quête:gestalt

John Carpenters Soundtracks für die jüngste Halloween-Trilogie, die er zusammen mit seinen langjährigen Mitarbeitern Cody Carpenter und Daniel Davies komponierte, markierten die Rückkehr des legendären Regisseurs und Komponisten zur Filmmusik nach fast zwei Jahrzehnten Pause. Halloween (2018), Halloween Kills (2021) und Halloween Ends (2022) wurden alle von David Gordon Green inszeniert, der Carpenter bereits früh in die Vorproduktion einbezog und ihn schließlich als ausführenden Produzenten und Soundtrack-Komponisten für die Trilogie engagierte. Nun werden erstmals erweiterte Ausgaben aller drei Soundtracks in einer Deluxe-Box von Carpenters langjährigem Label Sacred Bones Records veröffentlicht. Beim Anhören der aktuellen Halloween-Soundtracks fällt als Erstes der Teamgeist des Komponisten-Trios auf. Der mittlerweile berühmte Part mit der gestrichenen Gitarre in ,The Shape Hunts Allyson" aus Halloween wird, wie alle Gitarrenparts in der Trilogie, von Daniel Davies gespielt. John bezeichnet Daniel als den ,Abenteurer" der Gruppe und schreibt ihm zu, Sounds eingeführt zu haben, an die er selbst nie gedacht hätte. Cody, den sein Vater als ,musikalisches Genie" bezeichnet, ist eine ebenso wichtige Präsenz. Es ist seine ruhige, methodische Hand, die den Ideen, die entstehen, wenn diese drei zusammenkommen, Gestalt verleiht. Die Filmmusik für die neuen Filme mag sich um bekannte Themen drehen, aber sie ist auch klanglich viel vielfältiger und musikalisch gewagter als alles, was John 1978, als er den Originalfilm ,Halloween" komponierte, hätte schaffen können. Zusätzlich zu den einzelnen erweiterten Veröffentlichungen wird die ,Halloween Expanded Trilogy" als Teil eines limitierten Deluxe-Boxsets im 6xLP- und 3xCD-Format erhältlich sein. Diese Editionen enthalten exklusive neue Verpackungen und Artworks von Chris Bilheimer sowie ausführliche Liner Notes des Musikkritikers Brad Sanders, darunter exklusive Interviews mit John Carpenter und Regisseur David Gordon Green. Beide Box-Sets enthalten außerdem drei Sammlerposter von Creepy Duck, ein exklusives Posterdesign von Chris Bilheimer und ein luxuriöses Lentikular-Cover, das das Artwork zum Leben erweckt. Die erweiterte Version von ,Halloween Kills" enthält 25 unveröffentlichte Musikstücke, während ,Halloween Ends" 10 neue Tracks hinzufügt und ,Halloween" ein komplett neues Artwork und eine neue Verpackung von Chris Bilheimer erhält. Für John-Carpenter-Sammler, Halloween-Komplettisten und alle Fans großartiger Filmmusik ist die ,Halloween Expanded Trilogy" ein unverzichtbares, wegweisendes Release.

Cate Le Bons siebtes Album 'Michelangelo Dying', dessen Entstehung von purer Emotion geleitet wurde, hat das Album, das sie zu machen glaubte, verdrängt. Als Produkt eines alles verzehrenden Herzschmerzes überwanden ihre Gefühle ihren Widerwillen, ein Album über die Liebe zu schreiben, und wurden in diesem Prozess zu einer Art Exorzismus. Herausgekommen ist ein wunderbar schillernder Versuch, eine Wunde zu fotografieren, bevor sie sich schließt - und dabei auch in ihr zu stochern.

Musikalisch gibt es eine Fortsetzung und Erweiterung eines Sounds - eine Maschine mit Herz -, der auf ihren letzten beiden Platten 'Reward' (2019) und 'Pompeii' (2022) Gestalt angenommen hat, da Le Bon zunehmend selbst die Kontrolle über das Spielen und Produzieren übernommen hat. Wenn Gitarren und Saxophone durch Pedale gepresst und Perkussion und Stimmen durch Filter gejagt werden, entsteht ein schillernder, grüner und seidiger Sound, in dem die künstlerischen Eigenheiten von David Bowie, Nico, John McGeoch und Laurie Anderson aufblitzen und wieder verschwinden.

Was übrig bleibt, ist eine sich ständig verändernde, kontinuierliche Einheit, eine Art Songzyklus. Jede Iteration reflektiert die letzte und entwickelt sie weiter. „Jede ist eine Scherbe desselben zerbrochenen Spiegels“: Sie verschiebt sich, glitzert, verbirgt und enthüllt, je nachdem, wie sie im Licht gedreht wird. Letztendlich gibt es, so Cate, „keine Enthüllungen. Keine Schlussfolgerungen. Es gibt keinen Grund. Es gibt nur Wiederholungen und Chaos. Ich habe mir schließlich erlaubt, einen offenen Geist zu haben, um es ohne Widerstand zu erleben, ohne nach einer Offenbarung oder Ordnung zu suchen.“

'Michelangelo Dying' ist eine Übung in der Viszeralität des Lebens, der Liebe und der Menschlichkeit, sowohl für den Hörer als auch für die Künstlerin selbst, und es weiß, was es heißt Halt zu geben, gehalten zu werden aber auch sich ganz und gar allein zu fühlen. „Die Figuren sind austauschbar“, schließt Cate, „aber am Ende bin ich es, der sich selbst begegnet.“

- LP: (Vollfarbige Hülle, 140g schwarzes Vinyl, bedruckte Innenhülle und Download-Karte)

Diese liebevoll zusammengestellte 2LP-Edition vereint die größten Erfolge von Charles Aznavour, einem der bedeutendsten Chansonniers des 20. Jahrhunderts. Mit Klassikern wie "Je M"voyais Déjà", "Tu T"laisses Aller", "Les Comédiens" und "L"Amour C"est Comme Un Jour" bietet dieses Album einen eindrucksvollen Querschnitt durch das Werk eines Ausnahmekünstlers. Auch in Deutschland war Aznavour über Jahrzehnte hinweg ein gefeierter Star. Seine poetischen Texte, seine charismatische Bühnenpräsenz und seine emotionale Tiefe machten ihn hierzulande zu einem festen Bestandteil der Musiklandschaft - im Radio, auf der Bühne und in den Herzen vieler Generationen. Die Doppel-LP erscheint in einer hochwertigen Pressung auf klassischem schwarzem Vinyl und überzeugt mit einem warmen, detailreichen Klangbild. Das stilvolle Klappcover wurde vom Künstler Adrian Keindorf gestaltet und verleiht der Edition eine besondere visuelle Note. Ob als Einstieg oder Wiederentdeckung - diese Sammlung ist ein Muss für alle, die französische Chansons und große Gefühle lieben.

Bryan Ferrys gefeiertes Album „Avonmore“ aus dem Jahr 2014 ist eine meisterhafte Mischung aus anspruchsvollem
Songwriting, eleganter Produktion und atmosphärischem Charme – von Kritikern als sein bestes Werk seit
„Avalon“ gefeiert. Mit Kollaborationen mit langjährigen Bandkollegen von Roxy Music und Gastauftritten
von Johnny Marr, Nile Rodgers und Marcus Miller liefert das Album einen modernen und doch klassischen
Ferry-Sound. Herausragende Tracks wie „Loop De Li“ und „Driving Me Wild“ zeigen seine charakteristische Mischung aus Eleganz und Melancholie, während Coverversionen von Stephen Sondheims „Send in
the Clowns“ und Robert Palmers „Johnny and Mary“ für zusätzliche Tiefe sorgen. Ein Muss für Fans von
Bryan Ferry und raffnierter Pop-Kunst und eine fesselnde Ergänzung für jede Sammlung.
Das Album erscheint zum ersten Mal seit 2014 wieder auf limitierter roter Vinyl-LP und CD. Bryan Ferry
hat auch das aktualisierte Artwork für beide Formate gestaltet.

Press Quotes:

Rock Hard 8.5/10: "...noch ausgereifter und dürften sich endgültig als eine feste Größe im britischen Prog Metal etablieren. Das Nebeneinander von modernen und traditionellen Elementen funktioniert ganz wunderbar... Eine der positivsten Überraschungen des Prog-Jahres 2025!"
"...even more mature and should finally establish themselves as a permanent fixture in British prog metal. The juxtaposition of modern and traditional elements works wonderfully... One of the most positive surprises of the prog year 2025!"

Metal Hammer 4.5/7: "Insofern gehört auch LEGACY zu den tiefschürfenden Statements einer modernen Band, die voll im Zeitgeist ist."
"In this respect, LEGACY is also one of the profound statements of a modern band that is fully in tune with the zeitgeist."

Legacy 13/15: "Diese Band ist manifestierte Kreativität, die dazu dient, den Geist mit Glück zu erfüllen. So viel Schönheit ist schon bemerkenswert. Dieses Werk ist wahrlich ein Vermächtnis, welches den Prog in ein neues Zeitalter führt und in der Musikwelt seine Spuren hinterlassen wird."
"This band is manifest creativity that serves to fill the spirit with happiness. Such beauty is truly remarkable. This work is truly a legacy that will lead prog metal into a new era and leave its mark on the music world."

eclipsed 8/10 (#2 in eclipsed Radar Top 20): "Die erzeugten Stimmungen - die mit den eine dystopische Zukunft beschreibenden Texten korrelieren - machen „Legacy" vielmehr zu einem Bauch-Album, das mit Atmosphäre punktet und einem bei jedem Durchlauf besser gefällt. ...Durchweg tolle Melodien, starker Gesang und abwechslungsreiche Gestaltung der Songs. ...Es ist ein moderner Kopfhörer-Traum, den Ihlo hier abgeliefert haben."
"The moods created—which correlate with the lyrics describing a dystopian future—make "Legacy" more of a gut-pumping album, one that scores with atmosphere and grows more likable with each listen. ...Consistently great melodies, strong vocals, and varied songwriting. ...It's a modern headphone dream that Ihlo have delivered here."

saitenkult.de 9/10: "Mit ´Legacy´ legen IHLO den Grundstein zu ihrem eigenen Vermächtnis. Ein Werk, das in die Zukunft strahlt und zugleich im Hier und Jetzt überwältigt."
"With 'Legacy,' IHLO lay the foundation for their own legacy. A work that radiates into the future and simultaneously overwhelms the here and now."

theprogspace 10/10: "Ihlo’s growth since their beginnings has been nothing short of spectacular, and to witness how far they’ve come is inspiring. After listening nonstop to ‘Legacy’, it is really hard for me to realize that it is just their second album (!). It is so well produced with its raw energy and depth. It is truly cementing their career, carving out a big bold name within the best of the best in the prog metal universe."

metal-heads.de: "Ein interessantes Prog-Werk haben IHLO da erschaffen."
"IHLO have created an interesting prog work."

moshpitpassion.de: "Manchmal hört man einen Song und weiß sofort: Das hier wird etwas Besonderes. Genau so wirkt „Replica“, die neue Single von IHLO. …macht deutlich, wie weit sich die Band seit ihrem Debüt entwickelt hat. Die Atmosphäre ist dicht, die Dynamikwechsel kommen plötzlich und hart, und der Breakdown bringt eine rohe Härte mit, wie man sie von IHLO in dieser Form noch nicht kannte. Und trotzdem bleibt alles stimmig, melodisch und emotional aufgeladen."
"Sometimes you hear a song and know immediately: This is going to be something special. That's exactly how "Replica," the new single from IHLO, feels. ...makes it clear how far the band has evolved since their debut. The atmosphere is dense, the dynamic shifts are sudden and harsh, and the breakdown brings a raw heaviness never before seen from IHLO. And yet everything remains coherent, melodic, and emotionally charged."


