Search:k freund

Michael Mayer albums don’t come round too often, which is one of many reasons why his fourth collection, The Floor Is Lava, is a genuine event. It’s been eight years since his last one, the collaborative & released on !K7; its predecessors, Mantasy (2012) and Touch (2004), took their sweet time, too. It’s no real surprise, given the many hats Mayer wears – globetrotting DJ, revered remixer, inveterate collaborator, and boss of both Kompakt and Imara – that his solo productions are relatively sparing. But this also speaks to their quality: Mayer’s name on a record sleeve is a sign of quality, of music that’s both looking to the future and calling back to the past, that balances the imperatives of the dancefloor and the loungeroom, that’s as exploratory as it is functional.

On The Floor Is Lava, Mayer seems to be taking the temperature of both the music that surrounds him (past and present), and the ides of the industry he works within. There’s that iconic album title, for a start. “The album’s mindset,” he says, reflecting on those four words together. For Mayer, it’s partly a critique of the way the industry boxes in both producer and listener, focuses them on genre, on market, on the next new thing: “Being a free minded spirit that transcends genres has become an uphill battle.” A battle worth fighting, though, and with The Floor Is Lava, the result is an album that’s varied, quixotic, idiosyncratic, charming, and deeply, addictively listenable.

Throughout, Mayer finds thrills in exploration and juxtaposition, allowing unexpected things to blossom and giving them their life, their platform, throwing the listener exciting curveballs: “It’s a DJ album by a DJ that’s easily bored.” Either easily bored, or endlessly curious, The Floor Is Lava is rich with ideas. It opens with “The Problem”, which looks back to look forward, embracing the rickety way early house productions threw samples together with gleeful abandon. Mayer mentions Pal Joey, and the scene around Rockers Hi-Fi and their Different Drummer imprint, as reference points, and you can hear that freewheeling spirit throughout.

It’s followed by “Vagus”, a slinky, sensual minimal house number that Mayer describes as his “musical catnip”. The flow of these two opening cuts defines the dynamic of The Floor Is Lava, defining the dialectical drive at its core: thesis and antithesis leads to synthesis, but with a welcome prickliness that means you’re always excited, always engaged. It’s also productive in the way it derives energy from rubbing genres and sounds against each other, in unexpected ways, for maximum musical frisson. There’s psychedelic techno on “Feuerstuhl”, more minimal techno with “Ardor” (Mayer mentions ‘Immer 1’ era 90s minimal as inspiration), slippery, Shepard-tone breakbeat through “Sycophant”, a lovely, lush vocal turn on the poppy “The Solution”.

The album closes with the melancholy “Süßer Schlaf”, where Mayer sets a poem by Goethe to one of his most haunted, moving pieces of music yet, in abstract tribute to a lost friend. It’s one of the most affecting moments on The Floor Is Lava. There’s also an update on 2020’s wild Brainwave Technology EP, with the surrealist glitter-stomp of “Brainwave 2.0” (check out those handclaps!),where Mayer’s thinking about the socio-political precipice of the now: “I’m reading with great interest about this whole complex of how humanity is about to cross so many lines and the implications that the resulting financial and educational inequality will bring.”

That’s The Floor Is Lava: then and now, brainwaves and nerve structures, problems and solutions, genres on fire; the real, the unreal, and the surreal. An album for the easily bored and the endlessly curious. Mayer has the last word, telling us all you need to know about the album’s spirit: “Burning for the cause, being zealous, being addicted to the heat of the night, the exuberant powers of music.”

Michael Mayer veröffentlicht nicht oft Alben, was einer von vielen Gründen ist, warum ‘The Floor Is Lava’ ein echtes Ereignis ist. Es sind acht Jahre vergangen seit seinem letzten Werk, dem Kollaborationsalbum &, das auf !K7 erschien; seine Vorgänger, Mantasy (2012) und Touch (2004), ließen ebenfalls auf sich warten. Es überrascht nicht wirklich, da Mayer viele Rollen gleichzeitig erfüllt – weltreisender DJ, vielbeschäftigter Remixer, unermüdlicher Kollaborateur und Chef von sowohl Kompakt als auch Imara – weshalb seine Solo-Produktionen eher sparsam ausfallen. Doch das spricht auch für deren Qualität: Ein Album mit Mayers Namen auf dem Cover steht für Qualität, für Musik, die sowohl in die Zukunft blickt als auch auf die Vergangenheit verweist, die das Gleichgewicht zwischen den Anforderungen des Dancefloors und des Wohnzimmers hält, die genauso erforschend wie funktional ist.

Auf The Floor Is Lava scheint Mayer sowohl die Musik um ihn herum (vergangen und gegenwärtig) als auch die Strömungen der Branche, in der er arbeitet, zu reflektieren. Da wäre zunächst der ikonische Albumtitel. „Die Grundhaltung des Albums“, sagt er, drückt sich in diesen vier Worte aus. Für Mayer ist es teilweise eine Kritik daran, wie die Industrie sowohl Produzenten als auch Hörer in Schubladen steckt, sie auf Genres, auf den Markt und auf das nächste große Ding fokussiert: „Ein freier Geist zu sein, der Genres überschreitet, ist zu einem steinigen Weg geworden.“ Ein Kampf, der sich jedoch lohnt, und mit The Floor Is Lava ist das Ergebnis ein Album, das vielfältig, eigenwillig, charmant und tiefsinnig, aber auch süchtig machend ist.

Im gesamten Album findet Mayer Freude an der Erforschung und Gegenüberstellung von Stilen, lässt unerwartete Dinge erblühen und gibt ihnen Raum, überrascht den Hörer mit spannenden Wendungen: „Es ist ein DJ-Album von einem DJ, der sich schnell langweilt.“ Entweder langweilt er sich schnell oder er ist unendlich neugierig – The Floor Is Lava ist reich an Ideen. Es beginnt mit „The Problem“, das in die Vergangenheit blickt, um nach vorne zu schauen, und die wilde Art, wie frühe House-Produktionen Samples mit fröhlicher Unbekümmertheit zusammenwarfen, aufgreift. Mayer nennt Pal Joey und die Szene um Rockers Hi-Fi und ihr Label Different Drummer als Referenzpunkte, und dieser freie Geist zieht sich durch das gesamte Album.

Es folgt „Vagus“, eine sinnliche Minimal-House-Nummer, die Mayer als seine „musikalische Katzenminze“ beschreibt. Der Fluss dieser beiden Eröffnungstracks definiert die Dynamik von The Floor Is Lava und den dialektischen Antrieb im Kern: These und Antithese führen zu einer Synthese, jedoch mit einer willkommenen Schärfe, die dafür sorgt, dass man immer aufgeregt und engagiert bleibt. Zudem gewinnt das Album Energie, indem es Genres und Klänge auf unerwartete Weise aneinanderreibt, um maximalen musikalischen Nervenkitzel zu erzeugen. Es gibt psychedelischen Techno in „Feuerstuhl“, mehr Minimal Techno mit „Ardor“ (Mayer erwähnt ‘Immer’ Ära Minimal als Bezugspunkt), gleitenden Shepard-Ton-Breakbeat in „Sycophant“ und einen lieblichen, üppigen Vocal-Auftritt im poppigen „The Solution“.

