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Dream Theater-Keyboarder Jordan Rudess ist kein Unbekannter, wenn es um Experimente geht. Er hat den Ruf, kreative, klangliche und technologische Grenzen gekonnt zu überschreiten. Sein neuestes Werk, das Soloalbum "Permission to Fly", verkörpert dieses Ethos und beschäftigt sich mit der Komplexität der menschlichen Existenz in unserer facettenreichen Welt. Mit Darby Todd (Devin Townsend) am Schlagzeug, That Joe Payne am Gesang, Steve Dadaian an der Gitarre und Bastian Martinez als Gast-Gitarrensolist hat Rudess diesmal eine Kerngruppe von Musikern zusammengestellt, die seine Vision unterstützen und erweitern. "Permission to Fly" ist eine abwechslungsreiche Sammlung, die von ausgefeilten Prog-Kompositionen bis hin zu mitreißenden Balladen reicht. Die Songs erforschen verschiedene Themen - von alltäglichen menschlichen Kämpfen bis hin zu übernatürlichen Phänomenen. Jeder Song ist eine eigenständige Reise, aber in seiner Gesamtheit enthüllt das Album eine musikalische Odyssee durch das breite Spektrum menschlicher Erfahrungen.

Elf Songs und ein Klavier-Intro bieten den Hörern erstklassigen Speed/Thrash Metal, der sich locker zwischen internationalen Klassikern der 80er und 90er-Jahre, sowie aktuellsten Tipps von Heute einfügen wird.
Die Aufnahmen wirken wie ein zweiter Frühling der Band: ehrlich, direkt, frisch und ultra heavy!
Dies mag mitunter am bisher stärksten und reifsten Line-up in der Geschichte der Band liegen. Zu Beginn des Vorjahres rekrutierte man niemand geringeren als den aus Bulgarien stammenden und in Dänemark lebenden Saitenhexer Nikolay Atanasov (u.a. AGENT STEEL). Er komplementiert mit dem bereits davor dazugestoßenen Bassisten Lorenz Kandolf (u.a. TRAITOR) das Line-up. Den Kern der Gruppe bildet, seit dem mittlerweile als Klassiker gehandhabten, im "New Wave Of Thrash Metal" geltenden Debüt "Have Gun, Will Travel" (2010), Band-Gründer, Sänger, Gitarrist und Hauptkomponist Ricky Wagner, sowie der Ausnahme-Schlagzeuger Bastian "attt" Santen. Noch nie hat REZET so frisch geklungen und vor Angriffslust gestrotzt.

Produziert, gemixt und gemastert wurde das Album erneut von Eike Freese (HELLOWEEN; DEEP PURPLE; HEAVEN SHALL BURN uvm.), Hamburgs Rock & Metal-Produzenten par excellence, wobei Teile der Aufnahmen in den bandeigenen "Rad Toad Studios", im hohen Norden Schleswig-Holsteins, selbst durchgeführt wurden.
Pär Oloffsson (Exodus, Aborted, Pathology, Traitor, Finsterforst uvm.) bietet die dystopische Visualisierung der Scheibe und zeichnet das Bild einer mechanischen Landschaft, die von neuem Leben zurückerobert wird. Der "große Reset" war vermutlich noch nie so nah…

Elf Songs und ein Klavier-Intro bieten den Hörern erstklassigen Speed/Thrash Metal, der sich locker zwischen internationalen Klassikern der 80er und 90er-Jahre, sowie aktuellsten Tipps von Heute einfügen wird.
Die Aufnahmen wirken wie ein zweiter Frühling der Band: ehrlich, direkt, frisch und ultra heavy!
Dies mag mitunter am bisher stärksten und reifsten Line-up in der Geschichte der Band liegen. Zu Beginn des Vorjahres rekrutierte man niemand geringeren als den aus Bulgarien stammenden und in Dänemark lebenden Saitenhexer Nikolay Atanasov (u.a. AGENT STEEL). Er komplementiert mit dem bereits davor dazugestoßenen Bassisten Lorenz Kandolf (u.a. TRAITOR) das Line-up. Den Kern der Gruppe bildet, seit dem mittlerweile als Klassiker gehandhabten, im "New Wave Of Thrash Metal" geltenden Debüt "Have Gun, Will Travel" (2010), Band-Gründer, Sänger, Gitarrist und Hauptkomponist Ricky Wagner, sowie der Ausnahme-Schlagzeuger Bastian "attt" Santen. Noch nie hat REZET so frisch geklungen und vor Angriffslust gestrotzt.

Produziert, gemixt und gemastert wurde das Album erneut von Eike Freese (HELLOWEEN; DEEP PURPLE; HEAVEN SHALL BURN uvm.), Hamburgs Rock & Metal-Produzenten par excellence, wobei Teile der Aufnahmen in den bandeigenen "Rad Toad Studios", im hohen Norden Schleswig-Holsteins, selbst durchgeführt wurden.
Pär Oloffsson (Exodus, Aborted, Pathology, Traitor, Finsterforst uvm.) bietet die dystopische Visualisierung der Scheibe und zeichnet das Bild einer mechanischen Landschaft, die von neuem Leben zurückerobert wird. Der "große Reset" war vermutlich noch nie so nah…

Nach den von Fachmedien gefeierten Neuauflagen ihrer Releases aus der Mitte der 1990er Jahre melden sich Seefeel mit ihrer ersten neuen Musik seit 2011 zurück. "Everything Squared" ist ein exzellentes 6-Track-Minialbum und eine zeitgenössische Weiterentwicklung ihres typischen Sounds. Es wurde hauptsächlich von dem Kernduo Mark Clifford und Sarah Peacock komponiert und eingespielt, der Bassist Shigeru Ishihara spielt auf zwei Tracks. Das Mastering übernahm der Berliner Toningenieur Stefan Betke alias Pole bei Scape Mastering, das Design stammt von Ian Anderson, The Designers Republic.

American Standard beginnt mit einem Schock. Sänger Michael Berdan steht allein und schreit: "A part of me, but it can't be me. Oh God, it can't." Alles beginnt mit einem Geständnis. Hinter den erschütternden Schreien verbirgt sich der Schmerz der Bulimia nervosa. Es ist der Schmerz einer Krankheit, die ebenso physisch wie psychisch ist. Dies ist eine Art von Aufbruch. Mit jedem Satz von American Standard schält Uniform eine neue Schicht ab und erzählt die Geschichte im Inneren der vorhergehenden. Die Texte dringen in den Kern des innersten Selbst ein, in das kleine menschliche Wesen, das im Griff der Krankheit zerquetscht wird. Um diese Geschichte von Essstörungen, Selbsthass, Wahnvorstellungen, Manie und letztendlicher Entdeckung zu entschlüsseln, holte sich Berdan Hilfe von zwei überragenden literarischen Außenseiterfiguren. Zusammen mit B.R. Yeager (Autor des modernen Kult-Klassikers Negative Space) und Maggie Siebert (dem Kopf hinter dem zeitgenössischen Body-Horror-Meisterwerk Bonding) nehmen die drei Autoren das persönliche Material auseinander, um ein Porträt psychischer und physischer Krankheit zu präsentieren, das so eindringlich und erschreckend ist wie nichts anderes im heutigen Kanon. Das Ergebnis ist eine akkurate Artikulation eines Zustands, der über einfache Qualen hinausgeht, und fängt die aufregende Transzendenz und Befreiung ein, die Krankheit in diesem Prozess bringen kann. American Standard ist mit Sicherheit das thematisch gelungenste und musikalisch selbstbewussteste Album von Uniform, das es bisher gab. Abschnitte drehen sich und explodieren. Motive driften ins Ungewisse ab, bevor sie sich mit neuer Kraft wieder durchsetzen. Genres kollidieren und brechen auf und formen etwas Eigenwilliges und Neues. Es gibt eine Größe, die zum Teil auf die Hinzufügung des Interpol-Bassisten Brad Truax zurückzuführen ist, zusammen mit dem perkussiven Druck und Zug des zurückkehrenden Schlagzeugers Michael Sharp und des langjährigen Tour-Schlagzeugers Michael Bloom, der hier sein Uniform-Aufnahme-Debüt gibt. Diese Großartigkeit ist jedoch ganz klar der Größe und Kraft der Arrangements von Gitarrist und Gründer Ben Greenberg zuzuschreiben, die immer elegant zu den intensiven lyrischen Themen passen. Ohne den geringsten Zweifel ist American Standard ein Kunstwerk, quälend in seiner Ehrlichkeit und unerbittlich in seinem Streben nach klanglicher Transzendenz. Es ist abscheulich. Es ist wunderschön. Es ist notwendig.

