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In the midst of a wave of hybridizing ambient, drone, folklore and experimental electroacoustic music, Roxane Métayer has gained a cult following with only a couple of releases to date. Following her debut album (Éclipse Des Ocelles) for Morc with a split EP and a limited cassette for Wabi-Sabi, Roxane now turns to Marionette with her intimate narrative based multi-instrumental recordings, a match made in the heavens if you ask us. With her violin, woodwind, voice and various effect pedals, Métayer takes the listener on a newfound journey into the ancient, medieval, and primordial.

Perlée de sève is Métayer’s second full length, a sophomore to the critically acclaimed Éclipse Des Ocelles, where Métayer continues to sonically realize the map of the fictional habitats that inhabit her mind. Coming from a background of studying narration and different animation mediums, it’s no surprise that her recordings evoke vivid imagery and carry a trace of the environment they were conceived in. The instruments morph as extensions of her body and ultimately become new organs, a means of communicating these bio-memetic stories and creating a dialogue between herself and her surroundings. Meandering melodies intertwine with accompanying drones, mantra-like fragments and a handfeel percussion lend themselves as living and breathing elements in Roxane’s beguiling and spellbinding anecdotes.

Roxane is an observer of the world, her projects conceived from elements that inform her reality, such as the organic imagery and sounds of nature, then transforming that into a strangely familiar parallel universe that would not exist otherwise. Whether it's active research or taking her instruments to the forest, Métayer opens up her imagination by taking this mental journey to discover locations, creatures, and time periods then channeling that into her own fairy tales. The album and track titles act as a portal into those worlds, like chapters in a book where the protagonists are animalia, plantae, and fungi. As Métayer wrote in an interview: “Stories are a privileged way to create an awareness of a specific subject.”

- Mintgrünes Doppelvinyl (140g) inklusive Downloadcode und exklusivem 12” Art Print.


ODESZA veröffentlichen ihr viertes Album auf Ninja Tune inklusive Features von The Knocks, Bettye LaVette, Låpsley, Izzy Bizu, MARO, Ólafur Arnalds, Julianna Barwick & Charlie Houston.

ODESZA veröffentlichen ihr viertes Album ’The Last Goodbye’ auf Foreign Family Collective/ Ninja Tune. Es ist das bisher ambitionierteste & emotional mitreißendste Album des Grammy nominierten Duos. Ein Projekt voller Glanz und Emotionen, nostalgisch und doch in der Gegenwart verwurzelt, ist es ein mitreißendes Klangerlebnis, das Themen wie Verbindung, Erinnerungen und den Einfluss, den wir aufeinander ausüben, anspricht. Es ist eine lebhafte Feier der Menschen und Momente, die unsere Fingerabdrücke hinterlassen haben und die in der gesamten Platte widerhallen. Es ist das bisher persönlichste Album des Duos und eine brillante Sammlung, die Vergangenheit und Gegenwart auf euphorische Weise miteinander verwebt. Neben The Knocks, Bettye LaVette und MARO werden auf „The Last Goodbye“ auch Julianna Barwick, Låpsley, Ólafur Arnalds, Izzy Bizu und Charlie Houston zu hören sein. Das Produzentenduo ODESZA besteht aus Harrison Mills und Clayton Knight, die zusammen Musik zu machen begannen, nachdem sie sich an der Universität in Washington, USA, kennengelernt hatten. 2012 veröffentlichten sie ihr von der Kritik gefeiertes Debütalbum „Summer's Gone“, gefolgt von der 2014 mit Gold ausgezeichneten Platte, „In Return“, die an der Spitze der Billboard Dance-/ Electronic-Charts debütierte und die Platin-Single „Say My Name“ enthielt - ein Remix des Tracks von RAC wurde später für einen GRAMMY 2016 nominiert. Ihr drittes Album, „A Moment Apart“, wurde 2017 veröffentlicht, ebenfalls mit Gold zertifiziert und brachte ihnen zwei GRAMMY-Nominierungen für das beste Dance-/ Electronic-Album und die beste Dance-Aufnahme für die Gold-Single „Line Of Sight“ ein. Das Album erreichte Platz 2 in den UK-Dance-Album-Top 40 Charts und Platz 2 in den iTunes-Electronic-Charts im Vereinigten Königreich und debütierte auf Platz 3 der Billboard Top 200 in den USA.

Im Laufe ihrer ersten beiden Alben "Cosmovore" und "Providence" haben sich Ulthar eine einzigartige Nische im Spektrum des Underground-Metal geschaffen, indem sie eine grotesk-elegante Mischung aus technischer Death-Metal-Alchemie und den stechenden Eiswinden des Black Metal schmiedeten. Fast 3 Jahre nach "Providence" hat ein Ausbruch von tödlicher Kreativität zu ZWEI neuen Alben geführt, die nun gleichzeitig veröffentlicht werden.

"Anthronomicon" verkörpert die kontinuierliche Weiterentwicklung von Ulthars Meisterschaft in ihrer Kunst. Von den ersten Blasts und dem verschlungenen Wahnsinn von "Cephalopohre" an verwirren Ulthar mit kantigen, verzerrten Riffs, die in verschiedene dimensionale Sphären ein- und austauchen. Jeder der 8 Tracks von Anthronomicon ist ein zerbrechliches Teil eines größeren Puzzles, jeder für sich ein Labyrinth, das zusammengenommen die Durchquerung dieses surrealistischen Rätsels ermöglicht.

Die drei erfahrenen Musiker von Ulthar geben sich nicht damit zufrieden, einfach nur eine weitere Death Metal-Band unter Tausenden zu sein. Vielmehr ist die Band ständig auf der Suche nach mehr zwingender Komplexität, mehr Nuancen und dem Streben nach einem beständigen Aufstieg in eine transzendente und inkongruente Welt jenseits des Alltäglichen; ein Ort euphorischen Jubels und verwirrender Ehrfurcht.

Ultra Clear Vinyl
Im Laufe ihrer ersten beiden Alben "Cosmovore" und "Providence" haben sich Ulthar eine einzigartige Nische im Spektrum des Underground-Metal geschaffen, indem sie eine grotesk-elegante Mischung aus technischer Death-Metal-Alchemie und den stechenden Eiswinden des Black Metal schmiedeten. Fast 3 Jahre nach "Providence" hat ein Ausbruch von tödlicher Kreativität zu ZWEI neuen Alben geführt, die nun gleichzeitig veröffentlicht werden.

"Anthronomicon" verkörpert die kontinuierliche Weiterentwicklung von Ulthars Meisterschaft in ihrer Kunst. Von den ersten Blasts und dem verschlungenen Wahnsinn von "Cephalopohre" an verwirren Ulthar mit kantigen, verzerrten Riffs, die in verschiedene dimensionale Sphären ein- und austauchen. Jeder der 8 Tracks von Anthronomicon ist ein zerbrechliches Teil eines größeren Puzzles, jeder für sich ein Labyrinth, das zusammengenommen die Durchquerung dieses surrealistischen Rätsels ermöglicht.

Die drei erfahrenen Musiker von Ulthar geben sich nicht damit zufrieden, einfach nur eine weitere Death Metal-Band unter Tausenden zu sein. Vielmehr ist die Band ständig auf der Suche nach mehr zwingender Komplexität, mehr Nuancen und dem Streben nach einem beständigen Aufstieg in eine transzendente und inkongruente Welt jenseits des Alltäglichen; ein Ort euphorischen Jubels und verwirrender Ehrfurcht.

Im Laufe ihrer ersten beiden Alben "Cosmovore" und "Providence" haben sich Ulthar eine einzigartige Nische im Spektrum des Underground-Metal geschaffen, indem sie eine grotesk-elegante Mischung aus technischer Death-Metal-Alchemie und den stechenden Eiswinden des Black Metal schmiedeten. Fast 3 Jahre nach "Providence" hat ein Ausbruch von tödlicher Kreativität zu ZWEI neuen Alben geführt, die nun gleichzeitig veröffentlicht werden.

Während das Schwesteralbum "Anthronomicon" ein 8-teiliges Puzzle aus labyrinthischem Tumult darstellt, nimmt "Helionomicon" diese Elemente und erschafft zwei hoch aufragende 20-minütige Monolithen von strahlender Avantgarde-Unermesslichkeit. Jeder der beiden Tracks mit den passenden Titeln "Helionomicon" und "Anthronomicon" entführt den Hörer auf eine ausgedehnte Reise durch ein psychozerebrales Spektakel, in dem bisher ungeahnte Landschaften Gestalt annehmen und seltsame, nicht greifbare Strukturen das sich auflösende Firmament durchdringen. Trotz der beträchtlichen Länge dieser beiden Tracks wird es nie langweilig; jeder besucht unzählige neue Ausblicke und Perspektiven über die Zeit hinweg. Im Grunde ist "Helionomicon" eine Synthese des gesamten bisherigen Schaffens von Ulthar in Form von zwei kulminierenden, ambitionierten Epen.

