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War "Funeral for Justice" der Klang der Entrüstung, so ist "Tears of Injustice" der Klang der Trauer. Mit dem neuen Album "Tears of Injustice", das am 28. Februar 2025 erscheint, hat Mdou Moctar sein Meisterwerk "Funeral for Justice" neu interpretiert. Dieses wurde vollständig neu aufgenommen und mit akustischen sowie traditionellen Instrumente arrangiert. Das Album ist die kontemplative Weiterentwicklung der Band - das ruhige Gegenstück zum intensiven Original. Im Juli 2023 war Mdou Moctar auf Tournee in den USA, als eine Militärjunta den nigrischen Präsidenten Mohamed Bazoum stürzte und ihn in der Präsidentenresidenz festsetzte. Aufgrund der geschlossenen Landesgrenzen konnten Mdou Moctar, Ahmoudou Madassane und Souleymane Ibrahim nicht zu ihren Familien zurückkehren. Obwohl bereits Pläne zur Aufnahme von Begleitmaterial zu Funeral for Justice - das zu diesem Zeitpunkt noch Monate vor der Veröffentlichung stand - existierten, gewann das Projekt plötzlich an Dringlichkeit und Tiefe. Nur zwei Tage nach Abschluss der Tour in New York City begann das Quartett im Bunker Studio in Brooklyn unter der Leitung von Toningenieur Seth Manchester mit den Aufnahmen zu Tears of Injustice. "Wir wollten unsere eigene Interpretation von 'Funeral" schaffen, die die Menschen auf eine andere Art erleben können", sagt Mikey Coltun, der in den USA lebende Bassist und Produzent der Band. "Bei unseren Konzerten experimentieren wir ständig mit den Arrangements. Nun wollten wir zeigen, dass wir diese kreative Vielfalt auch auf einem Album umsetzen können. Wenn wir ein reduziertes Set spielen, zeigt sich eine ganz neue Seite der Band - es wird zu etwas Eigenem." Sie entschieden sich, Tears gemeinsam in einem Raum aufzunehmen und die Session spontan und unstrukturiert zu gestalten. "Wir haben die Arrangements nicht im Voraus festgelegt", erinnert sich Coltun. "Wir haben einfach gespielt, das richtige Gefühl eingefangen und die Songs aufgenommen. Alles fügte sich schnell zusammen, und die Hauptaufnahmen waren in nur zwei Tagen abgeschlossen." Der hypnotische 8-Minuten-Track Imouhar besteht eigentlich aus zwei direkt hintereinander aufgenommenen Durchläufen - Moctar hörte kaum auf zu spielen, sodass die Takes nahtlos ineinander übergingen. Nach einem Monat konnte die Band schließlich nach Niger zurückkehren, und Coltun gab Madassane einen Zoom-Recorder mit. Damit nahm der Rhythmusgitarrist eine Gruppe von Tuaregs auf, die traditionelle Call-and-Response-Gesänge vortrugen, die später in den endgültigen Mix eingearbeitet wurden. Auf Funeral for Justice äußert sich die Wut über die schwierige Lage des Niger und des Tuareg-Volkes durch die Lautstärke und das Tempo der Musik. Auf Tears bewahren die Lieder dieses Gewicht, jedoch ohne elektrische Verstärkung. Sie sind von tiefer Traurigkeit durchdrungen und vermitteln das Leid eines Volkes, das in ständiger Armut, unter kolonialer Ausbeutung und politischen Umbrüchen lebt. Es ist Tuareg-Protestmusik in ihrer rohesten und essenziellsten Form. "Wenn Mdou die Texte schreibt, tut er das oft mit einer Akustikgitarre", erklärt Coltun. "Dadurch kommt man dem ursprünglichen Moment näher. Die Schwere bleibt, aber die Intensität ist auf eine eindringlichere Weise spürbar."

War "Funeral for Justice" der Klang der Entrüstung, so ist "Tears of Injustice" der Klang der Trauer. Mit dem neuen Album "Tears of Injustice", das am 28. Februar 2025 erscheint, hat Mdou Moctar sein Meisterwerk "Funeral for Justice" neu interpretiert. Dieses wurde vollständig neu aufgenommen und mit akustischen sowie traditionellen Instrumente arrangiert. Das Album ist die kontemplative Weiterentwicklung der Band - das ruhige Gegenstück zum intensiven Original. Im Juli 2023 war Mdou Moctar auf Tournee in den USA, als eine Militärjunta den nigrischen Präsidenten Mohamed Bazoum stürzte und ihn in der Präsidentenresidenz festsetzte. Aufgrund der geschlossenen Landesgrenzen konnten Mdou Moctar, Ahmoudou Madassane und Souleymane Ibrahim nicht zu ihren Familien zurückkehren. Obwohl bereits Pläne zur Aufnahme von Begleitmaterial zu Funeral for Justice - das zu diesem Zeitpunkt noch Monate vor der Veröffentlichung stand - existierten, gewann das Projekt plötzlich an Dringlichkeit und Tiefe. Nur zwei Tage nach Abschluss der Tour in New York City begann das Quartett im Bunker Studio in Brooklyn unter der Leitung von Toningenieur Seth Manchester mit den Aufnahmen zu Tears of Injustice. "Wir wollten unsere eigene Interpretation von 'Funeral" schaffen, die die Menschen auf eine andere Art erleben können", sagt Mikey Coltun, der in den USA lebende Bassist und Produzent der Band. "Bei unseren Konzerten experimentieren wir ständig mit den Arrangements. Nun wollten wir zeigen, dass wir diese kreative Vielfalt auch auf einem Album umsetzen können. Wenn wir ein reduziertes Set spielen, zeigt sich eine ganz neue Seite der Band - es wird zu etwas Eigenem." Sie entschieden sich, Tears gemeinsam in einem Raum aufzunehmen und die Session spontan und unstrukturiert zu gestalten. "Wir haben die Arrangements nicht im Voraus festgelegt", erinnert sich Coltun. "Wir haben einfach gespielt, das richtige Gefühl eingefangen und die Songs aufgenommen. Alles fügte sich schnell zusammen, und die Hauptaufnahmen waren in nur zwei Tagen abgeschlossen." Der hypnotische 8-Minuten-Track Imouhar besteht eigentlich aus zwei direkt hintereinander aufgenommenen Durchläufen - Moctar hörte kaum auf zu spielen, sodass die Takes nahtlos ineinander übergingen. Nach einem Monat konnte die Band schließlich nach Niger zurückkehren, und Coltun gab Madassane einen Zoom-Recorder mit. Damit nahm der Rhythmusgitarrist eine Gruppe von Tuaregs auf, die traditionelle Call-and-Response-Gesänge vortrugen, die später in den endgültigen Mix eingearbeitet wurden. Auf Funeral for Justice äußert sich die Wut über die schwierige Lage des Niger und des Tuareg-Volkes durch die Lautstärke und das Tempo der Musik. Auf Tears bewahren die Lieder dieses Gewicht, jedoch ohne elektrische Verstärkung. Sie sind von tiefer Traurigkeit durchdrungen und vermitteln das Leid eines Volkes, das in ständiger Armut, unter kolonialer Ausbeutung und politischen Umbrüchen lebt. Es ist Tuareg-Protestmusik in ihrer rohesten und essenziellsten Form. "Wenn Mdou die Texte schreibt, tut er das oft mit einer Akustikgitarre", erklärt Coltun. "Dadurch kommt man dem ursprünglichen Moment näher. Die Schwere bleibt, aber die Intensität ist auf eine eindringlichere Weise spürbar."

Das zweite gefühlvolle Dark Pop Album des legendären Schlagzeugers Dave Lombardo und der Singer-Songwriterin Paula Lombardo.

Die Beziehung von Dave und Paula Lombardo ist wie geschaffen für eine romantische Komödie. Man stelle sich vor: Der Mann, der die Messlatte für Heavy-Metal-Schlagzeuger höher gelegt hat, hat ein Rendezvous mit einer schönen Frau, deren musikalischer Hintergrund darin besteht, dass sie in Las Vegas als Backgroundsängerin für bekannte Bands gearbeitet hat und in Nashville als Singer/Songwriterin Fuß fassen wollte. Zum Glück für die Welt hat sich ihr musikalischer Bund in Venamoris manifestiert, deren Ipecac-Debüt To Cross Or To Burn (erscheint am 28. Februar) weit davon entfernt ist, vorgefasste Meinungen zu zerstören, während es fesselnde neue Möglichkeiten aufbaut.

