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CREEPING DEATH befinden sich auf einem schnellen und rasanten Aufstieg aus dem Untergrund.Die texanische Death-Metal-Crew liefert immer wieder ein unerbittliches Geknüppel, das aus den entlegensten Winkeln der Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft des Genres stammt. Der Fünfer aus dem Lone Star State zelebriert den Stil triumphierend und peitscht grausame Riffs und Südstaaten-Grooves mit einer unwahrscheinlichen kathartischen Freude auf.Boundless Existence wartet mit Future-Death-Metal-Klassikern wie dem superschweren, schnellen und groovigen "Intestinal Wrap" auf (bei dem George "Corpsegrinder" Fisher von Cannibal Corpse mitwirkt). "Vitrified Earth" zeigt die zunehmenden Fähigkeiten von Creeping Death in Sachen Songwriting, was vor allem an der Kadenz und Phrasierung von Alavis Gesang zu erkennen ist, während die kranken
Riffs nie vernachlässigt werden. Gegen Ende des Albums gibt es sogar eine etwas entrückte Atmosphäre, mit Gitarreneffekten, Harmonien und berauschenden Taktarten."CREEPING DEATH versammeln gewaltige Riffs, schreiende Gitarrensoli und bedrohliche Gesangseinlagen und spielen sie mit dem treibenden Schwung einer erstklassigen Hardcore-Band." - Revolver Magazin.

Sammath begann als Black Metal Band, die Ende 1993 von Jan Kruitwagen gegründet wurde, nachdem er von Australien zurück in die Niederlande gezogen war. Jan war sehr stark inspiriert80er Jahre Thrash und australischer Metal. Das erste Demo "Zwaardbroeders bij de Bergengte" (Brothers of the Sword at the Mountain Pass) wurde 96 veröffentlicht und führte dazu, dass das deutsche FolterRecords Label Sammath unter Vertrag nahmen.

Das erste Album "Strijd" (Schlacht) wurde 1999 veröffentlicht.2001 entwickelte sich Sammath zu einer Live-Band, Bassist Ruud Nillesen stieß zu diesem Zeitpunkt dazu. Seitdem wurden fünf weitere Alben veröffentlicht und viele Live-Shows gespielt.2013 unterschrieb Sammath bei Hammerheart Records und veröffentlichte das furiose Album "Godless Arrogance". Kurz darauf, im Jahr 2016, stieß Wim van der Valk (Inquisitor, Centurian) zur Band am Schlagzeug und Sammath wurde zu der mächtigen dreiköpfigen Kriegsmaschine, die sie heute ist. Alle in der Band begannen, eine größere Rolle bei den Arrangements der Musik zu spielen. Nach der Veröffentlichung des zweiten Albums auf Hammerheart "Across the Rhine is only Death" fanden gut aufgenommene Live-Shows in Deutschland, Serbien, Rumänien und Russland statt.

Zach Phillips und Olia Eichenbaum lernten sich 2018 online kennen und begannen schnell mit der Remote-Zusammenarbeit in Frankreich und Brooklyn. Zunächst arbeiteten sie unter dem Namen Pearly Gates zusammen und tourten 2019 durch Westeuropa. Nach einem Jahr Pause entstand das gesamte 'Perfect Angels' Album innerhalb eines knappen Monats während der Pandemie, wobei die Remote-Overdubs von Olia und ihren Gästen etwas mehr Zeit in Anspruch nahmen. Es wurde vollständig auf Tascam 388 1/4" 8-Spur-Band aufgenommen, wobei Computer nur während der Overdubs, des Mixings und des Masterings eingriffen.

Die beliebte Band Bright Eyes mit der dritten Welle von Veröffentlichungen im Rahmen ihres laufenden Companions-Reihe. Das Projekt sieht vor, dass die Band ihren gesamten Katalog neu auflegt, wobei jedes Originalalbum von Neueinspielungen begleitet wird. Diese Companion EPs enthalten dazu Gastauftritte von Johanna and Klara Söderberg (aka First Aid Kit), Gillian Welch und Alynda Segarra (Hurray For The Riff Raff) sowie eine Coverversionen von "Wrecking Ball" von Gillian Welch. Eines der Dinge, die Conor Oberst auffielen, als er und seine Band durch mehr als zwanzig Jahre Musik gingen, war, dass er vielleicht tatsächlich die ganze Zeit über denselben Song geschrieben hat. Natürlich nicht klanglich, aber konzeptionell. Diese letzte Welle enthält mit Noise Floor frühe Bright Eyes-Songs, die so roh sind, dass Oberst sie damals nicht direkt veröffentlicht hat, sowie mit Cassadaga und The People's Key die ausgefeiltesten und anspruchsvollsten Alben der Band. Als Bright Eyes mit Cassadega auf Tournee gingen, spielten sie 7 ausverkaufte Abende in der Town Hall in New York. Was gibt es Erwachseneres als einen Rockstar? Und doch ... "Thematisch unterscheiden sich diese frühen Songs gar nicht so sehr von denen, die ich jetzt mache", sagt Oberst und schüttelt den Kopf. "Es hat etwas Bestätigendes und Entmutigendes an sich. Man fragt sich: Habe ich mich wirklich verändert oder bin ich gewachsen? Aber vielleicht liegt es auch nur daran, dass ich von Anfang an wusste, worüber ich schreiben wollte. Es war eine interessante Reise, all diese alten Songs wieder aufzugreifen und neu zu interpretieren."

Die beliebte Band Bright Eyes mit der dritten Welle von Veröffentlichungen im Rahmen ihres laufenden Companions-Reihe. Das Projekt sieht vor, dass die Band ihren gesamten Katalog neu auflegt, wobei jedes Originalalbum von Neueinspielungen begleitet wird. Eines der Dinge, die Conor Oberst auffielen, als er und seine Band durch mehr als zwanzig Jahre Musik gingen, war, dass er vielleicht tatsächlich die ganze Zeit über denselben Song geschrieben hat. Natürlich nicht klanglich, aber konzeptionell. Diese letzte Welle enthält mit Noise Floor frühe Bright Eyes-Songs, die so roh sind, dass Oberst sie damals nicht direkt veröffentlicht hat, sowie mit Cassadaga und The People's Key die ausgefeiltesten und anspruchsvollsten Alben der Band. Als Bright Eyes mit Cassadega auf Tournee gingen, spielten sie 7 ausverkaufte Abende in der Town Hall in New York. Was gibt es Erwachseneres als einen Rockstar? Und doch ... "Thematisch unterscheiden sich diese frühen Songs gar nicht so sehr von denen, die ich jetzt mache", sagt Oberst und schüttelt den Kopf. "Es hat etwas Bestätigendes und Entmutigendes an sich. Man fragt sich: Habe ich mich wirklich verändert oder bin ich gewachsen? Aber vielleicht liegt es auch nur daran, dass ich von Anfang an wusste, worüber ich schreiben wollte. Es war eine interessante Reise, all diese alten Songs wieder aufzugreifen und neu zu interpretieren."

