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Gegründet im Jahr 1994, The Living End sind eine dreiköpfige Band aus Melbourne, Australien. Ihre bahnbrechende Single "Prisoner of Society" wurde 1997 veröffentlicht und wurde zum Soundtrack einer ganzen Generation in Australien und auf der ganzen Welt. Die Band hat bis heute acht Studioalben veröffentlicht, und mit dieser Veröffentlichung ihr allererstes Jubiläumsalbum.

"The Living End" wurde ursprünglich im Oktober 1998 veröffentlicht, debütierte auf Platz 1 in Australien und hielt sich 27 Wochen in den AUS Top 10 und 83 Wochen in den AUS Top 100. Seitdem hat sich das Album weltweit über 500.000 Mal verkauft. Aus dem Album wurden sechs Singles veröffentlicht. Dem gleichnamigen Originalalbum liegt eine Live-Aufnahme des australischen Musiksenders triple j bei. Aufgenommen vor einem Live-Publikum kurz nach der Veröffentlichung des Durchbruchsalbums, zeigt sie eine Band an der Schwelle zur Größe, deren Energie und ungekünstelte Emotionen von der ersten Note an zu spüren sind. Die Aufnahme war seit ihrer einmaligen Ausstrahlung im Radio in den späten 90er Jahren nicht mehr zu hören. Sie galt als verschollen, bis sie 2022 auf einer Fanseite entdeckt wurde. Sie wurde 2023 neu gemastert und verkörpert perfekt den Geist einer der größten australischen Live-Bands.

Gegründet im Jahr 1994, The Living End sind eine dreiköpfige Band aus Melbourne, Australien. Ihre bahnbrechende Single "Prisoner of Society" wurde 1997 veröffentlicht und wurde zum Soundtrack einer ganzen Generation in Australien und auf der ganzen Welt. Die Band hat bis heute acht Studioalben veröffentlicht, und mit dieser Veröffentlichung ihr allererstes Jubiläumsalbum.

"The Living End" wurde ursprünglich im Oktober 1998 veröffentlicht, debütierte auf Platz 1 in Australien und hielt sich 27 Wochen in den AUS Top 10 und 83 Wochen in den AUS Top 100. Seitdem hat sich das Album weltweit über 500.000 Mal verkauft. Aus dem Album wurden sechs Singles veröffentlicht. Dem gleichnamigen Originalalbum liegt eine Live-Aufnahme des australischen Musiksenders triple j bei. Aufgenommen vor einem Live-Publikum kurz nach der Veröffentlichung des Durchbruchsalbums, zeigt sie eine Band an der Schwelle zur Größe, deren Energie und ungekünstelte Emotionen von der ersten Note an zu spüren sind. Die Aufnahme war seit ihrer einmaligen Ausstrahlung im Radio in den späten 90er Jahren nicht mehr zu hören. Sie galt als verschollen, bis sie 2022 auf einer Fanseite entdeckt wurde. Sie wurde 2023 neu gemastert und verkörpert perfekt den Geist einer der größten australischen Live-Bands.

Nach dem überwältigenden Erfolg ihres explosiven Debüts demonstrierte der Nachfolger Mad Season aus dem Jahr 2000, eine von Soul durchdrungene Sammlung moderner Klassiker, die bemerkenswerte Ausdruckskraft und Bandbreite der Band. Nachdem sie ihr Handwerk durch ausgiebiges Touren weiter verfeinert hatten, entwickelten sich Matchbox Twenty zu einer kreativen musikalischen Maschine, die auf allen Zylindern feuerte.

Das zweite Album unterstreicht die kontinuierliche Entwicklung von Rob Thomas' schriftstellerischer Begabung, wobei sich die Songs auf die verbindenden Elemente der zunehmend unverbundenen Welt konzentrieren. Darüber hinaus zeichnet sich das Album durch einen unverfälschten Klangansatz aus, der neue musikalische Texturen wie komplizierte Orchestrationen und heftige Bläsersätze einführt. Dieses 2-LP-Set - die allererste eigenständige Vinyl-Pressung des Albums -
enthält die Hits "If You're Gone" und "Bent".

SULPHUR AEONs neuestes Werk ist gesegnet mit Kontrasten, klanglicher Ebbe und Flut. Ein Taifun kantiger Riffs und wilder Blastbeats, raffinierte Melodieschichten, dichte Atmosphäre und triumphal gesungene Refrains reißen dich mit. Ätherische Akustikgitarren, subtile Synthesizer, einen Hauch von Gothic ('The Yearning Abyss Devours Us'), satte Leads, E-Bow-Parts, heftige Aggression ('Arcane Cambrian Sorcery'), monumentale Schwere, die in hypnotische Gesangsmuster übergeht ('Seven Crowns And Seven Seals'), und ein großes Finale ('Beneath The Ziqqurrats') - "Seven Crowns And Seven Seals" überschreitet Genres; es wütet und zerstört, lullt dich im nächsten Moment in gefährlich täuschende Ruhe, nur um dich unwiderbringlich in den dunklen Strudel des Ozeans zu reißen. SULPHUR AEON meistern ihren durchdringenden Cinematic Death Metal der Extraklasse, gehen über sich hinaus und klingen dabei doch unverkennbar kohärent - perfekt eingefangen und verfeinert von den langjährigen Mitarbeitern Simon Werner und Michael Zech (Secrets Of The Moon, Bølzer etc.), während das Mastering von V. Santura (Triptykon, Dark Fortress) übernommen wurde. Was das Artwork betrifft, so haben SULPHUR AEON diesmal mit der Tradition gebrochen, wieder mit Ola Larsson zu arbeiten, und sich mit dem Italiener Paolo Girardi zusammengetan, um eine Lovecraft'sche Apokalypse darzustellen, die der Opulenz und Dynamik des Albums einen raueren Stil entgegensetzt.

From Northern Ireland and the South of England hail Jetplane Landing - which, for the last two decades has been variously composed of: Jamie Burchell (Bass/Vocals), Raife Burchell (Drums), Andrew Ferris (Vocals/Guitars), Cahir O’Doherty (Guitars/Vocals) and Craig McKean (Drums). Big Scary Monsters are releasing their debut album Zero For Conduct on vinyl this January as well as putting their entire back catalogue back on streaming services. Their debut album ‘Zero For Conduct’, was recorded on an 8-track tape machine in Jamie's parents' garage in Bognor Regis and mixed during engineer Sean Doherty’s downtime in a London studio owned by a diamond mining company. Hailed a 'masterpiece’ (5Ks - Kerrang!) upon its release in 2001 - it contains fan favourites ‘This Is Not Revolution Rock’ and ‘Summer Ends’ and perfectly encapsulates the vitality of the 00's post-hardcore DIY scene that inspired its creation. Deriving their name from the moment a blissed-out Burchell/Ferris witnessed At The Drive-In perform ‘One Armed Scissor’ on their debut British TV performance - “Fuck me Ferris, they sound like a jet plane landing!” - ZFC channels that riotous energy across its heart-felt eleven cuts. Delicate acoustic confessionals sit alongside full-throated math-rock experimentation; this is an album as varied as it is ambitious. Jamie: “We initially set out to track the record during a two-week period Andrew had off from work. At the end of those two weeks, we didn’t even have all the drums recorded let alone the overdubs. So the idea emerged that Ferris and I would drive down every weekend from London to my parents’ house and we would make the album that way. Cut to… one year later…” Andrew: “When I listen back now, I can physically feel the conversations we had on those long drives, all those micro-decisions - getting the songs to be… right. It was a long process, but truthfully I’d have been happy to let it go longer. Jamie gave me so much confidence and pushed me to places I didn’t know I had or even needed to be. It was a really special time.”. Jamie continues, “There was this weird fusion between us musically which seemed to just work.” Fans of Elliot Smith, Nick Drake, J Mascis, and Stephen Malkmus will feel right at home with this lovingly crafted set. Spoiler alert: heavier sounds and bigger rooms were to come for Jetplane but on Zero For Conduct their musical universe feels at once expansive and deeply personal.

