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Emil Friis’ neues Album Moving Images, seine erste Soloveröffentlichung für das Klassik-Imprint 130701 des Labels FatCat, ist ein Zeugnis der menschlichen Verfassung und der Dinge, die uns als Spezies zusammenbringen. Es ist inspiriert von den Bewegungen des menschlichen Geistes und den Geschichten, die wir durch Musik, Worte, Kunst und Film teilen.

Das Album umfasst ein breites Spektrum an Instrumenten und Emotionen: düstere Kammermusikstücke wie „For Goodbyes“, bedrohliche, aber hoffnungsvoll hypnotische Ambient-Stücke wie „Zero“, sanfte Solo-Piano-Stücke wie „Dancing“, poetische und verspielte Flöten- und Synthesizer-Stücke wie „Through Air“ und spannungsgeladene, filmische Streicher-, Synthesizer- und Klavierstücke wie „An Upward Motion“.

„Moving Images“ ist auch ein gemeinsames Projekt zwischen Friis und ausgewählten Filmemachern. Jeder der 15 Albumtracks wird von einer Videoarbeit begleitet. Die Filmemacher Kevin Brooks, Shaun Hart, Morgan Jon Fox und Jonathan Meyers hatten kreative Freiheit, die Stücke zu interpretieren, die ihnen am meisten zusagten.

Das aus nur wenigen Elementen bestehende Arrangement sorgt für ein enges Zusammenspiel aus Instrumenten und Emotionen sowie der Tiefe der Texturen. Die Originalkompositionen werden auf Synthesizern, Streichern, Holzbläsern und Klavier dargeboten. Mit Beiträgen von Künstlern wie dem renommierten Streicher Davide Rossi werden sie in cineastische, moderne klassische Werke verwandelt. Die Stücke sind so voller Helligkeit, Sensibilität, Spannung und düsterer Schönheit, dass es oft den Anschein hat, als würden die Instrumente miteinander sprechen. Die Phrasen wirken manchmal einsam. An anderer Stelle schweben und fliegen sie. Trotz ihrer Kürze sind die Resultate von Wärme und Inbrunst erfüllt.

Bobby. returns to his own label Pleasure Club with his most refined work to date, an EP entitled “Before We Look Out, Let’s Look In”.

The fabric resident presents his fifth full release, this time traversing the full spectrum of surrealist house, techno & electro; the kind which has become synonymous with his journey style DJ sets. As the title suggests this record transmits a deeply introspective and personal take on modern day club music.

Melody, emotion and drama stay present throughout, with plenty of twists and turns along the way. With glimmers of early 00’s minimal, cosmic synthwave-style EBM and razor sharp electro, it is a record which references the past, but presents it updated and ready for dance floors of the future.

With a debut album in the works for the end of the year, this release acts as an exciting precursor and marks a new chapter in the artists career.

Kneecap sind aktuell die aufregendste Hip-Hop-Gruppe der Welt – laut, provokant und revolutionär. Mit ihrem BAFTA-prämierten Film, einer Oscar-Nominierung und dem gefeierten Debütalbum „Fine Art“ sprengen sie Genre- und Sprachgrenzen. Jetzt erscheint die Gold Edition des Albums mit irischem und englischem Rap, bissiger Satire und politischen Statements – ein Meilenstein moderner Musikkultur. Unterstützt von Größen wie Elton John, Paul Weller und Massive Attack – diese Band ist mehr als Musik: sie ist eine Bewegung.

Emerging from the shadows of a small apartment in Chicago’s South Side Pilsen neighborhood in 1999, Winterlight was produced and mixed by Daniel Thompson over the course of three years, from 1999 to 2002. It’s an intimate and evocative album that captures a pivotal chapter in Thompson’s life and echoes the spirit of a formative era in the underground music scene.
Thompson’s journey began in the heat of Houston, Texas, where his love for sound quickly became an obsession. By the late ’90s, he was among the first DJs in Houston to champion the sound of Chicago house, often driving long distances from Texas to Chicago in search of records, inspiration, and connection. These trips—equal parts pilgrimage and education—eventually led him to relocate to Chicago, where his artistic vision would fully take shape. Winterlight is the direct result of that move. Crafted over several years, the album embodies a raw, hands-on approach to production, built from analog synths, outboard gear, and hours of meticulous layering. Thompson leaned on tools like the Kurzweil K2000, SE-1, Juno-106, and classic processors such as the DP4 and TC Electronic units, shaping each track with
care and intention.
Blending atmospheric textures with hypnotic rhythm and subtle experimental flourishes, Winterlight captures the sound of an artist deeply engaged with his tools and surroundings. His extensive vinyl collection—over 3,000 records—served as both palette and inspiration, with carefully chosen samples lending further depth and narrative to the music. Now set for release across all digital platforms and as a limited double 12" vinyl edition through Berlin’s Word & Sound, Winterlight invites listeners into a soundscape that is both immersive and personal. More than just an album, it is a sonic document of a moment in time—rich in tone, memory, and intent. For those willing to listen deeply, Winterlight offers a rare window into the underground spirit of the early 2000s and the inner world of a producer finding his voice.

Ben Pest and ARA-U unite for the next release on No Static / Automatic. Kaos Sympatic EP started life with the pair recording jams of various vintage studio kit, including an EMS VCS3, Roland VP330 and an Orgon Systems prototype known only as the “Silver Box”, which developed into full tracks over subsequent sessions. Ben Pest has been busy releasing high grade club tracks including collabs with Radioactive Man and Kursa for Asking For Trouble and Love Love Records last year, and with solo EPs dropping on Cultivated Electronics and Posh End music. Here he links with NS/A boss ARA-U, turning out some of their headiest material to date.

The EP kicks off with ‘Err Hello’, it’s wholly discordant, lairy, and unapologetically weird. ‘‘Get A Grip’ drifts in with hallucinatory wafts of sound over a warped riff, building into a granular, distorted headfuck of a hoover-bass moment. This one will make the subs rattle on the right side of distortion. On the B Side title track ‘Kaos Sympatic’ gets stuck in with a big broken beat and guttural sub that transforms into a techno drop to drive this track home. Finishing up, ‘Slapback’ serves up a cut of high energy electro funk, coming off like classic ERP on heat. Limited edition purple vinyl.

The debut single from Soul Music nobility, The Womack Sisters, is a one-two punch of soulful excellence. "If You Want Me" displays uncompromising rawness with pop-sensible control in equal measure. Propelled by the percussive attack of the piano and the hard-hitting call and response vocals, the track has a satisfyingly feel-good swing, allowing the groove to accentuate the hook. Sure to be a universally filed disc for DJs looking to bring some life to the dancefloor. On "I Just Don't Want You" sisters Kujcha and Zeimani's plaintive background vocals and BG's powerful lead come together like a harmonic bouquet in full bloom. A deeply soulful ballad at its core, it tells a tale of someone coming to terms with the pain of being in love with Mr Wrong when you know you deserve Mr Right.