Natürlich sind die Qualitäten des unermüdlichen Dave Lombardo als Weltklasse-Schlagzeuger bekannt. Aber während er die Blaupause entwarf, die das Thrash-Metal-Schlagzeugspiel definieren sollte, hat er seine Finesse auch auf Solo-Schlagzeug (Rites Of Percussion von 2023, ebenfalls auf Ipecac), Hip-Hop und klassische Musik angewandt, und er hat grenzüberschreitende Aufnahmen und Auftritte mit jedem gemacht, von John Zorns Ensembles bis zu den Punk-Ikonen Misfits und Mr. Bungle. To Cross... ist ein weiterer Meilenstein in seiner bewegten Karriere, in der er seine klanglichen Fähigkeiten um Gitarre, Bass und bemerkenswerte Produktionstechniken erweitert hat. „Das einzige, was mit den vielen Schlagzeugen, die wir zu Hause haben, mithalten kann, sind die vielen Gitarren, die Dave hat“, sagt Paula lachend. „Also spielt er auf diesem Album ziemlich viel Gitarre.“

Paula ist eine wahrhaft dynamische musikalische Kraft mit beeindruckenden stimmlichen Fähigkeiten, Geschick am Klavier und am Synthesizer und einem ausgeprägten Gespür für verführerische Texte, Melodien und Arrangements. Mit 18 war sie Backgroundsängerin in der Enklave des Entertainers Wayne Newton in Las Vegas, wo sie lernte, mit dem Druck umzugehen, wenn man mehrere Auftritte an einem Abend hat und jeden Tag Perfektion verlangt wird. Sie verließ Vegas und ging nach Nashville, um ihre Musikkarriere fortzusetzen, aber, wie sie selbst sagt, „es war einfach nicht das Richtige“.

Der Name Venamoris leitet sich vom lateinischen vena amoris („Liebesader“, die angeblich vom linken Ringfinger zum Herzen verläuft) ab. Die erste öffentliche Aufnahme von Venamoris war „The Gift“, ein Weihnachtslied, das die Lombardos auf Bandcamp veröffentlichten. Kurz darauf erschien ihr Debütalbum "Drown In Emotion", das sich durch Paulas Singer-Songwriter-Vibe auszeichnet, als wäre es 1975 zwischen den Deep Cuts von Carole Kings "Tapestry" und "Heart's Dog And Butterfly" aus dem FM-Radio gezupft worden.

Unter den Special Guests auf dem Album::
Kontrabass - Trevor Dunn von Mr. Bungle (Stay with Me)
Bass - Ra Diaz von Korn (Stain of Pain)
Gitarre - Alex Skolnick von Testament (Stain of Pain, Burnt Paper)
Gitarre - Gary Holt von Slayer (Animal Magnetism)

Neuauflage 2024, Purple Vinyl! Die Destroy Boys aus Sacramento kombinieren Garage-Punk, Pop, Hardcore und Indie-Rock zu einem rohen, zukunftsweisenden kalifornischen Punk-Sound auf ihrem 2021er Album! Die Band wurde 2015 als Akustik-Duo von Alexia Roditis (Gitarre/Gesang) und Violet Mayugba (Gitarre/Gesang) gegründet, die eine breite Palette von Einflüssen anführen, darunter Misfits, Siouxsie and the Banshees, Dog Party, The Who, Lady Gaga und Bikini Kill. Nach der Veröffentlichung ihrer Debüt-EP Mom Jeans wurden die beiden von Schlagzeuger Ethan Knight kontaktiert, der sich der Band anschloss, bevor 2016 die Grimester-EP und das Album Sorry, Mom veröffentlicht wurden. Die Band erhielt mehrere Nominierungen bei den Sacramento Area Music Awards 2017. Sie nutzten diesen Schwung für eien ganze Reihe an energiegeladenen Singles und Auftritten mit wechselnden Bandmitgliedern, immer voran Roditis und Mayugba. Schon bald teilten sich Destroy Boys die Bühnen mit Bands wie Mannequin Pussy, Face to Face und Lagwagon und tourten durch UK. 2018 wurde Hopeless Records auf ihren zweiten Longplayer Make Room aufmerksam und nahm die vielbeachtete Band in ihr Roster auf. Mit Open Mouth, Open Heart, das ursprünglich 2021 veröffentlicht wurde, lieferte die Gruppe eine Reihe aggressiver und selbstbewusster Songs, die sich den Themen emotionalem und physischem Missbrauchs, Mobbing und Sucht annehmen. Die Band besteht aktuell als Quartett mit Roditis und Mayugba sowie dem Schlagzeuger Narsai Malik und dem Bassisten David Orozco.

FOR FANS OF: EISBRECHER, MONO INC., NIGHTWISH, WITHIN TEMPTATION, BILLY IDOL, THE SISTERS OF MERCY, FALCO
Mit Ihrem neuen Album „SCHWARZ VOR AUGEN“ schlagen SCHÖNGEIST ein neues Kapitel deutschsprachiger „Dark Rock/Metal/Alternative-Musik“
auf, welche sich auch konsequenterweise nicht scheut, gesellschaftskritische Debatten modern zu thematisieren wie es sich für das Wesen des
Genres gehört. Wie z.B. beim Single-Track „FAKE NEWS“. Als Resultat dieses jetzt längeren Schaffensprozesses haben es nun 10 neue Stücke
geschafft, die einerseits die bewährten Stärken von SCHÖNGEIST aufzeigen und andererseits die künstlerische Weiterentwicklung und das Potential
der Band dokumentieren.
Für die Formation SCHÖNGEIST und dessen Bandbegründer und Sänger Timur Karakus spielt Ästhetik eine zentrale Figur im musikalischen Schaffen.
Sie ist Inspiration, Maßstab, Horizonterweiterung und zugleich auch die Fähigkeit, das jeweils Schöne darin zu entdecken. In den Songs spiegelt sich
genau das wieder. Diverse Spielarten fließen barrierefrei ineinander und werden dabei lediglich vom Anspruch an musikalische Ästhetik geleitet.
Der Entstehungsprozess begann schon vor vielen Jahren zusammen mit einem unserer besten Kumpels Alexander Wessselsky von der Band
Eisbrecher. Inspiriert von Stimmung und Zeitgeist begannen wir ungezwungen Ideen und Hooklines aus dem Bauch heraus zu komponieren und zu
texten, welche nicht aus Zwang sondern aus der puren Lust und Liebe zur Musik heraus entstanden sind. So vielfältig und modern – insbesondere
stimmlich - klangen SCHÖNGEIST noch nie.

China Crisis BBC Sessions have been compiled onto vinyl by Scottish label Last Night From Glasgow, released in early 2025. The release features the band's two John Peel sessions recorded with the BBC in March 1982 and January 1983, now remastered and available on vinyl and CD. The album includes the BBC session recording of hit single Wishful Thinking. The Complete Sessions follows on from recent album China Greatness released in May 2024, a collection of the band's best tracks now newly arranged and mixed. China Crisis remain one of the UK's most beloved pop bands. Formed in Merseyside in 1979, the core duo of Gary Daly and Eddie Lundon remains unchanged 45 years on. They rose to fame in the early 80s with chart success single Christian and single Wishful Thinking, album Difficult Shapes & Passive Rhythms reached No.21 in the UK album charts in 1982. China Crisis continue to tour extensively and boast over 325,000 monthly listeners on Spotify.

Mutant, in partnership with Studio Ponoc, are proud to present the soundtrack to their latest animated film The Imaginary, now streaming on Netflix worldwide.

From the studio that brought you Mary and The Witch’s Flower (2017) and Modest Heroes (2019) comes a new sweeping and epic animated feature film based on the novel by A.F. Harrold. Studio Ponoc’s The Imaginary tells the story of Rudger, the made-up and invisible friend of young Amanda, through his eyes as he traverses the magical liminal spaces that Imaginaries inhabit, the dangers they face, and their adventures.

The original score is full of genre swings and poignant beauty. Bouncing from imaginary Yeti attacks, to Venetian Banquets, and Submarine battles, all while deftly navigating joy, and grief and everything in between - Kenji Tamai & agehasprings take us all on a journey that helps us find our imaginations again.

The anthemic closing track of the film, "Nothing's Impossible", written and performed by A Great Big World featuring Rachel Platten. We are proud to present it for the first time in any physical form.

This limited edition release features original artwork by Tom Whalen (continuing his Studio Ponoc series from Mary and the Witch's Flower), and pressed on 2x 140 gram "Zin-Zan Eyes" color vinyl

PE03 comes with 4 fresh and spicy productions by The Sixth Sense. Including a pure and trippy remix by nihad tule.