For 14 years Throat have been the sonic equivalent of forcing a square peg into a round hole; often abrasive, causing utmost irritation at times and on a rare occasion a feverishly pleasant dose of brooding darkness in one's otherwise dull existence. The peg now fits. We Must Leave You sees Throat dropping pegs of all shape and size through the same hole. The last confines of musical genres are behind them, resulting in an album which can be regarded as the easiest listening Throat has ever presented or simultaneously their most difficult and puzzling work to date. Thematically what we have here is a breakup album. Never ones for thinking small, Throat breaks up with the world. Enough is enough. Bring back lockdown. No need for petty social commentary on how the world is burning. Let it burn. Throat is already walking away and it remains to be seen where they end up next. If anywhere. Breakups always require dramatic music and We Must Leave You more than fits the purpose. Throat have already hinted at new directions and new sounds on their previous two albums, but here it all breaks loose. Rooted in the same heavy, dark rock sound as always, but a touch of gothic drama from the 80s has been injected to the band's sonic palette which obviously means a few deeper shades of black. The noise and dissonance remains, but this time it all has been dipped in honey and black grease paint. We Must Leave You was written over a few years time and finally recorded in 2023 at Tonehaven Recording Studio with Tom Brooke and the band's own Amplified Human Audio. Once again, Andrew Schneider mixed the album at Acre Audio and Carl Saff handled mastering duties at Saff Mastering. Photography by Dorota Brzezicka and design by Stefan Alt of Ant-Zen.

Das bahnbrechende Album Spirit Trail von Bruce Hornsby aus dem Jahr 1998 wird dieses Jahr 25 Jahre alt. Im September werden BruceHornsby & The Noisemakers eine Herbsttournee, um diesen Anlass mit einer Spirit Trail:25th Anniversary Edition Box-Set.Spirit Trail 25th Anniversary ist ein 3-Album-Boxset, das das remasterte Album, vier unveröffentlichte Tracks und zehn Live-Songs enthält unveröffentlichte Tracks und zehn Live-Songs.

Ein wunderbar inspiriertes Kinoerlebnis von Anfang bis Ende. Eine Meisterklasse in Symphonic Extreme Metal, Mythologie und Storytelling!

Nach den heldenhaften Taten des atlantischen Volkes in 3.6.2.4 werden diejenigen, die das Glück hatten, den großen Fluten zu entkommen, nun an einem neuen Land angeschwemmt. In den Ländern und Meeren hat sich nun die Nachricht über die Länder und Meere verbreitet, die überlebt haben.

Es kursieren Geschichten über die Überlebenden, die die Gunst der Götter gewonnen haben. Diese Rätsel von Sykophanten verursachen große Unruhe und setzenChaos und Zerstörung in Bewegung. Aus Angst wird das Siegel der Büchse der Pandora entfernt, in der Hoffnung, ein gewisses Gleichgewicht der Kräfte auf der Erde herzustellen. In der Zwischenzeit verursachen die Gier und das Verlangen der Menschheit katastrophale Folgen und bringen eine so verheerende Zerstörung hervor, dass die Geister von Atlantis noch einmal zu den Drei Säulen reisen, um ein Portal zu öffnen. Riddles Of Sycophants ist eine Sammlung von Geschichten mit vielen bekannten und weniger bekannten Figuren aus verschiedenen Mythologien.

Die Geschichten des Albums sind inspiriert von der Folklore verschiedener Folklore verschiedener Nationen.

"Bring us the Head" ist unsere Liebeserklärung an das Kino der Achtziger und Neunziger, mit dem wir aufgewachsen sind", weiß Sänger Jens zu berichten.

"Während der Corona-Pandemie haben wir viele dieser Streifen "wiederentdeckt". Viele werden das nachvollziehen können - man saß zu Hause, hatte ungewohnt viel Freizeit, und dank der Streaming-Dienste kam trotzdem selten Langeweile auf.

Irgendwann sprachen wir im Scherz darüber, dass es doch cool wäre, eine Platte über unsere alten Lieblingsfilme zu machen... gesagt, getan."

Fans von Streifen wie "Terminator", "Conan", "Army of Darkness" oder "Escape from New York" werden somit ihre helle Freude an dem Album haben, für dessen detailverliebtes Cover-Artwork einmal mehr Besil Wrathbone verantwortlich zeichnet. Auch eine Cover-Version des Ramones-Klassikers "Pet Sematary" nahm die Band für "Bring us the Head" auf. Jens erklärt:
"Da wir den Song seit Jahren im Live-Programm haben, und er außerdem so wunderbar ins Konzept des Albums passt, lag die Idee förmlich auf der Hand."

Der neue Langspieler wird am 27. Oktober 2023 über Reaper Entertainment in den Plattenläden aufschlagen.

Unzählige wollten Thomas Rainer aufhalten, ihn stürzen und haben alles getan, um ihn Dreck fressen zu sehen. Sie belächelten ihn für seine Vision, für seinen grenzenlosen Willen, seinen Herrschaftsanspruch erbauen, zu untermauern und zu mehren. Doch das ist Vergangenheit. Längst pflastern sie als besiegte Gegner seinen Weg, hängen als Trophäen an den Wänden seines Hauptquartiers. Er kam, sah, siegte - und führt nun seinen endgültigen Triumphzug durch die Straßen der gefallenen Städte. "Veni Vidi Vici" lautet der Name des Kreuzzugs, mit dem Thomas Rainer Mauern einreißen, Armeen auslöschen und ganze Reiche zu Fall bringen wird. Mit ihm oder gegen ihn - etwas anderes lässt dieser Tanzdiktator nicht gelten. Überlege dir gut, ob du an seiner Seite durch ein Meer aus willigen Gespielinnen und rauschender Sünde waten und dich selbst so fühlen willst wie der berüchtigte Caligula - oder ob du als Verlierer von der Geschichte vergessen werden willst.
NACHTMAHR haben ihre "Kriegserklärung" propagiert - und liefern mit dem gleichnamigen Song nur einen von vielen Beweisen für die Überlegenheit dieses Club-Kolosses. Doch das ist erst der Anfang: "Tradition" wird mit seinem infernalischen Maschinen-Beats gleich hinterhergejagt, "Mütterchen Russland" ist voller marschierender Wucht und russischer Epik, das langsame, wogende "Die letzten Dämme" oder die allumfassende Industrial-Vernichtungswaffe "Hoffnung" als zertrümmernder Schlusspunkt erweisen sich als übermächtige Attacken zeitgemäßer Clubkultur. Geschmierter denn je läuft seine Industrial Infanterie, unter der stolz in die Höhe gereckten Standarte des Austrian Imperial Industrial versammelt der Trümmergeneral ein einschüchterndes Arsenal schwerer Waffen, die jeden Club in seine Einzelteile zerlegen werden und die Konkurrenz aus der Geschichte fegen werden wie eine lästige Fliege.
Die Welt wird brennen. Entzündet an den Überresten der untergegangenen Gegner, spiegelt sich im Widerschein dieses Triumphs der musikalischen und körperlichen Exzesse eine neue Weltordnung des Industrial, ein in Stein gemeißelter Beweis für die Überlegenheit von NACHTMAHR. Dabei ist es bedeutungslos, ob der Herr der übermächtigen Beat-Brigade flirrende Industrial-Exzesse, donnernde EBM-Rammböcke, schleppende Rhythmen oder noisigen Terror in die Schlacht schickt: Das Ende wird stets dasselbe sein, NACHTMAHR werden das Schlachtfeld stets als Sieger verlassen. Den Gegnern schallt es in den Ohren, die Frauen flüstern es andächtig: "Veni vidi vici" - bis in alle Ewigkeit.

"History Books" ist der Titelsong des ersten Gaslight Anthem-Albums seit neun Jahren.

