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Mit der Veröffentlichung ihres fünften Albums betreten Imminence verschiedenste musikalische Bereiche und zeigen auf ihrer Reise als Band eine große Vielfalt.

Das bahnbrechende Alternative-Metalcore-Ensemble Imminence stammt von der Südküste Schwedens und hat sich in den letzten Jahren mutig eine Nische im Musikbereich geschaffen. Allen Erwartungen zum Trotz hat das Quintett akribisch einen Klangteppich geschaffen, der die Grenzen des Genres überschreitet. Ihre mutige Verschmelzung klassischer Streicharrangements, verwoben mit der rohen Kraft wilden skandinavischen Metals, erschafft ein fesselndes Hörerlebnis. Sowohl klanglich als auch visuell erweisen sich Imminence als ein Leuchtfeuer der Innovation und Spannung und etablieren sich nicht nur als Band, sondern auch als Pioniere, die neue Gebiete in der sich ständig weiterentwickelnden Musiklandschaft erschließen.

Angeführt vom Sänger und Geiger Eddie Berg, den Gitarristen Harald Barrett und Alex Arnoldsson, dem Schlagzeuger Peter Hanström und dem Bassisten Christian Höijer; Imminence entfesseln ihr musikalisches Können auf dem kommenden Album „The Black“. Machen Sie sich bereit und atmen Sie tief durch, während Imminence uns auf den großen Sprung in die Tiefen von „The Black“ vorbereiten, einem kühnen Versprechen einer beispiellosen musikalischen Odyssee, die sich allen Konventionen widersetzt und Sie einlädt, sich auf den Aufstieg eines neuen Genre-Klassikers einzulassen.
Die Band wagt sich in eine düsterere und stärker auf Orchester ausgerichtete Welt vor und definiert die Grenzen der modernen Alternative-Szene immer wieder neu. Imminence Erforschung ist mehr als nur Musik; Es ist ein mutiger Abstieg in unbekannte Gebiete, der ihre Position als Pioniere in der Landschaft einzigartiger und hochinnovativer musikalischer Ausdrucksformen festigt.

- „Dies ist die größte Annäherung an eine selbstbetitelte Veröffentlichung, denn diese Platte spricht Bände darüber, was Imminence als Band ausmacht.“ Durch die Einflüsse aus unserer gesamten Diskographie, gemischt mit unseren skandinavischen Wurzeln, kann man Elemente aus unserer gesamten Geschichte hören, die jedoch von einem unstillbaren Hunger angetrieben werden. Das Album ist wahrscheinlich das konzeptionellste, das wir je geschaffen haben, und ich war noch nie so stolz auf ein Werk. Die lyrischen Konzepte setzen den Weg früherer Veröffentlichungen fort und drehen sich um psychische Gesundheit und Depression. Aber dieses Mal gibt es kein Zurückhalten. Es ist wütend, verzweifelter und aus den Fugen geraten, durchdrungen von Angst und Dunkelheit. Wir haben es uns auch erlaubt, das Album in unerwartete Räume schweben zu lassen und so eine musikalische Reise mit starken Kontrasten zwischen Licht und Dunkelheit zu schaffen. Es ist ein „Eat Your Heart Out“, ein kompromissloser Beweis dafür, was „Imminence“ geworden ist. Das ist das Schwarze.“ – Eddie Berg

Mit der Veröffentlichung ihres fünften Albums betreten Imminence verschiedenste musikalische Bereiche und zeigen auf ihrer Reise als Band eine große Vielfalt.

Das bahnbrechende Alternative-Metalcore-Ensemble Imminence stammt von der Südküste Schwedens und hat sich in den letzten Jahren mutig eine Nische im Musikbereich geschaffen. Allen Erwartungen zum Trotz hat das Quintett akribisch einen Klangteppich geschaffen, der die Grenzen des Genres überschreitet. Ihre mutige Verschmelzung klassischer Streicharrangements, verwoben mit der rohen Kraft wilden skandinavischen Metals, erschafft ein fesselndes Hörerlebnis. Sowohl klanglich als auch visuell erweisen sich Imminence als ein Leuchtfeuer der Innovation und Spannung und etablieren sich nicht nur als Band, sondern auch als Pioniere, die neue Gebiete in der sich ständig weiterentwickelnden Musiklandschaft erschließen.

Angeführt vom Sänger und Geiger Eddie Berg, den Gitarristen Harald Barrett und Alex Arnoldsson, dem Schlagzeuger Peter Hanström und dem Bassisten Christian Höijer; Imminence entfesseln ihr musikalisches Können auf dem kommenden Album „The Black“. Machen Sie sich bereit und atmen Sie tief durch, während Imminence uns auf den großen Sprung in die Tiefen von „The Black“ vorbereiten, einem kühnen Versprechen einer beispiellosen musikalischen Odyssee, die sich allen Konventionen widersetzt und Sie einlädt, sich auf den Aufstieg eines neuen Genre-Klassikers einzulassen.
Die Band wagt sich in eine düsterere und stärker auf Orchester ausgerichtete Welt vor und definiert die Grenzen der modernen Alternative-Szene immer wieder neu. Imminence Erforschung ist mehr als nur Musik; Es ist ein mutiger Abstieg in unbekannte Gebiete, der ihre Position als Pioniere in der Landschaft einzigartiger und hochinnovativer musikalischer Ausdrucksformen festigt.

- „Dies ist die größte Annäherung an eine selbstbetitelte Veröffentlichung, denn diese Platte spricht Bände darüber, was Imminence als Band ausmacht.“ Durch die Einflüsse aus unserer gesamten Diskographie, gemischt mit unseren skandinavischen Wurzeln, kann man Elemente aus unserer gesamten Geschichte hören, die jedoch von einem unstillbaren Hunger angetrieben werden. Das Album ist wahrscheinlich das konzeptionellste, das wir je geschaffen haben, und ich war noch nie so stolz auf ein Werk. Die lyrischen Konzepte setzen den Weg früherer Veröffentlichungen fort und drehen sich um psychische Gesundheit und Depression. Aber dieses Mal gibt es kein Zurückhalten. Es ist wütend, verzweifelter und aus den Fugen geraten, durchdrungen von Angst und Dunkelheit. Wir haben es uns auch erlaubt, das Album in unerwartete Räume schweben zu lassen und so eine musikalische Reise mit starken Kontrasten zwischen Licht und Dunkelheit zu schaffen. Es ist ein „Eat Your Heart Out“, ein kompromissloser Beweis dafür, was „Imminence“ geworden ist. Das ist das Schwarze.“ – Eddie Berg

