Buscar:kamp

Die schwedischen Heavy Rocker GREENLEAF haben mit ihrem neunten Album "The Head & The Habit" den vorläufigen Gipfel ihrer langen Evolution erklommen. Die musikalische Handschrift und Virtuosität von Gitarrist Tommi Holappa, seit mehr als 25 Jahren einer der Vorreiter und tragenden Säulen der europäischen Stoner Rock Szene, zeichnen sich deutlich ab. Die Gitarren werden perfekt ergänzt durch den gefühlvollen, intuitiven Sinn für Melodien und die charakterliche Tiefe, die der klassisch ausgebildete Sänger Arvid Hällagård dem Sound von GREENLEAF verleiht. Neben den erstklassigen Gesangslinien sowie den massiven Fuzz-Power-Riffs hat sich der Frontmann intensive Gedanken zu seinen Texten für "The Head & The Habit" gemacht, die weit über den Standard des oft klischeebeladenen Genres hinausreichen. Wie bereits der Albumtitel ("Der Kopf & Die Gewohnheit") andeutet, sind die neuen Songs als symbolische Kurzgeschichten angelegt, die sich um das Ringen mit Gefühlen bis zu psychischen Erkrankungen drehen. In Hällagårds Lyrik spiegeln sich seine Erfahrungen aus der Arbeit mit Menschen wider, die mit Sucht und anderen psychischen Problemen zu kämpfen haben. Die Heavy Rock Liebhaber GREENLEAF wurden ursprünglich als informelles Privatprojekt unter Freunden gegründet. Alle spielten bereits in anderen Bands, worunter sich so klangvolle Namen wie DOZER, LOWRIDER und DEMON CLEANER finden. Die Schweden suchten einfach nur nach einem Ventil für ihre gemeinsame Liebe zum Hard Rock und Proto-Metal der 70er Jahre, das frei von den Erwartungen und dem Druck ihrer Hauptbands sein sollte. Trotz der Absicht, GREENLEAF nur zum Vergnügen zu betreiben, führte die ungetrübte Freude beim Erschaffen eingängiger Songs dazu, dass ihr gesamtes Umfeld nach Aufnahmen von diesem Material verlangte. Dies führte schließlich zur Veröffentlichung einer selbstbetitelten Debüt-EP im Jahr 2000, der nur ein Jahr später das erste vollständige Album "Revolution Rock" folgte. Die Jahre mit wechselnden Besetzungen waren vorbei. GREENLEAFs stabiler Fokus wurde durch ihr fünftes Album "Trails & Passes" (2014) gekrönt, auf dem erstmals Arvid Hällagård als Sänger zu hören war. Dieser Meilenstein markierte den endgültigen Beginn einer neuen Phase der Band. Mit "The Head & The Habit" verbinden GREENLEAF nun das Bewusstsein für vergangene Triumphe mit reifem Handwerk. Die Schweden wissen, wie sie mehr als je zuvor stärker, härter und auf den Punkt rocken. GREENLEAF verschmelzen donnernde Riff-Magie, mitreißenden und mit Soul getränkten Gesang, frenetische Rhythmen und treibende Takt-Attacken zu einer ohrwurmverdächtigen, funkelnden Legierung von Hardrock-Hymnen!

Die schwedischen Heavy Rocker GREENLEAF haben mit ihrem neunten Album "The Head & The Habit" den vorläufigen Gipfel ihrer langen Evolution erklommen. Die musikalische Handschrift und Virtuosität von Gitarrist Tommi Holappa, seit mehr als 25 Jahren einer der Vorreiter und tragenden Säulen der europäischen Stoner Rock Szene, zeichnen sich deutlich ab. Die Gitarren werden perfekt ergänzt durch den gefühlvollen, intuitiven Sinn für Melodien und die charakterliche Tiefe, die der klassisch ausgebildete Sänger Arvid Hällagård dem Sound von GREENLEAF verleiht. Neben den erstklassigen Gesangslinien sowie den massiven Fuzz-Power-Riffs hat sich der Frontmann intensive Gedanken zu seinen Texten für "The Head & The Habit" gemacht, die weit über den Standard des oft klischeebeladenen Genres hinausreichen. Wie bereits der Albumtitel ("Der Kopf & Die Gewohnheit") andeutet, sind die neuen Songs als symbolische Kurzgeschichten angelegt, die sich um das Ringen mit Gefühlen bis zu psychischen Erkrankungen drehen. In Hällagårds Lyrik spiegeln sich seine Erfahrungen aus der Arbeit mit Menschen wider, die mit Sucht und anderen psychischen Problemen zu kämpfen haben. Die Heavy Rock Liebhaber GREENLEAF wurden ursprünglich als informelles Privatprojekt unter Freunden gegründet. Alle spielten bereits in anderen Bands, worunter sich so klangvolle Namen wie DOZER, LOWRIDER und DEMON CLEANER finden. Die Schweden suchten einfach nur nach einem Ventil für ihre gemeinsame Liebe zum Hard Rock und Proto-Metal der 70er Jahre, das frei von den Erwartungen und dem Druck ihrer Hauptbands sein sollte. Trotz der Absicht, GREENLEAF nur zum Vergnügen zu betreiben, führte die ungetrübte Freude beim Erschaffen eingängiger Songs dazu, dass ihr gesamtes Umfeld nach Aufnahmen von diesem Material verlangte. Dies führte schließlich zur Veröffentlichung einer selbstbetitelten Debüt-EP im Jahr 2000, der nur ein Jahr später das erste vollständige Album "Revolution Rock" folgte. Die Jahre mit wechselnden Besetzungen waren vorbei. GREENLEAFs stabiler Fokus wurde durch ihr fünftes Album "Trails & Passes" (2014) gekrönt, auf dem erstmals Arvid Hällagård als Sänger zu hören war. Dieser Meilenstein markierte den endgültigen Beginn einer neuen Phase der Band. Mit "The Head & The Habit" verbinden GREENLEAF nun das Bewusstsein für vergangene Triumphe mit reifem Handwerk. Die Schweden wissen, wie sie mehr als je zuvor stärker, härter und auf den Punkt rocken. GREENLEAF verschmelzen donnernde Riff-Magie, mitreißenden und mit Soul getränkten Gesang, frenetische Rhythmen und treibende Takt-Attacken zu einer ohrwurmverdächtigen, funkelnden Legierung von Hardrock-Hymnen!

Auf ihrem selbstbetitelten Debüt machten sich WOMEN über eine gewisse lärmende Rotzigkeit her, die sich bei näherem Hinsehen als getränkt mit listigen Popmelodien entpuppte. Mit "Public Strain" macht sich die Band einen Sound zu Eigen, der diesem halldurchtränkten Noise treu bleibt, es den Popmelodien aber doch erlaubt, sich im Rampenlicht zu sonnen. Im Herbst 2009 begaben sich Patrick Flegel (Gesang/Gitarre), Matt Flegel (Bass/Gesang), Chris Reimer (Gitarre/Gesang) und Michael Wallace (Drums) mit einer Vielzahl Ideen ins Studio und arbeiteten um ihre individuellen Zeitfenster und Schichten auf dem Friedhof herum. CHAD VANGAALEN zeichnet sich einmal mehr für die Produktion verantwortlich, mit dessen Hilfe WOMEN sich die Mühe machten, im tiefsten Winter Kanadas ein Album aufzunehmen, das zeitlos klingt. Am Ende erscheint die knirschende, harsche Dissonanz in kleineren, kontrollierteren Dosen; Noise erscheint als Fundament des strukturierten, mehrere Schichten umfassenden Songwriting. Von den ersten Takten von "Can't You See" an ist klar, dass "Public Strain" so viel mehr ist als nur die Fortsetzung des Debüts. Manchmal ist das Album klaustrophobisch und beschwört Wachträume von sexueller Seelenpein und allgemeinem Zerfall herauf; anderswo schwingen sich Retrogitarren und Gesangsmelodien gen Himmel oder kollabieren in faszinierenden Arabesken. "Public Strain" kämpft sich durch Schlaflosigkeit, Paranoia, Resignation und Euphorie, um die Momentaufnahme einer Band einzufangen, die sich gerade genau im Klaren darüber ist, was sie leisten kann.

