allem Einflüsse aus dem frühen nordischen Black Metal, bei dem Namen wie GEHENNA, ULVER und DARKTHRONE fallen müssen - aber auch Inspirationen von deutschen Pionieren des Genres wie NAGELFAR und LUNAR AURORA. Mit dem englischen Gitarristen Gnàst, der den bisherigen Songwriter Grain mittlerweile abgelöst hat, kommen frische Ideen und Klänge zur bajuwarisch-schwarzen Klangwelt hinzu. Eine Reihe von Gastmusikern, unter anderem Mitglieder von EMPYRIUM, TRIPTYKON und DARK FORTRESS, bereichern ebenfalls das musikalische Spektrum. GRÀB, was im bairischen Dialekt "alt und grau" und keineswegs "Grab" bedeutet, wurden vom ehemaligen DARK FORTRESS-Frontmann Grànt erdacht, der dem Black Metal eine unverkennbar bayerische Note verleihen wollte. Die anfängliche Zusammenarbeit zwischen Grànt und dem Gitarristen Grain führte im Jahr 2021 zur Veröffentlichung des Debütalbums "Zeitlang", das den Geist des frühen Black Metal sehr zur Freude von Kritikern und Fans wiederauferstehen ließ. Mit "Kremess" verleihen GRÀB ihrem bayerischen Black Metal neue musikalische Kraft, die weit in die Zukunft weist.

Die Schweizer Rockband The Young Gods kündigt die Wiederveröffentlichung ihres hochgelobten akustischen Studioalbums 'Knock on Wood' auf Vinyl an. Das ursprünglich 2008 erschienene Album stellt eine fesselnde Abkehr vom typischen elektronischen Sound der Band dar. Die Wiederveröffentlichung, remastered von den originalen 96kHz/24-bit Files, wird am 21. Februar 2025 über Two Gentlemen auf Vinyl erhältlich sein.
Mit 'Knock on Wood - The Acoustic Sessions' bietet die Band neben atemberaubenden Neuinterpretationen von Klassikern anderer Künstler auch akustische Wiedergaben einiger ihrer beliebtesten Stücke, darunter 'Gasoline Man' und 'Skinflowers'.
Dieses einzigartige Projekt wurde mit akustischen Gitarren und Percussions aufgenommen, was der Musik eine rohe und intime Energie verleiht.
Dank der neu gemasterten Audioaufnahmen können die Fans diese Auftritte jetzt in unvergleichlicher Klarheit erleben. Die satte Klangqualität, kombiniert mit der eindringlichen Wärme des Vinyls, macht diese Wiederveröffentlichung zu einem Muss für Sammler und Neueinsteiger gleichermaßen.