"Every night we've been listening to RATTLE. They have a stark yet deep trance percussion vibe that is both holistic and rocking." Thurston Moore
“Quietly dramatic and loudly intimate.” The Quietus
“Two drum sets. Two voices. One great idea.” MOJO
Rattle are Katharine Eira Brown and Theresa Wrigley, they formed in 2011 after meeting on the live circuit whilst both playing in other bands. Katharine was a guitarist who had recently started playing drums in the band Kogumaza, whilst Theresa was the drummer in Nottingham band Fists. They’ve since released two long-players, 2016’s self-titled debut album Rattle (Upset The Rhythm / I Own You) and 2018’s Sequence (Upset The Rhythm) to much critical acclaim in the music press, and with James Acaster discussing the debut on his BBC Sounds podcast Perfect Sounds!
Rattle have honed the four songs that make up ‘Encircle’ by playing them live over the last few years, adapting and stretching them into endlessly inventive new shapes, playing with the concept of time and expectation. ‘Encircle’ was recorded at Foel Studios, Wales, produced and mixed by Mark Jasper, and mastered at Liminal Audio by Shaun Crook. The stunningly colourful artwork was created by Martha Glazzard, who was also responsible for Rattle’s other mesmeric covers.
‘All Burning’ opens the album, a live favourite of cyclical tumbling and evolving wordplay. ‘All Burning’ was built up gradually layer by layer with Theresa’s cumulative snare work and Katherine’s urgent calls for action: “hold your doctor, hold your daughter, hold your horses”. If ‘All Burning’ represents fire, then it’s accompanying 12-minute long track on Side 1, ‘Argot’, is informed by the air. ‘Argot’ is a song about uncertainty, with Katherine singing wordlessly across the majority of the track. “I prefer to sing wordlessly often because it feels a bit more expressive and universal” asserts Katherine. The track feels truly epic with a satisfying release that comes with the eventual introduction of the bass drum and snappy hi-hat section.

Side 2 also pairs a shorter song with a long-form composition. ‘Ritual’ is worked up from a simple snare drum pattern which becomes more and more overlapped into an elliptical form of waltz. Katherine considers ‘Ritual’ as “very earthy song - lots of low lying mist on the ground swirling around and the drums coming together to summon something”! ‘Ritual’ was inspired by a visit to the ruins of Boleskine House so multi-dimensional themes and occult practice loom large. ‘Your Move’ is a step-up gear change with the band wanting it to feel like the tape had suddenly started to spin faster, urging movement, venturing action. Clocking in at over 15 minutes, ‘Your Move’, is mesmeric and boundless, hypnotic in its minimalism of doubled-drums and almost tribal vocal cycles.
With ‘Encircle’ Rattle have grown again, these songs are alive with elemental power. They build-up and disintegrate, existing in two places at once, embracing the nuance, tracing the circle’s edge. These are modes of song as pure gesture and eternal imagination, refined in mirrors after midnight.
Rattle has performed at The Barbican, London and toured the UK with Animal Collective and Thurston Moore Group and Europe with The Julie Ruin and Protomartyr, and performed with Hot Snakes, Bill Orcutt Quartetand Codeine.

"Every night we've been listening to RATTLE. They have a stark yet deep trance percussion vibe that is both holistic and rocking." Thurston Moore
“Quietly dramatic and loudly intimate.” The Quietus
“Two drum sets. Two voices. One great idea.” MOJO
Rattle are Katharine Eira Brown and Theresa Wrigley, they formed in 2011 after meeting on the live circuit whilst both playing in other bands. Katharine was a guitarist who had recently started playing drums in the band Kogumaza, whilst Theresa was the drummer in Nottingham band Fists. They’ve since released two long-players, 2016’s self-titled debut album Rattle (Upset The Rhythm / I Own You) and 2018’s Sequence (Upset The Rhythm) to much critical acclaim in the music press, and with James Acaster discussing the debut on his BBC Sounds podcast Perfect Sounds!
Rattle have honed the four songs that make up ‘Encircle’ by playing them live over the last few years, adapting and stretching them into endlessly inventive new shapes, playing with the concept of time and expectation. ‘Encircle’ was recorded at Foel Studios, Wales, produced and mixed by Mark Jasper, and mastered at Liminal Audio by Shaun Crook. The stunningly colourful artwork was created by Martha Glazzard, who was also responsible for Rattle’s other mesmeric covers.
‘All Burning’ opens the album, a live favourite of cyclical tumbling and evolving wordplay. ‘All Burning’ was built up gradually layer by layer with Theresa’s cumulative snare work and Katherine’s urgent calls for action: “hold your doctor, hold your daughter, hold your horses”. If ‘All Burning’ represents fire, then it’s accompanying 12-minute long track on Side 1, ‘Argot’, is informed by the air. ‘Argot’ is a song about uncertainty, with Katherine singing wordlessly across the majority of the track. “I prefer to sing wordlessly often because it feels a bit more expressive and universal” asserts Katherine. The track feels truly epic with a satisfying release that comes with the eventual introduction of the bass drum and snappy hi-hat section.

Side 2 also pairs a shorter song with a long-form composition. ‘Ritual’ is worked up from a simple snare drum pattern which becomes more and more overlapped into an elliptical form of waltz. Katherine considers ‘Ritual’ as “very earthy song - lots of low lying mist on the ground swirling around and the drums coming together to summon something”! ‘Ritual’ was inspired by a visit to the ruins of Boleskine House so multi-dimensional themes and occult practice loom large. ‘Your Move’ is a step-up gear change with the band wanting it to feel like the tape had suddenly started to spin faster, urging movement, venturing action. Clocking in at over 15 minutes, ‘Your Move’, is mesmeric and boundless, hypnotic in its minimalism of doubled-drums and almost tribal vocal cycles.
With ‘Encircle’ Rattle have grown again, these songs are alive with elemental power. They build-up and disintegrate, existing in two places at once, embracing the nuance, tracing the circle’s edge. These are modes of song as pure gesture and eternal imagination, refined in mirrors after midnight.
Rattle has performed at The Barbican, London and toured the UK with Animal Collective and Thurston Moore Group and Europe with The Julie Ruin and Protomartyr, and performed with Hot Snakes, Bill Orcutt Quartetand Codeine.

Albrecht Schrader hat mit seinem neuen, selbstbetitelten Album wieder ein Stück Musik geschaffen, das seinen eigenen Resonanzraum sucht. Bekannt für die stilvolle Mischung aus zeitlosem Popsound und zeitgenössischen Texten beweist sich der gebürtige Hamburger nicht ohne Humor, aber ganz sicher ohne Zynismus ein weiteres Mal als Komponist und Texter mit einem feinen Gefühl für seine Zeit, und ein bisschen auch für die davor. Es ist im besten aller Sinne uneitel angenehme Musik, falls es das noch gibt. Und ein formvollendetes Highlight in der bisherigen Diskographie des Künstlers.

Macht Euch bereit, in die dunkle, stürmische Welt von Blutengels brandneuem Meisterwerk „Dämonen:Sturm“ abzutauchen.

Dieses Album zieht uns in die turbulenten Tiefen unserer eigenen „inneren Dämonen“. Nicht die Monster, die wir aus Horrorfilmen kennen, sondern die dunklen Mächte in uns, die unsere Köpfe heimsuchen, uns herausfordern und manchmal sogar brechen. Auf 25 neuen Songs bringt Chris Pohl die starken Emotionen, die mit Depressionen, Angst, Selbstfindung und Verlust verbunden sind, zum Ausdruck, und erschafft ein Album, das zum einen extrem persönlich ist und zum anderen gesellschaftlich starke Resonanz finden wird.

Mit „Dämonen:Sturm“ bleiben Blutengel ihrem unverkennbaren Sound treu und wagen sich gleichzeitig furchtlos auf neues Terrain. Fans werden den epischen, hymnischen Stil in Tracks wie „Tausend Leben“ und „Wir sind der Sturm“ wiedererkennen, aber sie werden auch düstere Nummern wie „Der richtige Weg“ finden, die eine dunkle, eindringliche Atmosphäre schaffen. Auch Balladen finden auf diesem Album wieder ihren gebührenden Platz und haben dabei eine raue, intime Note, da Chris in Tracks wie „Ivory Tower“ und „I Will Surrender“ in der ersten Person schreibt und Einblicke in seine eigenen persönlichen Kämpfe gewährt.