Bruce Springsteen begleitet sie auf dem Titelsong. "Da ist definitiv ein kleines Augenzwinkern drin", sagt Brian Fallon der Associated Press über "History Books" und fügt hinzu, dass "einige Leute uns abgeschrieben haben", weil wir so sehr nach dem Boss klingen. "Es ist wie 'Jetzt schreib das ab'," sagt er. "Wir haben die Zustimmung des Bosses!

Was wollt ihr sagen? Du darfst nichts sagen!"

"Wir wollten keine Platte machen, die sich unterschwellig anfühlt", fährt Fallon mit Blick auf das Album fort und merkt an, dass die Zeit, in der die Band getrennt war, es ihnen ermöglichte, die Sorgen zu verarbeiten, "die alten Jungs zu sein, die in der Szene spielen".

"Die E Street Band hat auch eine große Pause gemacht", sagt er über den Moment, als er Springsteen - inzwischen ein guter Freund - um Rat fragte. "

Das fing mit Superpunk Mitte der 90er vollkommen ambitionslos an. Plan war es, eine Band zu gründen, um auf Partys Kracher aus den Sixties zu spielen. Leider scheiterte die Band bereits an relativ simplen Garage-Rock-Klassikern wie "I need you" von den Kinks. Und wer hätte gedacht, dass "Friday on my mind" derart viele Akkorde hat? Das kann sich doch nun wirklich kein Mensch merken. Da erschien es erheblich einfacher, sich eigene Songs auszudenken, konnten andere schließlich auch. Aber erst mal musste ein Name her. Zur Auswahl standen "Fifi", "Schnellbus", "Hamburg Spinners", "Superminister Riesenhuber" und "Superpunk". Mit einfacher Mehrheit und wie immer ohne viel nachzudenken, entschied man sich für letzteres Mit den ersten eigenen Songs wurden dann richtige Konzerte gespielt, die zum Teil gut ankamen. Bei einem dieser Auftritte war auch Thies. Dem gefiel, dass die Band, jetzt aus dem Stegreif memoriert, "wie eine total zerkratzte Ray-Charles-Platte auf falscher Geschwindigkeit" klang. So gut gefiel das dem Thies, dass er fortan als Keyboarder dabei war. Und das ist auch wirklich eine treffende Beschreibung für den frühen Superpunk-Sound. So, jetzt aber: Es wurden fleißig eigene Songs gemacht und als genügend da waren, dachte sich die Band: "Die könnten wir eigentlich mal aufnehmen." Auf der Straße, irgendwo zwischen "Eis-Gerd" und "Pudel" trafen sie Bernd Begemann, der sagte: "Ich habe einen 4-Spur-Kassettenrekorder, ich nehme euch auf!". "Toll, danke, Bernd!" Und so brachte Bernd seinen Kassettenrekorder, mehrere Kassetten (die teuren, Chrome II), Mikrophone und eine seltsame Apparatur (ein Stimmgerät) mit in den Übungsraum im Bunker bei der Apostelkirche und nahm mit einer Engelsgeduld das Album auf. Auf der Straße, irgendwo zwischen "Heinz Karmer"s" und "Komet" traf die Band dann Bernd Kroschewski, der sagte: "Ich habe ein Label, ich bring euer Album raus!" "Toll, danke, Bernd", hieß es erneut. Und so erschien ziemlich genau vor 25 Jahren "A bisserl was geht immer" auf Fidel Bastro. Da waren, muss man zugeben, etliche Hits drauf: "Matula, hau mich raus", "Ich kann nicht nein sagen", "Das ist heute nicht Dein Tag", "Die Axt im Walde". Aus der ambitionslosen, verhinderten Partyband wurde dann doch noch eine (beinahe) richtige Band, mit Platte und Label und dem ganzen Schnick Schnack. Sogar auf Tour sind Superpunk mit dem Album gegangen, das war was, zwischen Hölle (null Zahlende in Kassel) und Himmel (ausverkaufter Pudel, Rekordgage von 300 Mark + gekühlte Freigetränke). Falls ihr noch nie "A bisserl was geht immer" gehört habt, stellt euch eine Mischung aus 39 Clocks, Cockney Rejects und dem Ramsey Lewis Trio vor. Zugegeben, leichte Kost ist das nicht, aber einer, wenn nicht der einzige Meilenstein des Hamburger DIY/ Outsider/Beats

Anniversary Edition. Colour in colour Vinyl. Plus Booklet und Insert. Wenn die Zeiten hart sind oder man sich zermürbt fühlt sehnt man sich nach einem Leben in vollständigem Frieden. Ein Leben, in dem es keinen Streit, keine Auseinandersetzungen und keine Lügen gibt. Ein Leben ohne Enttäuschungen und eines, in dem das eigene Handeln keine Konsequenzen hat. Manche würden es eine Fantasiewel" nennen. Das belgische Trio Brutus nennt es "Unison Life" - eine Formulierung, die auch den Titel ihres dritten Studioalbums ziert. "Unison Life" handelt von all den Dingen, die einen von vornherein zermürben. Es geht um die Abscheulichkeit, den Schmerz und die mutigen Taten, mit denen man das alles übersteht. Das Album beginnt mit einem Porträt der Zufriedenheit und entwickelt sich von dort aus weiter, bis es in die Schlacht zieht und die Frage stellt, was wirklich zählt. In ihren eigenen Worten: "Is this Unison Life a hoax? Or a quest?" Auf Unison Life zeigen sich Brutus von ihrer bewussten Seite. Sie haben sich mehr Gedanken über den Sound gemacht, was sich auch auf das Artwork (produziert von Mulders) und das Musikvideo zu "Liar" auswirkt. Da Brutus in den letzten Jahren nicht auf Tournee gehen konnten, haben sie ihre gesamte Energie in "Unison Life" gesteckt. Das Ergebnis ist ein eindrucksvolles Beispiel für eine Band, die Grenzen überschreitet und auf dem Höhepunkt ihres Könnens ist.

Sechs Jahre nach Ihrem Debüt und direkt nach ihrer Tournee als Special Guest für Depeche Mode erscheint mit „Navel" das langerwartete zweite HOPE Album auf Haldern Pop Recordings.

NAVEL, das zweite Album der Berliner Band Hope ist eine Übung in Verletzlichkeit. Die vier Musiker*innen wagen sich hinter den Soundwänden hervor, die sie in der Vergangenheit um sich herum errichtet hatten, und zeigen, wie sie hinter den Barrikaden sind: sanft, nah- und fehlbar.
Das hat zum einen mit einer inneren Entwicklung der Sängerin Christine Börsch-Supan zu tun und mit der sich daraus ergebenden neuen musikalischen Richtung der Band. Wo früher Wut und Wucht war, ist heute so etwas wie Ruhe. An die Stelle von Monumentalität ist Meditation getreten. Erzählte das 2017 erschienene HOPE in seinem vollkommen eigenständigen dunklen, dystopischen Noise-Sound von Zwängen, unterdrückten Gefühlen und Gewalt, stellt sich auf NAVEL nun Heilung ein. „Solace“ singt Christine Börsch-Supan mit ihrer genauso klaren wie warmen Stimme im gleichnamigen Song immer wieder: Trost, Trost, Trost.Die Sängerin, auf deren eigener Gefühlswelt die Texte der Band basieren – und damit auch ihr emotionaler Klangraum –, hat sich in den vergangenen Jahren von einer Essstörung befreit und damit von der großen Wut, der anklagenden Haltung und dem Aufbegehren, die die Musik von Hope lange bestimmten. Mit NAVEL hat die Band nun eine Art Zen-Garten errichtet. Einen offenen, auf das Maximale reduzierten, luftigen Raum, der dazu einlädt, ihn zu durchschreiten, der sich aber nicht aufdrängt – und der niemandem eine Deutung aufzwingt. Die Moog-Sounds, die zarten Gitarrenakkorde, das Schlagzeug, oft nur so auf den Fellen der Trommel gespielt, dass ein Sound entsteht, der wirkt wie elektronisch erzeugt – alles auf NAVEL ist durch die Weite bestimmt, die sich zwischen den Elementen auftut. Für NAVEL hat sich die Band von der Idee von Perfektion und Kontrolle verabschiedet und damit – schönstes Paradox – ein nahezu perfektes Stück Musik geschaffen.