Ultra Clear Vinyl
Im Laufe ihrer ersten beiden Alben "Cosmovore" und "Providence" haben sich Ulthar eine einzigartige Nische im Spektrum des Underground-Metal geschaffen, indem sie eine grotesk-elegante Mischung aus technischer Death-Metal-Alchemie und den stechenden Eiswinden des Black Metal schmiedeten. Fast 3 Jahre nach "Providence" hat ein Ausbruch von tödlicher Kreativität zu ZWEI neuen Alben geführt, die nun gleichzeitig veröffentlicht werden.

Während das Schwesteralbum "Anthronomicon" ein 8-teiliges Puzzle aus labyrinthischem Tumult darstellt, nimmt "Helionomicon" diese Elemente und erschafft zwei hoch aufragende 20-minütige Monolithen von strahlender Avantgarde-Unermesslichkeit. Jeder der beiden Tracks mit den passenden Titeln "Helionomicon" und "Anthronomicon" entführt den Hörer auf eine ausgedehnte Reise durch ein psychozerebrales Spektakel, in dem bisher ungeahnte Landschaften Gestalt annehmen und seltsame, nicht greifbare Strukturen das sich auflösende Firmament durchdringen. Trotz der beträchtlichen Länge dieser beiden Tracks wird es nie langweilig; jeder besucht unzählige neue Ausblicke und Perspektiven über die Zeit hinweg. Im Grunde ist "Helionomicon" eine Synthese des gesamten bisherigen Schaffens von Ulthar in Form von zwei kulminierenden, ambitionierten Epen.

Unverwechselbar: dEUS sind nach zehn Jahren zurück!

Die legendäre belgische Rockband dEUS meldet sich mit 'How To Replace It', ihrem achten Studioalbum und dem ersten seit zehn Jahren zurück: Unverwechselbar und einfallsreich, melodisch und doch trotzig schräg. Einzigartig. Und vor allem unverkennbar dEUS. Lyrisch gibt sich 'How To Replace It' mysteriös und kreist um Themen wie Romantik, Altern und die Moderne, liefert Fragen und Antworten zugleich und lädt die Zuhörenden zur eigenen Interpretation ein.

Die belgische Band hatte noch nie wirklich eine Philosophie. Und wollte vielleicht auch nie eine haben. Dennoch sind sie bestimmten Grundsätzen treu geblieben: "You don't want to repeat yourself, but you have your style", erzählt Tom Barman, Frontmann der Band, der auf dem Album seine bisher persönlichsten und rauesten Texte präsentiert. "You want to try new stuff and just react to whatever feels fresh at the time."

Auch 28 Jahre nach ihrem Debütalbum bleiben dEUS weiterhin Alternative-Rock-Vordenker, die immer nach vorne drängen, endlos neugierig und kreativ rastlos sind.

Das Kollaboalbum „Only Built for Infinity Links‘‘ der zwei Rap-Ikonen Takeoff & Quavo erscheint auf Vinyl!
Das Album ist die erste Kollaboration der beiden Rapper auf Albumlänge nach ihrem „Migos‘‘-Bruch und erreichte Platz 7 der US-Charts.

Wie auch bei ihren bisherigen Projekten arbeiteten die Künstler mit namenhaften Produzenten wie Buddha Bless, Murda Beatz, Zaytoven, DJ Durel oder Mustard zusammen.

Der Name „Only Built for Infinity“ soll die Unzertrennlichkeit zwischen Quavo und seinem Neffen Takeoff verdeutlichen.
Soundtechnisch machen die beiden Artists da weiter wo sie vor dem Migos-Bruch aufgehört haben: Auf gewohnt mitreißenden 808s rappen die beiden geschmeidig und flow-wechselnd in Harmonie, wie sie es
schon ihre halbe Karriere lang machen.

Leider ist das Projekt die letzte Kollaboration zwischen den beiden Erfolgsrappern gewesen, da Takeoff im November auf tragische Weise nach einer Auseinandersetzung verstarb.

Fans dürfen sich freuen: Das Erfolgsalbum wird als 2LP erhältlich sein und 18 Songs enthalten

Der Titel dieses Projektes ist aus den Worten Avalon und Fantasia (Phantasie) zusammengesetzt und bezeichnet „eine Welt jenseits der menschlichen Vorstellungskraft“. Dass es sich bei AVANTASIA jedoch um weit mehr als nur ein Projekt handelt, sollte außer Frage stehen. Neben EDGUY Mastermind Tobias Sammet sind u.a. folgende Musiker auf "AVANTASIA" vertreten: Markus Grosskopf, Henjo Richter, Alex Holzwarth, Kai Hansen, Andre Matos (Ex-Angra), David DeFeis (Virgin Steele), Oliver Hartmann (Ex-At Vance), Rob Rock (Impellitteri), Sharon De Adel (Within Temptation) sowie weitere Freunde und Wegbegleiter, von denen einige zu Sammets größten Inspirationsquellen zählen und ihn nachhaltig in seiner Art Musik zu machen beeinflusst haben. "Avantasia" überzeugt nicht durch die Namen der mitwirkenden Musiker, sondern in erster Linie durch seine starken und ergreifenden Songs, eingekleidet in eine faszinierende und gleichsam spannende Story.
Jetzt endlich werden die beiden ersten Teile der Avantasia-Reihe von AFM als Platinum Edition aufwändig wieder aufgelegt unter anderem als limitiertes Digipak und erstmals als farbiges Doppel Vinyl!

Der Titel dieses Projektes ist aus den Worten Avalon und Fantasia (Phantasie) zusammengesetzt und bezeichnet „eine Welt jenseits der menschlichen Vorstellungskraft“. Dass es sich bei AVANTASIA jedoch um weit mehr als nur ein Projekt handelt, sollte außer Frage stehen. Neben EDGUY Mastermind Tobias Sammet sind u.a. folgende Musiker auf "AVANTASIA" vertreten: Markus Grosskopf, Henjo Richter, Alex Holzwarth, Kai Hansen, Andre Matos (Ex-Angra), David DeFeis (Virgin Steele), Oliver Hartmann (Ex-At Vance), Rob Rock (Impellitteri), Sharon De Adel (Within Temptation) sowie weitere Freunde und Wegbegleiter, von denen einige zu Sammets größten Inspirationsquellen zählen und ihn nachhaltig in seiner Art Musik zu machen beeinflusst haben. "Avantasia" überzeugt nicht durch die Namen der mitwirkenden Musiker, sondern in erster Linie durch seine starken und ergreifenden Songs, eingekleidet in eine faszinierende und gleichsam spannende Story.
Jetzt endlich werden die beiden ersten Teile der Avantasia-Reihe von AFM als Platinum Edition aufwändig wieder aufgelegt.

Originals are back with the heat – Bernard Wright’s hard to find on 45 Haboglabotribin' flipped with the perpetrator Snoop Dogg’s Gz & Hustlas – very apt – don’t sleep – doubles are a minimum requirement!