Das Album schließt mit dem melancholischen „Süßer Schlaf“, in dem Mayer ein Gedicht von Goethe vertont und eine seiner bisher eindringlichsten und bewegendsten musikalischen Kompositionen schafft, als abstrakten Tribut an eine verschiedene Freundin. Es ist einer der ergreifendsten Momente auf The Floor Is Lava. Ebenfalls gibt es ein Update der wilden Brainwave Technology-EP von 2020, mit dem surrealistischen Glitzer-Stampfer „Brainwave 2.0“ (hör dir diese Handclaps an!), in dem Mayer über den sozio-politischen Abgrund der Gegenwart nachdenkt: „Ich lese mit großem Interesse über diesen ganzen Komplex, wie die Menschheit dabei ist, so viele Grenzen zu überschreiten und welche Auswirkungen die daraus resultierende finanzielle und bildungstechnische Ungleichheit haben wird.“

Das ist The Floor Is Lava: Damals und heute, Gehirnwellen und Nervengeflechte, Probleme und Lösungen, brennende Genres; das Reale, das Unreale und das Surreale. Ein Album für die schnell Gelangweilten und die unendlich Neugierigen. Mayer hat das letzte Wort und sagt uns alles, was wir über den Geist des Albums wissen müssen: „Brennen für die Sache, leidenschaftlich sein, süchtig nach der Hitze der Nacht, den überschwänglichen Kräften der Musik.“

Raining Heart is a studio project originally created by the German musicians Peter Heckmann and Tobias Freund in 1986 in Frankfurt. Very much in the same vein as Art of Noise with its studio sound experimentalism, but with a Kraut edge to it. If there was one track that could be played for everyone at the G20 Summit whilst on LSD in hopes of achieving world peace, it might be “Raining Heart”, the first track on this EP, it’s just one of those tracks that makes you wonder what these people were eating for breakfast at the time. Nothing technically mind blowing, just crafted to perfection in terms of all the elements coming together in therapeutic beauty, (also clearly exposing Peter’s relationship with theatrical production). A downtempo chugger with the dreamiest of sounds, effortlessly transporting the listener to another dimension, the vocals are unthinkable, by Yucca Rose, an East Javanese Jazz singer, almost as if she was broadcasting from a radio station in a parallel universe. “Alien Beat” takes a more aggressive turn into some kind of neo rock direction generously decorated with a wide range of studio tricks that might have been ground breaking at the time. B-side offers two new remixes by Castro, a “K-hole Collage” version of “Raining Heart” taking the original theme to another dubbed out realm, and a “Bonus Beat” extension of “Alien Beat” that dissects the key elements of the original track in efforts to develop a more dancefloor oriented DJ tool. Remastered with original artwork.

Während ihr Stones Throw-Debüt Overstand instrumental war, fühlten sich Apifera bei den Aufnahmen zu Keep The Outside Open zu einer intimeren Herangehensweise bereit. Sie ließen ihrer Vorstellungskraft freien Lauf und verpackten persönliche Alltagsgeschichten in Fantasie und fiktive Charaktere.
Die Mitglieder von Apifera - Nitai Hershkovits, Yuvi Havkin, Yonatan Albalak und Amir Bresler - sind alle tief in ihrer musikalischen Community verwurzelt: Yuvi veröffentlicht als Rejoicer elektronischen Jazz, Yonatan ist Frontmann der Post-Rock/Psych-Jazz-Band Geshem, Amirs Gruppe Liquid Saloon mischt Afrobeat mit Jazz-Funk, und Nitai ist vor allem für seine Solo-Piano-Platten bekannt, von denen ein Album 2023 bei ECM erschien. Für den Schlusssong des Albums, „Sera Sam“, haben sie ihren Freund, den Trompeter Avishai Cohen, mit ins Boot geholt. Der Titel des neuen Albums entstand, nachdem jemand nach einem Auftritt in ihrem Lieblings-Jazzclub gerufen hatten: „We're closing the outside“. Keep The Outside Open ist ein Appell an die Welt, offen zu bleiben. Zu ihrem freien und wilden Zustand zurückzukehren.

Warriors Of The Dystotheque begann als Onlineprojekt des irischen DJs Jonny Mac gestartet und ist nun zur vollständigen Band gereift, die sich zum ersten Mal im wirklichen Leben traf und ein Album mit kontrastierenden Sounds, Ideen und Einflüssen aufnahm. Aufwachsen in Nordirland, die 90er Rave-Tage, Leben im sonnigen Florida, ein Mashup aus Live- und elektronischer Musik, Freundschaft und Verlust, Ibizas Sonnenlicht und dunkle Wolkennächte, Verzweiflung und Erleuchtung, die Kraft der Musik, sich aufzurichten und Freude und Harmonie zu schaffen. Jonny Mac: "Es fühlt sich an, als hätten wir die Punkte auf diesem Album verbunden, es klingt mehr nach einem Zusammenkommen der Band als nach einem Onlineprojekt. It's a beautiful thing." Lp mit 12x12" Artprint.

Der Nachfolger ihres von allen Seiten gefeierten selbstbetitelten Debüts von 2014, das Minimal Techno mit orchestralen Schnörkeln und schwereloser Produktion neu interpretierte - ist endlich da. "II" ist lebendiger, aber es behält immer noch den charakteristischen Kiasmos-Stil des Übergangs von einer flüsternden, ruhigen Atmosphäre zu einem explosiven Dance-Beat, der aus den Socken haut. Kiasmos - sind weiterhin der isländische Komponist Olafur Arnalds und der färöische Musiker Janus Rasmussen - haben sich diesmal zehn Jahr Zeit genommen für ihr Nachfolgewer und die Entstehung von "II" war eine Bewährungsprobe für ihre Freundschaft, aber auch ein Beweis dafür, dass eine großartige musikalische Chemie immer noch genauso gut sein kann, wie sie einmal war. Kiasmos hatten schon immer ein beneidenswertes Gespür dafür, komplexe Emotionen und eindrucksvolle Bilder mit Instrumentalmusik zu vermitteln. Die gesammelte Erfahrung als Produzenten, auf die sie zurückgreifen können, die Filmmusikarbeiten von Olafur Arnalds als Grammy-nomminierter Komponist für Film und Fernsehen sorgen für ein reifes elektronisches Album. Sie verlagerten ihre Melodien subtil von Four-to-the-Floor auf die frenetischen gebrochenen Beats der britischen Tanzmusik, indem sie mehr mit BPMs experimentiert haben, was an Janus" Zeit als DJ in den großen Venues weltweit erinnert. Es gibt immer noch die schmerzenden Melodien, die die Fans kennen und lieben, aber sie sind auch eingängiger.

Das neue Album führt Usher mit seinem Freund L.A. Reid zusammen.

Usher hat die Musik, die Kultur und unzählige Leben verändert. Der mehrfach mit dem Grammy Award ausgezeichnete internationale Megastar, Schauspieler, Tänzer, Unternehmer und Philanthrop wird auch im Jahr 2023 und darüber hinaus für Veränderungen sorgen. Er hat weltweit mehr als 80 Millionen Platten verkauft und Dutzende von Auszeichnungen erhalten. Gleichzeitig hat er auf dem kleinen Bildschirm in NBCs The Voice und auf der großen Leinwand in Blockbustern wie Hustlers brilliert. Darüber hinaus hat er sich unermüdlich als engagierter Menschenfreund hervorgetan, indem er zig Millionen Dollar für verschiedene Zwecke sammelte und mit seiner New Look Foundation die Jugend förderte. Seit 1999 bietet er jungen Menschen in unterversorgten Gemeinden Chancen und ermöglicht ihnen, sich zu entfalten und scheinbar unmögliche Träume zu verwirklichen. Als echter Ausreißer ist er auf der Bühne seiner ausverkauften My Way Las Vegas Residency ebenso zu Hause wie auf einer Kulturmission der Regierung 2016 nach Kuba als Teil des Presidential Committee for Arts and Humanities von Präsident Barack Obama. Dieses Album stellt die kreative Wiedervereinigung von Usher und L.A. Reid dar, die seit dem 2004 erschienenen Album Confessions mit Diamant-Zertifikat nicht mehr zusammen gearbeitet haben. Das Album wurde hauptsächlich in Atlanta, GA mit vielen der angesagtesten Produzenten Atlantas aufgenommen, darunter Sean Garrett, Lil John, The Avila Brothers, Mel & Mus, Tricky Stewart, Rico Love, The-Dream, Jermaine Dupri, D Mile und viele andere. Es gibt Features von Summer Walker, 21 Savage und Latto.

Eine jahrelange Freundschaft bildet das Fundament: Auf ihrem ersten gemeinsamen Album, »--------«, führen Peter Kruder und Roberto Di Gioia ein scheinbar intimes Gespräch, in das wir als Zuhörende indes soghaft hineingezogen werden. Eine wundervoll zauberhafte Musik, in der man sich verlieren, vor allem aber: finden und neu zusammendenken kann.