Die Band The Reds, Pinks & Purples aus San Francisco bleibt auf ihrem einmal eingeschlagenem Pfad und kündigt ein neues Album an, das im April erscheinen wird. RPPs Gehirn Glenn Donaldson hält es düster - wie könnte es anders sein - mit Titeln wie "What's Going On With Ordinary People", "We Only Hear The Bad Things People Say" und "Dead Stars In Your Eyes". Die DIY-Pop-Titanen The Reds, Pinks & Purples kristallisieren auf "Unwishing Well" den tragischen, sich selbst feiernden Reichtum der glücklichen Versager, der falschen Helden und der Menschheit mit all ihren romantisierten Sich-Wundern - und nehmen die Fäden der Hoffnung mit ungebremster Hingabe ins Visier. Das Album, das sich über 10 wunderschöne Stücke erstreckt, ist ein weiterer Beweis für Glenn Donaldsons makellose Beherrschung des intimen, aber dennoch ausladenden, niedergeschlagenen Pops. In den letzten fünf Jahren haben The Reds, Pinks & Purples sechs Alben, mehrere EPs und zahllose Singles veröffentlicht, die sich alle dem Ziel verschrieben haben, dem Independent-Guitar Pop neues Leben einzuhauchen, der die düsteren Teenager, College-Radio-DJs und Plattenladenangestellten der 80er und 90er Jahre animierte. Vorbilder wie The Go-Betweens, The Smiths, Magnetic Fields, Felt und andere sind offensichtliche Inspirationen, aber Donaldsons unermüdliches Talent für Stimmung und Melodie hat praktisch ein eigenes Genre geschaffen, und "Unwishing Well" ist dessen bisher reinste Verkörperung. Die erste Single des Albums ist ein großartiges Beispiel für die Weltanschauung von RPP, ein Blick auf die Zugeständnisse des Popstars durch die Augen eines Ausgestoßenen mit dem Titel "Your Worst Song Is Your Greatest Hit". Über verträumten, grauen Gitarren- und Synthie-Waschungen beklagt Donaldson: "Deine erste Idee wurde verwässert" und fügt hinzu: "Nur die schlimmsten Teile konnten gefunden werden." Weißes Vinyl und/oder CD, für Freunde von The Field Mice, Blue Boy, The Clientele, Cindy...

Wenn Geduld eine Tugend ist, könnten Love Sex Machine genauso gut Heilige sein, wenn auch Heilige mit einer Vorliebe für die dreckigsten Sludge-Metal-Riffs, die durch Downtempo-Post-Metal-Grooves und einen teuflischen Sinn für lyrischen Humor ausgeglichen werden. "Trve" besteht aus 10 neuenTracks voller rechtschaffener Empörung, ironischer sozialer Kommentare und natürlich unsagbar ekelhafter Härte. Von Anfang an zeugt das Album von der jahrzehntelangen Erfahrung der Band als eigenwillige Veteranen der europäischen Sludge-Szene. In den letzten acht Jahren haben die vier Franzosen das Fett von ihren Knochen gestrichen, so dass nur noch ein schlagendes Herz aus bedrohlichen, hypnotischen Riffs übrig geblieben ist, die sich unaufhörlich in dein Gehirn bohren. Obwohl die Band noch nie so rau geklungen hat, gibt es auch eine faszinierende, raffinierte und unbestreitbar poppige Note in "Trve", die dieser musikalischen Konfrontation ein neues Element hinzufügt, in dem Love Sex Machine gedeihen. Atmosphärische Intros, überflüssige Refrains und unheimliche, instrumentale Outros mögen klassische Kennzeichen ihres Genres sein, aber hier findet man nichts davon. Ähnlich wie bei der Vorab-Single "FUCKING SNAKES" sind die meisten Tracks auf "Trve" um die drei Minuten lang und zeichnen sich durch hochoktanige Black-Metal-Riffs aus, die in einer beunruhigend optimistischen Dur-Tonart gespielt werden, durch Synthesizer-Motive, die ans Triumphale grenzen, und - zum ersten Mal bei Love Sex Machine - durch Gesangsharmonien, die den Hörer für einen kurzen, schönen Moment in die Höhe heben, bevor die nächste Welle von groovigem, nihilistischem Schlamm einen wieder in die Knie zwingt.

Foil Jacket- Black, Red and Gold Merge with Splatter.

Die Heavy Metal-Institution DEATH veröffentlichte ihr letztes Studioalbum „The Sound of Perseverance“ 1998 und erntete weltweit massiven Beifall der Kritiker. Der Abschied von den Metal-Legenden, endlich wieder in einer Gatefold-Doppel-LP erhältlich.

Foil Jacket - White, Blue and Gold Merge with Splatter. DEATH, die von dem legendären Gitarristen Chuck Schuldiner gegründete
Heavy-Metal-Institution, veröffentlichte ihr legendäres viertes Studioalbum Human 1991 und erntete weltweit großen Beifall der Kritiker. Die komplexe und progressive Musik und die introspektiven Texte des Albums markierten einen massiven stilistischen Wandel weg vom primitiveren Frühwerk der Gruppe, und Human wurde zu einem der einflussreichsten Metal-Alben in der Geschichte des Genres.

Foil Jacket - Pink, White and Red Merge with Splatter. DEATH, die von dem legendären Gitarristen Chuck Schuldiner gegründete Heavy-Metal-Institution, veröffentlichte 1993 das Album Individual Thought Patterns (den Nachfolger ihres bahnbrechenden Albums Human). Individual Thought Patterns verfeinerte die mit Human ingeschlagene progressive Richtung weiter und enthielt mit "The Philosopher" den wohl besten und bis heute bekanntesten
Song, der je aus der Welt des extremen Metals kam.

Wenn Geduld eine Tugend ist, könnten Love Sex Machine genauso gut Heilige sein, wenn auch Heilige mit einer Vorliebe für die dreckigsten Sludge-Metal-Riffs, die durch Downtempo-Post-Metal-Grooves und einen teuflischen Sinn für lyrischen Humor ausgeglichen werden. "Trve" besteht aus 10 neuenTracks voller rechtschaffener Empörung, ironischer sozialer Kommentare und natürlich unsagbar ekelhafter Härte. Von Anfang an zeugt das Album von der jahrzehntelangen Erfahrung der Band als eigenwillige Veteranen der europäischen Sludge-Szene. In den letzten acht Jahren haben die vier Franzosen das Fett von ihren Knochen gestrichen, so dass nur noch ein schlagendes Herz aus bedrohlichen, hypnotischen Riffs übrig geblieben ist, die sich unaufhörlich in dein Gehirn bohren. Obwohl die Band noch nie so rau geklungen hat, gibt es auch eine faszinierende, raffinierte und unbestreitbar poppige Note in "Trve", die dieser musikalischen Konfrontation ein neues Element hinzufügt, in dem Love Sex Machine gedeihen. Atmosphärische Intros, überflüssige Refrains und unheimliche, instrumentale Outros mögen klassische Kennzeichen ihres Genres sein, aber hier findet man nichts davon. Ähnlich wie bei der Vorab-Single "FUCKING SNAKES" sind die meisten Tracks auf "Trve" um die drei Minuten lang und zeichnen sich durch hochoktanige Black-Metal-Riffs aus, die in einer beunruhigend optimistischen Dur-Tonart gespielt werden, durch Synthesizer-Motive, die ans Triumphale grenzen, und - zum ersten Mal bei Love Sex Machine - durch Gesangsharmonien, die den Hörer für einen kurzen, schönen Moment in die Höhe heben, bevor die nächste Welle von groovigem, nihilistischem Schlamm einen wieder in die Knie zwingt.