Im Zuge der Wiederveröffentlichung ausgesuchter Backkatalog-Titel von Vulcano bieten High Roller auch eine remasterte Version des jüngsten Bandalbums "Epilogue" an, das Mastermind Zhema Anfang 2024 in Eigenregie herausbrachte.

Der 13. Longplayer der Gruppe zeigt das Kernduo - Gitarrist/Hauptsongschreiber Zhema und Sänger Luiz Carlos Louzada arbeiten seit 1997 zusammen - in Bestform und unterstreicht ihre einzigartige Chemie.

Und wer den Titel "Epilogue" wörtlich nehmen will, irrt sich, denn Zhema arbeitet bereits an neuem Material, um den brasilianischen Old-School-Spirit am Leben zu halten!

Im Zuge der Wiederveröffentlichung ausgesuchter Backkatalog-Titel von Vulcano bieten High Roller auch eine remasterte Version des jüngsten Bandalbums "Epilogue" an, das Mastermind Zhema Anfang 2024 in Eigenregie herausbrachte.

Der 13. Longplayer der Gruppe zeigt das Kernduo - Gitarrist/Hauptsongschreiber Zhema und Sänger Luiz Carlos Louzada arbeiten seit 1997 zusammen - in Bestform und unterstreicht ihre einzigartige Chemie.

Und wer den Titel "Epilogue" wörtlich nehmen will, irrt sich, denn Zhema arbeitet bereits an neuem Material, um den brasilianischen Old-School-Spirit am Leben zu halten!

Ein allumfassender akustischer Angriff, eine Kraft, die so unaufhaltsam und lebendig ist wie die Flut. Das Post-Rock-Kraftpaket AND SO I WATCH YOU FROM AFAR kehrt mit seinem 7. Studioalbum ,Megafauna" zurück. Studioalbum "Megafauna" zurück. Das neue Album ist eine eigenwillige Erkundung und eine von Herzen kommende Würdigung mit der ganzen Intuition, Intimität und dem Humor von vier festen Freunden, die sich ihrem 20-jährigen Bandbestehen nähern. Die Absicht hinter "Megafauna" ist von Anfang an klar. Zwei Gitarren, ein Bass und ein Schlagzeug, allesamt in einer Woche aufgenommen, erwachen in einem Endorphinrausch der Zusammenarbeit und des Miteinanders nach der physischen und psychischen Wildnis der Isolation zu überschäumendem Leben. Die Leadsingle "Do Mór" ist eine absurd verspielte Kollision aus unbeschwerten Gitarrenhooks, mühelosen Jazz-Synkopen und der triumphalen Rückkehr von ASIWYFAs unnachahmlicher Wall-of-Sound-Verzerrung, während der Eröffnungstrack "North Coast Megafauna" als Hymne für das gesamte Album und vielleicht auch für eine wiedererstarkte Band dient, die die freudig-schockierende Konfrontation ihres Sounds stolz auf ihren Ärmeln trägt. An anderer Stelle stehen Introspektion und düstere Sentimentalität im Mittelpunkt, wobei das Downtempo-Stück "Years Ago" eine bemerkenswerte dynamische Tiefe bietet. "Megafauna" ist das erste neue Werk der Band seitdem von der Kritik hochgelobten, aber nur sehr limitiert veröffentlichten "Jettison" aus dem Jahr 2022, ein ambitioniertes Multimedia-Ensemblewerk voller Experimente mit Gästen. Gitarrist Niall Keenedy bezeichnete "Jettison" scherzhaft als "das reife Album" der Band und umrahmte das Schreiben von "Megafauna" mit dem langjährigen Mantra der Band "DO THE SCARY THING", das sie ständig auf das Neue, den Fortschritt, die Evolution und das Unbekannte zusteuern lässt. Während die neue Platte ASIWYFA in einer vertrauteren, traditionellen Form zeigt, ist "Megafauna" in dieser Post-"Jettison"- und Post-Pandemie-Welt eine ohrenbetäubende und trotzige Absichtserklärung des treibenden Kerns der Band, die Zusammengehörigkeit statt Trennung zelebriert. Übrigens, das klasse "Jettison" jetzt auch wiederveröffentlicht!

Ein allumfassender akustischer Angriff, eine Kraft, die so unaufhaltsam und lebendig ist wie die Flut. Das Post-Rock-Kraftpaket AND SO I WATCH YOU FROM AFAR kehrt mit seinem 7. Studioalbum ,Megafauna" zurück. Studioalbum "Megafauna" zurück. Das neue Album ist eine eigenwillige Erkundung und eine von Herzen kommende Würdigung mit der ganzen Intuition, Intimität und dem Humor von vier festen Freunden, die sich ihrem 20-jährigen Bandbestehen nähern. Die Absicht hinter "Megafauna" ist von Anfang an klar. Zwei Gitarren, ein Bass und ein Schlagzeug, allesamt in einer Woche aufgenommen, erwachen in einem Endorphinrausch der Zusammenarbeit und des Miteinanders nach der physischen und psychischen Wildnis der Isolation zu überschäumendem Leben. Die Leadsingle "Do Mór" ist eine absurd verspielte Kollision aus unbeschwerten Gitarrenhooks, mühelosen Jazz-Synkopen und der triumphalen Rückkehr von ASIWYFAs unnachahmlicher Wall-of-Sound-Verzerrung, während der Eröffnungstrack "North Coast Megafauna" als Hymne für das gesamte Album und vielleicht auch für eine wiedererstarkte Band dient, die die freudig-schockierende Konfrontation ihres Sounds stolz auf ihren Ärmeln trägt. An anderer Stelle stehen Introspektion und düstere Sentimentalität im Mittelpunkt, wobei das Downtempo-Stück "Years Ago" eine bemerkenswerte dynamische Tiefe bietet. "Megafauna" ist das erste neue Werk der Band seitdem von der Kritik hochgelobten, aber nur sehr limitiert veröffentlichten "Jettison" aus dem Jahr 2022, ein ambitioniertes Multimedia-Ensemblewerk voller Experimente mit Gästen. Gitarrist Niall Keenedy bezeichnete "Jettison" scherzhaft als "das reife Album" der Band und umrahmte das Schreiben von "Megafauna" mit dem langjährigen Mantra der Band "DO THE SCARY THING", das sie ständig auf das Neue, den Fortschritt, die Evolution und das Unbekannte zusteuern lässt. Während die neue Platte ASIWYFA in einer vertrauteren, traditionellen Form zeigt, ist "Megafauna" in dieser Post-"Jettison"- und Post-Pandemie-Welt eine ohrenbetäubende und trotzige Absichtserklärung des treibenden Kerns der Band, die Zusammengehörigkeit statt Trennung zelebriert. Übrigens, das klasse "Jettison" jetzt auch wiederveröffentlicht!

Eine neue Kraft erwacht. Sie dehnt die Grenzen des Bewusstseins aus. Sie verschlingt alles, was sich ihr in den Weg stellt. Sie läutet die "Reaperdawn" ein. IN APHELION könnte der ultimative Extrem-Metal-Adrenalinstoß sein. Es ist die euphorische Black-Metal-Idee des Gitarristen und Sängers Sebastian Ramstedt (bekannt als Gitarrist und Songschreiber von Necrophobic). Dunkler, seltsamer, epischer und progressiver als von den Bewunderern seiner Arbeit erwartet, ist dieses neue Ventil für dunklen, künstlerischen Ausdruck entstanden, der fest mit der Bösartigkeit des nordeuropäischen Black Metals verbunden ist, aber gleichzeitig eine tiefe Verbundenheit mit dem klassischen, traditionellen Heavy Metal und der schwarzen Magie der psychedelischen Wiederholung aufweist. Basierend auf einer Kernbesetzung, bestehend aus Ramstedt (Gitarre/Gesang), Schlagzeuger Marco Prij (auch Cryptosis), Rhythmusgitarrist Johan Bergebäck (Necrophobic) und Bassist Tobias Cristiansson (Necrophobic, ex-Grave...), haben IN APHELION den kompromisslosen DIY-Weg eingeschlagen, um ihren aktuellen Status als neue Century Media Band zu erreichen. Die Atmosphäre von "Reaperdawn" ist ein wirbelnder Strudel aus obsidianem Funkeln und schillerndem Ruß. IN APHELIONs meisterhafte Mischung aus obskurer Blasphemie und grandiosem Old-School-Gestöber hat eine neue Potenz-Ebene erreicht, da Songs wie der imposante Opener "The Fields In Nadir" und das hymnische "When All Stellar Light Is Lost" den Black-Metal-Ethos weiter unterwandern; mit übermenschlichen Blasts und schädelrasselnden Thrash-Passagen, die einige wahrhaft euphorische und inspirierende Wogen der melodischen Bosheit untermauern.