Die beliebte Band Bright Eyes mit der dritten Welle von Veröffentlichungen im Rahmen ihres laufenden Companions-Reihe. Das Projekt sieht vor, dass die Band ihren gesamten Katalog neu auflegt, wobei jedes Originalalbum von Neueinspielungen begleitet wird. Diese Companion EP enthält dazu Gastauftritte von Johanna and Klara Söderberg (aka First Aid Kit) und Alynda Segarra (Hurray For The Riff Raff) sowie eine Coverversionen "When You Were Mine" von Prince. Eines der Dinge, die Conor Oberst auffielen, als er und seine Band durch mehr als zwanzig Jahre Musik gingen, war, dass er vielleicht tatsächlich die ganze Zeit über denselben Song geschrieben hat. Natürlich nicht klanglich, aber konzeptionell. Diese letzte Welle enthält mit Noise Floor frühe Bright Eyes-Songs, die so roh sind, dass Oberst sie damals nicht direkt veröffentlicht hat, sowie mit Cassadaga und The People's Key die ausgefeiltesten und anspruchsvollsten Alben der Band. Als Bright Eyes mit Cassadega auf Tournee gingen, spielten sie 7 ausverkaufte Abende in der Town Hall in New York. Was gibt es Erwachseneres als einen Rockstar? Und doch ... "Thematisch unterscheiden sich diese frühen Songs gar nicht so sehr von denen, die ich jetzt mache", sagt Oberst und schüttelt den Kopf. "Es hat etwas Bestätigendes und Entmutigendes an sich. Man fragt sich: Habe ich mich wirklich verändert oder bin ich gewachsen? Aber vielleicht liegt es auch nur daran, dass ich von Anfang an wusste, worüber ich schreiben wollte. Es war eine interessante Reise, all diese alten Songs wieder aufzugreifen und neu zu interpretieren."

Opeth wurde von den Kritikern für ihre Kombination aus progressiven Einflüssen und vernichtendem schwedischem Death Metal gelobt. Diese farbigen 140g Re-Issues sind ein Muss für Fans und Sammler, denn sie wurden von keinem Geringeren als Jens Bogren (Opeth, Katatonia, Amorphis, Sepultura) mit Unterstützung von Mikael Åkerfeldt ein liebevoll remastert. Die Aufnahmen wurden mit halber Geschwindigkeit in den berüchtigten Abbey Rd von Miles Showell (ABBA, Beatles) geschnitten, und das gesamte Artwork wurde von Dan Capp sorgfältig restauriert und so gestaltet, wie es die Band ursprünglich beabsichtigt hatte.

Es gibt nur wenige Bands, die es mit den Schweden von Opeth aufnehmen können oder wollen. Seit ihrer Gründung 1990 in dem kleinen Stockholmer Vorort Bandhagen haben die Schweden alle Konventionen über den Haufen geworfen, sich trotzig gegen alle Widrigkeiten durchgesetzt und - was am wichtigsten ist -12 atemberaubend schöne und intensive Alben geschaffen und sich damit zu einer der besten Bands der Welt entwickelt.

Opeth wurde von den Kritikern für ihre Kombination aus progressiven Einflüssen und vernichtendem schwedischem Death Metal gelobt. Diese farbigen 140g Re-Issues sind ein Muss für Fans und Sammler, denn sie wurden von keinem Geringeren als Jens Bogren (Opeth, Katatonia, Amorphis, Sepultura) mit Unterstützung von Mikael Åkerfeldt ein liebevoll remastert. Die Aufnahmen wurden mit halber Geschwindigkeit in den berüchtigten Abbey Rd von Miles Showell (ABBA, Beatles) geschnitten, und das gesamte Artwork wurde von Dan Capp sorgfältig restauriert und so gestaltet, wie es die Band ursprünglich beabsichtigt hatte.

Es gibt nur wenige Bands, die es mit den Schweden von Opeth aufnehmen können oder wollen. Seit ihrer Gründung 1990 in dem kleinen Stockholmer Vorort Bandhagen haben die Schweden alle Konventionen über den Haufen geworfen, sich trotzig gegen alle Widrigkeiten durchgesetzt und - was am wichtigsten ist -12 atemberaubend schöne und intensive Alben geschaffen und sich damit zu einer der besten Bands der Welt entwickelt.

Opeth wurde von den Kritikern für ihre Kombination aus progressiven Einflüssen und vernichtendem schwedischem Death Metal gelobt. Diese farbigen 140g Re-Issues sind ein Muss für Fans und Sammler, denn sie wurden von keinem Geringeren als Jens Bogren (Opeth, Katatonia, Amorphis, Sepultura) mit Unterstützung von Mikael Åkerfeldt ein liebevoll remastert. Die Aufnahmen wurden mit halber Geschwindigkeit in den berüchtigten Abbey Rd von Miles Showell (ABBA, Beatles) geschnitten, und das gesamte Artwork wurde von Dan Capp sorgfältig restauriert und so gestaltet, wie es die Band ursprünglich beabsichtigt hatte.

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Streng limitierte Stückzahlen!

Opeth wurde von den Kritikern für ihre Kombination aus progressiven Einflüssen und vernichtendem schwedischem Death Metal gelobt. Diese farbigen 140g Re-Issues sind ein Muss für Fans und Sammler, denn sie wurden von keinem Geringeren als Jens Bogren (Opeth, Katatonia, Amorphis, Sepultura) mit Unterstützung von Mikael Åkerfeldt ein liebevoll remastert. Die Aufnahmen wurden mit halber Geschwindigkeit in den berüchtigten Abbey Rd von Miles Showell (ABBA, Beatles) geschnitten, und das gesamte Artwork wurde von Dan Capp sorgfältig restauriert und so gestaltet, wie es die Band ursprünglich beabsichtigt hatte.

Es gibt nur wenige Bands, die es mit den Schweden von Opeth aufnehmen können oder wollen. Seit ihrer Gründung 1990 in dem kleinen Stockholmer Vorort Bandhagen haben die Schweden alle Konventionen über den Haufen geworfen, sich trotzig gegen alle Widrigkeiten durchgesetzt und - was am wichtigsten ist -12 atemberaubend schöne und intensive Alben geschaffen und sich damit zu einer der besten Bands der Welt entwickelt.

Streng limitierte Stückzahlen!

Das 5. Studioalbum von Django Django trägt den Titel ”Off Planet” und besteht aus 21 Titeln, die in vier Teile aufgeteilt sind. Ursprünglich sollten es vier experimentelle EPs werden, die aber schnell in ein richtiges Album verwandelt wurden, als die Band das Potenzial der Aufnahmesession erkannte. ”Off Planet” enthält einige der aufregendsten und dynamischsten Stücke, die Django Django je produziert haben. Das Album ist eine Rückbesinnung auf ihre experimentellen und elektronischen Wurzeln und enthält außerdem spannende Gastauftritte von Self Esteem, Jack Penate und vielen anderen.

Jeder Teil des Albums wird digital veröffentlicht und am Tag der Veröffentlichung des vierten Teils wird das gesamte Album auf Doppel-Vinyl und Doppel-CD erscheinen.

