Поиск:man of moon

Die Grammy-gekrönten Songwriter The Bros. Landreth kehren mit ihrem vierten Studioalbum ,Dog Ear" zurück. Die mehrfach mit dem JUNO Award ausgezeichneten liefern ein herzliches und energiegeladenes Album, das die unbestreitbare Energie dieser Band einfängt. Inspiriert von der Freude und Kameradschaft, die sie während zweier lebhafter Jahre auf Tournee nach der Pandemie erlebt haben, begaben sich die Brüder Joey und Dave Landreth zusammen mit ihren engen Mitarbeitern Roman Clarke, Murray Pulver und Ian Phillips ins Studio. ,Dog Ear" wurde in einer inspirierten fünftägigen Session aufgenommen und ist das bisher fröhlichste und hoffnungsvollste Album der Band, das die Melancholie der Vergangenheit hinter sich lässt und Themen wie Familie, Optimismus und emotionale Resilienz erkundet. Das Album enthält elf emotional bewegende Tracks, darunter Beiträge von Bonnie Raitt, die dem fesselnden ,Half Moon Eyes" ihre ikonische Stimme leiht und ,Knuckles" in ein tiefgründiges Duett verwandelt. Die ebenfalls aus Winnipeg stammende Powerfrau Begonia liefert eine faszinierende Performance zum Albumabschluss ,Strange Dear" und verleiht der Erzählung des Albums zusätzliche Tiefe. Im Kern ist Dog Ear eine ehrliche Auseinandersetzung mit der Frage, was es bedeutet, für die Menschen, die man liebt, immer da zu sein - insbesondere aus der Perspektive der Elternschaft. Songs wie das beschwingte ,I'll Drive", geschrieben zusammen mit Jonathan Singleton aus Nashville, verkörpern unbeschwerte Flucht aus dem Alltag, während das zarte ,Half of Me" die tiefen Verbindungen unterstreicht, die Beziehungen ausmachen. Die herausragenden Songs ,Dog Ear" und ,Vincent" bieten fesselnde Betrachtungen über Stabilität, Freundschaft und persönliches Wachstum, präsentiert mit der für die Bros. typischen geschickten Gitarrenarbeit, melodischen Wärme und lyrischen Aufrichtigkeit. Mit internationaler Anerkennung, JUNO Awards, einem Grammy Award (als Songwriter für Bonnie Raitts Grammy-prämierte Americana-Performance von ,Made Up Mind" aus dem Jahr 2023) und Lob von Kritikern wie Rolling Stone, NPR, American Songwriter und vielen anderen festigen The Bros. Landreth ihren Ruf als Meister ihres Fachs. Ihre energiegeladenen Live-Auftritte begeistern das Publikum weltweit, und mit Dog Ear liefern sie ihr bisher stimmigstes und mitreißendstes Statement.

47 marks TEN YEARS with its 47th and final release, closing the catalogue at 47047.

Launched as an event series by Tommy Four Seven in Berlin’s intimate Arena Club in 2014, the 47 parties paved the way to the label we’ve come to know today, inspiring and encouraging a host of interdisciplinary artists along the way. The imprint opened in 2015 with a V/A, and now, ten years later, 47 comes full circle with the release of its last-ever record and compilation.

As always, the various artist collection reflects the imprint’s long-running ethos of championing underground and upcoming talent. Titled ‘Ten Years’, the record features label debuts from Jin Synth, Casual Treatment, SAMA, Yrsen, and contributions from familiar faces like Pause, Rommek and AgainstMe, to name a few.

Across the 20-track V/A, each artist delivers precise and sonically rich productions, spanning several palettes. You’ll find a dreamy soundscape punctuated by blips and bleeps from Amotik. Claustrophobic atmospheres and winding rhythms by Innersha. Liquid melodies and maximalist basslines from Ana Rs. Moonlit synths and icy motifs by VSK. Club-driven 4/4 techno with a metallic sheen from ASEC. An emotive take on ambient and techno from Linn Elisabet. A spiralling trip with IDM touches from Nørbak, and more.

‘Ten Years’ mirrors the adventurous attitude of 47, celebrating the artists and sounds who’ve helped to build the label’s solid reputation, leaving an indelible signature on electronic music for years to come.

Ähnlich wie die nachtblühende Flora, nach der das Album benannt ist, ist Constant Smiles' Felte-Debüt ,Moonflowers" das Ergebnis langsamer, weitgehend unsichtbarer Wachstumsmuster. Die in New York ansässige Band hat sich ihren eigenen Weg hierher gebahnt und sich nach und nach von einer amorphen Sammlung hochkonzeptioneller Ideen zu etwas Greifbarerem entwickelt, wobei jeder Schritt ihres ungewöhnlichen Weges zu ,Moonflowers" führte, einem subtilen Meisterwerk des intern entstandenen Ambient-Pop. Constant Smiles wurde 2009 von Ben Jones gegründet. Er wurde von verschiedenen Mitwirkenden in verschiedenen Versionen der Band unterstützt, die sich in Form von lauten Soundscapes, szenischem Chamber Pop oder eisigem Coldwave-ähnlichem Synth-Pop manifestierten und oft auf undurchsichtig gestalteten, ultra-limitierten Alben veröffentlicht wurden, die nach Lieblingsfilmregisseuren benannt waren. Durch den Umzug nach New York und einige Platten bei Sacred Bones wurde die Band einem größeren Publikum bekannt, aber Jones und seine Freunde blieben in ständigem Wandel. Die große Entschlüsselung des Constant Smiles-Rätsels erfolgte, als sich die Band zu einer festen Kernbesetzung formierte, als Schlagzeugerin/Sängerin Nora Knight Ende 2022 zu Jones und dem langjährigen Bassist Spike Currier stieß. Nach Jahren, die von tiefgreifenden Veränderungen und Unbeständigkeit geprägt waren, veränderte diese stabilisierte Besetzung den Sound, die emotionale Färbung und die Wirkung der Band. Mit Knight und Currier, die einen Kontrapunkt und Struktur zu Jones' stets sprudelnder Kreativität bildeten, wurden die Songs stromlinienförmiger und direkter. Nach wie vor luftig und traumhaft, hat die Trio-Version von Constant Smiles, die Moonflowers produzierte, die Wolken der Unbestimmtheit und Unsicherheit beseitigt, die es schwieriger machten, sich mit früheren Versionen der Band zu identifizieren. Wie die besten Momente der grundlegenden Alben von Talk Talk oder Nick Drake, die gelebte Erhabenheit von Adrianne Lenkers Songs/Instrumentals oder Jim O'Rourkes Ausflüge in den Kammerpop erreicht Moonflowers seine dynamischen Schwünge auf natürliche, fast unterschwellige Weise. Es ist ein Sound, den frühere Veröffentlichungen von Constant Smiles andeuteten, aber nie ganz erreichten. Moonflowers ist die klarste Sicht auf etwas, dessen Entstehung Jahre gedauert hat, das sich aber dennoch ganz natürlich wie eine Einführung anfühlt. Die Musik ist sorgfältig, aber nicht überladen, und das passt perfekt zu Songs über Gefühle, die entstehen, bevor man Zeit hat, nachzudenken. In dieser vollendeten Form erschließt Constant Smiles etwas Instinktives, eine Atmosphäre der Stille mit mikroskopisch kleinen Teilen, die nie aufhören, sich zu bewegen, und Songs, die fast transparent sind, aber dennoch irgendwie schwerer als ein Berg.

Erleben Sie den zeitlosen Charme und die samtweiche Stimme einer Musiklegende: Perry Como. Diese exklusive LP vereint seine schönsten und bekanntesten Lieder – sorgfältig remastert für höchsten Hörgenuss. Perfekt für Fans klassischer Unterhaltungsmusik und für alle, die die goldene
Ära des Easy Listening neu entdecken möchten.

Darunter sind Klassiker wie:
Papa Loves Mambo
Magic Moments
Catch A Falling Star
Moon River
u.v.m.

NYC electronic music collective P.E. return with their third and final album Oh!, due October 3 on Wharf Cat Records. Oh! Is the sound of a startled exclamation punctuating an exit, and the embodiment of the music within: fun and fluorescent, fluid and flirty, dirty and a little dangerous. From their conception in 2017 through the NOPE Tape series, P.E. existed as an experiment in co-conspirited collaboration. Oh! continues to cast a wide net, featuring an expanded lineup from their original formation, including Eleanor Friedberger of The Fiery Furnaces on the lead single "Color Coordinator". The resulting music ranges wide as ever, from the jubilant grooves of the title track and "Color Coordinator" to "The Fiction Writer" - a tender duet between Veronica Torres and Jonny Campolo - through the city pop sounds of "(Do You Like) So So?" and "Purple On Time", and into the abstracted beyond. This isn't a goodbye, but a "see you around". A tear falls down the cheek of a stranger, dancing as they catch your smile in the reflection of a glass building. Ceremoniously, serendipitously, they sidewalk surf away, stepping on something sharp - "Oh!" - leaving a teardrop on the city pavement. Following the last P.E. show, Jonny Campolo fully embraced his persona of The Grayscale Clown. You can hear him crooning in pets (along with Nick Campolo and Chase Ceglie) and droning in Microfibers (featuring Keegan & Eugene of Decor). His brother Nick Campolo successfully uploaded his consciousness to the cloud. He & his simulacrum perform in the aforementioned pets and solo as Nick Nun Ca. Ben Jaffe was in a freak nuclear waste accident when his DNA merged with a puma - he is now known as The Puma Man. You can catch him prowling around NYC with Sleaze Generator and as a sax beast for hire. Bob Jones went on a silent meditation and forgot how to speak. He now quietly releases music under the name R.A. Jones (as on his recently released Whispered to A Child), and as Scythe with David West (on A Colourful Storm). Jonathan Schenke disappeared for six months without a trace; when he returned he had developed a nervous tic anytime he heard a 909 rimshot or a saxophone. His recent solo album Passages (on No Gold) features neither of the above, nor does his project Gift Horse with Matthew Hord. Veronica Torres headed west to pursue her studies, developing a ceramic polymer whose beauty has caused madness in certain individuals. Her band Cha Cha 9 is a darling of the Minneapolis scene. P.E. would like to say thank you from the bottom of our hearts to everyone who listened to our records and danced at our shows - your love is felt. Thank you so much to Wharf Cat Records for all of the support over the years. Thank you to the fans. Thank you Pill and Eaters. Mitwirkende