Paul Weller – der „Godfather of Brit-Pop“ ist zurück!
„66“ heißt sein neues und mittlerweile 17. Studioalbum, welches zu seinem 66. Geburtstag erscheint. Das
Cover wurde von Sir Peter Blake gestaltet. Der ehemalige Sänger und Gitarrist von „The Jam“ zeigt auf
dem Album seine reflektierte Seite, mit viel Melancholie und dennoch auch einem positiven Kern. Die
12 Songs auf ”66” wurden im Laufe von drei Jahren in Wellers Black Barn Studio mit einer Reihe von
Gastmusikern (Suggs, Noel Gallagher, Bobby Gillespie, Erland Cooper, Duo White Label, Hannah Peel,
Christophe Vaillant, Say She She, Dr Robert, Richard Hawley, Steve Brooks, Max Beesley) aufgenommen.
Paul Weller wurde bisher mit 4 BRIT – Awards ausgezeichnet, einen für „Outstanding Contribution to
British Music“

Nur wenige Künstler sind so umstritten und einflussreich. New York-Legende R.A. The Rugged Man wird dieser Einordnung durch seine Kombination aus Authentizität, seines unbestreitbar wilden Lebens mit seinen unverkennbar außergewöhnlichen Fähigkeiten am Mikrophon gerecht. Schon in den Neunzigern, als er mit Notorious BIG, Sadat X und Company Flow aufnahm und zwischenzeitlich bei Jive gesigned war, wo sein Album jedoch nie veröffentlicht wurde, glaubte niemand mehr an eine erfolgreiche Karriere. Aufgrund seiner vielen Eskapaden war er aus sämtlichen Studios, Konzerthallen und Plattenfirmenbüros verbannt worden. Doch R.A. The Rugged Man blieb sich treu, veröffentlichte mehrere Underground-Singles und ein Album auf Rawkus, Eastern Conference und Nature Sounds und erhielt sich einen harten Kern an treuen Fans. Nun legt er mit "Legends Never Die" den Nachfolger zu "Die Rugged Man Die" vor. Mit dabei sind MCs wie Tech N9ne, Talib Kweli, Brother Ali, Masta Ace, Vinnie Paz (Jedi Mind Tricks), Sadat X, Bumpy Knuckles u.v.a. Für die Beats haben unter anderem Marco Polo, Buckwild, Apathy, Ayatollah und Mr. Green gesorgt.

Omega, die erfolgreichste ungarische ProgRock Band, veröffentlichte sein bestes Material in den 70er Jahren, und "Time Robber" gilt als der musikalische Höhepunkt in der Omega-Diskographie. Kernstück der LP ist der Titelsong, flankiert von "House Of Cards Part I & II". Das fast 13-minütige Werk bündelte exakt, was Omega 1976 ausmachte: Progressiver Space Rock versetzt mit Hard-Rock-Elementen. Nach vier Studio-Alben und einer Compilation waren die ungarischen Top-Stars Omega im Westen immer noch nur ein Geheimtipp. Eine steigende Tendenz bei den Absatzzahlen war aber zu erkennen, selbst wenn die Verkäufe längst nicht durch die Decke gingen. Darüber hinaus hatte sich die Band entwickelt, war live und in ihrem Erscheinungsbild professioneller geworden. Die Bacillus/Bellaphon-Verantwortlichen wollten Omega demnach auf jeden Fall behalten und verlängerten 1976 den Vertrag mit dem Quintett bis 1980. Und dieses zog mit Peter Hauke in die Offenbacher Europasound-Studios und spielte dort "Time Robber" ein. Die LP wurde im Westen Omegas Durchbruch. Bis heute soll sich das Album an die zwei Millionen Mal verkauft haben. Und dieser Erfolg kam nicht von ungefähr, lieferten die Ungarn doch erstmals ein komplexes, in sich geschlossenes Werk ab.

Die dänische Band Efterklang meldet sich mit ihrem siebten Studioalbum „Things We Have In Common“ zurück, das am 27. September über City Slang veröffentlicht werden soll.

Ein Album über Freundschaft, Zugehörigkeit, Glauben und Verständnis, Themen, die in der Musik spürbar sind, die sanft und erhebend, heilend und mitreißend ist. Efterklang ist zu einer offenen Gemeinschaft mit drei festen Mitgliedern geworden: Mads Brauer, Casper Clausen und Rasmus Stolberg. Für dieses Album hat sich das Kerntrio wieder mit ihrem alten Freund und Efterklang-Gründungsmitglied Rune Mølgaard zusammengetan, der die Band 2007 verließ, um sich der mormonischen Kirche anzuschließen, und schließlich 2022 aus der Kirche austrat. Seine tiefgreifende spirituelle Reise beeinflusst maßgeblich den Inhalt und den Ton des Albums, auf dem er sieben der neun Songs mitgeschrieben hat. Things We Have In Common“ fällt mit dem 20-jährigen Jubiläum des Debütalbums der Band zusammen und präsentiert zwei Jahrzehnte der Zusammenarbeit, Erforschung, Entwicklung und Wiedervereinigung. Das Album enthält Beiträge von einer Vielzahl internationaler Musiker. Zach Condon von Beirut, der finnische Schlagzeuger Tatu Rönkkö, der venezolanische Gitarrist Hector Tosta und die guatemaltekische Cellistin und Sängerin Mabe Fratti wurden zu wichtigen Mitwirkenden. Der preisgekrönte italienische Mixer Francesco Donadello und der Süddänische Mädchenchor haben dem Album ihren Stempel aufgedrückt, wie schon beim 2012er Album „Piramida“ der Band.

Die schwedische Post-Rock-Band OH HIROSHIMA kehrt zurück, um in einem Zeitalter der verblassten Jugend und der Ernüchterung für Wunder und Ehrfurcht einzutreten. All Things Shining", das fünfte Studioalbum der Band, zeigt das auf einen brüderlichen Kern reduzierte Projekt, während es sich immer weiter in neue klangliche Gefilde ausdehnt. Vor über 15 Jahren als DIY-Post-Rock-Aufnahmeprojekt in Kristinehamn gegründet, ist Oh Hiroshima stetig über seine schwedische Heimatstadt hinausgewachsen und zu einem hoch angesehenen Studio- und Live-Projekt in der internationalen Post-Rock-Szene geworden. Nach vier abwechslungsreichen Alben, die Elemente von Shoegaze, Electronica, Post-Punk und tanzbarem Indie-Rock beinhalten, stellt Oh Hiroshimas bevorstehende fünfte Veröffentlichung All Things Shining" eine bedeutende Entwicklung im Songwriting und Sounddesign der Band dar. All Things Shining" ist eine musikalische Reflexion über den bisherigen Lebensweg der Band und darüber, dass das Staunen über die Welt heutzutage so viel schwieriger zu erreichen ist - ein weiterer bedeutender Meilenstein in Oh Hiroshimas Reise. Das Album, das gleichzeitig persönlich und universell ist, dient als klangliche Erkundung der zweischneidigen Natur des Alterns; das zweischneidige Schwert der Anhäufung lebensbejahender Erfahrungen, die unweigerlich unsere Wahrnehmung der Welt um uns herum trüben. Wie der Titel schon andeutet, betonen Oh Hiroshima jedoch, dass noch nicht alles verloren ist. Mit Songs, die von zeitlosen literarischen Werken inspiriert sind, die für Jakob und Oskar im Laufe ihres Lebens von zentraler Bedeutung waren, ist "All Things Shining" eine Erinnerung daran, dass es im Gegensatz zu den anderen Bands, die sich mit dem Alter befassen, noch etwas gibt.

Die schwedische Post-Rock-Band OH HIROSHIMA kehrt zurück, um in einem Zeitalter der verblassten Jugend und der Ernüchterung für Wunder und Ehrfurcht einzutreten. All Things Shining", das fünfte Studioalbum der Band, zeigt das auf einen brüderlichen Kern reduzierte Projekt, während es sich immer weiter in neue klangliche Gefilde ausdehnt. Vor über 15 Jahren als DIY-Post-Rock-Aufnahmeprojekt in Kristinehamn gegründet, ist Oh Hiroshima stetig über seine schwedische Heimatstadt hinausgewachsen und zu einem hoch angesehenen Studio- und Live-Projekt in der internationalen Post-Rock-Szene geworden. Nach vier abwechslungsreichen Alben, die Elemente von Shoegaze, Electronica, Post-Punk und tanzbarem Indie-Rock beinhalten, stellt Oh Hiroshimas bevorstehende fünfte Veröffentlichung All Things Shining" eine bedeutende Entwicklung im Songwriting und Sounddesign der Band dar. All Things Shining" ist eine musikalische Reflexion über den bisherigen Lebensweg der Band und darüber, dass das Staunen über die Welt heutzutage so viel schwieriger zu erreichen ist - ein weiterer bedeutender Meilenstein in Oh Hiroshimas Reise. Das Album, das gleichzeitig persönlich und universell ist, dient als klangliche Erkundung der zweischneidigen Natur des Alterns; das zweischneidige Schwert der Anhäufung lebensbejahender Erfahrungen, die unweigerlich unsere Wahrnehmung der Welt um uns herum trüben. Wie der Titel schon andeutet, betonen Oh Hiroshima jedoch, dass noch nicht alles verloren ist. Mit Songs, die von zeitlosen literarischen Werken inspiriert sind, die für Jakob und Oskar im Laufe ihres Lebens von zentraler Bedeutung waren, ist "All Things Shining" eine Erinnerung daran, dass es im Gegensatz zu den anderen Bands, die sich mit dem Alter befassen, noch etwas gibt.