Seit mehr als 15 Jahren steht die französische Alternative-Metal-Sensation ONLAP für kraftvolle und motivierende Musik und gewinnt damit die Herzen von Fans auf der ganzen Welt. Jetzt veröffentlichen sie ihr lang erwartetes Album "Waves". Nach einer Serie von Hit-Singles und beeindruckenden Musikvideos ist dies nun der finale Schritt auf dem Weg zur ersten Albumveröffentlichung der Band unter dem Dach von AFM Records. ONLAPs Musik ist die perfekte Mischung aus energiegeladenem Hard Rock und der rohen Modern Metal-Kraft. Alles mit einer einzigartigen melodischen Finesse. Ihre starken Texte über Motivation, Zusammenhalt, Liebe und andere Kämpfe runden das Paket ab, für das ihre Fans sie so sehr lieben.

Der Produzent, DJ, Songwriter und Musiker Roosevelt veröffentlicht sein mit Spannung erwartetes neues Album auf Counter Records! „Embrace“ ist der Nachfolger seines gefeierten Albums, „Polydans“, aus dem Jahr 2021 und ein klanglich lebendiges und zutiefst persönliches kreatives Statement des deutschen Multiinstrumentalisten, der sich schnell einen Ruf als eines der innovativsten Musiktalente der Welt erarbeitete.
„Embrace“ wurde komplett von Roosevelt (bürgerl. Marius Lauber) geschrieben, aufgenommen und produziert. Das Album enthält zutiefst persönliche Texte und gefühlvolle Instrumentalstücke, wie man sie bislang von früheren Roosevelt-Veröffentlichungen noch nicht kennt. Da er sich von der Musikindustrie entfremdet fühlte und mit dem Impostor-Syndrom kämpfte, nahm Lauber sein Heimstudio mit auf Tour, um sich wie nie zuvor voll und ganz in den Schreibprozess zu vertiefen. Mit improvisierten Setups in Städten auf der ganzen Welt hat Lauber ein Album geschaffen, das gleichermaßen intim und groß klingt, mit kaleidoskopischen Synthesizer-Arrangements und süchtig machenden Disco-Basslines. Der Titel des Albums entstammt Laubers Erkenntnis, dass viele seiner Freunde aus der Kindheit mit 30 Jahren „richtige Jobs" gefunden hätten, während er immer noch on the road war und den Lebensstil eines Künstlers lebte - der Titel „Embrace“ fungiert dabei als Hinweis an den Künstler selbst - eine Erinnerung daran, die unvorhersehbaren Wendungen des Lebens zu akzeptieren. Roosevelts ohnehin schon sehr geschäftiges Jahr 2023 folgt auf frühere hochkarätige Kollaborationen mit Nile Rodgers, Classixx und Washed Out sowie auf wichtige Remixe für Künstler:innen wie Taylor Swift, CHVRCHES, Glass Animals und Charlotte Gainsbourg.

Was als Lo-Fi-Schlafzimmerprojekt des produktiven Autors, Produzenten und Multi-Instrumentalisten Anthony Masino begann, er arbeitete bereits mit Thee Sacred Souls, Lee Fields und Jensine Benitez zusammen. "I'm Lonely" ist ein perfekter Schnappschuss von Masinos unprätentiöser, anglophiler Pop-Sensibilität und wird von einem entspannten Groove begleitet, der einen in eine technikfarbene Traumlandschaft aus rohen Emotionen und wirbelnden Gitarren einlullt, während er darum kämpft, in der allgegenwärtigen Angst vor der Einsamkeit Hoffnung zu finden. Zusammen mit seinem Produzenten Joe Harrison an der Flöte und Jensine Benitez an den Backing Vocals ist "All I Need" ein Beat-Forward-Banger, dessen gefühlvoller Schwung und spärliches Arrangement sicher die Aufmerksamkeit von Beatmakern und Produzenten auf sich ziehen wird. Fans des Westcoast Sounds von z.B. Penrose Records kommen hier voll auf ihre Kosten!

Die US-Progressive-Metal-Pioniere und Innovatoren PSYCHOTIC WALTZ machen endlich ihren gesamten fesselnden und zeitlosen Backkatalog weltweit über InsideOutMusic wieder verfügbar. In zwei Wiederveröffentlichungs-Schritten (Mai & Juli 2024) werden die klassischen ersten vier Alben der Band - "A Social Grace" (1990), "Into The Everflow" (1992), "Mosquito" (1994) und "Bleeding" (1996) - neu gemastert von Patrick W. Engel / Temple Of Disharmony als 2CD Digipaks mit viel seltenem oder bisher unveröffentlichtem Bonusmaterial sowie erweiterten Layouts erhältlich sein, und die Hauptalben werden zusätzlich als Ltd. Gatefold-LP-Editionen auf 180g-Vinyl neu aufgelegt. Eine zusätzliche Demo-Raritäten-Zusammenstellung (mit einem Teil des Bonusmaterials) mit dem Titel "To Chase The Stars (Demos 1987 - 1989)" wird ebenfalls als Ltd. Gatefold 2LP Edition erhältlich sein, was diese Re-Issue-Kampagne zu einem aufregenden und unverzichtbaren Projekt sowohl für langjährige Kenner der Band als auch für neuere Mitglieder der ständig wachsenden progressiven Musikgemeinde macht.

Die US-Progressive-Metal-Pioniere und Innovatoren PSYCHOTIC WALTZ machen endlich ihren gesamten fesselnden und zeitlosen Backkatalog weltweit über InsideOutMusic wieder verfügbar. In zwei Wiederveröffentlichungs-Schritten (Mai & Juli 2024) werden die klassischen ersten vier Alben der Band - "A Social Grace" (1990), "Into The Everflow" (1992), "Mosquito" (1994) und "Bleeding" (1996) - neu gemastert von Patrick W. Engel / Temple Of Disharmony als 2CD Digipaks mit viel seltenem oder bisher unveröffentlichtem Bonusmaterial sowie erweiterten Layouts erhältlich sein, und die Hauptalben werden zusätzlich als Ltd. Gatefold-LP-Editionen auf 180g-Vinyl neu aufgelegt. Eine zusätzliche Demo-Raritäten-Zusammenstellung (mit einem Teil des Bonusmaterials) mit dem Titel "To Chase The Stars (Demos 1987 - 1989)" wird ebenfalls als Ltd. Gatefold 2LP Edition erhältlich sein, was diese Re-Issue-Kampagne zu einem aufregenden und unverzichtbaren Projekt sowohl für langjährige Kenner der Band als auch für neuere Mitglieder der ständig wachsenden progressiven Musikgemeinde macht.

Der in Uganda geborene und in Austin lebende Singer-Songwriter Jon Muq veröffentlicht mit ”Flying Away” sein Debütalbum. Das Album erzählt die Geschichte von Muqs bisherigen Leben, wie er von klein auf seinen Traum von der Musik verfolgte und seine Odyssee von Kampala, Uganda, nach Austin, TX, antrat. Er sagt, “I never expected it to work this way. I never said, I’m going to get a job at a hotel. I’m going to get a job on a cruise line. I’m going to work with Dan Auerbach. Everything happened because I was following sound. I was chasing it. I was just singing.” Das Album erscheint auf Vinyl.