Seit 2015 vergriffen, kehrt diese EP nun auf 12"-Vinyl zurück!

Ursprünglich für Big Stars kultige "Third" (1978) aufgenommen, ist "Jesus Christ" zu einem ein Grundnahrungsmittel geworden. Was gibt es Besseres, um diese Zeit des Jahres zu feiern, als als diesen Klassiker auf Vinyl zu erleben - zusammen mit dem Geschenk von seltenem Material! Diese 12"-EP zeigt das Artwork der Heiligen Drei Könige von einem Promo-Plakat von 1973 Big Star-Promo-Poster. Zusätzlich zur originalen Albumversion, enthält die LP ein Demo von "Jesus Christ", das erstmals auf der Grammy®-prämierten Box-Set Keep An Eye On The Sky erschien, sowie sowie 5 seltene Tracks. Die Fans warten schon seit Jahrzehnten auf eine offizielle Veröffentlichung von "Another Time Another Place & You", das auf dieser EP erstmals als Record Store Day EP 2015 veröffentlicht wurde.

Zwei weitere unveröffentlichte Instrumentals kamen hinzu. Eine Demoversion von "Big Black Car" vervollständigt die Playlist. Das Vermächtnis von Big Star leuchtet weiterhin, und die Jesus Christ EP wird nicht nur nicht nur eine glänzende Ergänzung für die Sammlung eines jeden Fans sein, sondern ihnen auch nicht nur das, wonach sie gesucht haben, sondern lässt sie sich auch über das freuen was sie gefunden haben.

Cher hat die Veröffentlichung ihres ersten Weihnachtsalbums angekündigt. " Cher Christmas" markiert das insgesamt 27. Album in der ruhmreichen Karriere der Ikone und wird am 20. Oktober erscheinen und ist zugleich ihr erstes Album mit neuem Material seit "Closer to the Truth" vor zehn Jahren.

Bei einem Besuch in der Sendung Good Morning Britain vergangene Woche kündigte Cher an, das kommende Weihnachtsalbum werde klar ihren Stempel tragen: "It's a Cher Christmas album. It's not your mother's Christmas album", so die Musikerin, die anfügte, sie sei "really, really excited because there's millions of people on it, and I've never had duets. I've never had people on any of my records." Um welche Namen es sich dabei handelt, verriet sie zwar noch nicht, versprach aber, dass die Features "special" sind: "I mean, I'm in awe of all of them." Man darf gespannt sein!

Hier kommt das ultimative Rockerlebnis. Die Best Of 1LP von Nazareth ist eine Symphonie von Rockhymnen, die dich umhauen wird. Spür die Kraft der Liebe und des Schmerzes mit den eindringlichen Melodien von "Love Hurts". Lass deiner Fantasie freien Lauf mit dem epischen "Dream On", in dem Träume durch elektrisierende Gitarrenriffs Wirklichkeit werden.

Machen Dich bereit, deine wilde Seite zu entfesseln mit dem zeitlosen
Klassiker "Hair Of The Dog", einer headbangenden Reise durch die Jahrhunderte.

Die Best Of 1LP von Nazareth garantiert einen adrenalingeladenen Ritt in das Herz des Rock 'n' Roll.

Verpasse nicht deine Chance, diese legendäre Sammlung kultiger Tracks zu besitzen. Holen Dir jetzt jetzt dein Exemplar und lass Dich von der Musik auf eine wilde, unvergessliche Reise mitnehmen.

Rival Sons kündigen neues Album " LIGHTBRINGER " an Das Pendant zu " DARKFIGHTER " erscheint am 20. Oktober

Nach Regen kommt Sonne, auf Nacht folgt Tag - und wer erfolgreich die Dunkelheit bekämpft hat, bringt das Licht: Gut zwei Monate nach dem Album " DARKFIGHTER ", das in die deutschen Top 20 kam, haben Rival Sons mit " LIGTHBRINGER " ihre zweite LP des Jahres 2023 für den 20. Oktober angekündigt.

Wie der Titel schon suggeriert, handelt es sich dabei um ein Schwesteralbum des Vorgängers.

Über " LIGHTBRINGER " sagt Scott Holiday, Gitarrist der zweifach Grammy-nominierten Band aus Kalifornien: " Wenn man zwei Alben direkt hintereinander macht, gibt es viele Dinge zu bedenken. Die erste Platte muss genug Schlagkraft und haben und einen inhaltlich so abholen, dass man mit dem zweiten Teil einen noch größeren
Aufschlag machen kann."

" DARKFIGHTER " und " LIGHTBRINGER" entstanden als Teil derselben Sessions im Verlauf des Jahres 2021.

An ihrer Seite einmal mehr: Ihr angestammter Kreativpartner und langjährige Producer Dave Cobb. Als " DARKFIGHTER " Anfang Juni erschien, waren sich die Kritiker:innen in ihrem Lob einig: " DARKFIGHTER hat das Zeug zu Rival Sons? Meisterwerk", jubelte Classic Rock, und das GLIDE Magazine schwärmte: "

DARKFIGHTER ist ein sehniges Hardrock-Album, das alle Stärken von Rival Sons zu einem kurzen Angriff verdichtet."

Auf Tour in heimatlichen Gefilden, ausverkaufte Shows und das unvergleichliche Gefühl unter Freunden zu sein: So sieht es aus, das perfekte Setting für ein gelungenes Livealbum. Und wenn dann jedes Rädchen ineinandergreift, wie es soll, dann entsteht eine Platte die reine Emotion und Freude am Sein transportiert. Mit dem neuen Album stellt Hannes Ringlstetter zusammen mit seiner Band wieder einmal eindrucksvoll unter Beweis, dass Wunderbares entstehen kann, wenn man sich blind versteht und gemeinsam die beste Zeit hat. Mit dabei auf der neuen "live Ringlstetter & Band" sind Klassiker wie "Niederbayern" und "Heller Schein" die immer wieder euphorisch vom Publikum gefeiert werden und einem die Gänsehaut über den Rücken jagen. Aber auch neue Songs kann man in einer Liveversion hören. Unter anderem die im April 2023 erschienene Single "Gardasee", die Hannes zusammen mit dem Oimara und Max Kronseder von DeSchoWieda aufgenommen hat und die auch beide bei der Liveaufnahme vertreten waren. Man merkt bei jedem Song, dass der Kabarettist, Schauspieler, TV-Moderator und Buchautor für die Musik brennt und das in perfektem Einklang mit seiner Band, dieses Livealbum ist der Beleg dafür.

Während „Hate Campaign“ ein eher unterschätztes Album in der riesigen Diskographie der schwedischen Band DISMEMBER ist, zeigte „Where Ironcrosses Grow“ aus dem Jahr 2004 die Band in Topform. Vom Titeltrack bis zum Schlussstück „As I Pull the Trigger“ bietet es 38 Minuten makellosen schwedischen Death Metal und enthält – zum ersten Mal seit dem Debüt – ein weiteres Artwork von Dan Seagrave.

Tori Zietsch aka Maple Glider trifft erneut ins Schwarze: Nach "To Enjoy is the Only Thing" das zweite Album der in Melbourne/Naarm lebenden Sängerin und Songschreiberin. Herzzerreißend und hoffnungsvoll zugleich.