Perseverance, originally released in 2020, is not a new Peter Kernel album. Rather, it's a collection of songs which didn't find their place on official albums throughout the years but, one way or another, shaped the duo and brought them where they are today. These tracks are like them: funny, sad, too much, not enough, flawed and simply human! Twelve demos, alternative takes and rarities that come with twelve additional tracks available on a digital download card.

"Sun Dogs" nennt sich das unglaubliche Debütalbum des Songwriters und Produzenten Jamie Finlay aus Manchester, eine einzigartige Mischung aus elektrischem Soul, spirituellem Jazz und Psychedelia mit Einflüssen von Pharaoh Sanders, Ethio-Jazz, Herbie Hancock bis zu den Mizell Brothers. Zur Kernband Finlays gehört u.a. Sängerin & Multiinstrumentalistin Ellen Beth Abdi (A Certain Ratio). Abgemischt wurde "Sun Dogs" von Finlay zusammen mit dem Toningenieur Phil Kirby (Mr. Scruff, 808 State).


a 01: Destroy Create (Part I) feat. Kemani Anderson





g 07: Destroy Create (Part II) feat. Kemani Anderson & Ellen Beth Abdi

Eivør, die oft als eine der produktivsten und einzigartigsten nordischen Künstlerinnen ihrer Generation angesehen wird, hat bis heute 11 Studioalben veröffentlicht, wobei sie musikalische Genres und immer wieder die Grenzen des Erwarteten überschreitet. Eivørs musikalische Reise, die 2021 mit dem Musikpreis des Nordischen Rates ausgezeichnet wurde, fasziniert weltweit - von den größten Festivalbühnen Europas bis hin zum Soundtrack für die Netflix-Hitserie The Last Kingdom und das Videospiel God of War: Ragnarök.

Ihr kommendes neues Album 'Enn' knüpft an Eivørs nordische Wurzeln an. Die meisten der Texte, die komplett auf Färöisch gesungen werden, entstanden in Zusammenarbeit mit dem färöischen Dichter Marjun Syderbø Kjelnæs. Eivør bezeichnet den Text des Titeltracks als besonders "hardcore". Der Song handelt vom Krieg - "von den Kriegen, die in der Welt vor allem in letzter Zeit stattfinden, die es aber schon immer gegeben hat", sagt Eivør, "und davon, wie man in dieser überwältigenden Dunkelheit einen Lichtblick findet." Der gutturale vorletzte Track, "Upp Úr Øskuni", ist ein aufregender Ausreißer, der knurrendes Beatboxing mit viszeralem Kehlkopfgesang mischt (sicherlich Eivørs metallischster Moment).

'Enn' sticht aus Eivørs Diskografie als kühnes neues Projekt heraus. Ihr Debütalbum für Season of Mist lehnt sich stärker an dunkle Elektronik an - der neuer Prophet-5-Synthesizer hat es kaum aus der Verpackung geschafft, bevor sie "Hugsi Bert Um Teg" anstimmt, ein schwelgerisches Stück Dream-Pop, das wie die Farben der Milchstraße tanzt.

Im Großen und Ganzen folgt 'Enn' einem kosmischen Bogen. Der Titeltrack ist eine symphonische, vom Krieg zerrissene Weltraum-Odyssee. Aber das Album widmet sich auch irdischeren Themen. Die Leadsingle "Jardartra" wird aus der Perspektive einer verletzten Mutter Erde erzählt, mit einer stetig pochenden Basslinie, die so dunkel und warm ist wie der geschmolzene Kern unseres Planeten ist. "Komm und leg dich in meine blaue Umarmung", singt Eivør und entfesselt dabei in ihr opernhaftes Register, als wolle sie uns ins Licht locken.

Mit Gitarrist Steve Jansson (Daeva, Unrest), Sänger Brooks Wilson (Unrest), Schlagzeuger Enrique Sagarnaga (Daeva, The Silver), Gitarrist Frank Chin (Daeva), Bassist Matt Knox (Horrendous, The Silver) und Keyboarder Tanner Anderson (Obsequiae, Majesties) hat das in Philadelphia ansässige Sextett seine Zeit abseits des Rampenlichts genutzt, um ein noch größeres, mysteriöseres Crypt Sermon zu schaffen. The Stygian Rose ist eine Mischung aus Doom und Heavy Metal, welches allerdings beide Genres mühelos überwindet. Von der fulminanten Solosalve von "Glimmers in the Underworld" und dem beherrschenden Rhythmus von "Heavy is the Crown of Bone" bis hin zu den beschwörenden nahöstlichen Vibes von "Thunder (Perfect Mind)" und der komplizierten, meisterhaften Reise des 11-minütigen Titeltracks verkörpert The Stygian Rose die zunehmend wachsenden musikalischen und konzeptionellen Fähigkeiten der Band.

Crypt Sermon haben The Stygian Rose mit dem renommierten Produzenten Arthur Rizk (Blood Incantation, Cirith Ungol) und dem Toningenieur Aidan Elias (Blood Incantation, Wayfarer) im Redwoods in Philadelphia aufgenommen. Obwohl Rizk für Out of the Garden (2015) und The Ruins of Fading Light (2019) verantwortlich zeichnete, hat das Team das genreübergreifende Werk der Band dieses Mal in einem neuen Licht eingefangen. Die Singles "Glimmers in the Underworld", "Heavy is the Crown of Bone" und "Thunder (Perfect Mind)" sind beängstigend effektiv in ihrer Neil Kernon-esken Produktion. Gleichzeitig werfen die tiefgründigen Albumtracks "Scrying Orb", "Down in the Hollow" und "The Stygian Rose" lange, mysteriöse Schatten. Rizk holte aus Crypt Sermon denselben Big-Stage-Sound, den die Produzenten Dave Jerden und Rick Rubin Alice In Chains bzw. Trouble entlockten.

Geschmückt mit einem fesselnden Artwork und einem bezaubernden (und doch düsteren) lyrischen Konzept von Wilson, ist dies Crypt Sermons Moment - tauch ein in The Stygian Rose und lass dich von seinem Reichtum verzaubern!

FFO: Candlemass, Khemmis, Visigoth, Eternal Champion, King Diamond, Solitude Aeternus

Mit Gitarrist Steve Jansson (Daeva, Unrest), Sänger Brooks Wilson (Unrest), Schlagzeuger Enrique Sagarnaga (Daeva, The Silver), Gitarrist Frank Chin (Daeva), Bassist Matt Knox (Horrendous, The Silver) und Keyboarder Tanner Anderson (Obsequiae, Majesties) hat das in Philadelphia ansässige Sextett seine Zeit abseits des Rampenlichts genutzt, um ein noch größeres, mysteriöseres Crypt Sermon zu schaffen. The Stygian Rose ist eine Mischung aus Doom und Heavy Metal, welches allerdings beide Genres mühelos überwindet. Von der fulminanten Solosalve von "Glimmers in the Underworld" und dem beherrschenden Rhythmus von "Heavy is the Crown of Bone" bis hin zu den beschwörenden nahöstlichen Vibes von "Thunder (Perfect Mind)" und der komplizierten, meisterhaften Reise des 11-minütigen Titeltracks verkörpert The Stygian Rose die zunehmend wachsenden musikalischen und konzeptionellen Fähigkeiten der Band.

Crypt Sermon haben The Stygian Rose mit dem renommierten Produzenten Arthur Rizk (Blood Incantation, Cirith Ungol) und dem Toningenieur Aidan Elias (Blood Incantation, Wayfarer) im Redwoods in Philadelphia aufgenommen. Obwohl Rizk für Out of the Garden (2015) und The Ruins of Fading Light (2019) verantwortlich zeichnete, hat das Team das genreübergreifende Werk der Band dieses Mal in einem neuen Licht eingefangen. Die Singles "Glimmers in the Underworld", "Heavy is the Crown of Bone" und "Thunder (Perfect Mind)" sind beängstigend effektiv in ihrer Neil Kernon-esken Produktion. Gleichzeitig werfen die tiefgründigen Albumtracks "Scrying Orb", "Down in the Hollow" und "The Stygian Rose" lange, mysteriöse Schatten. Rizk holte aus Crypt Sermon denselben Big-Stage-Sound, den die Produzenten Dave Jerden und Rick Rubin Alice In Chains bzw. Trouble entlockten.