BLOODORN, eine neue Power-Metal-Band des Lead-Gitarristen von SIRENIA, Nils Courbaron. Die Band wurde im Jahr 2020 während der Pandemie gegründet. SILENT WINTER-Sänger Mike Livas, FREEDOM CALL-Bassist Francesco Saverio Ferraro und SIRENIA-Schlagzeuger Michael Brush traten der Band bei, nachdem sie die ersten Demos des Albums gehört hatten. Beeinflusst von Bands wie GAMMA RAY, ANGRA und BEAST IN BLACK, greift die Band auch auf einige Elemente aus der extremen Metalszene zurück. Die Musik von BLOODORN ist sehr schnell und technisch, manchmal sogar brutal, aber auch sehr melodisch und eingängig: Extreme Power Metal! Der Name BLOODORN ist ein Wortspiel aus der Wikinger-Foltermethode "Blôdörn" (besser bekannt als "Blutadler") und "Blut". Im Universum der Band ist der BLOODORN wie ein REAPER - ein Monster, das bereit ist, alles zu töten und zu zerstören, was sich ihm in den Weg stellt. BLOODORN handelt vom Kampf gegen Unterdrückung, Autorität und Tyrannei, aber auch von düsterer Gothic-Fantasy, Schattenkulten, Krieg, innerer Stärke, Ehre, nordischer Mythologie und sogar einigen Videospiel-Referenzen. All diese Konzepte werden durch das Erscheinungsbild und die Kleidung von BLOODORN noch verstärkt.

'empathogen' ist WILLOWs sechstes Studioalbum. Mit dieser Veröffentlichung schlägt WILLOW nach ihrem vielbeachteten Album 'Coping Mechanism' aus dem Jahr 2022 eine neue, alternative und jazzige Richtung ein. Das Album enthält Beiträge von Jon Batiste und St. Vincent. Die Album-Kampagne umfasst Auftritte bei Jimmy Fallon, NPR Tiny Desk (weitere werden noch bekannt gegeben) sowie Titel-geschichten in Allure, Flaunt und Pop.

Melodischer Death Metal mit Frauengesang! Düstere Hymnen der Rebellion Ancient Settlers haben sich in der europäischen Melodic-Death-Metal-Szene dank ihrer unermüdlichen Live-Aktivitäten schnell einen guten Ruf erspielt und wollen nun mit ihrem zweiten Studioalbum die Messlatte höher legen. Angeführt von den dämonischen Vocals der Frontfrau Argen Death beherrscht die venezolanisch-spanische Band das Thema Melodic Death mit absoluter Sicherheit durch stürmische Heavy-Riffs, fette Grooves
und eingängige Hooks (genau wie die Schwedischen Paten es uns allen beigebracht haben). "Oblivion's Legacy" ist ein konzeptionelles Werk, das in die Tiefen der menschlichen Existenz vordringt und das Vermächtnis erforscht, das wir als Individuen und als Spezies hinterlassen. Die Texte befassen sich mit den Auswirkungen unseres Handelns, den Kämpfen, denen wir uns stellen müssen, und dem endgültigen Schicksal, das uns alle erwartet. Vor dem Hintergrund kosmischer Wunder und existenzieller Introspektion dient jeder Song als Kapitel in der sich entfaltenden Erzählung der Reise der Menschheit durch Zeit und Raum.

Mit "Eggsistentialism" kehrt das Psych-Punk-Pop Duo The Lovely Eggs nach einer fast vierjährigen Pause seit ihrem Indie-Nummer-Eins-Album "I am Moron" zurück. In dieser Zeit haben sie ihre eigene Fernsehsendung Eggs TV gemacht (mit Ian McKaye, Stewart Lee, Katie Puckrik, Maxine Peake, David Shrigley und anderen), ein Duett mit Iggy Pop gegeben, eine Menge ausverkaufter Konzerte und Festivals gespielt und eine Kampagne zur Rettung der Lancaster Music Co-op (ein gemeinschaftlicher Proberaum und Aufnahmestudio, in dem sie leben) geführt.Wie der Titel schon andeutet, erforscht "Eggsistentialism" eine viel persönlichere, introspektivere und nachdenklichere Seite der Welt von The Lovely Eggs und lässt die Eggs neue Klänge erforschen und in unerforschten musikalischen Gebieten experimentieren."Wir haben seit 2020 keine neue Platte mehr veröffentlicht und in der Zwischenzeit haben wir hier versucht, das Recht auf einen Lebensstil zu verteidigen, den wir hier in dieser Stadt in den letzten 30 Jahren als arbeitende Musiker genossen haben, die sich weigern, einen "normalen" Job zu bekommen. Es geht darum, an etwas zu glauben und nicht loszulassen. Aber dieser Unwille, aufzugeben, fordert letztendlich seinen Tribut. Es fängt an, dich zu zerstören, und das Album ist eine Art Dokumentation dieser Zerstörung und des Zusammenbruchs sowie der Stärke, die wir haben, um das alles zu überstehen. Letztendlich ist dies ein hoffnungsvolles Album über das Überleben." Aufgenommen zu Hause in Lancaster, produziert zusammen mit Dave Fridmann (u.a. MGMT, Sleater Kinney, Mercury Rev sowie Grammy für Flaming Lips), wurde das Album in den Tarbox Road Studios in New York mit von ihm und der Band abgemischt. Atemberaubendes Artwork wieder von Illustrator Casey Raymond.

Mit "Eggsistentialism" kehrt das Psych-Punk-Pop Duo The Lovely Eggs nach einer fast vierjährigen Pause seit ihrem Indie-Nummer-Eins-Album "I am Moron" zurück. In dieser Zeit haben sie ihre eigene Fernsehsendung Eggs TV gemacht (mit Ian McKaye, Stewart Lee, Katie Puckrik, Maxine Peake, David Shrigley und anderen), ein Duett mit Iggy Pop gegeben, eine Menge ausverkaufter Konzerte und Festivals gespielt und eine Kampagne zur Rettung der Lancaster Music Co-op (ein gemeinschaftlicher Proberaum und Aufnahmestudio, in dem sie leben) geführt.Wie der Titel schon andeutet, erforscht "Eggsistentialism" eine viel persönlichere, introspektivere und nachdenklichere Seite der Welt von The Lovely Eggs und lässt die Eggs neue Klänge erforschen und in unerforschten musikalischen Gebieten experimentieren."Wir haben seit 2020 keine neue Platte mehr veröffentlicht und in der Zwischenzeit haben wir hier versucht, das Recht auf einen Lebensstil zu verteidigen, den wir hier in dieser Stadt in den letzten 30 Jahren als arbeitende Musiker genossen haben, die sich weigern, einen "normalen" Job zu bekommen. Es geht darum, an etwas zu glauben und nicht loszulassen. Aber dieser Unwille, aufzugeben, fordert letztendlich seinen Tribut. Es fängt an, dich zu zerstören, und das Album ist eine Art Dokumentation dieser Zerstörung und des Zusammenbruchs sowie der Stärke, die wir haben, um das alles zu überstehen. Letztendlich ist dies ein hoffnungsvolles Album über das Überleben." Aufgenommen zu Hause in Lancaster, produziert zusammen mit Dave Fridmann (u.a. MGMT, Sleater Kinney, Mercury Rev sowie Grammy für Flaming Lips), wurde das Album in den Tarbox Road Studios in New York mit von ihm und der Band abgemischt. Atemberaubendes Artwork wieder von Illustrator Casey Raymond.

Worte sind keine Selbstverständlichkeit. Vor allem dann nicht, wenn sie von einem breitschultrigen Dichter mit dem Feuer eines Predigers und der Ehrlichkeit und Weisheit eines Laien mit voller Wucht über erdige Live-Beats und zwischen hymnischen Melodien und mitreißenden Riffs gebrüllt werden.
Worte sind wichtig. Geschichte ist wichtig. Menschen sind wichtig. Und BIG SPECIAL sind wichtig.