LTD Clear Vinyl
Nach der limitierten EP "The Grand Designer" im Juni 2025, präsentiert Adrian Sherwood nun mit "The Collapse Of Everything" sein brandneues Werk, gleichzeitig sein erstes Soloalbum seit 13 Jahren und das vierte seiner langen Karriere. Auf diesem sorgfältig konzipierten Album lotet der Meisterproduzent und Mixologe mit seinem stets experimentierfreudigen Sound neue Grenzen aus. Obwohl die Musik auf "The Collapse Of Everything" von einem natürlichen Gespür für Dub geprägt ist, überschreitet sie fliessend Genregrenzen und vereint nahtlos verschiedenste Einflüsse, die Sherword in seinem Leben gehört und produziert hat. An den Aufnahmen beteiligt waren einige seiner langjährigen Mitstreiter wie Doug Wimbish (Living Color, The Sugar Hill Gang, Tackhead), Mark Bandola (The Lucy Show), Ivan "Celloman" Hussey, Alex White (Primal Scream, Fat White Family) und Chris Joyce (The Mothmen). Desweiteren flossen Beiträge der jüngst verstorbenen On-U-Legenden Keith LeBlanc (Sugarhill Gang, Tackhead) und Mark Stewart (Pop Group) ein.

Adrian Sherwood war in den letzten Jahren sehr beschäftigt mit Kollaborationen mit anderen Künstlern, von Remixarbeiten für Popkünstler wie Halsey, über von der Kritik gefeierten Full-Length-Dub-Rekonstruktionen für die Indierock-Titanen Spoon und Panda Bear & Sonic Boom, bis zur Produktion gefeierter Alben für die Reggae-Ikonen Lee "Scratch" Perry und Horace Andy am Ende ihrer Karriere ("Midnight Rocker" wurde vom Guardian zum weltweiten Album Nr. 1 des Jahres 2022 gekürt). Was bedeutet, dass Sherwood seit "Survival & Resistance", das fast auf den Tag genau vor 13 Jahren erschien, kein Album mehr als Solokünstler herausgebracht hat.

Within the nine carefully composed tracks of Young Bones, Mel D’s characteristic voice stands out in all its facets, varying from fragile to powerful, haunting to playful, but most of all soulful. With a voice that’s both extraordinarily clear and melancholic, Mel D is something surprisingly rare: a singer whose artistic expression goes beyond the mere use of her voice. On Young Bones, Mel D uses contemporary figures, rephrasing them into timeless formulas. Her unique musical language embodies references to genres like Indie or Alternative. In other moments, her sound leans baroque, then jazzy, soulful, and contemplative. Each song represents an ode to being connected: to the world, other people, and most of all to the beauty of music. Mel D draws her inspiration from struggles felt in the current world climate: “I have felt overwhelmed by the world we live in and its countless challenges,” said Mel D. “As if we’re all a bit directionless in our own lives.” Nevertheless, Mel D uses her musicality as a tool for resistance - using it to transform sadness and anger into creativity, and to give world-weariness a voice that seduces, comforts, and inspires. On Young Bones, Mel D sings us to a place where we might find hope - with songs rooted in concern, solidarity, humanness, and empowerment, inviting the listener to lean into those feelings. Bring the Witches Back, a hymn to witchcraft, is a quiet song that summons the return of witches with feminist urgency, for more love and magic to open ourselves towards each other and the world. Soft, a soulful song with a tender melody, gently lulls the listener into an in-between dimension, full of opportunities. Meanwhile, in the coming-of-age ballad, Slowly Growing, she raises questions about belonging and identity, pointing directly at our emotional core. Where Do You Look When It Hurts? speaks to the sensation of exhaustion and emptiness, offering musical warmth and a sense of community in moments of lethargy. Finally, listening to the album, one always feels in good company. Playfully working in folk and electro-pop elements, Mel D takes us on a ride toward love and a sense of belonging, particularly on the track We win. Young Bones was recorded in Zurich and Paris with two outstanding producers of our times: Renaud Letang, who has previously collaborated with Feist, Chilly Gonzales or Lianne La Havas, and Dino Brandão. The latter recognized Mel D’s artistic uniqueness during their first meeting, inviting her to a recording session in his studio and bringing her into the band of Swiss superstar, Faber. Mel D’s solo project was more a product of coincidence than planning, as she says, even though an undisputed talent and passion for music had always been apparent throughout her youth. During her studies in fine arts in Zurich, she founded the electronica-duo mischgewebe, and composed soundtracks for theater and movie productions, as well as for exhibitions. Long before forming her current artistic identity, she went by the nickname Mel D, in a humorous reference to the Spice Girls. Although her personality and musical language suggest thoughtfulness and a melancholy touch, Mel D acknowledges that an honest laugh is never out of place, making her sympathetic and approachable.

World Of Echo announces the reissue of two remastered albums by Japanese guitarist and songwriter Naoki Zushi, 1988’s Paradise, and 2005’s III. Two classics of Japanese psychedelia, both Paradise and III were originally released on Org Records, the imprint of Shinji Shibayama of acid-folk group Nagisa Ni Te, with whom Zushi has guested on second guitar for decades. Both intimate and expansive, rich with revelatory songwriting and blasted, sky-scouring guitar, these reissues return these albums to print for the first time since the 2000s. It’s the first time III has been officially released on vinyl, with an extra, previously unreleased track, “Under The June Moonlight.”

Recorded in Kyoto’s Townhouse Studios in mid 1987 and released in limited-to-500 vinyl pressing in 1988, Paradise emerged from a scene in Kansai, Japan that was embracing the idiosyncracies of 1970s singer-songwriters, the soaring solos of early seventies psychedelia, and the DIY impulse of 1980s post-punk. While Zushi’s musical history stretched back to the early eighties – he was a founding member of Jojo Hiroshige’s noise outfit Hijokaidan – he found his feet with groups like Hallelujahs, whose dream-pop collection Niku O Kuraite Chikai Wo Tateyo was recently reissued by Black Editions, and Idiot O’Clock.

Paradise appeared two years after that Hallelujahs album and share much the same membership – Zushi’s backing band on several of the songs includes Shibayama on drums and Ken-Ichi Takayama (aka Idiot) on electric guitar, though just as often, Zushi plays all the instruments himself. The coordinates here are wide-reaching – you can hear the volume and intensity of Neil Young & Crazy Horse (on “Hallelujah: Left Side” and “Paradise: Midday”), the slow-motion magic of Galaxie 500, the idiosyncratic spirit of The Only Ones, all mixed up with tender guitar miniatures and stumbling garage-psych-pop moves.

Seven years later, after the transitional album Phenomenal Luciferin, Zushi released III. Perhaps his masterpiece, it’s already been bootlegged on vinyl, but this reissue is the real deal. The album was recorded at Studio Nemu over seven years, and sees Zushi backed by Shibayama (bass) and Masako Takeda (drums), his erstwhile bandmates in Nagisa Ni Te. By this stage, Zushi had started to really stretch out, and many of the songs on III swoon languorously, taking their sweet time to say what they need to say. It’s rich with lovely, melancholy songs, in a similar realm to bandmates Nagisa Ni Te, of course, but you can also hear traces of everything from Syd Barrett’s The Madcap Laughs, through seventies private press loner folk, to the slow-burn meanderings of the likes of early Low or Damon & Naomi.