,respite -- levity for the nameless ghost in crisis", aka ,r--L4nGc`, ist Colin Selfs drittes Album, nach dem gefeierten ,Siblings` (2018) und der dazugehörigen EP ,Orphans` (2019).In ,r--L4nGc" bewegt sich die Musik des in Berlin und New York lebenden Künstlers, Komponisten und Puppenspielers nahtlos zwischen schwebenden, unheimlichen Pop-Vocals, immaterieller experimenteller Elektronik und knallharten Dancefloor-Rhythmen. Strahlende, grenzenlose Schönheit und unentrinnbarer Terror sind ein und dasselbe. Unter Einbeziehung von Selfs langjähriger Praxis des Puppenmachens und auf der Grundlage eines bewussten Exils, das es dem Künstler ermöglichte, sich mit verlorenen Seelen auf anderen Existenzebenen zu unterhalten, ist ,rünL4nGc" eine integrierte Vision der eklektischen Praxis des Künstlers. Self singt in Polari, einer vergessenen Form des Slantwise-Englisch, das von queeren Subkulturen seit Jahrhunderten verwendet wird, um sich der Entdeckung zu entziehen, und performt für unsere verstorbenen Lehrer und Freunde und für den Rest von uns, die bereit sind, mit unheimlichen Geistern zu kommunizieren. Für Fans von Perfume Genius, Björk, Holly Herndon, Psychic TV, Oneohtrix Point Never, Lyra Pramuk, Bat For Lashes, SOPHIE, Talk Talk. "respite - levity for the nameless ghost in crisis", aka "r-nL4nGc", is Colin Self's third full length album, following the acclaimed "Siblings" (2018) and its companion EP "Orphans" (2019). In "r-L4nGc" the Berlin and New York based artist, composer, and puppeteer's music travels seamlessly from soaring, uncanny pop vocals to immaterial experimental electronics and hard-hitting dance floor rhythms. Radiant, limitless beauty and boundless, inescapable terror are one and the same. Incorporating Selfü's long standing practice of dollmaking, and drawing upon a conscious exile that allowed the artist to settle into conversation with lost souls on other planes of existence, "r-L4nGc" is an integrated vision of the artist's eclectic practice. Singing in Polari, a forgotten form of slantwise English used by queer subcultures for centuries to evade detection, Self performs for our departed teachers and friends, and for the rest of us, ready to commune with uncanny spirits. For fans of Perfume Genius, Björk, Holly Herndon, Psychic TV, Oneohtrix Point Never, Lyra Pramuk, Bat For Lashes, SOPHIE, Talk Talk.








[f] [CANTING]

Gelobt sei das allmächtige Riff! Triumphaler, großartiger, schwerer und kraftvoller Stoner Metal.Das Debütalbum von King Zog aus dem Jahr 2017
führte einen neuen Titanen in die Unterwelt des Doom ein und erntete einseitige Fangemeinde und Kritikerlob für sein hingebungsvolles Opfer an die
Götter des Metal. Songs wie Temple's Temple, Man-sized Rotisserie und Witchsmoker klangen so, wie das ikonische Album-Artwork von Dominic
Sohor aussah: feurig und grausam.Seit dem Erscheinen dieses musikalischen Leviathans haben King Zog an einer unermüdlichen Mission gearbeitet.
Daniel Durack (Gesang/Gitarre), Connor Pitts-West (Gitarre), Martin Gonzalez (Bass) und Sean Ryan (Schlagzeug) haben keinen einzigen Tag
vergeudet, sich während der Pandemie in die Kisten gekauert, um Album Nr. 2 zu schreiben, und nach Aufhebung der Sperren unermüdlich performt.
Die Belohnung für ihre Mühen steht kurz bevor: „Second Dawn“ soll Anfang 2024 auf Hammerheart Records erscheinen. Größer, schwerer und
doomiger als sein Vorgänger, ist King Zogs zweites Album alles, was Fans sich wünschen: ein wütender Stier aus iommischen Riffs, seismischen Bässen
und donnernden Rhythmen. Downtuned und verzerrt, das erdrückende Gewicht.

Auf der Basis von Drone, Doom, Sludge, Noise und Postrock erschafft die Band um Markus E. Lipka (EISENVATER, ROSSBURGER REPORT), Johann Victor Wientjes (MELTING PALMS) und Teresa Matilda Curtens (MELTING PALMS) monolithische und hypnotisierende Tracks, die 2023 komplett in Eigenregie aufgenommen wurden und es tatsächlich schaffen, eigentlich so unversöhnliche Stile wie Sludge Doom und DreamPop zusammenzubringen. Vielleicht liegt es an der familiären Konstellation: Markus und Johann sind Vater und Sohn, Teresa Ehefrau von Johann und damit Schwiegertochter von Markus. Die Beats und Riffs tonnenschwer, der Gesang glockenhell, fragil und eindringlich. KARLA KVLTs Musik ist dicht, immersiv aber auch schön - wie eine Pflanze, die sich selbst durch eine Betondecke kämpft, wie die Gezeiten, die präzise und unaufhaltbar dem immer gleichen Rhythmus folgen und dabei ebenso zerstörerisch sein können, wie sie im nächsten Moment Schönheit offenbaren und den Blick auf Neues freigeben. Während EISENVATER in den Neunziger Jahren ähnlich wie MELVINS, SWANS, LIVE SKULL oder UNSANE und lange vor z.B. BORIS, SUNN0))) oder MONOLORD die Grenzen von Hörgewohnheiten hinterfragten, sind MELTING PALMS die Antithese zur musikalischen Zerrissenheit, thematisch aber artverwandter als es auf den ersten Blick scheinen mag. Beide Entwürfe fügen sich bei KARLA KVLT in brutaler Schönheit zusammen. Exile On Mainstream ist überglücklich mit Thunderhunter das erste Album der neuen Band zu veröffentlichen.

