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Die aus Andorra stammende Progressive/Melodic Death Metal-Band PERSEFONE, bekannt für intensiven Klangwelten und technisches Können, setzt neue Maßstäbe im modernen Extreme Progressive Metal.

Seit ihrer Gründung in 2001 veröffentlichte das Sechstett fünf Studioalben, von denen jedes einzelne den musikalischen Weitblick der Band unter Beweis stellt: hohe technische Qualität, ausgefeilte Melodien und mitreißende sowie anspruchsvolle Riffs. Die Band tourte weltweit mit namhaften Acts wie Obituary oder Leprous und stand auf den Bühnen des Wacken Open Air, den Metal Days, Brutal Assault, ProgPower und 70.000 Tons of Metal.

Nun erscheint das neueste Werk metanoia am 04.02.22 via Napalm Records! Nach der Zusammenarbeit mit Produzenten wie Jens Bogren (At The Gates, Haken, The Ocean), Logan Mader (Gojira, Periphery, Once Human) und Jacob Hansen (Volbeat, Amaranthe, Epica) wurde das neueste Werk metanoia von David Castillo abgemischt, der bereits mit Genre-Größen wie Leprous, Soen und Opeth gearbeitet hat, und von Tony Lindgren (Enslaved, Ihsahn, Sepultura) gemastert.

metanoia ist eine atmosphärische und düstere Reise durch dichte Soundwelten. Die Band überschreitet Genregrenzen mit Leichtigkeit und erschafft ihren eigenen Kosmos, der den Hörer mit abwechslungsreichem Songwriting und technischer Präzision in seinen Bann zieht und so PERSEFONEs würdigen Platz im Genre
des Extreme Progressive Metal unter Beweis stellt!

Los Mayos sorgen mit ihrer perfekten Mischung aus Dance Beats und Latin Rhythm für eine positive Partystimmung Egal ob auf einer Feier oder beim Karneval, die eingängigen Melodien und tanzbaren Rhythmen dürfen nicht fehlen Der Titel „Disco Samba“ mit seinem Hit Medley aus bekannten Hits wie “El Ritmo“ , “Charly Brown“, “Moliendo Cafe“ , “Ritmo De La Noche“ uvm. bringt jede Party in Schwung. Erstmals gibt es die größten Hits von Los Mayos als farbige Vinyl.

Der OST von Jesper Kyd zum ersten Teil der Stealth-Action-Videospielreihe HITMAN des dänischen Studios IO Interactive. 'Hitman: Codename 47' (2000) war eine seiner frühen Arbeiten, bevor er zum weltbekannten und preisgekrönten Videospielkomponisten avancierte. Trotz limitierter Speicherkapazitäten des damaligen DirectMusic-Systems lieferte Kyd eine brodelnde Kombination aus Ambient und cineastischer Musik. Sein typischer Sound aus grossen Melodien und groovig-elektronischen Sounds ist deutlich zu hören, vor allem im hypnotischen Titeltrack.

Das Glasgower Indie-Jangle-Pop-Quartett The Plastic Youth verbindet psychedelische Untertöne mit zuckersüßen Melodien, um etwas Nostalgisches und doch Frisches zu schaffen. Produziert von Gerry Love (Teenage Fanclub) und Ross Cameron (Riverside Studio), ist ihr Debütalbum eine jugendliche Interpretation von Melodie und Harmonie der 60er Jahre, ein Hauch glückseliger Luft, eine neue Perspektive. Und als Bestandteil der schottischen Kultur ein Angebot von unverwechselbarem Indie-Charme über die Glasgower Musikszene hinaus.

'Battle Songs of the Damned', das neueste Werk von Mr. Irish Bastard, präsentiert sich als eine kraftvolle Fusion aus Punk-Rock und Irish-Folk. In den Texten des Albums wird die Geschichte der Iren in Amerika lebendig, mit besonderem Augenmerk auf New York's Irish Navy und humorvollen Erzählungen von Raufereien auf Bostoner Hochzeiten. Mr. Irish Bastard verknüpfen in ihrem unverwechselbaren Stil charmanten Witz mit kräftigen Punkrock-Gitarrenklängen und lebhaften Fiddle- sowie Tin Whistle-Melodien und schaffen damit ein mitreißendes Hörerlebnis.

Everything Everything, die für ihre innovative Mischung aus dystopischen Konzepten und experimentellem Art-Pop bekannt sind, kündigen ihr siebtes Studioalbum "Mountainhead" für den 1. März an. Dieses Album setzt ihre lange Tradition fort, gesellschaftliche Themen und kulturelle Trends zu erforschen. Die Band hat bereits beeindruckende Erfolge erzielt, darunter fünf Ivor-Novello-Nominierungen, zwei Mercury-Preis-Nominierungen und fünf aufeinanderfolgende Top-10-Alben. Ihre Musik zeichnet sich durch unkonventionelle Gesangssamples, Synthesizer und exzentrische Melodien aus, die eine faszinierende und einnehmende Atmosphäre schaffen. Mountainhead" vertieft ihre einzigartige Fähigkeit, die möglichen Auswirkungen zukünftiger Technologie auf unsere Gesellschaft zu erforschen. "Mountainhead" konzentriert sich auf das Konzept eines dystopischen Szenarios, in dem die Gesellschaft einen metaphorischen Berg errichtet. Menschen am unteren Ende dieser sozialen Hierarchie arbeiten unermüdlich, um die Elite an der Spitze zu unterstützen. Dieses Konzept dient als Metapher für verschiedene Aspekte unseres gegenwärtigen Lebens, von Kapitalismus bis hin zu Umweltschutz und Prominentenverehrung.

1995 war das Jahr, in dem ein neuer Stern am Himmel des Gothic Metal erschien. Liv Kristine Espenæs, die engelhafte Sopranstimme im Wechsel mit den Growls von Raymond I. Rohonyi von THEATRE OF TRAGEDY, hat seitdem viele Bands ihres Genres inspiriert. Robert Müller (Hammer), Dezember 1997, schrieb in einer Kurzbiografie folgende Zeilen: „Mit ihrer hohen, klaren, emotional ausdrucksstarken Stimme stand Liv Kristine immer im Mittelpunkt der Aufmerksamkeit. Da liegt es nahe, die Schönheit dieser Stimme in reiner Form, in einer Soloproduktion einzufangen.“ 1997 unterzeichnete Liv Kristine einen Solovertrag bei Massacre Records/Torsten Hartmann. Liv Kristine, die damals Masterstudentin in Englisch und Deutsch war, pendelte zwischen der Universität Stuttgart und den Aufnahmen im illinois Studio. Darüber hinaus tourte sie mit dem äußerst erfolgreichen THEATRE OF TRAGEDY um die Welt. Ein ganz besonderer, persönlicher Höhepunkt für Liv Kristine war der 24. Oktober 1997, als sie Nick Holmes (PARADISE LOST & HOST) an einem kalten Herbstmorgen von einer Tournee in Ludwigsburg, Deutschland, abholte. Nach einer Tasse schwarzem Tee und einer Scheibe Marmeladenbrot, wurden die Gesangsaufnahmen für die einfache, feine Gothic-Ballade „3 a.m.“ abgeschlossen. Beide haben einen Metal-Hintergrund, aber die Verschmelzung der beiden Stimmen ist einzigartig. Viel Subtilität, Magie und persönlichen Ausdruck stecken auch in den anderen Kompositionen auf Liv Kristines allererster SoloVeröffentlichung, die teilweise sogar in ihrer Muttersprache Norwegisch gesungen wurden. „Portrait: Ei tulle med øyne blå“, basierend auf einem alten norwegischen Kinderlied aus dem Jahr 1905, wurde im Juni 2023 von Geir „Gerlioz“ Bratland (DIMMU BORGIR) von Grund auf neu interpretiert und aufgenommen, ausschließlich für die Neuveröffentlichung von „Deus ex Machina“. Liv Kristine kennt diese Melodie seit ihren ersten Lebenswochen, denn ihre Mutter und Großmutter haben der kleinen „Stine“ dieses Lied als Gute-Nacht-Schlaflied vorgesungen. Bereits im Alter von sechs Jahren zeigte Liv Kristine eine besondere Empfänglichkeit für das Verständnis von Musik und den verschiedenen Arten des Singens. Es verging kein Tag, an dem das kleine, blonde Mädchen nicht sang und verträumt vor dem Spiegel stand. Das Lied „In the Heart of Juliet“ beschreibt, wie sie ihre Kindheit bewusst und unbewusst erlebte, die Glücksgefühle, ihre Liebe zu magischen Melodien, die Wunder der Natur und ihrer Jahreszeiten, aber auch die Freiheit des Seins. Bis heute bezeichnet sie das besondere Erlebnis des Singens als „my magic Bubble“.