Martin Denny returns with his loyal crew of multi-instrumentalists that had previously performed on
Forbidden Island, Primitiva, Hypnotique & Quiet Village: stand up bass player Harvey Ragsdale, vibe player Julius Wechter (also a member of the legendary recording unit The Wrecking Crew) and percussionist Augie Colon who was called the “Grandfather of Hawaii Percussion”. And of course, the famous cover girl on Martin Denny’s albums, Sandy Warner, otherwise known as “The Exotica Girl”, returns as well. Although Denny was recording his output at an astonishingly brisk rate, there’s something about Exotica Vol. III, which makes it one of his best and most sought-after with collectors and listeners. Of course, the brilliance of the lead-off track of Les Baxter’s “Jungle River Boat”, with its tight vibe-and-percussion workout intertwined with Colon’s iconic bird calls and other worldly sounds, only makes the sweet, lazy water sounds of the following track “Harbor Lights” all the more delightfully mysterious. So pour your drink of choice, dim the lights, open the windows, and let Exotica Vol. III roll across you.
“His last volume is a no-brainer. The material is simply too good to avoid.” – AMBIENT EXOTICA

From its modest beginnings as a university project, Anjuna has grown to become one of the most influential forces in electronic music. What began as, and remains, a passion project has evolved into a global electronic music powerhouse. Led by Jono Grant, Paavo Siljamäki, Tony McGuinness (better known as Above & Beyond) and label exec James Grant - Anjuna now spans three distinctive imprints: Anjunabeats, Anjunadeep and Anjunachill. To mark the label’s 25th anniversary, Above & Beyond and James have carefully curated a selection of picks from its rich catalogue that includes countless genre defining releases to present the label’s most expansive vinyl offering to date.

Covering the full spectrum of that 25 year journey, the ten vinyl box chronicles 84 of the label’s most iconic releases across all three labels, including a vinyl dedicated to label founders Above & Beyond. Encased in a custom outer slipcase box with a debossed foil Anjuna25 logo. Accompanying the ten vinyl is a 48-page perfect-bound booklet printed on premium art paper and textured cover stock, featuring track-by-track insights from artists and Anjuna HQ staffers delving into the stories behind each record and their reflections on 25 years of music. The Anjuna25 anniversary box set is a beautifully presented tribute to 25 years of innovation, artistry and emotional connection.

Let the Good Times Roll (Terlinde Music Shop, St. Paul, MN, 1956)
I Got a New Girl (Informal Recording, Hibbing, MN, 1959)
Jesus Christ (Informal Recording, Minneapolis, MN, 1960)
K.C. Moan (Informal Recording, Madison, WI, 1960)
Remember Me (Informal Recording, East Orange, NJ, 1961)
Railroading On the Great Divide (Gerdes Folk City, NYC, 1961)
Man of Constant Sorrow ('Bob Dylan' Rehearsal, NYC, 1961)
He Was a Friend of Mine ('Bob Dylan' Outtake, NYC, 1961)
Ramblin' Round ('Bob Dylan' Outtake, NYC, 1961)
Story: East Orange, New Jersey (Party, Minneapolis, MN, 1961)
Po' Lazarus (Party, Minneapolis, MN, 1961)
Dink's Song (Party, Minneapolis, MN, 1961)
I Was Young When I Left Home (Party, Minneapolis, MN, 1961)
Cocaine (Party, Minneapolis, MN, 1961)
Talkin' New York (Gerdes Folk City, NYC, 1962)
Corrina, Corrina (Gerdes Folk City, NYC, 1962)
(I Heard That) Lonesome Whistle ('Freewheelin'' Outtake, NYC, 1962)
Rocks and Gravel ('Freewheelin'' Outtake, NYC, 1962)
Let Me Die in My Footsteps (The Finjan, Montreal, 1962)
Tomorrow Is a Long Time (Party, Minneapolis, MN, 1962)
Don't Think Twice, It's All Right (The Gaslight Cafe, NYC, 1962)
The Cuckoo (The Gaslight Cafe, NYC, 1962)
The Ballad of the Gliding Swan (BBC-TV, London, 1962)
John Brown ('Broadside Ballads' Album Version, NYC, 1963)
Dusty Old Fairgrounds (Town Hall, NYC, 1963)
House of the Rising Sun (Informal Recording, NYC, 1963)
Seven Curses ('The Times They Are A-changin'' Outtake, NYC, 1963)
Masters of War ('Freewheelin'' Alternate Take, NYC, 1963)
Girl from the North Country ('Freewheelin'' Alternate Take, NYC, 1963)
Liverpool Gal (Party, Minneapolis, MN, 1963)
Boots of Spanish Leather ('The Times They Are A-changin'' Outtake, NYC, 1963)
Moonshiner ('The Times They Are A-changin'' Outtake, NYC, 1963)
The Lonesome Death of Hattie Carroll (Party, Los Angeles, 1963)
The Times They Are A-changin' (Informal Recording, Los Angeles, 1963)
Who Killed Davey Moore? (Carnegie Hall, NYC, 1963)
Lay Down Your Weary Tune (Carnegie Hall, NYC, 1963)
Blowin' in the Wind (Carnegie Hall, NYC, 1963)
North Country Blues (Carnegie Hall, NYC, 1963)
A Hard Rain's A-gonna Fall (Carnegie Hall, NYC, 1963)
Talkin' World War III Blues (Carnegie Hall, NYC, 1963)
Only a Pawn in Their Game (Carnegie Hall, NYC, 1963)
When the Ship Comes In (Carnegie Hall, NYC, 1963)

Innitial pressing soul out at once, now repress in neon green vinyl colour available! Ride bassist Steve Queralt's debut solo album Swallow is a beautifully brooding nine-track collection that combines the darkly textured soundscapes of early M83 and Sigur Rós with an electronic sheen reminiscent of Boards Of Canada. It also features guest vocals from Sonic Cathedral labelmate Emma Anderson (formerly of Lush and Sing-Sing) and Verity Susman (Electrelane, MEMORIALS).Swallow has been slowly but surely pieced together between Ride albums and tours over the past five years and, perhaps as a result, has a slightly dystopian, Blade Runner feel that reflects the liminal spaces in which it was created. Despite the fact that the majority of the album is instrumental, there is plenty of power and emotion poured into these moody, moonlit soundtracks. When words do appear, an underlying anger and political slant emerges and amplifies the album's dark intensity. This is most notable on the closing track, `Motor Boats', where he overlays words from Julie Sheldon's polemic poem The Same Boat ("We're all in the same boat they say, but I would disagree"). According to Steve, these simple words of rejection "capture the reality of our times perfectly". However, it was the collaborations with the two guest vocalists that tied the whole thing together and paved the way to the finished album. "After a few false starts, I had started to doubt the project altogether. It was going nowhere," says Steve. "Then, out of the darkness, Emma got in touch to tell me that she'd found her voice and could I send her some tracks. A few files back and forth and an afternoon in the studio later and we had `Lonely Town' and `Swiss Air'."In the meantime, Verity from Electrelane had added vocals to the song `Messengers' and transformed the track. Matthew Simms, now her bandmate in MEMORIALS, would go on to mix the finished album."Swallow has turned out so much better than I had hoped," enthuses Steve. "I'd fallen out of love with it so many times I was thinking of calling it Loveless. But then, that wouldn't be the whole story...

First time release on vinyl of the breathtaking songs Patty Waters recorded with engineer Steve Atkins in 1970 at the Coast Recordings studio, together with the unreleased single 'My One And Only Love' and a recorded live session at Lone Mountain College in 1974.

The album 'You Loved Me' is the missing link between her two groundbreaking pioneering and highly acclaimed ESP-Disk records from the end of the 60's and her post 90's releases. The missing link between the radical ingenue of the 1960s and her late 90's songs wherein she expressed the resolution of all of her life's moments through mature readings of traditional songs and jazz standards. This collection aims to provide that missing link and to finally complete the picture of her storied recording career.

In what would have been her third LP, the 'You Loved Me' album serves as the inverse of Patty's debut. While her debut "Sings" concerned itself with themes of heartbreak, loneliness and yearning, there's an abundance of love, joy and togetherness on "You Loved Me".

Or in Patty's own words:

"I was a young girl alone at age 19, I was longing for love and dreaming of how wonderful love could be"

On 'You Loved Me' Patty Waters velvet voice captures this longing for love, straight from her soul to your heart. Crossing the border of the avant garde jazz entering a strange zone, somewhere between spiritual jazz, early folk vibes on the songs on the A-sides while the 14 minute composition 'Touched By Rodin In A Paris Museum' on the B-side is (dixit David Stubbs for Uncut in 2004) a brilliant extended showcase for the uneasy Cageian minimalism of her piano playing.

'You Loved Me' proves also again why Albert Ayler introduced her to ESP-Disk president Bernard Stollman, impressed Miles Davis, Pharoah Sanders and Henry Grimes with her concerts and can count Patti Smith and Yoko Ono (to name a few) amongst her fans.