Musikalisch ist „Dämonen:Sturm“ eine abwechslungsreiche Reise von düsteren, stampfenden Rock Beats in „Angst“ zu Retro-Elektro-Sounds in „She Wears Black“. Mit „Bleeding Out“ liefern Blutengel einen unerwarteten Juwel, der die musikalische Bandbreite des neuen Albums erweitert und einen wichtigen Teil des Gesamtkonzepts darstellt. Die Produktion ist bewusst eher rau und „dreckig“ gehalten, was die rohe Energie und Verletzlichkeit in den einzelnen Songs noch verstärkt. Langjährige Fans der Band werden sich außerdem über die eindringlichen Instrumentalstücke des Albums freuen, die das schattenhafte und tiefgreifende Erlebnis von „Dämonen:Sturm“ noch verstärken.

Rasiermesserscharfer New Yorker Thrash Metal-Klassiker remastered! Endlich wieder erhältlich... New York, New York... die mächtigen Metalhorden,
die du auferweckt hast... Anthrax, Overkill, Pro-Pain, Carnivore, Prong, Nuclear Assault, Riot, Helmet... brauchen wir noch mehr? wie wäre es mit
diesen E.X.E.cutioners hier? Der Stil dieser frühen Tage war ungestümer Heavy/Power Metal, dessen Reste auf dem Debüt „Stricken By Might“ noch
gut hörbar waren, eine Mischung aus Heavy, Power, Speed und Thrash, die auf ihre eigene charmante Art sehr unterhaltsam war. Zwei Jahre später
schlug die Band mit einer weiteren, fieseren Veröffentlichung „Sicker Than I Thought! Und sie haben ihr Spiel um Längen gestrafft und sich auf die
Speed/Thrash-Seite des zuvor gezeigten Konglomerats konzentriert. Auch die Soundqualität hat sich verbessert, die Produktion ist ausgefeilter und
verleiht den Gitarren ein artikuliertes, scharfes Klicken. Mindestens die Hälfte der Zeit mosht die Band ohne Reue, entfesselt vehemente Headbanger,
rührt Moshpits links und rechts an und versucht, der Kampfeslust ihrer Kollegen aus der NYHC-Szene in nichts nachzustehen.

Seit mehr als einem Jahrzehnt hat sich Serenity In Murder fest in der Melodic-Death-Metal-Szene etabliert und setzt mit ihrem neuesten Meisterwerk
„Timeless Reverie“ erneut Maßstäbe. Nach der gefeierten Veröffentlichung von „Reborn“ im Jahr 2021 verfeinert die japanische Band ihren
charakteristischen Mix aus roher Aggression und symphonischer Eleganz weiter. Das Album durchstreift eine düstere und emotionale Landschaft und
nimmt die Hörer mit auf eine Reise durch Themen wie Zeit, Schicksal, innere Konflikte und persönliche Revolution.
Die Erzählung von Timeless Reverie ist eng mit existenziellen Fragen und der Suche nach Sinn in einer erbarmungslosen Welt verknüpft. Der Titel
selbst, Timeless Reverie, deutet auf eine Meditation über Momente hin, in denen die Zeit scheinbar stillsteht und Vergangenheit, Gegenwart und
Zukunft miteinander verschmelzen. Das Album erforscht die Zerbrechlichkeit des Lebens, die Komplexität menschlicher Emotionen und den ewigen
Kampf zwischen Licht und Dunkelheit.
Musikalisch verbindet das Album nahtlos komplexe Melodien, atmosphärische symphonische Elemente und erdrückende Härte. Mit dem furiosen
Opener God Forsaken setzt Timeless Reverie einen kraftvollen Ton an, der sich durch das gesamte Album zieht. Zugleich bietet es intensive Momente
und melancholische, atmosphärische Passagen, die den Hörer in das Erlebnis eintauchen lassen und jede Ebene aufsaugen, während die Musik in
jeder Note tief nachhallt.

Neu remasterte Reissue des zweiten Studioalbums der australischen Indierock-Band Birds Of Tokyo als Picture Disc. "Universes" (2008) mit den Singles "Broken Bones" und "Silhouettic" verhalf der Band erstmals zu ihrer heutigen Stadiongrösse. Von der Original-LP existierte bislang nur eine limitierte 300er Vinylauflage. Die Picture Disc kommt im Stanzcover samt doppelseitiger

Einlage, die fast haargenau dem Originalcover nachempfunden ist

bendrik's 'Aqualung EP' draws inspiration from the club scene of Brussels and his recent travels to diverse countries. It showcases bendrik's ability to bridge electronic genres with a refined touch. The A-side features hard-hitting tracks like 'Dr. Martens' and 'Trust'.
These cuts deliver raw, driving melodies with his signature style - perfect for peak-time moments on the dancefloor! The B-side includes the cover track 'Aqualung' that bridges the previous energy with relaxation. It invites the listener to make its own choice of experience, blending a steady bassline with hypnotic textures.
'Shirahama' paints a portrait of his time exploring distant lands where you join him in the driving seat.

So laut das Duo auch wird, so lässig agiert es am Ende und schüttelt laufend groovende Garage-Knüller aus dem Ärmel, die durch und voller Pop-Momente. Klar, bei THE PIGHOUNDS steckt 90er Alternative drin, Punkrock, Grunge, stets eingängig und catchy – und auf "Tutti Frutti" sind einige neue Seiten zu hören, die durchaus zu überraschen wissen. Aber sie haben auch den Pop geschluckt und schreiben Hymnen und Hits, wenn sie nicht immer einen Tick zu kratzig und ruppig sind.

The Pink Fairies were and English Rock band in the London underground and psychedelic scene of the early 70s. Their first album Neverneverland, from 1971, is a mix of psychedelic, proto-punk (“Do It”), rock (“Teenage Rebel” & “Say You Love Me”) and even American R&B (on “War Girl”) sounds which shows their wide style. Also included is the b-side of their debut single “Do It” which was later covered by The Henry Rollins Band on their 1988 Do It album. The 50th Anniversary edition includes an insert with extensive liner-notes by Mark Powell, credits, cutout pieces and photos.

Cornelia Murr’s newest album, Run To The Center, began with a question: What do I want? The answer is everything, and it’s never felt more urgent.

On her first LP in six years, Run To The Center, on 22TWENTY, the London-born singer-songwriter delivers her most expansive, confident work yet. Across 10 hypnotic pop songs, Murr crafts a portrait of a woman in her thirties, standing triumphantly in uncertainty and asking life’s essential questions: How do you fit everything you want into a life? How can you want so much and still manage to live?

Run To The Center, which Murr will tour internationally, is her first release since the 2022 EP Corridor and her first LP since her 2018 debut Lake Tear of the Clouds, produced by Jim James of My Morning Jacket. Murr had long wanted to make another LP, but economic and global forces kept getting in the way. Finally, in the spring of 2023, Murr started working with producer Luke Temple (Adrienne Lenker, Hand Habits), adding to her roster of impressive collaborators. Temple, an old friend, helped Murr realize a sweeping album of her most tender, spectral pop yet.

The songs on Run To The Center reflect Murr’s need to explore desire and time. Some are new, born from spontaneous collaboration, while others had lingered in her mind for years. The album’s production, with muscular drums and buoyant synths, is more expansive than her previous work, swirling with a sparse futurism as Murr embraces life’s uncertainties.

Murr wrote much of the album while hunkering down in Red Cloud, Nebraska, restoring an old house. In this unexpected place, she found her center. The result is an album that explores big questions with beauty and humor, as Murr stands fully in her power.

BLACK SPIDERS sind nicht totzukriegen kehren zu Beginn des Jahres 2025 zurück. Die authentischen Rocker aus Sheffield sind mit einem brandneuen Album voller Hochspannungs-Kracher zurück und werden ihr neues Album "Cvrses" veröffentlichen, das zwölf neue Tracks mit genau der Art von mitreißender Rock'n'Roll-Action enthält, die wir alle von Black Spiders erwarten, lieben und fordern. Ihre Absichten sind heute noch dieselben wie in dem Moment, in dem sie 2008 angefangen haben - sei dir selbst treu, ohne Kompromisse. ,Wir hoffen, dass alles gut wird, wenn man sich an diese Formel hält, und mit ein bisschen Glück kann einen das Leben überraschen", sagt Gitarrist Pete Spiby. ,Es ist unser fünftes Album, aus der Sicht von mir und Irwin. Es ist unser bestes. Unsere Absichtserklärung hat sich seit dem ersten Tag nicht geändert. Wieder in den Axis Studios in Doncaster mit Produzent Matt Ellis aufgenommen, ist das neue Album - und das sagen natürlich alle Bands - höchstwahrscheinlich ihr bisher bestes Album. Es destilliert erfolgreich alles, was an Black Spiders einzigartiger Marke der stampfenden Heaviness spannend und lebensbejahend ist. Massive Riffs, massive Hooks, massive Beats. "Cvrses" dampfrockt gleich eine Achterbahnfahrt der Rock-Emotionen mit Balladen, Uptempo und Härte.,Solange der Antrieb im Tank ist, werden wir weitermachen, denn das ist es, was wir tun müssen", sagen Pete und "Cvrses" zu jedem, der versucht, die BLACK SPIDERS aufzuhalten. Farbige Vinyl-LP sowie CD!