Das nordische Heavy-Noise-Rock-Duo Barren Womb, bekannt als „eines der seltsamsten und feinsten Duos Norwegens“, wird sein fünftes Album 'Chemical Tardigrade' über Blues For The Red Sun veröffentlichen. Wieder präsentieren sie eine rohe, bombastische Platte aus Noise-Rock, zerbrochen in 11 verschiedene Tracks, die alle ebenso aus den Fugen geraten wie unorthodox sind. Wuchtige Rhythmen und sengende Melodien werden mit Barren Wombs charakteristischem Doppelstimmangriff kombiniert, um die seltsamen Haken zu schaffen, an denen sie ihre bissigen, dystopischen Bilder von Flucht, Ungleichheit und Zerstörung aufhängen.

Die 7fache Grammy Gewinnerin Kacey Musgraves veröffentlich mit ”Deeper Well” am 15. März ihr 5. Studioalbum. Mit der gleichnamigen ersten Single stellt Kacey wieder ihr großes Talent für eingängige Melodien gepaart mit in die Tiefe gehenden Texten unter Beweis. Schon in ihrem letzten Album, das die Spitze der US Charts erreichte, zeigt Kacey wie fließend die musikalischen Grenzen zwischen Pop, Americana und Country sind und hat sich somit weltweit eine riesige Fangemeinde erschaffen. In den USA schon ein Megastart wird sie mit diesem Album nun auch schnell den Rest der Welt erobern. Weltweite Touren- und Promotionbesuche sind schon angekündigt. Bestellen Sie jetzt!

Nach der limitierten 10" EP von 2013, die dicht gefolgt von einer mindestens genauso zauberhaften 7" ("Traumhaft") erschien, enthüllt das Schweizer Duo KLAUS JOHANN GROBE endlich das komplette Album "Im Sinne der Zeit". In der kurzen Zeit ihrer Existenz haben die beiden Mitglieder Sevi Landolt (Orgel, Synthies, Gesang) und Daniel Bachmann (Schlagzeug, Gesang) einen einzigartigen Sound gebraut, der sich zu gleichen Teilen auf Krautrock, Post-Punk, brasilianische Grooves und einem Dancefloor-Selbstbewusstsein stützt, dass den Hörer quasi anfleht, sich zu bewegen. Die beiden haben das fast schon unheimliche Talent, in ein und dem gleichen Songs die Geister von NEU!, BOB JAMES, MARCOS VALLE, SHUGGIE OTIS und STEREOLAB heraufzubeschwören. Es ist ein Album, das danach verlangt, immer und immer wieder umgedreht und gespielt zu werden. "Im Sinne der Zeit" ist ein herrliches Werk, die Art von Album, die so klingt und sich so anfühlt, als würde es auf den Grooves schweben und dabei zwischen jazzigen, funkigen Rhythmen und absichtlich mechanischen Grooves pendeln, die mit dem Puls eines elektronischen Herzens zucken. Besonders seltsam ist es, dass die Melodien niemals anders als warm und umarmend klingen, obwohl das Duo nur auf Deutsch singt. Die Tanzfläche ruft! Vom pulsierenden Opener "Between The Buttons" bis zum roboterartigen Two Step von "Koffer" nimmt das Duo niemals den Fuß vom Gas. Während sich das Ganze ein wenig abkühlt, fühlen sich die Grooves noch warm an und finden ihren Höhepunkt in den beiden letzten Tracks des Albums: dem ungeheuerlich eingängigen Rausschmeißer "Regen raus" und dem allerletzten Track "Vergangenes", der den Hörer an der Hand ins Taxi nach Hause führt.

Seit ihren Anfängen hat sich Merrimack zu einem Wesen entwickelt, das die schattigen Gefilde erforscht, in denen die Spiritualität zusammenfließt. Schon der Name MERRIMACK, der für unendliche Tiefe und Abgrund steht, ist ein Vorbote für die Reise, die sie mit ihrem Black Metal antreten.

"Of Gravity and Grace" stellt das Gewebe der Realität in Frage, in dem sich die Dichotomie zwischen flüchtigen Wahrheiten und dem göttlichen Partikel manifestiert. Dieses Album ist eine Rückkehr zu einer ursprünglichen luziferischen Revolte, die die Gefühle von Antonin Artauds Proklamation widerspiegelt: "Wir sind die Mikroben Gottes". In einer Welt, die mit oberflächlichen Ausdrücken des Satanismus vollgestopft ist, überschreitet MERRIMACK die Klischees, indem sie eine tiefgreifende Erforschung des Glaubens und der Dissidenz einschließt. Während sich die eindringlichen Melodien der sieben Titel entfalten, taucht der Hörer in eine akustische Pilgerreise ein, die die Grenzen des konventionellen Black Metal sprengt.

Erleben Sie die Essenz der Alchemie von MERRIMACK, wo das Körperliche und das Kosmische aufeinanderprallen und eine transformative Reise durch die Schatten des Kreuzes bieten. "Of Gravity and Grace" zeigt die ungebrochene Kraft des Black Metal, die den Geist provoziert, herausfordert und erhebt. Umarme die Dunkelheit und lass dich von MERRIMACK durch die Gefilde führen, in denen Chaos auf Ewigkeit trifft.

FFO: Watain, Valkyrja, Ondskapt

Seit ihren Anfängen hat sich Merrimack zu einem Wesen entwickelt, das die schattigen Gefilde erforscht, in denen die Spiritualität zusammenfließt. Schon der Name MERRIMACK, der für unendliche Tiefe und Abgrund steht, ist ein Vorbote für die Reise, die sie mit ihrem Black Metal antreten.

"Of Gravity and Grace" stellt das Gewebe der Realität in Frage, in dem sich die Dichotomie zwischen flüchtigen Wahrheiten und dem göttlichen Partikel manifestiert. Dieses Album ist eine Rückkehr zu einer ursprünglichen luziferischen Revolte, die die Gefühle von Antonin Artauds Proklamation widerspiegelt: "Wir sind die Mikroben Gottes". In einer Welt, die mit oberflächlichen Ausdrücken des Satanismus vollgestopft ist, überschreitet MERRIMACK die Klischees, indem sie eine tiefgreifende Erforschung des Glaubens und der Dissidenz einschließt. Während sich die eindringlichen Melodien der sieben Titel entfalten, taucht der Hörer in eine akustische Pilgerreise ein, die die Grenzen des konventionellen Black Metal sprengt.

Erleben Sie die Essenz der Alchemie von MERRIMACK, wo das Körperliche und das Kosmische aufeinanderprallen und eine transformative Reise durch die Schatten des Kreuzes bieten. "Of Gravity and Grace" zeigt die ungebrochene Kraft des Black Metal, die den Geist provoziert, herausfordert und erhebt. Umarme die Dunkelheit und lass dich von MERRIMACK durch die Gefilde führen, in denen Chaos auf Ewigkeit trifft.