Es sind acht Jahre vergangen, seit Montreals The Barr Brothers ein Album veröffentlicht haben. In dieser Zeit hat das Leben sie - persönlich wie beruflich - in neue Richtungen geführt und ihre Art, gemeinsam Musik zu machen, verändert. Ihr viertes Studioalbum Let it Hiss ist nicht einfach nur eine neue Sammlung von Songs. Es ist ein Dokument der Transformation. Die Entstehung dieses Albums markierte einen Wendepunkt: eine Phase der Reflexion, eine Auseinandersetzung mit Verletzlichkeit und eine Wiederverbindung zwischen den beiden Brüdern, die seit über drei Jahrzehnten Seite an Seite Musik machen.,Im Jahr 2022 standen wir an einem Wendepunkt", sagt Brad Barr, Gitarrist, Sänger und Haupt-Songwriter der Band. ,Es war klar, dass sich etwas ändern musste. Die wahre Geschichte dieses Albums ist die Geschichte dieser Veränderung - und von allem, was danach kam.",Let it Hiss ist das, was passiert, wenn man aufhört, so zu tun, als wäre alles in Ordnung - und endlich wirklich hinhört", sagt Andrew.Das Album beginnt im Kleinen: eine winzige mexikanische Gitarre, der sanfte Puls eines Klaviers, ein minimalistischer Rhythmus - und eine Stimme, die sowohl Hingabe als auch Stärke vermittelt. ,Take it from me", singt Brad - nicht als Befehl, sondern als Geständnis. Schon ab diesem ersten Moment lädt das Album in einen Raum ein, in dem Makel nicht herausgeschnitten, sondern verstärkt und gefeiert werden. Es ist ein kraftvoller Einstieg in ein Album, das auf Ehrlichkeit, Wiederentdeckung und Vertrauen beruht.Für die Brüder wurde das Aufnehmen zu einem Spiegel. Der Prozess begann nicht mit Klang - er begann mit Wahrheit. Sie setzten sich nicht nur mit kreativen Blockaden auseinander, sondern auch mit persönlichen: alten Mustern, unausgesprochenen Spannungen, Trauer, Wachstum. Durch all das fanden sie wieder zu einem Rhythmus - nicht durch Perfektion, sondern durch Erlaubnis.Brad und Andrew machen schon Musik zusammen, seit sie Kinder sind - zuerst in der sich ständig wandelnden Rockband The Slip, später als The Barr Brothers, wo sie amerikanische Roots-Musik mit experimentellen Klangtexturen zu etwas ganz Eigenem verbanden. Ihr Ruf für musikalische Raffinesse und emotionale Tiefe brachte ihnen weltweit Fans - und Anerkennung von musikalischen Größen.Der Titel des Albums ist zugleich ein Leitbild. ,Es fühlte sich einfach richtig an", sagt Andrew. ,Das Rauschen drin zu lassen. Das Unbehagen, die Unvollkommenheit, den Kampf. Wir haben aufgehört, alles sauber machen zu wollen. Und genau da fing die Musik wieder an zu atmen. Und Spaß zu machen."Tatsächlich steht Let it Hiss stärker als frühere Alben der Barr Brothers für eine freudvolle Ungezwungenheit - hörbar etwa im Roadtrip-Hymnus "Run Right Into It" (mit Elizabeth Powell von Land of Talk) oder im verspielten Garagenband-Reggae von "She Doesn't Sleep With the Covers On". Doch das Album lässt die intime Erzählweise, die das Markenzeichen der Barr Brothers ist, keineswegs hinter sich: "English Harbour" ist eine wunderschöne Folk-Hymne, bereichert durch die Harmonien von Jim James (My Morning Jacket), während "Moonbeam" eine opulente Soul-Serenade mit Streichern ist - veredelt durch den frankophonen Gastgesang der quebecischen Artpop-Künstlerin Klô Pelgag.Die Songs auf Let it Hiss besitzen eine zeitlose Qualität - besonders spürbar in Stücken wie "Naturally", das leise an die Ära klassischer Songschreiber erinnert, in der Melodie und Botschaft untrennbar miteinander verbunden waren. Es ist Musik, die dem Hörer vertraut und sich nach und nach entfaltet - mit Arrangements, die Zurückhaltung und Ambition in Einklang bringen. Im Zentrum steht vielleicht der Song "Owning Up to Everyone", der den Geist des Albums im Kleinen einfängt. ,Dieser Song hat etwas in uns aufgebrochen", sagt Andrew. ,Er fühlte sich wie ein Durchbruch an."Doch all die musikalische Freiheit und emotionale Aufwühlung, die sich durch Let it Hiss zieht, bereitet nicht auf den letzten Song vor: "Upsetter", ein schweißgetränkter, punkgetriebener Rock'n'Soul-Explosion, gekrönt von einem absolut wahnsinnigen Gitarrensolo. Es ist schlicht der wildeste Song, den die Barrs je aufgenommen haben - ein Song, der die Let it Hiss-Philosophie so weit ins Rote treibt, dass er den VU-Meter fast sprengt. ,Ich dachte mir: ,Na ja, der wird es eh nicht aufs Album schaffen`, weil er vielleicht für viele unserer Hörer unerwartet kommt", gibt Brad zu. ,Aber ich glaube, unsere Hörer schätzen es, wenn wir einfach wir selbst sind - und dazu gehört eben auch sowas."Brad und Andrew produzierten Let it Hiss selbst, hauptsächlich zu zweit in ihrem Studio in Montreal. Um die rohe Direktheit und Komplexität des Albums einzufangen, arbeiteten sie mit Mix-Ingenieur Jon Low (The National, Taylor Swift, Bon Iver). Sie luden enge Freunde aus ihrer musikalischen Community ein, ihre Stimmen, Instrumente und Texturen beizusteuern, wenn es die Songs verlangten - Kollaborationen, die sich weniger wie Features, sondern mehr wie natürliche Erweiterungen der Musik anfühlen. Viele dieser Beziehungen entstanden über Jahre gemeinsamer Bühnen, langer Nächte im Studio und einer gemeinsamen Hingabe an das Handwerk. So ist Let it Hiss zugleich das persönlichste und das kollaborativste Album, das sie je gemacht haben.Let it Hiss will nichts auflösen - es will offenlegen. Es lädt die Hörer ein, genau hinzuhören - auf das Rauschen, das Gewicht, das Staunen. Während die Barr Brothers ihren Weg fortsetzen, ist eines klar: Sie haben einander wiedergefunden - und darüber auch ihre Musik.And the rest is hiss-tory

God = doG is the collective around Belpop icon Rudolf Hecke and consists of Nikkie van Lierop (Erotic Dissidents, Praga Khan), Toon Derison (Steven De Bruyn, El Fish), Klaas Tomme (Iskander Moon, Illuminae), and Yassin Joris (Jokke, Naima Joris).

Rudolf Hecke's LP “God is doG spelled backwards” was voted the best Belgian album of 1989 by De Morgen. Humo crowned him “The Nick Cave of Flanders”.

36 years and many musical adventures later, he is back with a strong, dark, and atmospheric album comparable to the works of, for example, This Mortal Coil: different styles of songs sung by different band members. The album is produced by Hecke, David Poltrock, and Ian Caple. Additional lead vocals are by Elsje Helewaut.

Rudolf has also proven to be a gifted author and speaker. On 26 October 2024, he published his ninth book, How Rough is the Stone?, in which he immerses himself in Freemasonry. The journey to that book was accompanied by the recording of new God=doG songs. Mutual influence, symbolism, questioning, insights, and reflection emerged.

Thus, in the fascinating live shows, storytelling is never far away…

Zak Starkey had a concept. He ran it by Shaun Ryder (Happy Mondays); a super group based around Shaun's beat poetry and the sprawling peacock universe of Andy Bell's (Ride/Oasis) other-worldly guitar-scapes and the mind-bending, time-stretching, hypnotic insurrection of Bez's (Happy Mondays) maracas. Add to this one fifth dimension Noel Gallagher (Oasis/High Flying Birds), and Domino Bones full version became deeply etched into the gravity-laden grooves of this loudest of transparent top tunes. Travellers in the cosmos or indeed the third moon of the second seven solstices on a realisation it is, and was our, home. Special edition transparent vinyl 7" single.

Swindly Cosmic Americana for the boxcar bound. Operating out of a suite in the Roanoke, Virginia Ramada Inn, Tiffin Music Enterprises International was but one of hundreds of gray-market record companies offering dubious services to Nashville aspirants. Cut in three days in 1975, 20-year-old Firebaugh wrote and played every bummed-out note, save a forgotten pedal steel-man. 50th anniversary edition remaster fits snuggly in your private mind garden.

Young Gun Silver Fox are the captains of AM Waves, setting sail towards an isle where melodies soak the shoreline and grooves sway like palm trees. Their route traces a natural progression fromWest End Coast, an album that cast Andy Platts (Young Gun) and Shawn Lee (Silver Fox) as musical virtuosos of SoCal-infused pop. AM Waves does more than duplicate the perfection of West End Coast. It improves it.

Recorded at The Shop in London and Roffey Hall in the English countryside, AM Waves burnishes the blend between the duo's modern aesthetic and their sumptuously crafted homage to '70s-styled pop, rock, and soul. "This music hits a certain spot for me personally that nothing else quite does," says Shawn, who produced the album amidst his projects for Saint Etienne, Shawn Lee's Ping Pong Orchestra, and several other acts. "It's real high-caliber music. It's easy and breezy to listen to but it's really hard to make. Every aspect is A game."

The A game behind AM Waves fuels 43 minutes of Young Gun Silver Fox in peak form. "AM Waves is much more instinctive," says Andy, whose penchant for writing irresistible hooks and melodies also shapes his role as lead singer and lyricist/composer for the band Mamas Gun. "It's more vivid. You can see the clarity to the colors of AM Waves whereas West End Coast is slightly more impressionist, as it were."

Originally issued as a single in September 2017, "Midnight in Richmond" is the anchor of AM Waves. "I hit one chord, which I'd never played before, and the song sort of wrote itself," notes Shawn. "It was intuitive. In many ways, the primary function of what I'm doing is trying to find that chord that opens a door and takes you someplace else. Those chords have magic." Andy embellishes the song's appeal by nimbly juxtaposing wistful emotions with a sun-kissed melody, his voice evoking richly drawn memories. The qualities that make "Midnight in Richmond" an instant classic abound throughout the album.

"Lenny" and "Take It or Leave It" spotlight Andy's versatility as a songwriter. The former was inspired by a dream he had where Lenny Kravitz owned a bar. "It was surreal," he says. "He was polishing the glasses and just serving me hit after hit." Like swimming through moonshine, Andy languorously savors every syllable in the song. "Take It or Leave It" is pure pop bliss. "That was one of those songs that fell out in half an hour," he says. "I had everything and it was done." Shawn adds, "It's such a perfect song in itself. When I listen to it, it's like you've created a record that already existed."