Ein Duo, das lauter ist als Bomben, BIG SPECIAL schreiben über Verzweiflung und Kampf, über ein Großbritannien im Niedergang, darüber, wie man in seinen dunkelsten Momenten Stolz findet, darüber, dass der wahre Klassenkrieg im Vereinigten Königreich immer nach unten geht. Es sind Lieder der Hoffnung, der Verzweiflung und noch mehr Hoffnung, denn letztendlich gewinnen die guten Menschen. Lieder, die die Stimme wiedergeben, die man hört, wenn man in den Spiegel schaut und sein wahres Ich sieht - Kampflieder für eine Welt, die aus den Fugen geraten ist.

Ltd. White Vinyl
Worte sind keine Selbstverständlichkeit. Vor allem dann nicht, wenn sie von einem breitschultrigen Dichter mit dem Feuer eines Predigers und der Ehrlichkeit und Weisheit eines Laien mit voller Wucht über erdige Live-Beats und zwischen hymnischen Melodien und mitreißenden Riffs gebrüllt werden.
Worte sind wichtig. Geschichte ist wichtig. Menschen sind wichtig. Und BIG SPECIAL sind wichtig.

Ein Duo, das lauter ist als Bomben, BIG SPECIAL schreiben über Verzweiflung und Kampf, über ein Großbritannien im Niedergang, darüber, wie man in seinen dunkelsten Momenten Stolz findet, darüber, dass der wahre Klassenkrieg im Vereinigten Königreich immer nach unten geht. Es sind Lieder der Hoffnung, der Verzweiflung und noch mehr Hoffnung, denn letztendlich gewinnen die guten Menschen. Lieder, die die Stimme wiedergeben, die man hört, wenn man in den Spiegel schaut und sein wahres Ich sieht - Kampflieder für eine Welt, die aus den Fugen geraten ist.

Reissue im neuen Artwork zum 10-jährigen Jubiläum von Hannah Aldridges gefeiertem Debütalbum "Razor Wire" (2014), einer eindringlichen Erkundung von Liebe, Verlust und Rebellion. Aufgewachsen im Herzen von Alabama, ist Aldridges Musik eine Abrechnung mit der Erziehung im US-Süden und der Suche nach Identität. Mit ihrer düsteren wie melodischen Stimme erzählt sie Geschichten über Kampf und Selbstfindung. Aufgenommen im renommierten Welcome To 1979-Studio in Nashville, profitierte "Razor Wire" von der Zusammenarbeit angesehener Musiker und Produzenten wie Chris Mara, Brad Pemberton, Andrew Higley, The 400 Unit und Dylan Leblanc. Dieser Meilenstein markiert ein Jahrzehnt musikalischer Erforschung und Entwicklung und lädt die Hörer ein, die transformative Kraft von Aldridges Musik neu zu entdecken.

"Chainsaw Man" ist unbestritten einer der erfolgreichsten aktuellen Animes. Basierend auf der gleichnamigen Mangareihe von Tatsuki Fujimoto wird er vom legendären Studio Mappa (Attack on Titan, Jujutsu Kaiser) animiert. Die Geschichte erzählt vom Teufelsjäger Denji, der zu seinem Todeszeitpunkt einen Vertrag mit seinem treuen Gefährten, dem Kettensägenteufel Pochita, schließt. Von dem Tag an ist er "Chainsaw Man".Der Soundtrack stammt von Kensuke Ushio (A Silent Voice, Devilman Crybaby), der dieses Album als eine musikalische Hommage an die turbulente Welt von Chainsaw Man konzipiert. Die Musik-Highlights wurden auf zwei Platten gepresst, die mit einem leuchtenden Rot und schwarzem Splatter-Muster beeindrucken - ein Abbild von Blut und Finsternis in Denjis unerbittlichen Kämpfen.

"Black Sheep" ist ein spannendes Hörerlebnis mit einigen der bisher schärfsten Texte und elektrisierendsten Darbietungen von Cakes Da Killa. Er bringt die Stimmen von außen zum Schweigen und nutzt voll und ganz seine Vielseitigkeit: melodischere Hooklines, noch raffiniertere Pointen und die charakteristische Stimme, die mit durchsetzungsfähiger, roher Kraft alles durchdringt. Während sich in den globalen Verhältnissen Dunkelheit abzeichnet, bietet Cakes neue Fluchtwege - nicht aus Fahrlässigkeit, sondern aus Erholung, um weiter zu kämpfen. Ihm eilt sein kritischer und gesellschaftlicher Beifall voraus: Er hat bei Glastonbury, Governors Ball, Sonar und Whole Festival gespielt und von Honey Dijon über Injury Reserve bis zu Rye Rye mit allen zusammengearbeitet.

"Black Sheep" ist ein spannendes Hörerlebnis mit einigen der bisher schärfsten Texte und elektrisierendsten Darbietungen von Cakes Da Killa. Er bringt die Stimmen von außen zum Schweigen und nutzt voll und ganz seine Vielseitigkeit: melodischere Hooklines, noch raffiniertere Pointen und die charakteristische Stimme, die mit durchsetzungsfähiger, roher Kraft alles durchdringt. Während sich in den globalen Verhältnissen Dunkelheit abzeichnet, bietet Cakes neue Fluchtwege - nicht aus Fahrlässigkeit, sondern aus Erholung, um weiter zu kämpfen. Ihm eilt sein kritischer und gesellschaftlicher Beifall voraus: Er hat bei Glastonbury, Governors Ball, Sonar und Whole Festival gespielt und von Honey Dijon über Injury Reserve bis zu Rye Rye mit allen zusammengearbeitet.

"Black Sheep" ist ein spannendes Hörerlebnis mit einigen der bisher schärfsten Texte und elektrisierendsten Darbietungen von Cakes Da Killa. Er bringt die Stimmen von außen zum Schweigen und nutzt voll und ganz seine Vielseitigkeit: melodischere Hooklines, noch raffiniertere Pointen und die charakteristische Stimme, die mit durchsetzungsfähiger, roher Kraft alles durchdringt. Während sich in den globalen Verhältnissen Dunkelheit abzeichnet, bietet Cakes neue Fluchtwege - nicht aus Fahrlässigkeit, sondern aus Erholung, um weiter zu kämpfen. Ihm eilt sein kritischer und gesellschaftlicher Beifall voraus: Er hat bei Glastonbury, Governors Ball, Sonar und Whole Festival gespielt und von Honey Dijon über Injury Reserve bis zu Rye Rye mit allen zusammengearbeitet.

Der Schweizer Sänger, Musiker, Songwriter und Produzent Dino Brandão veröffentlicht sein lang erwartetes Debütalbum 'Self-Inclusion'!