Eindringliche Melodien durchziehen Pendant World, das mit Spannung erwartete zweite Deutsche GrammophonAlbum der texanischen Band Balmorhea. Die 13 Tracks offenbaren ein breites Spektrum an Stilen, Texturen, Rhythmen und Farben und lösen Genregrenzen auf. Gefundene Sounds, Samples, Vinylaufnahmen, Synthesizer, Blechbläser und Flöten ergänzen Balmorheas reguläre „Stimmen“ aus Klavier, Akustikgitarren und Streichern. Zusätzlich gesellen sich zu Rob Lowe und Michael A. Muller auf Pendant World auch die Geigerin/Sängerin Aisha Burns, die Cellistin Clarice Jensen sowie eine ebenso herausragende Besetzung anderer Gastkünstler: der experimentelle Jazzsaxophonist Sam Gendel, Joseph Shabason an Tenorsaxophon und Flöte, Klarinettist Jonathan Sielaff, Schlagzeuger Jason Treuting, die Sängerinnen Steph Jenkins und
Lisa Morgenstern. Produziert wird das Album vom Grammy-Gewinner und Produzenten Jonathan Low, der auch noch Synthesizer und Schlaginstrumente einarbeitet. Pendant World erscheint digital, auf CD und auf Vinyl.

Die Folk-Pagan-Metal-Instanz ARKONA kehrt zurück und präsentiert ihr neuntes Album Kob‘, das am 16. Juni 2023 via Napalm Records erscheint. Ein weiteres Mal tauchen die Musiker in die Philosophien
und Zukunftsansichten von Sängerin Masha ab und rücken die moderne Gesellschaft in den thematischen Fokus.

Seit der Veröffentlichung ihres letzten Albums Khram (2018) haben ARKONA aufmerksam das Weltgeschehen verfolgt und spiegeln auf den acht neuen Tracks jeweils ein Problem der modernen Gesellschaft
als auch den Abstieg in die Hölle wider.

„Kob‘“ (DE: Die Zauberei) gräbt die längst vergessene Vergangenheit aus. Melodische Synthie-Einstreuungen und bedrohliche Gitarrenspiele untermalen die Aussage des Songs, dass die Menschheit nicht aus den Fehlern der Geschichte gelernt hat sondern in einem Teufelskreis steckt und besagte Fehler immer wieder erneut
begeht. Auf ”Razryvaya plot’ ot bezyskhodnosti bytiya” (was im Deutschen so viel heißt wie: Einer hoffnungslosen Existenz das Fleisch vom Knochen reißen) gibt sich Sängerin Masha einem emotionale Keyboard-Solo hin, das Bände spricht. Kriege, religiöse Überzeugungen und Umweltprobleme läuten die letzten Stunden ein während nachdenkliche Flöten- und akustische Gitarreneinlagen das letzte bisschen Vernunft ausdiskutieren. Obgleich Kob’ tief im Pagan Metal der frühen Tage verwurzelt ist, richtet es sich durch seine moderne Produktion und Diversität nicht nur an langjährige Fans, sondern gleichermaßen an neue Zielgruppen.

Wiederveröffentlichung des Umse Albums aus dem Jahr 2008 als Vinyl! Das 2008er Konzeptalbum des Ratinger MCs ist durchweg an eine Tageszeitung angelehnt. Seinem eigenständigen und ebenso intelligenten wie humorvollen Stil ist Umse hier durchgängig treu geblieben - nicht zuletzt dadurch konnte er sich stets deutlich vom aktuellen Hip Hop-Geschehen in Deutschland abheben. Chefredakteur Umse nähert sich auf diesem 12 Song-starken Konzeptalbum sämtlichen Themen von "Politik" und "Wirtschaft" über "Kontaktanzeigen" hin zum "TV Programm", dem "Wetter" oder den "Todesanzeigen" mit einem Augenzwinkern: Als Aufhänger dienen all seine persönlichen Erlebnisse zwischen bundesweiten Liveauftritten bis hin zum Fernsehabend auf der Couch. Umses technisch versierter, leidenschaftlich kreativer und perfektionistischer Schreibstil lädt den Hörer hierbei zur akustischen Langzeitlektüre ein. Die Beats auf "Rheinisches Blatt" stammen von Deckah, Firstar, Tesk und DJ Radrum. Besonders die Verwendung zahlreicher Vokal-Schnitte aus der ersten Golden Ära Hip Hops deutscher Machart, machen "Rheinisches Blatt" zu einem Hip Hop-Album klassischer Prägung, mit welchem die Fans der ersten Stunde definitiv ihre Freude haben werden.

Die Power Metal-Szene braucht einen Einlauf - und dieses Album ist einer!
Das neue Album "Out Of The Dark" von FROZEN LAND ist Power Metal der alten Schule - Punkt.
Es ist ein feuchter Traum für alle, die in den 90er Jahren angefangen haben, Power Metal zu hören. Es gibt keine Füllstücke. Es gibt keine nicht-eingängigen Refrains. Es gibt keine langweiligen Gitarrensolos.
Nach der letzten Veröffentlichung machte die Band eine 4-jährige Pause.
Und warum? Weil sie in dieser Zeit ihre Depressionen überwanden - laut augenzwinkernder, eigener Aussage, half LSD dabei - daher auch der Name des Albums, "Out Of The Dark".
Das Album ist im Grunde ein 7 Songs umfassendes Gesamtkunstwerk im traditionellen Power Metal-Sinne.
Aber bei den letzten 2 Tracks wird spannend! Tuomas hat eine perverse Vorliebe für Eurodance der 90er Jahre, was bereits durch das Cover von E-Types "Angels Crying" auf dem Debütalbum der Band durchschimmerte.
Auf diesem Album dachten FROZEN LAND nun, sie nehmen das Hedt selbst in die Hand und mischen Eurodance mit Metal. Nehmt es nicht zu ernst... FROZEN LAND tun das auch nicht!

Die Power Metal-Szene braucht einen Einlauf - und dieses Album ist einer!
Das neue Album "Out Of The Dark" von FROZEN LAND ist Power Metal der alten Schule - Punkt.
Es ist ein feuchter Traum für alle, die in den 90er Jahren angefangen haben, Power Metal zu hören. Es gibt keine Füllstücke. Es gibt keine nicht-eingängigen Refrains. Es gibt keine langweiligen Gitarrensolos.
Nach der letzten Veröffentlichung machte die Band eine 4-jährige Pause.
Und warum? Weil sie in dieser Zeit ihre Depressionen überwanden - laut augenzwinkernder, eigener Aussage, half LSD dabei - daher auch der Name des Albums, "Out Of The Dark".
Das Album ist im Grunde ein 7 Songs umfassendes Gesamtkunstwerk im traditionellen Power Metal-Sinne.
Aber bei den letzten 2 Tracks wird spannend! Tuomas hat eine perverse Vorliebe für Eurodance der 90er Jahre, was bereits durch das Cover von E-Types "Angels Crying" auf dem Debütalbum der Band durchschimmerte.
Auf diesem Album dachten FROZEN LAND nun, sie nehmen das Hedt selbst in die Hand und mischen Eurodance mit Metal. Nehmt es nicht zu ernst... FROZEN LAND tun das auch nicht!