Erstes Soloalbum des Queenryche Sängers Todd La Torre. Die durch die Pandemie verschobene Queenryche Tour bot Todd La Torre die Gelegenheit,das lang geplante Soloalbum zu verwirklichen. Todd tat sich mit seinem langjährigen Freund Craig Blackwell zusammen. Wie bei Queensrÿche's The Verdict spielte La Torre Schlagzeug und übernahm die Vocals, Blackwell spielte Gitarre, Bass und Keyboards. La Torre und Blackwell produzierten das Album selbst, zogen jedoch Queensrÿche- Produzent Zeuss hinzu. Gastauftritte von Jordan Ziff (Age Of Evil, Metalhead, Ratt) und Al Nunn. Insgesamt zeigt sich der Solo-Output vielseitig, ohne die progressive Basis von Queensryche zu vernachlässigen. Die Grundlagen sind allerdings mehr im klassischen Metal verortet und werden mit verschiedenen Einflüssen kombiniert. . Der Opener "Dogmata" oder "Vanguards Of The Dawn Wall" kommen mit mächtig Speed um die Ecke und mixen Heavy mit Speed und Thrash. "Pretender" erhält einen leichten epischen Touch und La Torre bewegt sich stimmlich in überraschende Höhen. Metallisch klassisch wird es mit "Hellbound And Down", dem starken "Vexed" und "Rejoice In The Suffering". Der progressive Part kommt bei "Darkened Majesty", "Apology" oder "Critical Cynic" zum Tragen. Die Balladenfreunde hören in "Crossroad To Insanity" rein.Zum Schluss gibt es mächtig dunkle Töne zu entdecken - "One By One . Craig Blackwells Gitarrenspiel setzt den Gesang von La Torre musikalisch perfekt in Szene. Todd findet sogar Vocals, die noch nie zuvor von ihm gehört wurden, wie auf dem Titeltrack und dem bestechenden "Vanguards of the Dawn Wall" zu hören ist. 2021 nur in den USA veröffentlicht, macht ROAR dieses Juwel nun endlich auch in Europa erhältlich, zusätzlich in 2 luxuriösen Vinyl Versionen. "Rejoice The Sufffering"ist ein herausragendes Opus von einem spät berufenen Sänger, der völlig losgelöst beweist, wie man eine wuchtig-moderne und vitale Metal Scheibe schreibt, arrangiert und produziert Für alle Queensryche Fans und Liebhaber des klassischen Metal.

“Preparing Singularity” is the debut album by Berlin-based EBM act Transhuman Rebirth, currently a one-man side project of renowned German synth-punk artist Ben Bloodygrave.

Already instantly recognizable on the European synth/wave scene and touring circuit with his high octane aggressive minimal synth, Bloodygrave started this new project over the past few years focusing more on classic, first-wave EBM, moulding the nine tracks on “Preparing Singularity” into a sound that’s recognizable to fans of the starting foundations of the genre. While retaining a sound that’s unique and solely its own, elements of minimal wave and synth-punk are fused in these propulsive tracks, with nods to old idols such as Deutsch Amerikanische Freundschaft, Front 242 and Absolute Body Control.

Transhuman Rebirth is subjectually futuristic to dystopian, interspersed with political statements. The lyrics focus on topics that are current and modern, including science, technology, surveillance and artificial intelligence — all delivered through Bloodygrave’s well-known vocal style with a sound that is much rougher and with compositions and sound designs that are more complex than his main Ben Bloodygrave persona.

Freude am Tanzen is back for a very special occasion. In 2022, three Various Artists EPs will be released, celebrating the 24th anniversary of the label from Thuringia. Whilst occasions like this would
normally be celebrated on the quarter century, this release makes sense not only on the mathematical level. 3 compilations with 4 tracks provide the half of 24.
The release however also makes sense in terms of history. Freude am Tanzen is showcasing a broad range of electronic music, never neglecting their history but also looking into the future.
The second Edition of the Compilation features tracks from Caldera, Freund der Familie, Gathaspar and Front Left. The A-Side focusses on Dub-House. Calderas Track ‚30 Friends‘ gets a smooth yet groovy vibe across. Freund der Familie contributes a hypnotic production, which would suit well incorporated in a warm up or on the home speakers.
The flip side goes deeper into the minimalistic region of electronic music. Gathaspar has produced a trippy journey, featuring the vocals of Anna Partini. One for the morning hours on the dance floor.
Front Left praises the groove with his track ‚AM3N‘. Very playful and delicate and a lovely selection of percussion. Do not miss!5.

Bringing a combination of two conceptual artists Ultrastretch 11 moves away from dance music to present this comtemporary off kilter.


On the A side, Montreal based producer Ohm Hourani, known for minimalistic jazz influenced works on his own imprint ANOMA and beyond, with compositions showcasing infusions of organic sounds combined with modular synthestisers, drum machines and vocalists such as his collaboration with award winning Jazz singer and Vocalist Diminique Fils Aime.


On this release he presents a 14 minute stripped down, intrinsically and subtly arranged combination of elements Initiale by a minimalistic kick drum joined by a synth driven, quirky / hypnotic mind drilling element paired with the finest straight hihats delicately placed on the background as the Constant. The subtle movement of the track is introduced by percussive drumming, vocals and piano keys forming the most beautiful atmospheric melody. The last element of surprise brings shuffling hihats bringing amazing swing to the overall elegantly slick piece.

The B side brings the highly sought-after drummer Samuel Rohrer. Ranging from ECM sideman to member of KAVE, a quartet alongside techno pioneer Max Loderbauer, Stian Westerhus and Tobias Freund as well as collaborative works with Ricardo Villalobos and Laurie Anderson, he is known for his unique sound aesthetics on advanced musical cross-pollination, developments of improvisation in acoustic jazz and wider horizons of live electronics.
Rohrer also brings a hypnotic reinterpretation but in a very different manner / mood than the A side. Initiated by strings combined with Rohrer’s tight drumming patterns at the forefront and bass line underneath as the constant, combination by which forms a tense yet peaceful core pattern to this track. To compliment this, synths create movement by adding cosmic and quirky sounds forming an atmospheric soundscape with the whispering vocal “shake it” on top. Overall, the paradoxical relationship between tight (rhythm) and lose (soundscape) is presented in perfect harmony with each other.

Lapalux kehrt für sein viertes Album zu Flying Lotus' Brainfeeder-Label zurück! Während es beim Vorgängeralbum „Ruinism“ 2017 um klangliche Wrackteile und Dekonstruktionen ging, ging Howard mit „Amnioverse“ einen anderen Weg, indem er jeden Track um einen Ausschnitt gesprochenen Wortes von „Freund*innen, Liebhaber*innen und Ex-Partner*innen“ konstruierte und die Musik darum baute.

Die erste Inspiration für das Album kam von einem Foto von James Turrells „Twilight Epiphany Skyspace“ Installation in Texas. „Ich habe es mir drei Jahre lang jeden Tag angesehen, während ich diese Platte gemacht habe.“, erklärt Howard, „die Leute sitzen in einem Wartezimmer, das in einem violetten Farbton beleuchtet ist, und schauen durch ein rechteckiges Loch in der Decke in den dunklen Nachthimmel.
Das Bild hat so viel Tiefe und bedeutet mir so viel … es scheint, als wären wir alle in diesem Wartezimmer und warten darauf, irgendwo zu sein oder irgendwo hinzugehen. Das ist es, was ich versucht habe, mit dieser Platte abzubilden.“

FÆR is a collaboration between Felipe Valenzuela, that has released on Raum…Musik before, together with Argenis Brito. The A side „Dream of yours“ is featuring vocals from another artist that has released on our label earlier, namely Jorge González from Chile and we are very happy to have him back on board for this project.Two unusual club cuts off the beaten track, mixed and mastered for your listening pleasure by Tobias Freund and we hope that you you enjoy them as much as we do.

The collective Beste Modus Cinthie, Diego Krause, stevn.aint.leavn, Ed Herbst and Albert Vogt launched the label in 2012 as a platform for their own material, not long after came the realisation that many other artists around them were keen to be involved with the imprints burgeoning success and this led to the birth of Beste Fruende, a home for music from friends and affiliates of the label. Kevin Over’s ‘Butchers’ leads on the package with a swinging drum groove, emotive piano chords and a garage sub-tinged sub bass line alongside resonant synth licks and infectious vocals. Rindeau follows with ‘Wax On The Moon’, taking things deeper via twinkling Rhodes lines, dusty robust drums and modulating percussion. Cuartero’s ‘Floor Paca’ opens the flip side with choppy bass stabs, soft chord hits and a subtly nuanced rhythmic drive before ‘Slow Motion’ rounds out the package, employing classic deep house tropes with airy ethereal pads, vocal chops and shuffled, strippedback drums at its core.