Young Gun Silver Fox introduce a five-piece horn section on "Underdog" that literally trumpets the song's protagonist. Shawn affectionately dubbed them the "Seaweed Horns" in honor of the Seawind Horns, an LA-based unit that recorded with powerhouses like Michael Jackson,Rufus & Chaka Khan,and Earth, Wind & Fire during the late-'70s. Andy explains, "The horns grab another hue of the west coast sound, which is the starting point, but it's also maybe the point where we're injecting a little bit more of ourselves and some outside colors into the familiar west coast palette."

A bounty of treasures course through AM Waves' ebb and flow. "Mojo Rising," which the duo penned with Rob Johnson, is a veritable retreat to paradise. "Sky-bound, heaven sent / Way above the clouds watching shootingstars descend," Andy sings, mirroring the music's celestial undertones. Sensuality contours the notes on "Just a Man," a song that basks in the allure of a woman who leaves "footprints on the water" while "Love Guarantee" is festooned with the Seaweed Horns. "I wanted to bring more of that R&B slickness into the mix," Shawn notes about the latter track. "We hadn't done a tune with that sort of groove." Similar to his work on "Underdog," Nichol Thomson's intricate horn arrangement on "LoveGuarantee"exemplifies another distinction between AM Waves and its predecessor.

"Caroline" occupies a special place on AM Waves, beyond spawning the album title. It tells the story of Radio Caroline, a pirate radio station that broadcast from an offshore vessel during the '60s and '70s. "They played the music that kids wanted to hear, whether it was the old stuff or cutting edge stuff," says Andy. "'Caroline' is about Radio Caroline's eventual capture." Complementing Andy Platts' deft wordplay, which draws parallels between radio airwaves and the station's literal home on the ocean, Shawn Lee layers nearly a dozen different parts on "Caroline," showcasing the vastness of his musicality. "I loved that track as soon as I heard it," Andy continues. "It's a beautiful fusion of me and Shawn."

The Seaweed Horns joinYoung Gun Silver Foxas they detour to the dance floor on "Kingston Boogie." Shawn explains the track's genesis, "I was thinking, what have we not done yet We definitely should get an AOR disco thing happening. I quite like disco. The beat is so metronomic that it allows you to be really sophisticated on top. 'Kingston Boogie' just laid itself out. I call it 'midnight disco.'" With a nod to "Lenny," Andy Platts sets "Kingston Boogie" back at Lenny's Bar, this time revealing a detail or two about its mysterious proprietor as he pours sweet wine and moonshine.

In a sense, AM Waves ends with the beginning. Even before there was Young Gun Silver Fox, there was "Lolita," the first song Andy Platts and Shawn Lee wrote together and a crowd-pleasing staple of the duo's live sets. The tale of a femme fatale who harbors a secret was recorded for West End Coast but instead furnished the B-side to "Long Way Back" as well as a bonus track on the North American edition of the album. Despite the song's checkered trajectory, its infectious chorus sparked the brighter, more buoyant orientation of AM Waves.

Like the moon pulling the tide, Young Gun Silver Fox are a magnet for good songs. "We're both so obsessed and constantly interested in music-making," says Andy. "We're both thinking about it all the time. When you know you have an accomplice with you that's the same as you, it's very liberating. Suddenly, worlds of color start to appear." Indeed, AM Waves is elemental in its power to induce pleasure. Dive right in.

Christian John Wikane

(New York City / February 2018)

Das selbstbetitelte Album von Ava Luna markiert eine fundierte und introspektive Entwicklung für das Quartett aus Brooklyn. Die Band, die nun aus Carlos Hernandez, Julian Fader, Ethan Bassford und Felicia Douglass besteht, kehrt nach einer längeren Pause mit einem reduzierten Sound zurück, der sich auf Schlagzeug, Bass und zwei Gesangsstimmen konzentriert. Dieser Back-to-Basics-Ansatz, eine Abkehr vom ,kosmischen" Gefühl ihres Vorgängeralbums ,Moon 2", hat seine Wurzeln in gemeinsamen Erfahrungen in NYC und den Rhythmen des Alltags. Themen wie Erschöpfung, Gemeinschaft und fragile Freude tauchen in Songs wie ,Lasting Impression" über die Arbeitsmüdigkeit und ,Math Money Job", einem spielerischen Gesang über Wiedersehen und Verkörperung, auf. Julians Schlagzeug und Ethans Bass Themen wie Erschöpfung, Gemeinschaft und prekäre Freude tauchen in Tracks wie ,Lasting Impression" über Arbeitsmüdigkeit und ,Math Money Job", einem verspielten Gesang über Wiedersehen und Verkörperung, auf. Julians Schlagzeug und Ethans Bass treiben das Album an, das teilweise vom rohen Sampling-Stil von Soul Coughing inspiriert ist, der in Tracks wie ,Frame of Us" zu hören ist. Gesanglich bewegen sich Carlos und Felicia wie eine Einheit - sie verschmelzen, harmonieren und fragmentieren mit Absicht, besonders in ,Archive". Obwohl im Kern minimalistisch, ist der Sound des Albums üppig und strukturiert, angereichert durch Congas von Reggae-Legende Larry McDonald, Klavier, Samples und Gitarren-Noise. Songs wie ,Social Diving" und ,My Walk" spiegeln persönliche und urbane Geschichten wider, während ,Your Man" und ,Fancy" von Widerstandsfähigkeit und Würde erzählen. Das Ergebnis ist Ava Luna in ihrer ehrlichsten und raffiniertesten Form - ein Porträt von NYC und einer Band, die sich noch immer weiterentwickelt und nichts von ihrer Dringlichkeit eingebüßt hat.

Manchester based trio, Sonnenspot have unashamedly taken their favourite records from the Kosmische Musik landscape and fused these to inform their own spontaneous sonic constructions. Motorik drums, pulsating flutes, wah guitar and almost excessive use of space echo make this a dense and dreamy listen, with a hint of the rainy pensiveness of their home town.

Notable inspiration from Neu!, Manuel Gottsching, Sonic Youth and Yo La Tengo is all clearly audible in the various recordings on this album and minimal effort was made to shy away from this. The longest track 'Motorway' is an epic homage to the space rock art form and 'Madrugada' takes both John Martyn's 'Small Hours' and Gottsching's 'Inventions' as a starting point. Others include the tobacco lovers art-rock-ear-worm ('Liquorice Paper'), a dub laden celestial synth jam ('Slow Blinker') and the album opens with the first thing the band ever recorded, as a meaningless improvisation to tune their synths up to ('Figurescene'). Turned out it had a killer bass line and drum part.

Initial sessions were mostly just an excuse for the three long standing friends to get together musically for the first time, and after knowing each other for many full moons, it was long overdue.

They all bring some peripheral musical heritage to the table. Ian Smith was the guitarist in Alfie and the The Beep Seals and played on Badly Drawn Boy's 'The Hour of Bewilderbeast'. Pete Philipson played in Jane Weaver's band for ten years and has made his own ambient guitar albums. Dan Hope plays in the jazz folk band Mother Sky and promotes events around the city under the Rainy Heart banner.
They were joined by another long term musical friend Sam Kynaston who added heavenly flute to much of the album.

Gone to Earth ist das dritte Soloalbum von David Sylvian, ursprünglich erschienen am 1. September 1986. Das Doppelalbum folgte auf Brilliant Trees und erreichte Platz 24 der UK Album Charts.

Die zwei LPs bieten einen besonderen Kontrast: Eine Seite mit experimentellen Rock-Songs und Gesang, die andere rein instrumental und ambient. Gastmusiker sind u. a. Robert Fripp (Co-Autor von drei Songs) und Bill Nelson (Co-Autor von einem Song).

Diese Neuauflage erscheint als Corona White, Brown Opaque Black Vinyl und basiert auf dem neuesten Remaster.

Auf 500 Stück limitierte 2025er Nachpressung vom 2024er La Luz Album auf gelbgrünem Vinyl. LA LUZ aus Kalifornien wird von Fans und der Presse gleichermaßen seit ihrem Gründungsjahr 2012 geliebt, da sie den Spagat zwischen Chaos und Bittersüße schaffen. Jede neue Platte ist ein weiterer Feinschliff an der Mischung aus schwülstigen Riffs und engelsgleichem Gesang, der an Pop und Folk angelehnt ist; eine Band, die so verlässlich großartig ist, dass sie den gewaltigen Schritt nach vorne in Sachen Selbstvertrauen und schierer Musikalität, den "News of the Universe" macht, umso beeindruckender macht. Cleveland, die auch schreibt und malt, hat sich zu einer wahrhaft originellen Songwriterin mit einem eigenen Kanon geisterhafter Psychedelik entwickelt, die sich in den letzten Jahren von der sich wandelnden Landschaft rund um ihr ländliches Zuhause in Kalifornien hat inspirieren lassen, vor allem auf dem von der Kritik gefeierten Soloalbum Manzanita, einer magisch-realistischen Dokumentation ihrer Schwangerschaft und frühen Mutterschaft, die auf vielen Jahresendlisten stand. Selbst wenn Cleveland jahrelang Songs über Geister geschrieben hat, so ist das, was in den Schatten von "News of the Universe" lauert, nichts weniger als der Tod selbst: "There are moments on this album that sound to me like the last frantic confession before an asteroid destroys the earth." Klanglich ist die Platte voller Dringlichkeit. Die Songs stolpern über sich selbst, als würden sie versuchen, der Apokalypse zu entkommen: das atemlose Prasseln der Toms in "Strange World", das fingerfertige Eröffnungsriff des Titeltracks, getränkt in Verzerrungen. Eine Atmosphäre des Untergangs schwebt über dem Sgt. Pepper-esken Barock-Pop-Song "Poppies", in dem Cleveland von einer schwankenden orangefarbenen Idylle singt, die von der Spätsommersonne in Flammen aufgehen wird. In dem ähnlich kaleidoskopischen "Dandelions" hält sie die gelben Blumen für ahnungslose "kleine Sonnen", die sich im Laufe der Saison in "Monde" verwandeln werden. Die synthetischen Klänge, die auf dem letzten Album "La Luz" von 2021, verwendet wurden, um das träge Summen und Knistern eines Sommertages auf dem Lande zu imitieren, wurden im Weltraum verstreut. Düster, verletzlich, weiblich und unbestreitbar triumphierend ist "News of the Universe" eine weitere umwerfende Platte einer Band, die so verlässlich gut ist, dass die Leute vielleicht übersehen haben, wie bahnbrechend LA LUZ wirklich sind: farbige Frauen in der Indie-Musik, die ihren eigenen Weg gehen, indem sie ihrem eigenen künstlerischen Stern in Galaxien jenseits der aktuellen musikalischen Trends folgen - immer geleitet von einem aufrichtigen Glauben an die kosmische Kraft der Liebe und eines großartigen Riffs. Niemals trifft das mehr zu als auf "News of the Universe", dem vielleicht brutalsten Album von LA LUZ, das aber auch das glücklichste ist.