Frisch nach ihrem Vertrag mit From The Vaults kündigen die epischen Doom-Metaller ALTAR OF OBLIVION die Veröffentlichung der EP "Burning Memories" an. Die fünf Tracks wurden 2016 aufgenommen, kurz nach der Fertigstellung der dritten Full-Length der Band. Nun, sieben Jahre später, ist die EP endlich bereit, das Licht der Welt zu erblicken. Auf ihr beschwört die Band klassischen, zeitlosen Epic Doom Metal herauf, während sie gleichzeitig unter der düsteren Ägide dieses nordischen Kollektivs Neuland erkundet. "Epic Doom ist kein Subgenre, an dem sich viele Bands auch nur versuchen, geschweige denn darin brillieren, geschweige denn es ausbauen, daher verdient der Fünfer aus Aalborg ein großes Lob dafür, dass er diesem tiefgründigen Außenseitersound neues Leben einhaucht.

Mit der frostigen Melancholie von Candlemass, der mystischen Dramatik von Solitude Aeturnus und der barbarischen Kraft von Solstice mischen AOO neue Ebenen emotionaler Verletzlichkeit durch den Robert Smith-ähnlichen Gesang von Mik Mentor und verlieren sich nie in schleppender Düsternis, sondern bewahren die traditionellen Metal-Grundlagen mit einer starken, klaren Gesangslinie, einem kräftigen Galopp und einer packenden Melodie" Chris Shantler (Metal Hammer UK).

The album Symposium Musicum is developed from field recordings, interviews, and observations collected in the villages of Podolínec, Lomnička, Levočské Vrchy, and Kolačkov - all areas of the eastern and north-eastern Slovakia with significant Romani enclaves. The pieces resulting from these interactions encourage the listener to tune in for a delicate negotiation of language, (audible) gesture, and storytelling.

The collaboration with the local participants appears lighthearted and whimsical on the records, but this seeming easiness is clearly a result of devoted fieldwork planning and committed post-production. The curated compositions represent and emphasize not only performative aspects of the acoustic activities but also point attention to seemingly non-productive aspects of creation, such as silence, hesitation, observation, perception, or waiting.

Sound experiment and preservation is not the only goal of the project. Some of the records capturing acoustic activities in peculiar places but also carry an element of social novelty that accompanied their making - according to the locals in Lomnička, the recording visitors were the first non-Romani persons who spent the night in the village.

In many instances, these recordings explore liminal spaces that have lost their original function (a church ruin or an out-of-business grocery store) and became a lively territory for acoustic exploration and playful reciprocity. For instance, in track 7, "Kavka", local children used crackling leaves as percussion devices.

Such moments betray a high level of engagement in the subtle details of the recorded spaces and their social ecologies. According to the creators, their creative processes involve "a social sound practice" as an attitude towards exploring sound in its social setting.

Symposium Musicum leaves behind many aesthetic conventions of sound capture and what is considered "musical", including the usual notions of a linguistic unit, narrative, memoir, and play. Instead, it engages in a self-reflective questioning of the way we listen to the world around us.

This project invites us to experience places outside the divided sociolinguistic provinces, resulting from multigenerational displacement and neglect of the Romani communities from the explored areas. The result is in many ways revelatory and poetically impactful.

Die Blue Flames 7"-Singles sind unter Sammlern und werden von Liebhabern des frühen R&B und des Proto-Mod-Sounds sowie von denen, die ihre Freude am Ska-Beat gesucht. Obwohl sie vor fast einem halben Jahrhundert veröffentlicht wurden, wurden sie tatsächlich bis heute nie wieder auf Vinyl neu aufgelegt. Für Ace schien es eine Selbstverständlichkeit zu sein, sie auf dieser Blue Flames-EP zu kombinieren. Für das Sleeve hat Ace das Titelfoto von Georgie Fame direkt vom original Fotograf Val Wilmer lizenziert. Auch Dean Rudland würdigt in den Liner Notes die Story dieser Georgie Fame-Band. Zu sagen, dass diese vier Tracks großartig klingen, ist untertrieben - diese Blue Flames kochen auf Gas.

Als Sänger mit einem außergewöhnlichen Stimmumfang (von Bassbariton bis Countertenor), der sich auf der Bühne mit einer New-Wave-Band oder bei einer Purcell-Arie wohlfühlt, mit dem Aussehen eines körperlosen Außerirdischen, der die Massen faszinierte, als Europäer, der aber in New York lebte, war Klaus Nomi ein komplexer und talentierter Künstler. 1979 hatte David Bowie, der damals gerade in seiner Berliner Zeit war, wie üblich vor fast allen anderen das aufkommende Phänomen wahrgenommen. Platin- und Goldplatten, ekstatische Konzertsäle, eine faszinierte Modewelt: Klaus erlebte zwischen '79 und '82 einen meteoritenhaften Aufstieg. Anlässlich des 40. Todestages von Klaus Nomi veröffentlicht Sony Music / Legacy seine gesamte offizielle Diskografie neu.

Jayda G, die Grammy nominierte Produzentin, DJ, Umwelttoxikologin und -aktivistin, meldet sich mit ihrem neuen Album, „Guy“, zurück. Das Album wurde gemeinsam mit Jack Peñate produziert (der bereits mit Künstler:innen wie Sault, David Byrne und Adele zusammengearbeitet hat), mit Beiträgen von Lisa-Kaindé Diaz (von Ibeyi), Ed Thomas (Stormzy, Nia Archives, Jorja Smith) und anderen.

Das Album erscheint nach ein paar ereignisreichen Jahren, in denen sie für einen Grammy nominiert wurde (für ihre Single mit Fred Again.., „Both Of Us“), eine Reihe hochkarätiger Remixe für Taylor Swift und Dua Lipa veröffentlichte, auf den größten Festivals und Bühnen der Welt spielte, darunter Glastonbury und Coachella, eine Compilation für die renommierte „DJ Kicks“-Reihe und eine hochgelobte Zusammenarbeit mit Aluna veröffentlichte, als Gastjurorin bei der BBC-Show „Glow Up“ auftrat, ihre Jugendliebe in ihrer kanadischen Heimatstadt Grand Forks heiratete und an der immersiven Installation „Undercurrent“ (New York, Juni '21) mitwirkte, die sich neben Künstler:innen wie Khruangbin, Nosaj Thing, Mount Kimbie und Bon Iver mit der Klimakrise befasste.
Das neue Album, „Guy“, stellt Jayda Gs eigene Stimme und ihre Lyrics stärker in den Mittelpunkt als je zuvor. Die 13 Tracks basieren auf ihren House-, Disco-, R&B- und Soul-Wurzeln und betonen gleichzeitig ihr Feingefühl als Pop-Songwriterin, durchsetzt mit Archivaufnahmen ihres verstorbenen Vaters, William Richard Guy. Trotz der manchmal traurigen Natur des Ausgangsmaterials erweist sich das Album letztendlich als eine erhebende und positive Erfahrung, sowohl musikalisch als auch von der Botschaft her, die es vermittelt.