Remastered Reissue des 1973er Debütalbums von Ray Fernandez und seiner Familienband, die sich in den 70ern als äußerst einflussreiche Combo in der Latin-Musikszene Miamis profilierte. Ihre psychedelisch angehauchten Kreationen waren stark von Deep-Funk und lateinamerikanischer Musik beeinflusst und enthielten weitere kaleidoskopische Soundinfusionen wie Soul, Calypso, Afro-Cuban, Reggae und Salsa. Von DJs weltweit gesamplet (inklusive DJ Shadow), ist diese remasterte und auf audiophiles Virgin-Vinyl gepresste Reissue ein Muss für jeden ernsthaften Latin-, Funk- oder Rare-Groove-Sammler.

Des Teufels Bad' gibt den unsichtbaren und ungehörten Frauen der bäuerlichen Vergangenheit eine Stimme; es zeigt die Härte ihres Alltags, der von religiösen Dogmen und Tabus bestimmt ist, die bis in die Gegenwart nachwirken. Ein Film auf der Grundlage historischer Gerichtsakten über ein schockierendes, bisher unerforschtes Kapitel der europäischen Geschichte.

Soap & Skin über Entstehungsprozess des Soundtracks "Veronika, Severin und ich waren uns schnell einig, dass wir historische Klangfarben wollten, also eine Klangwelt, die sich auf die Zeit bezieht, nicht unbedingt auf Österreich, und die auch in die Gegenwart weist. So habe ich zum Beispiel eine historische Flöte aus Armenien, die Duduk, die von Veronika Vitazkova gespielt wird, eingebaut und mit Matthias Loibner zusammengearbeitet, der sich diesem wunderbaren Instrument, der Drehleier, verschrieben hat. Diesmal habe ich meine eigene Stimme sphärisch für Agnes innere Stimmen eingesetzt, zum Beispiel mit einem Schrei, der als langgezogener Ton immer wieder auftaucht." Tief, eindringlich und verstörend, die Musik gibt diesem psychodramatischen Film Fleisch und Blut.

"What Lies Beneath" ist das zweite Studioalbum der fi nnischen Künstlerin Tarja. Ursprünglich 2010 veröffentlicht, ist es mit Hits wie "Until My Last Breath", "I Feel Immortal" und "Falling Awake" ein echter Fanliebling und bis heute eines ihrer erfolgreichsten Alben. Die 2024 Re-Issue ist als "2CD Deluxe Digipak" und, zum ersten Mal, als "Heavyweight 2LP Vinyl" (Gatefold, 180g, schwarz) erhältlich. Beide Formate bieten ein wunderschön restauriertes Artwork, und alle Tracks wurden bei Sterling Sound remastered.

Das macht die 2024 Re-Issue zum ultimativen "What Lies Beneath"-Erlebnis. Das 2CD Deluxe Digipak enthält außerdem 15 weitere Songs, darunter alternative Versionen, Single-Edits und Remixe. Viele davon wurden bis heute noch nicht physisch veröffentlicht. Außerdem enthält es den Track "The Good Die Young" von The Scorpions & Tarja, welcher ursprünglich nur als Bonustrack auf dem 2010er Ltd. "Dreamers" Boxset enthalten war.

Wenn es eine Band gibt, die eine klassische Herangehensweise mit innovativen Ideen und einer unbändigen Spielfreude verbindet, um ihren Vorbildern (den frühen Exodus, Metallica oder Slayer) die Ehre zu erweisen, dann sind es die deutschen Heavy Metal-Helden VULTURE. Auf ihrem vierten Album "Sentinels", das am 12. April über Metal Blade Records erscheinen wird, beweisen sie einmal mehr, dass sich Tradition und Weiterentwicklung nicht ausschließen, sondern im Gegenteil zu etwas Außergewöhnlichem führen können, das keinen Headbanger unberührt lässt.

Blue/Black Marble Vinyl, limitiert auf 200 Exemplare. ARROW MINDS sind eine melodische Metalcore / Hardcore Band aus Rostock, Deutschland. Sie wurden in einer kalten Winternacht im Jahr 2016 gegründet. Wenn du Bands wie Strike Anywhere, Avail oder Architects magst, wird diese Band deine Welt auf den Kopf stellen. Ihr neues Album ist ein großer Schritt nach vorne im Vergleich zu ihrem letzten. Man merkt, dass diese Band ihren musikalischen Weg gefunden hat. Ihre kraftvollen und aussagekräftigen Songs repräsentieren alles, wofür eine moderne Metalcore-Band stehen sollte - schnelle, aggressive Melodien, die zu eingängigen Hooks führen; mit Texten, die nicht versuchen, nur leere Parolen raus zu hauen, sondern vielmehr notwendige Fragen stellen und Statements setzen.

Nach einer erfolgreichen Reihe von fünf Studioalben und zwei Live-Alben, Psychedelic Backfire I und II (beide 2019), hatten Elephant9 ihre groovige Mischung aus energiegeladenem Rock und Power-Jazz so weit gebracht, wie sie konnten. In dieser Hinsicht war ihr letztes Album Arrival of The New Elders (2021) eine willkommene und sehr zeitgemäße Ergänzung ihres Schaffens. Abwechslungsreicher, reifer und nachdenklicher, groovig wie eh und je, aber strukturierter und weniger jamorientiert, was ihnen eine 9/10-Rezension in Uncut und einen Platz in der Liste der Alben des Jahres einbrachte, in der ihre telepathische Gemeinschaft hervorgehoben und mit "this is an Elephant9 you'll never forget" geschlossen wurde. Jazzwise, Shindig, Prog, Electronic Sound, The Quietus und einige andere stimmten dem zu. Mythical River ist auf die gleiche Art und Weise geformt und ein natürlicher Nachfolger, mit sechs herausragenden neuen Kompositionen von Keyboard-Maestro Ståle Storlokken, gerahmt durch zwei kurze kosmische Einwürfe. Von hypnotischen und magischen bis hin zu messerscharfen und polyrhythmischen Stücken ist dies ein weiteres starkes Werk eines Trios, das sich auf der Höhe seiner Zeit befindet. Es wurden Vergleiche mit Bands gezogen, die bis in die sechziger Jahre zurückreichen, aber mit den letzten Alben erscheinen Elephant9 als eine durch und durch zeitgenössische, zeitlose und sogar futuristisch klingende Band. Ståle begann seine musikalische Reise mit Vespestad und Henriksen, die sich bald zu Supersilent mit Helge Sten an Bord entwickelten. Stale is zudem Mitglied von Hedvig Mollestad Weejuns, Moster! und Humcrush und hat mit einer Reihe von weiteren Acts, vor allem mit Motorpsycho, zusammengearbeitet.