NYOS are a Finland-based instrumental band comprised of guitarist Tom Brooke and drummer Tuomas Kainulainen. Known for their immersive and often physically demanding live shows, NYOS create massive sonic worlds using Brooke's labyrinthine loops and atmospheric layering alongside Kainulainen's kinetic drumming, in music that is rhythmic, raw, and eclectic. Since their formation in 2014, NYOS have carved out a distinctive place within Europe's experimental and post-rock scenes, characterized by their relentless energy, polyrhythmic complexity, and hypnotic layering. While still rooted in their signature loop-based approach, new album `Growl' is "more ambitious with song soundscapes and compositions", says guitarist Tom Brooke, naturally embracing a denser, more textured sound with greater attention to atmosphere and tension. "`Growl' feels like the best we've managed to harness the dynamics, and maybe the one thing we did focus a bit on is finding new ways to create those dynamics and making sure they aren't too predictable - it's our longest record to date, and when producing it, we were very conscious to make sure it is an album that holds the listener" (Brooke) As eclectic and exciting as ever, NYOS are a band in continuous motion, unafraid to challenge themselves and their listeners with ever-expanding sonic vocabularies. `Growl' is an album that is both coherent and seamless in its movement, walking a tightrope between meticulous structure and explosive energy. FOR FANS OF Battles, And So I Watch You From Afar, Don Caballero, The Mars Volta, Lightning Bolt, Tortoise, Hella, Tiny Fingers, Death Grips, Zach Hill, Russian Circles, Explosions in the Sky, Tera Melos

NYOS are a Finland-based instrumental band comprised of guitarist Tom Brooke and drummer Tuomas Kainulainen. Known for their immersive and often physically demanding live shows, NYOS create massive sonic worlds using Brooke's labyrinthine loops and atmospheric layering alongside Kainulainen's kinetic drumming, in music that is rhythmic, raw, and eclectic. Since their formation in 2014, NYOS have carved out a distinctive place within Europe's experimental and post-rock scenes, characterized by their relentless energy, polyrhythmic complexity, and hypnotic layering. While still rooted in their signature loop-based approach, new album `Growl' is "more ambitious with song soundscapes and compositions", says guitarist Tom Brooke, naturally embracing a denser, more textured sound with greater attention to atmosphere and tension. "`Growl' feels like the best we've managed to harness the dynamics, and maybe the one thing we did focus a bit on is finding new ways to create those dynamics and making sure they aren't too predictable - it's our longest record to date, and when producing it, we were very conscious to make sure it is an album that holds the listener" (Brooke) As eclectic and exciting as ever, NYOS are a band in continuous motion, unafraid to challenge themselves and their listeners with ever-expanding sonic vocabularies. `Growl' is an album that is both coherent and seamless in its movement, walking a tightrope between meticulous structure and explosive energy. FOR FANS OF Battles, And So I Watch You From Afar, Don Caballero, The Mars Volta, Lightning Bolt, Tortoise, Hella, Tiny Fingers, Death Grips, Zach Hill, Russian Circles, Explosions in the Sky, Tera Melos

Jackie Mittoo’s ‘Reggae Magic’ is a new collection from the great Jackie Mittoo. The album features a mixture of classic tunes and rarities from the period 1967-74, when Mittoo was at the height of his musical powers. Mittoo’s solo career began after the end of The Skatalites in 1965. He began pushing new musical boundaries, creating a uniquely identifiable organ-led funky reggae sound that owed as much to Booker T and The MGs, Jimmy Smith, Stax and Motown as to the post-ska and emergent rocksteady island rhythms of Kingston, Jamaica. His solo work at the legendary Studio One spanned seven albums and hundreds of singles.

Aside from producer and founder Clement ‘Sir Coxsone’ Dodd, it’s hard to think of anyone more central to the sound and success of Studio One than Mittoo; keyboard player extraordinaire, songwriter, arranger, musician, truly the Keyboard King at Studio One. Jackie Mittoo had been the youngest founding member of The Skatalites (at age 16), probably the most important group in Jamaican music. After they split, he became leader of the three pivotal groups at Studio One – The Soul Brothers, The Soul Vendors and Sound Dimension. He also became musical director for Studio One, helping create countless hits for singers Ken Boothe, Bob Andy, The Wailers, John Holt, Delroy Wilson and more – unforgettable tunes like Alton Ellis’ ‘I’m Still in Love with You’, Marcia Griffiths’ ‘Feel Like Jumping’, The Heptones’ ‘Baby Why’ and others. Between 1965 and 1968, many of the tunes created at Studio One can be attributed to Mittoo – timeless instrumental tracks, recorded either under his own name or those of The Soul Brothers, Soul Vendors and Sound Dimension, that have become the basis for literally 1000s and 1000s of Jamaican songs over many decades, giving the music an unsurpassed longevity.

The endurance of his music was as a direct result of significant developments in Jamaican music in the 1970s, namely the creation of three important new styles: Dub, Deejay and Dancehall. In the early 1970s Mittoo’s instrumental tracks were used as the musical source for a series of classic Studio One dub albums. At the same time Deejays at Studio One, including Dillinger, Prince Jazzbo and Dennis Alcapone, began toasting over these same popular rhythms to create their own new songs. In the mid-70s, a new generation of Studio One singers and deejays, including Sugar Minott, Freddie McGregor, Johnny Osbourne, Michigan & Smiley and others, began once again creating new melodies over these original instrumentals, signalling the birth of a new Jamaican style that became known as ‘dancehall’.

As dancehall swept across the island, rival producers copied these now classic rhythms. These original Jackie Mittoo-driven tunes spread like a virus throughout Jamaican music; be they the instrumental cuts to tunes such as Alton Ellis’ ‘Mad Mad’ , ‘I’m Just A Guy’, Larry Marshall’s ‘Mean Girl’, Slim Smith’s ‘Rougher Yet’, and instrumentals such as Mittoo’s classic ‘Hot Milk’ or ‘One Step Beyond’, The Sound Dimension’s ‘Real Rock’, ‘Heavy Rock’, ‘Full Up’, ‘Drum Song’, ‘Rockfort Rock’ … and the list goes on. These tracks became a constant soundtrack to the island, emitting from the ever-present sound of speaker boxes strung up around dancehalls. This recycling travelled even farther afield; The Sound Dimension’s instrumental ‘Real Rock’, updated by Willie Williams on his classic ‘Armageddon Time’ was in turn covered by The Clash. Lily Allen sampled Mittoo’s debut solo single ‘Free Soul’ for number one hit ‘Smile’; Dawn Penn’s ‘You Don’t Love Me (No, No, No)’, accompanied by The Soul Vendors, was revived by Penn and producers Steely & Cleevie in 1994, since covered by Rihanna, Ghostface Killah, Stephen Marley, Damian Marley and Beyonce. And so it goes; an endless time-leaping, continent-hopping diasporic musical map of the world with all roads essentially leading back to one man – Jackie Mittoo.

Die wilden Söhne Manchesters, Wode, kehren mit ihrem vierten Album „Uncrossing The Keys“ zurück und erweitern damit selbstbewusst ihren ohnehin schon beeindruckenden Sound, der auf einer düsteren Grundlage aus wildem Black Metal und eisernem Heavy Metal basiert. Nachdem sie sich von der eher geradlinigen Methodik ihres Debütalbums weiterentwickelt haben, haben Wode im Laufe ihrer Diskografie kontinuierlich Elemente aus verschiedenen dunklen Ecken des Undergrounds hinzugefügt, wobei ihr Songwriting schlanker, aber auch komplexer, fokussierter und melodischer denn je geworden ist.
„Uncrossing The Keys“ hat die Musik von Wode nicht milder gemacht, der Sound ist nach wie vor von Flammen und Wut durchdrungen, aber sie haben ein breiteres Spektrum an Stimmungen angenommen und malen mit schwärzeren, satteren Farbtönen als je zuvor. Zerklüftete Post-Punk-/Goth-Einflüsse leuchten düster in neuen Tracks wie „Saturn Shadow“ und dem verträumten Trance des atmosphärischen Instrumentalstücks „Phantom“. Das düstere Tempo und die majestätisch-nachdenkliche Stimmung der Single „Transmutation“ erinnern mit ihrer düsteren Unterströmung sowohl an Paradise Lost als auch an Amorphis, während das melancholisch-hymnische „Under Lanternlight“ mit dynamischen Melodien im Stil von Sentenced durchdrungen ist. Die Gitarren tragen manchmal einen traurigen Schimmer, ihre Hooks sind sowohl von Melancholie als auch von Bedrohung durchzogen und schweben mit Momenten elegischer Schönheit und dunkler Klage über dem Gemetzel. Der höllische, raue Gesang erhebt sich wie rituelle Gesänge aus einer anderen Zeit.
Wode beschwört Bilder einer Welt herauf, die sich ständig am Rande der Dämmerung befindet, und wirft im Verlauf der neun Tracks von „Uncrossing The Keys“ einen langen, kalten Schatten. Es herrscht ein Gefühl von Erhabenheit und Verfall, als hätte die Band ein Tor zu einem Reich geöffnet, in dem verfluchte Städte unter blutroten Himmeln schwelen und ihre Mauern ewig verlassene Hymnen widerhallen lassen. Als Ergebnis eines ständigen Evolutionsprozesses hat Wode einen wahrhaft gespenstischen und imposanten Blackened Heavy Metal geschaffen, der ein dunkles Banner hoch über einem riesigen und öden Königreich hisst.