Formate:

- Standard CD in FSC-certifiziertem Gatefold. Um die Produktion der CD zu kompensieren, wird der Erlös aus dem Verkauf des Albums an verschiedene Klimainitiativen gespendet, die Jayda während der Dreharbeiten zu dem Film Blue Carbon besucht hat.
- Farbiges*, limitiertes Standardvinyl in FSC-certifiziertem Gatefold inklusive Downloadcode. Um die Produktion des Vinyl zu kompensieren, wird der Erlös aus dem Verkauf des Albums an verschiedene Klimainitiativen gespendet, die Jayda während der Dreharbeiten zu dem Film Blue Carbon besucht hat. *Haftungsausschluss: die endgültige Farbe kann vom Mockup abweichen

Squids zweites Album 'O Monolith' ist voller melodischer Offenbarungen und vielschichtiger Klänge und eine musikalische Beschwörung von Umwelt, Häuslichkeit und selbst geschaffener Folklore. Wie sein Vorgänger, das gefeierte 'Bright Green Field' (2021), ist es dicht und vertrackt, aber auch wärmer und charaktervoller, mit einer mäandernden, fragenden Natur. Dies ist unverkennbar Musik, die von Freunden gemacht wurde, aber sie ist nicht ausgrenzend - sie laden dich ein, mit ihnen zuzuhören. 'O Monolith' wurde von Dan Carey (Fontaines D.C., Black Midi, Tame Impala)produziert, von John McEntire von Tortoise gemischt und in den Real World Studios aufgenommen. Das Thema der Beziehung zwischen Mensch und Umwelt zieht sich wie ein roter Faden durch das Album. Es gibt Anspielungen auf die Welt, in die die Band so sehr eingetaucht ist, auf den ökologischen Notstand, die Rolle der Häuslichkeit und die Verdrängung, die man spürt, wenn man für längere Zeit weg ist. 'O Monolith' ist ein Spiegelbild der überdimensionalen Entwicklung einer Band, die immer in die Zukunft blickt. Wie sein Namensvetter ist auch 'O Monolith' weitläufig und fremdartig, lebendig mit endlosen möglichen Interpretationen seiner inneren Geheimnisse.

Format: Schwarzes Vinyl mit bedruckten Innenhüllen im Gatefold plus 20-seitiges Booklet & Download-Code

Laura Poitras’ Oscar-nominated film »All the Beauty and the Bloodshed« is an epic, emotional and interconnected story about internationally renowned artist and activist Nan Goldin. Told through intimate interviews, photography, and footage, central to the story is her personal fight to hold the Sackler family accountable for the opioid crisis. The film cuts to the bone with its incandescent celebration of life and condemnation of those who threaten it. Art and activism are one and the same.

Helping to interweave Goldin’s past and present, multi-disciplinary duo Soundwalk Collective soundtrack her personal and political struggles to sublime effect. The contemporary sonic arts platform of founder and artist Stephan Crasneanscki and producer Simone Merli, the pair work with a rotating constellation of artists and musicians, developing site-and-context-specific sound projects through which to examine conceptual, literary, or artistic themes. And for all the beauty and the bloodshed on show here, the duo strike the balance just right; their compositions in collaboration with Zacharias Falkenberg and Johannes Malfatti producing a trance that oscillates between grace and madness.

Within the score, Crasneanscki draws connections with the life and work of German poet Friedrich Hölderlin, who was removed from society through confinement in institutions. In his last poems, written as fragments while he was plagued by mental illness, Hölderlin renders nature, in all its fragility and ephemerality. Similar themes merge in Laura's portrait of Goldin and serve as an inspiration for the composition of the choral songs and cantus within the soundtrack. Through the repetition of words and the layering of voices, the lyric scansion operates like a language possessed, echoing various styles from sacred music to modern minimalist techniques. The music is characterised by quivering strings and swells, de-tuning and lingering, shifting around the surreal, and creating a spectrum of musical experience. Exerts of Nan’s narration are featured in two of the tracks, her powerful narration offering a more direct approach to the storytelling.

In »All the Beauty and the Bloodshed,« Poitras shows protest is really Goldin’s great artwork: Her entire life had been leading to this moment of passionate expression, an inspired situationist gesture which fused the personal and the political. Art can change the world, which Poitras and Goldin tell us with powerful results. While there are multiple threads in this remarkable portrait which could have carried entire films, the soundtrack provides a sonic identity that helps keep track of proceedings. Utterly unique in their approach, Soundwalk Collective have delivered a gripping and thoughtful score, helping turn Goldin’s personal pain into culture-rattling impact.

Wenn die Dämmerung auf das Land der tausend Seen fällt, werden die Schleier zwischen unserer Realität und der Anderswelt dünner im Zwielicht der Wälder und Sümpfe. In solchen Momente gelangen Geschichten wie "das Märchen, das es nie gab" in die Texte und Musik von TENHI. Auf ihrem sechsten Album "Valkama", was unter anderem so viel wie "Hafen" oder "Zuflucht" bedeutet, erzählen die Finnen von einer die ursprünglich als Märchen gedachten Reise aus einem brennenden, vom Krieg zerrissenen Dorf über dunkle Gewässer zu einer Insel der Toten. Auf dieser Insel, die in der finnischen Folklore Verisurma ("der Ort für diejenigen, die den Blut-Tod erlitten haben") genannt wird, wohnen diejenigen, die im Krieg starben oder mit einer Klinge getötet wurden. An den Ufern vergießen sie für immer ihr Blut. Doch in den zehn Jahren, in denen TENHI an dem Album arbeiteten, sickerte zunehmend die blutige Realität mit ihren aktuellen Schrecken und Kriegen in die Märchenwelt ein. Jahr für Jahr spürten die Musiker, wie ihre Geschichte immer wirklicher erschien. Schließlich war ein Pegelstand erreicht, an dem die Band beschloss, ihren Kurs zu ändern. Obwohl noch immer Anklänge an das ursprüngliche Werk hörbar und im Artwork auch sichtbar sind, fühlt sich das finale Album ruhiger, harmonischer und sogar heller an als die erste Fassung. Die Band hätte kaum einen passenderen Namen als TENHI wählen können. Das alte finnische Wort bezeichnet einen "Ältesten" oder "Schamanen". Während die Schamanen des finnischen Nordens unter anderem als Vermittler zwischen ihrer Gemeinschaft und der Geisterwelt dienten, sind TENHI musikalische Grenzgänger zwischen dunklem Folk und Folkrock, die sogar bis in die elektrifizierte Welt des Metal hinein wirken. Dies legt zwar einen Vergleich mit WARDRUNA und HEILUNG nahe, doch nur im spirituellen Sinne und nicht in Hinblick auf den Stil. TENHI wurden im Jahr 1996 von Gitarrist und Sänger Tyko Saarikko ins Leben gerufen. Ein paar Jahre später stieß Ilmari Issakainen zur Band. Gemeinsam bilden die beiden Musiker den kreativen Kern der Gruppe. Nach der Selbstveröffentlichung ihres Demos "Kertomuksia" (1997) und der MCD "Hallavedet" (1998) trafen die Finnen 1999 mit dem Debütalbum "Kauan" auf Anhieb einen Nerv. Ins neue Jahrtausend starteten TENHI dann mit einer weiteren MCD namens "Airut:ciwi" (2000). Es folgte eine Reihe von Alben, die von "Väre" (2002) über "Maaäet" (2006) und "Airut:aamujen" (2006) bis zu "Saivo" (2011) reichte. Mit jedem neuen Album vergrößerten die Finnen ihre treue Fangemeinde, die aus diversen musikalischen Richtungen kommt. TENHI verbanden von Anfang an akustische Instrumente und traditionelle Töne mit Strukturen aus der zeitgenössischen Rockmusik. Während das Vorgängeralbum "Saivo" zuletzt verstärkt in Richtung Ambient und Panorama-Soundtrack tendierte, kehrt "Valkama" zu Songstrukturen zurück - wenn auch oft mäandernd und im epischen Format. "Valkama" kommt mit den typisch finnischen Gefühlen der Sehnsucht und anhaltender Melancholie daher. Doch trotz der hörbaren Dunkelheit bieten TENHI ein musikalisches Antidot für die Schrecken der modernen Welt an. Im Zwielicht der Welt des Nordens ist "Valkama" der Silberstreif am Horizont, der innere Geborgenheit und Frieden verspricht.