12 Inch weiße Vinyl inkl. limitiertem Plakat A2. Jo Halbig ist ein Künstler, der sich in den letzten Jahren immer wieder neu erfunden hat. Bekannt geworden als Sänger der Killerpilze, einer Band, die sich im Laufe der Jahre zu einer Kultformation des deutsch-sprachigen Punkrocks entwickelte, zeigt Halbig nun eine Seite, die sowohl tief verwurzelt als auch radikal neu ist. Während viele ihn nur als den charismatischen Frontmann der Killerpilze kennen, schlägt Halbig heute als Solokünstler mit erwachsenem Indie-Rock neue Wege ein und reflektiert dabei über Themen, die aktueller nicht sein könnten. Die erste Debüt-EP HERZLAND, die am 28.02.2025 erscheint, baut musikalisch dabei eine Utopie in den unruhigen Zeiten, die wir erleben. 8 Songs zwischen Innenschau und Live-Energie, im Weltgeschehen und für nostalgisches Mitsingen im Pogo der Zukunft.

"Pa Svenska" war 2019 die erste komplett in schwedisch aufgenommene Scheibe von ""Götenburg's finest", den CITY SAINTS und galt seinerzeit als Experiment. Die 2012 gegründete Band wagte nach 3 englischsprachigen Alben sich selbst einen lang gehegten Wunsch zu erfüllen und die neuen Songs in ihrer Heimatsprache aufzunehmen. Das Ergebnis überraschte nicht nur die Band, denn in kürzester Zeit war die LP ausverkauft und erfreute sich auch international weit über Skandinvien hinaus großer Beliebtheit. Anläßlich ihrer neuen Veröffentlichung "Explosiv!" erscheint "Pa Svenska" jetzt zeitgleich als Reissue in 2 limitierten Vinyl-Farben mit einem dreckigen Dutzend straight forward-Shoutern und kickin ass Punk-RocknRoll. Pures Adrenalin made in Sweden mit einer unglaublichen Spielfreude!

20 Jahre The Offenders in 2025! Und zum Jubiläum gibt's keine Nudeln von gestern neu aufgewärmt, sondern das brandheiße, nagelneue Gericht "Storm Over The Mainland" Das 10. Album der Offenders vereint in den neuen Songs alle Einflüsse und Stile der Band aus den letzten zwei Dekaden. Mit treibendem Offbeat des vorab im Januar erscheinenden "Partizani in Budapest" bis zum mit Mandoline untermalten Folk-Punk bei "Off My Chest", vom klasischen straight-foward Ska-Punks "The Way The People Think" bis zu den dominierenden Gitarrenriffs der Punkrock-Hymne "Sixteenth Round", ist es das abwechslungsreichste Album der Band. Ausgeklügeltem Songwriting, sich festsetzenden "catchy chorals" und einem perfekt abgestimmtem "kick-ass"-Sound, der für emsiges Treiben auf der Tanzfläche, vor der Bühne oder lautem Mitgröhlen sorgen dürfte! Von Anfang an engagieren und unterstützen die Offenders mit ihrer Musik und den Konzerten dabei die antifaschistische und antirassistische Bewegung weltweit. Egal ob in autonomen Jugendzentren und anderen Kultureinrichtungen, besetzten Häusern oder der Ultraszene beim Fußball quer durch ganz Europa - ihre Message ist eindeutig und findet sich selbstredend auch in den neuen Songs wieder. The Offenders sind beileibe keine Spaßkapelle, auch wenn ihre Musik davon eben jede Menge zu bieten hat. Vielleicht macht das ja auch ihren Erfolg, Glaubwürdigket und die stetig wachsende Beliebtheit seit 20 Jahren aus: "Storm Over The Mainland" jedenfalls ist jedenfalls ein Album mit Attitüde, wie es für ein Jubiläum nicht besser sein kann. Cheers & Ciao! 2005 wurden "The Offenders" um den charismatischen Sänger Valerio in Cosenza (Italien) gegründet, Ende 2008 zog es die Band in ihre neue Wahlheimat nach Berlin. Zu ihren prägendsten und bekanntesten Underground-Hits zählen unter anderem: "Hooligan Reggae" (ein Dancefloor-Klassiker vom gleichnamigen ersten Album, der weltweit in den Stadien zum Schlachtruf der antirassistischen Fans wurde) und "Marchez" (der rebellische Sound von Class of Nations - mit fast 2 Millionen Streams allein auf Spotify. The Offenders sind unzählige Male durch ganz Europa getourt, haben Russland, China zuletzt in Mexiko (Januar 2024) für ihre Konzerte bereist und sind regelmäßig Gast auf den internationalen Festival-Bühnen wie beim Mighty Sounds (Tschechien) - Rebellion (UK) - Spirit from the streets (DE), Sjock (BE) - Couvre Feu (FR) - Ruhrpott Rodeo (DE) - Los Almiros (GR) - Rudeboys Unity (CH) und viele weitere. Die Bühne teilten sie u.a. mitBad Religion, Nofx, Korn, Flogging Molly, Dropkick Murphys, Social Distortion, Uk Subs, Agnostic Front, Selecter, Discharge, Sick of it All, Real Mckenzies, Cock Sparrer, Slime, Antilopen Gang, Pennywise, Toy Dolls and many more!

20 Jahre The Offenders in 2025! Und zum Jubiläum gibt's keine Nudeln von gestern neu aufgewärmt, sondern das brandheiße, nagelneue Gericht "Storm Over The Mainland" Das 10. Album der Offenders vereint in den neuen Songs alle Einflüsse und Stile der Band aus den letzten zwei Dekaden. Mit treibendem Offbeat des vorab im Januar erscheinenden "Partizani in Budapest" bis zum mit Mandoline untermalten Folk-Punk bei "Off My Chest", vom klasischen straight-foward Ska-Punks "The Way The People Think" bis zu den dominierenden Gitarrenriffs der Punkrock-Hymne "Sixteenth Round", ist es das abwechslungsreichste Album der Band. Ausgeklügeltem Songwriting, sich festsetzenden "catchy chorals" und einem perfekt abgestimmtem "kick-ass"-Sound, der für emsiges Treiben auf der Tanzfläche, vor der Bühne oder lautem Mitgröhlen sorgen dürfte! Von Anfang an engagieren und unterstützen die Offenders mit ihrer Musik und den Konzerten dabei die antifaschistische und antirassistische Bewegung weltweit. Egal ob in autonomen Jugendzentren und anderen Kultureinrichtungen, besetzten Häusern oder der Ultraszene beim Fußball quer durch ganz Europa - ihre Message ist eindeutig und findet sich selbstredend auch in den neuen Songs wieder. The Offenders sind beileibe keine Spaßkapelle, auch wenn ihre Musik davon eben jede Menge zu bieten hat. Vielleicht macht das ja auch ihren Erfolg, Glaubwürdigket und die stetig wachsende Beliebtheit seit 20 Jahren aus: "Storm Over The Mainland" jedenfalls ist jedenfalls ein Album mit Attitüde, wie es für ein Jubiläum nicht besser sein kann. Cheers & Ciao! 2005 wurden "The Offenders" um den charismatischen Sänger Valerio in Cosenza (Italien) gegründet, Ende 2008 zog es die Band in ihre neue Wahlheimat nach Berlin. Zu ihren prägendsten und bekanntesten Underground-Hits zählen unter anderem: "Hooligan Reggae" (ein Dancefloor-Klassiker vom gleichnamigen ersten Album, der weltweit in den Stadien zum Schlachtruf der antirassistischen Fans wurde) und "Marchez" (der rebellische Sound von Class of Nations - mit fast 2 Millionen Streams allein auf Spotify. The Offenders sind unzählige Male durch ganz Europa getourt, haben Russland, China zuletzt in Mexiko (Januar 2024) für ihre Konzerte bereist und sind regelmäßig Gast auf den internationalen Festival-Bühnen wie beim Mighty Sounds (Tschechien) - Rebellion (UK) - Spirit from the streets (DE), Sjock (BE) - Couvre Feu (FR) - Ruhrpott Rodeo (DE) - Los Almiros (GR) - Rudeboys Unity (CH) und viele weitere. Die Bühne teilten sie u.a. mitBad Religion, Nofx, Korn, Flogging Molly, Dropkick Murphys, Social Distortion, Uk Subs, Agnostic Front, Selecter, Discharge, Sick of it All, Real Mckenzies, Cock Sparrer, Slime, Antilopen Gang, Pennywise, Toy Dolls and many more!