When interviewed by Shibayama in the mid-nineties, Zushi said of Paradise, “it was a sort of collection of songs that had meant something to me up to that point… it was my paradise. I wanted to create paradise.” That’s something Zushi achieves on both of these albums – visionary Japanese psychedelia, en route to paradise. - Jon Dale







g Under The June Moonlight vinyl only bonus track

Joy In Repetition ist die erste Anthologie mit einigen der besten Songs von Hot Chip. Sie umfasst das gesamte Schaffen der Band, angefangen bei ihrem bahnbrechenden EMI/DFA-Debütalbum The Warning, und zeichnet ihre künstlerische Entwicklung bis zum heutigen Tag nach.

Joy In Repetition ist die erste Anthologie mit einigen der besten Songs von Hot Chip. Sie umfasst das gesamte Schaffen der Band, angefangen bei ihrem bahnbrechenden EMI/DFA-Debütalbum The Warning, und zeichnet ihre künstlerische Entwicklung bis zum heutigen Tag nach. Das Album ist vollgepackt mit absoluten Hits aus ihrer gesamten Karriere, darunter Ready for the Floor, I Feel Better und Flutes, um nur einige zu nennen. Daneben gibt es mit Devotion einen neuen Track, auf dem die Band ihre ganze Stimmgewalt entfaltet und Pop-Hooks mit ihrer einzigartigen Dancefloor-Mentalität verbindet.

Joy In Repetition ist die erste Anthologie mit einigen der besten Songs von Hot Chip. Sie umfasst das gesamte Schaffen der Band, angefangen bei ihrem bahnbrechenden EMI/DFA-Debütalbum The Warning, und zeichnet ihre künstlerische Entwicklung bis zum heutigen Tag nach.

Joy In Repetition ist die erste Anthologie mit einigen der besten Songs von Hot Chip. Sie umfasst das gesamte Schaffen der Band, angefangen bei ihrem bahnbrechenden EMI/DFA-Debütalbum The Warning, und zeichnet ihre künstlerische Entwicklung bis zum heutigen Tag nach. Das Album ist vollgepackt mit absoluten Hits aus ihrer gesamten Karriere, darunter Ready for the Floor, I Feel Better und Flutes, um nur einige zu nennen. Daneben gibt es mit Devotion einen neuen Track, auf dem die Band ihre ganze Stimmgewalt entfaltet und Pop-Hooks mit ihrer einzigartigen Dancefloor-Mentalität verbindet.

Es dürfte schwierig sein, eine Band zu finden, die selbstbewusster ist als die langjährige Tournee-Band Lucero. Seit ihrer Gründung in Memphis Ende der 90er Jahre sind die musikalischen Grundzüge von Lucero ähnlich geblieben wie der ursprüngliche Sound, den die Band mit ihrem ersten Album ,The Attic Tapes" etabliert hat. Im Laufe ihrer umfangreichen Diskografie hat sich Lucero weiterentwickelt und alles von Southern Rock bis hin zu Stax-inspiriertem Memphis Soul aufgenommen, ohne dabei ihre unverwechselbare Klanggrundlage aufzugeben. Auch Jahre später strömen treue Fans der Gruppe noch immer herbei, um die kraftvollen, treibenden Rhythmen, die punkigen Gitarrenriffs und die Texte zu hören, die an die whiskeygetränkte Sentimentalität amerikanischer Singer-Songwriter erinnern.

Stellen Sie sich einen Schaltkreis vor. Eine geschlossene Form, ein in Komponenten und Hindernisse geschnitzter Pfad, dessen Signal eine Reihe von Tönen, neuen Klängen und subtilen Interaktionen erzeugt, laute Saiten und hart gepannte Vocals, die fest stehen, bevor etwas sich verändert. Eine tiefe Note hebt sich und gleitet davon. So schnell sind Sie mitten in einem Song. Dizzy Magic ist Sophie Weils viertes Album als Syko Friend, ihrem Soloprojekt, mit dem sie seit über einem Jahrzehnt in der Underground-Szene der USA aktiv ist - eine Klassifizierung, die so vage und genreübergreifend ist, dass sie fast bedeutungslos wäre, würde Weils Projekt nicht kontinuierlich bestimmte klare Verpflichtungen einhalten: Gitarren und Verstärker, Feedback und Texte, freie Komposition und festgelegte Songstruktur. Durch ihre Verflechtung von Tradition und Experiment, ihre reichhaltige organische Klangpalette und ihre mühelose Intimität ist die Musik von Syko Friend sofort erkennbar. Man muss nur eine ihrer Platten auflegen, um sie zu verstehen. Auf Dizzy Magic hat Weil diese Parameter beibehalten, aber verfeinert, indem sie die Studiotechnik verfeinert und die Arrangements zu traumhaft breit gefächerten Ereignissen erweitert hat, in denen Gefühle scharf und detailliert wiedergegeben werden, sei es in einem Solo-Gitarrenstück oder in einem der zahlreichen Stompers mit zusätzlicher instrumentaler Unterstützung von Evan Burrows, Hank Doyle und Henry Barnes. Diese Platte ist klar und erreicht bisher unbekannte Weiten, eine großartige Geste, die mit ihren kleinsten Bestandteilen in Einklang steht. Es ist ein Beweis für Weils Hingabe an die kontinuierliche Erforschung, an die kathartischen Fähigkeiten der Gitarrenmusik und an die Zusammenarbeit und die Anstrengungen beim Schreiben, Aufnehmen und Touren, die dem ständigen Streben nach Selbstverwirklichung am Rande zugrunde liegen. Dort habe ich Weil jedenfalls vor langer Zeit kennengelernt, irgendwo zwischen den Knotenpunkten der Underground-Landkarte, wo Musiker Nacht für Nacht ihre Route abfuhren und dachten, wir würden den Geist am Leben erhalten. Damals war dieser Signalweg schwer zu erkennen, wir waren zu sehr darin versunken. Aber hin und wieder taucht etwas wie Dizzy Magic auf und plötzlich offenbart sich die Bedeutung, diese Form, die man sehen, hören und fühlen kann. Eigentlich ist es ganz einfach. Stellen Sie sich einfach einen Stromkreis vor.

Comet Dust Red Vinyl. Jason Molina war ein Künstler, der nicht gerne zurückblickte. Während seines gesamten Lebens und seiner Karriere als Singer-Songwriter trieb ihn ein rastloser und sich ständig weiterentwickelnder kreativer Impuls voran, der seinen Fokus auf das Wesentliche richtete. Seine unermüdliche Kreativität und Arbeitsmoral trugen Früchte. In seinem kurzen Leben erreichte Molina das, wonach die meisten Musiker streben: einen Sound, der sofort wiedererkennbar ist, sich aber selten wiederholt. Von den Ufern des Eriesees in seiner Heimatstadt Lorain, Ohio, bis hin zu internationalen Bühnen mit seinen Bands Songs: Ohia und Magnolia Electric Co. spielte Molina sein umfangreiches Repertoire an geheimnisvollen, romantischen, stürmischen und monumentalen Songs, die gleichzeitig innovativ und in der amerikanischen Tradition verwurzelt waren. Er tüftelte ständig an seinem Sound, seinem Image, seiner Band und seinem Zuhause, um seine Muse zu befriedigen. Ein Tenor-Gitarre spielender Außenseiter. Ein liebeskranker Lo-Fi-Indie-Rocker. Ein trauriger Slowcore-Barde. Ein Pionier des Roots-Rock des 21. Jahrhunderts. Ein kanonischer Songwriter des Mittleren Westens. Jason Molina hat seine kreative Flagge in all diesen Bereichen gehisst - um seinen Anspruch zu markieren, um zu zeigen, wie weit er gekommen war, und um eine Spur wertvoller Talismane zu hinterlassen. Mit ,I Will Swim to You: A Tribute to Jason Molina" - benannt nach einer Zeile aus Molinas Song ,Lioness" - würdigen Run For Cover Records und eine Gruppe befreundeter Künstler den bleibenden Einfluss des Songwriters. Die Compilation mit Molina-Covers wurde von einigen der visionärsten Singer-Songwritern der Gegenwart eingespielt, darunter MJ Lenderman, Hand Habits, Horse Jumper of Love, Sun June und viele mehr, und enthält einzigartige Interpretationen von Molina-Fan-Favoriten und weniger bekannten Stücken aus seinen Soloalben und weniger bekannten EPs. Das Ergebnis ist eine unverwechselbare Liebeserklärung, eine oft atemberaubende Gesamtdarbietung generationenübergreifender Talente, die einem der begabtesten, aber unterschätzten amerikanischen Songwriter Tribut zollen.