Gatefold 2LP (clear vinyl) with etching on side D, insert, padded inner sleeves and protection sleeve (300 copies)

Wenn die Dämmerung auf das Land der tausend Seen fällt, werden die Schleier zwischen unserer Realität und der Anderswelt dünner im Zwielicht der Wälder und Sümpfe. In solchen Momente gelangen Geschichten wie "das Märchen, das es nie gab" in die Texte und Musik von TENHI. Auf ihrem sechsten Album "Valkama", was unter anderem so viel wie "Hafen" oder "Zuflucht" bedeutet, erzählen die Finnen von einer die ursprünglich als Märchen gedachten Reise aus einem brennenden, vom Krieg zerrissenen Dorf über dunkle Gewässer zu einer Insel der Toten. Auf dieser Insel, die in der finnischen Folklore Verisurma ("der Ort für diejenigen, die den Blut-Tod erlitten haben") genannt wird, wohnen diejenigen, die im Krieg starben oder mit einer Klinge getötet wurden. An den Ufern vergießen sie für immer ihr Blut. Doch in den zehn Jahren, in denen TENHI an dem Album arbeiteten, sickerte zunehmend die blutige Realität mit ihren aktuellen Schrecken und Kriegen in die Märchenwelt ein. Jahr für Jahr spürten die Musiker, wie ihre Geschichte immer wirklicher erschien. Schließlich war ein Pegelstand erreicht, an dem die Band beschloss, ihren Kurs zu ändern. Obwohl noch immer Anklänge an das ursprüngliche Werk hörbar und im Artwork auch sichtbar sind, fühlt sich das finale Album ruhiger, harmonischer und sogar heller an als die erste Fassung. Die Band hätte kaum einen passenderen Namen als TENHI wählen können. Das alte finnische Wort bezeichnet einen "Ältesten" oder "Schamanen". Während die Schamanen des finnischen Nordens unter anderem als Vermittler zwischen ihrer Gemeinschaft und der Geisterwelt dienten, sind TENHI musikalische Grenzgänger zwischen dunklem Folk und Folkrock, die sogar bis in die elektrifizierte Welt des Metal hinein wirken. Dies legt zwar einen Vergleich mit WARDRUNA und HEILUNG nahe, doch nur im spirituellen Sinne und nicht in Hinblick auf den Stil. TENHI wurden im Jahr 1996 von Gitarrist und Sänger Tyko Saarikko ins Leben gerufen. Ein paar Jahre später stieß Ilmari Issakainen zur Band. Gemeinsam bilden die beiden Musiker den kreativen Kern der Gruppe. Nach der Selbstveröffentlichung ihres Demos "Kertomuksia" (1997) und der MCD "Hallavedet" (1998) trafen die Finnen 1999 mit dem Debütalbum "Kauan" auf Anhieb einen Nerv. Ins neue Jahrtausend starteten TENHI dann mit einer weiteren MCD namens "Airut:ciwi" (2000). Es folgte eine Reihe von Alben, die von "Väre" (2002) über "Maaäet" (2006) und "Airut:aamujen" (2006) bis zu "Saivo" (2011) reichte. Mit jedem neuen Album vergrößerten die Finnen ihre treue Fangemeinde, die aus diversen musikalischen Richtungen kommt. TENHI verbanden von Anfang an akustische Instrumente und traditionelle Töne mit Strukturen aus der zeitgenössischen Rockmusik. Während das Vorgängeralbum "Saivo" zuletzt verstärkt in Richtung Ambient und Panorama-Soundtrack tendierte, kehrt "Valkama" zu Songstrukturen zurück - wenn auch oft mäandernd und im epischen Format. "Valkama" kommt mit den typisch finnischen Gefühlen der Sehnsucht und anhaltender Melancholie daher. Doch trotz der hörbaren Dunkelheit bieten TENHI ein musikalisches Antidot für die Schrecken der modernen Welt an. Im Zwielicht der Welt des Nordens ist "Valkama" der Silberstreif am Horizont, der innere Geborgenheit und Frieden verspricht.

Gatefold 2LP (clear vinyl) with etching on side D, insert, padded inner sleeves and protection sleeve (300 copies)

"The Gold Experience" ist das erste vollständige Album, das Prince unter seinem unaussprechbaren Symbol als Pseudonym veröffentlichte. Mit dem Wort "SLAVE" auf einer Wange geschrieben, glänzte Prince mit den opulenten Balladen "The Most Beautiful Girl in the World" und "Gold" sowie der provokativen Single "Eye Hate U".

Teesy (Künstlername für Toni Mudrack) musste sich immer öfter Zweifeln stellen, hat die Freude am Musikmachen verloren - Doch irgendwann platzt der Knoten und er nimmt die Studioarbeit wieder auf. »Das war ein Gefühl wie früher. Eine Leichtigkeit, die ich sehr lange nicht mehr gespürt habe.« Die neue Motivation zeigt sich nicht nur im Texten, sondern auch in der Musik selbst. Er spielt Drums, Klavier, Gitarren und Bässe selbst ein. Keine Libraries, Loops. Kein Copy'n'Paste. Stattdessen handgemacht von vorne bis hinten, wie aus einem Guss. Eben richtige Songs. Mit Dynamik und Struktur. Keine Zweifel, keine Ängste. Wenig Kopf, stattdessen viel Bauch und noch mehr Herz. Teesy ist eben doch Kein Künstler.

