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Die Gruppe Automat - Jochen Arbeit (u.a. Einstürzende Neubauten, Die Haut), Achim Färber (Phillip Boa & The Voodooclub, Skip McDonald) und Georg Zeitblom (wittmann/zeitblom) - funktioniert wie eine gut geölte Maschine: Sie surrt, sie schnurrt, sie geht unbeirrt ihres Weges. Gemeinsam mit dem Modular-Magier Max Loderbauer sowie Paul St. Hilaire alias Tikiman, Lydia Lunch und Mika Bajinski am Mikrofon präsentieren sie nun mit »Modul« auf Compost Records ihr abwechslungsreichstes und konzeptionell stimmigstes Album.

Die Gruppe Automat funktioniert wie eine gut geölte Maschine: Sie surrt, sie schnurrt, sie geht unbeirrt ihres Weges. Auf seinem vierten Album allerdings schaltet das Trio einen Gang herunter, differenziert seinen musikalischen Ansatz weiter aus und geht fruchtbare Kollaborationen mit anderen Figuren aus der Musikwelt ein. Neben Max Loderbauer, dem Bandnachbarn aus den Candy-Bomber-Studios in Berlin-Tempelhof, mit dem Jochen Arbeit, Achim Färber und Georg Zeitblom bereits im Jahr 2015 für eine gemeinsame EP zusammenarbeiteten, sind das am Mikrofon die Dub-Legende Paul St. Hilaire alias Tikiman, die Königin der Gossenpoesie Lydia Lunch und die Newcomerin Mika Bajinski. Sie alle tragen ihren Teil nach dem Leitprinzip bei, welches »Modul« seinen Namen verleiht: Die acht Stücke entstanden gemeinschaftlich nach einem Baukastensystem, das den Kompositionsprozess dynamisch in Bewegung setzte und gleichmäßig auf alle Beteiligten verteilte. Das Resultat ist ein musikalisches Perpetuum Mobile - ein Album mit dem gemäßigten Ruhepuls einer Dub-Produktion, das unablässig in Bewegung bleiben.
»Modul« bildet als Album einen ständigen Veränderungsprozess ab, der erstmals im Jahr 2018 im Rahmen eines Auftragswerks für das Berliner Festival Pop-Kultur live erfahrbar gemacht wurde. Auf Einladung des kuratorischen Teams erarbeiteten Zeitblom, Färber und Arbeit gemeinsam mit ihren musikalischen Gästen St. Hilaire, Lunch und Gemma Ray ein Live-Set, das konsequent aus dem Studio auf Grundlage einzelner Passagen entstand, die nach dem Prinzip eines Resonanzmoduls miteinander (re-)kombiniert wurden: es geht zwischen den einzelnen Mitgliedern hin und her, die Strukturen morphen und der Sound nimmt immer andere Formen an. Eben dieser Ansatz bedingt auch die ständige Weiterentwicklung der Stücke, die gemeinsam mit dem Produzenten Ingo Krauss zu einem Album geschliffen wurden, das seinen nahbaren improvisatorischen Charakter keinesfalls verloren hat. Im Vergleich zu den drei thematisch ausgerichteten Vorgängeralben »Automat«, »Plusminus« und »Ostwest«, die sich jeweils explizit mit Berliner Flughäfen, dem Genre Dub und der europäischen Flüchtlingskrise befassten, setzt »Modul« auf eine inhaltliche Durchlässigkeit, welche die musikalische Offenheit der Platte widerspiegelt.
Nachdem »Modul 15« das Album mit satten Dub-Sounds und einer rollenden Bassline eröffnet, hebt »Easy Riding« passend zu St. Hilaires vor Fernweh triefenden Lyrics das Tempo mit dezenten Riddims an. Schon im nächsten Song, »Ghost«, debütiert Bajinski mit distanziertem Stimmeinsatz über einem melancholischen Stück, dessen Klangbild von den modularen Beigaben Loderbauers geprägt ist. So geht es weiter über die verzahnten Rhythmen von »Ankaten«, die von den verhallten Stimmen Lydia Lunchs und St. Hilaires begleitet werden, hin zum balladesken »Nothing Strange« mit St. Hilaire über das fiebrige Vocoder-Stück »Who For Eyes« schließlich zu den beiden abschließenden Stücken, »Pavo« und »Modul 11«, welche eine tiefenentspannte Coda zu den vorigen Tracks bilden. »Modul« durchläuft so eine Reihe von Stimmungen, ständig wechselnden Klangfarben und musikalischen Ideen, die sich in immer neuen Konstellationen zusammenfinden. Der erweiterte künstlerische Ansatz ebenso wie das vergrößerte Personal machen das Album nicht allein deshalb zur abwechslungsreichsten, sondern auch konzeptionell stimmigsten Platte Automats, die sich darauf in bester Form präsentieren: Als gut geölte Maschine, die surrt, schnurrt und unbeirrt auf dem Weg ist -
immer in Richtung neuer, unerhörter Sounds.