"Pa Svenska" war 2019 die erste komplett in schwedisch aufgenommene Scheibe von ""Götenburg's finest", den CITY SAINTS und galt seinerzeit als Experiment. Die 2012 gegründete Band wagte nach 3 englischsprachigen Alben sich selbst einen lang gehegten Wunsch zu erfüllen und die neuen Songs in ihrer Heimatsprache aufzunehmen. Das Ergebnis überraschte nicht nur die Band, denn in kürzester Zeit war die LP ausverkauft und erfreute sich auch international weit über Skandinvien hinaus großer Beliebtheit. Anläßlich ihrer neuen Veröffentlichung "Explosiv!" erscheint "Pa Svenska" jetzt zeitgleich als Reissue in 2 limitierten Vinyl-Farben mit einem dreckigen Dutzend straight forward-Shoutern und kickin ass Punk-RocknRoll. Pures Adrenalin made in Sweden mit einer unglaublichen Spielfreude!

20 Jahre The Offenders in 2025! Und zum Jubiläum gibt's keine Nudeln von gestern neu aufgewärmt, sondern das brandheiße, nagelneue Gericht "Storm Over The Mainland" Das 10. Album der Offenders vereint in den neuen Songs alle Einflüsse und Stile der Band aus den letzten zwei Dekaden. Mit treibendem Offbeat des vorab im Januar erscheinenden "Partizani in Budapest" bis zum mit Mandoline untermalten Folk-Punk bei "Off My Chest", vom klasischen straight-foward Ska-Punks "The Way The People Think" bis zu den dominierenden Gitarrenriffs der Punkrock-Hymne "Sixteenth Round", ist es das abwechslungsreichste Album der Band. Ausgeklügeltem Songwriting, sich festsetzenden "catchy chorals" und einem perfekt abgestimmtem "kick-ass"-Sound, der für emsiges Treiben auf der Tanzfläche, vor der Bühne oder lautem Mitgröhlen sorgen dürfte! Von Anfang an engagieren und unterstützen die Offenders mit ihrer Musik und den Konzerten dabei die antifaschistische und antirassistische Bewegung weltweit. Egal ob in autonomen Jugendzentren und anderen Kultureinrichtungen, besetzten Häusern oder der Ultraszene beim Fußball quer durch ganz Europa - ihre Message ist eindeutig und findet sich selbstredend auch in den neuen Songs wieder. The Offenders sind beileibe keine Spaßkapelle, auch wenn ihre Musik davon eben jede Menge zu bieten hat. Vielleicht macht das ja auch ihren Erfolg, Glaubwürdigket und die stetig wachsende Beliebtheit seit 20 Jahren aus: "Storm Over The Mainland" jedenfalls ist jedenfalls ein Album mit Attitüde, wie es für ein Jubiläum nicht besser sein kann. Cheers & Ciao! 2005 wurden "The Offenders" um den charismatischen Sänger Valerio in Cosenza (Italien) gegründet, Ende 2008 zog es die Band in ihre neue Wahlheimat nach Berlin. Zu ihren prägendsten und bekanntesten Underground-Hits zählen unter anderem: "Hooligan Reggae" (ein Dancefloor-Klassiker vom gleichnamigen ersten Album, der weltweit in den Stadien zum Schlachtruf der antirassistischen Fans wurde) und "Marchez" (der rebellische Sound von Class of Nations - mit fast 2 Millionen Streams allein auf Spotify. The Offenders sind unzählige Male durch ganz Europa getourt, haben Russland, China zuletzt in Mexiko (Januar 2024) für ihre Konzerte bereist und sind regelmäßig Gast auf den internationalen Festival-Bühnen wie beim Mighty Sounds (Tschechien) - Rebellion (UK) - Spirit from the streets (DE), Sjock (BE) - Couvre Feu (FR) - Ruhrpott Rodeo (DE) - Los Almiros (GR) - Rudeboys Unity (CH) und viele weitere. Die Bühne teilten sie u.a. mitBad Religion, Nofx, Korn, Flogging Molly, Dropkick Murphys, Social Distortion, Uk Subs, Agnostic Front, Selecter, Discharge, Sick of it All, Real Mckenzies, Cock Sparrer, Slime, Antilopen Gang, Pennywise, Toy Dolls and many more!

Wie viele finnische Death-Metal-Pioniere zeichnet sich die Band durch einen ausgeprägten Sinn für Schrägheit aus, indem sie verschiedene Einflüsse zu einem unverwechselbaren Sound verschmilzt. "Das Rückgrat ist der Death Metal", sagt Sänger Kari Kankaanpää, "aber wir haben uns nie davor gescheut, neue Inspirationen und Einflüsse zu erforschen, die die einzigartige Note von Sepulchral Curse ausmachen. Musik muss dunkel, schwer und wütend sein!"

Crimson Moon Evocations markiert das Debüt der Band bei Dark Descent Records, eine Partnerschaft, die sich sowohl natürlich als auch von großer Bedeutung anfühlt: "Dark Descent Records hat immer einen besonderen Platz in meinem Herzen gehabt. Es ist eine große Ehre, mit dieser Platte zu ihrem renommierten Roster zu stoßen."

Diese neue Zusammenarbeit spiegelt die ungebrochene Dynamik von Sepulchral Curse wider und erscheint nur zwei Jahre nach ihrem kühnen Sprung nach vorne mit Abhorrent Dimensions. "Mit Abhorrent Dimensions haben wir wirklich begonnen, unseren eigenen Sound und Stil zu finden, und Crimson Moon Evocations taucht noch tiefer in das ein, was wir sind, und kristallisiert die Essenz des Sepulchral Curse-Sounds."

Um ihre Vision einzufangen, kehrte die Band in die finnischen Oxroad Studios zurück, um mit dem Produzenten Tomi Uusitupa zu arbeiten, dessen Einfluss entscheidend war. "Tomi ist wie unser sechstes Mitglied. Er wählt die Projekte, mit denen er arbeitet, sorgfältig aus, da er in jede Platte, die er macht, eine enorme Menge an Liebe und persönlichem Input einfließen lässt."

Das Album ist nicht nur ein Meilenstein, sondern auch ein Statement, das von Mark Erskine mit einem atemberaubenden Artwork versehen wurde: Sepulchral Curse ist zum Gipfel des Blackened Death Metal aufgestiegen!

Jeder kennt sie und jeder liebt sie: die unkonventionelle Pippi Langstrumpf, die ganz ohne Eltern, dafür aber mit Affe und Pferd, in ihrer Villa Kunterbunt lebt und sich die Welt macht wie sie ihr gefällt. Mit den Pippi-Verfilmungen ab 1969 entstehen mit Hey Pippi Langstrumpf bis Seeräuber-Opa-Fabian dann Lieder, die in kürzester Zeit weltbekannt werden. Ton ab für die Pippi Originallieder in Originalaufnahme auf Vinyl! Und das Beste: Pippi Langstrumpf - alias ihre deutsche Synchronstimme - meldet sich zwischen den Songs auch selbst zu Wort: mit Originalzitaten aus der Serie, von Plutifikation bis Polizei. Studio 100 International und Filmkunst Musikverlag haben diese Audiotakes aus den Pippi-Filmen zusammen auch unter Einbeziehung der Synchronsprecherin Eva Mattes "geborgen" und machen die limitierte Vinyl auch mit großflächigen Filmfotos und einer knallroten Platte zum Sammlerstück

The single release from Jimi Tenor's second thematic album on Timmion Records offers two very different moods. "Summer of Synesthesia" takes us back to those dreamy summer days, a natural overpour of sensations mixing together, sounds becoming colors before turning into flavors. Synthesizers grow into delicate layers over Cold Diamond & Mink's rhythm, and when your heart can hardly bear the beauty of it all, Tenor's soft lyric places the cherry on top. "Tsicroxe" on the flipside couldn't be more different, kicking into gear with a demonic organ arpeggio that sounds like you've just been dropped into a Dario Argento scene. Even though the familiar funk from Cold Diamond & Mink eases the dread a bit, when Tenor busts in with the eerie flute solo, the ritual closes in on its conclusion.