FFO: Watain, Valkyrja, Ondskapt

Aus Trondheim, an der kalten Küste Norwegens, haben VICINITY seit 2006 ihren Mix aus progressivem Metal, Melodien und ausgefeilten
Rhythmusmustern entwickelt. Mit ihrem dritten Studioalbum hat die fünfköpfige Band nun die perfekte Mischung für ihren Sound gefunden. "VIII" ist
ein ausgereiftes Progressive-Metal-Album mit einem frischen Ansatz in der Komposition.
Indem sie neue Einflüsse in ihren ohnehin schon reichhaltigen Schmelztiegel von Referenzen einfließen lassen, ist "VIII" eine Sammlung von
Progressive-Metal-Songs, bei denen die Norweger zu einem schwereren, prägnanteren Sound als bei den vorherigen Veröffentlichungen abdriften.
Das Endergebnis kann sowohl traditionellen Prog-Fans von Bands wie Threshold als auch Anhängern von neueren Acts wie Haken gefallen.
Gemischt wurde "VIII" von Øyvind Voldmo Larsen (Seventh Wonder, Circus Maximus, Withem) und gemastert wurde in den Fascination Street Studios
von Tony Lindgren (Ihsahn, James LaBrie, Leprous, Opeth).

Tauchen Sie ein in eine harmonische Mischung aus rauen Emotionen und musikalischer Brillanz. 'The Color Purple (Music From and Inspired By)' verspricht ein Hörerlebnis, das zutiefst nostalgisch und erfrischend neu zugleich ist. So trumpft das Album mit einem Ensemble auf, das seinesgleichen sucht - der für den Golden Globe nominierten Fantasia mit ihren gefühlvollen Melodien, Taraji B. Henson mit ihrer emotionalen Tiefe, Colman Domingo mit seiner fesselnden Energie, der für den Golden Globe nominierten Danielle Brooks mit ihrer kraftvollen Resonanz, H.E.R. mit ihrer zeitgenössischen Kunst und Hallie Bailey mit ihrem strahlenden Gesang. Und Musik von den Grammy-prämierten Songwritern des Musicals - Brenda Russell, Allee Willis und Stephen Bray. Doch hört die Magie nicht bei den zeitlosen Klassikern auf. Tauchen Sie noch tiefer ein und lassen Sie sich verzaubern von einem neuen Kapitel und neuer Musik von Alicia Keys, Jennifer Hudson, Mary J. Blige, Keyshia Cole, Coco Jones, Jorja Smith, Celeste, Mary Mary und October London sowie einer atemberaubenden Kollaboration von Usher & H.E.R. Von Liebe und Schmerz bis hin zu Widerstandskraft und Erlösung - diese Songs fangen die Essenz von 'The Color Purple' ein und ebnen gleichzeitig den Weg für eine neue musikalische Ära. Und für diejenigen, die einen modernen Twist suchen, gibt es Remixe von Missy Elliot featuring Megan Thee Stallion und Timbaland featuring Black Thought. So schlägt 'The Color Purple' auch eine Brücke zwischen Generationen von Musikliebhabern.

Bacao Rhythm & Steel Band, die mysteriöse Steel Pan Band aus Hamburg, hat sich weltweit einen Kultstatus erspielt. Mit einer Reihe von klassischen 7" Singles und drei hochgelobten Alben haben sie die Messlatte für sich selbst hoch gelegt, die sie mit diesem neuen Werk noch weiter nach oben schieben wollen. Auf ihrem vierten Album BRSB sind Bacao zurück mit mehr vom Gleichen, aber mehr vom Gleichen ist bei ihnen von Natur aus anders. Sie covern Songs aus verschiedenen Genres, von Megahits bis hin zu Underground-Songs, und machen sie sich mit ihrer einzigartigen Herangehensweise an die traditionellen Steel Pans aus Trinidad und Tobago zu eigen. Während ein Teil des Reizes eines neuen Bacao Rhythm & Steel Band-Albums darin besteht, herauszufinden, welche Songs sie covern, ist es ebenso faszinierend zu sehen, welche originellen Melodien sie ausgeheckt haben – denn dieses Album ist ebenso voller herausragender Originale. Der Opener des Albums, "In The Crosshairs", ist ein rauer und harter Midtempo-Kopfnicker, während "Grilled" und "Treasure Quest" das Tempo mit starken afrikanischen Funk-Einflüssen anziehen. Bacao geht mit "Hazy Memories", einem basslastigen Slowburner, der zwischen Hypnose und Hype wandelt, in die Tiefe. Diese Originale sind ein Beweis dafür, dass der Begriff "Coverband" ein Schuh ist, der niemals zu Bacao passen könnte. Und doch gibt es auch dieses Mal in der Tradition der Steel-Pan-Musik eine Reihe Coverversionen. Der große West Coast Hip Hop Einfluss wird offenbar mit Covers von Game & 50 Cent's "How We Do", Dr. Dre & Snoop Dogg's "Nuthin But A G Thang" und Tupac's "Got My Mind Made Up”, die alle eine neue Energie bekommen und sich für die BRSB Stahlbehandlung eignen. Mit ihrem Covern von Claudja Barrys Disco-Klassiker "Love For The Sake Of Love", die sie in eine synchronisierte Version umwandeln und sogar den Titel in "Love For The Sake Of Dub" ändern, fügen Bacao ihrem Lebenslauf einen weiteren zertifizierten Dance-Floor-Filler hinzu. Aus dem Bereich der zeitgenössischen Smash-Hits covern sie Drakes "Hotline Bling" und "Love$ick" von Mura Masa & A$AP Rocky. Dann gehen sie mit dem "Stranger Things Theme" einen sehr unerwarteten Weg, indem sie den Synthie-lastigen Titelsong der Hit-Show nehmen und ihm einen hypnotischeren Ton geben als dem Original. Wenn BRSB fertig ist, hat die Bacao Rhythm & Steel Band den Hörer auf eine Reise mitgenommen, die eine Vielzahl von Energien, Tempi und Stimmungen umfasst, aber alles unter einem Dach hält.

Das neue Monkeytown-Signing, das NYC-via-Berlin-Duo Sha Ru, schöpft aus der in Protest und Befreiung verwurzelten Punk- und Dancemusik, gefiltert durch die Erweiterung und Fluidität der queeren Identität. Erste aufrührerische EPs und mitreißende Auftritte haben die Band zu einer ausgesprochenen Kraft der in elektronischen Musik gemacht, die dunkle Schattierungen und basslastige, zukunftsweisende Klänge erforscht, die ebenso an Post-Punk-/Industrial-Pioniere wie an alles im Club-Kanon erinnern. Die neue EP, ihre bisher gewagteste, ehrlichste und verletzlichste Arbeit, ruft eine Palette überwältigender Emotionen hervor, von platonischer und romantischer Liebe bis zu Herzschmerz und psychischem Leid, wiedergegeben in cleveren rhythmischen Architekturen und grollendem Bass, ausbalanciert mit sinnlichen Melodien und sanfteren Texturen.

Focus On Nature ist das neue Studioalbum des gefeierten Post-Psych/Independent Singer-Songwriters Nick Saloman und seiner Band The Bevis Frond. Fünfundsiebzig Minuten herrlicher Melodien, die sich zwischen 60er-Jahre-Psych, englischem Folk, den Seattle Art-Punks The Wipers, dem Buzzsaw-Pop von Dinosaur Jr. und Hendrix-esken Erkundungen bewegen. Ihre Musik hat immer etwas spielerisch Englisches an sich. Die Kult-Ikonen, die sicherlich The Lemonheads, Teenage Fanclub, Elliot Smith, Pavement und Dinosaur Jr. beeinflussten, haben eine weitere schräge Mischung aus melodischer, klaviergeführter Melancholie, akustischen Grübeleien, kratzigem Garagen-Rock mit punkigem Einschlag und voller Gitarren-Histrionik produziert. Wie der viel gelobte und äußerst erfolgreiche Vorgänger "Little Eden" befasst sich die neue Platte mit dem Überdruss der Welt, füllt aber eine größere Leinwand aus: Fast Food und globale Erwärmung, gebrochene Herzen und lange Nächte, alltägliche Unsterblichkeit und Gottes Geschenk - all das findet seinen Platz. Es ist wie Townshend in seiner thematischsten Phase; Big Star in all ihrer akustischen Pracht, perfekt ausbalanciert mit der punkigen Garage-Rock-Combo, die auf "Empty" mit Gilmour-Breaks endet, die das Ganze zur Größe erheben. "Sie mischen immer noch Pop, Punk und Psych mit schwindelerregender Wirkung. The Guardian "Selbstreflexion gepaart mit einer reumütigen Bestandsaufnahme des aktuellen Zustands der Nation." Uncut zu Little Eden - Erhältlich auf Ltd Double Purple Vinyl, DL-Karte und/oder als CD im Digisleeve -