Erstpressung auf pinkem Vinyl. "Breaking The Balls Of History" ist das insgesamt zehnte Album von QUASI, das am zehnten Februar, zehn Jahre nach ihrer letzten Platte, erscheint. Drei Zehner, was sich mit den dreißig Jahren deckt, die sie zusammenspielen. Sam Coomes und Janet Weiss sind zu Ikonen des pazifischen Nordwestens geworden, und QUASI hat sich immer so beständig angefühlt - ihre dauerhafte Freundschaft so generativ, ihre Energie unendlich, jedes Album rauer und eingängiger und wilder und lustiger als das letzte. Aber wir haben uns geirrt, QUASI jemals für selbstverständlich zu halten. Eine Zeit lang dachten sie, dass das komplizierte "Mole City" von 2013 ihr letztes Album sein könnte. Sie würden mit einem großartigen Album abtreten und weiterziehen. Dann, im August 2019, krachte ein Auto in Janets Haus und brach ihr beide Beine und das Schlüsselbein. Dann kam ein tödlicher Virus über uns, und niemand wusste, wann oder ob Live-Musik, wie wir sie kannten, jemals wieder würde stattfinden können. "There's no investing in the future anymore", erkannte Janet. "The future is now. Do it now if you want to do it. Don't put it off. All those things you only realize when it's almost too late. It could be gone in a second." Während des Lockdowns standen die Straßen von Portland still, Flugzeuge verschwanden, wilde Tiere tauchten auf. Und mit der ausgelöschten Normalität kam ein unerwartetes Geschenk: ununterbrochene Zeit, Stunden am Tag, um Kunst zu machen. QUASI konnten nicht auf Tournee gehen, also hatten sie eine Idee: Sie taten so, als wären sie auf Tournee und spielten jeden Tag zusammen. Jeden Nachmittag verschanzten sich Sam und Janet in ihrem winzigen Übungsraum und kanalisierten die Verwirrung und Absurdität dieser fremden neuen Welt in Songs. Sie beschlossen, dass sie die Songs live und gemeinsam aufnehmen würden, um einen Moment einzufangen. Das unglaubliche Ergebnis dieser Sessions ist "Breaking The Balls Of History", aufgenommen in fünf Tagen und produziert von John Goodmanson. Hier sind zwei Künstler*innen in ihrer Blütezeit, jede*r ein menschlicher Fundus an musikalischem Wissen und Erfahrung, völlig unverwechselbar in ihrem Songwriting und Sound. In der QUASI-Form wird die Band alchemistisch noch größer als die Summe ihrer Teile. Mitten in einem katastrophalen sozialen und politischen Moment haben sie exquisite, melodische Songs geschaffen, die vor Wut, wildem Humor und Intelligenz nur so sprühen, angetrieben von einem großen, zerschundenen, pochenden Herzen. "A last long laugh at the edge of death", singt Sam zu Beginn des Albums, und dieser fröhliche Trotz - der genauso gut der Logbuch-Eintrag unserer Gegenwart sein könnte - gibt den Ton für die kommenden Songs an. Es klingt düster, und das ist es auch, weil es sich dem Moment stellt. Aber es ist auch eine Platte, die vor Energie, Vergnügen und Freude nur so strotzt.

Emo-Deutschpunk in den Neunzigern, Indierock-Experimente in den 2000ern und mittlerweile im queeren Power-Pop zu Hause: SCHROTTGRENZE Synthesizer, orchestrale Arrangements und klassische Chöre - die musikalische Reise, die hinter der einstigen Punkband aus dem niedersächsischen Peine liegt, ist erstaunlich. "Wir haben uns nie von der Musikindustrie, einer bestimmten Szene oder kommerziellen Erfolgsansprüchen abhängig gemacht und sind stets unseren gemeinsamen thematischen und musikalischen Vorlieben gefolgt", erklärt Sängerin* Saskia Lavaux, die SCHROTTGRENZE 1994 gemeinsam mit Gitarrist Timo Sauer gegründet hat. Bassist Hauke Röh und Schlagzeuger Lars Watermann vervollständigen das Quartett, das seit 20 Jahren in Hamburg ansässig ist. Als die Band 2017 - nach einer mehrjährigen Schaffenspause - mit dem Album "Glitzer auf Beton" ihr Comeback feiert, wird der Anspruch an die eigene musikalische Unabhängigkeit besonders deutlich. "Damals nahm die queere Trilogie ihren Anfang, die wir 2019 mit "Alles Zerpflücken" fortgesetzt haben und nun mit "Das Universum ist nicht binär" abrunden", fasst Saskia zusammen, die mittlerweile auf ihre ganz persönliche queere Transformation zurückblickt. Produziert wurden die besagten drei Platten, die eindeutig eine neue SCHROTTGRENZE-Ära markieren, allesamt gemeinsam mit Kristian Kühl. Neu hingegen ist die Zusammenarbeit mit Oliver Zülch, der in der Vergangenheit bereits Bands wie Die Ärzte, Sportfreunde Stiller und The Notwist tontechnisch supportet hat. Das Ergebnis: Ein neuer, klarer und empowernder Sound, der dem unabhängigen Bandkollektiv sehr gut steht.

Jetzt auch als limitiertes Vinyl in blauer Farbe erhältlich!! Das Baby hört auf den Namen THE HAMMER und brettert Euch drei verdammt gelungene Songs (+Intro) um die Ohren. Cradle Of Fire ist ein wahrhaftig gutes Debüt und bietet einen garantiert interessanten gewaltigen und kräftigen Ohrenschmaus. Einen Touch Accept hier, einen Funken HammerFall dort; doch letztlich haben THE HAMMER ihren eigenen Teutonen-Metal entwickelt und machen uns alle eine Freude! Lautsprecher aufdrehen, THE HAMMER knallen los!

Terra Magica Rec. is back with its fifth release “Club TERRAM”! This time it will be another V.A. compilation of never heard and unreleased original gems of electronic body music.

Think: A double 12” vinyl which is fully charged for dismantled club use as those mighty TERRAM clubbers say. Compiled and arranged by Tom Sprenger & Mirko Hecktor all tracks are dance floor oriented rhythms which will activate your maximum energy output as well as total chill out crash. Let the new bots work your life balance. Multiverse to introverse to metaverse. With its discoish genre splicing between 90s-IDM 2 Big Beat and Breakbeats 2 NuCosmic 2 Acid-Madchester 2 rolling trancey driven Goa beats the record reflects the electronic underground culture of dance clubs and discotheques of the past 50 years. These stand for emancipation, gay liberation, cicil rights, working class and democracy. Find your inner peace on the chill out floor side. Or go bonkers to the hedonistic main room floor fillers. Find your unique personal safe space in TERRAMs different floors and hidden rooms. A CLUB FOR A L L. As Richard Dyer wrote in 1979 “In Defence of Disco”: ‘Capitalism constructs the disco experience, but it does not necessarily know what it is doing, apart from making money’.

The underground is where we go moving.

Mit einer beeindruckenden Diskografie, die zwei hoch angesehene LPs und eine Reihe von Singles und EPs umfasst, ist DISTANT auf dem besten Weg, das Downtuned- und Downtempo-Gesicht des europäischen Deathcore zu werden. 'Heritage', das Century Media-Debüt von DISTANT, löst das Versprechen ein, das auf der Platte und auf den Bühnen der Welt gegeben wurde, und dezimierte die Massen auf den letzten europäischen Festivals, darunter das Summer Breeze 2022 und Brutal Assault, sowie auf der 'Chaos and Carnage'-Tour in Nordamerika mit den Labelkollegen Lorna Shore und Suicide Silence. Jetzt hebt die fünfköpfige Band (deren Mitglieder aus den Niederlanden und der Slowakei stammen) mit 'Heritage' die Dinge auf ein neues Level. Songs wie 'Exofilth', 'Human Scum' oder 'Orphan Of Blight' haben bei ihrer Veröffentlichung den Deathcore-Underground in Brand gesetzt. 'Heritage' ist die musikalische und lyrische Abrechnung von DISTANT. Das Album setzt einen thematischen, an Sci-Fi angelehnten lyrischen Zyklus fort, den die Band bereits mit dem ersten Roman von Sänger Alan Grnja und Bassist Elmer Maurits, 'The Rise of Tyrannotophia', von der akustischen Intensität auf die veröffentlichte Seite übertragen hat. Der Sound von Deathcore ist weltweit im Kommen. 'Heritage' ist erhältlich als: Ltd. CD Digipak, schwarze 180g LP und Digitales Album.

Die mit Platin ausgezeichneten Band Pierce The Veil - Gitarrist/Sänger Vic Fuentes, Gitarrist Tony Perry und Bassist Jaime Preciado veröffentlichen ihr neues Album ”The Jaws of Life” am 10. Februar 2023 über ihr langjähriges Label Fearless Records/Concord.
Pierce The Veil sind in ihrem Genre zu einer Legende geworden - und das zu Recht. Ihre Rückkehr wurde mit Begeisterung aufgenommen und die erste Single ”Pass the Nirvana” wurde seit ihrer Veröffentlichung im September über 13 Millionen Mal gestreamt.
Sie haben in den USA zweimal die Spitze der Billboard Top Rock Albums, Alternative Albums und Hard Rock Albums Charts erreicht - zuerst mit Collide With the Sky (2012) und dem Nachfolger Misadventures (2016). Ein Jahrzehnt nach seiner Veröffentlichung schoss das bereits mit Platin ausgezeichnete ”King for a Day” auf Platz 1 der Billboard Hard Rock Streaming Charts, angetrieben durch den viralen Hashtag #KingForADay auf TikTok.