Press Quotes:

Rock Hard 8.5/10: "...noch ausgereifter und dürften sich endgültig als eine feste Größe im britischen Prog Metal etablieren. Das Nebeneinander von modernen und traditionellen Elementen funktioniert ganz wunderbar... Eine der positivsten Überraschungen des Prog-Jahres 2025!"
"...even more mature and should finally establish themselves as a permanent fixture in British prog metal. The juxtaposition of modern and traditional elements works wonderfully... One of the most positive surprises of the prog year 2025!"

Metal Hammer 4.5/7: "Insofern gehört auch LEGACY zu den tiefschürfenden Statements einer modernen Band, die voll im Zeitgeist ist."
"In this respect, LEGACY is also one of the profound statements of a modern band that is fully in tune with the zeitgeist."

Legacy 13/15: "Diese Band ist manifestierte Kreativität, die dazu dient, den Geist mit Glück zu erfüllen. So viel Schönheit ist schon bemerkenswert. Dieses Werk ist wahrlich ein Vermächtnis, welches den Prog in ein neues Zeitalter führt und in der Musikwelt seine Spuren hinterlassen wird."
"This band is manifest creativity that serves to fill the spirit with happiness. Such beauty is truly remarkable. This work is truly a legacy that will lead prog metal into a new era and leave its mark on the music world."

eclipsed 8/10 (#2 in eclipsed Radar Top 20): "Die erzeugten Stimmungen - die mit den eine dystopische Zukunft beschreibenden Texten korrelieren - machen „Legacy" vielmehr zu einem Bauch-Album, das mit Atmosphäre punktet und einem bei jedem Durchlauf besser gefällt. ...Durchweg tolle Melodien, starker Gesang und abwechslungsreiche Gestaltung der Songs. ...Es ist ein moderner Kopfhörer-Traum, den Ihlo hier abgeliefert haben."
"The moods created—which correlate with the lyrics describing a dystopian future—make "Legacy" more of a gut-pumping album, one that scores with atmosphere and grows more likable with each listen. ...Consistently great melodies, strong vocals, and varied songwriting. ...It's a modern headphone dream that Ihlo have delivered here."

saitenkult.de 9/10: "Mit ´Legacy´ legen IHLO den Grundstein zu ihrem eigenen Vermächtnis. Ein Werk, das in die Zukunft strahlt und zugleich im Hier und Jetzt überwältigt."
"With 'Legacy,' IHLO lay the foundation for their own legacy. A work that radiates into the future and simultaneously overwhelms the here and now."

theprogspace 10/10: "Ihlo’s growth since their beginnings has been nothing short of spectacular, and to witness how far they’ve come is inspiring. After listening nonstop to ‘Legacy’, it is really hard for me to realize that it is just their second album (!). It is so well produced with its raw energy and depth. It is truly cementing their career, carving out a big bold name within the best of the best in the prog metal universe."

metal-heads.de: "Ein interessantes Prog-Werk haben IHLO da erschaffen."
"IHLO have created an interesting prog work."

moshpitpassion.de: "Manchmal hört man einen Song und weiß sofort: Das hier wird etwas Besonderes. Genau so wirkt „Replica“, die neue Single von IHLO. …macht deutlich, wie weit sich die Band seit ihrem Debüt entwickelt hat. Die Atmosphäre ist dicht, die Dynamikwechsel kommen plötzlich und hart, und der Breakdown bringt eine rohe Härte mit, wie man sie von IHLO in dieser Form noch nicht kannte. Und trotzdem bleibt alles stimmig, melodisch und emotional aufgeladen."
"Sometimes you hear a song and know immediately: This is going to be something special. That's exactly how "Replica," the new single from IHLO, feels. ...makes it clear how far the band has evolved since their debut. The atmosphere is dense, the dynamic shifts are sudden and harsh, and the breakdown brings a raw heaviness never before seen from IHLO. And yet everything remains coherent, melodic, and emotionally charged.

Press Quotes:

Rock Hard 8.5/10: "...noch ausgereifter und dürften sich endgültig als eine feste Größe im britischen Prog Metal etablieren. Das Nebeneinander von modernen und traditionellen Elementen funktioniert ganz wunderbar... Eine der positivsten Überraschungen des Prog-Jahres 2025!"
"...even more mature and should finally establish themselves as a permanent fixture in British prog metal. The juxtaposition of modern and traditional elements works wonderfully... One of the most positive surprises of the prog year 2025!"

Metal Hammer 4.5/7: "Insofern gehört auch LEGACY zu den tiefschürfenden Statements einer modernen Band, die voll im Zeitgeist ist."
"In this respect, LEGACY is also one of the profound statements of a modern band that is fully in tune with the zeitgeist."

Legacy 13/15: "Diese Band ist manifestierte Kreativität, die dazu dient, den Geist mit Glück zu erfüllen. So viel Schönheit ist schon bemerkenswert. Dieses Werk ist wahrlich ein Vermächtnis, welches den Prog in ein neues Zeitalter führt und in der Musikwelt seine Spuren hinterlassen wird."
"This band is manifest creativity that serves to fill the spirit with happiness. Such beauty is truly remarkable. This work is truly a legacy that will lead prog metal into a new era and leave its mark on the music world."

eclipsed 8/10 (#2 in eclipsed Radar Top 20): "Die erzeugten Stimmungen - die mit den eine dystopische Zukunft beschreibenden Texten korrelieren - machen „Legacy" vielmehr zu einem Bauch-Album, das mit Atmosphäre punktet und einem bei jedem Durchlauf besser gefällt. ...Durchweg tolle Melodien, starker Gesang und abwechslungsreiche Gestaltung der Songs. ...Es ist ein moderner Kopfhörer-Traum, den Ihlo hier abgeliefert haben."
"The moods created—which correlate with the lyrics describing a dystopian future—make "Legacy" more of a gut-pumping album, one that scores with atmosphere and grows more likable with each listen. ...Consistently great melodies, strong vocals, and varied songwriting. ...It's a modern headphone dream that Ihlo have delivered here."

saitenkult.de 9/10: "Mit ´Legacy´ legen IHLO den Grundstein zu ihrem eigenen Vermächtnis. Ein Werk, das in die Zukunft strahlt und zugleich im Hier und Jetzt überwältigt."
"With 'Legacy,' IHLO lay the foundation for their own legacy. A work that radiates into the future and simultaneously overwhelms the here and now."

theprogspace 10/10: "Ihlo’s growth since their beginnings has been nothing short of spectacular, and to witness how far they’ve come is inspiring. After listening nonstop to ‘Legacy’, it is really hard for me to realize that it is just their second album (!). It is so well produced with its raw energy and depth. It is truly cementing their career, carving out a big bold name within the best of the best in the prog metal universe."

metal-heads.de: "Ein interessantes Prog-Werk haben IHLO da erschaffen."
"IHLO have created an interesting prog work."

moshpitpassion.de: "Manchmal hört man einen Song und weiß sofort: Das hier wird etwas Besonderes. Genau so wirkt „Replica“, die neue Single von IHLO. …macht deutlich, wie weit sich die Band seit ihrem Debüt entwickelt hat. Die Atmosphäre ist dicht, die Dynamikwechsel kommen plötzlich und hart, und der Breakdown bringt eine rohe Härte mit, wie man sie von IHLO in dieser Form noch nicht kannte. Und trotzdem bleibt alles stimmig, melodisch und emotional aufgeladen."
"Sometimes you hear a song and know immediately: This is going to be something special. That's exactly how "Replica," the new single from IHLO, feels. ...makes it clear how far the band has evolved since their debut. The atmosphere is dense, the dynamic shifts are sudden and harsh, and the breakdown brings a raw heaviness never before seen from IHLO. And yet everything remains coherent, melodic, and emotionally charged."


Press Quotes:

Rock Hard 8.5/10: "...noch ausgereifter und dürften sich endgültig als eine feste Größe im britischen Prog Metal etablieren. Das Nebeneinander von modernen und traditionellen Elementen funktioniert ganz wunderbar... Eine der positivsten Überraschungen des Prog-Jahres 2025!"
"...even more mature and should finally establish themselves as a permanent fixture in British prog metal. The juxtaposition of modern and traditional elements works wonderfully... One of the most positive surprises of the prog year 2025!"

Metal Hammer 4.5/7: "Insofern gehört auch LEGACY zu den tiefschürfenden Statements einer modernen Band, die voll im Zeitgeist ist."
"In this respect, LEGACY is also one of the profound statements of a modern band that is fully in tune with the zeitgeist."

Legacy 13/15: "Diese Band ist manifestierte Kreativität, die dazu dient, den Geist mit Glück zu erfüllen. So viel Schönheit ist schon bemerkenswert. Dieses Werk ist wahrlich ein Vermächtnis, welches den Prog in ein neues Zeitalter führt und in der Musikwelt seine Spuren hinterlassen wird."
"This band is manifest creativity that serves to fill the spirit with happiness. Such beauty is truly remarkable. This work is truly a legacy that will lead prog metal into a new era and leave its mark on the music world."

eclipsed 8/10 (#2 in eclipsed Radar Top 20): "Die erzeugten Stimmungen - die mit den eine dystopische Zukunft beschreibenden Texten korrelieren - machen „Legacy" vielmehr zu einem Bauch-Album, das mit Atmosphäre punktet und einem bei jedem Durchlauf besser gefällt. ...Durchweg tolle Melodien, starker Gesang und abwechslungsreiche Gestaltung der Songs. ...Es ist ein moderner Kopfhörer-Traum, den Ihlo hier abgeliefert haben."
"The moods created—which correlate with the lyrics describing a dystopian future—make "Legacy" more of a gut-pumping album, one that scores with atmosphere and grows more likable with each listen. ...Consistently great melodies, strong vocals, and varied songwriting. ...It's a modern headphone dream that Ihlo have delivered here."

saitenkult.de 9/10: "Mit ´Legacy´ legen IHLO den Grundstein zu ihrem eigenen Vermächtnis. Ein Werk, das in die Zukunft strahlt und zugleich im Hier und Jetzt überwältigt."
"With 'Legacy,' IHLO lay the foundation for their own legacy. A work that radiates into the future and simultaneously overwhelms the here and now."

theprogspace 10/10: "Ihlo’s growth since their beginnings has been nothing short of spectacular, and to witness how far they’ve come is inspiring. After listening nonstop to ‘Legacy’, it is really hard for me to realize that it is just their second album (!). It is so well produced with its raw energy and depth. It is truly cementing their career, carving out a big bold name within the best of the best in the prog metal universe."

metal-heads.de: "Ein interessantes Prog-Werk haben IHLO da erschaffen."
"IHLO have created an interesting prog work."

moshpitpassion.de: "Manchmal hört man einen Song und weiß sofort: Das hier wird etwas Besonderes. Genau so wirkt „Replica“, die neue Single von IHLO. …macht deutlich, wie weit sich die Band seit ihrem Debüt entwickelt hat. Die Atmosphäre ist dicht, die Dynamikwechsel kommen plötzlich und hart, und der Breakdown bringt eine rohe Härte mit, wie man sie von IHLO in dieser Form noch nicht kannte. Und trotzdem bleibt alles stimmig, melodisch und emotional aufgeladen."
"Sometimes you hear a song and know immediately: This is going to be something special. That's exactly how "Replica," the new single from IHLO, feels. ...makes it clear how far the band has evolved since their debut. The atmosphere is dense, the dynamic shifts are sudden and harsh, and the breakdown brings a raw heaviness never before seen from IHLO. And yet everything remains coherent, melodic, and emotionally charged.