Geschmückt mit einem fesselnden Artwork und einem bezaubernden (und doch düsteren) lyrischen Konzept von Wilson, ist dies Crypt Sermons Moment - tauch ein in The Stygian Rose und lass dich von seinem Reichtum verzaubern!

FFO: Candlemass, Khemmis, Visigoth, Eternal Champion, King Diamond, Solitude Aeternus

Acid Mothers Temple & The Melting Paraiso U.F.O. oder einfach nur Acid Mothers Temple sind eine japanische Psychedelic-Rock-Band, deren Kern 1995 gegründet wurde. Die Band wird von dem Gitarristen Kawabata Makoto geleitet. Kawabata gründete Acid Mothers Temple ursprünglich mit der Absicht, ,extreme Trip-Musik" zu kreieren, indem er frühere Aufnahmen bearbeitete und überspielte, die von Progressive Rock, Karlheinz Stockhausen und Krautrock beeinflusst waren. Die erste Vinyl-Pressung von Paralyzed Genius Brain gab's zum RSD 2023 statt und war ein aisverkaufter Erfolg. Noch immer mit dem Original-Artwork von Carl Glover kommt nun die lang erwartete Neuauflage in transparentem lila Vinyl (500 Exemplare weltweit). Paralyzed Brain wurde ursprünglich für den Verkauf auf der Europatournee des Künstlers 'The Electric Dream Ecstasy Tour 2018' produziert und war in Italien nur auf CD erhältlich. Dieses sind die ersten Pressungen überhaupt auf Vinyl. Nicht so wild wie einige andere AMT-Alben, bietet es eine leicht alternative Sichtauf die einzigartigen und talentierten musikalischen Fähigkeiten dieses legendären japanischen Outfits. Als Doppel-LP bietet die Vinylversion zusätzlich einen Bonustrack.

Chelsea Wolfes siebtes Album, Nachpressung in Lavendel Eco Vinyl, LP in Klappcover mit 12seitigem Text-Booklet & DLC! Chelsea Wolfe hat schon immer eine kraftvolle Energie ausgestrahlt, und obwohl sie die Fähigkeit bewiesen hat, diese düstere Schönheit in eine Vielzahl von Formen zu kanalisieren, ist ihr Talent als Songwriterin nie offensichtlicher, als wenn sie ihre Songs auf ein paar Schlüsselkomponenten reduziert. Das Ergebnis ist, dass ihre feierliche Majestät und bedrohliche Eleganz auf Birth of Violence stärker denn je ist.Es gibt ein Kernelement in Chelsea Wolfes Musik - eine Art dringlicher Drehung des amerikanischen Trostlosigkeitsblues -, das sich durch ihre gesamte Karriere zieht. Im Zentrum stehen seit jeher Wolfes wehmütige Sehnsucht und ihre betörende Ernsthaftigkeit, auch wenn sich der Rahmen für die Kompositionen ständig weiterentwickelt hat, je nachdem, welche Ressourcen zur Verfügung standen. Ihre nüchternen Anfänge wurden nach und nach durch Elektronik ergänzt und mit Arrangements für die ganze Band ausgefüllt. Die Musik wurde immer dichter und konzentrierte sich mehr auf Live-Auftritte. Ihr Album, Birth of Violence, ist eine Rückkehr zur Zurückgezogenheit ihrer früheren Aufnahmen.

Brachiales Drumming, ein massiv drückendes Basslick und kreischende Gitarren - so eröffnet der heißeste Postpunk-Newcomer vom Monte Scherbelino - dem Trümmerberg aus dem 2. Weltkrieg auf dem Birkenkopf Stuttgarts - sein unverschämt souveränes Debütalbum "Scherbenhügel". Die 2021 gegründeten BERLIN 2.0, um die mit ihrer sonoren Stimme gesegneten Ausnahme-Vokalistin Elena Wolf, liefern damit ein absolutes Highlight ab, unter dessen waviger Oberfläche immer eine nicht von der Hand zu weisende, rohe Punkrockbasis lauert, die sich natürlich auch in den exzellenten deutschsprachigen Lyrics niederschlägt. Hardcore-Versatzstücke vermengen sich mit dem Einfluss von US Deathrock, bergen aber eben auch diese herrliche Pop-Affinität, die die 10 Stücke von "Scherbenhügel" gleichsam so fordernd und fragil wie dringlich und emotional wirken lassen. Zwar erwachen durchaus wohlige Erinnerungen an Bands wie Xmal Deutschland, II. Invasion, EA 80, Hysterese oder die Terrible Feelings, BERLIN 2.0 definieren auf "Scherbenhügel" aber meisterhaft ihren ganz eigenen wehmütig-desillusionierten Sound, der einen sofort einfängt und einfach nicht mehr los lässt.

Es ist durchaus eine kleine Sensation, dass dieser Tage ein weiteres MORBID SAINT-Album erscheint, also mehr als 30 Jahre, nachdem ihre zweite LP „Destruction System“ aufgenommen, aber bis zu ihrer offiziellen Veröffentlichung vor kurzem nicht fertiggestellt worden war. Allerdings war die Aussicht, neue Musik in ihrem einzigartigen Death/Thrash-Metal-Stil zu schreiben, einer der Hauptgründe dafür, dass sich die Kernmitglieder 2010 überhaupt wieder vereinten. Während ihrer ersten aktiven Phase von 1984 bis ’94 konnte die Band ihr Potenzial längst nicht ausschöpfen, insbesondere im Hinblick auf ihre bahnbrechende erste Platte „Spectrum of Death“ (1990). Das neue Werk entstand im kreativen Fernaustausch, wobei sich alle Mitglieder gegenseitig Ideen zuspielten, um ein Breitseite aus zehn Extrem-Metal-Tracks abzufeuern, wie man sie heute kaum mehr hört – absolut verheerend und doch musikalisch anspruchsvoll, Grenzen überschreitend, aber nicht auf Teufel komm raus, und abgerundet von einem Artwork des legendären Ed Repka (Death, Megadeth). „Swallowed By Hell“ wurde von Chris Djuricic (Num Skull, Disinter) im The Belle City Sound Company aufgenommen und erhielt den letzten Schliff von Scott Elliott in den Chernobyl Studios. Es riecht nach alter Schule, steht aber mit beiden Beinen im Hier und Jetzt. „Eine bessere Besetzung könnte man sich nicht wünschen“, sagt Gitarrist und Mitbegründer Jim Fergades. „Wir freuen uns jetzt über alle Möglichkeiten, und je nachdem, welche sich uns bieten, kann eine Menge passieren.“

Massive Electro techno inna Pumpin crazyness !

Georg auf Lieder ist ein Malocher. Fleißig schraubt er in seinem kleinen Studio an neuen Songs und sucht dabei unermüdlich nach dem eigenen Sound. Er hat sich für die Kreativität als Lebensentwurf entschieden und dabei das tägliche Handwerk zur Kunst erhoben. Mit seinen beiden neuen Mixtapes, dem 8-Spur 22607 Tape und dem 8-Spur 22419 Tape, beweist Georg auf Lieder erneut sein erzählerisches Talent, wenn er fast hörspielartig seine Geschichten in die Welt trägt. Diese Selbstreflexion trifft auf eine musikalische Vielfalt, die absolute Offenheit bedingt. Er ist dabei stetig in Bewegung, auf der Suche nach sich, auf der Suche nach Zugehörigkeit und schärft mit nun insgesamt fünf Veröffentlichungen in nur vier Jahren seine außerordentliche Handschrift als Songwriter.

Das 8-Spur 22607 Tape besticht durch seinen auf den ersten Blick locker beschwingten aber im Kern tief melancholischen Indie-Folk, der an amerikanische Bands wie Wilco oder Eels erinnert. Die Akustik-Gitarre steht im Zentrum und wird von Orgel- und Mellotron-Sounds, schwebenden E-Gitarren und ein aufs Wesentliche reduziertes Schlagzeug unterstützt. Diese Instrumentierung unterstreicht die scheinbare Leichtigkeit der titelgebenden Hamburger Postleitzahl. In seinen Alltagsbeobachtungen berichtet Georg auf Lieder von dem Grundbedürfnis, das uns alle vereint: Ein glückliches, erfülltes Leben zu führen.