Maple Glider, auch bekannt als die in Melbourne/Naarm lebende Künstlerin Tori Zietsch, kehrt mit ihrem neuen Album "I Get Into Trouble" zurück, dem Nachfolger ihres beeindruckenden Debüts "To Enjoy is the Only Thing". Auf "I Get Into Trouble" beschäftigt sich Zietsch mit ihrer christlichen Kindheit, ihrer Beziehung zu ihrem Körper, damit was Einwilligung und Scham für sie bedeutet und dem Tod von Beziehungen, sowohl romantischen als auch familiären. Die Musik dreht sich um die Texte, erforscht diese zutiefst persönlichen Themen und dient oft als Selbstkatharsis, die durch die Schönheit von Zietschs künstlerischen Schaffen und ihrem schrägen Sinn für dunklen Humor zum Leben erweckt wird. Obwohl das Album manchmal herzzerreißend ist, ist es letztendlich hoffnungsvoll und wirft ein Licht auf neues Leben, neue Liebe und den Wunsch, Frieden und Verbindung mit diesen Erfahrungen zu finden. In Toris Worten fand sie "Trost in der Natur, bei Roadtrips, dem Schlafen unter riesigen Eukalyptusbäumen, bei langen Wanderungen, beim Schwimmen im Süßwasser, bei Mahlzeiten auf dem Campingplatz, in dem Geruch der Baumrinde, dem Vogelgezwitscher, dem Summen des Flusses, der Zeit mit Tieren, dem Aufwachen im Meer."

'To Enjoy is the Only Thing' hat Maple Glider über 10 Mio. Steams eingebracht, einen Auftritt bei NPR's Tiny Desk, Stephen Colbert's #PlayAtHome Serie sowie Lob von Pitchfork, NPR Music, Stereogum, Paste, KCRW, Gorilla vs Bear, Consequence, triple j, NME und Rolling Stone. Ihre Musik wurde als "hypnotisch" (PItchfork) und "erhaben" (Paper) beschrieben, und wie Stereogum es ausdrückte, "einige Stimmen im Indie-Bereich treffen einfach ins Schwarze".

Sofia Kourtesis veröffentlicht ihr lang-erwartetes Debütalbum ‘Madres’ ,welches ihrer Mutter gewidmet ist, auf Ninja Tune! Als sie mit der Arbeit an ihrem Debüt begann, war Kourtesis scheinbar unaufhaltsam. Eine Reihe von begeistert aufgenommenen EPs und Singles machten sie zu einem der am schnellsten aufsteigenden Stars in der elektronischen Welt und darüber hinaus. Sie zierte bereits das Cover von Mixmag, veröffentlichte eine brillante, energiegeladene und bewegende RA Session für Resident Advisor, erschien auf den Jahresendlisten der New York Times, Pitchfork, DJMag und Spotify (#6 bester elektronischer Song) und spielte sofort ausverkaufte erste Shows sowie herausragende Auftritte beim Pitchfork Music Festival, Glastonbury und Primavera neben Tourneen als Support von Caribou und Bicep. „Madres“ enthält alles, was Kourtesis bereits so beliebt gemacht hat: der doppelte Klang ihrer peruanischen Heimat und ihrer Wahlheimat Berlin ist präsent („mein Herz ist sehr lateinamerikanisch, aber mein Motor ist deutsch“), ebenso wie der Aktivismus für die Gleichstellung der Geschlechter, den Schutz queerer Menschen und den Zugang zu sicheren Abtreibungen in Peru, der ihr so sehr am Herzen liegt.

stillness, softness... erkundet eine neue Soundpalette in Omoris Welt analoger Synthesizer: ihren Prophet '08, den Moog Voyager und UDO Super 6, einen analogen Hybrid-Synthesizer, der binauralen, 3D-simulierenden Klang erzeugt. stillness, softness... 'eine Collage aus Experimenten', die sie dann 'wie ein Puzzle' zusammensetzt, wobei jedes Lied einen Erinnerungsraum darstellt. Das Endergebnis ist nahtlos, ein kontinuierlicher Zyklus von 13 ineinander fließenden Vignetten, die zwischen ihrem Schlafzimmer in London und dem Haus ihrer Großmutter in Yokohama, Japan, entstanden. Das Album ist generell Omoris bisher zugänglichstes Werk und zeigt ihre wahre Bandbreite als Komponistin, Künstlerin, Arrangeurin, Sängerin und Synthesizer-Virtuosin.

Gotthard Gründer und Gitarrist Leo Leoni und seine Bandkollegen präsentieren ihren Fans das erste CoreLeoni Livealbum. Die Songs zu "Alive" wurden im März 2022 im Rahmen der "Rock Generation Tour 2022" aufgenommen.

"Alive" ist die reine Rock & Roll-Quintessenz welche viele der frühen Gotthard- und aktuellen CoreLeoni Hits vereint, wie "Standing in The Light", "Firedance", "Purple Dynamite", "Let Life Begin Tonight" und viele mehr.
Die Band liefert auf der Bühne 100 % Energie und Erfahrung ab. Sänger Gent Bushpepa versteht das Publikum mit seiner einzigartigen Persönlichkeit, seinen Fähigkeiten und seiner Technik zu überzeugen, indem er die Songs, die wir alle lieben, respektvoll interpretiert.

Jgor Gianola, ehemaliger U.D.O- und Gotthard Gitarrist, hat die Zeit zurückgedreht, um sich perfekt an den einzigartigen Stil von Leo und Gotthard anzupassen. Er verbindet unvergessliche Erinnerungen, musikalische Kompetenz und Sounds, die sowohl alte als auch neue Fans zu begeistern wissen.

Schlagzeuger Alex Motta und Bassist Mila Merker vervollständigen den CoreLeoni Sound mit unschlagbarem Groove und Energie und halten so den Motor der Band auf kraftvolle Weise am laufen.

Nach drei international hochgelobten Studioalben, ist "Alive" das Sahnehäubchen für alle, die die frühen Gotthard und den klassischen CoreLeoni-Sound lieben.

Jeder, der genau hinschaut, kann erkennen, dass Cincinnati, OH, derzeit eine wahre Brutstätte musikalischer Kreativität ist, und die drei Mitglieder von The Serfs - Dylan McCartney (Gesang, Perkussion, Gitarre, Bass, Elektronik), Dakota Carlyle (Elektronik, Bass, Gitarre, Gesang) & Andie Luman (Gesang, Synthesizer) - und ihre jeweiligen Nebenprojekte (The Drin, Crime of Passing, Motorbike) sind unbestreitbar im Zentrum der New-Underground-Szene von Cincinnati. Nach der Veröffentlichung von Alben auf dem Berliner Minimal-Synth-Label Detriti und dem in Seattle ansässigen DREAM Records im Jahr 2018 bzw. 2022 macht die Band für ihr drittes und bisher bestes Album den Schritt zu Trouble In Mind. "Half Eaten By Dogs" gibt dem modernistischen Twitch von Future-Forward-Bands wie Total Control oder Cold Beat sowie dem post-industriellen Dancefloor-Grime von Skinny Puppy, Dark Day, This Heat oder Factrix einen entschiedenen Midwestern-Spin. "Half Eaten by Dogs" ist ein Blick durch ein Fernrohr in eine dystopische Vision, in der eisverkrustete Synthie-Harmonien triefende chemische Rhythmen und aufgebohrte elementare Rockformationen beherrschen. Die Musik ist eine Mischung aus düsterem Drum- und Synthesizer-Industrial und stygischen Gitarreninstrumenten, mal mit vorsichtiger Paranoia, mal mit melodischem Trotz und Ausgelassenheit (und in manchen Momenten mit Mundharmonika, Saxophon oder Flöte). "Half Eaten By Dogs" fasst erfolgreich alles zusammen, was The Serfs bisher erreicht haben, aber mit weitaus größerer Absicht und Zielsetzung als ihre vorherigen Alben. Es gibt Songs zum Tanzen und Songs, die man während eines Sturms oder beim Fahren durch die Straßen der Welt in sich aufnehmen kann. Es mag für die Band ein weiterer Schritt hinunter in die Katakomben sein, dabei aber auf dem Weg zu etwas Höherem.