The internet was young, the drums were flowing. Chris Gerber channels early 2000s house – tribal, techy, dubby. With a B-side for the hearts, remixed by Eira Haul for deeper dimensions. Computer Toys. Now on vinyl. No software required.

20,000 fans were there for The Beatles’ first appearance in Canada at the open-air Empire Stadium, Vancouver. The boys’ set lasted just under half an hour and they forgot to play ‘I Want To Hold Your Hand’. The show was broadcast live by local radio station CKWX and the engineer only got the balance right on the fourth song, the vocals on the previous songs had too much distortion. It almost didn’t happen as the airline pilot didn’t have the correct paperwork for entering Canada, and the group only got to the venue at 9.15pm. The fans loved it but the critics were less impressed. “Seldom in Vancouver’s entertainment history have so many paid so much for so little” said Jack Wasserman, covering for Owl Prowl radio show.

Brian Auger, Julie Driscoll and The Trinity are today best known for their hit recording of Dylan’s then-unreleased This Wheel’s On Fire which is included here, together with covers of songs by the Staple Sisters, Nina Simone, Donovan, Mose Allison and David Ackles. Add in some band-written originals and you have twelve cool tracks mixing jazz, r’n’b, psyche and pop. All songs were specially recorded for the BBC, sound quality is excellent throughout.
Comes with full sleevenotes.




d A4 | Why Am I Treated So Bad




d A4 | Why Am I Treated So Bad




d A4 | Why Am I Treated So Bad




[d] A4 | Why [Am I Treated So Bad]




[d] A4 | Why [Am I Treated So Bad]




[d] A4 | Why [Am I Treated So Bad]




[d] A4 | Why [Am I Treated So Bad]

**ON LTD SPLATTER VINYL** First time available on vinyl! With bonus tracks and unreleased material! The Sultans formed in 2000 and were John Reis / Slasher and Tony DiPrima and at times also Andy Stamets / Black Flame (Rocket From The Crypt’s ND) and Dean Reis / Black Velvet (Mannequin Piss, Spider Fever, The Heartaches, Los Dug Dugs). Shipwrecked was the bands second album and was released only on CD in 2004.

It was hailed as a “power-pop meets ’70s punk classic” by Virtual Underground Press and “…a masterpiece of the form...essential” by the Cleveland Call And Post. This reissue is a labor of lust with maximum attention to detail in resurrecting these masters from their deteriorated, analog state. The result is a louder, thicker and even more bristling slab of triumphant rock ’n’ roll. Everything on this reissue cuts deeper and breaks the digital glass into razor sharp shards and then shits on the 1s and 0s. Treble Magazine says. “It is the perfect soundtrack to your post-breakup life: fourteen songs about heartache, shame, trying to move on, regrets and just plain old hate. (And by the by, hate has never sounded as good as this)”. Added to the original are four bonus tracks, one being a cover of The Dils “Blow Up” and another the never released “Out Of Focus”. Shipwrecked was the last record at Drag Racist (Hot Snakes, RFTC, etc) before it shuddered its doors for good.

Nu-hardcore quintet, Bodyweb, are the sound of someone’s nervous system on the verge of breakdown—hyperactive, tormented and unflinchingly vulnerable. Born out of the Leeds hardcore scene, they’re a shape-shifting alloy of jagged emotion and precision chaos. What began as late-night jams between Louis Hardy (Higher Power, Big Cheese, Fate) and Ben Jones (Pest Control) eventually mutated into train_wreck_simulation, a debut EP filled with frantic breakdowns and nu-metal swag that felt like the soundtrack to a digital exorcism. The final piece of the puzzle came from Hardy’s estranged childhood friend, pq. His twisted samples and synthetic textures are haunted and disturbed, injecting cyberpunk soul into hardcore flesh. Contorting through several iterations in the following years, the band absorbed Luke Thompson (Stiff Meds) on drums, filmmaker Tom Hobson on guitar and Naomi Macleod (Empire State Bastard) on bass, and laid down their first collective offering. deadwired is due out on Flatspot Records later this year. Bodyweb's second EP is a violent thesis on connection and pain that sends Hardy’s unfiltered vocals through heaven and hell. Four overstimulating tracks run a gamut of styles and influences from Slipknot to Björk, constantly lane-switching between dizzying heaviness, ambient soundscapes and brain-burrowing hooks. Entirely self-produced, deadwired upgrades the sonic formula laid down on the last record and raises the question: what else could exist in Bodyweb’s twisted roadmap? Nothing seems impossible. What seems important, however, is retaining the rawness in a style that can often turn sterile. “We still wanted it to sound very human. It had to be well produced but not cold and lifeless.” shares Hardy. “We didn’t use a click track. All guitars were real amps with microphones. We tried to make everything as real and raw as possible, we recorded using all the same gear we use when playing live too to really capture the energy of how it feels when we jam together." ‘Deadwired’ is a snapshot of violent implosion. Four ADHD-fuelled transmissions from the edge of spiritual collapse. It drags metallic hardcore through glitched-out ambience to confront ego death, generational trauma, and the violence of being alive. On stage, Bodyweb don’t just perform, they purge. Raucous live electronics meld with digitally contorted guitars. Breakbeats meet breakdowns—no backing track in sight. Bodyweb enable a collective catharsis. Mosh, dance, dive, scream, heal. A physical therapy session screamed into the void.

After the dissolution of his band, The Cardinals, in 2009 and some much-needed R&R, Ryan Adams returned in style in 2011 with his 13th studio album. Ashes & Fire, produced by Glyn Johns and preceded by one of Adams’ most popular singles, ‘Lucky Now’, entered the UK chart at number nine (his best showing) and in the US at number seven. It features significant contributions from Norah Jones (piano and backing vocals) and Benmont Tench of Tom Petty ‘s Heartbreakers (keyboards) and is widely regarded as one of the artist’s best and most consistent efforts. Indeed, here in the UK BBC Music described it as, "an album that delivers more and more with every listen,” while NME called it, “an album worth celebrating now”; an assessment that still applies 14 years on.

Philipp Priebe, a true romantic in the realm of electronic music, is ready to captivate audiences with his latest masterpiece, “Until The End”.