Das 8-Spur 22419 Tape und der titelgebende Hamburger Ortsteil Langenhorn stehen symbolisch für seine Sozialisation und die Schwierigkeiten des Aufwachsens, die ihn bis heute prägen und für immer begleiten werden.
Mit „Deutscher Sommer“ startet das Mixtape im beeindruckend düsteren Elektrogewand mit Synthesizer-Arpeggio und setzt die Grundstimmung dieser persönlichen Platte. Georg auf Lieder thematisiert das Aufwachsen mit Migrationshintergrund in Deutschland. Sie „hassen alle Nazis, doch sind nicht meine Freunde“, und der unbewusste Wunsch nach Zugehörigkeit bleibt ihm verwehrt, weil er von den Menschen in seinem Umfeld zum Teil ungewollt oder gewollt ausgeschlossen wird. Hier drückt sich der ganze Schmerz dieses Werkes aus, wenn Georg auf Lieder davon singt, im selben Land sozialisiert worden zu sein, aber nicht die Chance gehabt zu haben, das erwünschte Leben zu führen.

Beide Mixtapes sind der Versuch, unterschiedliche Phasen im Leben des Musikers zu greifen. Dieses Verstehen ist immer auch nur temporär, denn neue Eindrücke und Erfahrungen bieten über die Jahre wiederum verschiedene Perspektiven auf das Geschehene. Was bleibt, sind die Erinnerungen. Die Interpretation ist ständig in Bewegung, wie Georg auf Lieder selbst. Er hat im täglichen Schaffen, Neuentdecken und im Neuzusammensetzen seine Erfüllung gefunden und lässt uns glücklicherweise daran teilhaben.

Incorporating metal's classic elements with the paramount components of modern extreme death metal, EXHUMED has delivered the ultimate death sentence with Anatomy Is Destiny. More involved and intricate than past efforts - with slower and heavier sections blended into the band's patented gore metal - EXHUMED proves to be the masters of their trade. Death-defying production by Neil Kernon (Judas Priest, Cannibal Corpse, Nevermore).

Zur Feier des 25-jährigen Jubiläums der ursprünglichen Veröffentlichung im Oktober 1999 wird das mehrfach mit Platin ausgezeichnete Genesis-Album "Turn It On Again: The Hits' zum ersten Mal auf Vinyl erhältlich sein. Das Album enthält 18 Tracks, die die gesamte Karriere der Band umfassen. Von ihren Anfängen mit Titeln wie "I Know What I Like (In Your Wardrobe)" und "The Carpet Crawlers" bis hin zu ihren weltweiten Hits der frühen 80er Jahre wie "Turn It On Again" und "Mama" und ihren großen Hits in diesem Jahrzehnt und in den frühen 90er Jahren mit "Invisible Touch" und "I Can't Dance". Das Artwork des Albums bleibt dem Original treu: Der Schriftzug GENESIS ist verschiedenen Albumcovern der Band entnommen und die berüchtigte "I Can't Dance"-Silhouette von Tony Banks, Phil Collins und Mike Rutherford stammt aus dem Video zum Song. Genesis sind eine der weltweit erfolgreichsten und meistverkauften Bands aller Zeiten. Sie haben schätzungsweise 100 Millionen Alben verkauft und spielen seit Jahrzehnten in ausverkauften Stadien und Arenen auf der ganzen Welt, zuletzt mit ihrer weltweit ausverkauften Last Domino? Tournee durch die Jahre 2021 und 2022. Die Entwicklung von Genesis ist einzigartig, ihr Sound hat sich im Laufe ihrer Karriere immer weiter entwickelt und verbessert. Nach mehreren Besetzungswechseln in den späten 60er Jahren kurz nach der Gründung war die Band Anfang der 70er Jahre mit den Originalmitgliedern Tony Banks, Peter Gabriel und Mike Rutherford sowie Steve Hackett und Phil Collins etabliert und erlangte weltweite Bekanntheit, bevor Gabriel 74' und Hackett 77 die Band verließen. Als Collins nach Gabriels Ausstieg zum Frontmann wurde, bildete sich ein Kern aus Banks, Collins und Rutherford, der bis heute besteht und weltweit große Anerkennung und kommerziellen Erfolg erlangt hat.

Zur Feier des 25-jährigen Jubiläums der ursprünglichen Veröffentlichung im Oktober 1999 wird das mehrfach mit Platin ausgezeichnete Genesis-Album "Turn It On Again: The Hits' zum ersten Mal auf Vinyl erhältlich sein. Das Album enthält 18 Tracks, die die gesamte Karriere der Band umfassen. Von ihren Anfängen mit Titeln wie "I Know What I Like (In Your Wardrobe)" und "The Carpet Crawlers" bis hin zu ihren weltweiten Hits der frühen 80er Jahre wie "Turn It On Again" und "Mama" und ihren großen Hits in diesem Jahrzehnt und in den frühen 90er Jahren mit "Invisible Touch" und "I Can't Dance". Das Artwork des Albums bleibt dem Original treu: Der Schriftzug GENESIS ist verschiedenen Albumcovern der Band entnommen und die berüchtigte "I Can't Dance"-Silhouette von Tony Banks, Phil Collins und Mike Rutherford stammt aus dem Video zum Song. Genesis sind eine der weltweit erfolgreichsten und meistverkauften Bands aller Zeiten. Sie haben schätzungsweise 100 Millionen Alben verkauft und spielen seit Jahrzehnten in ausverkauften Stadien und Arenen auf der ganzen Welt, zuletzt mit ihrer weltweit ausverkauften Last Domino? Tournee durch die Jahre 2021 und 2022. Die Entwicklung von Genesis ist einzigartig, ihr Sound hat sich im Laufe ihrer Karriere immer weiter entwickelt und verbessert. Nach mehreren Besetzungswechseln in den späten 60er Jahren kurz nach der Gründung war die Band Anfang der 70er Jahre mit den Originalmitgliedern Tony Banks, Peter Gabriel und Mike Rutherford sowie Steve Hackett und Phil Collins etabliert und erlangte weltweite Bekanntheit, bevor Gabriel 74' und Hackett 77 die Band verließen. Als Collins nach Gabriels Ausstieg zum Frontmann wurde, bildete sich ein Kern aus Banks, Collins und Rutherford, der bis heute besteht und weltweit große Anerkennung und kommerziellen Erfolg erlangt hat.

"Look to the East, Look to the West", das neue Album von Camera Obscura, ist eine Offenbarung. Die von Tracyanne Campbell geleitete Band hat sich wieder mit dem Produzenten Jari Haapalainen zusammengetan und ein Album geschaffen, das daran erinnert, warum die langjährigen Fans sie seit Jahrzehnten heiß und innig lieben, und das gleichzeitig ihr bisher anspruchsvollstes Werk ist. Es ist auch das am härtesten umkämpfte Album in der Karriere von Camera Obscura. Nach dem Tod von Gründungsmitglied, Keyboarder und Freund Carey Lander im Jahr 2015 (an den der vorletzte Track "Sugar Almond" gerichtet ist), ging die Band in eine längere Pause. Sie blieben in Kontakt, aber ihr Status war ungewiss. Nachdem sie eingeladen worden waren, im Rahmen von Belle & Sebastians Kreuzfahrtfestival Boaty Weekender 2019 aufzutreten, kündigten sie ihre Rückkehr an. Donna Maciocia (Keyboards und Gesang) stieß bei diesen Shows zu den Gründungsmitgliedern Kenny McKeeve (Gitarre und Gesang), Gavin Dunbar (Bass) und Lee Thomson (Schlagzeug und Perkussion) und ist seitdem Songwriting-Partnerin von Campbell. Aufgenommen im selben Raum, in dem Queen "Bohemian Rhapsody" schrieb, fühlt sich "Look to the East, Look to the West" groß an, eine Breitwand-Neuinterpretation des Camera Obscura-Sounds, bei der die Band paradoxerweise zu den Grundlagen zurückkehrte - es gibt keine Streicher- oder Bläserarrangements, der Schwerpunkt liegt auf Klavier, Synthesizern, Hammond-Orgel und Drumcomputern, und, was vielleicht am auffälligsten ist, die Gruppe hat den Hallschleier fallen lassen, der ihre früheren Alben charakterisierte. Der Hauch von Country und Soul, der Camera Obscuras barocke Interpretation von Popmusik so bittersüß macht, war noch nie so offensichtlich - die Gitarren schimmern in die Ferne, die Tasten spuken, und Campbells Stimme sucht nach dem Herzen, reflektiert über Liebe, Verlust und den Lauf der Zeit. "Look to the East, Look to the West" ist Camera Obscura in seiner besten und eindrucksvollsten Form, ein Album, das den emotionalen Kern des Hörers völlig neu ordnet und ihn gleichzeitig traurig und beschwingt zurücklässt. Der Katalog von Camera Obscura ist voll von Liedern, die Menschen als lebensverändernd bezeichnen, Lieder, die sie ihr ganzes Leben lang begleiten werden. "Look to the East, Look to the West" hat 11 davon zu bieten.