Introducing Kattguld, the definitive collection of Les Big Byrd's essential singles and EPs from their PNKSLM years. Volume 1 chronicles the band's prolific output between 2014 and 2018, capturing their signature blend of swirling psychedelia and melodic invention. This long-awaited compilation brings together fan favorites and rare cuts, including the highly sought-after "Back To Bagarmossen" and "Two Man Gang" - two tracks that have become staples in the band's catalog and frequent requests for repressing. A must-have for both longtime fans and new listeners, Kattguld offers a deep dive into one of Sweden's most captivating modern psych acts. RIYL: Brian Jonestown Massacre, Dungen, Spacemen 3, Beak>, Moon Duo

Transparent Vinyl. Introducing Kattguld, the definitive collection of Les Big Byrd's essential singles and EPs from their PNKSLM years. Volume 1 chronicles the band's prolific output between 2014 and 2018, capturing their signature blend of swirling psychedelia and melodic invention. This long-awaited compilation brings together fan favorites and rare cuts, including the highly sought-after "Back To Bagarmossen" and "Two Man Gang" - two tracks that have become staples in the band's catalog and frequent requests for repressing. A must-have for both longtime fans and new listeners, Kattguld offers a deep dive into one of Sweden's most captivating modern psych acts. RIYL: Brian Jonestown Massacre, Dungen, Spacemen 3, Beak>, Moon Duo

2026 Repress


Psychedelic Krautwave wrapped in analog warmth, raw guitar bursts, and machine-driven pulse, carried by a mesmerizing voice. Songs that stretch time, reject convenience, and crave the real. A romantic revolt against the daily noises that numb and distract – slow, honest, and widely aware. For those who still long to long and refuse to get comfortable. Changing Rules is the third studio album by Berlin-based duo AFAR – a sonic manifesto of presence, eruption, and resistance.

Gabriel Birnbaum, der Hauptsongwriter der Brooklyn-Band Wilder Maker, sagt, dass das neueste Album der Gruppe, The Streets Like Beds Still Warm, ,einer allgemeinen formalen Asymmetrie folgt, wie einer Traumlogik". Es ist reichhaltig strukturiert, stimmungsvoll und tiefgründig und ebenso narrativ wie experimentell. Es als Konzeptalbum zu bezeichnen, so groß dieser Begriff auch ist, würde ihm eigentlich nicht gerecht werden. Tatsächlich ist es nur der erste Teil einer Konzepttrilogie, die die Geschichte einer langen Nacht in der Stadt erzählt, von der Dämmerung bis zum Morgengrauen. Das Album folgt einem einsamen Erzähler, der durch die Straßen treibt und Bars und Krankenhauszimmer betritt und wieder verlässt. Wenn das ein bisschen noir klingt, dann liegt das daran, dass es das auch ist. ,Film noir Detektive sehen am Anfang immer makellos aus, aber am Ende des Films haben sie einen zerrissenen Kragen, ein blaues Auge, ihre Hosen sind fleckig und sie fangen an, aus Verzweiflung Leute zu schlagen", sagt Birnbaum. ,Sind sie noch die Guten? Ich finde das faszinierend und ich liebe die visuellen Hinweise, die die innere Landschaft widerspiegeln." Zwar gibt es auf The Streets Like Beds Still Warm keine visuellen Hinweise im eigentlichen Sinne, doch das Album verdankt sein großartiges Debüt der Kinematografie. Impressionistische Wirbel aus verzerrter Gitarre, Schlagzeug und Saxophon untermalen Birnbaums heiseres, weltmüdes Bariton-Crooning, das manchmal an Bill Fay erinnert. Aber manchmal, in all den düsteren Bar-Geschichten, denkt man auch an Tom Waits. Es ist ein Vergleich, der sowohl irreführend als auch verkürzend sein kann, aber es ist schwer, diese Assoziationen beim Hören von The Streets Like Beds Still Warm nicht zu sehen - vielleicht eine langsam schwingende Tiffany-Lampe direkt über dem Kopf des Erzählers, der etwas mehr als halbtrunken ist und eine brillant poetische, antiheroische Geschichte auf eine Serviette in einer Bar kritzelt. Seien Sie jedoch versichert, dass dies nicht ,The Heart of Saturday Night" und auch nicht ,In the Wee Small Hours" ist. Tatsächlich stammen die musikalischen Vorläufer von ,The Streets Like Beds Still Warm" aus ganz anderen Ecken des musikalischen Universums. Die Band lässt sich direkt von den Werken der zeitgenössischen Alt-Jazz-Musiker Anna Butterss und Jeff Parker sowie vom Ambient-Pionier Brian Eno ,The Streets Like Beds Still Warm" ist insgesamt ein Statement für nächtliches und hypnotisches Storytelling - sowohl in Bezug auf Stil als auch Inhalt. Birnbaums Engagement für die Erzählung, die letztendlich von Menschlichkeit handelt, spiegelt sich in der traumhaften Art und Weise wider, wie sich die Melodien entfalten. Es könnte gar nicht anders funktionieren. Tief empfunden und fokussiert, unbestreitbar hörenswert, aber schwer zu fassen - ,The Streets Like Beds Still Warm ist wunderschön seltsam - und es fühlt sich genau wie etwas an, das in zehn Jahren die Anerkennung erhalten wird, die es verdient.

Hinter dem gefeierten Indie-Folk-Künstler FRUIT BATS verbirgt sich der GRAMMY-nominierte Singer/Songwriter Eric D. Johnson aus Nashville, Tennessee. Mit "Baby Man" hat Johnson ein Album geschaffen, das sich von allen anderen FRUIT BATS-Alben abhebt. "Baby Man" setzt sich aus zehn fesselnden Solodarbietungen mit minimalistischer Instrumentierung (Gitarre, Klavier und gelegentlich Synthesizer) und maximaler Ausführung zusammen und Johnsons Raumnutzung auf dem gesamten Album ist oft ebenso bezaubernd wie die Musik und seine stets bemerkenswerte Stimme. Für die Produktion von "Baby Man" hatte sich Johnson wieder mit Thom Monahan zusammengetan. Das Ergebnis dieser Zusammenarbeit ist das intimste Werk, das FRUIT BATS bisher aufgenommen hat. "Baby Man" überrascht mit einigen der rauesten Stücke, die bisher unter dem Pseudonym FRUIT BATS entstanden sind. Monahan hat die Vocals im Mix nach vorne geschoben, was sowohl die Souveränität als auch die Verletzlichkeit jeder Darbietung hervorhebt. Zwischen der Substanz und dem Klang ist das Hören von "Baby Man" eine kraftvolle und gefühlvolle Erfahrung. Das spürt man gleich beim Album-Opener "Let You People Down" und auch beim nachdenklichen Titeltrack. Johnson ehrt den kürzlichen Verlust eines besonderen Freundes in dem wunderschönen "Creature From The Wild", einer zu Herzen gehenden Hommage, mit der sich leidenschaftliche Hundeliebhaber sofort identifizieren werden. Das philosophische "Building A Cathedral" stellt die Frage, was einem im Leben wirklich wichtig ist und was nicht, während der letzte Song "Year Of The Crow" mit einer stimmungsvollen, bluesigen Klaviereinleitung daherkommt und das Album schmerzhaft und gefühlvoll abschließt. Der Song ist ein passendes Finale eines bemerkenswerten Albums eines geliebten und verehrten Künstlers, der weiterhin Musik konzipiert, Emotionen vermittelt und Verbindungen auf sinnvolle Weise herstellt. "Baby Man" ist der Nachfolger des von der Kritik hochgelobten Albums "A River Running to Your Heart" aus dem Jahr 2023. Johnson ist auch Mitglied des GRAMMY-nominierten Indie-Trios Bonny Light Horseman.

2025 Repress

In 2022, Daniele “Shield” Contrini of Rebirth Records proposed Paraíso to the great man himself, a compilation honouring Alfredo’s legacy. After Alfredo’s passing in December 2024, the project was final; with artists rallying to honour his vision and memory.

Before becoming a global clubbing hotspot, Ibiza embodied freedom—a place where sunrises blurred into sunsets and music became a way of life. In the 1950s and '60s, the island drew artists, hippies, and outsiders seeking escape and creative liberty.

In 1976, Alfredo Fiorito, fleeing political repression in Argentina, arrived in Ibiza and stayed. A former music journalist, he soon began DJing at Amnesia, a farmhouse-turned-club where time bent and boundaries dissolved. With eclectic, genre-defying sets, Alfredo blended reggae, flamenco, soul, rock, and early house, crafting a hypnotic energy that captivated a generation.

British DJs like Trevor Fung, Paul Oakenfold and Danny Rampling brought this “Balearic Beat” back home. But Balearic wasn’t a style it was a mindset. As DJ Leo Mas said, it was “a state of mind,” where rhythm, spirit, and psychedelia merged.

Other clubs like KU, Es Paradis, Pacha, and Lola’s amplified the movement. Visual artists such as Yves Uro gave it a striking identity, and DJs like César de Melero, DJ Pippi, and Jon Sa Trinxa carried the sound into a new era. José Padilla’s sunset sessions at Café del Mar birthed chill-out music as breath, not just beat.

But the 1990s brought change. Laws requiring roofs on clubs altered the open-air magic. Commercialisation followed; freedom became luxury, and many pioneers left.

Still, the Balearic spirit lives—raw and untamed. It pulses in hidden parties, intimate venues like Pikes and Hostal La Torre, and sacred places like Benirrás and Las Dalias.