The contents of the backwards vocal bits at the end shall be saved for your turntable so make sure to rewind that track, selector! Also Available From Jimi Tenor & Cold Diamond & Mink: Is There Love In Outer Space? 7", Gaia Sunset 7", Is There Love In Outer Space? LP / CD. The single takes listeners on a sonic journey: “Summer of Synesthesia” flows with warm, dreamlike beauty, while “Tsicroxe” dives into intense, mysterious depths, showcasing Tenor’s dynamic range. Blending synth layers with Cold Diamond & Mink’s classic funk rhythms, both tracks bring elements of 70s soundtrack-style tension and ethereal soul, appealing to fans of both cosmic grooves and suspenseful soundscapes. Tenor’s layered synthesizers, haunting flute, and even backward vocal elements add a captivating texture, making “Summer of Synesthesia” b/w “Tsicroxe” a must-have for fans of genre-blending, atmospheric music.

La Pambelé Unveils Nací Mestizo, A Bold New Album Reviving Salsa with a Contemporary Twist Bogotá’s heavy guaguancó orchestra, La Pambelé, proudly presents their highlyanticipated second studio album, Nací Mestizo, now available on all major digital platforms as of November 27th. This album pays tribute to the golden era of salsa, particularly the 1970s, while breathing new life into the genre with modern lyrics and stories that resonate deeply with Latin communities.

All while maintaining a distinct Bogotan essence that highlights the city’s unique cultural flavor. Nací Mestizo seamlessly blends the timeless salsa brava sound with contemporary themes, reflecting the everyday lives of people across Latin neighborhoods. The album’s songs capture the struggles, passions, and joys of ordinary people, presented through the vibrant rhythms of salsa, creating a musical experience that connects the past with the present. Building on Their Rising Popularity Prior to the album’s release, La Pambelé debuted the singles “Amargura” and “Perdí mi Corazón”, which quickly captivated audiences and set the stage for the full album's success. The band’s electric performance of these tracks at the MedPlus Coliseum in Bogotá, before an audience of 22,000 attendees awaiting Marc Anthony, was met with enthusiasm as fans danced and applauded.

This moment marked a significant milestone for the orchestra, cementing their place as a rising force in the global salsa scene. Additionally, La Pambelé’s growing visibility has been marked by their appearances at major festivals such as Salsa al Parque and features on prominent radio stations, including Radio Nacional de Colombia and Latina Stereo. These platforms have helped introduce La Pambelé’s signature sound to a wider audience, building anticipation for the release of Nací Mestizo and reaffirming their influence in Colombia’s tropical and alternative music scenes. A Contemporary Salsa Sound with Classic Roots La Pambelé’s unique blend of traditional salsa brava and contemporary Latin storytelling is showcased through their distinctive nine-piece orchestra, which includes piano, conga, flute, trumpet, trombone, timbales, bongos, and baby bass. The dynamic vocals of Miguel RoRebolledo and Lorena Contento elevate the album’s themes, creating a sound that invites listeners to their feet and onto the dance floor. Under the direction of Camilo Toro Morato, the orchestra has honed its signature style, pushing the boundaries of salsa while staying true to its roots. As a proud defiance of stereotypes about Bogotá’s musical abilities, La Pambelé’s name pays homage to legendary Colombian boxer Kid Pambelé, symbolizing resilience and strength.

The name also draws from the Bantú language, meaning "defender of one's own," reinforcing the band’s connection to their Colombian heritage and pride in their distinctive sound. Global Recognition and Continuing Influence Since the release of their self-titled debut album in 2022, La Pambelé has gained international recognition, especially within the vinyl collector community. Theirdebut album was released in both 45” and LP vinyl editions, further solidifying their unique position in the contemporary salsa movement. Influenced by salsa greats such as Markolino Dimond, Eddie Palmieri, Edy Martínez, and Ismael Miranda, La Pambelé has carried forward the torch of salsa brava with passion and innovation. Nací Mestizo marks a significant evolution in the orchestra’s journey, melding the old and the new, and cementing La Pambelé as a driving force in the future of salsa music. A Collector’s Dream With their 2022 debut album garnering international recognition, La Pambelé’s vinyl releases—including 45” and LP editions—have become coveted items for salsa collectors worldwide. Their music is a bridge between classic salsa traditions and a modern vision, appealing to seasoned fans and new listeners alike. About La Pambelé La Pambelé is a heavy guaguancó orchestra from Bogotá, Colombia, known for their vibrant, rhythm-driven sound that blends 1970s salsa brava with modern Latin influences. With a unique nine-piece lineup and powerful vocals, the band continues to break boundaries, defying expectations and inspiring audiences around the world

Als Motörhead im März 1979 einen Klassiker in der Größenordnung von Overkill herausbrachten, hätte man
ihnen verziehen, wenn sie kurz darauf eine Verschnaufpause eingelegt hätten, aber nicht alle Rockbands
hatten ihre DNA. Irgendwie schafften sie es in all dem Wahnsinn, noch im selben Jahr den legendären
Bomber herauszubringen. Die Platte erreichte Platz 12 der britischen Charts und enthielt einige der beliebtesten Songs von Motörhead, wie „Bomber“, „Dead Men Tell No Tales“ und „Stone Dead Forever“.

Eine Ella-Entdeckung sondergleichen: die „First Lady of Jazz“ singt und swingt ein dynamisches Konzert mit Top-Musikern der Ellington-Band. Dass dieses Traum-Konzert von 1967 in Stereo mitgeschnitten
wurde, war bislang unbekannt. Im Nachlass ihres Managers Norman Granz fanden sich jetzt die von Wally
Heider hervorragend aufgenommenen 4-Spur-Bänder, und die haben es in sich! Ella war in phänomenaler
Form und wurde vom Trio aus Jimmy Jones, Bob Cranshaw und Sam Woodyard sowie Ellington-Legenden
wie Paul Gonsalves, Jimmy Hamilton und Johnny Hodges zusätzlich beflügelt.
Vom swingenden Opener “The Moment Of Truth” und dem lässigen Klassiker „Let’s Do It“ bis zum
Fitzgerald-Evergreen „Mack The Knife“ ist alles dabei, was man als Fan liebt. Zwei zusätzliche Pop-Songs
der Sixties transponiert Ella meisterhaft in die Jazz-Welt: die bittersüße Ballade „Alfie“ von Burt Bacharach
und den Ohrwurm „Music To Watch Girls By”. Beide Songs waren bislang noch nie von Ella interpretiert
zu hören!
Ausstattung LP: 140g, Gatefold-Sleeve mit ausführlichen Linernotes von Will Friedwald
Ausstattung CD: Mintpack, Booklet mit ausführlichen Linernotes von Will Friedwald

2025 markiert gleich ein dreifaches Jubiläum Udo Lindenbergs. 1995 erscheint „Kosmos“. Eine wahre Wundertüte an neuen Sounds. Lindenberg experimentiert souverän mit knalligem Funk, Walzer und Computer
Beats. Jetzt ist das Album, welches damals nur auf Kassette und CD erschien, in neuem Gewand zurück.
Die 30. Jubiläumsedition kommt als farbige Doppel-LP in „Sparkle Universe“ in streng limitierter und von
Hand nummerierter Auflage in den Handel. Auch mit dabei: ein besonderes Booklet, in welchem sogleich
das zweite große Jubiläum Lindenbergs zelebriert wird: sein Start in die Welt der bildenden Künste.
Schon zuvor skribbelte und zeichnete Lindenberg leidenschaftlich gern. Die Veröffentlichung des Albums
„Kosmos“ nahm er sich allerdings zum Anlass, parallel einen Kunstkalender zu veröffentlichen – sein erster
offzieller Auftritt als bildender Künstler. Der Kunstkalender beinhaltete passend zu jedem der 12 Songs
auf dem Album ein eigenes Werk. Diese finden sich heute im Booklet der Vinyl und der CD wieder. Wie
heute bekannt ist, markiert dieser Kalender damit den Startschuss für seine zweite bahnbrechende Karriere
als Maler.
Auch das Dritte, 30-jährige Jubiläum ist ein wichtiger Teil seines Lebens: 1995 bezog Lindenberg seine
„Panikzentrale“ im Hotel Atlantic, wo er den Dachboden als Atelier nutzt und das Hotel einige seiner Werke
ausstellt.
Um diese Jubiläen gebührend zu feiern, erscheint die Neuauflage des Albums am 28. Februar im Handel.

Die großen Hitalben von den Black Eyed Peas erscheinen neu auf Doppel-Vinyl. Mit dabei sind die Alben
”The E.N.D” und ”Behind The Front”, ”Monkey Business” und ”Elephunk”. Hier sind unter anderem die
Chartsürmer-Singles ”Boom Boom Pow”, ”I Gotta Feeling” sowie frühe Singles wie „The Way U Make Me
Feel“ zu finden.