Am 9. Juni 2023 wird Capitane Records Adam Greens "Friends of Mine" anlässlich des 20-jährigen Jubiläums des Albums neu auflegen. Für Fans von Green und seiner Band The Moldy Peaches mag es schwer zu glauben sein, dass es schon zwanzig Jahre her ist, dass in den frühen 2000er Jahren eine neue Generation von Künstlern, Interpreten und Songwritern die Indie-Rock-Welt in Flammen setzte. Innerhalb von gefühlt nur wenigen Monaten versorgten Bands wie The Strokes, The White Stripes, The Libertines und The Moldy Peaches das Indie-Publikum mit neuen Versionen und Interpretationen des Rock'n'Roll-Kanons, Mit Einflüssen, die sowohl Standards wie The Velvet Underground, Television, The Stones, The Doors, The Stooges, Leonard Cohen, The Modern Lovers und Bob Dylan als auch neuere Künstler wie Beck, Daniel Johnston, Nirvana, Sonic Youth, Will Oldham, Pavement und The Silver Jews umfassten. Die Ergebnisse variierten zwischen geradlinigem Rock'n'Roll und Punk mit einem vom Folk inspirierten Songwriting-Bewusstsein. Vorbei waren die zerrissenen Jeans und Flanellhemden von einst. Enge Hosen und Lederjacken regierten den Tag...und die Nacht. Nach erstem Solo-Album und dem Erfolg seiner Band The Moldy Peaches (die 2001 zusammen mit The Strokes bei Rough Trade Records unterschrieben und anschließend mit ihnen auf Tournee gingen) schrieb und nahm Adam Green Friends of Mine auf, das bahnbrechende Album, das eine neue Richtung in seiner Karriere einschlagen sollte. In Abkehr von den selbst aufgenommenen 8-Spur-Analogaufnahmen seiner früheren Alben wandte sich Green einem Sound zu, der zu dieser Zeit eindeutig als Hi-Fidelity-Sound bezeichnet werden konnte, komplett mit Band und einer Streichergruppe (mit Arrangements von Jane Scarpantoni). Friends of Mine orientierte sich an den Werken von Serge Gainsbourg, Scott Walker und Frank Sinatra, während der lyrische Inhalt wie von der symbolistischen Poesie und dem Surrealismus von Brecht und Dylan abgeleitet schien. Das Ergebnis war etwas völlig Neues, eine Platte, die sowohl rührend traurig als auch sardonisch, satirisch, lässig und sogar laut lachend komisch sein konnte. Songs wie "Jessica" oder das Titelstück wurden zu Hymnen für eine neue Generation junger Indie-Rock-Fans in Europa, in Deutschland wurde Adam Green besonders gefeiert, von Indiekids, der Musikkritik, im Feuilleton und auch fast sogar in der Klatschpresse. Capitane ist stolz darauf, Friends of Mine nun als Doppel-LP bzw. 2CD und limitiert erstmals als farbige Einzel-LP wieder zu veröffentlichen. Die Deluxe-Edition enthält auf einer zweiten Disc Outtakes, B-Seiten und Live-Versionen und Linernotes zu den Songs von Green, die neue Einblicke in seine oft kryptische lyrische Methodik sowie Anekdoten aus der Entstehungszeit der Songs bieten. Ebenfalls gibt es Auszüge aus einem Gespräch zwischen Green und Dan Myers (Produzent), Steven Mertens (Bassist), Matt Ramono (Schlagzeuger) und Larissa Brown (Zeit). Die fünf alten Freunde tauchen tief in die Produktion von Friends of Mine ein und tauschen Geschichten über die vergangene Zeit aus. Die 2023er-Ausgabe von Friends of Mine ist ein Fenster zu einem wesentlichen Teil unserer jüngsten Vergangenheit und ein Zeugnis für einen Künstler, der den Test der Zeit bestanden hat. Adam Green ist immer noch dabei - genau so sleazy, weird & funny wie vor 20 Jahren!



Doppel-LP, zweite Platte mit B-Seiten, Demos, Outtakes und Liveversionen, klassisch schwarzes Vinyl im Klappcover, bedruckte Innenhüllen mit neuen Linernotes plus 4-seitigem Insert mit Interview! Definitiv Deluxe!

Am 9. Juni 2023 wird Capitane Records Adam Greens "Friends of Mine" anlässlich des 20-jährigen Jubiläums des Albums neu auflegen. Für Fans von Green und seiner Band The Moldy Peaches mag es schwer zu glauben sein, dass es schon zwanzig Jahre her ist, dass in den frühen 2000er Jahren eine neue Generation von Künstlern, Interpreten und Songwritern die Indie-Rock-Welt in Flammen setzte. Innerhalb von gefühlt nur wenigen Monaten versorgten Bands wie The Strokes, The White Stripes, The Libertines und The Moldy Peaches das Indie-Publikum mit neuen Versionen und Interpretationen des Rock'n'Roll-Kanons, Mit Einflüssen, die sowohl Standards wie The Velvet Underground, Television, The Stones, The Doors, The Stooges, Leonard Cohen, The Modern Lovers und Bob Dylan als auch neuere Künstler wie Beck, Daniel Johnston, Nirvana, Sonic Youth, Will Oldham, Pavement und The Silver Jews umfassten. Die Ergebnisse variierten zwischen geradlinigem Rock'n'Roll und Punk mit einem vom Folk inspirierten Songwriting-Bewusstsein. Vorbei waren die zerrissenen Jeans und Flanellhemden von einst. Enge Hosen und Lederjacken regierten den Tag...und die Nacht. Nach erstem Solo-Album und dem Erfolg seiner Band The Moldy Peaches (die 2001 zusammen mit The Strokes bei Rough Trade Records unterschrieben und anschließend mit ihnen auf Tournee gingen) schrieb und nahm Adam Green Friends of Mine auf, das bahnbrechende Album, das eine neue Richtung in seiner Karriere einschlagen sollte. In Abkehr von den selbst aufgenommenen 8-Spur-Analogaufnahmen seiner früheren Alben wandte sich Green einem Sound zu, der zu dieser Zeit eindeutig als Hi-Fidelity-Sound bezeichnet werden konnte, komplett mit Band und einer Streichergruppe (mit Arrangements von Jane Scarpantoni). Friends of Mine orientierte sich an den Werken von Serge Gainsbourg, Scott Walker und Frank Sinatra, während der lyrische Inhalt wie von der symbolistischen Poesie und dem Surrealismus von Brecht und Dylan abgeleitet schien. Das Ergebnis war etwas völlig Neues, eine Platte, die sowohl rührend traurig als auch sardonisch, satirisch, lässig und sogar laut lachend komisch sein konnte. Songs wie "Jessica" oder das Titelstück wurden zu Hymnen für eine neue Generation junger Indie-Rock-Fans in Europa, in Deutschland wurde Adam Green besonders gefeiert, von Indiekids, der Musikkritik, im Feuilleton und auch fast sogar in der Klatschpresse. Capitane ist stolz darauf, Friends of Mine nun als Doppel-LP bzw. 2CD und limitiert erstmals als farbige Einzel-LP wieder zu veröffentlichen. Die Deluxe-Edition enthält auf einer zweiten Disc Outtakes, B-Seiten und Live-Versionen und Linernotes zu den Songs von Green, die neue Einblicke in seine oft kryptische lyrische Methodik sowie Anekdoten aus der Entstehungszeit der Songs bieten. Ebenfalls gibt es Auszüge aus einem Gespräch zwischen Green und Dan Myers (Produzent), Steven Mertens (Bassist), Matt Ramono (Schlagzeuger) und Larissa Brown (Zeit). Die fünf alten Freunde tauchen tief in die Produktion von Friends of Mine ein und tauschen Geschichten über die vergangene Zeit aus. Die 2023er-Ausgabe von Friends of Mine ist ein Fenster zu einem wesentlichen Teil unserer jüngsten Vergangenheit und ein Zeugnis für einen Künstler, der den Test der Zeit bestanden hat. Adam Green ist immer noch dabei - genau so sleazy, weird & funny wie vor 20 Jahren!