This vinyl includes a free downloadcode were customers get the whole digital release for free via Facebook !!
Die 001. Auf Basis einer dicken Freundschaft, geben die Gründer Sebastian aus Jena und Florian aus Dresden den Startschuss für ein neues Projekt. - Deepwithyou Records' soll als Plattform dienen, um gleichgesinnten Künstlern und Freunden die Möglichkeit zu bieten, eigene Ansätze und Ideen dem kritischen Musikliebhaber vor die Nase zu setzen. Scheibe Nummer Eins beinhaltet zwei stilgebende Originale und bekommt Unterstützung durch treffsichere Mixe von Sven Tasnadi (Cargo Edition) und Funkwerkstatt (Superfancy). Wir wünschen viel Freude!

Starcleaner Reunion ist eine schnell aufstrebende neue Band aus alten Freunden, die in NYC leben. Sängerin Jo Roman, die Gitarristen Pat Drummond und Neil Torman sowie Bassist Adam Kenter machen schon seit ihrer gemeinsamen Highschool-Zeit in New Jersey in verschiedenen Besetzungen gemeinsam Musik. Im Jahr 2022 fand die Band in NYC zusammen und hat seitdem eine Reihe von ausverkauften Konzerten in NY gespielt, die begeistert aufgenommen wurden, sowie landesweite Tourneen mit TOPS, This is Lorelei und anderen absolviert. Ihre erste Vinyl-Veröffentlichung, eine 10"-EP bei Take Care Records, erschien im Jahr 2025 und war sofort ausverkauft. Die Vorfreude auf ihr Debütalbum ,Umbrella" ist groß, da sie für 2026 noch bedeutendere Auftritte und Tourneen planen, darunter das Psychfest in Austin, das Total Bummer Fest in Brooklyn und Termine an der Westküste mit Blondshell.

Starcleaner Reunion ist eine schnell aufstrebende neue Band aus alten Freunden, die in NYC leben. Sängerin Jo Roman, die Gitarristen Pat Drummond und Neil Torman sowie Bassist Adam Kenter machen schon seit ihrer gemeinsamen Highschool-Zeit in New Jersey in verschiedenen Besetzungen gemeinsam Musik. Im Jahr 2022 fand die Band in NYC zusammen und hat seitdem eine Reihe von ausverkauften Konzerten in NY gespielt, die begeistert aufgenommen wurden, sowie landesweite Tourneen mit TOPS, This is Lorelei und anderen absolviert. Ihre erste Vinyl-Veröffentlichung, eine 10"-EP bei Take Care Records, erschien im Jahr 2025 und war sofort ausverkauft. Die Vorfreude auf ihr Debütalbum ,Umbrella" ist groß, da sie für 2026 noch bedeutendere Auftritte und Tourneen planen, darunter das Psychfest in Austin, das Total Bummer Fest in Brooklyn und Termine an der Westküste mit Blondshell.

Der Blick auf sein erstes LP-Cover zeigt uns einen 24-jährigen Reinhard Mey vor einer Ruinen-Kulisse nur
mit seiner Gitarre in der Hand. Der Barde und sein Lied, sich selbst begleitend, mehr nicht. Mehr braucht
es nicht. Das ist fast 60 Jahre her und so hielt er es auf bald 2000 Konzerten seiner großen Tourneen
immer. Auf dem ersten Album von 1967 stimmte das nicht ganz; da waren schon ein paar Musiker mit im
Studio. Über 28 weitere Alben hat Reinhard Mey all die Jahrzehnte sehr viel gelungen gewagt, mit großen
Orchestern musiziert, moderne Sounds probiert und seine Lieder mit den Klängen anderer Instrumente
bereichert. Doch das Lied ist das Lied, seine Seele braucht keine Garnitur.
Mit Schatzhauser veröffentlicht der Land und Leute prägende Dichter und Liedermacher fast 60 Jahre
nach seiner ersten LP sein nunmehr 30. Studiowerk; zum ersten Mal seit genau 40 Jahren nicht wie üblich
im Mai, sondern im September und zum ersten Mal überhaupt auch im Studio ganz allein aufgenommen!
Schatzhauser lächelt freundlich, ist weisen und guten Herzens, wie die namensgebende literarische Figur
von Wilhelm Hauff. Er spart nichts aus, den Tod nicht, aber auch nicht das Leben, das Weinen nicht, das
Lachen nicht und vor allem das Lieben nicht.
Wir blicken in melancholische Seelenwinkel und werden auf wundersame Weise doch mit Zuversicht beladen
zurückgelassen.
Das Album deutet auf die Schönheit des Sonnenuntergangs, auch wenn er das Ende des Tages markiert.
Doch ein Sonnenuntergang im Sommer im Norden, erstreckt sich sehr lange. Schatzhauser ist das feinsinnige 30. Album von Reinhard Mey. Vom letzten war hier mit keiner Silbe die Rede!

„Friendship Survival Guide“ vereint Aufnahmen von Adam Wiltzie und Jóhann Jóhannsson, die aus ihrer
engen künstlerischen Zusammenarbeit hervorgegangen sind. Die Stücke entstanden während gemeinsamer
Sessions zwischen 2013 und 2017 und wurden nach Jóhannssons Tod von Wiltzie einfühlsam weitergeführt
und vollendet.
Das Ergebnis ist eine vielschichtige Klanglandschaft, die sich zwischen orchestraler Weite, elektronischen
Texturen und schwebenden Drones bewegt. Die Musik bewahrt die ursprüngliche Intimität ihrer Zusammenarbeit und integriert zugleich subtile Ergänzungen, die den Charakter des Materials respektieren und
erweitern. Beiträge von Künstlern wie Tim Hecker, Francesco Donadello und Steve Albini bereichern und
vertiefen diese Klangwelt zusätzlich.
„Friendship Survival Guide“ ist mehr als nur eine posthum fertiggestellte Veröffentlichung. Es ist ein
Zeugnis einer andauernden Freundschaft und kreativen Verbundenheit – ein Album, das das musikalische
Vermächtnis von Jóhann Jóhannsson fortsetzt und gleichzeitig neue Perspektiven eröffnet.
„Unsere Freundschaft ist hier die Geschichte, (…) Jóhann ist nicht mehr da, aber dieses Werk, das wir
gemeinsam geschaffen haben, lebt und ist unglaublich. Ohne ihn hätte ich das niemals geschafft.“ – Adam
Wiltzie

„Ein bisschen Frieden“, „Flieg nicht so hoch, mein kleiner Freund“, „Papillon“, „Ein leises Lied“, „Mit dir vielleicht“, „Allein in Griechenland“ oder „Ich bin zurück“. Diese Hits von Nicole kennt wohl jeder und kann jeder mitsingen.

Nicole ist die die Grande Dame der deutschen Popschlagerszene, seit vielen Jahren auf den größten, schillerndsten Bühnen unterwegs. Aber sie liebt auch die Zurückgezogenheit, um als klassische Singer-Songwriterin an ihrer Musik zu arbeiten. Sie schafft es ehrliche Einsichten und pures Gefühl, in bewegende Songs zu übersetzen, die gerade durch diesen Tiefgang so faszinierend und zeitlos sind.

Vor allem bleibt sie sich treu und weiß ihren unverkennbaren Sound immer wieder ganz behutsam neu und weiter zu denken: Unaufgeregt und immer absolut nah am eigenen Leben, gewährt sie Einblicke in ihr Leben und ihre Weltsicht - passend zu Ihrem schweren Kampf gegen die Krankheit. Sie möchte Mut machen und zeigen, dass es sich lohnt zu kämpfen, auch gegen eine scheinbar nicht zu besiegende Krankheit.

„Ein bisschen Frieden“ bescherte Nicole Millionenverkäufe und Top-Platzierungen in ganz Europa. In den vier Jahrzehnten, die seit diesen ersten Sensationserfolgen der Euro-Gold-Single vergangen sind, folgten zwei Dutzend weitere Longplayer, für die sie gleich 11 Goldene Stimmgabeln sowie 17-mal den ersten Platz bei der ZDF-Hitparade gewann. Auf die Zweitplatzierung beim World Popular Song Festival in Tokio (1983) folgten zudem ein ECHO-Pop in den Neunzigern, mehrfach die Goldene Europa und 2017 der smago! Award.