Jeder, der genau hinschaut, kann erkennen, dass Cincinnati, OH, derzeit eine wahre Brutstätte musikalischer Kreativität ist, und die drei Mitglieder von The Serfs - Dylan McCartney (Gesang, Perkussion, Gitarre, Bass, Elektronik), Dakota Carlyle (Elektronik, Bass, Gitarre, Gesang) & Andie Luman (Gesang, Synthesizer) - und ihre jeweiligen Nebenprojekte (The Drin, Crime of Passing, Motorbike) sind unbestreitbar im Zentrum der New-Underground-Szene von Cincinnati. Nach der Veröffentlichung von Alben auf dem Berliner Minimal-Synth-Label Detriti und dem in Seattle ansässigen DREAM Records im Jahr 2018 bzw. 2022 macht die Band für ihr drittes und bisher bestes Album den Schritt zu Trouble In Mind. "Half Eaten By Dogs" gibt dem modernistischen Twitch von Future-Forward-Bands wie Total Control oder Cold Beat sowie dem post-industriellen Dancefloor-Grime von Skinny Puppy, Dark Day, This Heat oder Factrix einen entschiedenen Midwestern-Spin. "Half Eaten by Dogs" ist ein Blick durch ein Fernrohr in eine dystopische Vision, in der eisverkrustete Synthie-Harmonien triefende chemische Rhythmen und aufgebohrte elementare Rockformationen beherrschen. Die Musik ist eine Mischung aus düsterem Drum- und Synthesizer-Industrial und stygischen Gitarreninstrumenten, mal mit vorsichtiger Paranoia, mal mit melodischem Trotz und Ausgelassenheit (und in manchen Momenten mit Mundharmonika, Saxophon oder Flöte). "Half Eaten By Dogs" fasst erfolgreich alles zusammen, was The Serfs bisher erreicht haben, aber mit weitaus größerer Absicht und Zielsetzung als ihre vorherigen Alben. Es gibt Songs zum Tanzen und Songs, die man während eines Sturms oder beim Fahren durch die Straßen der Welt in sich aufnehmen kann. Es mag für die Band ein weiterer Schritt hinunter in die Katakomben sein, dabei aber auf dem Weg zu etwas Höherem.

Am 27. Oktober erscheint ihr neues Album "Chronicles of a Diamond" bei ATO Records. Produziert von Quesada und hauptsächlich abgemischt vom sechsfachen Grammy-Preisträger Shawn Everett (Alabama Shakes, The War on Drugs), übernimmt Burton auf den zehn Songs die Rolle des Co-Produzenten und lässt seine freigeistige Musikalität in jeden Track einfließen.

“It felt like a metamorphosis in a way that was both beautiful and difficult, but in the end feels more true to who we are as collaborators“, erzählt der Sänger. Die Songs entstanden zwar im Studio, fangen aber definitiv auch die verrückte Energie ein, die während den Live-Shows der beiden entsteht. Das endet in einem besonderem Hybrid aus Soul und symphonischem Pop, der verrückter und extravaganter als sein Vorgänger komponiert wurde. Inklusive unerwartete Ausflüge in Jazz-Funk und psychedelische Gefilde samt hypnotischen Rhythmen, wilden Gitarrenriffs und stimmungsvollen Mellotron-Melodien, die eine tranceartige Euphorie ausstrahlen. „With this album I felt very free in my vocal performance, which has a lot to do with Adrian hearing something in my voice and helping me to explore that”, ergänzt Burton.

Als Black Pumas 2019 ihr selbstbetiteltes Debüt veröffentlichten, löste das Duo aus Austin eine Reaktion aus, die fast so außergewöhnlich und mitreißend war wie ihre Musik selbst. Gefeiert von den Medien, hagelte es insgesamt 6 Grammy Award-Nominierungen (darunter Best New Artist und Album of the Year). Neben Live-Auftritten bei den genannten Grammy Awards, spielten die Black Pumas außerdem bei der Übertragung des NFL Drafts sowie zur Amtseinführung von Joe Biden. Sie tourten durch ganz Europa sowie Nord- und Südamerika und waren bei bekannten Late-Night-Shows wie Jimmy Fallen, Jimmy Kimmel, Ellen DeGeneres oder Stephen Colbert zu sehen. Ihr Album verkaufte sich über eine Millionen Mal, alleine ihre Single "Colors" steht inzwischen bei über 450 Millionen Streams. Nun ist es an der Zeit, das zweite Kapitel der Band aufzuschlagen.

Wir leben in einer Welt des totalen Krieges. Und es ist die Pflicht der Künste, dies nicht zu verdrängen. Im Gegenteil: Lasst die Musik zum Nachtmahr unserer fragilen Gesellschaft werden, lasst donnernde Beats wie Granaten unsere schwächliche Existenz zerreißen! Futurismus war gestern, heute ist: NACHTMAHR.
Das österreichische EBM-Industrial-Projekt um Thomas Rainer von L'AME IMMORTELLE startet nach einem furiosen Auftakt mit dem Fulltime-Album "Feuer frei!" endgültig durch. Hämmernde Industrialbeats schlagen im Gehörgang ein wie 70mm-Geschosse. In der "Opferzeit" marschieren nicht die Massen, nein, sie raven in den Untergang, feiern die "Endzeitstimmung" zum süßen Klang der Stalinorgel. Jenseits von Politik und Religion, über die Grenzen hinweg fegt das Stahlgewitter einer reinen und kalten Vernichtung, die den Neubeginn birgt...
NACHTMAHR ist die "Katharsis" einer Welt am Abgrund, die auf ihren eigenen Ruinen tanzt, ohne es zu bemerken. Glaube und Hoffnung liegen danieder, nur ein Phoenix erhebt sich aus dem Schutt: der doppelköpfige Adler von NACHTMAHR...
NACHTMAHR, das ist True Imperial Austrian Industrial!

SHARAKTAH ist in einem winzigen Dorf in Norddeutschland aufgewachsen und diesem schnell entwachsen. Seit seiner frühen Jugend macht der 24 Jährige Musik und schreibt Texte, damals noch im Schuppen seines Opas, mittlerweile in seiner neuen Wahlheimat Hamburg. Seine Songs sind kleine Hymnen seiner Generation, mit denen er nahbare Geschichten erzählt und mit seinen melancholischen, zerrissenen Texten und seinem Sound - der die Tür zu einer Welt aus Hip Hop und Grunge, Rap und verzerrten Gitarren öffnet - die aktuelle Stimmung wie den Nagel auf den Kopf trifft.

Die dunkle, schäbige Unterwelt von New York City taucht wieder auf, wenn das Stadtbild durch Abwässer, Crackrauch und den Handel mit Fleisch verdorben ist. Die Straßen, die einst voller Leben waren, sind von dem grotesken und schmutzigen Chaos vergangener Zeiten durchdrungen. Inmitten dieser rauen Wirklichkeit, in den Mauern der schwach beleuchteten Gassen, stinkt es nach Körperflüssigkeiten und Rattenkot.

Auf den Bahnsteigen der U-Bahn verüben verzweifelte Seelen wegen ein paar mickriger Dollar wahllos Gewalttaten aneinander. Der East River fließt in einem kränklichen Grün, und der Farbton der Stadt spiegelt die Schatten wider, die diese illegalen Unternehmungen werfen. Inmitten dieser beunruhigenden, düsteren Realität ist nun eine Klanglandschaft entstanden, die das Grauen einfängt - in Form des zweiten Albums von Gravesend.

Das neue Album "Gowanus Death Stomp" verdichtet die Grausamkeit, die auf dem Debüt "Methods of Human Disposal" von 2021 zu hören war, zu einem noch düstereren und ursprünglicheren Trommelfeuer der Gewalt. An der Kreuzung von krimineller Verkommenheit und urbanem Unwohlsein bedienen sich Gravesend vieler Werkzeuge des Handwerks. Black / Death / Grind / War Metal verschmelzen nahtlos zu einer Teergrube aus beißendem Hinterhof-Sadismus und Acid-Zungen-Gesang.