"The, multi-platinum, 3x GRAMMY® Award-nominated, and Emmy® Award-winning rapper Cordae has releases his highly acclaimed third studio album, The Crossroads on 12"" LP.

The new album features production from Executive Producer Smoko Ono, as well as production from multi-platinum and award-winning hitmakers Bongo ByTheWay, Dem Jointz, Camper, BoogzDaBeast, FNZ, and more. Listen HERE.

The Crossroads arrives on the heels of “Syrup Sandwiches” (feat. Joey Bada$$), the fourth lead single released by Cordae ahead of today’s official album release. Previously, “Saturday Mornings” (feat. Lil Wayne), “Summer Drop” (feat. Anderson . Paak), and “Mad As Fuck” were released along with accompanying music videos. An official album trailer was also previously shared on Cordae’s YouTube channel last month. The Crossroads integrates the four lead singles into a cohesive 16-track album containing even more stellar collaborations from Juicy J, Ty Dolla $ign, Jordan Ward, Ravyn Lenae, and Kanye West.


Cordae’s inspiration for The Crossroads comes from his feelings of quite literally finding himself at a crossroads in his own life. Through the album, he conveys his conviction that one single decision doesn’t have the power to change everything, and that while there may be hard decisions to make, there is never truly a “wrong” choice.

The album has already had a viral moment online in the UK with the features being tagged on to the iconic Abbey Road crossing during release week. "

L’année 2025 marque les 60 ans de carrière de Michel Sardou, une longévité exceptionnelle dans le paysagemusical français. Tout au long de ces six décennies, l’artiste a su conquérir le coeur du public d’une
fidélitéindéfectible et imposer le respect de la critique, sans jamais connaître de véritables soubresauts.
Peu d’artistesfrançais peuvent se targuer d’une telle carrière, faisant de Michel Sardou l’une des figures
emblématiques de lachanson française.
Das Jahr 2025 markiert Michel Sardous 60-jährige Karriere, eine außergewöhnliche Langlebigkeit in der
französischen Musiklandschaft. In diesen sechs Jahrzehnten verstand es der Künstler, mit unerschütterlicher Loyalität die Herzen des Publikums zu erobern und sich den Respekt der Kritiker zu verschaffen,
ohne jemals wirkliche Umbrüche zu erleben. Nur wenige französische Künstler können sich einer solchen
Karriere rühmen, was Michel Sardou zu einer der Symbolfiguren des französischen Liedes macht.

2022 Repress

Tapper Zukie's 'Black Man' album originally came out in 1978 as a Jamaican only release on Tapper's' Stars imprint. Long deleted it has become a classic in Mr Zukie's vast cannon of musical biscuits and is well overdue this worldwide release for the first time.
Tapper Zukie (b1956. David Sinclair, Kingston, Jamaica) was raised in the rough and tough West Kingston area of Jamaica, between the districts of Trench Town and Greenwich Farm. Living pretty much on the streets from an early age, the youths including the young Tapper had no choice but to fall into the hands of the Political Parties that controlled various ghetto areas of the town. Music seemed like the only way out of a life of crime and gang culture. A path that Tapper Zukie found by the mid 1970's was establishing himself as a named star on the DJ Roots circuit. Back home in Jamaica he was also getting a name for his production work for other local singers such as Prince Allah and the group Knowledge. To release these productions and his own material in Jamaica, Tapper started up his own label called Stars. It's this label that saw the initial release of this album 'Black Man'. A great collection of Tapper tunes such as his biblical cut 'My God Is Real', 'Revolution' and the tile track of this collection 'Black Man' and some work overs of some of his felloe Jamaican Artists like 'Poor Man Problem' a work over of Johnny Clarke's ' Blood Dunza' and also Mr Clarke's Leggo Violence'. 'Yaga Yaga' re working Horace Andy's and Tapper's big hit 'Natty Dread ah She Want'. 'Gather Them' a reworking of Knowledge's tune of the same name with the help from bands like Jah Wisdom and Delroy Fielding. A great collection of tunes and reworkings that we hope will find a wider audience with this release.
For the CD issue of this release we had added Tapper's 'Liberation Struggle', 'Get Ready', 'Prophesy' and 'Fire Bun' tracks from Tapper Zukie's back catalogue that seem to sit well and follow the theme and meanings of the 'Black Man' album.

2019 Repress of one of the most outstanding records in the history of german avantpop/punk. Originally released 1981 on the legendary ZickZack label, the debut LP by Freiwillige Selbstkontrolle soon reached cult status and became one of the most important NDW / german postpunk releases ever. Active since today (and right now working on their 13th longplayer) F.S.K. were one of John Peel's all time favourites and actually did more Peel Sessions than any other band - besides The Fall, of course. Comes with extensive liner notes by NDW-historiograph Frank Apunkt Schneider (in german).

Carrying the torch of psychedelic cumbia, with a healthy dose
of surf guitar and Amazonian dancefloor flourishes from Peru
and Brazil alike, Fiesta en la Jungla by Los Dexter’s de Uchiza
is the first release from the newly formed London-label Ritmo
del Barrio. Originally released in 1982, it captures the finest
cumbia being made in Peru at the time, decked out with
frenetic surf-rock guitar riffs, rhythms floating on crisp
cumbia percussion and occasionally punctuated by carimbó
breakdowns native to the Pará region of north-eastern Brazil.
The album is filled with energy, a gem that was always
intended to animate any dancefloor. Peruvian cumbia came to national attention in the late 60s
through the recordings of Juaneco y su Combo, Los Destellos
and Los Wembler’s de Iquitos, but it’s had many revivals, and
Fiesta en la Jungla arrived when the style was going through a
major transition. In 1977, a passenger plane carrying most of
the members of Juaneco y su Combo crashed, killing everyone
on board. In 1980, Los Destellos retired, and Los Wembler’s
released their tenth and final record, they were ready for a
break. This left a big void in Peruvian music. Wasting no time,
Los Dexter’s Emerson Ruiz Mosquera took the opportunity and
gave his band new life, filling the band’s ranks with young and
energetic musicians who were hungry for success. He built the
new band around a solid base of dexterous guitars, a dynamite
rhythm section, and added oodles of percussion and an electric
organ, giving them a powerful psychedelic sound that called
back to the sounds of the original chichamasters, but added a
new sheen. Along with bands like Los Shapis and Los Walkers
de Huánuco, Peruvian cumbia was reborn as chicha in the
1980s, and was now the sound of Peru’s barrios up and down
the country.
Based in the city of Uchiza, on the edges of the Amazon basin,
Los Dexter’s were uniquely located in central Peru, closer to the
largest urban centres of the country than Amazonian outposts
like Pucallpa or Iquitos, and therefore better positioned to
travel to the furthest reaches of the country with ease. In a
sense, Los Dexter’s were a bridge between the Amazon and the
rest of Peru, a bridge over which the sounds of Amazonian
cumbia could travel to the rest of the country on their way to
becoming one of the most ubiquitous elements of Peru’s musical
identity. Fiesta en la Jungla represents Los Dexter’s in their third
iteration. Led by Emerson Ruiz Mosquera, who was just a
young boy in 1970 when his older brother founded the group
with four of his friends, the ensemble by the time of Fiesta en la
Jungla included Orlando Abad on the timbales and lead vocals,
Lucho Bendezú on lead guitar, Javier Quiroz as second
guitarist, Alejandro Almeira on bass, Rufino Bustamante on
keyboard, Ramon Siu on bongos and bells, Ivan Rios on conga,
and Emerson as musical director and composer. Remarkably,
most of the group’s members helped to write at least one
track, Los Dexter’s were a collective endeavour.
Reissued on vinyl for the first time by Ritmo del Barrio, this
record is essential for any collector of Peruvian cumbia.
Showcasing the unique sound of Los Dexter’s, it carries hits
like “Fuga en la Selva” and “El Shiringuero”, which are sure to
set any dancefloor on fire, combined with slower, carimbó-
infused cumbias like “Fiesta en la Jungla,”and “Agua de
Cachilde.” Its closing track, “Tragedia en Uchiza'', is a key
piece of local history and tells of the flooding of the
Chontayacu River in 1982, a mortal tragedy that affected
thousands of people. Despite the subject matter, the album
maintains a joyful vibe throughout, with high energy riffs and
irresistible rhythms, contrasted with terse love ballads, like “A
Jhenny.” It is both a piece of musical history, and a sure-fire
tool for the dance floor.
Los Dexter’s became a fixture of festivals and celebrations in
the provinces of San Martin and Huánuco, and from expanded
across the country, taking Amazonian cumbia from the
Peruvian Amazon, to the heights of the Peruvian sierra, the
coastal plains, and the capital city of Lima.