Galaxy Vinyl-
blue + white vinyl pressed galaxy effect in a gatefold jacket with lyrics.

"Look to the East, Look to the West", das neue Album von Camera Obscura, ist eine Offenbarung. Die von Tracyanne Campbell geleitete Band hat sich wieder mit dem Produzenten Jari Haapalainen zusammengetan und ein Album geschaffen, das daran erinnert, warum die langjährigen Fans sie seit Jahrzehnten heiß und innig lieben, und das gleichzeitig ihr bisher anspruchsvollstes Werk ist. Es ist auch das am härtesten umkämpfte Album in der Karriere von Camera Obscura. Nach dem Tod von Gründungsmitglied, Keyboarder und Freund Carey Lander im Jahr 2015 (an den der vorletzte Track "Sugar Almond" gerichtet ist), ging die Band in eine längere Pause. Sie blieben in Kontakt, aber ihr Status war ungewiss. Nachdem sie eingeladen worden waren, im Rahmen von Belle & Sebastians Kreuzfahrtfestival Boaty Weekender 2019 aufzutreten, kündigten sie ihre Rückkehr an. Donna Maciocia (Keyboards und Gesang) stieß bei diesen Shows zu den Gründungsmitgliedern Kenny McKeeve (Gitarre und Gesang), Gavin Dunbar (Bass) und Lee Thomson (Schlagzeug und Perkussion) und ist seitdem Songwriting-Partnerin von Campbell. Aufgenommen im selben Raum, in dem Queen "Bohemian Rhapsody" schrieb, fühlt sich "Look to the East, Look to the West" groß an, eine Breitwand-Neuinterpretation des Camera Obscura-Sounds, bei der die Band paradoxerweise zu den Grundlagen zurückkehrte - es gibt keine Streicher- oder Bläserarrangements, der Schwerpunkt liegt auf Klavier, Synthesizern, Hammond-Orgel und Drumcomputern, und, was vielleicht am auffälligsten ist, die Gruppe hat den Hallschleier fallen lassen, der ihre früheren Alben charakterisierte. Der Hauch von Country und Soul, der Camera Obscuras barocke Interpretation von Popmusik so bittersüß macht, war noch nie so offensichtlich - die Gitarren schimmern in die Ferne, die Tasten spuken, und Campbells Stimme sucht nach dem Herzen, reflektiert über Liebe, Verlust und den Lauf der Zeit. "Look to the East, Look to the West" ist Camera Obscura in seiner besten und eindrucksvollsten Form, ein Album, das den emotionalen Kern des Hörers völlig neu ordnet und ihn gleichzeitig traurig und beschwingt zurücklässt. Der Katalog von Camera Obscura ist voll von Liedern, die Menschen als lebensverändernd bezeichnen, Lieder, die sie ihr ganzes Leben lang begleiten werden. "Look to the East, Look to the West" hat 11 davon zu bieten.

Seit der Veröffentlichung des ersten Terminal Nation-Albums "Holocene Extinction" im Jahr 2020 haben sich die Spaltungen in den USA nur noch vergrößert, die Fronten verhärtet und Kompromisse sind keine Option mehr. Das brandheiße neue Album "Echoes Of The Devil's Den" der Band verkörpert diese kochende Wut und erscheint einmal mehr am Vorabend eines wiederkehrenden Albtraum-Wahlzyklus mit fossilen Relikten aus dem 20 Jahrhundert.

Die Esenz von Terminal Nation besteht im Kern aus unverschämt heavy Midtempo-Riffing und Bulldozer-Breakdowns, die auf ein neues Niveau extremer Brutalität gebracht wurden - über denen Stan Liszewskis giftige Stimme die brodelnde Wut einer Bevölkerung ausstrahlt, die mit ihrer Geduld am Ende ist.

Doch jenseits dieses Unterbaus hat sich Terminal Nation's Songwriting beträchtlich weiterentwickelt, was sich in Songs wie 'Embers of Humanity' zeigt, der ein episches Heavy Metal-Flair in seine Balladen einbaut und sich zu einem Stadion-Banger steigert. Auf der Single 'Merchants of Bloodshed' streut die Band hymnischen, fast schon radiotauglichen Clean-Gesang von Jesse Leach (Killswitch Engage) ein - nur einer von vielen Gastauftritten auf dem Album.

Textlich predigt die Band in "Echoes of the Devil's Den" sowohl mit der vernichtenden Gesellschaftskritik, für die sie bekannt ist, als auch mit einer eher intimen, reflektierenden Erzählung, die sich auf einige massive persönliche Umwälzungen bezieht, die sie in den vorangegangenen Jahren durchgemacht hat. Geschmiedet in den Feuern einer schwelenden Frustration, greift Terminal Nation's "Echoes of the Devil's Den" mit der Kraft eines ausbrechenden Vulkans an und verbrennt die Falschheit unseres Zeitalters zu Asche!

Additional Vocals auf "Written by The Victor" by Todd Jones of Nails
Additional Vocals auf "Merchants of Bloodshed" by Jesse Leach of Killswitch Engage
Additional Vocals auf "Cemetery of Imposters" by K. Kennedy of Sex Prisoner
Additional Vocals auf "Spikes Under the Bridge" by Zak Vargas of Elysia
Additional Vocals auf "Release the Serpents" by Dwid Hellion of Integrity
Additional Drums auf "Written by the Victor" and "Dying Alive" by Juan Cebreros

Seit der Veröffentlichung des ersten Terminal Nation-Albums "Holocene Extinction" im Jahr 2020 haben sich die Spaltungen in den USA nur noch vergrößert, die Fronten verhärtet und Kompromisse sind keine Option mehr. Das brandheiße neue Album "Echoes Of The Devil's Den" der Band verkörpert diese kochende Wut und erscheint einmal mehr am Vorabend eines wiederkehrenden Albtraum-Wahlzyklus mit fossilen Relikten aus dem 20 Jahrhundert.

Die Esenz von Terminal Nation besteht im Kern aus unverschämt heavy Midtempo-Riffing und Bulldozer-Breakdowns, die auf ein neues Niveau extremer Brutalität gebracht wurden - über denen Stan Liszewskis giftige Stimme die brodelnde Wut einer Bevölkerung ausstrahlt, die mit ihrer Geduld am Ende ist.

Doch jenseits dieses Unterbaus hat sich Terminal Nation's Songwriting beträchtlich weiterentwickelt, was sich in Songs wie 'Embers of Humanity' zeigt, der ein episches Heavy Metal-Flair in seine Balladen einbaut und sich zu einem Stadion-Banger steigert. Auf der Single 'Merchants of Bloodshed' streut die Band hymnischen, fast schon radiotauglichen Clean-Gesang von Jesse Leach (Killswitch Engage) ein - nur einer von vielen Gastauftritten auf dem Album.

Textlich predigt die Band in "Echoes of the Devil's Den" sowohl mit der vernichtenden Gesellschaftskritik, für die sie bekannt ist, als auch mit einer eher intimen, reflektierenden Erzählung, die sich auf einige massive persönliche Umwälzungen bezieht, die sie in den vorangegangenen Jahren durchgemacht hat. Geschmiedet in den Feuern einer schwelenden Frustration, greift Terminal Nation's "Echoes of the Devil's Den" mit der Kraft eines ausbrechenden Vulkans an und verbrennt die Falschheit unseres Zeitalters zu Asche!