Das 25. Album von Giant Sand, das sie im 25.Jahr in ihrer Karriere aufgenommen haben, ist eine großartige und viel gefeierte Sammlung von perfekt ausgearbeiteten, persönlichen Songs von Howe Gelb. Mit Ausnahme von ein oder zwei wunderbar abrupten und perfekt platzierten Ausbrüchen ist es eine sanfte Achterbahnfahrt durch das innere Nachdenken über das Warum und Wozu von was auch immer, eine Meditation über Zeit und den Alterungsprozess.Howe Gelb erklärt zu dieser Platte: "Auf dieser LP zeige ich eine erworbene Wertschätzung für einfache Lyrik. Manchmal ist es eine Art Haiku, wie Flamenco-Verse oder der Blues. Ich kann mich mehr konzentrieren, da es offensichtlich ist, dass nur noch so viel Zeit übrig ist - das hat einen ganz eigenen Produktionswert."Diese Wiederveröffentlichung unterstreicht die eklektische und esoterische Karriere der Band und feiert ihre großartige, lange und kurvenreiche Laufbahn. Diese Deluxe-Wiederveröffentlichung enthält ein restauriertes Artwork und neu verfasste Liner Notes von Dave Henderson von MOJO.Giant Sand sind das wichtigste Ventil für die stilistischen Biegungen und die sonnengeschädigte Songkunst des Sängers und Songwriters Howe Gelb gewesen. In mehr als vier Jahrzehnten ist es ihm gelungen, Rock, Country, Blues, Punk, Garage, Lo-Fi, Jazz, Gospel, Avantgarde-Noise und Flamenco-Gypsy-Musik mit seinen impressionistischen Bildern und weitreichenden Beobachtungen der Welt neu zu erfinden. "An album full of heart, soul, and wit, this music confirms that no one does quite what Howe Gelb can do with such remarkably innate grace and feel" AllMusic Klassisch schwarzes Vinyl, original Coverart, Linernotes & DLC!

Giant Sand sind das wichtigste Ventil für die stilistischen Biegungen und die sonnengeschädigte Songkunst des Singer-Songwriters Howe Gelb. In mehr als vier Jahrzehnten ist es ihm gelungen, Rock, Country, Blues, Punk, Garage, Lo-Fi, Jazz, Gospel, Avantgarde-Noise und Flamenco-Gypsy-Musik mit seinen impressionistischen Bildern und weitreichenden Beobachtungen der Welt neu zu erfinden. Genau 25 Jahre nach der Veröffentlichung von Giant Sands legendärem "Chore Of Enchantment", dem panoramischen Meisterwerk, das den Wendepunkt für die klassische Besetzung mit dem erfahrenen Songwriter Howe Gelb und den späteren Calexico-Mitgliedern Joey Burns und John Convertino aus dem Jahr 1999 darstellte, kehrt das Album nun zurück. The Chore Of Enchantment" ist ein Songbook mit Howe Gelbs besten Liedern, gefüllt mit verblüffenden Einzeilern, der üblichen schrägen Instrumentierung, Echofeldern und nebligen Horizonten. Die hochkarätige Produktion des legendären Jim Dickinson, des PJ Harvey-Vertrautem John Parish und des gefeierten Singer/Songwriters/Produzenten Kevin Salem ist eine Tour-de-Force von Gelb's einzigartigem Oeuvre. Diese Wiederveröffentlichung zeigt die eklektische und esoterische Karriere der Band und feiert ihre großartige, lange und kurvenreiche Karriere. Die 2xLP Deluxe-Wiederveröffentlichung enthält ein restauriertes Artwork und neu verfasste Liner Notes von Dave Henderson von MOJO. "A beautiful, emotionally complex album." The Quietus. Klassisch schwarzes Doppel-Vinyl, original Coverart, Linernotes & DLC

Weniger rau als beim Album davor, fast schon ein wenig poppig, bewegen sich die acht Songs zwischen Indierock, Psychedelic, Americana und Postpunk. Düster-sphärische Soundflächen wechseln sich ab mit krachig-dissonanten Ausbrüchen ("Drift", "Passerby"), bisweilen lugt gar Nick Cave um die Ecke ("The Blanket"). "The Beauty Of Dysfunction" ist kein Konzeptalbum - aber der Titel könnte ein Leitmotiv für die Lyrics zu den Songs sein: Es geht um Brüche, um Widersprüche, um Risse auf der Oberfläche - sei es in Liebesbeziehungen ("Easy Care"), in Lebensentwürfen ("All we've ever had (was enough)") oder dem Verhältnis zwischen sogenannten Minderheiten und der "Mehrheit" ("Difference"). Auf der anderen Seite die vielen Scharlatane, die sich "Lifecoaches" nennen und im Netz oder in hochdotierten "Keynotes" ihre Selbstoptimierung als Ersatzreligion vermarkten ("Ode to Excellence"). Und nicht zuletzt die Scheißpopulisten, die einem weismachen wollen, dass alles doch ganz einfach ist ("Habits"). Ist es nicht. Es ist schwierig. Leben - und lieben - heißt, die Dissonanz zu akzeptieren, die Schönheit im Unperfekten zu erkennen.

JUNKYARD DRIVE ist energiegeladener als je zuvor. Das neue Album, mit dem Titel "Look At Me Now", präsentiert eine Band mit neuer Energie und Inspiration.

Seit 2014 ist Junkyard Drive entschlossen, die Band zu sein, die den Soundtrack zum Leben auf der Überholspur mit dem Publikum als Passagier liefert. Jedes Mal! Mit drei von der Kritik gefeierten Alben, vielen Konzerten und Tourneen in den meisten Teilen der Welt haben sie mehr ausprobiert als die meisten dänischen Rockbands. Jetzt ist ihr viertes Album auf dem Weg, und das Ziel hat sich geändert.

Auf "Look At Me Now" liefern Junkyard Drive zehn hochoktanige Rocksongs, die mit Flair, Präzision und viel Energie vorgetragen werden. Man ist versucht, von neuer Energie zu sprechen, denn obwohl Junkyard Drive auf den zehn im April erscheinenden Tracks weitgehend wiedererkennbar sind, ist es in vielerlei Hinsicht eine veränderte Band, die sie abliefert. Ein paar Änderungen in der Besetzung und ein dringend notwendiger Blick in die internen Beziehungen haben den Fokus wiederhergestellt und die Freude am Spielen erneuert. "Look At Me Now" begrüßt zwei neue Gitarristen:
Oliver Hartmann und Kristoffer Kristensen. Beide bringen erfahrungen aus anderen Genres als dem Rock mit, und das bringt neue Ideen beim Songwriting mit sich

JUNKYARD DRIVE ist energiegeladener als je zuvor. Das neue Album, mit dem Titel "Look At Me Now", präsentiert eine Band mit neuer Energie und Inspiration.

Seit 2014 ist Junkyard Drive entschlossen, die Band zu sein, die den Soundtrack zum Leben auf der Überholspur mit dem Publikum als Passagier liefert. Jedes Mal! Mit drei von der Kritik gefeierten Alben, vielen Konzerten und Tourneen in den meisten Teilen der Welt haben sie mehr ausprobiert als die meisten dänischen Rockbands. Jetzt ist ihr viertes Album auf dem Weg, und das Ziel hat sich geändert.