REKORDER is "a kind of retrospective of myself", says M.RUX about his second, long-awaited solo album. For over 10 years, Marten Rux aka M.RUX appears as a DJ, producer, editor, remixer and multi-instrumentalist all over the world and has developed an idiosyncratic sound that opens up subtle fields of tension: M.RUX mixes a sound between experimental sound design and hooklines that stay in your ears forever. Between wild percussion and contemplative harmonies, between ecstasy and meditative calm. In his DJ and live sets, M.RUX usually steps up to the controls with a smile, discreetly bobbing his head, while the audience goes wild. He circumnavigates clichés with trustworthy certainty and develops his very own guiding threads in his selection beyond BPM or genre straitjackets. One constant is his warm, often stoically slow kick drum, which holds all that playfulness together. REKORDER is a manifestation of this typical M.RUX sound. Similar to his concept album "Vermonische Melodien" from 2020 (on the Pingipung label), the artist's curiosity is directed towards the musical visions of the past. When new music technology projected great visions of the future and when new sounds had not yet solidi ed into clichés. REKORDER refers to the recording device, spelled in a German way, because most of the recordings were made in Germany (and in England as well). Phonography is a miracle that has only been around for 150 years: Technology gifts upon us prosthetics for remembering sound. Every recording is a process, and every playback a new performative act. Recordari (Latin) is a beautiful word. It literally means to take something to heart (cor) once again (re-). This doesn't just refer to remembering, but also to a ponderous, loving, sometimes doubtful contemplation. It is a perfect headline for M.RUX’ approach to processing sound. REKORDER draws deeply from its own archive, which has ourished quite splendidly during the pandemic. Multi-instrumentalist M.RUX mixes his own recordings of banjo, guitar, auto-harp, synths, percussion and jews harp with fragments from sessions with friends that have accumulated since 2020. They unfold in the process of re-listening in the mix and transform into a solid musical tapestry. A typical gesture for this album? M.RUX bows deeply to the history of pop music - especially the blues and its melancholy, coolness and shuf ing groove. The harmonic framework of the album is based on blues scales throughout. Instead of conveying blue emotions via lyrics or the tone of the voice, as the original genre does, the synthesizer takes on this role on REKORDER. With his sound design, M.RUX achieves an ecstatic sorrow in his melodies, this gurgling portamento that is reminiscent of R&B (or even the ingenious title melody of the series "Bojack Horseman”). If voices are heard on REKORDER, then as hypnotic fragments that guide us through the groove as conjunctions: "Because...", says the voice in the track of the same name. That's enough. There are no lyrics, no literal weariness, no love-songs or storytelling, REKORDER processes all of this into timbres and groove as vessels for the album’s individual, contemplative melancholy. Never forgetting, with a gentle smile, to swing a leg.

LIMITED RED COLOURED VINYL!
REKORDER is "a kind of retrospective of myself", says M.RUX about his second, long-awaited solo album. For over 10 years, Marten Rux aka M.RUX appears as a DJ, producer, editor, remixer and multi-instrumentalist all over the world and has developed an idiosyncratic sound that opens up subtle fields of tension: M.RUX mixes a sound between experimental sound design and hooklines that stay in your ears forever. Between wild percussion and contemplative harmonies, between ecstasy and meditative calm. In his DJ and live sets, M.RUX usually steps up to the controls with a smile, discreetly bobbing his head, while the audience goes wild. He circumnavigates clichés with trustworthy certainty and develops his very own guiding threads in his selection beyond BPM or genre straitjackets. One constant is his warm, often stoically slow kick drum, which holds all that playfulness together. REKORDER is a manifestation of this typical M.RUX sound. Similar to his concept album "Vermonische Melodien" from 2020 (on the Pingipung label), the artist's curiosity is directed towards the musical visions of the past. When new music technology projected great visions of the future and when new sounds had not yet solidi ed into clichés. REKORDER refers to the recording device, spelled in a German way, because most of the recordings were made in Germany (and in England as well). Phonography is a miracle that has only been around for 150 years: Technology gifts upon us prosthetics for remembering sound. Every recording is a process, and every playback a new performative act. Recordari (Latin) is a beautiful word. It literally means to take something to heart (cor) once again (re-). This doesn't just refer to remembering, but also to a ponderous, loving, sometimes doubtful contemplation. It is a perfect headline for M.RUX’ approach to processing sound. REKORDER draws deeply from its own archive, which has ourished quite splendidly during the pandemic. Multi-instrumentalist M.RUX mixes his own recordings of banjo, guitar, auto-harp, synths, percussion and jews harp with fragments from sessions with friends that have accumulated since 2020. They unfold in the process of re-listening in the mix and transform into a solid musical tapestry. A typical gesture for this album? M.RUX bows deeply to the history of pop music - especially the blues and its melancholy, coolness and shuf ing groove. The harmonic framework of the album is based on blues scales throughout. Instead of conveying blue emotions via lyrics or the tone of the voice, as the original genre does, the synthesizer takes on this role on REKORDER. With his sound design, M.RUX achieves an ecstatic sorrow in his melodies, this gurgling portamento that is reminiscent of R&B (or even the ingenious title melody of the series "Bojack Horseman”). If voices are heard on REKORDER, then as hypnotic fragments that guide us through the groove as conjunctions: "Because...", says the voice in the track of the same name. That's enough. There are no lyrics, no literal weariness, no love-songs or storytelling, REKORDER processes all of this into timbres and groove as vessels for the album’s individual, contemplative melancholy. Never forgetting, with a gentle smile, to swing a leg.

Der Jesper Kyd-OST zu Fortsetzung der HITMAN-Videospielreihe: Das mainstreamig angelegte 'Hitman 2: Silent Assassin' (2002) erhielt großartige Rezensionen, u.a. eine 'Action Game Of The Year' Nominierung vom US-Magazin Computer Gaming World. Jesper Kyd schuf mit dem Budapester Symphonieorchester und dem Ungarischen Rundfunkchor ein orchestrales Melodram, das dem Spiel ein Gefühl von Unruhe und Pracht verlieh. Trotz live aufgenommener Orchestrierungen blieb sein Stil unverkennbar: starke Melodien, eingängige Rhythmen und groovige Electronica werden um harmonische Weltmusik-Elemente ergänzt, die zu den weltumspannenden Eskapaden von Agent 47 passen.