Was The Jaws of Life als Ganzes angeht, sagt Fuentes: ”Dieses Album hat uns wirklich näher zusammengebracht, als wir es je waren. Es war extrem schwierig für uns, so lange von der Straße weg und getrennt zu sein. ... In The Jaws of Life geht es darum, wie das Leben seine Zähne in dich schlagen und versuchen kann, dich zu verschlingen. Die ganze Negativität in der Welt und in deinem Kopf kann eine bösartige Sache sein. Wir sind extrem dankbar für diese Platte, unsere Fans und die Möglichkeit, wieder live Musik zu machen.”

Since 2006, Pierce The Veil have unassumingly yet consistently climbed their way into the hearts of millions worldwide via an unshakable devotion to making honest and hypnotic hard rock. The San Diego band — Vic Fuentes (vocals, guitar), Tony Perry (guitar), and Jaime Preciado (bass) — released A Flair for the Dramatic 2007 and Selfish Machines 2010, the latter of which camped out at No. 1 on the Billboard Heatseekers Chart. They have steadily built a dedicated and diehard fanbase through touring and by nurturing an honest connection. PTV truly established themselves with 2012's Collide With the Sky, which spawned their first RIAA Platinum-certified single with "King for a Day." They followed with Misadventures in 2016, which charted at No. 4 on the Billboard Top 200 and notched No. 1s on multiple charts, including Top Alternative Albums, Top Hard Rock Albums, Top Independent Albums, and Top Rock Albums. In between sold-out tours all over the globe and a headlining stint on 2015's Warped Tour Main Stage, the musicians garnered five Alternative Press Music Awards (including "Album of the Year" for Misadventures), two Kerrang! Awards, and a Revolver Golden Gods Award. They've graced the covers of Alternative Press, Kerrang!, Rock Sound, and more — multiple times. Elsewhere, their digital and streaming footprint is nothing short of staggering. They've tallied over 1.5 billion global streams and almost 370 million YouTube views — proving that growth is a constant for them. Ultimately, Pierce The Veil, who've earned multiple gold and platinum certifications, remain one of the most beloved bands of their generation and they show absolutely no signs of slowing down as they march into a new decade ready to share the most important music of their career.

Die mit Platin ausgezeichneten Band Pierce The Veil - Gitarrist/Sänger Vic Fuentes, Gitarrist Tony Perry und Bassist Jaime Preciado veröffentlichen ihr neues Album ”The Jaws of Life” am 10. Februar 2023 über ihr langjähriges Label Fearless Records/Concord.
Pierce The Veil sind in ihrem Genre zu einer Legende geworden - und das zu Recht. Ihre Rückkehr wurde mit Begeisterung aufgenommen und die erste Single ”Pass the Nirvana” wurde seit ihrer Veröffentlichung im September über 13 Millionen Mal gestreamt.
Sie haben in den USA zweimal die Spitze der Billboard Top Rock Albums, Alternative Albums und Hard Rock Albums Charts erreicht - zuerst mit Collide With the Sky (2012) und dem Nachfolger Misadventures (2016). Ein Jahrzehnt nach seiner Veröffentlichung schoss das bereits mit Platin ausgezeichnete ”King for a Day” auf Platz 1 der Billboard Hard Rock Streaming Charts, angetrieben durch den viralen Hashtag #KingForADay auf TikTok.

Was The Jaws of Life als Ganzes angeht, sagt Fuentes: ”Dieses Album hat uns wirklich näher zusammengebracht, als wir es je waren. Es war extrem schwierig für uns, so lange von der Straße weg und getrennt zu sein. ... In The Jaws of Life geht es darum, wie das Leben seine Zähne in dich schlagen und versuchen kann, dich zu verschlingen. Die ganze Negativität in der Welt und in deinem Kopf kann eine bösartige Sache sein. Wir sind extrem dankbar für diese Platte, unsere Fans und die Möglichkeit, wieder live Musik zu machen.”

Die norwegischen experimentellen progressiven Thrasher Vorbid sind endlich mit neuer Musik zurück - vier Jahre nach der Veröffentlichung ihres von der Kritik gefeierten Debütalbums. Vorbid ist eine junge, frische und unglaublich energiegeladene Metal-Band aus Arendal, Norwegen. Die früheren Alben erhielten erstaunliche Kritiken und bekamen viel Aufmerksamkeit in den Medien, was ihnen Tourneen mit norwegischen Underground-Schwergewichten wie Aura Noir, Obliteration oder Einherjer einbrachte. 2023 sind Vorbid noch technisch anspruchsvoller und faszinierenderer zurückgekehrt und haben das noch Spiel intensiviert. Nach dem 2022er CD-Release erscheint nun endlich auch die schwarze Doppel-LP in Kastentasche!

Wie alle drei vorherigen Alben der Band beruht auch dieses auf der konzeptionellen, ideellen und künstlerischen Verbindung zwischen der Musik von FESTLAND und der bildenden Kunst des Malers, Zeichners und Texters Fabian Weinecke, der im Jahr 2012 verstorben ist. Das Trio (DDFM, Thomas Geier, Yoshino) vertont die lyrischen Texte Weineckes in eigenen Kompositionen und nutzt seine Bilder und Zeichnungen zur Covergestaltung. Er ist somit als assoziiertes, viertes Mitglied der Band zu verstehen. "Hippies" wird als Doppelalbum (12"/Vinyl) erscheinen. Es wurde im Parka Sound Studio in Berlin Kreuzberg eingespielt und dort von Berend Intelmann (Paula, Jens Friebe) abgemischt. Norman Nitzsche (Whitest Boy Alive) besorgte das Mastering. Dem Album werden zwei Booklets mit Malerei und Zeichnungen aus den verschiedenen Schaffensphasen Fabian Weineckes beigelegt. Seit dessen Tod an den Folgen einer lebenslangen Mukoviszidose im Jahr 2012 spielen FESTLAND in reduzierter und elektroakustischer Instrumentierung. Zum musikalischen Kern gehört das repetitive und zahnradartig ineinandergreifende Spiel von Geige, Kontrabass und Schlagwerk. Im Zusammenhang mit den witzig-skurrilen, traurigen und poetischen Texten im mehr stimmigen zarten Gesang des Trios ist somit ein ganz eigensinniger musikalischer Kosmos entstanden. Die musikalische Referenz dafür bildet weniger ein klassisches als vielmehr ein popmusikalisches Repertoire, das in der elektronischen Musik von House, Techno und Dub zu verorten ist. Der Journalist Jens Uthoff schrieb in der taz über das dritte Album treffend, es klänge so, als "habe man Kraftwerk die Synthesizer weggenommen". Der Radiomoderator und DJ Klaus Fiehe (1 Live Fiehe, ByteFM) sprach von "Math-Folk".FESTLAND knüpfen konzeptuell nicht nur an elektronische Musik oder Krautrock der 1970er sondern auch an eine Phase avantgardistischer Popmusik und Malerei der 1980er Jahre an (etwa "Neue Wilde"), in denen Künstler*innen in beiden Welten von Musik und bildender Kunst gleichermaßen zu Hause gewesen sind.

Was lange währt, wird endlich.ein Klassiker! Die DWARVES und ,Born Again" Ja, ihr habt richtig gehört: das neue Meisterwerk der DWARVES Mit dabei: Helden aus allen 25 Jahren der DWARVES Saga. Blag The Ripper, HeWhoCannotBeNamed, Rex Everything, The Fresh Prince of Darkness; eine Truppe, die die 1000er Marker erreicht, darunter Vadge Moore und Sgt. Saltpeter, die zur berühmt-berüchtigten ,Blood, Guts And Pussy"-Platte beitrugen, kehren zurück, um die Gehörgänge des Pöbels auf links zu ziehen. Zwischen Hardcore Punk und Pop liefern die Meister aller musikalischen Spielarten alles, was man sich vorstellen kann. Ausgebrannte Rockstars spielen ebenso eine Rolle wie verdrehte Telefonnachrichten und ohrenbetäubender Lärm - all das serviert mit Pomp und Haltung, so wie es nur die mächtigen DWARVES verstehen.