2024 feierte Nicole Ihren 60. Geburtstag und setzte diesen Trend fort. Das Album „Carpe Diem“ gilt als eines ihrer Besten und wurde mit einem Chart-Eintritt gekürt.

Stillstand hat es für Nicole nie gegeben – auch 2026, nach 45 Jahren auf der Bühne, nicht. Bereits die erste Single „Ich will mehr“ machte deutlich, wohin die Reise geht: nach vorne. Mit ihrem neuen Album „Meine Schätze“ blickt Nicole auf ihre außergewöhnliche Karriere zurück und setzt gleichzeitig ein kraftvolles Zeichen für Aufbruch, neue Wege und echte Lebensfreude.

„Meine Schätze“ produziert von ihrem kongenialen Produzententeam – Achim Meier, Zoran Grujovski und Jens Carstens, ist dabei kein klassisches Best-of-Album. Stattdessen hat Nicole ganz persönliche Songperlen aus 45 Jahren ausgewählt – Lieder, die sie geprägt, begleitet und inspiriert haben. Dazu gehört auch ihre gefühlvolle Interpretation des Don-McLean-Klassikers „And I Love You So“.
Teilweise neu arrangierte Akustikversionen verleihen den Songs eine besondere Intensität und zeigen ihre emotionale Tiefe ebenso wie ihre zeitlose Kraft. Gemeinsam mit musikalischen Weggefährten und Freunden wie Heinz Rudolf Kunze, John Kelly, Johnny Logan, Nino de Angelo und Mickie Krause entstand ein Album, das Mut macht, nach vorne zu blicken und das Leben bewusst zu genießen. Diese positive Energie trägt Nicole mit ihrer unverwechselbaren Stimme – kraftvoll, klar und berührend wie selten zuvor. Eine Nicole, die viele überraschen wird.

Die Botschaften der Songs haben auch nach 45 Jahren nichts von ihrer Aktualität verloren. Sie stehen für Hoffnung, Zuversicht und die Überzeugung, dass gute Musik Generationen verbindet.

Musikalisch präsentiert sich „Meine Schätze“ in einem modernen, frischen Soundgewand. Gefühlvolle Streicher des F.A.M.E.'S. Skopje Studio Orchestra treffen auf einen atmosphärischen Mix aus Folk, Pop und Schlager – eingängig, emotional und voller Tiefe. Ein Klangbild, das bewegt und lange nachhallt.
Besonders bemerkenswert: Die Produktion setzt bewusst auf echte, handgemachte Musik. Statt künstlicher Intelligenz stehen hier authentische Musikerinnen und Musiker, echte Instrumente und ehrliches musikalisches Handwerk im Mittelpunkt – ein klares Bekenntnis zu Qualität, Leidenschaft und echter Emotion.

2003 erscheint auf dem Hamburger Label Hit Thing auf CD das Album KARNY SUTRA eines Duos namens Luther & Toby. Wer hinter Toby steckt, wird bald klar: Label-Co-Founder und Schlagzeugkünstler Larry Mullins. Man kennt ihn als Mitglied ikonischer Bands wie den Stooges, Swans oder Nick Cave & The Bad Seeds. Wer aber ist Luther, Nachname Hawkins? Erst jetzt wird eines der vielen Geheimnisse hinter KARNY SUTRA gelüftet: Hinter dem Pseudonym Luther Hawkins steckt James Hawkinson, als Kameramann in L.A. verantwortlich für die Bilderwelten von Serien wie "Hannibal" und "The Man In The High Castle", von Musikvideos wie "Naughty Girl" von Beyoncé, Missy Elliotts "Get Ur Freak On", "Aenema" von Tool oder "Windowlicker" von Aphex Twin. Mullins und Hawkinson verbindet seit vielen Jahren eine Freundschaft. In den 80er-Jahren spielten sie in L.A. gemeinsam in einer Band. Vielleicht hätte daraus etwas werden können, doch dann gehen die beiden andere Wege - um sich Anfang der Nullerjahre in Hawkinsons Haus in L.A. zu verabreden und dieses Album aufzunehmen. Mit dabei: der Produzent Mark Howard. Die Liste an Namen, für die dieser als Produzent oder Engineer gearbeitet hat, ist imposant: Bob Dylan und Neil Young, U2 und R.E.M., Tom Waits und Willie Nelson, Emmylou Harris und Fiona Apple. Zusammen mit Daniel Lanois etabliert er ab Ende der 80er die Idee eines mobilen Studios: Howard hat einen Lkw-Führerschein, lädt das Equipment ins Fahrzeug und sucht für Aufnahmen zu speziellen Orten. Als Hawkinson ihn fragt, ob er sich vorstellen könnte, ein Album bei ihm zu Hause aufzunehmen, schaut sich Howard dort kurz um - und sagt sofort zu. "Kurze Zeit später sah ich ihn, wie er sich vor James" Haus an der oberirdischen Stromleitung zu schaffen machte", sagt Larry Mullins. "Für seine Aufnahmegeräte brauchte er mehr Leistung, und die besorgte er sich dort oben selbst." Nun, über 20 Jahre später erscheint das Album in einer 180 Gramm Doppel-Vinyl-Ausgabe mit aufwändigem Artwork in gewohnter Hit Thing Qualität.

,Teranga", das letzte Album der Wau Wau Collectif-Trilogie - dieser verträumten, kulturübergreifenden Zusammenarbeit -, zeigt, wie die Band endlich zu einer Einheit zusammenwächst. Der Name leitet sich vom Wolof-Wort ,Teranga" ab, das für Herzlichkeit, Gastfreundschaft gegenüber anderen und - ganz allgemein - für ein gemeinsames Zusammentreffen steht - ein passender Titel für das Album, das selbst Ausdruck einer solchen Begegnung ist. Das Projekt begann 2018 im Dorf Toubab Dialaw, wo die beiden Musiker Arouna Kane und Karl-Jonas Winquist die Idee erstmals hatten. In den folgenden Jahren entwickelte sich das Projekt weiter: Die beiden Produzenten tauschten über WhatsApp Dateien aus und bezogen ihr Netzwerk aus Freunden und Kollegen in das ein, was später zum Wau Wau Collectif werden sollte - was schließlich in ihren ersten Alben ,Yaral Sa Doom" (2021) und ,Mariage" (2022) gipfelte. Ihr neuestes Album, ,Teranga", ist der dritte und letzte Teil dieser Trilogie, der während der ersten Live-Tour der Band fertiggestellt und abgemischt wurde - eine fünfwöchige, weitreichende Reise quer durch Europa mit ,drei Schweden, drei Senegalesinnen und einem französischen Fahrer, ein herrliches Sprachengewirr", wie Karl-Jonas erklärt. Das Herzstück von Wau Wau Collectif ist ein starkes musikalisches Fundament, das nicht nur auf dem breiten kulturellen Spektrum beruht, aus dem sich das Kollektiv inspirieren lässt, sondern auch auf den äußerst talentierten Musikern - komponiert und eingespielt von sage und schreibe 26 verschiedenen Songwritern und Musikern, die eine beeindruckende Bandbreite an Instrumenten spielen, darunter Balfon, Ngoni, Calabasse, Violine, Cello, Saxophon und Omnicord. Der daraus resultierende Sound lässt sich nur schwer einordnen, hat aber klanglich zweifellos seinen Platz in Teranga gefunden. Mal verträumt und meditativ, aber durchdrungen von einer organischen Seele - ein völlig einzigartiger Sound, der zugleich anachronistisch und zukunftsweisend ist. ,Oh, Africa" könnte auf einer klassischen Neuauflage zu Hause sein, mit einem fast türkisch anmutenden Gitarrenriff, während ,100 ans" (ihre erste Live-Studioaufnahme) an Amadou et Mariam aus den frühen 2000er Jahren erinnert. Mit Wurzeln in der Avantgarde (Karl-Jonas hat Barney Wilens ,Moshi" als Inspiration genannt), während Wau Wau sich von diesen Experimenten inspirieren lässt, auch wenn sie in ihrem Bekenntnis zum Gemeinschaftsgeist davon abweichen - ein Projekt, das durch Handys, WhatsApp und im Internet kursierende MP3s ermöglicht wird -, was leicht ironisch wirkt, wenn man bedenkt, wie akustisch, bodenständig und menschlich es sich anfühlt. Während wir das Kapitel der Trilogie abschließen, betont Karl-Jonas, dass dies vielleicht erst der Anfang ist: ,In gewisser Weise haben wir gerade erst angefangen", sagt er. Für das nächste Jahr zeichnen sich Pläne ab, die ganze Band zusammenzubringen, und es stehen weitere Tourneen bevor - mehr Hoffnung, mehr Menschlichkeit und mehr Zusammenhalt.