Additional Vocals auf "Written by The Victor" by Todd Jones of Nails
Additional Vocals auf "Merchants of Bloodshed" by Jesse Leach of Killswitch Engage
Additional Vocals auf "Cemetery of Imposters" by K. Kennedy of Sex Prisoner
Additional Vocals auf "Spikes Under the Bridge" by Zak Vargas of Elysia
Additional Vocals auf "Release the Serpents" by Dwid Hellion of Integrity
Additional Drums auf "Written by the Victor" and "Dying Alive" by Juan Cebreros

"Pull The Rope", das neue Album von IBIBIO SOUND MACHINE, rückt die von Eno Williams und Max Grunhard geleitete Band in ein neues Licht. Die Hoffnung, die Freude und der Sexappeal ihrer Musik sind geblieben, aber die Verbindung, die sie mit ihrem hochgelobten Album "Electricity" (2022) herstellen wollen, hat den Schauplatz gewechselt, von der sonnigen Beschwingtheit eines sonnenbeschienenen Festivals zu einem schweißgetränkten, nächtelangen Tanzclub. Die Atmosphäre hat sich geändert, aber man hat immer noch die beste Zeit seines Lebens. Williams und Grunhard führen diese Veränderung auf die Zusammenarbeit mit dem in Sheffield ansässigen Produzenten Ross Orton (ARCTIC MONKEYS, M.I.A.) zurück, mit dem sie "Pull The Rope" innerhalb von zwei Wochen aufnahmen. Die Art und Weise, wie die beiden Songs schrieben, änderte sich erheblich - anstatt dass Eno die Texte zu der Musik schrieb, die Max und Co. beim Jammen kreierten, begann Orton damit, dass Eno und Max gemeinsam schrieben, bevor sie die Band hinzufügten. Mit weniger Zeit im Studio und einer neuen Art, über die Entstehung von Songs nachzudenken, gelang es dem Duo, Entscheidungen über den Sound von "Pull The Rope" schneller und instinktiv zu treffen als zuvor. Bei der Verschmelzung ihres Songwriting-Prozesses haben Grunhard und Williams das Kunststück vollbracht, IBIBIO SOUND MACHINE zu einer strafferen Band als je zuvor zu machen, die sich von ihrem Kern aus in einer Weise entwickelt, die die elektrisierende Gruppe von Musikern, mit denen sie spielen, hervorhebt. Anstatt mit der gesamten Band im Raum aufzunehmen, wurde "Pull The Rope" von Grunhard, Williams und Orton geformt, Elemente hinzugefügt und während des Prozesses endgültig gestaltet. Die Botschaft ihres fantastischen neuen Albums "Pull The Rope" ist Hoffnung in der Dunkelheit, Glückseligkeit trotz Tristesse. Wieder einmal sind IBIBIO SOUND MACHINE hier, um den Soundtrack für die beste Nacht deines Lebens und die bessere Welt zu liefern.

Vintage Hardrock der 1970er Jahre direkt aus Down Under! Das lang erwartete zweite Album der australischen Band Tarot besticht mit Hardrock inkl. Hammond-B3 für eine neue Generation von Fans! Als geschlossene Formation haben Tarot mit 'Glimpse Of The Dawn' ein lebendiges, weitläufiges Album zusammengestellt, das seinen Kerneinflüssen Uriah Heep, Rainbow und Deep Purple ernsthaft Tribut zollt und gleichzeitig eine eigene Identität hervorbringt. Dabei ließ die Band Freiräume, um Improvisation zu ermöglichen. Viele der Leadgitarren des Albums wurden spontan im Studio geschrieben und anschließend beibehalten, sodass Tarot "den Blitz in einer Flasche einfangen" konnte. Dieser Ansatz wird vielleicht am besten im Titeltrack veranschaulicht, der das Album mit ausgelassenen Hammond-Keyboards und Stimmengewalt auf großartige Weise eröffnet.
Artwork von Lena Richter, Mastering von Patrick Engel (Temple of Noise).

Rock Hard:
"Achtung: Bei "Glimpse Of The Dawn" handelt es sich mitnichten um einen weiteren Output der finnischen Hardrocker Tarot, bei denen sich Ex-Nightwish-Bassist Marco Hietala zurzeit (mal wieder) austobt, sondern um einen Eintrag in der noch vergleichsweise kurzen Diskografie der gleichnamigen australischen Band, die mit ihrem Full-length-Debüt von 2016 erstmals in weiteren Kreisen von sich hören machte. Diesem famosen Scheibchen stellt das Quintett aus dem tasmanischen Hobart nun nach schlappen acht Jahren einen Nachfolger zur Seite, der den Herrschaften nicht minder exzellent geraten ist. TAROT zocken entspannten, von Siebziger-Größen wie Deep Purple inspirierten Hardrock mit Metal-Schlagseite. Die Hammondorgel ist nicht von dieser Welt, und Frontmann Will Spectre verfügt über ein gefühlvolles, warmes, kräftiges Organ, das den Hörer im Zusammenspiel mit den verträumten Gitarrenmelodien in mystische Welten entführt. Wunderschön!"

Mein Weg“ heißt das neue Werk und ist keineswegs – wie man vielleicht vermuten könnte und es letztlich legitim wäre – eine Zusammenstellung aus Archivmaterial. Es gibt fünf neue Songs, nämlich „Lange her“, „Hunderttausend Laienrichter“, „Weitergehen“, „Lebe wohl“ und „Sonnenseite“, aber gleichzeitig auch eine Reihe von Klassikern, die in der Tat für seinen Weg stehen. Allerdings hat er diese Hits neu eingespielt und eingesungen. Unvergessene Songs wie beispielsweise „Ikarus“, „Sehnsucht“, „Melanie“, „Hiroshima“, „Das Buch“, „Auf das Leben“ oder den Titelsong „Mein Weg“ hat Maschine behutsam ins Hier und Jetzt geholt, hat sich dabei – ohne sie zu verfremden – auf ihren Kern konzentriert und macht damit deutlich, wie zeitlos diese Stücke sind.

Electro-Dynamic-Psych-Folk! Das außergewöhnliche Musiker-Kollektiv aus Bayern versteht es gekonnt, den erdigen Groove des eurasischen Raums durch experimentelle und individuelle Arrangements anzureichern. Die Kombination von traditionellen Instrumenten mit Klängen von Synthesizern, dem Electro entlehnten Acid-Sequenzen und Samples verleihen ihrer Musik eine einzigartige Note. Ihre energetische und explosive Spielfreude überträgt sich schnell aufs Publikum. Kein Konzert klingt wie das Andere. Improvisation ist ihnen ein Kernelement - sie befeuert die Organik der Arrangements. Das Resultat klingt dreckig und ungestüm - diese Musik knurrt, bietet aber auch viel Dynamik und sanfte Passagen, die ihre Zuhörer:innenschaft in Trance versetzen. Ihr Repertoire basiert auf alten Volksliedern, Schlagern und vergessenen Gassenhauern aus dem musikalischen Archiv Anatoliens und des Nahen Ostens. Der Sound der Band ist verwurzelt in den frühen Produktionen der türkischen Rockszene. Die Band öffnet das Konstrukt noch weiter: Elemente von Funk, Surf Rock, Ethno-Jazz, Dub, Breakbeat und Electronica sind selbstverständliche Versatzstücke in ihrem Soundmix. "Neyzen" ist das langerwartete Debüt von Lucile and the Rakibuam

Das neue Album 'Tarantula Heart' der Melvins ist wie nichts, was die Band je zuvor gemacht hat. Ein Meilenstein, keine Frage. Vielleicht sogar ihre beste Platte. Ganz sicher aber eine ihrer schrägsten. Im Mittelpunkt des fünf Songs umfassenden Albums stehen der 19-minütige Opener 'Pain Equals Funny' und der lärmende Heavy-Hit 'Working the Ditch'.

Neben den drei Kernmitgliedern sind auf dem Album auch Drummer Roy Mayorga (Ministry, Soulfly, Stone Sour und Nausea) und We Are The Asteroid-Gitarrist Gary Chester, mit dem die Melvins kürzlich auf Tournee waren, zu hören.

So zeigen sich auf diesem Album mehr denn je die vielseitigen Einflüsse, die Buzz‘ Schaffensprozess informieren. Seien es nun Judy Garland-Klassiker, The Birthday Party oder aber auch die improvisatorische Herangehensweise eines Miles Davis.

'Tarantula Heart' klingt nicht nur gut, nein, es sieht mit dem brillanten Coverartwork von Mackie Osborne auch noch gut aus.

Das neue Album 'Tarantula Heart' der Melvins ist wie nichts, was die Band je zuvor gemacht hat. Ein Meilenstein, keine Frage. Vielleicht sogar ihre beste Platte. Ganz sicher aber eine ihrer schrägsten. Im Mittelpunkt des fünf Songs umfassenden Albums stehen der 19-minütige Opener 'Pain Equals Funny' und der lärmende Heavy-Hit 'Working the Ditch'.

Neben den drei Kernmitgliedern sind auf dem Album auch Drummer Roy Mayorga (Ministry, Soulfly, Stone Sour und Nausea) und We Are The Asteroid-Gitarrist Gary Chester, mit dem die Melvins kürzlich auf Tournee waren, zu hören.

So zeigen sich auf diesem Album mehr denn je die vielseitigen Einflüsse, die Buzz‘ Schaffensprozess informieren. Seien es nun Judy Garland-Klassiker, The Birthday Party oder aber auch die improvisatorische Herangehensweise eines Miles Davis.

'Tarantula Heart' klingt nicht nur gut, nein, es sieht mit dem brillanten Coverartwork von Mackie Osborne auch noch gut aus.