Featuring 16 tracks of classic and true Balearic sound; alongside House & proto-House tracks that Mr Fiorito spun, the album also includes an unreleased Alfredo track and stands as a tribute to the man, the music, and the enduring spirit of true Ibiza.

Tender / Wading zeigt Matthew Sage, alias M. Sage, in den Ausläufern und Weiden Colorados, wo er schreibt, aufnimmt und zu einem Stück seiner Heimat und Identität zurückkehrt, wobei ein Akt der Fürsorge den nächsten nach sich zieht. Das Album, das hauptsächlich auf Klavier und Klarinette aufgebaut ist und dann mit Gitarre, modularem Synthesizer, Percussion und Feldaufnahmen aus der Umgebung seines Zuhauses verziert wurde, ist eine weitreichende, ruhige Vision von Vitalität, radikaler Sanftheit und dem beruhigenden Gefühl, nach Hause zu kommen, auch wenn sich das Zuhause verändert hat. Seit den frühen 2010er Jahren hat Sage ein eigenwilliges Musikrepertoire zusammengestellt, das sich in verschiedene Klangrichtungen erstreckt, sich in Veröffentlichungen auf Geographic North, Orange Milk und Moon Glyph manifestiert und sowohl kritische Aufmerksamkeit als auch eine treue Zuhörerschaft für jede neue Wendung erlangt hat. 2023 debütierte Sage bei RVNG Intl. mit Paradise Crick, das zeitgleich mit seiner laufenden Arbeit im improvisierten Ambient-Jazz-Quartett Fuubutsushi erschien. Nun präsentiert er sein nächstes Soloalbum und seine neue Richtung. Tender / Wading folgt auf Sages Rückkehr nach Colorado nach fast einem Jahrzehnt in Chicago, wo er nun mit seiner jungen Familie dreißig Meilen außerhalb seiner Heimatstadt ein paar Hektar verwildertes Land bewirtschaftet. In einem ganzheitlichen Kontrast zu Cricks synthetischer Klangwelt schafft Sage Kunst aus dem Akt des Pflegens neuen Wachstums, hinterfragt Konstrukte des häuslichen Lebens und versteht die Spuren seines früheren Selbst durch die schmutzverschmierte, schweißvernebelte Linse der Gegenwart. Das Ergebnis ist sein bisher autobiografischstes Material, geprägt von Zeit und Veränderungen in der Wahrnehmung sowie bedeutungsvollen Details aus Sages psychischer Suche. Sage vergleicht das Gefühl, verschiedene Versionen von sich selbst zu sehen, mit der berühmten Hase-Ente-Theorie des Philosophen Ludwig Wittgenstein. ,Es ist dieselbe Zeichnung, aber je nachdem, wer man ist, wo man ist und wann man ist, sehen manche Menschen einen Hasen und manche eine Ente oder beides", erklärt Sage. Hier sind das Subjekt und der Betrachter, zurück in vertrauten Landschaften, als Partner und Elternteil, der Gestrüpp zurückschneidet, gedemütigt von invasiven Pflanzen, Schädlingsbefall und verdichtetem Lehmboden, seine Prioritäten haben sich grundlegend geändert. Und doch ist auch dieses andere Ich da: ein gewiefter Akademiker, der oft in Memes denkt und das Ziehen seines Handys in der Hosentasche spürt. ,In diesem Album geht es darum, diese Wahrnehmungsverschiebungen zu ergründen und ihnen Raum zu geben, beides zu tun: hüpfen und quaken." Es ist ein inneres Kind, das Sages intermediale Praxis in seinem Atelier leitet, einer Scheune, die nach dem großen Umzug im Jahr 2022 im Rahmen einer hausweiten DIY-Renovierung umgebaut wurde. Im Inneren werden Gedichte zu Zeichnungen, zu Skulpturen im Hinterhof und darüber hinaus, und alberne Ausflüge in den Vogelgesang oder die Freude an der Herausforderung, Klarinette zu lernen, weichen ernsthafter Musik. ,Ich glaube, ich habe entdeckt, dass es diese Linien gibt, die alles miteinander verbinden", sagt er. ,Und dieses Album ist voller hartnäckigem Optimismus und Hoffnung, aber auch der Bewusstheit, dass wir uns in einer späten Phase befinden, und dem Versuch, mit der Rhetorik dieser Phase umzugehen." Für Tender / Wading setzt Sage einen unverwechselbaren Sound ein: eine pastorale Art von Folk Kosmiche, kontemplativer elektroakustischer Barn Jazz für die Front Range, voller blasser Puddle Blues und rostigen Oil Drum Reds. Die meisten Songs entstanden auf einem 1910er Hamilton-Klavier, das kurioserweise in Chicago gebaut, von den Vorbesitzern zurückgelassen und von Mäusen bewohnt worden war. Die zufällige Begegnung mit dem Instrument fühlte sich kosmisch an, nicht nur wegen seiner Verbindung zur Windy City, sondern auch wegen Sages sich weiterentwickelnder Herangehensweise an das Songwriting nach Fuubutsushi. Er fühlt sich hinter den Tasten wohler und kehrt zurück zum Schlagzeug (seiner Jugendliebe). In einem passenden Raum für Holzblasinstrumente umarmt er das Elementare und Absichtliche und verleiht der Musik von Anfang an mehr strukturelles Gewicht und Wärme. Tender's M. Sage verbindet die Studioexperimente und Improvisationen seiner Vergangenheit mit einem geschärften Ohr für melodische Phrasierungen und Akkordwechsel und hat seine übliche Fülle an Demos auf neun finale Stücke reduziert. Seine charakteristischen Weltbilder bleiben erhalten, von Holzhauskröten, die in statischer Elektrizität schwimmen, über raschelndes Gras und Regen, der in die Dachrinnen plätschert, bis hin zu walzenden Sternbildern im Mondlicht. Während Cricks Universum aus magischem Realismus und digitaler Fantasie entstanden ist, greift Tender / Wading direkter auf menschliche Erfahrungen zurück. Er weist schnell Vorwürfe zurück, es handele sich um ein hochkonzeptionelles Album: ,Ich mache einfach die Musik, die ich selbst gerne in meinen Kopfhörern hören würde, während ich Unkraut jäte oder so." Es könnte beides sein, wie der Hase und die Ente behaupten würden: zutiefst persönlich und abstrakt, eine faszinierende und natürliche Wendung eines experimentellen Künstlers des 21. Jahrhunderts, dessen Vermächtnis sich in Echtzeit weiterentwickelt und wächst.

World Of Echo announces the reissue of two remastered albums by Japanese guitarist and songwriter Naoki Zushi, 1988’s Paradise, and 2005’s III. Two classics of Japanese psychedelia, both Paradise and III were originally released on Org Records, the imprint of Shinji Shibayama of acid-folk group Nagisa Ni Te, with whom Zushi has guested on second guitar for decades. Both intimate and expansive, rich with revelatory songwriting and blasted, sky-scouring guitar, these reissues return these albums to print for the first time since the 2000s. It’s the first time III has been officially released on vinyl, with an extra, previously unreleased track, “Under The June Moonlight.”

Recorded in Kyoto’s Townhouse Studios in mid 1987 and released in limited-to-500 vinyl pressing in 1988, Paradise emerged from a scene in Kansai, Japan that was embracing the idiosyncracies of 1970s singer-songwriters, the soaring solos of early seventies psychedelia, and the DIY impulse of 1980s post-punk. While Zushi’s musical history stretched back to the early eighties – he was a founding member of Jojo Hiroshige’s noise outfit Hijokaidan – he found his feet with groups like Hallelujahs, whose dream-pop collection Niku O Kuraite Chikai Wo Tateyo was recently reissued by Black Editions, and Idiot O’Clock.

Paradise appeared two years after that Hallelujahs album and share much the same membership – Zushi’s backing band on several of the songs includes Shibayama on drums and Ken-Ichi Takayama (aka Idiot) on electric guitar, though just as often, Zushi plays all the instruments himself. The coordinates here are wide-reaching – you can hear the volume and intensity of Neil Young & Crazy Horse (on “Hallelujah: Left Side” and “Paradise: Midday”), the slow-motion magic of Galaxie 500, the idiosyncratic spirit of The Only Ones, all mixed up with tender guitar miniatures and stumbling garage-psych-pop moves.

Seven years later, after the transitional album Phenomenal Luciferin, Zushi released III. Perhaps his masterpiece, it’s already been bootlegged on vinyl, but this reissue is the real deal. The album was recorded at Studio Nemu over seven years, and sees Zushi backed by Shibayama (bass) and Masako Takeda (drums), his erstwhile bandmates in Nagisa Ni Te. By this stage, Zushi had started to really stretch out, and many of the songs on III swoon languorously, taking their sweet time to say what they need to say. It’s rich with lovely, melancholy songs, in a similar realm to bandmates Nagisa Ni Te, of course, but you can also hear traces of everything from Syd Barrett’s The Madcap Laughs, through seventies private press loner folk, to the slow-burn meanderings of the likes of early Low or Damon & Naomi.

When interviewed by Shibayama in the mid-nineties, Zushi said of Paradise, “it was a sort of collection of songs that had meant something to me up to that point… it was my paradise. I wanted to create paradise.” That’s something Zushi achieves on both of these albums – visionary Japanese psychedelia, en route to paradise. - Jon Dale







g Under The June Moonlight vinyl only bonus track

Includes insert Featuring covers of iconic cinematic scores Performed with the London Symphony Orchestra Limited edition of 1000 numbered copies on purple coloured vinyl 2CELLOS explore the magic of cinema and television in their new album Score, r eimagining the most beloved film and TV melodies with their distinctive sound.

2CELLOS have forged a signature style that breaks down the boundaries between genres of music, from classical and film music to pop and rock. Score is available as a limited edition of 1000 numbered copies on purple coloured vinyl and includes an insert.