Dino Brandão ist gefühlt schon seit Jahren präsent, hat längst nicht nur in der Schweiz umjubelte Konzerte gespielt.
Bis 2019 war er Sänger und Gitarrist der Band Frank Powers, 2020 kam die schweizerdeutsche Liebeserklärung 'Ich liebe dich' mit Faber und Sophie Hunger, und die Debüt-EP 'Bouncy Castle' hat inzwischen auch schon über zwei Jahre auf dem Buckel.
Aber wie heisst es so schön im vergnüglich klingenden, aber lyrisch tiefschürfenden Titeltrack der EP: 'Life’s a bouncy castle / Filled with tears and laughter'.
Das trifft im Falle von Dino Brandão umso mehr zu. Er hatte in den letzten Jahren, in denen er sein Solodebüt aufnehmen wollte, nicht nur mit der Pandemie zu kämpfen wie wir alle, sondern musste sich auch einer Multiple-Sklerose-Diagnose stellen und verbrachte einige Zeit in einer psychiatrischen Einrichtung.
Dass sein Debütalbum 'Self-Inclusion' nun mit einem Song namens 'Sweet Madness' beginnt und mit der Aussenseiter:innen-Hymne 'Loser' endet, die ebenfalls in einer solchen Klinik spielt, ist also kein Zufall.
Was hier jetzt nach einem ziemlichen Brocken klingt, musikalisch erstaunlicherweise aber dermassen leicht in die Füsse, die Hüfte, das Herz und dann eben auch in den Kopf geht, dass man Dino Brandão geradezu diabolische, oder vielleicht gar sirenen-artige Kräfte zu schreiben könnte.
Dino Brandão sagt selbst: 'Ich habe früh für mich entschieden, da ganz offen zu sein und alles, was mich umtreibt, zu erzählen. Vielleicht hilft es auch ein wenig, das zu entstigmatisieren. Ich hoffe nur, dass ich nicht immer auf diese Themen reduziert werde.'
Das dürfte sein tolles Debütalbum 'Self-Inclusion' zu vermeiden wissen.

Black Tusk kennen sich schon lange. Gitarrist Andrew Fidler und Schlagzeuger James May sind beide in den Sümpfen von Savannah, Georgia, aufgewachsen, wo sie seit 19 Jahren gemeinsam auf die Pauke hauen.
Obwohl sie oft in einem Atemzug mit Baroness und Kylesa genannt werden, sind Black Tusk ein ganz anderes Kaliber. Diese Sumpfmonster haben sich nie weit von ihren Wurzeln im Metal, Sludge und Punk entfernt, obwohl sie auf ihrem letzten Album nach dem Tod von Bassist Jonathan Athon darum kämpfen mussten, weiter zu bestehen.
The Way Forward ist das Ergebnis des gewonnenen Kampfes. Das Album stürmt mit neuer Besetzung (zu der auch die ehemaligen Mitstreiter Chris "Scary" Adams und Bassist Derek Lynch gehören) direkt nach vorne. Gemeinsam bahnt sich die Band einen Weg in die Zukunft, indem sie sich auf das verlassen, was Black Tusk am besten kann. Die Leadsingle "Brushfire" kommt mit einem fiesen, hässlichen, mit den Füßen stampfenden Riff daher. Der raue und ruppige Gesang lässt die Boxen durch "Dance on Your Grave" trampeln, während "Breath of Life" mit erhobener Faust lostrommelt, als ob ein Gewitter rollt und kracht.

Black Tusk kennen sich schon lange. Gitarrist Andrew Fidler und Schlagzeuger James May sind beide in den Sümpfen von Savannah, Georgia, aufgewachsen, wo sie seit 19 Jahren gemeinsam auf die Pauke hauen.
Obwohl sie oft in einem Atemzug mit Baroness und Kylesa genannt werden, sind Black Tusk ein ganz anderes Kaliber. Diese Sumpfmonster haben sich nie weit von ihren Wurzeln im Metal, Sludge und Punk entfernt, obwohl sie auf ihrem letzten Album nach dem Tod von Bassist Jonathan Athon darum kämpfen mussten, weiter zu bestehen.
The Way Forward ist das Ergebnis des gewonnenen Kampfes. Das Album stürmt mit neuer Besetzung (zu der auch die ehemaligen Mitstreiter Chris "Scary" Adams und Bassist Derek Lynch gehören) direkt nach vorne. Gemeinsam bahnt sich die Band einen Weg in die Zukunft, indem sie sich auf das verlassen, was Black Tusk am besten kann. Die Leadsingle "Brushfire" kommt mit einem fiesen, hässlichen, mit den Füßen stampfenden Riff daher. Der raue und ruppige Gesang lässt die Boxen durch "Dance on Your Grave" trampeln, während "Breath of Life" mit erhobener Faust lostrommelt, als ob ein Gewitter rollt und kracht.

"Black Sheep" bringt einige der bisher schärfsten Texte und elektrisierendsten Darbietungen von Cakes Da Killa, der vollends seine Vielseitigkeit nutzt: melodische Hooks, noch raffiniertere Pointen und die charakteristische Stimme, die mit durchsetzungsfähiger, roher Kraft alles durchdringt. Während sich in den globalen Verhältnissen Dunkelheit abzeichnet, bietet Cakes neue Fluchtwege - nicht aus Fahrlässigkeit, sondern aus Erholung, um weiter zu kämpfen. Ihm eilt sein kritischer und gesellschaftlicher Beifall voraus: Er hat bei Glastonbury, Governors Ball, Sonar und Whole Festival gespielt und mit allen - von Honey Dijon über Injury Reserve bis Rye Rye - zusammengearbeitet.

12. Mr Black Sheep (LPX Bonus Track)
13. Chain Gang Pimpin (LPX Bonus Track)
14. The Mix (LPX Bonus Track)
15. Not The One (LPX Bonus Track)
16. Standing Ovation (LPX Bonus Track)

"Black Sheep" bringt einige der bisher schärfsten Texte und elektrisierendsten Darbietungen von Cakes Da Killa, der vollends seine Vielseitigkeit nutzt: melodische Hooks, noch raffiniertere Pointen und die charakteristische Stimme, die mit durchsetzungsfähiger, roher Kraft alles durchdringt. Während sich in den globalen Verhältnissen Dunkelheit abzeichnet, bietet Cakes neue Fluchtwege - nicht aus Fahrlässigkeit, sondern aus Erholung, um weiter zu kämpfen. Ihm eilt sein kritischer und gesellschaftlicher Beifall voraus: Er hat bei Glastonbury, Governors Ball, Sonar und Whole Festival gespielt und mit allen - von Honey Dijon über Injury Reserve bis Rye Rye - zusammengearbeitet.

Veteran producer Blende debuts on Studio Barnhus, the Athens-based Swede delivering 3 cuts full of force and rich in detail, perfectly straddling that line between weirdo pop and freaky dance that the Stockholm label loves to explore. Vocal contributions from Belgian rock experimentalist Mickael Karkousse and Los Angeles-based singer-DJ sensation Smiles Davis complete the package, along with a trippy and menacing cover by graphic wizard Stefan Fält. An essential Studio Barnhus dance record!
Johan Blende is a Swedish music producer, song writer and DJ. For the biggest part of this side of the millennium he’s been weaving together modern dance music elements with retro sounds of the ‘70s and ‘80s.

Zwischen bezaubernder Zärtlichkeit und Brutalität, zwischen den Feuern der Unterwelt und den kältesten Dämpfen des Nordens, das ist das Wesen, das WINTERHORDE genannt wird. Gegründet im Jahr 2002 in Nordisrael, hat sich die Progressive Extreme Metal Gruppe weiterentwickelt und versucht, mit jedem Akkord, den sie spielen und aufnehmen, etwas Größeres zu werden. Nur der Himmel ist die Grenze. Ob durch die uralten Künste des geschwärzten Metal bis hin zu den Juwelen der Progression, WINTERHORDE sind auf dem Weg, das nächste Ding der artikulierten Extremität zu sein.

WINTERHORDE hatten das große Vergnügen und das Privileg, mit einigen der größten Bands des Metal wie JUDAS PRIEST, BEHEMOTH, ACCEPT, W. A. S. P, DIMMU BORGIR, KEEP OF KALESSIN, AMORPHIS, SATYRICON und vielen mehr auf den Bühnen verschiedener europäischer Festivals wie "Metal Days", "Rockstadt Extreme Fest", "OST Mountain Fest", "Metalhead Meeting", "Maximum Rock" und "Metal yard" aufzutreten.