[m] 13 F.U.T.Y.D. [FUCK U TILL YOU DIE]

DINA ÖGON ist wie eine Hummel - groß und flauschig und es sollte unmöglich sein, dass sie fliegt, aber sie tut es trotzdem - und zwar ganz einfach. Anna Ahnlund, Christopher Cantillo, Daniel Ögren und Love Örsan haben mit vierzig Fingern in unzähligen schwedischen Rock-, Jazz-, Soul- und Pop-Projekten, Aufnahmen und Tourneen und allerlei anonymer Projekte mitgewirkt. Untereinander haben sie in verschiedenen Konstellationen gespielt, sich gegenseitig unterstützt und in der einen oder anderen Form mehr als ein Jahrzehnt lang assistiert. Aber jetzt haben sie ein Quartett gebildet, das noch bemerkenswerter ist als all die Spielereien, an denen sie bisher beteiligt waren. Wenn so gestandene Musiker selbst einen Versuch wagen, sollte das nach den üblichen Methoden des Marketings eigentlich keine Sensation sein, aber das hier... nun, zum einen ist es so selbstverständlich großartig, zum anderen klingt das neue Album "Oas" genau wie die Summe dessen, was in den 2020er Jahren in Schweden musikalisch fehlt. Und für zu viele Jahrzehnte davor auch, könnte man hinzufügen, zumindest in dieser natürlichen Form. "Oas" sprudelt wie nur wenige Alben, aber ohne zu platzen. Es wird von ihrer Neugier zusammengehalten, sie durchstöbern so viele musikalische Ecken, ohne sich zu verirren, und das gekonnte Spiel schweißt es zusammen. DINA ÖGON prüfen alle Nährstoffe von schwarzer Musik und Pop, aber es ist keine prätentiöse Show, nur ein verdammt lohnender Hörgenuss.

Zu ihrer letzten Tour pilgerten insgesamt mehr als 130.000 Fans, die Tour für 2019 ist bereits
angekündigt und die Jubiläums-Show in der Berliner Wuhlheide im August 2019 mit 17.000
Besuchern, war nach nur 20 Tagen restlos ausverkauft. Ihre Musikvideos zählen über 350 Mio. Views
auf YouTube, Sie spielen unzählige Headliner-Slots auf allen großen Festivals und halten den Status,
als eine der erfolgreichsten deutschen Bands im Streaming-Bereich. Die letzten beiden Alben sind
bereits vergoldet und mehrere Singles haben Gold- und Platinstatus erreicht. In den
Mainstream-Medien bleiben Vincent und Dag dabei, zum Teil ganz bewusst, weitestgehend unter dem
Radar. In der großen Vielfalt, des am 1. März erscheinenden Albums - Die Unendlichste Geschichte'
ist das Lied - Unikat' tatsächlich ein Einzelstück. Der beinah klassische Pop-Song trägt eine Botschaft,
die für SDP eine besondere Bedeutung hat und zeigt erneut die emotionale Seite des Musikduos.
Gerade in heutigen Zeiten, in denen der Erfolgs- und Anpassungsdruck, besonders auf junge
Menschen, enorm hoch ist, sind solche Songs wichtig. Unikat rundet den famosen Genre-Wahnsinn
des Albums perfekt ab.

Die Pioniere der elektronischen Popmusik sind zurück und feiern mit ihrem 14. Studioalbum “Point” ihr 40-jähriges Bestehen.

Mit der Debut-Single „Bostich“ eroberten Yello die afro- merikanischen Dance-Klubs von New York . Danach ging ihr Sound – eine Collage von Musik aus aller Welt – um die Welt. Alben wie „You Gotta Say Yes To Another Excess“ (1983), „Stella“ (1985), „Pocket Universe” (1997) und „Toy” (2016) waren Bestseller. Die Evergreens „The Race“, „Oh Yeah“ und „I Love You“ tauchen noch heute ständig im Kino auf. Laute und stille Stimmen wie Shirley Bassey, Billy Mackenzie, Stina Nordenstam und Fifi Rong haben im Yello-Studio gesungen.

Das am 28.08. erscheinende, von Boris Blank und Dieter Meier höchst persönlich produzierte Studioalbum “Point” besteht aus 12 Titeln, deren typische Yello-Klangbilder einen jeden Fan und Kenner sofort
aufhorchen lassen. Die Singles “Waba Duba”, “Out Of Sight” und “Spinning My Mind” sind darauf ebenfalls zu hören.

Der Soundtrack zum packenden Dokumentarfilm ”Billie” (Kinostart 24.12) , der mit seltenem Archivmaterial und Interviews das dramatische Leben von Billie Holiday nacherzählt.
”Billie” entstand unter der Regie von James Erskine, auf dessen Konto unter anderem die Emmy-nominierte BBC-Dokumentation ”The Human Face” geht. ”Billie” erkundet Leben und die Karriere der legendären Sängerin auf der Basis von rarem Filmmaterial (zum Teil erstmals koloriert) und Interviews mit Künstlerkollegen wie Charles Mingus, Tony Bennett und Count Basie, sowie mit Holiday’s Stiefeltern, Lebenspartnern, Schulfreunden, Gefängniskameraden, Anwälten und sogar den FBI-Agenten, die sie einmal verhaftet haben.
”Billie” kommt in Deutschland am 24. Dezember ins Kino, bereits am 13. November erscheint das Soundtrack-Album, das die wichtigsten und schönsten Songs aus dem Werk Billie Holidays versammelt.

Dunkelheit. FVNERALS haben mit ihrem dritten Album "Let the Earth Be Silent" ein Album erschaffen, das die Leere zwischen den Sternen und die Tiefe des Abgrunds in Klang verwandelt. Das Duo vertont die Stille nach der Vernichtung, die der Mensch über alles Leben dieser Erde und sich selbst bringt. Depression, Isolation und existenzielle Verzweiflung quellen aus jeder Note hervor. FVNERALS entstanden aus einer Begegnung von Sängerin und Bassistin Tiffany Ström mit dem Gitarristen und Songwriter Syd Scarlet im südenglischen Seebad Brighton im Jahr 2013. Durch die Bündelung ihrer kreativen Kräfte entstand ein finsteres Doom-Duo, das auch Ambient, Drone und eine Prise Post-Rock in ihren Sound einfließen lässt. Das Resultat ist ein besonders dunkles, cineastisches und schweres Klangbild. FVNERALS' erstes Lebenszeichen war die selbstveröffentlichte EP "The Hours" (2013). Im Sommer 2014 folgte das Debütalbum "The Light" und eine erste UK-Tour. Im Jahr 2015 kehrten FVNERALS mit der zweiten EP "The Path" zurück und zogen nach Glasgow, Schottland um, wo sie mit der Arbeit an ihrem zweiten Album begannen. Als "Wounds" im Jahr 2016 auf den Markt kam, folgten unermüdliche Live-Aktivitäten in ganz Europa, die erst aufgrund der Pandemie zunächst zum Erliegen kamen. "Let the Earth Be Silent" wirkt in jeder Hinsicht sogar noch schwärzer und pessimistischer als die Vorgänger. FVNERALS schenken uns mit jeder Note ihres dritten Albums verführerische Dunkelheit.

lack Splatter Vinyl

Dunkelheit. FVNERALS haben mit ihrem dritten Album "Let the Earth Be Silent" ein Album erschaffen, das die Leere zwischen den Sternen und die Tiefe des Abgrunds in Klang verwandelt. Das Duo vertont die Stille nach der Vernichtung, die der Mensch über alles Leben dieser Erde und sich selbst bringt. Depression, Isolation und existenzielle Verzweiflung quellen aus jeder Note hervor. FVNERALS entstanden aus einer Begegnung von Sängerin und Bassistin Tiffany Ström mit dem Gitarristen und Songwriter Syd Scarlet im südenglischen Seebad Brighton im Jahr 2013. Durch die Bündelung ihrer kreativen Kräfte entstand ein finsteres Doom-Duo, das auch Ambient, Drone und eine Prise Post-Rock in ihren Sound einfließen lässt. Das Resultat ist ein besonders dunkles, cineastisches und schweres Klangbild. FVNERALS' erstes Lebenszeichen war die selbstveröffentlichte EP "The Hours" (2013). Im Sommer 2014 folgte das Debütalbum "The Light" und eine erste UK-Tour. Im Jahr 2015 kehrten FVNERALS mit der zweiten EP "The Path" zurück und zogen nach Glasgow, Schottland um, wo sie mit der Arbeit an ihrem zweiten Album begannen. Als "Wounds" im Jahr 2016 auf den Markt kam, folgten unermüdliche Live-Aktivitäten in ganz Europa, die erst aufgrund der Pandemie zunächst zum Erliegen kamen. "Let the Earth Be Silent" wirkt in jeder Hinsicht sogar noch schwärzer und pessimistischer als die Vorgänger. FVNERALS schenken uns mit jeder Note ihres dritten Albums verführerische Dunkelheit.