This album is a vivid canvas painted with Priebe’s signature blend of emotive melodies and pulsating rhythms, promising an experience that ignites both movement and emotion. Renowned for his talent in crafting immersive sonic landscapes that resonate with longing and ardor, Priebe’s forthcoming release on “Paradijs Boogie”, the first offshoot of the esteemed German label Freund der Familie is highly anticipated.

With a decade of musical prowess and a reputation for delivering soul-stirring house music, “Until The End” is poised to take listeners on a captivating journey through the ethereal realms of Priebe’s musical universe.

Gatefold sleeve Insert Seventh studio album by black metal band Satyricon Includes the single "Black Crow n A Tombstone" and “My Skin Is Cold” Originally released in November 2008 through Roadrunner Records, The Age of Nero is the seventh studio album by black metal band Satyricon. Most of the album was written in a forest cabin, with the collaboration of Snorre Ruch (Thorns).

It was recorded in part at Sound City Studios in Van Nuys, California. In this studio bands like Metallica and Nirvana had also recorded. In support of the release The Age of Nero the band did a full European headlining tour in November /December 2008. The album includes the single "Black Crow on a Tombstone" and “My Skin Is Cold” (also released as 5 track EP prior to album release). Available on black vinyl housed in a gatefold sleeve and it includes an insert.

Pickle Darling has always existed just outside of the periphery. In a heightened time of fast music, algorithmic consumption and rapid virality, Lukas Mayo (they/them) has remained focused on the album. Their discography is a reflection of their creative evolution, and they deliberately look for ways to push sonic boundaries from release to release. Since debuting with Bigness in 2019 followed by Cosmonaut in 2021, Mayo has curated a catalog that is deeply personal and strangely tactile, where tiny, unexpected details_an off-kilter loop, a whispered aside, the warmth of an old Casio_become as crucial as melody itself. Their 2023 LP Laundromat was a precise and polished expansion of that world, a record that felt like it had been carefully placed behind glass. Their forthcoming fourth album, Battlebots, by contrast, is unruly and full of static: a collection of songs that feel like they could only ever exist on scratched CD-Rs passed between friends. Self-recorded in their home studio in Christchurch, New Zealand, it finds Mayo taking a scalpel to their own songwriting. Songs were stretched, chopped, reversed. Some ideas started as "unlistenable garbage" before morphing into something unexpectedly beautiful. If a song felt too straightforward, Mayo had to mess it up. That friction of old and new, organic and digital, melody and noise is what drives Battlebots. Drawing inspiration from a strange, scattered lineage: Four Tet's Rounds, The Books, Neneh Cherry's Broken Politics, The Wrens' Three types of reading ambiguity, but also the emotional directness of 2000s pop like Madonna's Ray of Light and Robyn's Body Talk, the result is an album that feels like a glitch in the system, pushing against past constraints while embracing the weird, beautiful mess of making something new.

Les Dunes is an alternative band from Haugesund, Norway. Consisting of members from bands like The Low Frequency in Stereo, Undergrünnen, Lumen Drones, Helldorado and Action & Tension & Space. The band consists of Per Andreas Haftorsen on guitar, Morten Jackman on drums and Per Steinar Lie on bass. The result reminds of the fantastic slow-core era bands of the 90ies, like Codeine who create their own version of Explosions In The Sky songs or like Per Steinar Lie claims "it feels like the vibe of the early days of The Low Frequency in Stereo". The music is rooted in a thought of a long freeway drive at night where time stops and the mind flows.

Coflo is a dancer, producer and Capoeira expert born and raised in the East Bay Area of California with a lifelong love of house music. For this one on Jambala, he hooks up with Adeniji Heavywind for a tune named after the label. It's the sort of cultured, organic sound that brings musical charm as well as infectious groove with Afro, soul and jazz all worked in through the bold brass notes, jangling rhythms and funky guitars, which get topped with a charming vocal a la Fela Kuti. The Backside mix is more deep and dubby to make for a tidy two tracker.

Das brandneue Wiener Musikprojekt "ALLES EXHAUSTED" präsentiert zeitgemäßen Shoegaze-Sound mit deutschen Texten. Entstanden als loses Netzwerk aus Musiker*innen der Gruppen Culk, Jansky, Pauls Jets und Fuzzybrains präsentieren sie mit der Single "Alles so verbraucht" auf Siluh Records das allererste Lebenszeichen. Am 5.9.2025 erscheint ihr selbstbetiteltes Mini-Album "ALLES EXHAUSTED" als auf 50 Stk. limitiertes Tape. Unter dem Namen "ALLES EXHAUSTED" formiert sich ein Netzwerk von Wiener Musiker*innen. Es ist keine Band im engeren Sinn, sondern funktioniert eher wie eine lose Bande, die sich 2025 irgendwo zwischen Müdigkeit und Experimentierfreude gebildet hat. Es ist die Gewissheit der spürbaren Kraft des gemeinsamen Lärmens im Proberaum, die sich als primäre Motivation erwies. Nicht aus Kalkül, sondern aus Erschöpfung. Aus dem Reflex heraus, dass etwas Neues passieren muss, um alles drum herum abzuschütteln. Und genau diese pure Energie ist auf dem sieben Songs umfassenden Mini-Album zu spüren. Ein Daumen hoch, während die Welt uns dazu zwingt, uns im ewigen Hamsterrad weiter zu verausgaben. Die massiven Gitarrenwände nehmen kathartische Züge an, während der weiche Gesang die Gewissheit vermittelt, einem lauten Monster mit Sanftmut die Stirn bieten zu können. Für jedes Lied sind andere Stimmen am Mikrofon und alle eint der Drang, sich die brachiale Wall Of Sound zu eigen zu machen. Gemeinsam erkennen sie schließlich, warum immer wieder Weitermachen der beste Weg ist, um den Druck der Welt und die verbundene Ohnmacht zu bekämpfen.

Nach dem ausgiebig gefeierten Meisterwerk ,Slave Ambient" (2011) erscheint nun zwei Jahre später - im März 2014 - das dritte Album der aus Philadelphia stammenden Band THE WAR ON DRUGS. "Lost in the Dreams" heißt das neue Glanzstück der Band um Adam Granduciel, deren Gründungsmitglied Kurt Vile mittlerweile solo unterwegs ist. Mit der Veröffentlichung des letzten Albums ,Slave Ambient" gelang der Band der langersehnte und verdiente Durchbruch. Daraufhin tourte die Band zwei Jahre lang von North Carolina bis New York City durch alle Rockclubs, spielte auf unzähligen Festivals und in Late Night-TV-Shows, die Amerika so zu bieten hat. Mit dieser Erfahrung im Gepäck tüftelte Granduciel gemeinsam mit dem Produzenten Jeff Zeigler (Lymbyc Systym, Kurt Vile u.a.) am neuen, dritten Album. Die Band komplett machen außerdem Dave Hartley (Bass) und Robbie Bennet (Piano u.a.), die auch im privatem Leben zu Granduciels engstem Umfeld gehören. Er sagt selbst zu seinem neuen Werk: ,Ich wollte, dass es ein Projekt unter Freunden wird. Jeder einzelne in der Band nimmt unser Projekt ernst. Davon handelt auch unser Album - Freundschaft, Erwachsen werden, das Leben leben und einander zu helfen." Diese persönliche und berufliche Weiterentwicklung ist auch im Sound der Band zu hören. Nicht zuletzt ist Granduciel nicht nur Kopf einer Indie-Rockband, sondern hat auch eine unverkennbare Stimme, um sich der Welt mitzuteilen.