WINTERHORDE bahnten ihren Weg in den progressiven Manierismus des Extreme Metal und veröffentlichten ihr Debüt "Nebula" (2006, Burning Star Records), dem eine komplette Europatour mit den finnischen Black Metalern CATAMENIA folgte. Das zweite Album "Underwatermoon" (2010, Twilight Vertrieb) wurde von V. Santura (DARK FORTRESS, OBSCURA, PARADOX, TRYPTIKON) aufgenommen und produziert. Anfang 2016 vollendete WINTERHORDE eines ihrer abenteuerlichen und höchst geheimnisvollen Epos, "Maestro" (Vicisolum Productions) wurde erneut von V. Santura produziert und von Jens Bogren gemastert. Kritiker und Fans begrüßten das dritte Studioalbum "Maestro", das im Mai 2016 veröffentlicht wurde.

Sechs Jahre später, und WINTERHORDE sind wieder bereit für die nächste Herausforderung. Voller Energie und einer neuen, überwältigenden Besetzung haben WINTERHORDE die Arbeit an ihrem neuen, vierten Studioalbum "Neptunian" geschafft.
Im Juni 2022 wurde die Single "The Greatest Plague of Earth" veröffentlicht.

Metal Temple zine:
"This is an expression of extreme passion, through a whirlwind, and a strong character. Winterhorde is back different, but preserving their miraculous nature"

Winterhorde's bassist and founder, Alexander Latman, comments on "The Spirit Of Freedom"
"This song deals with the unbreakable spirit of simple people, who are ready to die for keeping their land free. We wanted to show this spirit, not only in the warrior himself but also in his family members who are filled with pride of their fallen loved one. The simple people are those who sacrifice their lives for unnecessary wars waged by rich people's games. They die, but never give up their freedom and identity. The conflict of life versus freedom at any cost".

Sales Info:
- PR-Kampagne über die deutsche Agentur ALL NOIR für Print / Presse / Radio in der EU + O'Donnell Medien für PR in den USA
- frühere Musikvideos haben jeweils 5-stellige Ansichten auf YT erreicht
- neues Album gemischt und gemastert von Jaime Gomez Arellano (Ghost, Paradise Lost, Insomnium, Moonspell)
- Feat. Künstler auf Album: Kobi Farhi von Orphaned Land und Davidavi Dolev von Subterranean Masquerade

Aller guten Dinge sind drei, nicht wahr? In seinem letzten Atemzug stellt 2023 sicher, dass es mit einem Knall zu Ende geht. Im November wird THE VICE "Grant me your peace" veröffentlichen, die erste Single und das Video aus dem kommenden Album "Dead canary run", das den Startschuss für 2024 geben wird, wenn es im Januar auf allen digitalen Plattformen, auf CD und zum ersten Mal in der Geschichte von The Vice auf Vinyl erscheint!

Das Album baut auf den Fundamenten des Vorgängers auf und setzt den von THE VICE über die Jahre geschaffenen Weg fort. Dennoch ist "Dead canary run" ein ganz anderes Biest. Dreckiger Rock, geschwärzter Metal, todgeweihter Pop, sie alle sind da und gedeihen wie nie zuvor. Und vielleicht kommt einem der Sludge, aus dem er hervorgekrochen ist, bekannt vor, aber es gibt viele neue Ebenen, die die Band mit diesem Album erreicht hat. Mit der Hilfe ihres alten Partners Joel Öhman (der bei einigen Songs das Klavier beigesteuert hat) haben sie im Spätsommer dieses Jahres das Studio Underjord mit einem Album verlassen, auf das sie nicht stolzer sein könnten. Seit "White teeth rebellion" haben sie einen langen Weg zurückgelegt, und "Dead canary run" ist ein schönes Zeugnis dieser Reise. Es ist schon komisch, was Leidenschaft und Entschlossenheit, auf 11 hochgeschraubt, bewirken können.

States the Band : "So now in full rehearsal-mode preparing for the stages in 2024 following the release of "Dead canary run". We've also got lots of other stuff in the pipeline and the coming seasons will be packed as we enter this new cycle. Album, videos, piano, touring, vinyls, merch. Pretty much the same as always, but completely different, and just fucking better.See you on the other side!"

- PR-Kampagne über die deutsche Agentur ALL NOIR für Print / Presse / Radio in der EU + O'Donnell Medien für PR in den USA
- frühere Musikvideos haben über 10k Aufrufe auf YT erzielt

Alles fließt, nichts bleibt wie es ist. Diese philosophische Erkenntnis gilt auch für das dritte Studioalbum der aufstrebenden niederländischen Rockband DOOL. Der treffende Titel "The Shape of Fluidity" zielt keineswegs nur auf die musikalische Innovation. Sondern das Album dreht sich um Themen wie persönlicher Wandel, physische Veränderung, psychologische Weiterentwicklung und die sich erneuernde Welt um uns herum. DOOL und insbesondere Sänger/in und Gitarrist/in Raven van Dorst stellen Fragen: Wie wirkt sich der Wandel auf uns aus? Wie bleiben wir uns selbst in einer Welt treu, die so unglaublich herausfordernd und aggressiv gegenüber dem Individuum ist? Wir müssen so fließend wie Wasser sein, um in diesem Ozean von Möglichkeiten und Ungewissheiten erfolgreich zu navigieren - und Frieden mit Chaos und Unbeständigkeit zu schließen. Musikalisch setzen DOOL den auf den beiden vorangegangenen Studioalben eingeschlagenen Weg fort, der emotionale Rockmusik mit Elementen aus dem Metal kombiniert. Dabei demonstrieren die Niederländer eine auffällige Reife und Kontrolle im Songwriting, die aus Jahren der Erfahrung gewachsen sind. "The Shape of Fluidity" zeigt eine eklektische, aber nahtlose Verschmelzung von Progressive und Post-Rock sowie Doom und Heavy Metal, die mit einer stets präsenten Eingängigkeit und hintergründigen Dynamik kombiniert sind. Es ist offenkundig, dass sich das Album thematisch mit dem Konzept der Identität vor dem Hintergrund einer sich ständig verändernden Welt befasst. Die Texte des Albums sind eng mit der Biografie von Leadsänger/in Raven verknüpft. Von Geburt an intersexuell, entschieden die Ärzte chirurgisch, dass der Säugling als Mädchen durchs Leben gehen solle. Dies führte zu einer Existenz auf der Suche nach der eigenen Seele, dem Kampf gegen Tabus und die Überschreitung von Grenzen, bis Raven vor kurzem beschloss, das zurückzufordern, was andere versuchten hatten, ihnen wegzunehmen - und ihre hermaphroditische Natur zu akzeptieren. Der Bandname DOOL leitet sich vom niederländischen Wort für "Wandern" ab. Bereits das im Jahr 2017 erschienene Debütalbum "Here Now, There Then" landete einen sofortigen Volltreffer. Der frisch-wilde Rock- und Metalsound aus den Niederlanden wurde von den renommierten deutschen Magazinen Metal Hammer und Rock Hard zum "Album des Monats" gekürt. Auch Vice (US), Aardschok (NL) und De Volkskrant (NL) überschütteten die junge Band mit Lob. Mit ihrem zweiten Album "Summerland", das 2020 erschien, übertrafen DOOL die ohnehin schon hochgesteckten Erwartungen. Es gab weitere "Album des Monats"-Auszeichnungen in den deutschen Magazinen Rock Hard (10/10) und Sonic Seducer sowie eine #2 Soundcheck-Position in Metal Hammer (DE) und Metal.de, und eine weitere #1 im polnischen Metal Hammer - mit einem Berg herausragender Kritiken auf beiden Seiten des Atlantiks. Mit "The Shape of Fluidity" bieten DOOL sehr viel mehr als nur verdammt coole Musik. Die zusätzlichen Dimensionen von Tiefe und Bedeutung sind Teil ihres einzigartigen Reizes und kommen auf dem neuen Album deutlich zum Vorschein. Mögen sich alle, die wandern, unter der fluiden Flagge von DOOL versammeln!