Wie eine frisch geborgeneLeiche unten am Hafen weht der Geruch von Verwesung aus jedem Track auf 'Gowanus Death Stomp'. Und wie bei NYCs Underground-Legenden von Cro-Mags über Swans bis Type O Negative verkörpert Gravesend den Puls der Stadt, selbst wenn dieser Puls auf dem Beton ausblutet.

Die dunkle, schäbige Unterwelt von New York City taucht wieder auf, wenn das Stadtbild durch Abwässer, Crackrauch und den Handel mit Fleisch verdorben ist. Die Straßen, die einst voller Leben waren, sind von dem grotesken und schmutzigen Chaos vergangener Zeiten durchdrungen. Inmitten dieser rauen Wirklichkeit, in den Mauern der schwach beleuchteten Gassen, stinkt es nach Körperflüssigkeiten und Rattenkot.

Auf den Bahnsteigen der U-Bahn verüben verzweifelte Seelen wegen ein paar mickriger Dollar wahllos Gewalttaten aneinander. Der East River fließt in einem kränklichen Grün, und der Farbton der Stadt spiegelt die Schatten wider, die diese illegalen Unternehmungen werfen. Inmitten dieser beunruhigenden, düsteren Realität ist nun eine Klanglandschaft entstanden, die das Grauen einfängt - in Form des zweiten Albums von Gravesend.

Das neue Album "Gowanus Death Stomp" verdichtet die Grausamkeit, die auf dem Debüt "Methods of Human Disposal" von 2021 zu hören war, zu einem noch düstereren und ursprünglicheren Trommelfeuer der Gewalt. An der Kreuzung von krimineller Verkommenheit und urbanem Unwohlsein bedienen sich Gravesend vieler Werkzeuge des Handwerks. Black / Death / Grind / War Metal verschmelzen nahtlos zu einer Teergrube aus beißendem Hinterhof-Sadismus und Acid-Zungen-Gesang.

Wie eine frisch geborgeneLeiche unten am Hafen weht der Geruch von Verwesung aus jedem Track auf 'Gowanus Death Stomp'. Und wie bei NYCs Underground-Legenden von Cro-Mags über Swans bis Type O Negative verkörpert Gravesend den Puls der Stadt, selbst wenn dieser Puls auf dem Beton ausblutet.

Fulco Ottervanger and Lander Gyselinck, you remember them from their debut album Duizeldorp which included cult classic Isabellade.

On October 27 they add the second album Altijd Bewust Bewegen to their discography.

On this album the duo goes in search of reasons for movement. Head and body harmoniously translated into Beraad-language. The two 2 improvisational athletes once again gracefully stretch themselves between the limits of gravity.

Admiration for movement culture takes them from gym to racetrack, from apps to abs. A breaststroke here, a backhand there. An aimless goalkeeper musing on a distant acquaintance. From village to town and back, the tandem rustles at to tennis lessons.

Talk about it with your coach.

When punk arrived in late 1976, the scene acted as a catalyst for an explosion of independent labels which swiftly sprung up around the UK. Named after a classic track by Manchester’s The Drones, ‘Just Want To Be Myself’ boasts classic sevens on imprints such as Small Wonder, The Label, Rough Trade, Dining Out, Deptford Fun City and Cherry Red (all London), Zoom (Glasgow), Attrix (Brighton), Heartbeat (Bristol), Good Vibrations (Belfast) and Bent (Manchester).

Many of the individuals and bands featured would later enjoy success in various incarnations – for example, The Pack mutated into Theature Of Hate, The Outsiders’ Adrian Borland attracted acclaim with his band The Sound, ‘O’ Level’s Edward Ball made an impact with various acts including The Times and Leyton Buzzards evolved into pop combo Modern Romance!

Pure Hell and The Electric Chairs’ Wayne County were American but eligible here because the tracks were recorded in the UK

Swedish Hard Rockers Bonafide is finally back in business with their new album "Are You Listening?" This is the bands first studio album since 2017´s "Flames", and not only are they back, they are back with a vengeance! Every single one of the ten new tracks shows a band that once again are on fire! It´s pure high-energy uncompromising hard rock on a level that very few which very few other bands can match. The album is produced by Chips Kiesbye (Hellacopters, Sator, Sahara Hotnights, Backyard Babies) and the song "Snacket" features a duet with Nisse Hellberg from the legendary Swedish band Wilmer X.

Sound Like: AC/DC, Airbourne, Aerosmith

Swedish Hard Rockers Bonafide is finally back in business with their new album "Are You Listening?" This is the bands first studio album since 2017´s "Flames", and not only are they back, they are back with a vengeance! Every single one of the ten new tracks shows a band that once again are on fire! It´s pure high-energy uncompromising hard rock on a level that very few which very few other bands can match. The album is produced by Chips Kiesbye (Hellacopters, Sator, Sahara Hotnights, Backyard Babies) and the song "Snacket" features a duet with Nisse Hellberg from the legendary Swedish band Wilmer X.

Sound Like: AC/DC, Airbourne, Aerosmith

Swedish Hard Rockers Bonafide is finally back in business with their new album "Are You Listening?" This is the bands first studio album since 2017´s "Flames", and not only are they back, they are back with a vengeance! Every single one of the ten new tracks shows a band that once again are on fire! It´s pure high-energy uncompromising hard rock on a level that very few which very few other bands can match. The album is produced by Chips Kiesbye (Hellacopters, Sator, Sahara Hotnights, Backyard Babies) and the song "Snacket" features a duet with Nisse Hellberg from the legendary Swedish band Wilmer X.

Sound Like: AC/DC, Airbourne, Aerosmith

Zum 10. Todestag von Lou Reed veröffentlichen DIE BUBEN IM PELZ ihr neues Album "Verwandler" (Konkord) auf welchem sie sich den Songs von Lou Reed widmen und diese in den Wiener Dialekt übersetzen. Als 2015 das selbstbetitelte Debütalbum (Konkord) von DIE BUBEN IM PELZ erschien, wirbelten sie damit viel Staub auf. Denn die beiden Gründungsmitglieder David Pfister und Christian Fuchs (beide vom Radiosender FM4) wagten etwas Riskantes. Die Buben übersetzten das ikonische Debütalbum von Velvet Underground komplett ins Wienerische. Wechselten die legendäre Andy Warhol-Banane auf dem Cover mit einer Wurst aus - und übertrugen die Atmosphäre des New York von 1967 in das Wien von 2015. Düstere Parallelen wurden ausgelotet. Flirrende Gitarren zum Klingen gebracht. Spirituelle Verwandtschaften mit Lou Reed, John Cale und Nico zelebriert. Die Platte wurde inzwischen zu einem viel beachteten Klassiker der deutschsprachigen, alternativen Popmusik. Für die deutsche Tageszeitung ,Die Zeit" beispielsweise ein Album des Jahres 2015. Ebenso erfuhr das Artwork der LP von Dieter Oitzinger große Aufmerksamkeit. Die Erstauflage auf Vinyl mit einer abziehbaren Wurst statt einer Banane ist inzwischen ein begehrtes Sammlerobjekt. 2017 und 2019 erschienen zwei weitere Platten auf dem Wiener Label Noise Appeal, zuletzt ,Geisterbahn" produziert von Alexander Hacke von den Einstürzenden Neubauten und Alexander Lausch. Neben Pfister und Fuchs bestehen DIE BUBEN IM PELZ auch noch aus dem Bassisten Christof Baumgartner (Black Palms Orchestra), Bernd Supper (Scarabeus Dream), Markus Reiter (Destroyed But Not Defeated) und Gernot Scheithauer (Liger). Brutalität und Zärtlichkeit Zum 10. Todestag von Lou Reed am 27. Oktober veröffentlichen Die Buben Im Pelz ihr neues Album ,Verwandler" (Konkord), auf dem sie sich erneut ausschließlich den Songs von Lou Reed und Velvet Underground widmen. Auch wenn Titel und Artwork auf den Klassiker ,Transformer" von Lou Reed anspielen, übersetzten die Buben dieses Mal kein komplettes Album, sondern eine Auswahl von Reed-Songs mit Blick auf sein gesamtes Schaffen. Und auch dieses Mal zeigt sich: Die Klassiker von Lou Reed, zwischen textlicher Brutalität und Zärtlichkeit, funktionieren auch in unserer seltsamen Zeit perfekt als tröstende Ventile. Egal ob in persönlichster Identitätssuche oder beim großen Blick auf die Welt. Black Vinyl!