HEUT IST EIN GUTER TAG. Gegenwart mit Blick nach
vorn. Endlich. Es ist da, das neue Studioalbum: "Heut
ist ein guter Tag".
15 Songs mit geballten Fäusten und für immer Grinsen
im Gesicht. Positive Grundstimmung, ja. Aber kein
zahnloses Happy-Go-Lucky-Statement. Sondern: Wut,
Witz und WTF.
Das neue Album der DONOTS kommt zur richtigen Zeit.
Es ist nicht weniger als eine Wohltat. In ihren
besten Momenten kommt die Scheibe so nah an die
Live-Energie der Band wie keins ihrer vorherigen Alben.
An den entscheidenden Stellen aber ruht sie wie
selbstverständlich in sich und nimmt sich die Zeit, die sie
braucht, um ihre Wirkung voll zu entfalten.
HEUT IST EIN GUTER TAG verbeugt sich zeitgemäß
vor den Old School-Einflüssen der Band: Punk, Rock,
HC, Indie und Pop. Dabei hebt die Platte jedoch alle
Trademarks der DONOTS elegant auf das nächste
Level. Keine Wiederholungen, keine Kompromisse.
Natürlich wurden sämtliche Spielarten der klassischen
DONOTS Sportgitarre ausgelotet. Doch was auf früheren
Platten ähnlich, aber besser zu finden war, wurde sofort
verworfen.
So entstand in liebevoller Kleinarbeit ein Meilenstein der
Bandgeschichte. HEUT IST EIN GUTER TAG ist eine
weitere erfolgreiche Zusammenarbeit mit Produzent und
Bandfreund Kurt Ebelhäuser, der schon für Alben wie
"Coma Chameleon" und "Lauter als Bomben"
verantwortlich zeichnete. Beim Mixing der Platte sorgte
das Jungtalent Michel Wern verlässlich dafür, dass HEUT
IST EIN GUTER TAG bei aller Vielfalt wie aus einem
Guss klingt

Mit ihrem aktuellen Album "Gods Verging on Sanity" (2020) haben BLACK NAIL CABARET ein musikalisches Ausrufezeichen gesetzt. Obwohl die geplanten Touren der letzten zwei Jahren natürlich auch ein Opfer der Umstände wurden, ist es der Band allein durch Mundpropaganda dennoch gelungen, gestärkt aus der Krise hervorzugehen. Dies bietet eine hervorragende Gelegenheit, um ein frühes Juwel ihrer Bandgeschichte in neuem Glanz erscheinen zu lassen:

Als Sängerin Emèse Árvai-Illes und Keyboarder Krisztián Árvai das Album "Pseudopop" im Jahr 2018 auf ihrem eigenen Label veröffentlichten, hatten sie bereits Kunst, Pop, dunkle Harmonien und aufregende Elektronik organisch miteinander verschmolzen. So vergab der ungarische Journalist Mariusz Bari (Planet Damage) die Höchstpunktzahl (10)/10 und schrieb: "BLACK NAIL CABARET waren schon immer auf dem Weg, sich selbst zu perfektionieren, und dieses neueste Album ist der perfekte Beweis dafür, dass sie weder den Anschluss noch die Kontrolle dabei verloren haben."

Was BLACK NAIL CABARET markant von anderen Bands in ihrem Genre abhebt, ist ein Faible für sexuell explizite Provokationen. Dabei gelingt es den Ungarn niemals peinlich oder schlüpfrig zu wirken, sondern ihre gelebte BDSM-Wirklichkeit mit hohem ästhetischen Anspruch künstlerisch abzubilden. Wer in den Rohrschach-Klecksen auf dem Albumcover einen Frosch sieht, sollte vielleicht noch einmal hinsehen.

In eigenen Worten klingt das bei dem Duo wie folgt: "'Pseudopop' ist die Gesamtheit aller musikalischen Einflüsse, die unsere Leben beeinflusst und geprägt hat", schrieben BLACK NAIL CABARET. "Unabhängig von der Stilrichtung haben wir einfach unser Köpfe frei gemacht, uns vom Genregedanken verabschiedet und losgelassen. Es ist ein Hybrid aus dem Chaos, das in uns beiden steckt, und wir möchten meinen, dass im Ergebnis dabei avantgardistischer, zeitgenössischer Pop mit dunklen elektronischen Wurzeln als herauskam."

Bei der Erstveröffentlichung hatte "Pseudopop" bereits fast alles, was ein außergewöhnliches, hervorragendes Werk ausmacht. Es fehlte dem Album lediglich die Reichweite, um auch international die verdiente Beachtung zu finden. Mit dieser Neuauflage durch Dependent mit sorgfältigem Re-Mastering und einem Bonus-Track wird endlich das verdiente Rampenlicht auf BLACK NAIL CABARET und "Pseudopop" geworfen.

REISSUE

Als eine der am längsten bestehenden Bands, die immer noch stolz die Flagge von New York Hardcore
schwenken, haben sich Sick Of It All als einer der Eckpfeiler von NYHC einen Namen gemacht und bewiesen,
dass Herz, harte Arbeit und Hingabe an Hardcore mehr als nur die Musik sind und ein Bild, es ist eine
Lebensweise. Das Quartett feiert 2006 sein 20-jähriges Jubiläum und zeitgleich mit diesem monumentalen
Ereignis erscheint die Veröffentlichung des 9. Albums der Band mit dem Titel „Death To Tyrants“.

Es kommt selten vor, dass eine Band mit ihrem bisher besten Werk ein comeback feiert, aber die finnischen ...And Oceans beweisen hier eindrucksvoll, dass "Cosmic World Mother" aus 2020 eine Symphonie stürzender Dämme kreativer Schleusen war, die in ein neues Gewässer, einen Ozean, wenn man so will, einbrachen.

Alles, was das erste Album seit 18 Jahren Pause von ...And Oceans gut gemacht hat - rasanter symphonischer Black Metal, berauschende Themen, die sich mit der Verbindung zwischen Philosophie und Übersinnlichem befassen, und das für ...And Oceans typisch abenteuerliche Songwriting - schafft "As In Gardens, So In Tombs" in den Schatten zu stellen und neu zu kontextualisieren. Es ist der Sound einer Band, die jedes Quäntchen Schwung mitnimmt und in jeder Hinsicht den Einsatz steigert.

Obwohl ...And Oceans noch nie ein Album zweimal geschrieben haben, klingt ihr neuestes Werk in vielerlei Hinsicht wie eine Gelegenheit für die finnische Gruppe, das, was sie begonnen hat, fortzusetzen und zu verbessern. Symphonischer Black Metal fühlte sich noch nie so spaßig, frei und fantastisch an!

FFV: Dimmu Borgir, Cradle of Filth, Limbonic Art, Children of Bodom, Emperor

Clear Blue/ Red Marbled Vinyl

Es kommt selten vor, dass eine Band mit ihrem bisher besten Werk ein comeback feiert, aber die finnischen ...And Oceans beweisen hier eindrucksvoll, dass "Cosmic World Mother" aus 2020 eine Symphonie stürzender Dämme kreativer Schleusen war, die in ein neues Gewässer, einen Ozean, wenn man so will, einbrachen.

Alles, was das erste Album seit 18 Jahren Pause von ...And Oceans gut gemacht hat - rasanter symphonischer Black Metal, berauschende Themen, die sich mit der Verbindung zwischen Philosophie und Übersinnlichem befassen, und das für ...And Oceans typisch abenteuerliche Songwriting - schafft "As In Gardens, So In Tombs" in den Schatten zu stellen und neu zu kontextualisieren. Es ist der Sound einer Band, die jedes Quäntchen Schwung mitnimmt und in jeder Hinsicht den Einsatz steigert.

Obwohl ...And Oceans noch nie ein Album zweimal geschrieben haben, klingt ihr neuestes Werk in vielerlei Hinsicht wie eine Gelegenheit für die finnische Gruppe, das, was sie begonnen hat, fortzusetzen und zu verbessern. Symphonischer Black Metal fühlte sich noch nie so spaßig, frei und fantastisch an!