Southern Lord announce the next Caspar Brötzmann Massaker reissues in the ongoing series, continuing with Der Abend Der Schwarzen Folklore and Koksofen this July. Read on for more insight into these albums, and for information about incoming live dates supporting Sunn O))).

Caspar Brötzmann is one of the most unique and innovative guitarists of the last 40 years. With his Berlin-based trio Massaker, he evolved a whole new autonomous approach to writing rock songs, starting from sounds that were widely considered ornamental if not detrimental ‘sonic waste’, such as shrieking feedback and droning overtones. This plethora of sounds were arranged into tracks to sound like breaking concrete, grinding metal, or bursting glass, at once monumental and threatening, impenetrable and hermetic, yet also archaically tender and loving. 

Even today, as the art of noise has reached a level of sophistication that no one could have imagined 30 years ago, Caspar Brötzmann Massaker’s music is resoundingly singular. Ultra heavy riffs and beats, ominous tribal chants and a raw physical force is conjured up by these three sinister and proud minds of their era. Their unhinged, unified stream of energy is captured on these remastered reissues and the results are thrilling.

Koksofen (which translates as blast furnace), originally released in 1993, has become one of Massaker’s most popular albums. Like it’s predecessor, ...Schwarzen Folklore, the album took shape in Massaker’s rehearsal room below the Berlin subway station Schlesisches Tor, and was recorded at Conny Plank’s studio near Cologne, with Plank’s former associates Ingo Krauss and Bruno Gephard producing. 
 
There’s a different kind of intensity to Koksofen. The features of Massaker’s sound are in full bloom.  Mountainous noises tower up and crash down, and tormented sounds rise from ominously seething grounds, haunting the entire song-scape. The feel of doom and dread hangs heavily over the five songs, and the title song rumbles, shrieks and wails, plagued by Caspar’s guttural growls of war, suffering and death.
 
Caspar recalls one anecdote from shortly after the original release whereby Bassist Edu Delgado called him asking to turn on the TV, thus discovering that “Hymne“ was being used as background music to a report about the death penalty in the US. A different kind of intensity indeed. 
Reflecting on the album to this day Caspar remarks “Koksofen is still a mystery to me,'' he continues “I can still feel the troubled times in these songs.” - the effects are certainly potent for the listener too. And the album undoubtedly affirms Massaker as the fiercely original and compellingly raw musicians that they are.  

Dark Star Safari, a newly formed group featuring Samuel Rohrer, Jan Bang, Erik Honoré and Eivind Aarset, present its eponymous recording debut, an evocative song-driven album. These songs conjure shadows of memory, clouds of dreaming and silhouettes of foreboding through the album’s layered, many-textured fabrics and Jan Bang's silken delivery of Erik Honoré's acute lyrics. Dark Star Safari is the work of four kindred spirits, their open modus operandi, and a remarkably interconnected creative nerve system. Key to their collaboration is an organic freedom that enables the music “to fill itself in", to be self-actualizing via the musicians as medium. The music of the 10 songs resulted from a two-stage process: an initial phase of free flowing open improvi- sation, and a subsequent exploratory phase where hidden potenti- als were discovered and nurtured. The groundwork of the album’s music originates from a session initiated by Samuel Rohrer, who invited Jan Bang and Eivind Aarset to the renowned Candy Bomber studio in Berlin. The ses- sion was run under the imaginative craftsmanship of sound engi- neer Ingo Krauss, who worked in the famous Conny Plank stu- dio, and its recording and mixing employed sophisticated use of vintage analogue equipment alongside cutting edge digital pro- cesses. This meeting opened the door for something larger to emerge. The group did not settle for just the outcome of the initi- al open improvisation. They were driven to dig deeper, to atten- tively examine and manipulate the material, in order to discover what it had to offer. This caused a creational chain reaction, forcefully spreading across the group. During this second phase, Jan Bang, while meditating upon the possibilities and reach of the improvised material, felt a strong urge to give additional shape and colour to it by singing. Thus, he organically stepped into the role of vocalist, a role he had not pursued since the early days of his musical career. He sent the results to Erik Honoré, who immediately was inspired by its po- tential, quickly penning lyrics and providing the project with its name. Honoré composed two additional songs, Mordechai and Fault Line, and thus rounded the project out towards a fully reali- zed opus. The group continued this back and forth process, with Samuel Rohrer and Eivind Aarset bringing in fine-tuning and e nrichment to the song structures and textures.