Mit dem neuen Gitarristen Antonio 'Yogi' Pettinato schöpft der furchterregende Fünfer aus namhaften Einflüssen wie Judas Priest, Riot und Crimson Glory. „Wir sind stark von der Musik der 80er Jahre inspiriert, einschließlich der Glam-Ära. Obwohl unser Aussehen unverkennbar Glam ist, sollte man sich davon nicht täuschen lassen ... unsere Songs sind hart und laut“, sagt Gitarrist Joel Dominguez. Saber haben sich schnell an die Spitze der
NWOTHM-Szene gespielt, indem sie traditionellen Heavy Metal auf eine neue Art und Weise spielen.

Mit Rio 1 setzte Rio Reiser ein kraftvolles musikalisches Statement. Das Album vereinte persönliche Geschichten und gesellschaftskritische Themen mit Melodien, die zwischen Eingängigkeit und Tiefgang balancierten. Reisers markante Stimme und seine unverwechselbare Art, Emotionen in Musik zu übersetzen, machten Rio 1 zu einem eindrucksvollen Werk, das seine künstlerische Vision eindrucksvoll unterstrich.

Donizetti: Lieder Vol. 4 - Marie-Nicole Lemieux
Gaetano Donizetti – die meisten Musikbegeisterten verbinden seinen Namen mit italienischem Belcanto und Opern wie Der Liebestrank oder Maria Stuarda. Dabei verfasste der Komponist rund 200 Kunstlieder, viele von ihnen nur selten aufgeführt und nicht wenige sogar vollkommen unbekannt. Musikwissenschaftler Roger Parker und Carlo Rizzi, Künstlerischer Leiter von Opera Rara, machten es sich zur Aufgabe, Donizettis vollständiges Kunstlied-Œuvre in einer auf acht Alben angelegten Reihe zu veröffentlichen. Auf jedem Album singt ein anderer namhafter Interpret. Album Nr. 4 präsentiert die Sopranistin Marie-Nicole Lemieux, Gewinnerin des Liedpreises der renommierten Queen Elisabeth Competition.

"For in My Way It Lies" ist nach geraumer Wartezeit endlich re-releaset. Das Debut-Album von Jesper Munk kommt punktgenau zur Yesterdaze-Tour die - der Titel verrät ist - die Versöhnung mit der eigenen Geschichte und Jugend feiert. "For In My Way it Lies" brachte in seinem Erscheinungsjahr 2013 den damals 21jährigen Musiker von ganz unten über Nacht nach ganz oben - Für Jesper Munk ist es das Album an dem er für immer gemessen wird; dem man alles verdankt und an dem man sich dann doch abarbeiten musste... Er nannte es einmal "im Auf und Ab des Lebens, das eine Dinge, dass ihn immer begleitetet hat und immer auf seiner Seite war"... Dieses unbedarfte Blues Album, das so jung wirkt, in manchem, und so alt in anderem, war der letzte Release des Künstlers auf einem Indie-Label, bevor Jesper Munk 2025 bei der Major Industrie signte. Seit 2024 ist Jesper Munk auf Glitterhouse Records - wir sind privilegiert, diesen wichtigen Re-Release von "For In My Way It Lies" machen zu dürfen!"