Zuhause ist kein fester Ort. Es ist ein sich wandelnder Begriff, der in der Geborgenheit des Mutterleibs beginnt und sich dann in die Sicherheit der elterlichen Arme verlagert. In der Kindheit erweitert er sich auf Klassenzimmer und Freundschaften. Im frühen Erwachsenenalter entdecken wir unsere Unabhängigkeit und fangen an, Räume zu schaffen, die nur uns selbst gehören. Bei der Vorstellung eines ,Zuhauses für immer" geht es weniger um Beständigkeit als vielmehr um einen Rückzugsort. Dort fallen alle Masken ab, und wir finden zu unserem wahren Selbst. HOME ist ein Album, das auf der einzigartigen Chemie zwischen den Outer-World-Mitgliedern Kenneth Close (Positive No) und Tracy Wilson (Dahlia Seed, Ringfinger, Positive No) basiert - eine farbenprächtige Liebessprache, die synthetische Klänge und Samples mit Schlagzeug, Gitarre, Bass, Keyboards und Gesang überlagert und so die Grenze zwischen moderner Technologie, einer gemeinsamen Geschichte und einer einheitlichen emotionalen Wahrheit verschwimmen lässt. Zwei Jahre nach der Veröffentlichung ihres Albums ,Who Does the Music Love?" hat sich Outer World von einem Duo zu einer sechsköpfigen Band entwickelt, wobei ,HOME" sich wie der Soundtrack zu einem imaginären Spionagefilm anhört: hochdramatisch und spannungsgeladen, mit verhedderten Bettlaken als Höhepunkt. Hier gibt es keine Grenzen zwischen den Genres, es findet ein Dialog statt zwischen: ,Outernational"-Grooves, italienischen Western-Soundtrack-Komponisten, Hazlewoods Twang-Gitarren, Spectropop-Beat-Girls der 60er, Lagos-Highlife, zeitgenössischen klassischen Chorarrangements, isländischer Avantgarde, Bond-Bösewichten, Kunstobjekten aus der ersten Punk-Ära, östlicher Philosophie und der Kunstschule in Athens, Georgia, in den 80ern - all das ist darin enthalten, verwoben zu einer einzigartigen Stimme.

Gelb/orangefarbenes Corona-Vinyl. Limitiert auf 500 Exemplare. Man soll - nein, man darf nie aufgeben. Kaum wurde diese elementare Lebensweisheit eindrücklicher und musikalisch druckvoller umgesetzt als auf dem 9. Studioalbum URANUS OMNIBUS SANCTUS der nun schon legendären, europaweit umjubelten und hochdekorierten SPACELORDS. Die Reise zur Vollendung dieser satt klingenden Produktion verlief durch einen wahren Asteroidengürtel persönlicher Schicksalsschläge und technischer Beinahe-Katastrophen, die der Stammbesatzung des Stoner-Orbiters -Matthias ,HAZI" Wettstein (Gitarre),Marcus ,MUDGE" Schnitzler (Schlagzeug) undEkhard ,AKEE" Kazmaier (Bass)- ein Äußerstes an Überlebenswillen, Durchhaltevermögen, Freundschaft, Fantasie und technischer Finesse abverlangten. Dank des eingangs formulierten Mottos wurde diese außergewöhnliche Reise jedoch zu einem weiteren Meilenstein auf dem Weg zum vollendeten, unverwechselbaren SPACELORDS-Sound-Nirwana.

Der Soundtrack zum 3. Film von Camp Rock (Disney Channel & Disney+). Macht euch bereit für jede
Menge Rock, denn wir kehren zurück nach Camp Rock! Mit frischer Musik, noch mehr freundschaftlicher
Rivalität und einer ganzen Reihe neuer Camper feiert „Camp Rock 3“ ein fulminantes Comeback. Neben
brandneuen Originalsongs enthält „Camp Rock 3“ auch Titel aus den Originalfilmen und früheren „Connect
3“-Auftritten!

„Apples For Isaac“ markiert eine monumentale Rückkehr von Echo & The Bunnymen – ihr erstes Album
mit neuen Songs seit über einem Jahrzehnt. Nachdem sie jahrelang ihren riesigen Katalog an Klassikern
vor Publikum auf der ganzen Welt präsentiert haben, haben die Bunnymen ein Album aufgenommen, das
ebenso mutig wie verletzlich ist und die Essenz dessen, was die Band so großartig macht, perfekt einfängt.
Auf ihrer vorangegangenen Veröffentlichung bei BMG, „The Stars, The Oceans & The Moon“ (2018),
widmeten sie sich erneut Material aus ihren prägenden Jahren – und schon beim Opener „Take Me By The
Hand“ wird deutlich, dass die Band nichts von der Dringlichkeit ihrer frühen Werke eingebüßt hat.
Passend zu einem Song über die Geister der Vergangenheit steht die Lead-Single „Brussels Is Haunted“
exemplarisch für das stolze Vermächtnis der Band; der lebensbejahende Refrain ist eines der Gründerväter
des Post-Punk absolut würdig.
Auf allen bis auf einen der Songs von „Apples for Isaac“ ist zudem der verstorbene Schlagzeuger Clem
Burke zu hören. Er verstarb tragischerweise während der Entstehung des Albums und erhielt von der Band
folgende Widmung:
„Der großartige, legendäre Clem Burke – ein langjähriger Freund von Mac – war maßgeblich an der Entstehung des Albums beteiligt und verstarb auf herzzerreißende Weise während dessen Fertigstellung ... wir
lieben dich, Clem X“

Nach den vielgelobten Moonlight Concessions mit ihrer Band Throwing Muses kehrt Kristin Hersh im Jahr 2026 mit einem düstereren, zugleich jedoch zart ausgearbeiteten Soloalbum zurück. Sugar On Blackstone erkundet die Themen Leben und Tod, Reichtum und Armut sowie jene kleinen, aber prägenden Momente der Kindheit, die bis ins Erwachsenenalter nachhallen. Als zutiefst persönliches und emotional weitreichendes Werk reflektiert das Album über die beständigen Bande zwischen Musikern, Familie und Freunden - und darüber, wie bestimmte Klänge, Orte und Erinnerungen einen Menschen plötzlich wieder lebhaft ins Bewusstsein rufen können. Aufgenommen Anfang dieses Jahres in den Stable Sound Studios in den Niederlanden, wird Hersh auf dem Album von ihren langjährigen musikalischen Weggefährten Rob Ahlers (50FOOTWAVE) am Schlagzeug und dem Cellisten Pete Harvey (Throwing Muses) begleitet. Das Ergebnis ist eine karge, und doch warme Liedersammlung, die ein Gleichgewicht zwischen Zerbrechlichkeit und Kraft, zwischen Intimität und Spannung hält. Entstanden im Nachgang einer persönlichen Tragödie und vor dem Hintergrund ständiger Reisen, von Waldbränden und rastloser Bewegung quer durch Amerika, durchzieht das gesamte Album eine Atmosphäre der Unruhe. Doch inmitten dieser Dunkelheit findet Hersh Momente der Zärtlichkeit und Verbundenheit. Als ergreifendes und vielschichtiges Werk, das gerade in seiner Verletzlichkeit Stärke ausstrahlt, erweist sich Sugar On Blackstone als ein weiteres unverzichtbares Kapitel im gefeierten und sich stetig weiterentwickelnden Gesamtwerk von Kristin Hersh. Für Fans von PJ Harvey, Emma Ruth Rundle, Beth Gibbons, Low, Yo La Tengo, Throwing Muses, Alternative (Rock), Dark Folk, Post-Americana, Independent, Grunge Singer/Songwriter