Auf "Look At Me Now" liefern Junkyard Drive zehn hochoktanige Rocksongs, die mit Flair, Präzision und viel Energie vorgetragen werden. Man ist versucht, von neuer Energie zu sprechen, denn obwohl Junkyard Drive auf den zehn im April erscheinenden Tracks weitgehend wiedererkennbar sind, ist es in vielerlei Hinsicht eine veränderte Band, die sie abliefert. Ein paar Änderungen in der Besetzung und ein dringend notwendiger Blick in die internen Beziehungen haben den Fokus wiederhergestellt und die Freude am Spielen erneuert. "Look At Me Now" begrüßt zwei neue Gitarristen:
Oliver Hartmann und Kristoffer Kristensen. Beide bringen erfahrungen aus anderen Genres als dem Rock mit, und das bringt neue Ideen beim Songwriting mit sich

Nach ausverkaufter Welttour und Festivalauftritten bringen Mount Kimbie ihr von den Kritikern gefeiertes Album "The Sunset Violent" in neuer limitierter Jahresendausgabe auf Petrol Blue Transparent-Vinyl heraus. Das Album zeigt das Duo in ihrer gewagtesten und aufregendsten Form und featuret ihren langjährigen Kollaborateur King Krule auf mehreren Tracks.

- "Auch weil sie endlich wieder zueinander gefunden haben, schaffen es Mount Kimbie mit "The Sunset Violent" jetzt schon auf die Jahresbestenliste." - Kulturnews 14/24

Soul entwickelte sich gegen Ende der 1950er Jahre aus Rhythm"n"Blues, Gospel, Blues und Jazz. Im folgenden Jahrzehnt war Soul ein Synonym für schwarze Popmusik. Kennzeichnend dafür waren vor allem die Produktionen von Motown Records, zum Beispiel Diana Ross & The Supremes oder Sam Cooke. Seither sind herzergreifender Gesang und groovige Vibes die größten Stilmerkmale des Soul. Zu den weiteren Ikonen des Soul gehören Curtis Mayfield, James Brown, Aretha Franklin, Barry White, Sam Cooke, Al Green und viele mehr. Deren Erfolg ist eng mit dem Kampf der US-amerikanischen Bürgerrechtsbewegung gegen Rassentrennung und für Gleichberechtigung verbunden. 1969 benannte man die Rhythm"n"Blues- in Soul-Charts um. Der Soul-Orkan, der während der Sechziger in den Charts tobte, ebbte jedoch wieder ab, kam aber runderneuert in den 70ern als Phillysound wieder zu erneuten Hitparadenehren. 1982 änderte man die Chart-Bezeichnung von Soul in Black Music. Die vorliegende Kompilation vereint die legendären Stimmen des Soul mit ihren unvergesslichen Hits.

Stellen Sie Ihren Shoegaze-Modus ein und stürzen Sie sich in diese überdimensionale Wolke aus ätherischem Dream Pop. Inspiriert von der Flut britischer Bands mit wirbelnder Verzerrung und erdrückender Lautstärke, spielten Ozean aus San Jose in ihrer kurzen Existenz nur zwei Konzerte und lösten sich auf, bevor die Scene That Celebrates Itself jemals die Siliziumgrenze durchbrach. Die selbstbetitelte Demokassette des Quartetts aus dem Jahr 1993 wurde neu gemastert und mit 45 Umdrehungen pro Minute gepresst, ein zeitloses Dokument spätpubertären Staunens und Experimentierens.

Blue Marbled Vinyl

Die britischen Death Metaller INGESTED veröffentlichen heute ihre neueste Single "Pantheon". Die brutale neue Hymne kommt als Vorbote des aktuellen Albums "The Tide Of Death And Fractured Dreams", das am 5. April über Metal Blade Records erscheinen wird! Seit ihrem fünften Album "Where Only God May Tread" (2020) haben INGESTED einen kreativen Lauf, der fast jedes Jahr ein neues Album hervorgebracht hat, das die Art von musikalischem Wachstum zeigt, die nur durch ständiges Üben, Spielen und Schreiben entsteht. "The Tide Of Death And Fractured Dreams" ist nicht nur so innovativ und brutal wie ihre letzte Scheibe - das düstere, feurige "Ashes Lie Still" - es zeigt eine Band, die gewillt ist, ihre Kreativität zu erweitern, ohne dabei die Wildheit zu opfern, die sie zu einer der beeindruckendsten zerstörerischen, technischen Death Metal-Bands der Szene gemacht hat.

Die britischen IRON MONKEY melden sich mit ihrem mit Spannung erwarteten neuen Album "Spleen and Goad" zurück!

Auf dem neuen Album ist die legendäre Band so kompromisslos wie eh und je und liefert den düstersten Sludge-Doom ihrer über 25-jährigen Geschichte ab. IRON MONKEY, die von The Sludgelord als "Doom-Sludge-Vorreiter" bezeichnet wurden, werden ihrem Erbe gerecht und prügeln sich durch jeden der 9 Tracks auf ihrem neuen Album.

Von dem zwei Tonnen schweren Riff, mit dem "Concrete Shock" eröffnet wird, zeigen IRON MONKEY keine Anzeichen von Nachlassen; verwaschene Gitarren krachen gegen pulsierende Drums, unterlegt mit bösartigem, misanthropischem Gebrüll und Gebell. In anderen Stücken wie dem treffend betitelten "Rat Flag" gibt die Band mit spürbarer Wut und Unbehagen Vollgas. Aufgenommen in ihrer Heimatstadt Nottingham, wurde Spleen and Goad in den USA von Brad Boatright bei Audiosiege gemastert.

Celine Dion's "My Love: Essential Collection" würdigt die klassischen Songs, die ihre Karriere begründeten und Millionen inspirierten. Das jetzt erstmals auf Doppel-Vinyl erhältliche Album enthält einige von Celines größten Hits wie das Oscar- und Grammy-prämierte "My Heart Will Go On", den internationalen Chart-Topper "All By Myself" (ihre unvergessliche Interpretation der bahnbrechenden Power-Ballade von Eric Carmen), "Where Does My Heart Beat Now" (Celines erste englischsprachige Single) sowie den von Linda Perry geschriebenen Titelsong "My Love".

Cock Sparrer, die britischen Streetpunk-Legenden, meldet sich mit ihrem finalen 8 Studioalbum zurück.

Das Album mit dem Titel „HAND ON HEART“ wird wahrscheinlich das letzte Album der britischen Oi/Punklegende sein. 7 Jahre haben sie sich Zeit gelassen nach ihrem letzten Album „Forever“. In der vergangenen Zeit haben sie weltweit sehr erfolgreiche Liveshows gespielt. 10 neue Songs sind es geworden, die die Band auch auf der Bühne vorstellt.

Das Hamburger Label Grand Hotel van Cleef kündigt, in großer Vorfreude und aller Feierlichkeit, das sechste Studioalbum der Indierock Band Kettcar an. Es hört auf den Namen "Gute Laune ungerecht verteilt" und erscheint am 05. April 2024. Der langerwartete Nachfolger von "Ich vs. Wir" (2017, "Eines der kraftvollsten und wichtigsten deutschen Alben des Jahres" - spiegel.de) wurde von Simon Frontzek, Rudi Maier, Philipp Schwär und Philipp Steinke produziert. Kettcar malen auf "Gute Laune ungerecht verteilt" das ganze Bild - textlich wie musikalisch. Schroffe Post-Punk-Gewitter, Akustisches, Sprechgesang. Welchen Style wollt ihr? Hier sind sie alle drauf. Die zwölf Songs erzählen Geschichten von, auf und über Bayreuth, Krankenhauszimmern, Rügen, dem Supermarkt, der Enterprise und der Blauen Lagune. Mal die Faust in der Tasche, mal das Herz im Hals Die erste Single aus dem Album heißt "München", ein Song, den man so von einer Band aus Hamburg sicher nicht erwartet hat.