Soul entwickelte sich gegen Ende der 1950er Jahre aus Rhythm"n"Blues, Gospel, Blues und Jazz. Im folgenden Jahrzehnt war Soul ein Synonym für schwarze Popmusik. Kennzeichnend dafür waren vor allem die Produktionen von Motown Records, zum Beispiel Diana Ross & The Supremes oder Sam Cooke. Seither sind herzergreifender Gesang und groovige Vibes die größten Stilmerkmale des Soul. Zu den weiteren Ikonen des Soul gehören Curtis Mayfield, James Brown, Aretha Franklin, Barry White, Sam Cooke, Al Green und viele mehr. Deren Erfolg ist eng mit dem Kampf der US-amerikanischen Bürgerrechtsbewegung gegen Rassentrennung und für Gleichberechtigung verbunden. 1969 benannte man die Rhythm"n"Blues- in Soul-Charts um. Der Soul-Orkan, der während der Sechziger in den Charts tobte, ebbte jedoch wieder ab, kam aber runderneuert in den 70ern als Phillysound wieder zu erneuten Hitparadenehren. 1982 änderte man die Chart-Bezeichnung von Soul in Black Music. Die vorliegende Kompilation vereint die legendären Stimmen des Soul mit ihren unvergesslichen Hits.

Bewaffnet mit einem bereits umfangreichen Backkatalog an atemberaubender Musik, kehren Palace mit der Ankündigung ihres brandneuen, zutiefst persönlichen, vierten Studioalbums ”Ultrasound” zurück. Für die Produktion des Albums hat sich die Band acht Jahre nach der gemeinsamen Arbeit an ihrem Debütalbum wieder mit dem Produzenten Adam Jaffrey zusammengetan. Das Album folgt auf die beiden EPs ”Part I - When Everything Was Lost” und ”Part II - Nightmares & Ice Cream”, die 2023 erschienen sind. Während die ersten Songs für das Album geschrieben wurden, erlitt die Partnerin von Frontmann Leo Wyndham eine späte Fehlgeburt. ”Ultrasound” wurde so automatisch zu einem offenen Tagebuch eines jahrelangen Kampfes zwischen Verzweiflung und Heilung. ”Es war unglaublich schwer zu begreifen, was passiert war, wie man damit umgehen und wie man weitermachen sollte”, sagt Leo. ”Das Album ist die Verarbeitung dieser Erfahrung - beginnend mit einem Verlust, dann eine Phase der Verarbeitung und schließlich Akzeptanz, Loslassen und Wachstum. Und ich habe Respekt vor den Frauen, die das erleben. Ihre Würde, ihre Stärke und ihr Mut, wie sie mit diesen Dingen umgehen können, die sich für einen Mann unmöglich anfühlen.”

Bewaffnet mit einem bereits umfangreichen Backkatalog an atemberaubender Musik, kehren Palace mit der Ankündigung ihres brandneuen, zutiefst persönlichen, vierten Studioalbums ”Ultrasound” zurück. Für die Produktion des Albums hat sich die Band acht Jahre nach der gemeinsamen Arbeit an ihrem Debütalbum wieder mit dem Produzenten Adam Jaffrey zusammengetan. Das Album folgt auf die beiden EPs ”Part I - When Everything Was Lost” und ”Part II - Nightmares & Ice Cream”, die 2023 erschienen sind. Während die ersten Songs für das Album geschrieben wurden, erlitt die Partnerin von Frontmann Leo Wyndham eine späte Fehlgeburt. ”Ultrasound” wurde so automatisch zu einem offenen Tagebuch eines jahrelangen Kampfes zwischen Verzweiflung und Heilung. ”Es war unglaublich schwer zu begreifen, was passiert war, wie man damit umgehen und wie man weitermachen sollte”, sagt Leo. ”Das Album ist die Verarbeitung dieser Erfahrung - beginnend mit einem Verlust, dann eine Phase der Verarbeitung und schließlich Akzeptanz, Loslassen und Wachstum. Und ich habe Respekt vor den Frauen, die das erleben. Ihre Würde, ihre Stärke und ihr Mut, wie sie mit diesen Dingen umgehen können, die sich für einen Mann unmöglich anfühlen.”

FRN Dancehall might have emerged in Jamaica, but over the last few decades the popular genre's tendrils have stretched out across the globe. In Kampala, Ratigan Era is adding a distinct Ugandan twist to dancehall, fusing it with East African humor and hyper-melodic afrobeats elements imported from Ghana and Nigeria. The versatile MC grew up listening to Jamaican music like Vybz Kartel, Busy Signal and Mavado - in his hometown of Kawempe there was almost no way to avoid it - and it blurred into the background, blending with local church music, US hip-hop and radio pop. He developed this diverse range of influences into a completely unique Afro-dancehall flow that simmers between Luganda, patois, Spanish and English, reflecting the melting pot of cultures and dialects that characterizes contemporary Africa. Ratigan broke out with a memorable feature on Pallaso's Ugandan hit 'Nsaba', a track that echoed throughout the country booming from nightclubs, motorcycle loudspeakers or from convenience stores. Now he's assembled his first album "Era", a furiously inventive interweaving of rubbery vocals and memorable chants backed by futuristic beats from Hakuna Kulala's most boundary-pushing producers. Congolese producer Chrisman takes the reins on 'Gorilla Attack', providing a downtempo groove that echoes recent Jamaican chop deployments from breakthrough artists like Skillibeng and Skeng. For his part, Ratigan ducks and dives between Chrisman's gqom-inspired low end womps and corrosive synths, commanding attention with his smart, dextrous flow and tongue-twisting lyrics.The Modern Institute and Golden Teacher's Richard McMaster handles 'Top Strike Force' leaving space in his wiry, minimal beats for Ratigan to flit between anthemic repetitions and ice-cold AutoTuned wails. On stand-out track 'Badman Style', Ratigan's guttural patois is measured against a dizzy trap-dancehall hybrid beat from HHY & The Kampala Unit's Jonathan Uliel Saldanha, aka Lithium Beats, while on the surreal 'Drop it Down', Japanese mad scientist Scotch Rolex brings out Ratigan's cheeky sense of humor with toytown bleeps and laser zaps. MC Yallah collaborator Debmaster appears on 'Gan Dem', meeting Ratigan's double-time raps with soundsystem destroying rolling subs, and veteran US noisemaker Kush Aurora sprinkles magic dust on 'Cool and Deadly', galvanizing the link between global bass mutations, Jamaica and East Africa.And despite the grab-bag of producers and inspirations, "Ratigan" is a strikingly coherent listening experience that accurately snapshots Kampala's colorful froth of sounds and phrases. Ratigan's outsized personality is welcoming and captivating, providing the sights, sounds and smells of the city with a frenetic rhythm that's as intimate and local as it is far-reaching. It might just be the future we so desperately need.