Amyl and The Sniffers kündigen mit Truth Or Consequence ein Live-Album an, das alles andere als ein klassisches Konzertdokument ist. Im April vergangenen Jahres nahm die Band gemeinsam mit Freunden im legendären El Coyote Mexican Restaurant in Los Angeles eine einzigartige Performance auf und interpretierte ihre Songs erstmals in reduzierten, country-inspirierten Versionen. Das Album vereint neu arrangierte Fan-Favoriten mit zwei bislang unveröffentlichten Songs sowie einer Coverversion von Slim Dustys Klassiker "Lights On The Hill". Die Aufnahmen zeigen Amyl and The Sniffers von einer ungewohnt intimen, lockeren und verspielten Seite und fangen die besondere Atmosphäre einer spontanen Session unter Freunden ein. Zur Veröffentlichung erscheint auch ein begleitender Konzertfilm mit exklusiven Einblicken hinter die Kulissen. Im Mittelpunkt steht jedoch die Musik: Truth Or Consequence präsentiert die Band in einem völlig neuen Klanggewand und eröffnet einen frischen Blick auf ihr Songwriting. "The hope for this record is that it is listened to as it was made, in a ruckus exclamation between a cherished group of friends", erklärt die Band. Mit den ungewöhnlichen Arrangements und der entspannten Live-Atmosphäre dokumentiert Truth Or Consequence eine besondere Seite von Amyl and The Sniffers und erweitert den Blick auf eine Band, die bisher vor allem für ihre energiegeladenen Rockshows bekannt ist.

Amyl and The Sniffers kündigen mit Truth Or Consequence ein Live-Album an, das alles andere als ein klassisches Konzertdokument ist. Im April vergangenen Jahres nahm die Band gemeinsam mit Freunden im legendären El Coyote Mexican Restaurant in Los Angeles eine einzigartige Performance auf und interpretierte ihre Songs erstmals in reduzierten, country-inspirierten Versionen. Das Album vereint neu arrangierte Fan-Favoriten mit zwei bislang unveröffentlichten Songs sowie einer Coverversion von Slim Dustys Klassiker "Lights On The Hill". Die Aufnahmen zeigen Amyl and The Sniffers von einer ungewohnt intimen, lockeren und verspielten Seite und fangen die besondere Atmosphäre einer spontanen Session unter Freunden ein. Zur Veröffentlichung erscheint auch ein begleitender Konzertfilm mit exklusiven Einblicken hinter die Kulissen. Im Mittelpunkt steht jedoch die Musik: Truth Or Consequence präsentiert die Band in einem völlig neuen Klanggewand und eröffnet einen frischen Blick auf ihr Songwriting. "The hope for this record is that it is listened to as it was made, in a ruckus exclamation between a cherished group of friends", erklärt die Band. Mit den ungewöhnlichen Arrangements und der entspannten Live-Atmosphäre dokumentiert Truth Or Consequence eine besondere Seite von Amyl and The Sniffers und erweitert den Blick auf eine Band, die bisher vor allem für ihre energiegeladenen Rockshows bekannt ist.

Entstanden aus nächtlichen Harmonien, geteilten Sprachmemos und einer langjährigen Freundschaft, die auf gegenseitiger Bewunderung basiert, haben Haley Blais und Sam Lynch die Supergroup True Mountain Laurel gegründet. Ihr Debütalbum ,Angel So Bad" ist eine zarte, staubige Erkundung all der Gefühle, die durch die Maschen fallen. Das Projekt, das zu gleichen Teilen aus folkiger Träumerei und countryhafter Sehnsucht besteht, schöpft aus ihren jeweiligen Solokarrieren. Sams poetische Selbstreflexion und Haleys messerscharfe, intime Texte verschmelzen zu etwas Sanfterem, Seltsamerem und ganz Eigenem. Beeinflusst von Künstlern wie Gillian Welch, Lucinda Williams und kanadischen Singer-Songwritern der frühen 2000er geht es bei dem Projekt weniger um das Genre als vielmehr um das Gefühl. Akustikgitarren, mit Besen gespielte Drums, Pedal Steel und gelegentlich klirrendes Klavier untermalen Texte, die wie Tagebucheinträge wirken, ohne bekenntnishaft zu sein: Sie fangen den Schmerz des Älterwerdens ein, das seltsame Gefühl, immer noch mehr zu wollen, und die Freude, in der Stimme eines anderen ein Zuhause zu finden. Diese Songs haben eine Lässigkeit, die bewusst wirkt. Während Sams Solowerke eher filmisch und atmosphärisch sind und Haleys eher clever und orchestral, treffen sie sich hier in der Mitte: warm, minimalistisch und ein bisschen rau an den Kanten. Live nimmt das Projekt eine noch intimere Form an - ohne Setlists oder starre Arrangements. Einfach zwei Freunde, die die Wahrheit singen, so wie sie sie an diesem Abend empfinden.

Das Indie-Pop-Trio almost monday aus San Diego – Dawson Daugherty (Gesang), Cole Clisby (Gitarre)
und Luke Fabry (Bass) – präsentiert mit „THANK GOD IT’S ALMOST MONDAY“ bereits sein zweites
Album.
Die 13 Songs verbinden die energiegeladene Leichtigkeit der Band mit einer neuen emotionalen Tiefe. Nach
intensiven Tourneen und persönlichen Höhen und Tiefen entstand ein Album über Freude, Verlust, Freundschaft, Nostalgie, Dankbarkeit und den Mut, seinen eigenen Weg zu gehen.
Musikalisch entwickelt die Band ihren Sound weiter und arbeitete dafür mit Simon Oscroft und Chase
Lawrence zusammen. Zu den Highlights zählen die Singles „leaving is easy“, „no more regrets“, „french
kids“ und „better late than never“. Die erste Single des neuen Albums „No More Regrets“ ist bereits im
Mai erschienen und hat auch in Deutschland schnell die Airplay Charts erobert.
Nach dem vorherigen #1-Hit „can’t slow down“, einer ausverkauften Welttournee und Auftritten bei Lollapalooza, BottleRock und Outside Lands knüpfen almost monday mit ihrem neuen Album an ihre bisherigen
Erfolge an.

Fejd entstand 2001 aus einer einzigartigen Fusion des Folk-Duos Rimmerfors und Mitgliedern der Metal-Bands Pathos und Nostradameus. Verwurzelt in mittelalterlich angehauchten Folk-Traditionen, die mit alten akustischen Instrumenten gespielt werden, schloss sich Rimmerfors mit ihren Freunden aus Kindertagen zusammen, um einen Sound zu kreieren, der zwei Welten verbindet – indem er die Kraft des Heavy Metal mit den reichhaltigen Melodien und dem melancholischen Geist der nordischen Volksmusik verschmilzt. Nach Jahren der Vorfreude kehrt Fejd nun mit ihrem fünften Album „Nifelheim“ zurück. Von der ersten Note an werden die Zuhörer in eine Welt alter Legenden entführt, getragen von kraftvollen Arrangements und der bildhaften Sprache nordischer Melancholie. Mit ihrem charakteristischen Einsatz traditioneller Folk-Instrumente bekräftigt Fejd einmal mehr ihren Platz als einer der führenden Namen im Folk Metal.

Fejd entstand 2001 aus einer einzigartigen Fusion des Folk-Duos Rimmerfors und Mitgliedern der Metal-Bands Pathos und Nostradameus. Verwurzelt in mittelalterlich angehauchten Folk-Traditionen, die mit alten akustischen Instrumenten gespielt werden, schloss sich Rimmerfors mit ihren Freunden aus Kindertagen zusammen, um einen Sound zu kreieren, der zwei Welten verbindet – indem er die Kraft des Heavy Metal mit den reichhaltigen Melodien und dem melancholischen Geist der nordischen Volksmusik verschmilzt. Nach Jahren der Vorfreude kehrt Fejd nun mit ihrem fünften Album „Nifelheim“ zurück. Von der ersten Note an werden die Zuhörer in eine Welt alter Legenden entführt, getragen von kraftvollen Arrangements und der bildhaften Sprache nordischer Melancholie. Mit ihrem charakteristischen Einsatz traditioneller Folk-Instrumente bekräftigt Fejd einmal mehr ihren Platz als einer der führenden Namen im Folk Metal.