"Room for the Moon Live" dokumentiert einen ekstatischen Abend, den die facettenreiche Produzentin und Performerin Kate NV ins Leben gerufen hat. Das Album wurde während einer einmaligen Show aufgenommen, die einige Jahre nach der Veröffentlichung von "Room for the Moon" (2020) stattfand. NV malt innerhalb und außerhalb der expressionistischen Linien ihrer Solo-Persönlichkeit und steht an der Spitze einer eklektischen achtköpfigen Band, die Material aus ihrem skurrilen und endlos faszinierenden zweiten Album aufgreift und weiterentwickelt. Für NV ist "Room for the Moon Live" mehr als nur ein Meilenstein, der die fünf Jahre seit der Veröffentlichung ihres zweiten Albums markiert. Die Aufnahme dokumentiert einen wichtigen und seitdem einmaligen Abend, an dem der Sound und die Seele des Albums und ihrer musikalischen Vertrauten einen Raum der Zuflucht in einer besonders schweren und isolierenden Zeit schufen. ,Das wichtigste Thema des Konzerts war, ein Team zu sein - zusammen", sagt NV. ,Musik zu spielen und zu versuchen, in dunklen Zeiten Freude zu verbreiten. Das war für mich sehr wichtig." Die Band wurde von NV aus einer eng verbundenen Gruppe von Musikerfreunden und häufigen Kollaborateuren zusammengestellt, wobei der Kern aus Mitgliedern von Glintshake besteht, der Post-Punk-Band, die sie 2012 mitbegründet hat. Unter NVs leichtfüßiger Leitung begann das Ensemble, die Richtung der Performance zu skizzieren und sich vorzustellen, wie sie einige der synthlastigeren Stücke von Room mit neuen Ideen und akustischen Texturen neu gestalten könnten, unterstützt durch ihre Offenheit für Improvisation, ,Jam"-Ästhetik und vor allem durch ihren freigeistigen Spaß an der Sache. ,Der Ansatz war in etwa: ,Leute, wir spielen Songs, aber hier können wir richtig wild werden`", erinnert sie sich. ,Ich hatte einige ,Musts`, die wir so originalgetreu wie möglich nachbilden mussten, weil sie für die Songs entscheidend waren, aber es war nie eine Priorität, alle in einen Käfig der Originale zu stecken. Die Tracks haben dadurch nur gewonnen und klingen kraftvoller als die Originalversionen." NV hebt ,Marafon 15" und ,Telefon" als besonders eindrucksvolle Beispiele für die tief groovenden, groovigen Art-Rock-Kräfte hervor, die die Originale auf der Bühne belebten. Aber auch über diese beiden Tracks hinaus sind alle Songs weiter ausgelegt und fließen freier, oft eine Minute oder mehrere Minuten länger als die Originale, da die Band einige der eher poporientierten Arrangements von Room aufbricht. NV verweist auch auf die ausgedehnten Solo-Passagen in ,Ça commence par" und die euphorische Coda von ,Lu Na", die während einer Probe der Band entstanden sind und dann für immer Teil des Songs geblieben sind, als einige der verspieltesten Momente des Albums. Live-Alben folgen, sei es aus Notwendigkeit oder aus Gewohnheit, meist einem altbewährten Muster: Sie dokumentieren eine Reihe von Abenden auf Tournee, an denen Künstler vor einem aufgeschlossenen, aber oft verschwommenen Publikum in fremden Städten spielen, die in einem impressionistischen Nebel aus Orten, Räumen, Bildern und Geschmäckern vorbeiziehen. Die Performance auf "Room for the Moon Live" ist etwas ganz anderes. Es ist Musik, die von Freunden für Freunde gemacht wurde, um zu heilen und zu fühlen, voller Freude und grenzenloser Großzügigkeit. Kate NVs "Room for the Moon Live" erscheint fast genau fünf Jahre nach der Veröffentlichung des Originalalbums, als limitierte Doppel-LP und in unbegrenzter digitaler Auflage.

Stripping away excess layers, Dispossessed lives up to its title. The band went into Causa Sui's Jonas Munk's studio on the last day of February 2025. In an a priori session, the first note played together since 2023's Dens - the conclusion of a trilogy and a live album all in less than a year. Has something shifted during the silence? Added aggression? Faster tempo? Darker ambiance? The feeling of losing time? Or is it simply the listener who's world has tilted? In a fast paced world, Edena Gardens shows us how to resist and tune to our own inner chord. Edena Gardens deals in subtle shifts that can only be summoned from something played for the first time. From the sludgy blasts of opener Hiraeth to the droning ambience of 10-minute ender Aftenstjerne. As always, the band travels far yet stays in the same internal realm. The band's own Jakob Skott has made minor edits to cut a record from hours of free improvisation, and every dubbed ambience has been culled directly from the material recorded that day, bringing into play the band's gestalt in a way that shows their both outer and inner workings: Dispossessed. Edena Gardens is: Jakob Skott: Drums (Causa Sui) Nicklas Sorensen: Guitar (Papir) Martin Rude: Baritone guitar & Bass (London Odense Ensemble)

1973/74 wagte Herbert von Karajan einen innovativen Schritt und nahm mit den Berliner Philharmonikern
Orchesterwerke von Arnold Schoenberg, Anton Webern und Alban Berg auf. Das Ergebnis waren bahnbrechende Aufnahmen der Zweiten Wiener Schule, präsentiert in einer aufwändig gestalteten 4-LP-Box vom
renommierten Grafikdesigner Holger Matthies.
Erstmals wurden diese Aufnahmen von den originalen Vier- und Acht-Spur-Bändern neu abgemischt und
geschnitten und erscheinen nun im Rahmen der Original Source Serie als 4-LP-Gatefold-Edition mit OriginalArtwork in einem hochwertigen Schuber.
Die audiophile Vinyl-Serie The Original Source präsentiert herausragende Aufnahmen der 1970er Jahre
in ganz neuer Klangqualität. Dafür haben die renommierten Emil Berliner Studios die originalen Vier- und
Achtspur-Bänder mit eigens für die Produktion der Serie entwickelten Technologien in 100% analoger Qualität (AAA) neu gemastert und geschnitten. Die klanglichen Unterschiede zu den Originalveröffentlichungen sind beträchtlich: Größere Klarheit, mehr Feinheiten und Verbesserungen im Frequenzgang, zugleich
weniger Nebengeräusche, Verzerrungen und Komprimierungen ermöglichen ein audiophiles Hörerlebnis wie
nie zuvor.
Auf 180g Vinylplatten und in einer Deluxe-Gatefold Edition mit Originalcovers und -texten werden die Exemplare dieser Serie limitiert und nummeriert veröffentlicht, begleitet von zusätzlichen Fotos und Faksimiles
der Aufnahmeprotokolle und Bandkartons.

"Seminal Live" wurde ursprünglich 1989 veröffentlicht und ist ein ziemlich einzigartiges Album im reichhaltigen Katalog von The Fall. Es wurde nämlich zu einer Hälfte im Studio und zur anderen Hälfte live aufgenommen. Es war gleichzeitig die letzte Veröffentlichung der Band bei Beggars Banquet und das letzte Album, auf dem Gitarristin Brix Smith zu hören ist. Die Neuauflage von "Seminal Live" erscheint auf gelbem Vinyl. Aufwändig remastered wurde "Seminal Live" von Kevin Vanbergen. Zudem enthält der Re-Release ein neu gestaltetes Artwork, sowie ausführliche Sleeve Notes und einen QR-Code, der auf geheimnisvollen digitalen Wegen zu exklusivem Bonusmaterial führt. Die Studioaufnahmen auf Seminal Live sind allesamt neue Songs und bilden die erste Seite des Albums. Die Live-Aufnahmen auf der zweiten Seite sind hingegen allesamt Versionen bereits veröffentlichter Titel. Einige der Songs auf Seminal Live gehören zu den besten Songs von The Fall aller Zeiten. Seite eins enthält "Dead Beat Descendant", und ihre Coverversion von Lonnie Irvings "Pinball Machine" steht in der bewährten Tradition der Country-Coverversionen von The Fall.

"Sun" ist das erste Album der aus Tennessee stammenden Baritonsaxophonistin Zoh Amba für das in Oslo ansässige Label Smalltown Supersound - und ihr zweites Album nach "Oh Sun", das 2022 auf dem Label Tzadik erschienen ist. Auf "Sun" stellt Amba eine neu zusammengestellte Gruppe mit einer Reihe von Kompositionen vor, die die Grenze zwischen Performance und Prozess verwischen - wobei sich sowohl die Musik als auch der Akt ihrer Aufnahme in Echtzeit entfalten, teilweise geleitet von improvisatorischen Aufnahmetechniken. Als Bandleaderin bewegt sich Amba an den Rändern eines improvisatorischen Deltas, in dem spiritueller Jazz und Free Folk nicht als getrennte Genres auftreten, sondern als Nebenflüsse derselben Strömung, die beide aus einem gemeinsamen Glauben an die Musik als heilige Kraft entspringen. Die Entscheidung, "Sun" auf Smalltown Supersound zu veröffentlichen, entstand aus einer gemeinsamen Verbindung zum verstorbenen deutschen Saxophonisten Peter Brötzmann, der sowohl ein spiritueller Mentor für Amba war als auch mehrere Platten auf dem Label veröffentlicht hat. Und während das Album in amerikanischen Folk-Traditionen verwurzelt ist, ist es Brötzmanns furchtloser Geist - selbst ein immenser historischer Katalysator für den europäischen Free Jazz -, der wie ein roter Faden durch die musikalische Zusammenarbeit des Ensembles und seine experimentellen Aufnahmetechniken verläuft. Für Amba war es jedoch wichtig, dass das Ensemble - bestehend aus Caroline Morton (Bass), Lex Korton (Piano) und Miguel Marcel Russel (Percussion) - vor den Aufnahmen eine tiefere musikalische Verbindung aufbauen konnte: ,Wir haben tagelang einfach nur zusammen gespielt, und ich habe versucht, mir mental Notizen zu machen, was in dieser Band ganz natürlich vorhanden war - bevor ich Anweisungen gab oder Noten austeilte. Ich wollte sehen, wo wir alle in diesem Moment in unserem Leben standen. Von dort aus begann ich, mit ihnen den Prozess zu gestalten. So entstanden die Struktur der Band und der Ansatz für das Album."