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Das Hamburger Label Grand Hotel van Cleef kündigt, in großer Vorfreude und aller Feierlichkeit, das sechste Studioalbum der Indierock Band Kettcar an. Es hört auf den Namen "Gute Laune ungerecht verteilt" und erscheint am 05. April 2024. Der langerwartete Nachfolger von "Ich vs. Wir" (2017, "Eines der kraftvollsten und wichtigsten deutschen Alben des Jahres" - spiegel.de) wurde von Simon Frontzek, Rudi Maier, Philipp Schwär und Philipp Steinke produziert. Kettcar malen auf "Gute Laune ungerecht verteilt" das ganze Bild - textlich wie musikalisch. Schroffe Post-Punk-Gewitter, Akustisches, Sprechgesang. Welchen Style wollt ihr? Hier sind sie alle drauf. Die zwölf Songs erzählen Geschichten von, auf und über Bayreuth, Krankenhauszimmern, Rügen, dem Supermarkt, der Enterprise und der Blauen Lagune. Mal die Faust in der Tasche, mal das Herz im Hals Die erste Single aus dem Album heißt "München", ein Song, den man so von einer Band aus Hamburg sicher nicht erwartet hat.

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Das Hamburger Label Grand Hotel van Cleef kündigt, in großer Vorfreude und aller Feierlichkeit, das sechste Studioalbum der Indierock Band Kettcar an. Es hört auf den Namen "Gute Laune ungerecht verteilt" und erscheint am 05. April 2024. Der langerwartete Nachfolger von "Ich vs. Wir" (2017, "Eines der kraftvollsten und wichtigsten deutschen Alben des Jahres" - spiegel.de) wurde von Simon Frontzek, Rudi Maier, Philipp Schwär und Philipp Steinke produziert. Kettcar malen auf "Gute Laune ungerecht verteilt" das ganze Bild - textlich wie musikalisch. Schroffe Post-Punk-Gewitter, Akustisches, Sprechgesang. Welchen Style wollt ihr? Hier sind sie alle drauf. Die zwölf Songs erzählen Geschichten von, auf und über Bayreuth, Krankenhauszimmern, Rügen, dem Supermarkt, der Enterprise und der Blauen Lagune. Mal die Faust in der Tasche, mal das Herz im Hals Die erste Single aus dem Album heißt "München", ein Song, den man so von einer Band aus Hamburg sicher nicht erwartet hat.

Mit ihrer bisher offenherzigsten, direktesten und intimsten Sammlung von Material stellt sie ihre einzigartige Reise durch die britische Musiklandschaft neu auf. Love In Constant Spectacle beschwört spektakuläre Bilder herauf und destilliert die Vision der Künstlerin in ihrer reinsten Form, wodurch ihr unnachahmlicher Sound und ihre poetische Vision zu neuen Höhen aufsteigen. Sie fängt die Melancholie ihrer frühen Arbeiten ein und treibt sie gleichzeitig voran. Sie skizziert Szenen, während wir beobachten, wie neue Farben, Formen und Sprachen auftauchen und den Rahmen füllen. Mit Love In Constant Spectacle geht sie gemessene Schritte in Richtung eines lebendigen, traumhaften Albums, das im Angesicht der Unvermeidlichkeit des Lebens Entschlossenheit bietet. Die Grundlagen von Weavers Sound sind immer noch offensichtlich - üppige motorische Drums, pulsierende Bässe, speziell modifizierte Synthesizer und exotische Fuzz-Pedale - aber der Strom ist überschwemmt mit Scrabble-Poetry und Letraset-Wiegenliedern, die zu üppigem Eskapismus führen, der freien Hingabe, die man mit Free Jazz und der Avantgarde assoziieren würde. Doch so entschlossen und visionär Weaver auch sein mag, Love In Constant Spectacle wurde nicht ohne Hilfe umgesetzt. Hier finden wir eine lange diskutierte Zusammenarbeit mit Janes erstem Produzenten, John Parish (PJ Harvey, Aldous Harding), der Weavers Prozess in der Umgebung der Rockfield Studios und Geoff Barrows Invada-Studio begleitet hat. Love In Constant Spectacle ist jenseitig, intim und doch distanziert, eine surrealistische Interpretation der Grundlagen, die uns menschlich machen - die Geschichten und Landschaften, die es malt, sind eigene Lebensräume. Es ist eine Reise in unbekannte Gefilde, ein von Herzen kommendes Manifest einer Künstlerin, die sich mit jedem Kapitel ihrer Karriere grenzenlos weiterentwickelt. Klassisch schwarzes Vinyl, reverse die cut sleeve artwork, DLC mit dabei!

Mit ihrer bisher offenherzigsten, direktesten und intimsten Sammlung von Material stellt sie ihre einzigartige Reise durch die britische Musiklandschaft neu auf. Love In Constant Spectacle beschwört spektakuläre Bilder herauf und destilliert die Vision der Künstlerin in ihrer reinsten Form, wodurch ihr unnachahmlicher Sound und ihre poetische Vision zu neuen Höhen aufsteigen. Sie fängt die Melancholie ihrer frühen Arbeiten ein und treibt sie gleichzeitig voran. Sie skizziert Szenen, während wir beobachten, wie neue Farben, Formen und Sprachen auftauchen und den Rahmen füllen. Mit Love In Constant Spectacle geht sie gemessene Schritte in Richtung eines lebendigen, traumhaften Albums, das im Angesicht der Unvermeidlichkeit des Lebens Entschlossenheit bietet. Die Grundlagen von Weavers Sound sind immer noch offensichtlich - üppige motorische Drums, pulsierende Bässe, speziell modifizierte Synthesizer und exotische Fuzz-Pedale - aber der Strom ist überschwemmt mit Scrabble-Poetry und Letraset-Wiegenliedern, die zu üppigem Eskapismus führen, der freien Hingabe, die man mit Free Jazz und der Avantgarde assoziieren würde. Doch so entschlossen und visionär Weaver auch sein mag, Love In Constant Spectacle wurde nicht ohne Hilfe umgesetzt. Hier finden wir eine lange diskutierte Zusammenarbeit mit Janes erstem Produzenten, John Parish (PJ Harvey, Aldous Harding), der Weavers Prozess in der Umgebung der Rockfield Studios und Geoff Barrows Invada-Studio begleitet hat. Love In Constant Spectacle ist jenseitig, intim und doch distanziert, eine surrealistische Interpretation der Grundlagen, die uns menschlich machen - die Geschichten und Landschaften, die es malt, sind eigene Lebensräume. Es ist eine Reise in unbekannte Gefilde, ein von Herzen kommendes Manifest einer Künstlerin, die sich mit jedem Kapitel ihrer Karriere grenzenlos weiterentwickelt. Klassisch schwarzes Vinyl, reverse die cut sleeve artwork, DLC mit dabei!