Neue Vinylfarbe 2024, klare LP, im Klappcover mit bedruckter Innenhülle! 16 Jahre nach dem letzten Studioalbum kommt das neue Album von LOIKAEMIE mit Namen "Menschen"! "Anschnallen! Unglaublich, aber wahr! Verdammte Axt!" Die Worte von Sachsens größtem Punkfestival hätten keinen Funken kleiner sein dürfen. Mit ihrem Überraschungs-Headliner verkündete das Back To Future 2019: LOIKAMIE ist wieder da! Innerhalb von fünf Jahren ging so gleich zweimal ein Ruck durch die europäische Oi!- und (Street-)Punk-Szene: Schwer die Emotionen beim Abschied 2014, umso größer die Euphorie beim Live-Comeback! Und noch größer angesichts 12 neuer Songs! Seit 2019 ist LOIKAEMIE wieder eine feste Größe, weit oben in den Lineups der Festivals und den Clubs, und das weit über Deutschland hinaus. Thomas, Eddie, Paul und Bruno konnten live nicht nur nahtlos anknüpfen, sondern eine Stufe empor steigen, auf den Konzerten trifft sich jung und alt in seiner ganzen subkulturellen Vielfalt, LOIKAEMIE ist eine Band, auf die sich - im besten Sinne - alle einigen können. Auch die Kreativität ist wieder erwacht: 2022 erschienen mit "Lumpenmann" und "Tief im Herzen" die ersten neuen Songs seit 2007 (digital und als limitierte 7"-Single), dazu gesellenen sich bisher "Was Soll Die Ganze Scheisse?" und "Lasst Uns rein", alles Vorboten des nun erscheinenden fünften Studioalbums "Menschen" und schon auf einer Menge Playlists zuhause. Kein Wunder, dass nach 16 Jahren die Erwartungen riesig sind, bei den Fans wie der Band selbst. Und ,Menschen" ist nicht weniger als ein Manifest dessen, wie Punkrock im Jahr 2023 klingen muss: Rotzig und melodisch, kompromisslos und reflektiert, politisch und gut gelaunt. Alle zwölf Ohrenfräsen atmen den unverkennbaren LOIKAEMIE-Spirit und doch ist ,Menschen" ein Riesenschritt nach vorn. Schon der überaus modern klingende Opener "Wenn wir alle so wären" fegt alles weg, was derzeit belanglos auf Allgemeinplätzen durch den Punk pogt, vom anschließenden hymnischen Titeltrack bis zur abschließenden Selbsteinladung "Lasst und rein" bleibt die Energie ganz oben, gleichzeitig ist das Album vielschichtig wie nie zuvor in der Bandgeschichte. Zu Streetpunk- und Rock'n'Roll-Brettern gesellt sich Reggea, Sprechgesang, Ballade und Melodien, die sich auch im Pop nicht verstecken müssten. Statt markiger Statements erzählen die Texte pointierte Geschichten, teilen durchdachte Gedanken zu aktuellen Miseren in der Welt, der Szene oder des eigenen Kopfes. Aber es gibt auch keine Scheu vorm hymnischen Refrain, den fortan volle Konzertsäle gemeinsam intonieren können. Oi!, was sind das knallende Hits!

Eizbrand's "Verbrennungen 3. Grades": Das Explosive Deutschrock-Album. Kraftvoll, leidenschaftlich und fesselnd. Spüre das Feuer ihrer Musik!

Komm und spüre die Hitze: "Verbrennungen 3. Grades" - Das explosive Album von Eizbrand!
Tauche ein in die gewaltige Klanglandschaft der Deutschrockband Eizbrand und erlebe eine musikalische Inferno-Reise mit ihrem brandneuen Album "Verbrennungen 3. Grades". Mit einer Mischung aus kraftvollen Gitarrenriffs, leidenschaftlichen Texten und energiegeladenen Melodien bringt die Band das Feuer zurück in die Rockmusik.
Die 14 Tracks auf "Verbrennungen 3. Grades" entfesseln eine unbändige Energie, die dich von der ersten Sekunde an packt und nicht mehr loslässt. Jeder Song ist ein Feuerwerk aus Emotionen, das dich in eine Welt voller Leidenschaft, Rebellion und intensiver Gefühle entführt. Eizbrand schafft es, die tiefsten Abgründe der menschlichen Seele anzusprechen und dabei gleichzeitig eine glühende Hoffnung zu entfachen.

Mit "Goldmarie 2.0" präsentieren STONEMAN eine remasterte Neuauflage ihres 2014er Albums "Goldmarie" mit zusätzlichem Cover-Bonustrack "Marie", welcher ursprünglich von Joachim Deutschland performt wurde.
Versteinert ist anders: 10 Jahre nach der ersten Veröffentlichung von "Goldmarie" hat sich die Schweizer Ausnahmeformation um die beiden Traumwandler zwischen Gothic und Metal, Mikki und Rico H immer wieder neu erdacht. Gestrahlt hat man auf den Bühnen in ganz Europa, supportete Größen wie Deathstars, Mono Inc. Xandria, Tiamat und Wednesday 13. Im Gepäck hatte man dabei so manchen provokanten Szene Hit wie "Wer ficken will" und "Mord ist Kunst".
Bittersüße Melodien treffen auf brachiale Härte und auch die eine oder andere lyrische Provokation darf natürlich nicht fehlen!

FOR FANS OF: NIGHTWISH, AMARANTHE, HALESTORM, WITHIN TEMPTATION
TEMPERANCE BESTSELLER! Zum ersten Mal auf Vinyl Limitiert auf 500, in ‘MARBLED ORANGE’ Vinyl. Temperance ist eine der meist gepriesenen
neuen ‘Melodic Metal’ Bands, die in den letzten Jahren in Europa aufgetaucht ist. Mit gleich 3 Sängern in ihrem Line-up, besticht die Musik von
Temperance durch ihre ausgefeilten Harmonien, sowohl auf ihren Studioalben als auch bei ihren starken Konzerten, welche auch durch eine Fülle von
schneidenden Gitarren-Riffs, Electronica und sogar Einflüsse des Rock glänzen. Melodien, geballte Energie und überragende gesangliche Harmonien:
Drei Worte, um die Seele und den Erfolg von Temperance’s Sound treffend und prägnant zu umschreiben.
‘Of Jupiter and Moons’, das 4. Opus der Band aus dem Jahr 2018, stellt einen weiteren kräftigen Schritt vorwärts in der Karriere der umtriebigen Band
dar. Gemischt und gemastert von Jacob Hansen (Volbeat, Epica, Amaranthe), mit einem hervorragenden Cover Artwork von Yann Souetre (Ayreon)
und Band Photos von Tim Tronckoe (Nightwish, Ghost), kehren Temperance zurück ins Zentrum der Szene, stärker als je zuvor!
Die Veröffentlichung des Albums 2018 fiel zusammen mit der Vorstellung des neuen Vocal Teams: Das Talent von Marco Pastorino wird nun verstärkt
durch die neuen Sänger Michele Guaitoli (bereits bekannt als Leadsinger von Kaledon und Overtures) und Alessia Scolletti, einer begnadeten Sängerin
und ‘Rising Star’ der italienischen Szene!










[j] Daruma's Eyes [Part I]

Eizbrand's "Verbrennungen 3. Grades": Das Explosive Deutschrock-Album. Kraftvoll, leidenschaftlich und fesselnd. Spüre das Feuer ihrer Musik!

Komm und spüre die Hitze: "Verbrennungen 3. Grades" - Das explosive Album von Eizbrand!
Tauche ein in die gewaltige Klanglandschaft der Deutschrockband Eizbrand und erlebe eine musikalische Inferno-Reise mit ihrem brandneuen Album "Verbrennungen 3. Grades". Mit einer Mischung aus kraftvollen Gitarrenriffs, leidenschaftlichen Texten und energiegeladenen Melodien bringt die Band das Feuer zurück in die Rockmusik.
Die 14 Tracks auf "Verbrennungen 3. Grades" entfesseln eine unbändige Energie, die dich von der ersten Sekunde an packt und nicht mehr loslässt. Jeder Song ist ein Feuerwerk aus Emotionen, das dich in eine Welt voller Leidenschaft, Rebellion und intensiver Gefühle entführt. Eizbrand schafft es, die tiefsten Abgründe der menschlichen Seele anzusprechen und dabei gleichzeitig eine glühende Hoffnung zu entfachen.