Editions Mego presents Bosko, landing exactly 30 years after the initial General Magic flights into the fantastic; the legendary first Mego release, a collaboration with Pita whereby all sounds were harnessed from the buzzing, drinking, humming sounds of fridges MEGO 001 General Magic & Pita and a 12” with Elin called Die Mondlandung (The Moon Landing) MEGO 002 which embarked on a minimal techno template so austere and strange it was one of the historic progenitors of austere and wonky rhythms alongside Sakho and other European explorers.

The initial return of the playful and mystical Austrian outfit General Magic came with the 20th year anniversary vinyl reissue of their classic debut Frantz eMEGO 010. A record so audacious and playful it still baffles as much as it entertains. At some point whilst working on this reissue GM’s Ramon Bauer and Andi Pieper were spurred on to rummage around with ideas and tools once more and after more than two decades of inactivity sonic sorcery was conjured once again. Live shows in honour of Peter Rehberg were performed in Vienna and London. Softbop, a limited risograph collaboration with Tina Frank came with the first new recordings as a digital download came out discreetly online. The first full length album following Rechenkönig in 2000 MEGO 032 “Nein Aber Ja” released in 2023 on Finlay Shakespeare’s GOTO Records on CD and cassette. An ongoing series of mix tapes online further highlights their interests encapsulating a new found angle on electronic mayhem. All of these elements retain the wildly eclectic and ecstatic glow that only they can harness and hand out to an unprepared world.

Now, we have General Magic’s second official full length comeback recording, Bosko. The new album is initially notable prior to the needle hitting the wax or the cursor identifying a track due to the artwork. Made by long term collaborator Tina Frank, this is Frank’s first analogue artwork, with a painting of a happy/nervous machine thing hovering in a landscape of no discernible identity. It’s quasi science fiction hovering amongst the potential for fun. Suited to the music? Natürlich.

Bosko sees Bauer and Pieper update and reframe their original investigations with a fresh supply of head scratching, heart racing tunes that hit the inexplicable with a wild mesh of drums, pianos, synthetic voices and all manner of immaterial sonic play. Startling sonics shock the ears on Club Duchamp which sounds like a conversation between synthetic adult ants in an environment still in development. Elfer features vocals supplied by a female-ish voice who, whilst grappling melody, has trouble executing a firm identity. Noorenhalt catapults along a mainframe of syncopation so unwieldy it feels like the voice, which is utterly alien, provides the only comfort. Seite 5 inhabits a fuzzy zone where a synthetic Horn of Jericho type ambience competes with rhythms never quite sure of who they are. Rise of the Ombré raises the spectral dread. Is this Science Fact? Absolutely nothing within Bosko is predictable.

The amount of change in the miasma of existence and the things we touch in order to make things has shifted so exponentially we are at the point where minds are starting to glaze over. All of this makes the return of the always original, always surprising, always fresh and exciting General Magic totally in tune with the artificial intelligent apocalyptic age we currently inhabit. The tools may have changed but the wonderfully warped gaze of Bosko offers a fresh new vision of perplexing funk and robotic punk.

ll star cast from 4 different cosmic corners comes the more electronic side of Hamam. T hink of it as the dorian gray of Frankfurt airport , but instead it's at the hamam in istanbul. Fattish - no stranger to electronic versions of loved and cherished turkish songs, Fattish delivers a monster cinematic piece, strings section...the whole lot...check anything he puts his hands on, this one made it to the wax Kozmonotosman - our man on the moon, he visits regularly so if u need any rocks or bits ask him he will bring u, I got loads of rock so u can ask me alternatively.

My man delivers a super dope and groovy number from a not so well known jam from the 70's . Just get down and boogie on this. Kurt Adam - one of the new faves of the Hamam camp, delivers a taverna cut in a housey affair. Don't be fooled by the electronics, I drink raki to this any day at the drinkery. Hold me down if u can m gonna dance in euphoria, hear the wolfman roarrr.

Get ready for a musical journey like no other as Apollo Junction, the dynamic and innovative indie rock sensation, prepares to launch their eagerly awaited new album, ’What In The World’ on August 22nd. The members of Apollo Junction hail from Leeds, UK. Known for their electrifying live performances and genre-blurring sound, the band has captured the hearts of music enthusiasts worldwide.

With a strong and dedicated fan base, Apollo Junction continues to push the boundaries of their craft, creating music that resonates on a profound level. Apollo Junction’s new album ‘What in the World’ has been years in the making - born from highs, lows, countless gigs, and all the chaos in between. It’s the most honest version of the band yet, a record shaped by every late-night argument, every breakthrough, every crazy story they have ever told each other.

Recorded at Chairworks Studio with David Watts (The Reytons, OMD, Paul Heaton, and Kaiser Chiefs) the album also features tracks co-written with Eliot Kennedy (known for his work with Bryan Adams and the Spice Girls) and includes a track with a powerful guest vocal from Brianna Corrigan of The Beautiful South. Lead singer Jamie Williamson explains the importance of the album: “This album feels exactly right for where we are now. Every track is a snapshot—of getting lost, finding our way back, and remembering why we started. It’s about making something that feels like home. We went looking for meaning and realised it was right in front of us: the band, the songs, this record. ‘What in the World’ isn’t just a title—it’s the answer we’ve been chasing all along.” Leeds-based quintet Apollo Junction is made up of Jamie Williamson (singer) Matthew Wilson (guitarist), Ben Hope (bassist), Jonny Thornton (drummer) and Sam Potter (keyboards). Their shared love of live music and dedication to performing, coupled with an incredible hard-work ethic has taken them on this magical journey which has included support slots for Shed Seven, Kaiser Chiefs, Richard Ashcroft and performing at festivals including the prestigious Isle of Wight Festival. Coming up this summer, the lads will be playing with Blossoms, Manic Street Preachers and Doves

Soundtrack work suits Thomas Dolby, who here turns in a variety of musical settings for a
computer animation video that include everything from moody electronic instrumentals and dance tracks to a ‘30s pop pastiche complete with horn section. Five of the nine tracks have vocals, two of which are contributed by Dr. Fiorella Terenzi. Dolby himself sings, raps. The Gate to the Mind’s Eye demonstrates Dolby’s continuing inventiveness.

Not quite as quirky as the Wireless album, not as moody as Flat Earth, not as wacky as Aliens Ate My Buick, but it has Dolby written all over it.

The Gate To The Mind’s Eye is for the first time available on vinyl as a limited edition of 750 individually numbered copies on silver coloured vinyl and contains an insert.

MEMOTONE, aka Will Yates, has announced details of a new 12-track album, smallest things, set for release on World of Echo on 1 August 2025 on vinyl and digitally.

The album launches today with first track, ‘Time Is Away Theme’, a live favourite that is finally available on album. Watch the video HERE Talking about the release, Will has said, “Staring at a square inch of neglected concrete, I recognise the beauty of existence. Quietly hysterical. While humanitarian catastrophes bubble across the planet, the tides remain in constant and disinterested motion. Your money is worth less than the dusty moss that powders this pavement.

It's certainly not worth a life. We are the smallest things, along with everything else." Will Yates has made music as Memotone since 2007. He operates in the tradition of what Robert Fripp has called 'a small, independent, mobile, and intelligent unit.' If you book him, he will come. When he arrives, he will have everything he needs to make his complex, engaging music: a clarinet, a guitar, synths, samplers and pedals, quickly unpacked in the corner of a club, gallery or village hall. Starting small, he will build layer upon layer of melody, accompanying himself and cutting across himself, creating a music that avoids cliche and moves beyond easy description. His recordings have followed the same trajectory. Moving quickly, he has released fifteen or so albums across various labels (including Trilogy Tapes, Discrepant, Soda Gong). Taken together, these recordings are the sound of a skilled, inventive composer pushing at the edges of what he wants to listen to himself. It is possible to hear a variety ofinfluences in his music: folk and jazz forms, the textural inventiveness of British DI electronica and Chicago post-rock and the blurred sci-fi brass of Jon Hassell are all discernible. But mostly, Will's work seems to stem from a constant drift between long hours in his home studio, and time spent outside in the woods and hills around his home in Wales.

Listening to the album, lushness creeps in at the edges, tiny green shoots appear on what might at first appear to be bare soil. smallest things sheds the skin of Will's previous recordings, removing the electronics and the looping and layering of previous work, to create something almost entirely acoustic. But don't be fooled into imagining music that's folksy, pastoral or twee. Opening track 'I Could See the Smallest Things' is a statement of intent. Widely spaced guitar is underpinned by earthy cello and sleepwalking clarinet, making a gorgeous threadbare pattern, which recalls a Morton Feldman miniature or a Morandi still life.

Beyond the skill involved and the years of self-taught music making that have gone into putting this record together, it is Will's close, careful attention and his talent for existing, observing and creating in the moment that make his work special. Memotone will perform at World of Echo’s annual birthday celebration on 8 Nov Expected Music, when they take over Walthamstow Trades Hall for an inter-genre, day-long investigation into some of the more outré manifestations of the contemporary worldwide underground.

Zurich-born, New York-based DJ Tony y Not is best known for her free-spirited sets, seamlessly weaving together techy acid, progressive, dark disco, and heart-opening indie. She brings that signature energy to her Kompakt debut with striking precision. Have You Lost Your Mind channels a touch of Swan Lake-era Todd Terry – one of NYC house’s legendary figures – delivering a razor-sharp acid line, a rock-solid groove, and one of the most flawlessly executed breakdown/drop combos in recent memory. Deep Don’t Stop follows suit, skillfully reviving the essence of ’90s New York club culture in a way that would have set Junior Vasquez’s Sound Factory ablaze. True to her mission, Tony y Not continues to spread joy and uplift others, both on and off the dance floor.

TEE MANGO’s first release on Kompakt has been a long time coming. Ever since Michael Mayer heard his sunkissed remix of The Invisible’s ‘K Town Sunset’ back in 2017, he’s been obsessed with his music. The two tracks here, ‘Moonshots’ and ‘My Mind Is Making Up Monsters’, are prime examples of TEE’s ability to create heartfelt, uplifting modern house music. There’s a sense of bacchanal liberation, a potent transcendental element that opens the mind to joyful bliss.