Zum 20-jährigem Jubiläum erschein das Album des israelischen Bass-Virtuosen mit Trio & Ensembe erstmalig als Doppel Vinyl auf 180Gr. im wertigen Gatefold Cover!
Stuart Nicholson kommentierte 'At Home' im Jazzwise Magazine Uk mit den Worten: "Für mich ist es das durchdachteste und am besten umgesetzte Album von allen", und in der Tat stellt Cohen seine vielen Talente als melodischer Komponist, kraftvoller Solist und provokanter Leader wie nie zuvor zur Schau, was sich in den brillanten Leistungen des Trios und des Ensembles widerspiegelt. Ob in seiner Wahlheimat New York City, in seinem Heimatland Israel oder auf der Straße, wo er diese Musik spielt (wo er sich die meiste Zeit des Jahres aufhält), Avishai Cohen ist zu Hause. Die Welt von Avishai Cohen zu Hause eingefangen.

Am 22. Februar 1975 fand das allererste KARAT-Konzert statt. Nun, 50 Jahre später, sind KARAT immer
noch da. Sie blicken zurück auf etwa 5.000 Konzerte, fünfzehn Studio- und fünf Livealben sowie unzählige
Kopplungen. Fünf Dekaden voller Lieder, von denen die meisten geblieben sind. KARAT ist die einzige
Band aus dem Osten Deutschlands, die schon vor dem Mauerfall in der BRD ihre Platten vergoldete.
Jetzt zum großen Jubiläum hätten es sich Gitarrist Bernd Römer, Sänger Claudius Dreilich, Keyboarder
Martin Becker, Bassgitarrist Daniel Bätge und Schlagzeuger Heiko Jung in der Komfortzone gemütlich
machen und auf die großen Hits mit einer weiteren Best Of verweisen können. Viele hätten das vermutlich
auch gut gefunden, aber es wäre nicht KARAT gewesen. Denn die Band blickt nicht nur zurück, sondern
vor allem nach vorn. Auch wenn nach dem großen Jubiläumsjahr die musikalische Reise weitergeht, KARAT
werden auch in Zukunft nicht zur Oldieband mutieren. So veröffentlichen sie genau an dem Februartag,
als das erste Konzert stattfand, ein neues Album. „Hohe Himmel“ heißt es und vereint ausschließlich
neue Lieder. Dennoch haben KARAT damit alte Bandtraditionen im Blick: die Tracks wurden im Studio
live eingespielt, das Ergebnis gibt es nicht nur digital, sondern auf wunderbarem Vinyl. Und all dies in
einem großartigen Package bestehend aus: Vinyl, CD und einem wunderschönen 12-seitigem Booklet in
Vinylgröße. Hier bleiben keine Wünsche offen. Karat eben!

Memorial Waterslides" ist das Debütalbum von MEMORIALS, dem Duo bestehend aus Verity Susman und Matthew Simms (zuvor bei Electrelane und Wire). Es handelt sich um ein surrealistisches Pop-Album, das sowohl zeitlos als auch zeitgemäß ist und eine seltene Mischung aus klassischem Songwriting und Avantgarde-Attitüde aufweist. MEMORIALS kreieren einen Panorama-Pop, der auf Vertrautes und Fremdes zurückgreift, aber bekannte Pfade aber auch neue Wege beschreitet. Mit ihrem verspielten und experimentellen Stil, kombiniert mit einer Liebe zu Melodien, stehen sie in einer Reihe mit Broadcast, Portishead, Arthur Russell, The Velvet Underground, Yo La Tengo und Tortoise. Das Album ist voll von Bildern, die eine verlorene Zukunft, eine verschleierte Gegenwart und eine tagträumerische Vergangenheit heraufbeschwören, wobei jeder Song eine Rolle bei der Schaffung einer wirbelnden Breitwandatmosphäre spielt und den Hörer mit auf die Reise nimmt. Der Sound des Albums, das die beiden komplett selbst produziert haben, wurde von den Experimenten mit Tonbändern inspiriert, mit denen sie zunächst auf der Bühne herumspielten, als sie begannen, ihre vielschichtigen Aufnahmen für Live-Auftritte als Duo zu entwickeln. Nach ihren gefeierten 2023-Soundtracks "Women Against The Bomb" und "Tramps!", einer Europatournee mit Stereolab (sie wurden als "Stereolabs böser Zwilling" bezeichnet) und einem neuen Musikauftrag des Centre Pompidou in Paris kamen Verity und Matthew auf MEMORIALS in umgekehrter Richtung an, indem sie ihren Soundtrack-Alltagsjobs entflohen, um kosmische Reisen durch den Gartenschuppen in psychedelischen Rock, abgefahrenen Folk und wilde analoge Elektronik zu unternehmen. "Exciting and unpredictable" The Guardian. "Everything you'd expect from a duo adept in the strange and esoteric, while also in thrall to pop music's melodic bent." The Quietus. (Limitiertes) Pink farbenes Vinyl mit DLC sowie Digisleeve-CD!