Zweites Album der Art-Rock-Experimentalisten Drahla aus Leeds. Aufgenommen mit Matthew Benn und Jamie Lockhart im Jahr 2023, folgt angeltape dem von der Kritik gefeierten Debüt Useless Coordinates aus dem Jahr 2019 und ist ein avantgardistisches Dokument der Ereignisse, die sich in der fünfjährigen Pause zwischen den Alben entfaltet haben. Eine Vielzahl von Veränderungen - gute und schlechte - lenkten das berufliche und persönliche Leben der Bandmitglieder in unbekannte Bahnen. Doch anstatt sich den Widrigkeiten zu ergeben, tauchen Drahla mit angeltape wieder auf. Sängerin und Gitarristin Luciel Brown, Bassist Rob Riggs und Schlagzeuger Mike Ainsley erweiterten ihren Sound mit Gitarrist Ewan Barr und klingen nun wesentlich dunkler, komplexer und konzeptioneller. Drahla beschreiten neue klangliche Wege und experimentieren dabei mehr als je zuvor mit der Form der Musik. Das berauschende Zusammenspiel von treibenden Bass-Riffs und aufgeladenen Schlagzeugmustern bildet einen fesselnden Kontrast zu Browns melodischem Sprechgesang. Die einhüllende Atmosphäre, die von dem Quartett ausgeht, wird durch die eindringliche Saxophonbegleitung des langjährigen Mitstreiters Chris Duffin noch verstärkt. Die Band beschäftigt sich mit Themen wie Trauer und Trauma, während sie gleichzeitig Momente der Sentimentalität und Unterstützung in schwierigen Zeiten zelebriert. Eine unwiderstehliche und unerschütterliche Kraft durchzieht dieses meisterhafte zweite Album. angeltape ist eine herausfordernde, tröstliche und letztlich lohnende Platte für Künstler und Publikum.

Anders als bei ihrem selbstproduzierten Debüt 'Refuge Cove' und dem Nachfolger 'Storm Queen' arbeitete Grace Cummings für ihr neues Album 'Ramona' mit Produzent Jonathan Wilson (Angel Olsen, Father John Misty) zusammen und schuf einen aufwändig orchestrierten Sound, der die Tiefe und den Umfang ihres stimmlichen Könnens voll zur Geltung bringt.

'Ramona', das am 5. April über ATO Records erscheinen wird, behandelt Trauer, Selbstzerstörung und emotionale Gewalt und verleiht Cummings Musik dabei eine neue Größe. “In the past I’ve been caught up in worrying about whether I’m being too emotional or over-the-top, but this time around I decided not to filter any of that out”, so Cummings. “My only intention was to be myself, which meant being extremely vulnerable in my writing and my vocal performance, without going back and editing myself later on.”

Das Album entstand in Zusammenarbeit mit einer Reihe von Gästen, darunter die Harfenistin Mary Lattimore und der Streicherarrangeur und Multiinstrumentalist Drew Erickson (Weyes Blood, Mitski, Lana Del Rey), mit Cummings an der Gitarre und am Klavier und Wilson an der Gitarre, dem Schlagzeug, dem Banjo und der Orgel. “I wanted everything and the kitchen sink on this record, to make it as big and dramatic as possible and show a whole range of colors.”

Dog Unit sind eine Post-Rock-Band, zu der man tanzen kann, und ihre Debüt-LP 'At Home' ein betörendes Amalgam aus bezauberndem Drone, taktilen Strukturen, Zeitlupen-Polyrhythmen und Skewiff-Riffs. Dog Unit sind Henry Scowcroft und Sam Walton an Gitarren, die zwischen heulendem Feedback und souveräner Melodik wechseln, Pop-Dub-Bass-Maestro James Weaver, dessen minimalistischer Stil ein Genie für Prägnanz und Motorik offenbart, und Schlagzeugerin Lucy Jamieson, die zuverlässigste Zeitnehmerin diesseits einer Atomuhr. Gemeinsam auf der Bühne oder auf Platte hat man das Gefühl, es handelt sich hier nicht um vier Musiker, sondern um ein 16-gliedriges Geschöpf, das seine Zuhörer auf eine hügelige Reise eleganter modernistischer Wunder führt, wie ein Hochgeschwindigkeitszug, der wunderschön durch die japanische Landschaft fährt.

Ltd. Edition Vinyl: limitiertes gelbes 180g Doppel-Vinyl, Cover mit Prägung und Durchnummerierung, bedruckte Innenhüllen, Poster und Fotos der Bandmitglieder

Einstürzende Neubauten präsentieren ihr neues Album. Sie suchen nach neuen Formen. Nach dem unentdeckten Ton und dem noch unausgesprochenen Wort. Seit ihrer Gründung am 1. April 1980 verschieben die Einstürzenden Neubauten die Parameter von Mainstream und Subkultur, um das Unhörbare hörbar zu machen. Und vielleicht auch das Unerhörte. Ein sich über vier Dekaden erstreckender Feldforschungsversuch, der nun ins nächste Stadium tritt. In ihrem 44. Bestehensjahr geht die Formation weit zurück zu ihren Wurzeln, um sich gleichzeitig neu zu definieren. Ein verändertes Selbstverständnis, für das das Berliner Quintett plus eins 2024 sein eigenes Genre kreiert hat: apm - alien pop music. Ständige Weiterentwicklung - so könnte man das Schaffen der Einstürzenden Neubauten kurz und knapp zusammenfassen. Eine musikalische Evolution, die beim 1981 veröffentlichten Albumdebüt "Kollaps" beginnt und sich nun auf dem im April 24 erscheinenden Album "Rampen - apm: alien pop music" manifestiert, auf diesem präsentieren sich Blixa Bargeld, N.U. Unruh, Alexander Hacke, Jochen Arbeit, Rudolph Moser und Felix Gebhard nun von ihrer unberechenbarsten und eigenwilligsten Seite. Auf ihrem neuen Album setzen die Neubauten nun allen Sound-Spekulationen ein - wenn auch spätes - Ende. Schon seit Mitte der 1980er-Jahre experimentieren die Einstürzenden Neubauten auf der Bühne mit sogenannten Rampen: Öffentliche Improvisationen mit offener Entwicklung und Ausgang; Abschussrampen ins noch Unerforschte, die die Band im Jahr 2022 auf ihrer letzten "Alles in Allem"-Tournee im Zugabenteil performte und deren Mitschnitte als Basis für das neue Album dienen. "Rampen - apm: alien pop music" ist Popmusik für Paralleluniversen und Zwischenwelten. Für Hyperräume und Interzonen. Mikrokosmisch und intergalaktisch zugleich. Eine demimondäne Behauptung außerhalb aller physikalischen Gesetze, mit der die Einstürzenden Neubauten ein stilistisches Niemandsland zwischen Vergangenheit und Zukunft betreten. Rückkehr zu den Wurzeln einerseits, andererseits entsteht aus lärmgewaltigen Kracheruptionen, auf kryptische, oftmals fragmentarische Lyrics treffend, eine neue Kunstform: Populäre Musik für Aliens und Außenseiter. Aus Anti-Pop ist Alien Pop geworden. Fremdartig. Kokonhaft versponnen. Ungehört. Sonus inauditus. Nicht ganz unabsichtlich erinnert das reduzierte Coverartwork an das ikonische Layout des "Weißen Albums" von den Beatles. "Ausgehend von der Idee, dass die Einstürzenden Neubauten in einem anderen Sonnensystem ebenso berühmt sind wie die Beatles in unserer Welt", so Blixa Bargeld über die Gratwanderung zwischen Avantgarde und Augenzwinkern, Provokation und popkultureller Diskontinuität. Womit auch direkt das zentrale Thema vorgegeben wäre, das sich wie ein roter Faden durch alle Songs zieht: Veränderung, utopische Gedankenspiele und Vergänglichkeit. "Ich habe auf der Platte ein paar Lösungen gefunden und Dinge formuliert, wie ich sie vorher noch nicht formuliert habe, weil sie mir noch nicht so klar waren. Ich bin jemand, der denkt, durch Musik Erkenntnisse zu gewinnen. Das war schon immer so. Die Überzeugung, in der Musik etwas zu finden, was ich vorher nicht wusste. Und etwas zu singen, was ich vorher nicht wusste. Etwas, was sich dann als Wahrheit herausstellt. Oder zumindest als sinnvoll, wenn man es ein wenig kleiner halten will." Dieses Album repräsentiert die nächste Stufe der Evolution, auf der man die bekannte Sprache schließlich hinter sich gelassen hat. Und die Eröffnung weiterer, unendlicher Möglichkeiten: alien pop music.