WILLIAM DOYLEs neues Album "Springs Eternal" folgt auf das von der Kritik hochgelobte Album "Great Spans Of Muddy Time" (10/10 Loud & Quiet, 9/10 Line of Best Fit, 4/5 Mojo, 8/10 Uncut, 5. The Quietus 100 Albums of the Year) aus dem Jahr 2021. "Springs Eternal" ist das bisher ehrgeizigste und verspielteste Werk des für den Mercury nominierten und von der Kritik gefeierten Künstlers WILLIAM DOYLE und bietet Kunst-Pop für das Anthropozän. Das Album bietet einen Panoramablick auf die Ekstasen und Qualen des Lebens in den 2020er Jahren und stellt die Frage, wie wir als zerbrechliche Wesen aus Fleisch und Blut - unsere Herzen schlagen und unsere Gedanken rasen - in einer beispiellosen, fast unvorstellbaren Zeit der rasenden Klimazerstörung und technologischen Expansion existieren. In 11 Tracks hören wir von Erzählern, die am Abgrund der globalen Katastrophe, des Herzschmerzes, der Sucht, der Indoktrination und der Geisteskrankheit stehen, bis sie ins große Unbekannte gehen. Die Texte, die abwechselnd ernst und ironisch, offen und allegorisch sind, werden mit ansteckenden Melodien und oft mit einer gewissen Überheblichkeit gepaart. Co-produziert von Indie-Superproduzent Mike Lindsay (TUNNG, LUMP) in seinem MESS-Studio in Margate, hören wir den Sirenengesang des Meeres, umspült von pulsierender Elektronik und mitreißender Instrumentierung, mit Beiträgen der Musiker ALEXANDER PAINTER, GENEVIEVE DAWSON und BRIAN ENO. "Springs Eternal" ist das nächste Kapitel in der klanglichen Odyssee von WILLIAM DOYLE, der mit seiner Inkarnation als EAST INDIA YOUTH ("Total Strife Forever", 2014; "Culture Of Volume", 2015) begann und sich unter seinem eigenen Namen weiterentwickelte, indem er die von der Kritik gelobten Alben "Your Wilderness Revisited" (2019) und "Great Spans Of Muddy Time" (2021) produzierte. Neben seinem eigenen Output produzierte DOYLE kürzlich das gefeierte Debütalbum "A Common Turn" (2021) von ANNA B SAVAGE und spielt in der Band von ORLANDO WEEKS, sowohl live als auch auf seinem kommenden Album. Farbige LP sowie CD.

Eizbrand's "Verbrennungen 3. Grades": Das Explosive Deutschrock-Album. Kraftvoll, leidenschaftlich und fesselnd. Spüre das Feuer ihrer Musik!

Komm und spüre die Hitze: "Verbrennungen 3. Grades" - Das explosive Album von Eizbrand!
Tauche ein in die gewaltige Klanglandschaft der Deutschrockband Eizbrand und erlebe eine musikalische Inferno-Reise mit ihrem brandneuen Album "Verbrennungen 3. Grades". Mit einer Mischung aus kraftvollen Gitarrenriffs, leidenschaftlichen Texten und energiegeladenen Melodien bringt die Band das Feuer zurück in die Rockmusik.
Die 14 Tracks auf "Verbrennungen 3. Grades" entfesseln eine unbändige Energie, die dich von der ersten Sekunde an packt und nicht mehr loslässt. Jeder Song ist ein Feuerwerk aus Emotionen, das dich in eine Welt voller Leidenschaft, Rebellion und intensiver Gefühle entführt. Eizbrand schafft es, die tiefsten Abgründe der menschlichen Seele anzusprechen und dabei gleichzeitig eine glühende Hoffnung zu entfachen.

Wir sind mit Groove-Jazz groß geworden, mit Marcus Miller, David Sanborn oder den Brecker Brothers, das ist unsere DNA“ sagt der Altsaxofonist Jakob Manz „aber wir wollten für das zweite Album von The Jakob Manz Project auch neue Inspirationen, die uns herausfordern und weiterbringen.“ Diese lieferten vor allem ein Aufritt beim Papjazz Festival auf Haiti. Die Lebensumstände und die Musik des Landes, sowie die dortige Begegnung dem Pianisten Meddy Gerville aus La Réunion bewegten die Band zutiefst. So hören wir auf „The Answer“ wieder Jakob Manz atemberaubende Virtuosität, die jedoch immer im Dienst der Musik steht. Wir hören von amerikanischem Soul- und Pop-Jazz geprägte Grooves und Melodien. Aber auch neue Farben und Schattierungen, welche die Beschäftigung mit Musiken jenseits der westlichen Welt mit sich gebracht hat. Diese neuen, erweiterten Klangräume erobert sich Manz mit seiner Band bestehend aus Hannes Stollsteimer am Piano, Frieder Klein am Bass und Paul Albrecht am Schlagzeug, nun erweitert um Perkussionisten Karl Degenhardt. Dazu kommen Gäste aus den unterschiedlichsten Richtungen: Lionel Loueke steuert mit Gesang und Gitarre eine faszinierende westafrikanische Note bei, Alexandra Stollsteimer einen klassischen Geigenklang und Matthias Schriefl Trompete und Alphorn - letzteres sicher ein Novum im Groove-Jazz-Genre. Wie so oft ist Jazz auch auf „The Answer“ vor allem ein Vokabular, mit dem Musiker:innen auf der ganzen Welt ausdrücken, was sie bewegt und beeinflusst und ihr Publikum dies miterleben lassen.

Vinyl Reissue des 2013 erschienenen vierten Albums von Revocation. Dieses selbstbetitelte Meisterwerk vereint alle charakteristischen Elemente der
Band.Thrashige, virtuose Melodien, technisches Schlagzeugspiel der Spitzenklasse und ein stimmlicher Rundumschlag nehmen den Hörer mit auf eine
rasante Fahrt durch die heiligen Hallen des Heavy Metal.
Vinyl als Custom Galaxy Edition

Hochdynamischer melodischer Metal aus dem Herzen von Raleigh, North Carolina! Auf ihrem vierten Album in voller Länge verbinden Mega Colossus epische Metal-Größe mit den Hooklines und Melodien von Rainbow und Kansas! Aufgenommen mit Al Jacob im Warrior Sound in Chapel Hill fängt 'Showdown' Mega Colossus mit vollem Tempo ein und setzt wieder auf duellierende Twin-Guitar-Harmonien. Buchanans Gesang ist schrill und mühelos und trägt grandiose, kühne Refrains, die sogar gelegentliche Styx-Anspielungen aufweisen. Vor allem aber ist das Album ein der Zusammenschluss von fünf sehr unterschiedlichen Musikern. Kein Wunder also, dass sich Showdown zu einer epischen Darbietung unheimlichen und markanten melodischen Metals entwickelt hat, mit der ganzen Tiefe und dem Charisma einer Band, die jetzt in ihr 20. Jahr geht.

Rock Hard (8,5 Pkt. / Soundcheck # 4 Dynamit!)
MEGA COLOSSUS aus North Carolina haben ihren Stil gefunden. Sie adaptieren die pathetische Melodik von Seventies-Heroen wie Kansas, Styx oder auch Uriah Heep und sind mit ihren drei Stimmen durchaus in der Lage, deren abgefeimten Chorgesang zu reproduzieren. Aber ihre spielerische Provenienz liegt eben nicht im Rock, sondern im agilen, technisch ausgereiften, enorm zeigefreudigen Heavy Metal. Dieser Kontrast zwischen Schmonz und Breitseite ist ziemlich suggestiv. Trotz des hohen Tempos nieten sie sich souverän und tight durch ihre vertrackten Kompositionen, und das Gitarrenduo Bill Fischer/Chris Millard lässt die Finger fliegen, erinnert mit seiner an die Grenzen gehenden Spiellaune an Bands wie Haunt oder Valkyrie. Was ihnen an totaler Eingängigkeit vielleicht noch abgeht, machen sie mit Energie und Frische allemal wett.

Legacy (11 Pkt.)
Bill Fischer und Sean Buchanan stellen einmal mehr unter Beweis, wie geschickt sie Harmonien, Riffs und Hooklines mit prägnantem Gesang zu griffigen Songs zusammenschrauben können. Das inzwischen fünfte Album der Truppe aus North Carolina punktet ab dem Opener 'Fortune And Glory' mit straight gerifftem Siebziger-Jahre-Hard-Rock, der immer wieder Ausflüge in den Bereich des melodischen Metal unternimmt und von Buchanans Organ noch eine epische Note verliehen bekommt - hörbar bei 'Outrun Infinity' oder 'Showdown'. Die Melodielinien in Songs wagen auch immer mal wieder den Flirt mit wirklich poppigen Passagen und Strukturen, ohne dabei in den Kitsch zu schliddern - der kleine Hit 'Wicked Road' ist hier das wohl schillerndste Beispiel. Mit deutlichem Fokus auf Gitarren und Gesang und gesungenen Übergängen zwischen den verschiedenen Momenten erschafft der Fünfer eine Atmosphäre, die klingt, als wären Thin Lizzy auf Europe getroffen und hätten ganz unbefangen ein paar Songs geschrieben. Am Ende spendieren MEGA COLOSSUS dem Hörer mit 'Take To The Skies' noch eine schöne Achtziger-Metal-Nummer. Starkes Teil!