Dass Hamburg eine gute Adresse für Streetpunk ist, beweisen nun auch BOLANOW BRAWL mit ihrer ersten Langrille ,First Shots!", die auf die bereits knapp neun Jahre zurückliegende Debüt-EP ,Total Escalation" folgt. Man lässt es halt ruhiger angehen im Norden - will's jetzt aber auch noch mal wissen. Der Bandname - eine Kombination aus der Billig-Wodka-Marke BOLANOW und dem englischen BRAWL für Rauferei oder Handgemenge - verweist auf ambivalente Erfahrungen, die die Bandmitglieder unter Alkoholeinfluss im jugendlichen Leichtsinn sammelten. Flotte Gitarrenriffs, treibende Drumbeats und ein rauer, oft rotziger Gesang bilden das musikalische Gerüst der Hanseaten - das im Kontrast zu den eingängigen Leadgitarren-Melodien steht. Singalongs verleihen dem Sound einen bierseligen Touch. Die Mischung aus englischen, amerikanischen und Buxtehuder Stilelementen gibt den zwölf Songs das gewisse Etwas, das den Stil von BOLANOW BRAWL ausmacht. Die alte Plattitüde von den ,Texten, die das Leben schrieb" trifft auch auf die Songs von BOLANOW BRAWL zu. Eigene Erlebnisse, Beobachtungen und Erfahrungen aus Arbeitswelt, Subkultur und Gesellschaft fließen in die Texte ein - ohne erhobenen Zeigefinger, dafür gern mit gehobener Bierflasche. Die Covergestaltung stammt von Alteau, einem frankobelgischen Skinhead und Comiczeichner, der schon mit 14 erste Arbeiten im Spirou-Comic-Magazin veröffentlichte. Seit Ende der Achtziger hat er etliche Plattencover für Punk- und Oi!-Bands gestaltet - darunter Klasse Kriminale, Rancid, Bérurier Noir und The Herberts, bei denen er auch selbst als Sänger aktiv war.

Als Yunchan Lim im Jahr 2022 im Alter von 18 Jahren der jüngste Gewinner der Van Cliburn International
Piano Competition aller Zeiten wurde, begann ein kometenhafter Aufstieg zu weltweitem Ruhm. Nun
präsentiert er seine bisher persönlichste und nachdenklichste Arbeit - The Seasons - eines der intimsten
Klavierwerke Tschaikowskys. Live aufgenommen in England, betrachtet Lim die zwölf Stücke nicht nur in
der klassischen Reihe von Monaten - sondern als eine Geschichte, die das letzte Lebensjahr eines Menschen
beschreibt.
Jedes Stück spiegelt einen anderen Moment oder ein anderes Gefühl wider, von Traurigkeit und stillen
Gedanken bis hin zu Freude, Liebe und Frieden. Die Musik beginnt mit einem Mann, der am Feuer sitzt
und an die Vergangenheit denkt, und endet mit einem friedlichen Abschied.
In der Konzertsaison 2023 bis 2024 erhielten seine Live-Aufführungen des Werks sowohl von der Kritik als
auch vom Publikum begeisterte Kritiken.
„Ich habe mir vorgenommen, mein Leben nur der Musik zuliebe zu leben, und ich habe beschlossen,
alles für die Musik aufzugeben... Ich möchte, dass meine Musik tiefer wird, und wenn dieser Wunsch
das Publikum erreicht, bin ich glücklich.“ - sagt der junge Koreaner - und stellt es auf diesem Album
eindrucksvoll unter Beweis.
Das von Lims gutem Freund Ho-yeon Choi gestaltete Albumcover mit dem Titel ”How Much Do the
Petals Weigh?” spiegelt die Gefühle und Fragen wider, die der Musik zugrunde liegen.

Zum 100. Geburtstag von Peter Thomas - der Kult-Soundtrack neu aufgelegt! Zum Jubiläum des 1925 geborenen Komponisten Peter Thomas erscheint einer seiner größten internationalen Erfolge erneut auf Vinyl: Bruce Lee: The Big Boss (Revised) - die alternative Filmmusik zum gleichnamigen Martial-Arts-Klassiker von 1971. Die ursprünglich 2020 veröffentlichte und längst vergriffene LP wird nun als 180g-Vinyl in schwarzer Pressung neu aufgelegt und ist ab sofort wieder im Handel erhältlich. Die Musik - ein mitreißender Mix aus Big-Band-Sound, Funk, Space-Age und psychedelischer Elektronik - wurde vom deutschen Verleih als westliche Alternative zur Originalmusik in Auftrag gegeben und entwickelte sich zur offiziellen internationalen Filmmusik des Films (außerhalb Chinas). Das aufklappbare Gatefold-Cover wurde vom renommierten Künstler Adrian Keindorf gestaltet und verbindet Retro-Ästhetik mit modernem Design. Diese Veröffentlichung ist der Auftakt einer Reihe, die dem Werk von Peter Thomas (1925-2020) gewidmet ist. Bereits erschienen sind:

Winnetou und sein Freund Old Firehand
Steiner - Das eiserne Kreuz 2
Edgar Wallace
Derrick & Der Alte
Ein Muss für Soundtrack-Sammler, Bruce-Lee-Fans und Liebhaber außergewöhnlicher Filmmusik.

Schweiengötter nehmen menschliche Gestalt an und veröffentlichen ,Debütalbum"? Wenn man in einer Kleinstadt aufwächst, muss man entweder seine Freizeit kreativ gestalten oder man radikalisiert sich im Internet. Über dem San Fernando Valley von Los Angeles erhebt sich der süße, schwüle Sound von The Toxhards. Mit halb Psych, halb Prog, halb Rocktheater und halb Indie (das sind vier Hälften) hauchen The Toxhards dem längst obsoleten Genre des ROCK 'n' Roll neues Leben ein. Von ,existenziellen Doom-Bops" bis zu mitreißenden Hymnen über Schweinegötter, bieten The Toxhards einen genreübergreifenden, elektrischen und exzentrischen neuen alternativen Sound. Ihre Musik wird bereits auf TikTok Reels millionenfach angeklickt, ihre unterhaltsamen Bits und Sketche millionenfach geschaut (135k Follower auf TikTok, 75k Follower auf Instagram und 13k auf YouTube). Im Laufe der zwölf Tracks plus vier Zwischenspielen folgt ,Your Neighborhood" dem Protagonisten Adam und seiner Unzufriedenheit mit dem Leben - er hat Freundin verloren, ihm fehlt der Mut, seinen Ambitionen zu folgen - und er beginnt, die schlimmste Version seiner selbst zu werden, die er nur sein kann: ein unsicheres, reaktionäres Individuum, das Trost darin findet, sich in dunklen Online-Ecken über ,andere" zu beschweren. Ursprünglich aus dem Midwestern, nun in der smoggefüllten Höllenlandschaft des San Fernando Valley von Los Angeles lebend, ist die Band auch für ihre unterhaltsamen und mitreißenden Live-Auftritte bekannt, bei denen sie aufblasbare Schweinekostüme tragen, T-Shirts verschenken, unveröffentlichte Songs präsentieren, Kaffeepausen einlegen, Instrumente tauschen und gelegentlich einer ausgedehnten Jam (oder zwei oder drei oder...) fröhnen. Mit jeder neuen Veröffentlichung und bei jeder Show beweisen sie, dass sie die Zukunft von was auch immer sind. The Toxhards haben uns viel zu erzählen und zu bieten. 2023 bei Hopeless Records unterschrieben und direkt ihre erste Single "(The) Coffee Song / October" veröffentlicht.2024 gab's die limitierte und aktuell ausverkaufte Vinyl-Compilation ihrer bisherigen Songs und Singles zwischen 2022 und 2024. Obwohl es sich um eine Zusammenstellung handelt, betrachtet die Band es als ihr "eigentliches Debütalbum", aber nun ist "Your Neighborhood" dran! Für Fans von Ween, Car Seat Headrest, White Reaper, Pigeons Playing Ping Pong, symphonischen Weezer, Indie-Prog, Alterntive Pomp, Psychpunk....

Andy Jenkins neues Album Since Always entstand aus dem Loslassen von Selbstwahrnehmungen, Erwartungen und Annahmen. Jenkins fand Raum in sich selbst als Gitarrist seinen eigenen Songs zu vertrauen, und Produzent Nick Sanborn schlüpfte in eine neue Art von Produktionsrolle, indem er Ideen entwarf und filterte sie gemeinsam durch. Kurzum, es war ein sehr erwachsenes Vorgehen, zwei Fans, die zusammenarbeiten, um etwas zu schaffen; eine Platte, auf der der Verlust und die Liebe, der Kompromiss und der Gewinn des Erwachsenseins sichtbar werden. Beide waren in ihren jeweiligen, aber miteinander verflochtenen Musikszenen in Richmond und Durham, schon seit Jahren Fans voneinander, hatten aber nie offiziell zusammengearbeitet. Jenkins hatte ein paar Jahre damit verbracht, Songs für den Nachfolger seines 2018 erschienenen Debüts "Sweet Bunch" zu sammeln; die neuen Songs waren kunstvoll gestaltete Oden an die verschiedenen Zusicherungen und Ängste, die damit einhergehen können, ein gewisses Maß an Zufriedenheit zu finden, wenn man auf die 30 zugeht. Als Jenkins seine Stücke einspielte, hörte Sanborn zu und ließ seiner seiner Fantasie freien Lauf und überflutete Jenkins mit Ideen - Rhythmusverschiebungen, Keyboard-Verzierungen, Gesangseffekten. Es gab ein Doppel-Takt-Piano, einen Fehler in ,Too Late", den sie beide liebten. Da war die Vocoder-Auswahl während ,Emptiness Is", eine Wahl, die es dem Paar ermöglichte einen großen Teil des Songs allein mit Bass und Schlagzeug zu bestreiten. Da war die Sequenz, die unter ,Leaving Before" brodelt, ein Spiegel des lyrischen nervösen Herzens. Als Amelia Meath und Jenn Wasner von Flock of Dimes im Studio herumhingen im Studio herumhingen, fragte Sanborn, ob sie bei ein paar Stücken singen wollten. Das ist Meath bei ,Blue Mind", die Jenkins' Zeilen über den Zauber der Liebe singt, als würde sie eine Beschwörung anbieten, und Wasner erhebt sich durch die statische Morgendämmerung von ,Lovesick". ,Andy wollte jemanden, der Entscheidungen trifft, die er nie treffen würde", erinnert sich Sanborn. ,Es war diese Minenarbeit, die wir zusammen machen mussten." Als die Songs jedoch immer mehr zusammenwuchsen, bestand Jenkins darauf, dass es endlich an der Zeit war, seine Gitarren abzulegen. ,Ich war noch nie ein besonders kompetenter Gitarrist", sagt er jetzt mit einem kleinen Lachen, aber Sanborn liebte die eigenwillige Art und Weise, wie sich seine Gitarrenschläge mit seiner Stimme verbanden, also hielt er sie hin. Sie würden auf Jenkins' langjährigen Mitarbeiter, ein Ass namens Alan Parker, warten, der aus Richmond kommen und die Teile ersetzen sollte. Als Parker kam, hörte er dasselbe wie Sanborn - ja, er war technisch versierter, aber seine Overdubs hatten nicht dieselbe Persönlichkeit, nicht die gleiche erzählerische Wahrheit. Jenkins lenkte ein, und so blieben seine Gitarren und verankern das Album.