Wenn es darum geht, seinem eigenen Meister zu folgen, haben die PSYCHIC ILLS aus New York das seit ihren Anfängen 2003 perfektioniert. In den frühen Jahren gab es einige Veröffentlichungen bei Social Registry, und die Band verbrachte seitdem viel Zeit auf der Straße und kollaborierte mit so unterschiedlichen Künstlern wie Gibby Haynes von den BUTTHOLE SURFERS und Sonic Boom (SPACEMEN 3 / SPECTRUM). 2011 machte sich ,Hazed Dream", die erste Platte für Sacred Bones, über verdrehte Synthesizer her und wurde zu einer Platte sonnenverbrannten Psych Pops voller warmer Töne und Blues Songwriting. 2012 erledigte die Band zwei komplette US-Touren inklusive eines Stops auf dem Austin Psych Fest und einen Trip nach China. PSYCHIC ILLS nahmen ,One Track Mind", ihr viertes komplettes Album, im Herbst 2012 auf. Das Album wartet mit Kollaboration und Produktion von Neil Michael Hagerty von ROYAL TRUX und THE HOWLING HEX auf. ,One Track Mind" ist das direkteste Rockalbum, das die PSYCHIC ILLS jemals aufgenommen haben.

DESTRUCTION UNIT sind eine amerikanische Band, die in der Wüste Arizonas zusammenkam. Gegründet von Ryan Rousseau waren D. UNIT ursprünglich ein synthielastiges Trio, dessen andere Mitglieder Jay Reatard und Alicja Trout (LOST SOUNDS) waren - ebenso war Rousseau ein Mitglieder der REATARDS, bevor Jay auf Solopfaden wanderte. Geboren im Dunstkreis der Memphis Goner Records Szene und verpflanzt nach Tempe, Arizona, hat Rousseau des Band zu einem kompletten Soundangriff geformt, für den drei Gitarristen (er selbst, Nick Nappa und Jesco Aurelius), sein Bruder Rusty am Bass und ein 19-jähriger, klassisch ausgebildeter Schlagzeuger, Andrew Flores, verantwortlich sind. DESTRUCTION UNIT haben auf dem bandeigenen Label Ascetic House bereits einige Kassetten, auf Jolly Dream eine LP namens ,Void" und kürzlich eine limitierte 7" auf Suicide Squeeze veröffentlicht. ,Deep Trip" ist ihr erstes echtes Studioalbum. Produziert von Ben Greenberg von THE MEN, HUBBLE & PYGMY SHREWS im Vacation Island Studio in New York. Morphium Boogie für den Noisesüchtigen des 21. Jahrhunderts. "Skull-crushing repetition, menacing walls of nuanced guitar noise, feedback magick wah'd from hell to the sky, a sprawling kraut backbone, evil melodies." - Pitchfork

"Kein Hinterfragen, kein Überdenken. Ich möchte mein Leben so leben, dass ich die Dinge tue, die mir wichtig sind, und ich denke, dass jeder so leben sollte", sagt Mei Semones über ihr gestärktes Selbstvertrauen. Die 24-jährige Songwriterin und Gitarristin aus Brooklyn hat sich durch die kontinuierliche Verfeinerung ihrer unverwechselbaren Mischung aus Indierock, Bossa Nova, Jazz und Kammerpop, die ihre technischen Fähigkeiten auf der Gitarre unterstreicht, schnell als innovative musikalische Kraft etabliert. Seit der Veröffentlichung ihrer hochgelobten "Kabutomushi"-EP im Jahr 2024, einer Reihe von üppig instrumentierten Reflexionen über die Liebe in ihren vielen Phasen, ist Mei ausgiebig durch die USA getourt, hat sich dort eine treue Fangemeinde aufgebaut und ihr mit Spannung erwartetes Debütalbum "Animaru" geschrieben und aufgenommen. Animaru bedeutet ,Tier' auf Japanisch und ist die Verkörperung von Meis tieferem Vertrauen in ihre Instinkte - eine Sammlung von musikalisch beeindruckenden Tracks, die Mei abenteuerlicher, verletzlicher und selbstbewusster klingen lassen als je zuvor. Meis neues Selbstbewusstsein ist zum Teil auf die Erfahrungen des vergangenen Jahres zurückzuführen, denn 2024 war ein Jahr der Veränderung für die Band Mei Semones. Sie traten unter anderem mit Liana Flores, Elephant Gym und Kara Jackson auf, und Mei ging dazu über, Vollzeit Musik zu machen. Inmitten der häufigen Tourneen nahmen Mei und ihre fünfköpfige Band das Album im Sommer 2024 in der Ashlawn Recording Company auf, einem Farmstudio in Connecticut, das von ihrem Freund Charles Dahlke betrieben wird. Zu diesen Sessions brachte sie eine Reihe von Stücken mit, die, nicht anders als Kabutomushi, raffinierte Erklärungen einer nicht-romantischen Liebe sind: Liebe zum Leben ("Dumb Feeling"), Liebe zur Familie ("Zarigani"), Liebe zur Musik und zu ihrer Gitarre ("Tora Moyo"). Animaru veranschaulicht Meis bezaubernde Bandbreite als Songwriterin und Musikerin und enthält einige der anspruchsvollsten und einfachsten Lieder, die Mei je geschrieben hat. Die schlichteren Momente auf Animaru sind ebenso fesselnd wie wenn Mei auf der Gitarre schreddert oder ihre Bandkollegen ein kompliziertes Arrangement ausführen. "Donguri", eine reduzierte Jazz-Duo-Performance zwischen Akustikgitarre und Kontrabass, ist der einfachste Song, den Mei je geschrieben hat. Er wird von Mei zum Leben erweckt, indem sie auf süße Weise (meist auf Japanisch) beschreibt, wie sie sich das Leben als Waldbewohner vorstellt. Das vorletzte Stück des Albums, das helle, spritzige "Zarigani", ist eine nostalgische Liebeserklärung an ihre Zwillingsschwester, in der Mei singt: "We'll always have each other / I love you like my guitar / I love you like no other". Obwohl "Animaru" ein Statement für Meis Autonomie und Selbstvertrauen an diesem Punkt in ihrem Leben ist, sind es die verschiedenen Lieben, mit denen sie sich umgibt - ihre Familie, ihre Freunde, ihre Band, ihre Musik - die sie dazu befähigen, Dinge zu tun, die sie sich wünscht.

"Seminal Live" wurde ursprünglich 1989 veröffentlicht und ist ein ziemlich einzigartiges Album im reichhaltigen Katalog von The Fall. Es wurde nämlich zu einer Hälfte im Studio und zur anderen Hälfte live aufgenommen. Es war gleichzeitig die letzte Veröffentlichung der Band bei Beggars Banquet und das letzte Album, auf dem Gitarristin Brix Smith zu hören ist. Die Neuauflage von "Seminal Live" erscheint auf gelbem Vinyl. Aufwändig remastered wurde "Seminal Live" von Kevin Vanbergen. Zudem enthält der Re-Release ein neu gestaltetes Artwork, sowie ausführliche Sleeve Notes und einen QR-Code, der auf geheimnisvollen digitalen Wegen zu exklusivem Bonusmaterial führt. Die Studioaufnahmen auf Seminal Live sind allesamt neue Songs und bilden die erste Seite des Albums. Die Live-Aufnahmen auf der zweiten Seite sind hingegen allesamt Versionen bereits veröffentlichter Titel. Einige der Songs auf Seminal Live gehören zu den besten Songs von The Fall aller Zeiten. Seite eins enthält "Dead Beat Descendant", und ihre Coverversion von Lonnie Irvings "Pinball Machine" steht in der bewährten Tradition der Country-Coverversionen von The Fall.