Felix Walworth wurde in der Broome Street geboren. Bevor sie zu einer festen Größe in der New Yorker DIY-Szene der 2010er Jahre wurden, bevor sie ihr Markenzeichen - das auf einem Keyboardständer montierte BMSS-Schlagzeug - einführten, bevor sie eindringliche Reflexionen über Identität schrieben, die ihnen eine Kult-Anhängerschaft unter den Kids auf Tumblr einbrachten, waren sie ein Kind, das in den verschiedenen Stadtbezirken aufwuchs und eine Stadt liebgewann, die schließlich bis zur Unkenntlichkeit veränderte. ,What's Up" ist Walworths viertes Album als Told Slant, unter diesem Namen haben sie seit 2012 eindringliche Alben mit weitläufigem, nervenblanken Indie-Rock veröffentlicht. Das ist ihr New-York-Album: eine Sammlung von Songs darüber, wie man zusehen muss, wie sich die Heimatstadt verändert, und wie man spürt, wie sie einen im Gegenzug selbst verändert hat. Es ist ein Album über die Hingabe an ein prekäres Musikleben und all die Schönheit und Demütigungen, die damit einhergehen. Während es auf den ersten drei Told-Slant-Alben um Selbstreflexion und den Versuch ging, als Künstler zu überleben, handelt ,What's Up" davon, was passiert, wenn man sich ,fast schon manisch dem Projekt des Selbstausdrucks und der Subkultur in einer der feindseligsten Umgebungen der Welt" verschrieben hat und sich mit all den Menschen, Orten und Träumen auseinandersetzen muss, die auf diesem Weg verloren gegangen sind. In Songs wie ,Manhattan", ,Draw Blood", ,Three Anchovies" und dem Titeltrack fängt Walworth Trauer, Wut, Hingabe und flüchtige Momente der Verbundenheit ein und zeichnet das Verschwinden geliebter Stadtviertel, DIY-Räume, Freundschaften und Lebensweisen mit gleichermaßen schwerer und humorvoller Hand nach.,What's Up" ist zudem das bisher kollaborativste und abenteuerlichste Album von Told Slant. Es entstand über einen Monat hinweg in einem provisorischen Studio im Upstate New York und wurde größtenteils auf einem Acht-Spur-Spulenband aufgenommen - damit ist es die erste überwiegend analoge Veröffentlichung des Projekts, an der Hannah Pruzinsky, Jonny Baker, Ceci Sturman, Hellen Ballentine, Emily Sprague, Mari Maurice und Elijah Wolf mitgewirkt haben. Die Songs entstanden zum Teil aus Walworths Arbeit als Porträt- und Straßenfotograf während der Pandemie, als er die Straßen, Parks, Veranstaltungsorte und Ladenfronten, die sein Leben geprägt hatten, erneut besuchte - nur um festzustellen, dass viele davon verschwunden waren. Dieses Gefühl des Verlusts zieht sich durch das gesamte Werk, das mit ,Still Water" (2012) begann, sich über ,Going By" (2016) und ,Point the Flashlight and Walk" (2020) fortsetzte und seit langem von schmerzlich ehrlichen Songs über Selbstfindung, Freundschaft, Sterblichkeit und den langsamen Verlust der Verbundenheit mit der Gemeinschaft geprägt ist. Auf ,What's Up" richtet Walworth diesen Blick nach außen und dokumentiert nicht nur ihre eigene Beziehung zu New York, sondern auch die Kosten des Bleibens, des Schaffens und des Glaubens an eine Stadt und eine Musikkultur, die sie mitgeprägt haben.

Sofie Royer - laut *The Guardian* "einer der faszinierendsten und unterschätzten Popstars Europas, mit fesselnder Stimme und einem eigenwilligen, aristokratischen Glamour" - meldet sich mit einem neuen Album zurück! ,before/after" ist das vierte Studioalbum der österreichisch-iranischen Künstlerin. Es steckt voller Electro-Pop-Ohrwürmer und wurde gemeinsam mit Matt Cohn (SZA, The Weeknd), Jorgen Odegard (Sabrina Carpenter) und Eli Hirsch (Suki Waterhouse) produziert. Nach der Veröffentlichung dreier gefeierter Alben haben sich Songwriting und Produktion der Wiener Musikerin weiterentwickelt: Sie sind komplexer und ausgefeilter geworden, ihre Texte schärfer und humorvoller. *before/after* ist ihr bislang prägnantestes Werk. Es setzt sich mit den Schattenseiten des Künstlerlebens auseinander und verwebt die eigene Selbstreflexion mit kultureller Zeitkritik. Auch wenn sich Sofie von der Lo-Fi-Produzentin zur ernstzunehmenden Popmusikerin gewandelt hat - die bereits als Support-Act für Lana Del Rey, Air und LCD Soundsystem auftrat -, fühlt sie sich nach wie vor nirgendwo so recht zugehörig. Sie nimmt bei ihrer Kritik an der Musikbranche kein Blatt vor den Mund - "Ich bin zu sehr Pop für die Kunstwelt und zu sehr Indie-Liebling für den Mainstream" -, doch am härtesten geht sie mit sich selbst ins Gericht. In zwölf eingängigen Popsongs geht Royer der Frage nach, ob die Konflikte zwischen Vergangenheit und Zukunft nicht eigentlich Kämpfe mit dem eigenen Ich sind. "Wir befinden uns in einem ständigen Kampf zwischen dem Vorher` und dem Nachher`, wir beschäftigen uns intensiv mit diesen beiden zeitlichen Zuständen. Doch indem wir in ihnen gefangen bleiben, stehen wir uns oft selbst am meisten im Weg. Letztlich heißt es im Zustand des Vorher/Nachher immer: Du gegen dich selbst." Für Freunde von Suki Waterhouse, Lykke Li, Smerz, CMAT

Sam Tompkins kehrt mit seinem zweiten Album ARE WE GONNA SING? zurück. Die 12 Tracks zeigen
ihn von seiner bisher ehrlichsten und persönlichsten Seite.
Entstanden in seiner Heimatstadt Eastbourne und produziert mit Manta, Humble the Great, HARGS
und Mac Jamieson, verbindet das Album emotionales Storytelling mit rohem, authentischem Songwriting.
Thematisch bewegt es sich zwischen Nostalgie, Freundschaft, Liebe und Selbstfindung.
ARE WE GONNA SING? erscheint als Standard-CD und LP

„King of Having Fun“ wurde in der Hitze des Sommers geschrieben und live mit Freunden und Mitwirkenden
aufgenommen. Das Album erzählt von der Kluft zwischen dem neugierigen Kind, das mit seinem Fahrrad
zu weit von zu Hause wegfährt, und dem erwachsenen Mann, der an den falschen Orten nach Erleichterung
sucht. Mit einer Mischung aus Country, Rock und Indie thematisiert das Album Freundschaft, Freiheit,
Sucht, Angst, Liebe und das Streben nach dem Gefühl, wirklich lebendig zu sein.
Das Album ist als CD und auf Vinyl erhältlich. Das Vinyl erscheint als klassische schwarze Schallplatte in
einer Gatefold-Hülle mit bedrucktem Innencover und Beilage sowie einem Bonus-Druck „King of Having
Fun“ in königlichem Design.

Nachdem sie jahrelang durch's Netz, durch Köpfe und Herzen geisterte, hier nun endlich das Debüt-Album, auf dem die mittlerweile in Berlin ansässige Formation ein graziöses Kleinod liefert, das Melancholie und Aufbruchstimmung in sich vereint und mit seiner wundervollen Inszenierung sofort unter die Haut geht. Voodoo Beach liefern mit »Wonderful Life« Postpunk / Noiserock auf höchstem Niveau. Ähnlich wie Karies, Die Nerven, Friends Of Gas oder Messer, haben sich Voodoo Beach durch 90er Jahre Noiserock prägen lassen und vermengen diese Einflüsse mit offensichtlicher Liebe zu Postpunk und Shoegaze. Harte Anschläge treffen auf durch den Äther wabernde Gitarren-Riffs, walzende Basslines und packendes Drumming. Faszinierend die Chords der Gitarre mit einem manchmal leicht nahöstlichen Touch, aber immer im Postpunk-Noiserock-Psychedelic-Modus. Darüber thronen die verrauchten Vocals von Sängerin Heike Rädeker, deren vorgetragene Texte so ehrlich sind, dass sie weh tun. Mit Hendrik Otremba (Messer) und John Moods (Fenster) konnte die Band tolle Gastbeiträge für das Album gewinnen. Eine der Platten des Jahres!