Nachgepresste Vinyl-Zusammenstellung von frühen Singles und EPs der kanadischen Alternative-Künstlerins LOLO! Die aus Toronto, Kanada, stammende LOLO hat sich zu einem aufstrebenden Star der alternativen Popmusik entwickelt. Ihr Durchbruch gelang ihr mit ihrer Overkill-EP, in der sie sich mit peinlicher Adoleszenz (,lonely and pathetic"), Herzschmerz (,hurt less") und Selbstironie (,death wish") auseinandersetzt. Das People Magazine bezeichnete sie daraufhin als ,Emerging Artist" und Spotify nahm sie in seine EQUAL-Kampagne auf, die aufstrebende Künstlerinnen fördert. Nachdem sie bei Hopeless Records unterschrieben hatte, trat LOLO mit ihrer Zusammenarbeit mit der Alt-Pop-Künstlerin Maggie Lindemann ins Rampenlicht. Der Song ,debbie downer" landete in allen Pop/Alt-Playlists und brachte ihr Tourneen und Festivalauftritte beim Lollapalooza und Sad Summer Festival sowie eine UK/EU-Tournee mit Leah Kate ein. Mit der Veröffentlichung ihrer zweiten EP ,Debbie Downer" feierte LOLO mit dem eingängigen ,u turn me on (but u give me depression)" Erfolge im kanadischen Pop-Radio und gestaltet die Alternative-Pop-Szene weiter mit, zuletzt mit ihrem 2024 erschienenen Debütalbum ,Falling For Robots And Whishing I was One". "LOLO creates honest, grungy breakup anthems and hot-girl bangers that mix genres and confuse categories."-Westword "Full of all the anger, angst, cynicism and depression that makes a proper pop punk artist, Toronto singer-songwriter LOLO is well on the rise." -Paper Für Fans von Charlotte Sands, Maggie Linderman, Stand Atlantic, Alternative Rock, Indie-Pop, Punkpop Diese neue Vinyl-Ausgabe der Singles-Compilation kommt in transparentem Rot!

Das in der schottischen Stadt Edinburgh gegründete Doom-Rock Trio KING WITCH engagierte für die Produktion von "III" den eigenen Gitarristen Jamie Gilchrist, der das neue Album auch in seinem Nameless City Sound Studio mischte. Am Schlagzeug saß Andrew Scott. Das Cover-Artwork gestaltete Blasted Heathen. Die Scheibe beschäftigt sich mit dem Status Quo der Menschheit und unserem scheinbar vorhandenen Wunsch, uns selbst zu zerstören, sowie dem mentalen Kampf, damit umzugehen und dennoch ein positives Leben zu führen.

mpressed präsentiert in Zusammenarbeit mit Rubber Records den Soundtrack zum Psychothriller "The Surfer" (2024) in der Regie von Lorcan Finnegan mit Nicolas Cage in der Hauptrolle, der bei den 77. Filmfestspielen von Cannes Premiere feierte. Den Score schrieb der australische Filmkomponist François Tétaz, bekannt für seine Arbeiten für "Elvis" (2022), "Wolf Creek" (2005) und "Judy & Punch" (2019). Er fängt die Nostalgie des Protagonisten für den Strand seiner Kindheit, seine unterschwellige Melancholie und die einzigartige Atmosphäre des Ortes ein. Ein wunderschön gestalteter Soundtrack, der unabhängig vom Film genossen werden kann. 180g blau-weisses WAVE/WHITE WASH-Vinyl im Gatefold mit 12-seitigem Booklet und einzeln nummeriertem Obi-Streifen.

- "François Tétaz’ grandiose Filmmusik trägt in ihrem mythischen Antrieb Anklänge an Morricone." - Paste Magazine

- "Die Vertonung von "The Surfer" war ein Geschenk und eine Herausforderung zugleich. Nicolas Cage lieferte eine so großartige Performance ab, dass die Instrumentierung immer umfangreicher und ungewöhnlicher wurde – die Klangfarben erweiterten sich ständig. Irgendwie fügte ich schließlich eine absurde Menge an Windspielen, Mark Tree und Bell Tree hinzu. Normalerweise eine klischeehafte Instrumentenwahl für Wunder und Magie, sollen sie hier so eindringlich wirken, dass sie höhnisch und verrückt machen." – François Tétaz, Filmkomponist

Ein Mensch verbringt den ganzen Tag damit, eine Maschine zu bauen, nur damit sie ihn die ganze Nacht hindurch quält. Als ob das nicht schon verdreht genug wäre, gefällt es ihnen auch noch. Es gefällt ihnen sogar so gut, dass sie am Morgen verjüngt aufwachen und eifrig an der Maschine feilen, bis sie in ihrem Kopf perfekt läuft.
Dies ist die nächtliche Vision, die Cryptopsy zu ihrem neunten Album Nightmare inspiriert hat. "Hüte dich vor dem Scheinwerferlicht", warnt Sänger Matt McGachy, bevor "Dead Eyes Replete" mit einem schmerzerfüllten Breakdown vor deinen Augen aufblitzt. An Insatiable Violence spiegelt unsere toxische Beziehung zu den sozialen Medien wider, aber obwohl es unheimlich vorausschauend ist, ist das Album von den vielen Mutationen beeinflusst, die die Hall of Fame-Diskografie der Band geprägt haben. Inspiriert von einem Mukbang, der furchtbar schief gegangen ist, ist der gefräßige Opener "The Nimis Adoration" ein Sammelsurium an Blasts, Christian Donaldsons Fishhook-Riffs und einer kräftigen Portion Groove, der die Boxen zum Beben bringt.

Cryptopsy wissen, dass nicht jede brutale Technical-Death-Metal-Band lange genug durchhält, um nach 30 Jahren einen kanadischen Grammy zu gewinnen. Das Cover von "An Insatiable Violence" wurde von dem verstorbenen, großartigen Martin Lacroix gestaltet, der mit unheiligem Vergnügen über die frischen, fetthaltigen Tiefen von McGachys falschem Akkordschrei grölen würde. Ein anderer ehemaliger Sänger kehrt auf "Embrace the Nihility" zurück, um alle flüsternden Zweifel an seiner Vormachtstellung zu zerstören. Doch obwohl Cryptopsy bereits auf ihrem zweiten Studiowerk die Krone der abscheulichsten Death-Metal-Band für sich beansprucht haben, gehen sie immer noch an die Grenzen des Extremen.

Die Leadsingle des Albums rumpelt und knirscht zu Olivier Pinards schaurigen Bassschlägen - und doch erhebt "Until There's Nothing Left" im Kern den Anspruch, Cryptopsys größter Ohrwurm zu sein. Selbst Flo Mounier - der buchstäblich das Buch des extremen Metal-Drummings geschrieben hat - hat neue Techniken verfeinert, um die Blasphemie von An Insatiable Violence frisch zu halten. Zum Abschluss kommt "Malicious Needs" im Schneckentempo daher, bevor es wie eine Fledermaus in eine schwarze Rauchwolke aufsteigt.

Verbeugt euch vor der neuen Abscheulichkeit der Könige des extremen Metal.

FFO: Suffocation, Dying Fetus, Nile

HEXVESSEL erkunden auf ihrem epischen siebten Album "Nocturne" liminale Räume, z.B. zwischen Licht und Dunkelheit sowie Natur und Einsamkeit. Die sich kontinuierlich wandelnde finnische Band besinnt sich wieder auf ihre Wurzeln im Folk und im psychedelischen Rock, indem sie akustische Zwischenspiele, kosmische Synthesizer und geisterhafte Pianoklänge kunstvoll mit den frostgesponnenen Fäden ihres Black Metal Geflechts verwebt. "Nocturne" klingt sowohl vertraut als auch unverhohlen progressiv, da HEXVESSEL ihre eigene Tradition mit einer frischen Neuerfindung ihres charakteristischen Sounds vermischen. Der Keim für dieses Meisterwerk wurde durch die Aufführung eines Auftragswerks beim Roadburn Festival 2024 gesetzt, das ursprünglich den Titel "Music for Gloaming: A Nocturne" trug. Mit diesem Album nimmt das Projekt eine ausgearbeitete physische Gestalt an. Dieses opus magnum verbindet den rauen Geist von Quorthons Black Metal mit dem komplexen Minimalismus zeitgenössischer Komponisten wie Philip Glass, György Ligeti und Avro Pärt. Den eklektischen Charakter von "Nocturne" unterstreichen ausgewählte Gastauftritte wie der ätherische Gesang von Saara Nevalainen oder die harschen Stimmen der Avantgarde Black Metal Vorreiter Yusaf Vicotnik Parvez (DHG/DØDHEIMSGARD) und ORANSSI PAZUZUs Juho Vanhanen. HEXVESSEL stammen zwar aus dem finnischen Tampere, die Band wurde aber vom englischen Sänger und Songwriter Kvohst alias Mat McNerney gegründet, nachdem er im Jahr 2009 in das nordische Land gezogen war. In vielerlei Hinsicht spiegeln HEXVESSEL die Natur ihres Gründers wider. Der Sänger und Songwriter war schon in vielen erfolgreichen Gruppen und Projekten aktiv, deren Spektrum von der britischen Black Metal Band CODE über einen Abstecher bei den norwegischen Legenden DHG bis hin zu den Rock-Shootingstars BEASTMILK reicht, die er später mit GRAVE PLEASURES fortsetzte. Mit "Nocturne" laden HEXVESSEL alle dunklen Seelen der Erde zu einem transzendentalen Nachtritual ein, das unter anderem die Klangvisionen von DARKTHRONE, TANGERINE DREAM und Philip Glass aus der toten Vergangenheit erweckt und mit neuem Leben erfüllt.

With their seventh full-length "Nocturne", HEXVESSEL explore the liminal spaces between light and darkness, nature and solitude on an epic album. The ever evolving and shifting Finnish band has reawakened their treasured roots in folk music and psychedelic rock as they artfully weave acoustic interludes, cosmic synths, and spectral piano into the frost-spun threads on their black metal loom. "Nocturne" sounds both familiar and fearlessly progressive as echoes of tradition entwine with a fresh reinvention of their characteristic sound. The seed of this masterpiece was sown by the performance of a commissioned work at Roadburn Festival 2024 that was originally entitled: "Music for Gloaming: A Nocturne". With this album, it arrives fully fleshed in recorded form. This opus magnum blends the raw spirit of Quorthon's black metal with the intricate minimalism of contemporary composers such as Philip Glass, György Ligeti, and Avro Pärt. Its eclectic nature is elevated and underlined by select guest performances, including the vocals of Saara Nevalainen, as well as the avant-garde black metal luminaries Yusaf Vicotnik Parvez (DHG/DØDHEIMSGARD), and ORANSSI PAZUZU's Juho Vanhanen. While HEXVESSEL are based in Tampere, Finland, they were founded by English singer & songwriter Kvohst aka Mat McNerney after he moved to the country in 2009. In many ways, HEXVESSEL reflect their founder. The vocalist and songwriter has instigated and been involved in various bands ranging from UK black metal act CODE, a stint in Norwegian legends DØDHEIMSGARD, and to rock shooting stars BEASTMILK – later 'continued' with GRAVE PLEASURES to name but a few of his success stories. With "Nocturne", HEXVESSEL invite all souls on earth to a transcendental night ritual that is imbued with DARKTHRONE, TANGERINE DREAM, Philip Glass, and sounds unearthed from the dead past, now instilled with new life.

New Vienna ist die vierte Konzertveröffentlichung von Keith Jarretts triumphaler letzter Solo-Tournee durch Europa. Das Album folgt auf München 2016, Budapest Concert und Bordeaux Concert. Weshalb der Titel New Vienna? Jene, die mit Jarretts Musik näher vertraut sind, wissen, dass seine Diskografie bereits ein legendäres Wien-Konzert (aufgenommen in der Wiener Staatsoper) enthält, von dem er einmal behauptete, seine Musik spreche ”die Sprache der Flamme selbst”, nachdem er jahrelang ”mit Feuer gespielt” hatte. Keith Jarretts Rückkehr in die österreichische Hauptstadt im Jahr 2016 brachte die Flammen der Inspiration an einen anderen historischen Ort mit legendär lebendiger Akustik, den Goldenen Saal des Wiener Musikvereins, wo zu Beginn des vergangenen Jahrhunderts Werke von Schönberg, Berg und Webern uraufgeführt wurden, die den Kurs der modernen Musik herausforderten und veränderten. New Vienna, ein Konzert in dem neue Musik im Moment geformt wird, hat im Kontext der Jarrett’schen Idiome eine nahezu enzyklopädische Gestalt. Das Album erscheint anlässlich des 80. Geburtstags von Keith Jarrett.