The latest by Andrew Clinco's acid punk alias VR SEX takes its title from an architectural phrase but more importantly refers to the warped, wicked underworld the songs both chronicle and condemn. Donning the moniker Noel Skum - an acerbic anagram of Elon Musk - Clinco vents his scorn for and fascination with the seedy, surreal margins of low-life Los Angeles, doomed to dead ends of vanity, lust, and technology. Although initially launched as an outlet for "heavier sounds" beyond Clinco's duties in new wave fantasists Drab Majesty, the project has ripened into a compelling exercise in world building, weaving themes of gritty city neofuturist sleaze within a framework of driving, distorted guitars and cathode-blasted synths. Echoes of Chrome, Wire, Minimal Man, and Sisters Of Mercy ripple through the collection but ultimately Rough Dimension charts its own twisted vision of "our unforgiving reality." Written and demoed across two weeks alone in a Marseille flat using his prized 1980's Gibson "Invader" and a laptop, Clinco then took the tracks to Strange Weather studios in Brooklyn to record with Ben Greenberg (Uniform, The Men) who helmed 2019's debut, Human Traffic Jam. The results are notably ripping, refined, and riveting. Riffs in alternate tunings chug and churn over mid-tempo drums punctuated by spikes of sci-fi electronics while the vocals swagger and spit venom ("where we walk is also where we shit / but if we bark at our reflections are we hypocrites? / impulses bleed right into our seed / where hate culminates the apple rotted on the tree"). It's a bristling mix of the melodic and the macabre, absurdist observations of fast living and desperate measures, the clock of youth ticking towards midnight as dreams unravel in Babylon. VR SEX's specialty is making these cautionary tales of psychic decay and tainted love a thrill rather than a drag. There's a sunglasses at night glamor to Clinco's choruses and solos, a wit to his black leather judgements ("what is the answer / to cancerous people / walking in my line of sight?"). The music's milieu tends towards parasites and predators but its mood skews refreshingly accelerated and amused, cruising the strip with a cigarette, watching goths and limousines crawl in gridlock beneath digital billboards. The Rough Dimension may be a cesspool, but it's home.

In the smoggy orange light of a new millennium, the young Deb Demure would take the bus, once a week, from his home in crumbling Hollywood to his grandmother's apartment, nestled in the pastel pristineness of Beverly Hills. During these visits, Deb couldn't help but notice the disconnect between the glow of his grandmother's temple, and the downtrodden, alienated figures that populated the seats of the mass transit that took him there. Week after week, he would observe these characters: fading B-movie starlets, leisure-suited alcoholics and forgotten civil servants. But one fateful commute home, as the twilight waned to the purple Los Angeles night, he realized these figures were not as lost as they appeared - there was a nobility in their failure, reflective of the dignity of the city's vanishing golden era. They were survivors, in need of a voice: a spokesperson for every color of hope and hopelessness, transcendent of gender and time; Drab Majesty became Deb's musical podium for this undertaking. Raised in a music-centric household, Deb would find the time to teach himself to play his father's right-handed guitar upside down and left-handed; an unorthodox fashion from where his earliest understanding of chords and harmony were conceived. Exploring the bins of discarded vinyl in his neighborhood thrift stores, his toolkit expanded with the subterranean sonic gems of the recent past. Influences range from the virtuosic arpeggiated guitar work of Felt's Maurice Deebank and the grittier pop progressions of Red Lorry Yellow Lorry's Chris Reed as well as Steve Severin from Siouxsie and The Banshees. He also studied the harmonic oscillations and utilization of the occult power of vibratory frequency present in New Age sounds of Greek artist, IASOS. In terms of orchestration, he consciously culls from the seaside maximalism of Martin Dupont and mechanized grooves of early Depeche Mode. Like a dualistic pendulum, his vocals swing from a preistly baritone to a choir boy's falsetto reflecting the sepulchral ambiance of church visits with his grandmother. Currently the drummer for Los Angeles lo-fi rock ensemble Marriages and having honed an unorthodox home recording style, Deb sources his sounds from a repository of "mid-fi" synthesizers and other lesser-quality instruments. Following the release of his debut cassette EP, "Unarian Dances", he also shared a split 12" with synth pop forefathers, Eleven Pond. During the Spring of 2015, Drab Majesty signed with Dais Records and released his first single, Unknown to the I, as a introduction for his first initial foray into the album format, romantically titled Careless. Written over the course of 2 years, "Careless" is a compendium of songs that have outlasted a malicious burglary of his studio, his struggles with substance addiction, and most recently, the death of his beloved grandmother.

Gastr del Sol"s second album returns at last to the vinyl format - its first physical manifestation in well over a decade. Once again, a drop of the needle may ignite any number of queries, summed simply in one: What IS this music? Such is the potent energy of Crookt, Crackt, or Fly, retaining its otherworldly qualities some 32 years and countless musical movements since. Crookt, Crackt, or Fly expands upon The Serpentine Similar"s minimalist stance in unexpected ways, imposing further austerity in the soundscape but for an unpredictable expansive quantity periodically overflowing, waves of blood sluicing through the elevator doors. This is partially due to a change within the group dynamic: the departure of bassist Ken "Bundy" Brown and the arrival of a new partner for guitarist and singer David Grubbs - guitarist and sound fuckerer Jim O"Rourke. O"Rourke"s initial work with Gastr involved editing and recomposing recordings of the Grubbs-Brown-&-sometimes-John-McEntire lineup, producing an utterly outré collage of cut-ups and other types of tape processing. This became the "20 Songs Less" single, after which he was invited to play with the group. It was a time of flux; Brown recalls playing a Gastr show at the Metro around this time featuring himself, John McEntire, Grubbs and O"Rourke - and one of the pieces played was a Tortoise song! Throughout these shifts, Gastr del Sol"s music was never less than fully considered and composed, even in moments redolent with the suggestion of the random and the non-sequitur. Grubbs and O"Rourke made no attempt to replicate Serpentine"s arrangement of thick, scaly drones and hypnotic song-visions in their own partnership, finding Crookt, Crackt,"s sound instead in spiny, gamelan-like interactions between their (mostly acoustic) guitars, played precisely in and out of formation with bright, fleet-fingered abandon. O"Rourke"s fondness for field recordings and his capacity for tape manipulation intersected with Grubbs" sensibilities, edifying his evolving song style: written with increased sharpness and sly surreal humor, sung closer to silence. Halfway into "Work from Smoke", the sudden collapse of the sound-walls around us signals Crookt, Crackt"s major departure. From the thicket of guitars, a swell of drones and free-jazz squeals, made up of bass clarinet, vibraphone and organ, pulls the listener into an entirely other acoustic space. "Every Five Miles" derails in similarly tactile fashion: a guitar duet boils up thunderously, then fragments and spirals apart. As a free electric guitar part crops up, improbably holding the center, the acoustic space around it continues to disintegrate in ambient stereo. A wedding of folk music idioms to classical, improvised and modern compositional modes (including Gastr"s own formative post-punk mode), Crookt, Crackt, or Fly is a song-based reality steadily giving way to its alternative alchemies playing out within.