Die 6-köpfige Londoner Band Tapir! veröffentlichen ihr multidisziplinäres Debütalbum via Heavenly Recordings.
Das Projekt ist eine fantastische Offbeat-Fabel, getragen von Grays kna-ckigem, herzlichem Gesang und den instinktiven, eigenwilligen Melodien der Band, und wirkt zuweilen wie das musikalische Äquivalent der Gemälde von Henry Darger, Henri Rousseau oder Philip Guston.

Aus der Asche von DAWN OF DISEASE ist eine Melodic Death Metal Band entstiegen, die bereit ist, alles unter Feuer zu setzen: HIRAES. Alle vier
Instrumentalisten von DOD (Lukas Kerk, Oliver Kirchner, Christian Wösten und Mathias Blässe) haben ihre Kräfte gemeinsam mit Sängerin Britta Görtz
(CRITICAL MESS, ex-CRIPPER) gebündelt, um Musik zu erschaffen, die zwischen hymnenhaften Melodien und packenden Gitarrenriffs pendelt:
atemberaubende Hooklines kombiniert mit gnadenlosem Drumming sowie einem allgegenwärtigen melancholischen Spirit und variantenreichen und
eingängigen Growls

Föllakzoid wächst durch Entschlackung und versucht mit jeder Platte, längere Zeiträume mit immer weniger Elementen zu füllen. Und wie der beste Techno, Kraut und Psychedelia im Laufe der Zeit bewiesen haben, ist manchmal der minimalste Rahmen das stärkste Gefäß für Transzendenz. Das ist es, was Föllakzoid mit V erreicht haben, ein immersives Werk, das den Hörer auf eine verführerische Reise direkt auf die Tanzfläche mitnimmt. Die kreative Perspektive der Band bestand schon immer darin, die narrativen, musikalischen und visuellen Paradigmen, die physische und digitale Vorstellungen prägen, zu verlernen, um eine metrische Zeit-Raum-Struktur zu schaffen, die sowohl den Autor als auch die Erzählung auflöst. Als kreatives Projekt der queeren und transsexuellen Künstlerin Domingæ hat die Band eine einzigartige Erfahrung in der Psychedelic-Rock-Szene gemacht. Im Gegensatz zu früheren Föllakzoid-Platten, die in einzelnen Takes mit der gesamten Band aufgenommen wurden, dauerte es einen Monat, um ihr neuestes Album V aus mehr als 70 einzelnen Stems zu erstellen. Gitarren, Bass, Schlagzeug, Synthesizer und Gesang wurden isoliert aufgenommen, und der Produzent Atom TM, der bei den Aufnahmen nicht anwesend war, wurde dann gebeten, die vier Sequenzen der Stems ohne jegliche Länge, strukturelle Einschränkungen oder Richtlinien neu zu organisieren. Die dem Spiel innewohnenden Möglichkeiten waren endlos und wurden doch durch die innere Logik des Spiels selbst und durch den Geist der Spieler zusammengehalten. V ist eine Übung, bei der es darum geht, mit der kleinstmöglichen Anzahl von Wörtern eine ausführliche Geschichte über nichts zu erzählen. Es ist eine Geschichte über die Elektrizität und den Code, den wir bewohnen - oder der uns bewohnen könnte - und die man sich mit herzzerreißenden Bässen, flirrenden Beats, kopfschüttelnden Melodien und einer unheilvollen Anziehungskraft vorstellen kann, die sich manchmal wie echte Hypnose anfühlt.

Jordan Munson ist ein Komponist, Performer und Multimedia-Künstler. In seinen Werken erforscht er die Erinnerung und unsere Beziehung zur Technologie, und es heißt, dass er "akustische Melodien und elektronische Rhythmen mit aufregender Absicht verschmilzt" (The New York Times). Seine Kompositionen beruhen auf einer Ausbildung in Perkussion, Improvisation, Pop und Sounddesign und stellen subtile Landschaften mit reichhaltigen Texturen und treibenden Melodien einander gegenüber. Munson setzt Technologie ein, um natürliche Klänge zu interpretieren und umgekehrt, wobei er sich auf die Übertragungsverluste konzentriert, die durch diese ständige Neusynthese entstehen. "Heartless Fools" wurde 2018 in den Greenhouse Studios in Reykjavík, Island, aufgenommen. Seit diesen ersten Aufnahmen ist die Musik durch weitreichende Zusammenarbeit mit Musikern aus Jazz, Klassik und Pop gewachsen. Zu den Künstlern gehören das experimentelle Pop-Trio Square Peg Round Hole, die Sänger*innen Isaiah Robinson und Hanna Benn sowie die isländische Cellistin Pórdís Gerdur Jónsdóttir. Während die Musik selbst nicht politisch sein soll, bezieht sich der Titel "Heartless Fools" auf die Reaktion von zwei Personen auf die aktuelle politische Landschaft. Die erste arbeitet sich durch Schock und Trauer, während sie die Realitäten dieser Welt wahrnimmt, und versucht, dem Ganzen einen Sinn zu geben. Die andere, angeheizt durch einen Verlust der kulturellen Identität, ist voller Wut, die sie antreibt, unmenschliche Dinge zu tun. Dies zeigt sich in der Musik als Kampf zwischen Ordnung und Chaos, Kontemplation und Ungeduld. Die Werke stehen in einem ständigen Spannungsfeld, sowohl intern und miteinander.

Der Osloer Sänger, Songwriter & Gitarrist Julian Karlsson aka Selmer hat seine Selbstbeobachtungen während des Badens in 8 Songs eingefangen, aus denen sein Debütalbum 'Body Wash besteht, das über das norwegische Indie-Pop-Kraftpaket 777 Music (Boy Pablo, FUR) erscheint. Selmer nutzt seine Dusche ausdrücklich als Raum, um seine Gedanken zu sortieren, die sich unweigerlich in Melodien verwandeln. Die LP enthält Kooperationen mit Paul Cherry (Eyedress, Cuco, Temporex), Whose Rules (Dev Lemons, Ralph Castelli) und JEZ_EBEL, wurde von Marius Elfstedt (Tigerstate, Mall Girl) abgemischt und co-produziert und von Kelly Hibbert (J Dilla, Flying Lotus) gemastert.

Irgendwo zwischen Planet Punk, Milchstraße Retro-Pop, Mikrokosmos New Wave und Hinterwelt Thüringen befindet sich das Universum MAMORÉ. Es sendet schrille Signale aus, wird Tag und Nacht von einer rosaroten Sonne beleuchtet. MAMORÉ ist ein Ort, an dem alles erlaubt ist: Zu feierlichen Synth-Melodien und schroffen Rockgitarren wird simultan ruppiger Pogo, romantischer Paartanz und Bowie-esker Hüftschwung praktiziert. Drama und Behaglichkeit, Anachronismus und Innovation, Herzschmerz und Augenzwinkern aggregieren hier zu einem blumigen Gefühlsgewirr. Im Zentrum des Treibens: Fünf in extravagante Outfits aus der Vintage-Kleiderkiste gewandete junge Männer, die hin und wieder selbst nicht so ganz fassen können, was um sie passiert.

Jetzt, im Dezember 2023, legen MAMORÉ endlich ihren langersehnten ersten, nach dem Bandnamen betitelten Langspieler vor. »MAMORÉ« ist eine wilde Experience, ein heißkaltes Wechselbad — hier tippelnd-euphorisch, konsonant und tanzbar, da abgründig-absurd, schnell und kalt. Was alle zehn Anspielstationen eint, ist ihre nonchalante Eingängigkeit: MAMORÉ haben Hits gemacht, die eigentlich gar keine sein wollen, sich keineswegs anbiedern und trotzdem im Ohr bleiben. In manchen Momenten erinnert ihr Album an die ersten Veröffentlichungen der Band Abwärts, hin und wieder scheinen die frühen Die Ärzte durchzuschimmern — und doch ist »MAMORÉ« in seiner Attitüde stets eigenwillig, modern und neu. Der in neuer Bandbesetzung re- ecordete, von hysterischen Klangmustern gespickte Opener »Voll im Visier« signalisiert direkt, wo die Reise hingeht: »MAMORÉ« piepst, knallt und explodiert fortwährend, klingt dabei voll und gravitätisch.