Der finnische Komponist Lauri Porra lädt dich auf eine Reise durch die "Seasons in Moominvalley" ein. Pünktlich zum 80-jährigen Jubiläum der Veröffentlichung der ersten Mumin-Geschichte von Tove Jansson, komponierte Porra 21 atmosphärische Stücke für Klavier, Streichensemble oder eine Kombination aus beidem (manchmal sogar mit Naturgeräuschen), die dich die Jahreszeiten, Strände und Wälder des Mumintals ganz neu erleben lassen.Jedes Stück bezieht sich auf eine bestimmte Szene aus den Büchern - zum Beispiel ist "A Song for the Sea" inspiriert von Muminpapa, der am Wasser steht und über die Launen des Meeres philosophiert, während "A Song for Winter" eine Szene aufgreift, in der ein Charakter erkennt, dass der Winter die Jahreszeit ist, in der schüchterne und zurückhaltende Tiere und Menschen aufblühen. Dieses Album ist eine liebevolle Hommage an Tove Janssons zeitlose Geschichten.Veröffentlicht von Sony Classical, ist "Seasons in Moominvalley" sowohl physisch als auch in digital erhältlich. Die CD-Edition enthält ein wunderschön gestaltetes Booklet, das die Auszüge aus den Geschichten zeigt, die mit den einzelnen Liedern verknüpft sind. Für Vinyl-Liebhaber ist die limitierte 180g Picture Vinyl Edition ein echtes Sammlerstück, das vier exklusive Postkarten und zwei hochwertige Lithografien als Beigaben beinhaltet. Zudem besticht das LP-Design mit einem faszinierenden Zoetrope-Effekt, der die Illusion einer Animation erzeugt, wenn die Schallplatte auf einem Plattenspieler dreht.

Im März 2015 veröffentlichte Sufjan Stevens Carrie & Lowell - sein bisher persönlichstes Album. Das mit einer unerwartet klaren Vision präsentierte Album war eine Rückkehr zu Sufjans Folk-Wurzeln und zeichnete sich durch eine bewusste, sparsame Instrumentierung aus. Das Album war ein sofortiger Erfolg bei den Kritikern, und in den folgenden Jahren sollte sich die Musik unaufhaltsam in unsere Kultur einweben. Diese Deluxe-Edition enthält ein erweitertes Doppel-LP-Album mit sieben bisher unveröffentlichten Bonustracks, einem 40-seitigen Kunstbuch und einem neuen Essay von Sufjan. Diese Ausgabe bietet außerdem ein alternatives Cover: eine gerahmte Version des Original-Polaroids, das herausgezoomt wurde, um die in Kinderhandschrift geschriebene Bildunterschrift "Carrie & Lowell" zu zeigen, die den Ursprung des Albumtitels verrät (sie wurde von Sufjans Schwester Djamilah geschrieben). Das von Sufjan gestaltete 40-seitige Booklet enthält verschiedene Collagen alter Familienfotos aus vier Generationen, die mit Kunstwerken und Zeichnungen (zu den Themen Tod, Sterben, Trauer und dem Bundesstaat Oregon) sowie mit Landschaftsaufnahmen kombiniert wurden, die Sufjan vor über zehn Jahren auf einer Reise durch den Westen der USA gemacht hat. Das Originalalbum ist auf der ersten Disc, während die zweite Disc 40 Minuten an Extras enthält, darunter Demo-Versionen von "Death With Dignity", "Should Have Known Better", "The Only Thing" und "Eugene". Ausgedehnte Outtakes von 'Fourth of July' und 'Wallowa Lake Monster' sind ebenfalls enthalten, beide mit einer eher filmischen Stimmung. Das letzte Juwel ist das Original-Demo von "Mystery of Love", das von den ursprünglichen Carrie & Lowell-Albumsessions stammt, aber später für Luca Guadagninos Film "Call Me By Your Name" überarbeitet und neu aufgenommen wurde. Die vorliegende Demoversion enthält Sologitarre und Gesang mit leicht verändertem Text. "Carrie & Lowell" war das Ergebnis eines immens schwierigen Prozesses, in dem Sufjans Songwriting ihn nach dem Tod seiner Mutter im Stich ließ. Die seltene Übergabe der Produktionsaufgaben an Thomas Bartlett führte ihn schließlich aus einem Kreislauf kreativer Zweifel heraus. Im Ringen mit Dunkelheit und Verwüstung, Leben und Tod konnte Sufjan schließlich beginnen, der Schönheit und Hässlichkeit der Liebe einen Sinn zu geben. Sufjan ging mit dem Album auf Tournee und brachte seine Erkenntnisse persönlich mit seinen Zuhörern in Verbindung, so dass es zu einer Art Übergabe kam - die Songs wurden zu denen der Zuhörer und deren Leben, Verluste und Komplexität. Nach der Veröffentlichung des Albums wurde die Live-Tournee in ein Live-Album umgewandelt, das so überraschend feierlich und kathartisch ist, dass es zu etwas ganz anderem wird. Outtakes, Remixe und iPhone-Notizen wurden auf Sufjans "The Greatest Gift"-Mixtape veröffentlicht, ebenso wie eine Sammlung von "Fourth of July"-Versionen, die einen Moment des Albums aufgriffen und jede seiner Ecken und Kanten ausloteten. Zehn Jahre später geht diese Jubiläumsausgabe anders vor als diese anderen Schätze. Anstatt das Album zu dekonstruieren oder darauf aufzubauen und sein Vermächtnis fortzuführen, führt diese Ausgabe den Hörer zurück zu den Momenten, die zur Veröffentlichung des Albums führten und diese einschlossen. "Carrie & Lowell" wird noch einmal in seiner vollen Form präsentiert, zusammen mit einem Blick auf die verschiedenen Wege, die es hätte einschlagen können. Es gibt neue Ecken zu erforschen, fotografische Umsetzungen von Momenten, die zuvor nur lyrisch gemalt wurden, direkte Reflexionen des Schöpfers des Albums, eine subtil andere Gewichtung bestimmter Silben, die aus Sufjans Gedanken sprechen, kurz bevor er sie mit der Welt teilte.

Im März 2015 veröffentlichte Sufjan Stevens Carrie & Lowell - sein bisher persönlichstes Album. Das mit einer unerwartet klaren Vision präsentierte Album war eine Rückkehr zu Sufjans Folk-Wurzeln und zeichnete sich durch eine bewusste, sparsame Instrumentierung aus. Das Album war ein sofortiger Erfolg bei den Kritikern, und in den folgenden Jahren sollte sich die Musik unaufhaltsam in unsere Kultur einweben. Diese Deluxe-Edition enthält ein erweitertes Doppel-LP-Album mit sieben bisher unveröffentlichten Bonustracks, einem 40-seitigen Kunstbuch und einem neuen Essay von Sufjan. Diese Ausgabe bietet außerdem ein alternatives Cover: eine gerahmte Version des Original-Polaroids, das herausgezoomt wurde, um die in Kinderhandschrift geschriebene Bildunterschrift "Carrie & Lowell" zu zeigen, die den Ursprung des Albumtitels verrät (sie wurde von Sufjans Schwester Djamilah geschrieben). Das von Sufjan gestaltete 40-seitige Booklet enthält verschiedene Collagen alter Familienfotos aus vier Generationen, die mit Kunstwerken und Zeichnungen (zu den Themen Tod, Sterben, Trauer und dem Bundesstaat Oregon) sowie mit Landschaftsaufnahmen kombiniert wurden, die Sufjan vor über zehn Jahren auf einer Reise durch den Westen der USA gemacht hat. Das Originalalbum ist auf der ersten Disc, während die zweite Disc 40 Minuten an Extras enthält, darunter Demo-Versionen von "Death With Dignity", "Should Have Known Better", "The Only Thing" und "Eugene". Ausgedehnte Outtakes von 'Fourth of July' und 'Wallowa Lake Monster' sind ebenfalls enthalten, beide mit einer eher filmischen Stimmung. Das letzte Juwel ist das Original-Demo von "Mystery of Love", das von den ursprünglichen Carrie & Lowell-Albumsessions stammt, aber später für Luca Guadagninos Film "Call Me By Your Name" überarbeitet und neu aufgenommen wurde. Die vorliegende Demoversion enthält Sologitarre und Gesang mit leicht verändertem Text. "Carrie & Lowell" war das Ergebnis eines immens schwierigen Prozesses, in dem Sufjans Songwriting ihn nach dem Tod seiner Mutter im Stich ließ. Die seltene Übergabe der Produktionsaufgaben an Thomas Bartlett führte ihn schließlich aus einem Kreislauf kreativer Zweifel heraus. Im Ringen mit Dunkelheit und Verwüstung, Leben und Tod konnte Sufjan schließlich beginnen, der Schönheit und Hässlichkeit der Liebe einen Sinn zu geben. Sufjan ging mit dem Album auf Tournee und brachte seine Erkenntnisse persönlich mit seinen Zuhörern in Verbindung, so dass es zu einer Art Übergabe kam - die Songs wurden zu denen der Zuhörer und deren Leben, Verluste und Komplexität. Nach der Veröffentlichung des Albums wurde die Live-Tournee in ein Live-Album umgewandelt, das so überraschend feierlich und kathartisch ist, dass es zu etwas ganz anderem wird. Outtakes, Remixe und iPhone-Notizen wurden auf Sufjans "The Greatest Gift"-Mixtape veröffentlicht, ebenso wie eine Sammlung von "Fourth of July"-Versionen, die einen Moment des Albums aufgriffen und jede seiner Ecken und Kanten ausloteten. Zehn Jahre später geht diese Jubiläumsausgabe anders vor als diese anderen Schätze. Anstatt das Album zu dekonstruieren oder darauf aufzubauen und sein Vermächtnis fortzuführen, führt diese Ausgabe den Hörer zurück zu den Momenten, die zur Veröffentlichung des Albums führten und diese einschlossen. "Carrie & Lowell" wird noch einmal in seiner vollen Form präsentiert, zusammen mit einem Blick auf die verschiedenen Wege, die es hätte einschlagen können. Es gibt neue Ecken zu erforschen, fotografische Umsetzungen von Momenten, die zuvor nur lyrisch gemalt wurden, direkte Reflexionen des Schöpfers des Albums, eine subtil andere Gewichtung bestimmter Silben, die aus Sufjans Gedanken sprechen, kurz bevor er sie mit der Welt teilte.

Olympia erschien ursprünglich 2010 und ist eine meisterhafte Mischung aus Artrock, anspruchsvollem Pop
und elektronischen Elementen, die Bryan Ferrys charakteristische Eleganz unterstreicht. Das Album enthält
Kollaborationen mit Legenden wie seinen Bandkollegen von Roxy Music, David Gilmour, Nile Rodgers und
den Scissor Sisters und enthält neben Coverversionen von Song to the Siren und No Face, No Name,
No Number auch die herausragende Single „You Can Dance“. Mit seiner opulenten Produktion und dem
atmosphärischen Sound ist Olympia eine raffnierte und fesselnde Ergänzung zu Ferrys gefeiertem Katalog.
Das Album erscheint erstmals seit 2010 auf limitierter roter 1LP-Vinyl-Edition, wobei die CD-Version zwei
Bonustracks enthält. Bryan Ferry hat außerdem das aktualisierte Artwork für beide Formate gestaltet.