In the spring of 2020, Ben Cook _ a.k.a. Young Governor, Young Guv, or just Guv _ was holed up in the New Mexico high desert, his U.S. tour having been abruptly covid-cancelled during a southwest swing. He and his bandmates were living moment to moment in something called an Earthship, a solar-rigged adobe structure sustainably constructed with, among other things, recycled bottles and tires. And out there in the serene vastness, as a short ride-it-out stint turned into a nine-month sojourn, Ben was writing music, slowly, little by little, mostly at night while the others slept. By the New Year, almost in spite of himself, he had created a new album, two new albums actually, and through the ordeal he was forever changed. In a place he never expected to be, under circumstances no one could have predicted, and in the face of physical isolation, emotional desolation, and existential dread, Ben created GUV III & IV, a collection of songs dedicated and testifying to the eternal healing power of love _ how to find it in the world, in others, and most importantly, in himself.

Forming in 2014, Fury established themselves quickly, releasing both a demo on Washington, D.C.'s Mosher Delight Records and the "Kingdom Come" EP on Boston's Triple B Records in the same calendar year. They built on the melodic legacy of Orange County by way of heavy, rhythmic, start-stop guitars and Stith's wordy and referential lyrics. Then, in 2016, came their debut LP on Triple B Records, "Paramount," which was met with respect from the hardcore community and praise from outsider critics."Failed Entertainment" documents the work, both personal and creative, undertaken since the release of "Paramount," a period of time marked by as many difficulties as successes. Stith said, "I've asked myself `Why have I done this?' and `Why do I continue to do this?' more times in the last two years than the rest of my life combined." Those eternal, existential questions form the thematic foundation of the new songs, which look past the superficial concerns about status and popularity that preoccupy so many musicians, focusing instead on life's inevitable, inescapable problems and the ways in which they can be compounded by the banal realities of art-making _ the isolation of being on tour, the pressure of being expected to somehow transform that universal angst into nice, catchy songs that provide simple lessons.

Recently I was approached by my old friend Travis Millard to make some original music for Freedom Finger - a crazy space-shooter video game he had been developing with Jim Dirschberger and Wide Right Interactive game studio. I was able to land 6 instrumentals that pop up at various points throughout the gameplay.As the game was being rolled out, the idea arose to have me do 3 more tracks - this time fully fleshed out songs with lyrics mostly inspired by Freedom Finger's gameplay. These tracks would accompany some brand new levels that would be made available as downloadable content for the game.We have decided to release all of the music I have done for Freedom Finger as a 10" vinyl EP available through Rhymesayers Entertainment. This includes the 3 full length vocal tracks, as well as the 6 shorter beats that loop throughout the game. Some of these tracks also feature additional instrumentation from my friends and frequent collaborators, Grimace Federation.Furthermore, Jim has directed a video for the song Drums on the Wheel - featuring Freedom Finger gameplay, and some brand new visuals drawn by Travis and animated by Steven Gong.The game is an absolute blast, and I hope you enjoy this music. All relevant links below. <3Love,A.R.

Als er 2011 von Scion angesprochen wurde, um ein Album für die Musik-Promotion-Abteilung der Automarke aufzunehmen, konnte sich Reigning Sound Frontmann Greg Cartwright nicht weigern - trotz oder geraden wegen der prekären Existenz seiner Band zu dieser Zeit. "Mehrere Besetzungswechsel hatten sich ergeben. Die Ursprungsbesetzung, das "Memphis-Quartett", war längst aufgelöst, und ich dachte über die Möglichkeit nach den Namen Reigning Sound zurückzulassen", so Cartwright. "Ich hatte beschlossen eine Pause einzulegen, um an Produktionen für andere Leute zu arbeiten und Songs zu schreiben für The Parting Gifts, meine Zusammenarbeit mit Coco Hames." Aber plötzlich hatte Reigning Sound dieses Toyota Angebot auf dem Tisch, und es gab keine Band. Neben Cartwright war die eine Konstante der letzten drei Reigning Sound Jahre Keyboarder Dave Amels, der ansonsten in der Brooklyn-Soul-Combo The Jay Vons Schwarzarbeit machte. Etwa zur gleichen Zeit war Dan Auerbach von den Black Keys nach Nashville gezogen und kümmerte sich dort in seinem Privatstudio darum, dem Gitarrensound der Parting Gifts Platte den letzten Schliff zu verpassen. "Dan war begierig darauf, etwas im neuen Studio zur Vorbereitung auf eine bevorstehende Sitzung mit Dr. John zu tun, und bot er mir etwas Studiozeit sowie seine Produktionsunterstützung an. Da saß ich nun ohne Band in einem Nashville-Studio, die Uhr tickte. Ich rief in Brooklyn an und The Jay Vons sagten ja. Ich rief Scion an und bat um drei Flugtickets und Hotelzimmer. In wenigen Stunden war die Band auf dem Weg nach Nashville. In zwei Tagen nahmen wir fünf Songs auf. Ich habe diese fünf mit drei Outtakes der vorherigen Reigning Sound LP "Love and Curses" mit Lance Wille am Schlagzeug und Dave Gay am Bass kombiniert.", erzählt Cartwright und fügt hinzu: "Greg + The Jay Vons ist die bis heute gültige Reigning Sound Besetzung." Nach der Veröffentlichung von "Abdication...." brachten Reigning Sound 2014 die beliebte "Shattered" LP raus. Cartwright war zudem seitdem ausgiebig mit den reformierten Oblivians auf Tour.

Through the album trilogy Misanthropical House, Algorithm and Blues and Research and Destroy, The Good The Bad and The Zugly have limped their way through midlife crises and pubescent antics. Loud-mouthed and bitter, we have embraced our fate as mediocre losers on the narrow and winding Scandirock path. Haunted by a constant bad conscience over the outcome of our miserable lives, which in addition to bitterness, have resulted in substance abuse, pettiness, greed, spiritual lethargy, bastard offspring, excessive self-confidence, understated self-awareness, and of course - bodily decay. In breif; A urinal without a drain. The question has always been nagging: Why us? Why have we, since the dawn of time, been made to curse the day we were born? Well, the truth shall set you free, as they say.

Limited pink vinyl. Through the album trilogy Misanthropical House, Algorithm and Blues and Research and Destroy, The Good The Bad and The Zugly have limped their way through midlife crises and pubescent antics. Loud-mouthed and bitter, we have embraced our fate as mediocre losers on the narrow and winding Scandirock path. Haunted by a constant bad conscience over the outcome of our miserable lives, which in addition to bitterness, have resulted in substance abuse, pettiness, greed, spiritual lethargy, bastard offspring, excessive self-confidence, understated self-awareness, and of course - bodily decay. In breif; A urinal without a drain. The question has always been nagging: Why us? Why have we, since the dawn of time, been made to curse the day we were born? Well, the truth shall set you free, as they say.