Seit der Veröffentlichung ihres gefeierten Debüts "Versions of Modern Performance" 2022 (u. a. mit Höchstwertung um US-Rolling Stone) hat sich vieles für Nora Cheng, Penelope Lowenstein und Gigi Reece verändert. Im Herbst desselben Jahres zog die junge Band von Chicago in die Ostküstenmetropole, wo Penelope und Nora an der New York University ihr Studium begannen und das erste Mal überhaupt Musik außerhalb des elterlichen Zuhauses schrieben. Der Einfluss der neuen Umgebung macht sich unmittelbar im Sound bemerkbar. Zugleich wendet sich der Blick in Zeiten beispielloser Veränderungen nach innen. Im Januar 2024 kehrten Horsegirl nach Chicago zurück, um die neuen Songs aufzunehmen. Im "The Loft" Studio stellten sich dort ein Fokus und eine Intimität ein, wie sie wohl nur entstehen können, wenn es schlicht zu kalt ist, das Gebäude zu verlassen. Cate Le Bon führte die Band derweil in neue, helle und klare Sound-Gefilde, die Raum und Textur gegenüber den dichten Soundflächen des Debüts in den Vordergrund rücken und das charakteristische Songwriting von Horsegirl betonen. Dazu zählt auch der erstmalige Einsatz von Violinen, Synths und Gamelan. Die Leadsingle "2468" ist ein Beispiel für die offenkundige Experimentierlust auf "Phonetics On and On". Mit seinen Raincoats-artigen Streichern und energischen Drums verdreht einem der Song in seinem fortlaufenden Crescendo immer mehr den Kopf. Das dazugehörige Video stammt von der Schriftstellerin und Regisseurin Eliza Callahan und wurde von Alexa West choreographiert. Es ist schwer vorstellbar, dass Songs wie die auf "Phonetics On and On" augenblicklich von irgendwem anderes stammen könnten als von diesem Trio bester Freundinnen. Nora, Penelope und Gigi schreiben mit ungefilterter Aufrichtigkeit über Szenen ihrer Jugend als Momentaufnahmen des Lebens. Die Liebe zueinander ist dabei in jedem Augenblick spürbar und resoniert durch und durch im Zusammenspiel auf ihrem zweiten Album. Horsegirl gründeten sich 2019 in der umtriebigen DIY-Szene Chicagos. Die damals 17- und 18-jährigen Schülerinnen zählen Yo La Tengo und Pavement zu ihren erklärten Vorbildern. Ihr Debüt, auf dem Steve Shelley und Lee Ranaldo als Gäste zu hören sind, nahm die Band in Steve Albinis Studio mit John Agnello (Sonic Youth, Dinosaur Jr.) auf. Zuletzt tourten Horsegirl u. a. mit The Breeders.