Bryan Ferrys „As Time Goes By“ ist eine zeitlose Sammlung klassischer Songs aus den 1920er und 1930er
Jahren und präsentiert seine unverkennbare Eleganz und seinen anspruchsvollen Stil. Auf dem 1999 erschienenen Album interpretiert Ferry Jazzstandards und romantische Balladen neu, darunter „The Way You
Look Tonight“, „I’m in the Mood for Love“ und den legendären Titeltrack „As Time Goes By“. Mit üppiger
Orchestrierung und einem klassischen, filmischen Touch erweckt Ferry diese beliebten Songs meisterhaft
zu neuem Leben und zollt dem goldenen Zeitalter der Musik Tribut, während er ihnen gleichzeitig seine
ganz eigene Note verleiht.
Das Album erscheint zum ersten Mal seit 2010 wieder in limitierter Auflage auf honiggoldenem 1LP-Vinyl
und 1CD-Format. Bryan Ferry hat auch das aktualisierte Artwork für beide Formate gestaltet

Im »Mellow Mood« benannten, fünften Kapitel der Serie kehrt Oscar Peterson nach dem solistisch bestrittenen Vol. 4 zu seiner Triobesetzung mit Sam Jones (b) und Bob Durham (dr) zurück. Es ist ein Album, auf dem der Kanadier in einigen Stücken die Giganten des US-Jazz feiert. So startet er mit Duke Ellingtons »In A Mellotone«, das er variantenreich und mit überbordender Physis interpretiert.

Die Horace Silver-Komposition »Nica's Dream« leitet er aus lyrischer Contenace zu improvisatorischem Sprudeln, Gershwins »Summertime« spielt er in einer vom melancholischen Melos gänzlich befreiten, nach seinen eigenen Worten »kühnen« Fassung. Mit »On Green Dolphin Street« greift er ein Thema aus dem gleichnamigen Film auf, entfaltet seine tänzelnden Tastengänge über dem Bordun von Jones, der gegen Ende auch ein wunderbares Solo liefert. Mit den abschließenden Stücken umspannt er einen weiten zeitlichen Rahmen: »Sometimes I'm Happy« führt in die Unschuld der Zwanziger Jahre zurück, »Who Can I Turn To« hingegen stammt aus den Sechzigern. Peterson hat es bereits für sein Soloalbum eingespielt, hier wird es nach einem verblüffenden Tempowechsel im Triogefüge ausgearbeitet.

Auf dem abschließenden Volume der Serie »Exclusively For My Friends« setzt Oscar Peterson mit seinen Kollegen Sam Jones (b) und Bob Durham (dr) noch einmal sehr unterschiedliche Glanzpunkte. Das überschäumende, vorwärtstreibende Titelstück kann seine Wurzeln im Gospel nicht verleugnen, kontrastiert wird es mit der schlichten und doch so tiefsinnigen Ballade »Emily«. Mit der Jobim-Komposition »Quiet Nights« (im Original »Corcovado«) demonstriert das Trio, zu welchem Feingespür es bei der Adaption der Bossa Nova fähig ist. Die ansonsten so träumerische Nummer wird hier mit rasant swingender Unbeschwertheit einer erstaunlichen Metamorphose unterzogen. Durch die Auswahl von »Sax No End« verbeugt sich Peterson vor dem europäischen Jazz: Die Komposition stammt vom belgischen Bigband-Leader Francy Boland und wird von Petersons mitreißendem, sehr muskulösem Spiel geradezu in Brand gesetzt. Zum Finale »When Lights Are Low« von Benny Carter: Über zehn Minuten gestaltet das Trio bedächtig und souverän diese versonnene Komposition, wobei Sam Jones mit seinen delikaten Begleitfiguren nochmals eine besondere Rolle zukommt.

Auf dem abschließenden Volume der Serie »Exclusively For My Friends« setzt Oscar Peterson mit seinen Kollegen Sam Jones (b) und Bob Durham (dr) noch einmal sehr unterschiedliche Glanzpunkte. Das überschäumende, vorwärtstreibende Titelstück kann seine Wurzeln im Gospel nicht verleugnen, kontrastiert wird es mit der schlichten und doch so tiefsinnigen Ballade »Emily«. Mit der Jobim-Komposition »Quiet Nights« (im Original »Corcovado«) demonstriert das Trio, zu welchem Feingespür es bei der Adaption der Bossa Nova fähig ist.

Die ansonsten so träumerische Nummer wird hier mit rasant swingender Unbeschwertheit einer erstaunlichen Metamorphose unterzogen. Durch die Auswahl von »Sax No End« verbeugt sich Peterson vor dem europäischen Jazz: Die Komposition stammt vom belgischen Bigband-Leader Francy Boland und wird von Petersons mitreißendem, sehr muskulösem Spiel geradezu in Brand gesetzt. Zum Finale »When Lights Are Low« von Benny Carter: Über zehn Minuten gestaltet das Trio bedächtig und souverän diese versonnene Komposition, wobei Sam Jones mit seinen delikaten Begleitfiguren nochmals eine besondere Rolle zukommt.

Your Grandparents sind von der Zeit fasziniert. Sie kann weder erschaffen noch getötet werden; es gibt nie genug von ihr, aber sie kann sich ewig hinziehen. Zeit ist eine Art Währung, die man sparen, ausgeben und verspielen kann. Am Ende macht sie uns alle zu Narren. Das Trio aus Los Angeles - der Produzent Cole Thompson und die Sänger/Rapper DaCosta und Jean Carter - setzen sich auf ihrem Debütalbum "The Dial" intensiv mit diesen unterschiedlichen Ideen auseinander. Die Platte ist eine Meditation über die Zeit, aber sie zeigt, dass man in der Gegenwart verwurzelt bleiben muss, um das Konzept und all seine Qualitäten wirklich zu begreifen. Die Gruppe, die sich in der Schule in Culver City kennengelernt hat und jetzt Mitte/Ende 20 ist, macht seit einem Jahrzehnt Musik und hat geduldig zugesehen, wie sich die Teile ihrer Karriere zusammenfügten. Es scheint, als würden sie ihre genre-agnostischen, aber im Hip-Hop verwurzelten Songs dem Kosmos entreißen, einen Moment der Inspiration aufgreifen - ein Loop hier, eine Textzeile dort - und in einem Bewusstseinsstrom fortfahren. "The Dial" nahm langsamer Gestalt an, mit dem, was DaCosta "fokussierte Intentionalität" nennt. Your Grandparents hackten auf dem Material herum und achteten darauf, kein einziges Element zu überstürzen. Das Ergebnis ist atemberaubend: eine kaleidoskopische Reise durch Herzschmerz und Freude, Momente der Frustration und Hoffnung. Ihr Gesang wechselt mühelos zwischen elastischen Band-Rap-Flows und goldfarbenen Melodien, während die Produktion durch die Zeit reicht und Einflüsse - von House zu G-Funk über Boogie im J Dilla-Timing bis hin zu ESG-informiertem Dance-Punk - zu einem einzigartigen Ganzen verschmilzt.

Die New Wave-Legenden aus Düsseldorf um Meikel Clauss aka Micky Matschkopf sind mit neuem, tiefschwarzem Material zurück! 1980 noch kurz mit dem KFC den Ratinger Hof abgerockt, prägte NICHTS mit Sängerin Andrea M. und zwei erfolgreichen Alben in den frühen Achtzigern die Szene zwischen Punk, New Wave & NDW. Singlehit "Radio", "Licht Aus" sowie natürlich der zeitlose Top 20-Erfolg und Club-Klassiker "Tango 2000" gehören zur deutschen Musikgeschichte. 1983 fand noch ein drittes Album ohne Clauss statt, der lieber Belfegore ins Leben rief, aber 2009 die Band reanimierte und 2011 in neuer Besetzung das Album "Zeichen Auf Sturm" (Gesang: Sabine K.) über Unique/Electriqie Mud herausbrachte. Seitdem spielen Nichts live, veröffentlichen Deluxe-Ausgaben der drei 80er-Alben, kehrten in die Charts zurück und wurden zu Pandemie-Zeiten von DJ Hell mit einem Remix ihres Kulttracks "Eingeschlossen" bedacht. Mit der neuen Frontfrau Nina H. wurde seit 2022 an neuen Songs gearbeitet, was Ende 2024 zu "Nitroglycerin" führte und nun im fünften vollem Nichts-Werk Gestalt annimmt. Mit "Tiefschwarz" kehrt die Band zu den düstersten Wurzeln ihrer Klangwelten im Update zurück, schließt an Tracks wie "Eingeschlossen", "Tango 2000" und "Schwarze Gedanken" oder eben auch erwähnte Belfegore ("All That I Wanted") an. Ein Sound getragen vom charakteristischen Spiel Clauss' und seinen intensiven Gitarrenriffs, garniert mit hypnotischen Beats und donnernden Drums, gelegt auf ein Fundament aus Bass und Elektronik. Die Texte - mal direkt, mal poetisch, mal rau, mal sanft - zeichnen eine Reise durch die Schattenseiten des Lebens, melancholisch, kraftvoll und ungeschönt. Singles "Kugel durch den Kopf" und "Alien", der Opener "Maschine oder Mensch" sowie der abschließende Titeltrack sind nur vier von 10 starken, neuen Songs. Nichts entfalten eine klangliche Dichte, die sowohl bisherige Verehrer*innen wie auch neue Fans in den Bann ziehen wird. Das stringente musikalische Konzept wird durch das von Katharina Sieverding lizenzierte Artwork noch geadelt: die weltweit erfolgreiche bildende Künstlerin und Fotografin aus Düsseldorf gab für "Tiefschwarz" ein Bild aus ihrer Reihe "Die Sonne Um Mitternacht Schauen" frei, welches gänzlich und ohne überlagernde Schriften das Sleeve-Artwork ausmacht. Die CD kommt als 4-Panel Digipack mit 12seitigem Booklet, die LP im Klappcover mit bedruckter Innenhülle. Das klassisch schwarze Vinyl kommt in 180g, das transparent blaue Vinyl ist 140g.

Die Progressive-Pioniere von Haken haben das Jahr 2024 damit verbracht, ihr jüngstes, hochgelobtes Studioalbum "Fauna" im Rahmen ihrer "An Evening With"-Tour rund um die Welt ausgiebig zu feiern. Die Band spielte zwei komplette Sets pro Abend und präsentierte "Fauna" in seiner Gesamtheit, bevor sie auf die Bühne zurückkehrte, um eine Auswahl der beliebtesten Songs aus ihrem Katalog zu spielen. Am 21. September 2024 spielte die Band im legendären Londoner O2 Forum, und die Dokumentation dieses besonderen Abends ist auf "Liveforms" zu finden. Die limitierte 3CD+Blu-ray-Edition fängt den Abend in voller Audio- und Videoqualität ein und enthält als Bonus bisher unveröffentlichtes Interviewmaterial mit der Band, die auf ihre glorreiche Karriere zurückblickt. Die 2LP-Edition im Klappcover enthält das komplette "Fauna"-Live-Set. Beide Formate enthalten ein atemberau-bendes Artwork von Dan Goldsworthy, der bereits das Cover von "Fauna" gestaltet hat.)