Zum 10. Todestag von Lou Reed veröffentlichen DIE BUBEN IM PELZ ihr neues Album "Verwandler" (Konkord) auf welchem sie sich den Songs von Lou Reed widmen und diese in den Wiener Dialekt übersetzen. Als 2015 das selbstbetitelte Debütalbum (Konkord) von DIE BUBEN IM PELZ erschien, wirbelten sie damit viel Staub auf. Denn die beiden Gründungsmitglieder David Pfister und Christian Fuchs (beide vom Radiosender FM4) wagten etwas Riskantes. Die Buben übersetzten das ikonische Debütalbum von Velvet Underground komplett ins Wienerische. Wechselten die legendäre Andy Warhol-Banane auf dem Cover mit einer Wurst aus - und übertrugen die Atmosphäre des New York von 1967 in das Wien von 2015. Düstere Parallelen wurden ausgelotet. Flirrende Gitarren zum Klingen gebracht. Spirituelle Verwandtschaften mit Lou Reed, John Cale und Nico zelebriert. Die Platte wurde inzwischen zu einem viel beachteten Klassiker der deutschsprachigen, alternativen Popmusik. Für die deutsche Tageszeitung ,Die Zeit" beispielsweise ein Album des Jahres 2015. Ebenso erfuhr das Artwork der LP von Dieter Oitzinger große Aufmerksamkeit. Die Erstauflage auf Vinyl mit einer abziehbaren Wurst statt einer Banane ist inzwischen ein begehrtes Sammlerobjekt. 2017 und 2019 erschienen zwei weitere Platten auf dem Wiener Label Noise Appeal, zuletzt ,Geisterbahn" produziert von Alexander Hacke von den Einstürzenden Neubauten und Alexander Lausch. Neben Pfister und Fuchs bestehen DIE BUBEN IM PELZ auch noch aus dem Bassisten Christof Baumgartner (Black Palms Orchestra), Bernd Supper (Scarabeus Dream), Markus Reiter (Destroyed But Not Defeated) und Gernot Scheithauer (Liger). Brutalität und Zärtlichkeit Zum 10. Todestag von Lou Reed am 27. Oktober veröffentlichen Die Buben Im Pelz ihr neues Album ,Verwandler" (Konkord), auf dem sie sich erneut ausschließlich den Songs von Lou Reed und Velvet Underground widmen. Auch wenn Titel und Artwork auf den Klassiker ,Transformer" von Lou Reed anspielen, übersetzten die Buben dieses Mal kein komplettes Album, sondern eine Auswahl von Reed-Songs mit Blick auf sein gesamtes Schaffen. Und auch dieses Mal zeigt sich: Die Klassiker von Lou Reed, zwischen textlicher Brutalität und Zärtlichkeit, funktionieren auch in unserer seltsamen Zeit perfekt als tröstende Ventile. Egal ob in persönlichster Identitätssuche oder beim großen Blick auf die Welt. Black Vinyl!

Jetzt ist dann aber Schluss mit der Gemütlichkeit! Christian Fuchs und David Pfister haben als Mitglieder der Brachial-Wienerlied-Kapelle "Neigungsgruppe Sex, Gewalt & Gute Laune" die österreichische Dialektpop-Welle maßgeblich mitinitiiert. Jetzt gehen sie als Die Buben im Pelz wieder einen Schritt weiter. Und gleichzeitig zurück. Und finden, dass das Wienerlied auch wie Velvet Underground mit Meidlinger L klingen kann. Oder im Sinne legendärer Ahnherren wie Helmut Qualtinger oder Gerhard Rühm, wie ein Zyankalizuckerl schmecken muss, das im weißen Spritzer aufgelöst wird. Aufgenommen im steirischen Studio des Produzenten Bernd Heinrauch eingespielt mit einer großartigen Schar von GastmusikerInnen und FreundInnen gelingt Fuchs und Pfister auf ihrem gemeinsamen Debütalbum ein Rotzbubenstück sondergleichen. Inklusive roher Gewalt und abgedrehten Sex'n'Drugs-Stories, aber auch rasiermesserscharfem Pop&Trash-Appeal. Da wimmelt es in den Songs von Protagonisten in grindigen Pelzen und engem Leder, die sich die sunglasses after dark auf die Schnapsnasen drücken. Tatsächlich schnappen sich die Buben im Pelz, frei nach Sacher-Masoch, das heiliggesprochene erste Velvet Underground Album - ja, das mit dem Bananen-Cover! - und übersetzen die wild aufgekratzte Energie und speckig-dreckige Lust der Stücke ins gache und goscherte Wienerische. Der hektische Großstadtspeed des einstigen New Yorks kracht auf die aktuelle schäbige Noblesse der Donaumetropole. So scharf und modern nach Großstadt triefend hat Wien schon lange nicht mehr geklungen. So aufregend gefährlich gfeanzt und finster auch nicht. Der Tod ist ein Wiener und er trägt jetzt Pelz. Und jetzt ist die gesuchte Debut-Platte der Buben im Pelz als hochwertige 180g-Vinyl-Neuauflage wieder erhältlich, neu umgeschnitten und mit besserer Klangqualität als bisher. Auch eine CD-Version im Digipak ist lieferbar.

Jetzt ist dann aber Schluss mit der Gemütlichkeit! Christian Fuchs und David Pfister haben als Mitglieder der Brachial-Wienerlied-Kapelle "Neigungsgruppe Sex, Gewalt & Gute Laune" die österreichische Dialektpop-Welle maßgeblich mitinitiiert. Jetzt gehen sie als Die Buben im Pelz wieder einen Schritt weiter. Und gleichzeitig zurück. Und finden, dass das Wienerlied auch wie Velvet Underground mit Meidlinger L klingen kann. Oder im Sinne legendärer Ahnherren wie Helmut Qualtinger oder Gerhard Rühm, wie ein Zyankalizuckerl schmecken muss, das im weißen Spritzer aufgelöst wird. Aufgenommen im steirischen Studio des Produzenten Bernd Heinrauch eingespielt mit einer großartigen Schar von GastmusikerInnen und FreundInnen gelingt Fuchs und Pfister auf ihrem gemeinsamen Debütalbum ein Rotzbubenstück sondergleichen. Inklusive roher Gewalt und abgedrehten Sex'n'Drugs-Stories, aber auch rasiermesserscharfem Pop&Trash-Appeal. Da wimmelt es in den Songs von Protagonisten in grindigen Pelzen und engem Leder, die sich die sunglasses after dark auf die Schnapsnasen drücken. Tatsächlich schnappen sich die Buben im Pelz, frei nach Sacher-Masoch, das heiliggesprochene erste Velvet Underground Album - ja, das mit dem Bananen-Cover! - und übersetzen die wild aufgekratzte Energie und speckig-dreckige Lust der Stücke ins gache und goscherte Wienerische. Der hektische Großstadtspeed des einstigen New Yorks kracht auf die aktuelle schäbige Noblesse der Donaumetropole. So scharf und modern nach Großstadt triefend hat Wien schon lange nicht mehr geklungen. So aufregend gefährlich gfeanzt und finster auch nicht. Der Tod ist ein Wiener und er trägt jetzt Pelz. Und jetzt ist die gesuchte Debut-Platte der Buben im Pelz als hochwertige 180g-Vinyl-Neuauflage wieder erhältlich, neu umgeschnitten und mit besserer Klangqualität als bisher. Auch eine CD-Version im Digipak ist lieferbar.