Im bittersüß-verträumten »Du fehlst« crashen harte Brüche in sanfte Schlager-Ästhetik, in »Ich Sehe Dich« treffen raue Gitarrenriffs auf NDW-typisches Synthie-Spiel. Die Neuauflagen der 2021 veröffentlichten Stücke »Meine Liebe Nicht« und »S.O.S« gehen der von seichtem Piano-Spiel eingeläuteten Dark-Wave-Schnulze »Pfeil Ins Herz« voraus. Die bereits erschienene Single »Wolke 7« baut in den Parts kitzelnde Spannung auf, um in Richtung Hook wie ein Vulkan auszubrechen — und auch die darauffolgende Punk-Hymne »Melancholie«, ein Feature mit NNDW-Sternchen Gwen Dolyn, schraubt sich in ihrer Dynamik von Sekunde zu Sekunde weiter hoch. Im Zuge vom hallig-darken, Gitarren-getragenen »Die Hatz« erreicht das Rabbit Hole »MAMORÉ« seinen tiefsten Winkel, bevor das abschließende »Keine Bewegung« dort anknüpft, wo die LP begonnen hat: Auf der klammen Tanzfläche einer Diskothek. »MAMORÉ« kreist inhaltlich stetig um das Thema Zweisamkeit — inmitten von Liebeskummer und Euphorie, gebrochenen Herzen und kochendem Blut, »Rennen gegen Einsamkeit«, Nervendoktor und Oktobertristesse liefert das Album ein geballtes ABC der Gefühlsausbrüche.

Goldene Deluxe Edition zum 10-jährigen Jubiläum des Debütalbums von Princess Chelsea. 180g goldfarbenes Vinyl in einer gestanzten Gatefold-Hülle mit Goldfolienrücken, Songtexten und einem Poster im DIN-A1 Format. Lil' Golden Book ist das Debütalbum der neuseeländischen Künstlerin Princess Chelsea. Es wurde ursprünglich am 2. Mai 2011 über Lil' Chief Records veröffentlicht. Das Album wurde von Jonathan Bree und Chelsea Nikkel produziert und erzählt die Geschichte des Aufwachsens als Teenager und junger Erwachsener in Neuseeland. Nikkel gab an, dass die Produktion des Albums fast drei Jahre dauerte. The Sunday Star Times beschreibt es treffend als "when cute meets creepy". "Princess Chelsea veröffentlicht anno 2011 mit gerade mal 19 Jahren ihr Langspiel-Debüt "Lil' Golden Book". Darauf regiert kurioser Pop. Mit dem Video zu "The Cigarette Duet" landet sie völlig überraschend einen Youtube-Hit. Der Track handelt von den unterschiedlichen Haltungen zweier Partner zum Thema Abhängigkeit. Die eingängigen Melodien, die sie in vielfältige Arrangements bettet, ordnen viele dem Baroque-Pop bei. Vor allem Klavier und die feengleiche, spröde Stimme der Dame dominieren die Songs, die oft zwischen Sadcore und Ambientpop oszillieren. Darin finden immer wieder entrückte Synthieflächen und vereinzelt elektrische Schnipsel Einzug. Zusammen mit orchestralen Parts ergibt dieser schrille Cocktail einen cinematischen Sound, der in drei Jahren Heimarbeit entstanden ist." - LAUT.de

Das Debütalbum von Geelong's starken Trio aus erfahrenen Punk/Alternative/Noise-Rockern feat. 'Lightning' Ben Watkins (ex- Warped), Buzz Munday (ex- Bored!) und Adam Doherty (ex- Spaghetti Westerns). GRYTT mischen OZ-Hardrock mit Proto-Punk-Attitüde und noisy Alternative. Das selbstbetitelte Debütalbum von GRYTT klingt, als hätte Lemmy die Amme für das Kind von Husker Du und Wipers gespielt. Buzz' unglaubliches und unnachgiebiges Schlagzeugspiel bietet eine klapprige Kulisse aus "Friedhofsschicht in der Gießerei"-ähnlichem Gepolter als Vehikel für Ben und Ads' solipsistisches und a-rhythmisches Gitarren- und Bassgefuchtel und eine kollektive, temperamentvolle Reihe fataler lyrischer Erklärungen, die mit einer solchen Intensität deklamiert werden, dass sie geradezu lebensverbessernd klingen; Ihr dreckiges, maritimes Stolzieren ist eine eingängige, von Verzerrungen getriebene melodische Schwere, d.h. diese Australier beweisen ein für alle Mal, dass ihr Sinn für Dynamik sowohl intensiver als auch immenser ist als der der anderen Kinder im Block! Inspiriert von Husker Du, Black Sabbath, Wipers und ZZ Top (neben vielen anderen), verbindet die aus Geelong stammende Rockband GRYTT die Sounds des harten Aussie-Rocks mit einer lärmenden Proto-Punk-Attitüde. Die Band wurde 2022 gegründet und besteht aus Sänger/Gitarrist "Lightning" Ben Watkins (Ex-Warped), Schlagzeuger Buzz Munday (Ex-Bored!) und Bassist Adam Doherty (Ex-Spaghetti Westerns). Obwohl sie angeblich Teil einer Szene sind, die Aggression und Lärm ebenso schätzt wie Hooks und Melodien, zeigen GRYTT eine auffällige Pop-Sensibilität. Der Gesang ist üppig geschichtet und doch knurrig, und die Texte schaffen es, eine Schönheit in den Banalitäten des Vorstadtmelodrams zu finden. Unterstrichen von schreienden Garagenrock-Gitarren und der kraftvollen Rhythmusgruppe der Gruppe, treiben GRYTT den Rock'n'Roll mit Vollgas voran. "Featuring members of international touring artists Bored! and Warped "Recorded, Mixed & Mastered at Goatsound, Melbourne Australia by Jason Fuller "Ltd 300 copies on white vinyl worldwide, artwork by the renowned Alex Hegyesi

UK-Singer-Songwriter Conchúr White kündigt sein Debütalbum “Swirling Violets” an, das über Bella Union erscheint.

Der aus der Grafschaft Armagh stammende Act bewegt sich auf seinem Debütalbum auf den elf Songs zwischen Dream-Pop und Folk, die allesamt Sehnsucht, tragische Romanzen und merkwürdige Parallelwelten zum Thema machen. Das intime, facettenreiche Debüt ist an einigen Stellen mitunter sogar unheimlich und doch sofort zugänglich und berührend.

Zur Ankündigung hat Conchúr White die Single “I Did Good Today” veröffentlicht. Die verträumten Melodien lösen sich voller Sehnsucht in einem emotionalen Refrain auf, der teils zwanghaftes Bekenntnis, teils Plädoyer ist. “I Did Good Today is a song about craving validation but understanding that such approval can come at the expense of honesty or integrity. Musically I reference the likes of Midlake, Aldous Harding and Bleachers.”

In schummriges Licht getaucht und auf ausgetretenen Pfaden feuertaufend, tragen A Deer A Horse den Dreck, die Härte und den Gusto hunderter Shows wie ein Ehrenabzeichen. Die Band vereint Rock, Metal und Punk in einer unheiligen Vereinigung, die von A.V. Club, Consequence of Sound, Village Voice und Revolver gelobt wurde, die sie als "irgendwo zwischen den Melvins, Helms Alee, Red Fang und Sleater-Kinney" beschrieben. Nachdem die Gruppe im Untergrund für Furore gesorgt hatte, schärfte sie auf ihrem 2022 erschienenen Debütalbum "Grind" ihre Kanten mit verstörenden Melodien und kathartischen Klageliedern.