Mit seinem neuen Album Y'Y (ausgesprochen "eey-eh, eey-eh") betritt Amaro Freitas ein neues Reich des musikalischen Schaffens. Ein Reich, das in Magie und Möglichkeiten verwurzelt ist und von einem Gefühl der Verantwortung für die Gaben der Erde getragen wird. Seite A ist ein Ausdruck der Verbundenheit mit der Erde und den Ahnen, eine Hommage an den Wald und die Flüsse Nordbrasiliens, sowohl mit der Musik als auch mit dem Albumtitel Y'Y, einem Wort aus dem Sateré-Mawé-Dialekt, einem uralten indigenen Code, der Wasser oder Fluss bedeutet. Und indem er die Lektionen, die er im Amazonasgebiet über die glühende Kraft verzauberter Geister gelernt hat, die in Zeiten des Kampfes im Namen der Gemeinschaft eingreifen, zum Leben erweckt. Auf Seite B zeigt Y'Y die Verbindungen zwischen der globalen schwarzen Avant-Jazz-Gemeinschaft. Die Musik des Multiinstrumentalisten Shabaka Hutchings, der Harfenistin Brandee Younger, des Bassisten Aniel Someillan, des Gitarristen Jeff Parker und des Schlagzeugers Hamid Drake schafft eine kunstvolle Konversation, indem sie Jazztraditionen aus der ganzen Welt miteinander verwebt und gleichzeitig in den einzigartigen Klängen und Ritualen afro-brasilianischer und indigener Kulturen verwurzelt bleibt. Auf Y'Y lässt Freitas das Wissen der Vorfahren in die Musik einfließen, indem er seine frische, "dekolonisierte" Interpretation des brasilianischen Jazz einbringt und Musik präsentiert, die vorgefasste Meinungen darüber, was Jazz sein kann, durchaus erschüttern könnte.

Sylvaine hat sich zu einer Vorreiterin des Ambient-Post-Metal entwickelt, doch ihre zweite EP führt zurück zu ihren frühesten Wurzeln.
Kathrine Shepard wuchs in Norwegen auf, inmitten der Kontraste zwischen Natur und Urbanität, am Rande der Innenstadt von Oslo. Während ihres Studiums der Musik, des Tanzes und des Schauspiels an der High School trat sie mehrmals in der Kirche von Kampen auf.
Dieses Relikt aus dem 19. Jahrhundert ist der Ort, an dem Kathrine den größten Teil von Sylvaines zweiter EP aufgenommen hat. Der besondere Klang dieses Raumes unterstreicht "Eg Er Framand", das neben Interpretationen traditioneller norwegischer Volkslieder auch drei ihrer eigenen Originallieder zum Kanon enthält.

Die Ursprünge von "Dagsens Augo Sloknar" sind bis heute rätselhaft, aber der Text wurde 1891 von Elias Blix geschrieben, einem Professor, der zum Politiker wurde und auch Hymnen schrieb. Sylvaine bleibt der zarten, ehrfürchtigen Melodie des Originals treu und singt in einem gehauchten, langgezogenen Flüsterton, der eindringlich und beruhigend ist, wie ein Schatten. Doch während das Stück mit einem gleichmäßigen Orgelsummen beginnt, wird man am Ende von ihrer Interpretation in Trance versetzt. Eg Er Framand" ist ein starkes, aber beruhigendes Passionsprojekt einer der beherrschendsten Stimmen des Metal.

- Zwei ihrer Alben wurden für den norwegischen Grammy Spellemannprisen in der Kategorie Metal nominiert.
- Mit bisher vier veröffentlichten Alben und einer Split-EP wurden SYLVAINEs ätherische Klanglandschaften auf Bühnen in ganz Europa, Nord- und Südamerika gebracht und ließen das Publikum von der transzendenten Kraft der Live-Auftritte der Band fasziniert zurück

FFO: Eivør, Anna Von Hausswolff, Lingua Ignota, Chelse Wolfe

Die Zukunft des Folk Metal
Nach der erfolgreichen Kampagne zum Album "Dusk of the Ages", bei der das "Canto d'Inverno"-Video 4,6 Millionen Aufrufe auf YouTube erreichte,
sind Furor Gallico mit voller Wucht zurück und vereinen einmal mehr auf brillante Weise extreme Metal-Musik mit traditionellen keltischen, irischen
und bretonischen Melodien. “Future to Come" kann zwar nicht als Konzeptalbum bezeichnet werden, aber die meisten Songs basieren auf der Idee
der körperlichen und geistigen Erlösung. Der Hörer taucht ein in eine facettenreiche Welt, in der jeder Song eines von vielen Szenarien darstellt - von
epischen und apokalyptischen Landschaften bis hin zur inneren Versöhnung mit uns selbst und der Erde - jedes einzigartig in seinem Stil und doch gut
ausbalanciert, um den Hörer auf eine Reise durch die Sorgen des Lebens und die Erlösung daraus mitzunehmen.

Close Talker ist eine Indie-Rockband aus Saskatoon, Kanada. Die Band tourt durch Nordamerika und Europa und gewinnt die Aufmerksamkeit und Lob von namhaften Stimmen wie NPR, Billboard, Clash, Spin, Q Magazine und Consequence of Sound.

Nach der erfolgreichen Kampagne zu ihrem aktuellen Album 'How Do We Stay Here?' beenden sie ihre Tournee 2019 mit einem atemberaubenden Auftritt im Broadway Theater in Saskatoon, begleitet von einem klassischen Streicherensemble - eines ihrer langjährigen Ziele als Band. Der Kreis um 'How Do We Stay Here?' wird wunderschön geschlossen, als Close Talker bei den Saskatchewan Music Awards 2020 als Alternative Artist of the Year ausgezeichnet werden.

Was 2012 als Leidenschaft dreier Freunde beginnt, ist nach nunmehr einem Jahrzehnt integraler Bestandteil von allem, was die drei Mitglieder Will, Matthew und Chris tun. Close Talker ist der Gegensatz 'nurture vs. nature' in Echtzeit und zieht sich tief hinein in das tägliche Leben der heute Dreißigjährigen. In den kanadischen Prärien, einem Ort, an dem sich Veränderungen nur langsam vollziehen und die Nostalgie stark ist, verhandeln Close Talker diese Gegensätze auf ihrem neuen Album 'The Sprawl', das im März 2013 erscheinen wird.

1-2-3-4! Here we are and here we go! Broken Cuffs aus Kalifornien / U.S.A. veröffentliches ihren längst überfälligen ersten Longplayer und machen dabei keine Gefangenen. Aggressiv-vorwärtstreibender Streetpunk in bester Casualties , G.B.H. oder Exploited-Manier. Keiner der 11 Songs knackt dabei auch nur annähernd die 3 Minute Marke und auch textlich sind die Songs als Kampfansage gegen das Establishment und System auf den Punkt gebrachte Wut mit F**K You!-Attitude! ''Never Give Up The Fight. Fight ! Fight! Never Stop Fighting, This Is Your Life! knallt es aus den Boxen und das zieht sich durchs komplette Album. Extrem wütend, angepisst mit der perfekten Balance an Melodien und Chören! Ursprünglich 2005 gegründet um ein Jahr später schon wieder history zu sein, haben sich Broken Cuffs 2015 wieder zusammen gefunden und in den Folgejahren insbesondere auf den Clubbühnen für ordentlich Furore gesorgt. Diese geballte Power haben sie auch auf ihrem Debut-Album eingefangen! The real deal und genau SO muss Punk auch heute noch klingen!!!

REISSUE

28 Jahre sind OXO 86 jetzt auch schon dabei, 2022 sogar das erste Mal in den Charts, und präsentieren immer noch ihren Skapunk allerbestgelaunt. Das lange vergriffene "Akustikalbum" gibt's jetzt endlich wieder auf limitiertem Vinyl. Ursprünglich 2016 zum 20-jähigen Bandjubiläum erschienen, erfüllte sich die Bernauer Ausnahmeband einen langgehegten Wunsch und nahm 13 ihrer beliebtesten Hits akustisch neu auf. OXO86 schafft es dabei mühelos, dass die Lieder im punkigen Folk-Offbeat-Gewand einen ganz besonderen Esprit und Charme versprühen. Der Rest ist Geschichte mit stets ausverkauften Club-Tourneen und Headliner-Positionen auf allen großen Festivals. So auch 2024 beim Ruhrpott Rodeo, Spirit from the Streets, Back to Future uvw. Farbiges Frühlings-Vinyl mit Mamor-Effekt, jede Platte anders.