Einige nannten Studio, das Projekt der schwedischen Musiker Dan Lissvik und Rasmus Hägg, "das fehlende Glied zwischen The Cure und Lindstrom", Pitchfork hörte Durutti Column und Can, als das Duo sich als Teil einer sich locker entwickelnden Szene entfaltete - zunächst neben dem Label Service (Jens Lekman, The Whitest Boy Alive) und später Sincerely Yours (The Tough Alliance, jj) - und den Boom der 2010er Jahre an der Schnittstelle von elektronischer und psychedelischer Musik, angeführt von Indie-Größen wie Caribou, Four Tet und Darkside, vorwegnahm. "West Coast, ihr bahnbrechendes Debüt aus dem Jahr 2006, fängt eine ferne Romantik der Balearen ein, die auf Krautrock, Disco, Dub und Afrobeat trifft, mit Pop-Lyrik aus dem New Wave, modernisiert von zwei Göteborger Kunsthochschulabsolventen. Sie zitieren DJ Screw, J Dilla und Joy Division sowie fühe 80s Live-DJ-Sets von Beppe Loda, DJ Mozart und Baldelli. Damals auf Vinyl gepresst in limitierter Auflage über ihr eigenes Information-Label und bis heute auf den meisten Streaming-Diensten nicht zu finden. Im Nachglühen des Albums im Jahr 2007 verschwanden Studio hinter einem Berg von Remix-Anfragen (darunter ein Remix für Kylie Minogue, der veröffentlicht wurde) und der Bürokratie des Labels. Eine erweiterte Version des Albums erschien unter dem Titel "Yearbook 1" auf CD und erreichte Platz 23 der Pitchfork-Jahresliste der Top-Alben des Jahres 2007. "West Coast" landete schließlich auf Platz 57 auf der "Best Albums of the Decade"-Liste von FACT Magazine.

Bartees Strange begann die Arbeit an "Horror" in seinem Homestudio. Eine Session mit Yves und Lawrence Rothman (Yves Tumor, Lady Gaga) lieferte das rhythmische und klangliche Rückgrat für große Teile des Albums. Nachdem Bartees Strange Jack Antonoff (Taylor Swift, Lana Del Rey...) kennengelernt hatte und die beiden schnell Freunde wurden, arbeitete Strange an Material für Antonoffs Band Bleachers und Antonoff an "Horror". Die beiden beendeten die Arbeit am Album gemeinsam, indem sie die Songs roh bearbeiteten, editierten, arrangierten und sie in Kleidung kleideten, die Angst einflößt. Während des gesamten Albums legt Strange eine schwierige Wahrheit nach der anderen ab. Auf den 12 neuen Tracks des Albums finden sich genreübergreifende Fäden der Musik, die sein Vater ihm nahegebracht hat - Parliament Funkadelic, Fleetwood Mac, Teddy Pendergrass und Neil Young - die mit Stranges Interesse an Hip-Hop, Country, Indie-Rock und House verschmelzen. Seit dem Release seines 4AD-Debüts "Farm to Table" (2022) spielte Bartees Strange neben eigenen Headline-Touren (und einem Auftritt beim letztjährigen Reeperbahn Festival) im Vorprogramm von Acts wie boygenius, Clairo, Dijon und The National. Während eine Tour zum neuen Album noch angekündigt werden wird, gibt es schon eine Reihe von Release-Shows in 2025 in New York, Los Angeles, Washington D.C. und London. Geboren in Ipswich, England, als Sohn eines Militärvaters und einer Opernsängerin, verlebte Bartees Strange eine Kindheit, die geprägt war von diversen Umzügen bevor er sich schließlich in Mustang, Oklahoma, niederließ. Später spielte Bartees Strange in Hardcore-Bands in Washington D.C. und Brooklyn, während er in der Regierung von Barack Obama und der Bewegung für Umweltschutz arbeitete. In letzter Zeit wurde seine Musik auf mehreren populären TV- und Film-Soundtracks verwendet, darunter bei The New Look von Apple TV und I Saw The TV Glow von A24-Studio.