FFV: Dimmu Borgir, Cradle of Filth, Limbonic Art, Children of Bodom, Emperor

"Mrs Wibbsey, Sie haben vielleicht etwas absolut Katastrophales getan!"
Zum ersten Mal auf Vinyl und in limitierter Auflage präsentiert Demon Records nach dem Erfolg des umfangreichen und wertigen Boxsets 'Hornet's Nets' eine zweite Serie einzigartiger Audio-Abenteuer auf LP mit Tom Baker als Doctor in der Hauptrolle. Auch hier enthält jedes Exemplar ein exklusives, rahmbares Porträt des vierten Doktors, handsigniert von Tom Baker selbst - nur einer der Leckerbissen in dieser umwerfend gestalteten Verpackung. Eine aufwändig gestanzte, abnehmbare Außenhülle enthüllt eine dämonische Deckelbox, in der sich 10 einzelne, wunderschön illustrierte LP-Sleeves mit voller Besetzung und Credits für jede der fünf Geschichten befinden. Die Begegnungen des Time Lords mit dem mysteriösen Dämon werden im beiliegenden 'Doctor's Journal' detailliert beschrieben, einem großen, 16-seitigen, vollfarbigen Beiheft mit Notizen und Illustrationen zu dieser epischen Jagd durch die Zeit. Auf 10 x 140 Gr. abwechselnd roten und schwarzen LPs gepresst, markiert dieses Set einen weiteren Höhepunkt aus dieser Serie

Die neue Ausgabe der Bootleg Series von Bob Dylan, "Fragments - Time Out Of Mind Sessions (1996-1997): The Bootleg Series Vol. 17" erscheint als 5 CDs umfassendes Deluxe Boxset sowie als Standard-Version auf 2 CDs oder 4 LPs. Sie enthält in der Standardversion das Album "Time Out Of Mind" in einem 2022er Remix sowie zwölf ausgewählten Outtakes und Alternativversionen. Volume 17 der gefeierten Dylan-Reihe wirft 25 Jahre nach seiner Erstveröffentlichung einen neuen Blick auf das Meisterwerk "Time Out Of Mind" und zeichnet dessen Entstehung nach. Angefangen bei den bislang unveröffentlichten Song-Fassungen aus den 1996er Teatro-Sessions mit Dylan (Gesang, Gitarre, Piano), Daniel Lanois (Gitarre, Orgel), Tony Garnier (Bass) und Tony Mangurian (Schlagzeug, Percussion) bis hin zu (ebenfalls unveröffentlichten) Live-Mitschnitten aus den Jahren 1998-2001. Anfang 1996 begann Dylan, der seit der 1990er LP Under The Red Sky kein Album mit Eigenkompositionen veröffentlicht hatte, mit der Arbeit an neuen Songs. Von August bis Oktober ging er mit Daniel Lanois, der sein 1989er Album Oh Mercyproduziert hatte, ins Teatro Studio in Oxnard/CA, um dort Demos für eine mögliche neue LP aufzunehmen. Als die Songs im Januar des Folgejahres Form angenommen hatten, zog man ins Criteria Studio in Miami/FL um. Die Studiobesetzung wurde aufgestockt, und so fand sich in Florida ein illustrer Mix aus Session-Musikern und Mitgliedern von Dylans Tourband ein: Bucky Baxter (Akustikgitarre, Pedal Steel), Duke Robillard (E-Gitarre/Gibson L-5), Robert Britt (Martin Akustikgitarre, Fender Stratocaster), Cindy Cashdollar (Slide Gitarre), Tony Garnier (Bass, Kontrabass), Augie Meyers (Vox Orgel, Hammond B3, Akkordeon), Jim Dickinson (Keyboards, Wurlitzer E-Piano, Pumporgel) sowie die Schlagzeuger Jim Keltner, Brian Blade und David Kemper. Das Album "Time Out Of Mind", der schließlich aus diesen Sessions entstand, avancierte zu einem Dylan-Klassiker. Songs wie "Love Sick", "Can't Wait" oder "Not Dark Yet" wurden zu Lieblingsstücken der Fans. Mit "Make You Feel My Love" gelang Dylan sogar das Kunststück, dem Great American Songbook einen neuen zeitgenössischen Standard hinzuzufügen. Zahllose Künstler, darunter Billy Joel, Neil Diamond oder Adele, haben diesen Song gecovert. Bei den Grammy Awards 1998 gewann "Time Out Of Mind" in den Kategorien 'Album of the Year' und 'Best Contemporary Folk Album'.

Limited Loser edition on dark green vinyl. There are times in our life when we feel magic in the air. When new love arrives, or we find ourselves lost in a moment of creation with others who share our vision. A sense that: this is who I want to be. This is what I want to share. It's a fleeting feeling and one that Kyle Thomas, the singer-songwriter who records and performs as King Tuff, found himself longing for in the spring of 2020. But knowing he couldn't simply recreate this time in his life at will, Thomas-who hails from Brattleboro, Vermont-set out to write a love letter to those cherished moments of inspiration and to the small town that formed him. The one where he first nurtured his songwriting impulses, bouncing ideas off other like-minded artists. The kind of place where the changing of the seasons always delivered a sense of perspective and fresh artistic inspiration. Where he felt a deeper connection with nature and sense of community that had once been so close at hand. And so, Thomas seized upon his memories, creating what he calls "an album about love and nature and youth." The result is Smalltown Stardust, a spiritual, tender and ultimately joyous record that might come as a shock to those with only a passing knowledge of the artist's back catalog. On Smalltown Stardust, Thomas takes us on his journey to a place where past and present collide, where he can be a dreamer in love with all that he sees. References to his Brattleboro upbringing abound, but at the core of Smalltown Stardust is Thomas's desire to commune with nature on a spiritual level. Images of the natural world, from blizzards to green mountains to cloudy days, fill the songs. "I consider nature to be my religion," he explains, and Smalltown Stardust is nothing if not a spiritual exploration. While so much of Smalltown Stardust invokes idealized traces and places of Thomas's past, the album's recording process made his communal vision a reality. Thomas's Los Angeles home in 2020 formed a micro-scene of sorts, with housemates Meg Duffy (Hand Habits) and Sasami Ashworth recording their own heralded albums (2021's Fun House and 2022's Squeeze, respectively) at the same time. A shared spirit dominated an era spent largely on the premises, with Thomas serving as engineer and contributor to both records, and Ashworth working as co-producer on Smalltown Stardust. Ashworth's contributions are vital to the album: she co-wrote a majority of the record and contributed vocals, arrangements, and instrumentation to each song. In the end, Smalltown Stardust is not merely a nostalgia trip. Thomas not only conjured a special time in his life, he found new inspiration, surrounded by collaborators and a sense of love and wonder for nature. If the first King Tuff record was content to merely state Thomas was no longer dead, Smalltown Stardust is a paean to what that life means. A statement of belief and a hymnal to the magic still to behold all around us.

There are times in our life when we feel magic in the air. When new love arrives, or we find ourselves lost in a moment of creation with others who share our vision. A sense that: this is who I want to be. This is what I want to share. It's a fleeting feeling and one that Kyle Thomas, the singer-songwriter who records and performs as King Tuff, found himself longing for in the spring of 2020. But knowing he couldn't simply recreate this time in his life at will, Thomas-who hails from Brattleboro, Vermont-set out to write a love letter to those cherished moments of inspiration and to the small town that formed him. The one where he first nurtured his songwriting impulses, bouncing ideas off other like-minded artists. The kind of place where the changing of the seasons always delivered a sense of perspective and fresh artistic inspiration. Where he felt a deeper connection with nature and sense of community that had once been so close at hand. And so, Thomas seized upon his memories, creating what he calls "an album about love and nature and youth." The result is Smalltown Stardust, a spiritual, tender and ultimately joyous record that might come as a shock to those with only a passing knowledge of the artist's back catalog. On Smalltown Stardust, Thomas takes us on his journey to a place where past and present collide, where he can be a dreamer in love with all that he sees. References to his Brattleboro upbringing abound, but at the core of Smalltown Stardust is Thomas's desire to commune with nature on a spiritual level. Images of the natural world, from blizzards to green mountains to cloudy days, fill the songs. "I consider nature to be my religion," he explains, and Smalltown Stardust is nothing if not a spiritual exploration. While so much of Smalltown Stardust invokes idealized traces and places of Thomas's past, the album's recording process made his communal vision a reality. Thomas's Los Angeles home in 2020 formed a micro-scene of sorts, with housemates Meg Duffy (Hand Habits) and Sasami Ashworth recording their own heralded albums (2021's Fun House and 2022's Squeeze, respectively) at the same time. A shared spirit dominated an era spent largely on the premises, with Thomas serving as engineer and contributor to both records, and Ashworth working as co-producer on Smalltown Stardust. Ashworth's contributions are vital to the album: she co-wrote a majority of the record and contributed vocals, arrangements, and instrumentation to each song. In the end, Smalltown Stardust is not merely a nostalgia trip. Thomas not only conjured a special time in his life, he found new inspiration, surrounded by collaborators and a sense of love and wonder for nature. If the first King Tuff record was content to merely state Thomas was no longer dead, Smalltown Stardust is a paean to what that life means. A statement of belief and a hymnal to the magic still to behold all around us.