"FURIE" ist Musik. Freude. Gegenwart und Avantgarde. Im Mai 2025 löst Alicia Edelweiss mit ihren zweiten Studio-Album "FURIE" das Versprechen ein, das ihr sechs Jahre zuvor erschienenes Debut-Album gab: der Pop-Landschaft etwas tatsächlich Neues und ehrlich Interessantes hinzufügen. "FURIE" enthält 8 Songs von heute sehr selten gewordener Länge. Sie haben ausreichend Raum und Zeit, um ihre eigenen kleinen Panoramen zu entfalten - die Künstlerin selber vergleicht sie mit Kurzfilmen, auf deren Handlungswendungen und Plot Twists man achten muss. Es sei gar nicht ihre Entscheidung, die Songs so lang zu machen, erzählt sie, sondern sie nicht zu kürzen. Für deren Länge und Konsequenz nutzt die Künstlerin das Wort Integrität. Was für ein wunderschöner Anspruch an die eigene Musik. Daher ist "FURIE" auch ein Album im fast altmodischen, im engsten, Sinne: Was einem heute wirklich sehr selten begegnet und was es zu einer echten Ausnahme macht, ist, dass wir tatsächlich vor gleichberechtigten und gleichermaßen qualitätvollen Songs stehen. Diese Stücke sind, da darf man das Wort Pop nicht falsch verstehen, nie vorhersehbar, niemals nur geschrieben - sie sind erdichtet, erdacht und komponiert. Zuweilen erkämpft. Das freilich, merkt man ihnen nicht an. Die Musikerin hat das Heavy Lifting übernommen - wir bekommen den Schwebezustand. Dieser gestaltet sich vor allem über Klang, Sound und Melodie, die als vielschichtige, komplexe Stimmungsträger funktionieren. Instrumentiert ist "FURIE" ungewöhnlich reich - mit Gitarre, Drums, Klavier, Akkordeon, vor allem mit Streichern, mit Tierstimmen, Geräuschen, Synthesizern, Glocken, Trompeten... für ein Lied ist der eigene Gesang unter Wasser aufgenommen worden. Es ist ein groß dekoriertes Album geworden. Es ist Verletzlichkeit und Maximalismus; im Ergebnis komplexer als das vorangegangene Debut. FURIE strebt nach Exzellenz. Gerade dort, wo das Schöne in dem Risiko liegt, nicht perfekt zu sein, sondern richtig.

Die Progressive-Pioniere von Haken haben das Jahr 2024 damit verbracht, ihr jüngstes, hochgelobtes Studioalbum "Fauna" im Rahmen ihrer "An Evening With"-Tour rund um die Welt ausgiebig zu feiern. Die Band spielte zwei komplette Sets pro Abend und präsentierte "Fauna" in seiner Gesamtheit, bevor sie auf die Bühne zurückkehrte, um eine Auswahl der beliebtesten Songs aus ihrem Katalog zu spielen. Am 21. September 2024 spielte die Band im legendären Londoner O2 Forum, und die Dokumentation dieses besonderen Abends ist auf "Liveforms" zu finden. Die limitierte 3CD+Blu-ray-Edition fängt den Abend in voller Audio- und Videoqualität ein und enthält als Bonus bisher unveröffentlichtes Interviewmaterial mit der Band, die auf ihre glorreiche Karriere zurückblickt. Die 2LP-Edition im Klappcover enthält das komplette "Fauna"-Live-Set. Beide Formate enthalten ein atemberau-bendes Artwork von Dan Goldsworthy, der bereits das Cover von "Fauna" gestaltet hat.)

Norman Blake, Bernard Butler und James Grant sind drei der bekanntesten und angesehensten Musiker ihrer Generation. Norman ist die treibende Kraft von Teenage Fanclub, Bernard ist bekannt für seine Soloarbeit und Produktionen mit Suede und James für seine Soloarbeit und Love And Money. Nach einigen sehr gut aufgenommenen Shows, bei denen das Trio eine Auswahl der Songs der anderen spielte, kam das Kollektiv wieder zusammen, um neues Material zu schreiben. Die daraus resultierende Platte ist ein wahres Vergnügen; jeder der Jungs singt abwechselnd mit sympathischem Input seiner Mitspieler. Butler, Blake & Grant strotzen vor natürlicher Kameradschaft und wunderschön gestalteten Songs voller Melodie, Harmonie und tadellosem Gitarrenspiel.

Die New Wave-Legenden aus Düsseldorf um Meikel Clauss aka Micky Matschkopf sind mit neuem, tiefschwarzem Material zurück! 1980 noch kurz mit dem KFC den Ratinger Hof abgerockt, prägte NICHTS mit Sängerin Andrea M. und zwei erfolgreichen Alben in den frühen Achtzigern die Szene zwischen Punk, New Wave & NDW. Singlehit "Radio", "Licht Aus" sowie natürlich der zeitlose Top 20-Erfolg und Club-Klassiker "Tango 2000" gehören zur deutschen Musikgeschichte. 1983 fand noch ein drittes Album ohne Clauss statt, der lieber Belfegore ins Leben rief, aber 2009 die Band reanimierte und 2011 in neuer Besetzung das Album "Zeichen Auf Sturm" (Gesang: Sabine K.) über Unique/Electriqie Mud herausbrachte. Seitdem spielen Nichts live, veröffentlichen Deluxe-Ausgaben der drei 80er-Alben, kehrten in die Charts zurück und wurden zu Pandemie-Zeiten von DJ Hell mit einem Remix ihres Kulttracks "Eingeschlossen" bedacht. Mit der neuen Frontfrau Nina H. wurde seit 2022 an neuen Songs gearbeitet, was Ende 2024 zu "Nitroglycerin" führte und nun im fünften vollem Nichts-Werk Gestalt annimmt. Mit "Tiefschwarz" kehrt die Band zu den düstersten Wurzeln ihrer Klangwelten im Update zurück, schließt an Tracks wie "Eingeschlossen", "Tango 2000" und "Schwarze Gedanken" oder eben auch erwähnte Belfegore ("All That I Wanted") an. Ein Sound getragen vom charakteristischen Spiel Clauss' und seinen intensiven Gitarrenriffs, garniert mit hypnotischen Beats und donnernden Drums, gelegt auf ein Fundament aus Bass und Elektronik. Die Texte - mal direkt, mal poetisch, mal rau, mal sanft - zeichnen eine Reise durch die Schattenseiten des Lebens, melancholisch, kraftvoll und ungeschönt. Singles "Kugel durch den Kopf" und "Alien", der Opener "Maschine oder Mensch" sowie der abschließende Titeltrack sind nur vier von 10 starken, neuen Songs. Nichts entfalten eine klangliche Dichte, die sowohl bisherige Verehrer*innen wie auch neue Fans in den Bann ziehen wird. Das stringente musikalische Konzept wird durch das von Katharina Sieverding lizenzierte Artwork noch geadelt: die weltweit erfolgreiche bildende Künstlerin und Fotografin aus Düsseldorf gab für "Tiefschwarz" ein Bild aus ihrer Reihe "Die Sonne um Mitternacht schauen" frei, welches gänzlich und ohne überlagernde Schriften das Sleeve-Artwork ausmacht. Die CD kommt als 4-Panel Digipack mit 12seitigem Booklet, die LP im Klappcover mit bedruckter Innenhülle. Das klassisch schwarze Vinyl kommt in 180g, das transparent blaue Vinyl ist 140g.

Die New Wave-Legenden aus Düsseldorf um Meikel Clauss aka Micky Matschkopf sind mit neuem, tiefschwarzem Material zurück! 1980 noch kurz mit dem KFC den Ratinger Hof abgerockt, prägte NICHTS mit Sängerin Andrea M. und zwei erfolgreichen Alben in den frühen Achtzigern die Szene zwischen Punk, New Wave & NDW. Singlehit "Radio", "Licht Aus" sowie natürlich der zeitlose Top 20-Erfolg und Club-Klassiker "Tango 2000" gehören zur deutschen Musikgeschichte. 1983 fand noch ein drittes Album ohne Clauss statt, der lieber Belfegore ins Leben rief, aber 2009 die Band reanimierte und 2011 in neuer Besetzung das Album "Zeichen Auf Sturm" (Gesang: Sabine K.) über Unique/Electriqie Mud herausbrachte. Seitdem spielen Nichts live, veröffentlichen Deluxe-Ausgaben der drei 80er-Alben, kehrten in die Charts zurück und wurden zu Pandemie-Zeiten von DJ Hell mit einem Remix ihres Kulttracks "Eingeschlossen" bedacht. Mit der neuen Frontfrau Nina H. wurde seit 2022 an neuen Songs gearbeitet, was Ende 2024 zu "Nitroglycerin" führte und nun im fünften vollem Nichts-Werk Gestalt annimmt. Mit "Tiefschwarz" kehrt die Band zu den düstersten Wurzeln ihrer Klangwelten im Update zurück, schließt an Tracks wie "Eingeschlossen", "Tango 2000" und "Schwarze Gedanken" oder eben auch erwähnte Belfegore ("All That I Wanted") an. Ein Sound getragen vom charakteristischen Spiel Clauss' und seinen intensiven Gitarrenriffs, garniert mit hypnotischen Beats und donnernden Drums, gelegt auf ein Fundament aus Bass und Elektronik. Die Texte - mal direkt, mal poetisch, mal rau, mal sanft - zeichnen eine Reise durch die Schattenseiten des Lebens, melancholisch, kraftvoll und ungeschönt. Singles "Kugel durch den Kopf" und "Alien", der Opener "Maschine oder Mensch" sowie der abschließende Titeltrack sind nur vier von 10 starken, neuen Songs. Nichts entfalten eine klangliche Dichte, die sowohl bisherige Verehrer*innen wie auch neue Fans in den Bann ziehen wird. Das stringente musikalische Konzept wird durch das von Katharina Sieverding lizenzierte Artwork noch geadelt: die weltweit erfolgreiche bildende Künstlerin und Fotografin aus Düsseldorf gab für "Tiefschwarz" ein Bild aus ihrer Reihe "Die Sonne Um Mitternacht Schauen" frei, welches gänzlich und ohne überlagernde Schriften das Sleeve-Artwork ausmacht. Die CD kommt als 4-Panel Digipack mit 12seitigem Booklet, die LP im Klappcover mit bedruckter Innenhülle. Das klassisch schwarze Vinyl kommt in 180g, das transparent blaue Vinyl ist 140g.

Zur Feier des 10-jährigen Jubiläums des berühmten zweiten Albums von Imagine Dragons veröffentlichen
Imagine Dragons am 21. Februar 2025 auf ihrem Jubiläumsalbum „Reflections (from the Vault of Smoke
+ Mirrors)“, 14 nie zuvor gehörte Demos aus dieser Zeit. Die physischen Ausgaben von Smoke + Mirrors
werden am 25. April 2025 veröffentlicht.
„Reflections (from the Vault of Smoke + Mirrors)“ wird bei allen DSPs und als physische 1LP Ocean
Blue Vinyl erhältlich sein.
„Smoke + Mirrors Ten“ enthält vierzehn nie zuvor gehörte Demos, darunter das exklusive „I Bet My
Life (Demo)” sowie das neue „Reflections (from the Vault of Smoke + Mirrors)” Vinyl. Ebenfalls enthalten sind 6 exklusive Lithos mit originalem und neu gestaltetem Artwork von Tim Cantor in einem
Deluxe-Box-Set.
Das 2x Platin-Album „Smoke + Mirrors“ debütierte auf Platz 1 der Billboard 200 und hat seit seiner
Veröffentlichung über 7,8 Milliarden Streams und 6 Millionen Verkäufe weltweit erreicht. Die Hit-Single
„I Bet My Life“ wurde von der RIAA mit dreifachem Platin ausgezeichnet und wurde bis heute über 960
Millionen Mal gestreamt.