Als Tamás Kátai und sein ungarischer Kollege János Juhász sich 1998 zusammentaten, sahen sie Thy Catafalque als eine innovative Black-Metal-Band. Doch mit ihrem zweiten Album hatte sich die Band bereits in andere Stile entwickelt. Während die Gitarren genauso brutal sind, entwickelt sich Tuno ido tárlat (übersetzt: "Eine Ausstellung der verschwindenden Zeit") in alle Richtungen, von neoklassischem Folk bis zu industrialisierter Elektronik.

Mit "Beneath the Threshold" vollenden die erfolgreich wiederbelebten AUSTERE ihren Übergang in die Gegenwart. Das vierte Album der Australier weist auf eine frische Art und Weise in die musikalische Zukunft, die nach einer 13-jährigen Abwesenheit keineswegs voraussetzen war. Als die freiwillige Pause mit der Veröffentlichung von "Corrosion of Hearts" im Jahr 2023 endete, kehrte das Duo Mitchell Keepin und Tim Yatras mit einer reiferen und klarer definierten Version ihres eigensinnigen Black Metal Stils zurück, in dem sich sowohl die größere Erfahrung als auch eine künstlerische Entwicklung widerspiegelten. Während "Corrosion of Hearts" eine Brücke zwischen der Geschichte der Band und einer erneuerten musikalischen Vision schlug, erfolgt auf "Beneath the Threshold" ein stilistischer Sprung. Das klangliche Erbe von AUSTERE bleibt dabei lebendig. Die Wurzeln im frühen nordischen Black Metal und den depressiven skandinavischen Ablegern schimmern weiterhin durch. Gleichzeitig haben die Australier ihre emotionale Ausdruckskraft und auch schon zuvor vorhandene Blackgaze-Anlehnungen soweit gestärkt, dass die stilistische Verschiebung in Letzterem angekommen ist. Auf "Beneath the Threshold" bieten AUSTERE mehr Hooks, Melodien und Harmonien als Ergänzung zu den vielschichtigen, mal harschen und mal verträumten Gitarrenphrasen, die Keepin mit Hilfe von Yatras' gefühlvollem Schlagzeugspiel gekonnt verwebt. Diese Entwicklung wird durch eine entsprechende Produktion unterstrichen, die jedes der Elemente glänzen lässt und die Riffs klar herausarbeitet. AUSTERE haben die Sterne unter dem Kreuz des Südens neu ausgerichtet und die raue, majestätische Schönheit von "Beneath the Threshold" lässt Augen und Ohren zum Nachthimmel wandern, wo sich die gänzlich entfesselte australische Band endlich in ihrer vollen musikalischen Pracht präsentiert.

Ein neues Lava-Mix-Vinylformat der 2022er Debüt-LP "I'm Scared That's All There Is" der US-Emo-Band Ben Quad. Das Quartett aus Oklahoma City bietet die genau richtige Balance aus zarter Verletzlichkeit, rasanter, gitarrengetriebener Energie und melodischem Einfallsreichtum. Trotz der augenzwinkernden Behauptung, es sei "Emo-Butt-Rock", nimmt die Band ihre Songkunst ernst, und das Ergebnis ist eine lebendige chemische Mischung aus Sensibilität, einer charmanten Prise Albernheit und treibenden, hookreichen und clever geschriebenen Songperlen.

It’s been one hell of a wild ride for Wine Lips.

Das Quartett konnte sich über die letzten Jahre bereits eine beachtliche Fanbase erspielen, allein das Vorgängeralbum "Mushroom Death Sex Bummer Party” bringt es auf sagenhafte 20 Millionen Spotify-Streams und bescherte der Band und ihrem hochenergetischen Rock, der teils an frühe Hives, Gluecifer oder Hellacopters denken lässt, zahlreiche Headline-Shows und volle Clubs.
"Super Mega Ultra" ist ein absolutes Biest. Aufgenommen von Simon Larochette im The Sugar Shack in Ontario, ist das Album vollgepackt mit 12 überschallschnellen, ohrenbetäubenden akustischen Köstlichkeiten. SMU ist wahrscheinlich das bisher ehrgeizigste musikalische Unterfangen der Band, die thematisch neue Wege beschreitet und dabei ihre unverkennbare Mixtur aus Psych-Garage-Punk-Rock-Elementen beibehält.

Auf dem vierten Album des Schweizer Garage Punk Duos drehen sich viele Geschichten um den Tod. Diesseits des Todes steht jedoch das Leben mit all seinen Geschichten, die ebenfalls Platz finden. Die Protagonisten auf «Totentanz» stehen ausserhalb des Rampenlichts. Es sind Erzählungen über Menschen, die man weniger wahrnimmt, viellecht sogar im alltäglichen Leben übersieht. Sie alle finden einen Platz in der komischen Welt des WolfWolfs. Die Musik ist in Stil und Stimmung unverkennbar WolfWolf geblieben und bietet trotzdem neue Elemente. New Wave Drum Sounds der Früh-80er, Industiralklänge oder auch das Mellotron haben zur Vielschichtigkeit beigetragen. Aufgenommen wurde das Album vom langährigen Produzenten des Duos Lukas Speissegger in Rorbas. Gemischt von Harry Darling in den Lux Noise Studios Basel. Gemastert von Robin Schmidt, 24-96 Mastering, Karlsruhe. Wie bei den Vorgängeralben legen WolfWolf auch diesmal grossen Wert auf die visuelle Präsentation der Platte. Diesmal waren das Künstlerehepaar Barbara und Heini Gut für das Cover verantwortlich. Erstmalig arbeiten die beiden zusammen an einem Projekt. Barbara Gut inszeniert den Totentanz mit ihren einzigartigen Skulpturen und Heini Gut ergänzt mit den geheimnisvollen Schriften das Erscheinungsbild. Die fotografische Umsetzung der Skulptur übernahm der Basler Fotograf Daniel Infanger.