Tape

There are times in our life when we feel magic in the air. When new love arrives, or we find ourselves lost in a moment of creation with others who share our vision. A sense that: this is who I want to be. This is what I want to share. It's a fleeting feeling and one that Kyle Thomas, the singer-songwriter who records and performs as King Tuff, found himself longing for in the spring of 2020. But knowing he couldn't simply recreate this time in his life at will, Thomas-who hails from Brattleboro, Vermont-set out to write a love letter to those cherished moments of inspiration and to the small town that formed him. The one where he first nurtured his songwriting impulses, bouncing ideas off other like-minded artists. The kind of place where the changing of the seasons always delivered a sense of perspective and fresh artistic inspiration. Where he felt a deeper connection with nature and sense of community that had once been so close at hand. And so, Thomas seized upon his memories, creating what he calls "an album about love and nature and youth." The result is Smalltown Stardust, a spiritual, tender and ultimately joyous record that might come as a shock to those with only a passing knowledge of the artist's back catalog. On Smalltown Stardust, Thomas takes us on his journey to a place where past and present collide, where he can be a dreamer in love with all that he sees. References to his Brattleboro upbringing abound, but at the core of Smalltown Stardust is Thomas's desire to commune with nature on a spiritual level. Images of the natural world, from blizzards to green mountains to cloudy days, fill the songs. "I consider nature to be my religion," he explains, and Smalltown Stardust is nothing if not a spiritual exploration. While so much of Smalltown Stardust invokes idealized traces and places of Thomas's past, the album's recording process made his communal vision a reality. Thomas's Los Angeles home in 2020 formed a micro-scene of sorts, with housemates Meg Duffy (Hand Habits) and Sasami Ashworth recording their own heralded albums (2021's Fun House and 2022's Squeeze, respectively) at the same time. A shared spirit dominated an era spent largely on the premises, with Thomas serving as engineer and contributor to both records, and Ashworth working as co-producer on Smalltown Stardust. Ashworth's contributions are vital to the album: she co-wrote a majority of the record and contributed vocals, arrangements, and instrumentation to each song. In the end, Smalltown Stardust is not merely a nostalgia trip. Thomas not only conjured a special time in his life, he found new inspiration, surrounded by collaborators and a sense of love and wonder for nature. If the first King Tuff record was content to merely state Thomas was no longer dead, Smalltown Stardust is a paean to what that life means. A statement of belief and a hymnal to the magic still to behold all around us.

‘Living Rooms’ is a full-blooded debut of rich, playful, experimental pop from the artist Fe Salomon – full of unabashedly big songs and sumptuously big sounds. Fe’s soulful and arresting lead vocals weave amongst soaring strings and big band brass sections; clattering percussion and disjunctive rhythms; dirty electro synth and butchered guitar. A collaboration with producer and contemporary classical composer Johnny Parry, ‘Living Rooms’ is a true pop album with a distinct, exuberant and deeply generous sound.

Born in Northampton, Fe moved to London at 18 for a place at Theatre College; but soon left to concentrate on music and songwriting, falling quickly into the Camden music scene, and earning her a prolific career as a singer. Building on her diverse musical background and honing her unusual sonic style, this album has been percolating at the back of Fe’s mind for a long time. The perfect storm of personal and external factors thus created the moment to make it. ‘Living Rooms’ tells stories of multiple lives lived and lost

in the city, of friendships that meant everything and the characters you’ll never meet again, of transience and loneliness, and of getting by and moving on.

At the forefront of the album is an organic and fiercely honest lead vocal performance. However, Fe permits her voice to be twisted and distorted into the fabric of the instrumentation. The un-doctored lead vocals are frequently haunted by angels and demons, created through Fe’s uninhibited willingness to this manipulation, and capturing the more visceral emotions within the expression of the human voice.

‘Living Rooms’ navigates a wide spectrum of sounds and emotions. Take album opener “Polka Dot”, a track that mixes emotive vocals with an avant-garde alt/pop production to conjure a cut as stylish as it is shrouded in shadowy mystique. A track “about mourning innocence, and the darkness that’s picked up along the way, with an ‘up yours’ sarcastic tone, and not wanting to grow old”, it sets the scene for a twisting collection that up-ends expectations at every opportunity.

Elsewhere, the chunky hooks of “Super Human”, the sci-fi/country/big band of “Wired of Caffeine”, or the intimately sung vocals and Vaughan-Williams-esque string sections of “Taxicabs”, all contribute to an album that evolves like a rich and constantly surprising tapestry.

Although the conception of the album was a frenzy of wild experimentation. The album is faithful too, and celebratory of many joyous pop traditions; but searches for ways to reinterpret the familiar. And no less so than on the off-kilter centre-piece “Quintessential England”. Through wry lyricism and vivid imagination, the track paints a lucid, if lonely, depiction of a life lived out in the sticks; one that ultimately arrives at the conclusion that perhaps “the grass isn’t always greener”.

Gifted with the kind of superpowers that have blessed Alison Goldfrapp with her unwavering glam-pop allure and Stevie Nicks with that invincible soul, Fe Salomon’s empowering first release will prove she’s cut from the same cloth and ready to be your newest musical hero.

Tape Es kommt selten vor, dass eine Band mit ihrem bisher besten Werk ein comeback feiert, aber die finnischen ...And Oceans beweisen hier eindrucksvoll, dass "Cosmic World Mother" aus 2020 eine Symphonie stürzender Dämme kreativer Schleusen war, die in ein neues Gewässer, einen Ozean, wenn man so will, einbrachen.

Alles, was das erste Album seit 18 Jahren Pause von ...And Oceans gut gemacht hat - rasanter symphonischer Black Metal, berauschende Themen, die sich mit der Verbindung zwischen Philosophie und Übersinnlichem befassen, und das für ...And Oceans typisch abenteuerliche Songwriting - schafft "As In Gardens, So In Tombs" in den Schatten zu stellen und neu zu kontextualisieren. Es ist der Sound einer Band, die jedes Quäntchen Schwung mitnimmt und in jeder Hinsicht den Einsatz steigert.

Obwohl ...And Oceans noch nie ein Album zweimal geschrieben haben, klingt ihr neuestes Werk in vielerlei Hinsicht wie eine Gelegenheit für die finnische Gruppe, das, was sie begonnen hat, fortzusetzen und zu verbessern. Symphonischer Black Metal fühlte sich noch nie so spaßig, frei und fantastisch an!

FFV: Dimmu Borgir, Cradle of Filth, Limbonic Art, Children of Bodom, Emperor

The Arcs haben ihre Rückkehr mit ”Electrophonic Chronic” angekündigt, einem neuen Studioalbum, das
am 27. Januar über Dan Auerbachs Label Easy Eye Sound erscheinen wird. Es ist das erste Album der
Gruppe seitdem von der Kritik hochgelobten ”Yours, Dreamily” aus dem Jahr 2015. Das neue Album
wurde von Leon Michels und Auerbach co-produziert und größtenteils mit ihrem Bandkollegen Richard
Swift aufgenommen, bevor dieser 2018 verstarb. Musikalisch entstand ”Electrophonic Chronic” aus der
gemeinsamen Obsession der Band fürs Aufnehmen und ”Crate-Digging” alter Vinyl-Schallplatten, wovon
eine Vielzahl von Inspirationen einflossen, darunter Vintage Soul, Old School Garage und der Space-AgePop der 1960er Jahre.
”Electrophonic Chronic” enthält die komplette Originalbesetzung von The Arcs: Dan Auerbach, Leon
Michels, Nick Movshon, Homer Steinweiss und Richard Swift. Das Album wurde in Nashville - in Auerbachs Easy Eye Sound Studio - und in New York bei Electric Lady und Leon Michels’ Diamond Mine
aufgenommen. Das Cover des Albums wurde von El Oms illustriert, dessen Werke auch das Cover des
2015 erschienenen Debüts ”Yours, Dreamily” zieren. Wie vieles bei ”Electrophonic Chronic ” ist es eine
Hommage an Swift, ihren zu früh verstorbenen Bandkollegen und Bruder.