Doppel-LP, zweite Platte mit B-Seiten, Demos, Outtakes und Liveversionen, klassisch schwarzes Vinyl im Klappcover, bedruckte Innenhüllen mit neuen Linernotes plus 4-seitigem Insert mit Interview! Definitiv Deluxe!

Das Album ist dem Geschmack, der Ästhetik und der „Ethik“ gewidmet. Und so kam es: Im Laufe eines Jahres wurden die Geräusche von Restaurants und Weingütern aufgenommen, ebenso wie die Stimmen derer, die in diesen Lokalen arbeiten. Wir hören u.a.
das Klirren von Gläsern, die Geräusche von Braten in Öl, Weingießen, sowie die erzählenden Stimmen von Köchen und Winzern auf Italienisch, Spanisch, Französisch, Englisch und Japanisch. Die Songs auf dem Album erzählen Geschichten von Rezepten, kulinarischen Vorlieben und Geselligkeit.

Rob Grant präsentiert sein atemberaubendes Debütalbum ”Lost At Sea”.
Grant hatte nie den Plan, Musiker zu werden. Er hat keinerlei musikalische Ausbildung genossen. Noten lesen kann er nicht. Aber wenn er sich an ein Klavier setzt, geschieht etwas Magisches. Die Noten strömen aus ihm heraus und es entsteht eine Komposition nach der anderen.

Als Vater der internationalen Ikone Lana Del Rey hat er eine ganze Reihe von Talenten eingeladen, an der Entstehung des Albums mitzuwirken.

Seine Tochter Lana Del Rey ist als Autorin und Produzentin tätig, während Jack Antonoff, Luke Howard, Laura Sisk und Zach Dawes an der Produktion beteiligt sind.
Sein Album inklusive der Tracks ”Hollywood Bowl” und ”Lost At Sea”, mit Vocals seiner Tochter Lana Del Rey, erscheint am 09. Juni und ist vorbestellbar auf CD und Vinyl.

Oorsprong is a tube, a line in a forest, a sound sculpture. Acoustics to be revealed. Activated by entering, it becomes a giant flute producing a tone that is so low, the body crashes into waves of pure pressure instead of sound. Untranslatable energy. CERCHI CERCHI by Lukas De Clerck (FKA: Bloedneus & de Snuitkever) is a quest in a forest to find traces of that untranslatable sound, its impact, its imprint, its memory. A hide and seek in which the body is concealed in the instrument, becoming its second voice, hidden but exposed.


I
whistling, organ pipe, voice
A whistle, a whisper, a play of breath. Echoes of a low pulse, colliding into each other.
Party in the background, a coach blows a whistle, a haunting scream echoes the whistling from inside, kids returning from a party.

II
voice, whistling
To give away your voice, a gesture. The initiative for an introduction.
Birds chirping, an F16 piercing through the sky.

III
kaval
A circular breath gently caresses a line of circles, making its surface ringing.
Birds chirping, voices of kids, kids shouting, the door of Oorsprong closes.

IV
oorsprong, two bass recorders
When tuning becomes rhythm, when rhythm becomes a beat of breath. A beat underneath the beating of tones. Feedback of flutes.
The clanging of 2 bass recorders, the ventilator of Oorsprong is turning on.

Matt Berry’s second album for Acid Jazz was the astounding ‘Kill The Wolf’. Building on and expanding on the sound of his label debut, it mixed baroque folk with psychedelia.
Containing the well-received single ‘Medicine’, the ruralistic ‘Gather Up’, as featured in ‘What We Do In The Shadows’, and the nine minute ‘Solstice’, as championed by BBC Radio 6 Music.
Zuerst veröffentlicht im Jahr 2013 feiert 'Kill The Wolf' seinen 10. Geburstag. Auf seinem zweiten Album führt Matt Berry seine progressive Musik mit 70-Jahre-Pop und psychedelischen Experimente fort und etabliert sich mit einem von der Kritik gefeierten Werk weiter als Musiker.

Anlässlich des zehnjährigen Jubiläums des Albums sind Deluxeversionen von Tracks erhältlich - in einigen Formaten zum allerersten Mal. Die Doppel-LP im Gatefold-Format enthält das Originalalbum auf der LP und das gesamte exklusive Material auf einer zweiten LP.

ZEKE, die legendären Punkrocker aus Seattle, melden sich mit ihren ersten neuen Aufnahmen seit über 4 Jahren zurück. "Ride Hard Ride Free" enthält zwei Tracks, die mit ZEKEs charakteristischer Mischung aus turbogeladenem Thrash-Punk und Motörhead-besessenem Rock'n'Roll gespickt sind und bietet einen ersten Vorgeschmack auf ZEKEs neues Album, das im Laufe des Jahres erscheinen soll. Im Jahr 2022 fanden ZEKE unerwartet wieder zusammen. Die Gründungsmitglieder Blind Marky Felchtone (Gesang/Gitarre) und Donny Paycheck (Schlagzeug), der nach 18 Jahren ans Schlagzeug zurückkehrt, steckten die Köpfe zusammen und arbeiteten an neuen Songs. Auch Jason Freeman (Bass) und Jeff Hiatt (Gitarre), die schon einmal bei ZEKE dabei waren, konnten von einem Wiedereinstieg überzeugt werden. Die erste Single "Ride Hard Ride Free" ist alles, was man von ZEKE erwartet - oder hören will.

»Ced Gee X Kool Keith«, beide Mitglieder der legendären Ultramagnetic MC's, haben sich für eine neue Ultramagnetic MC's-Platte zusammengefunden. Das Wiederaufleben des klassischen Hip-Hop wird im Jahr 2022 mit der neuen Veröffentlichung von Ultramagnetic MC's »Kool Keith x Ced Gee« fortgesetzt Die Ultramagnetics Kool Keith, Ced Gee und DJ Moe Love, die Mitte der 80er Jahre in der Boogie Down Bronx als weit verstreutes Hip-Hop-Trio mit einem Haufen neuer Ideen auftraten, nehmen so etwas wie einen einzigartigen Platz im Pantheon der alten Schule ein.

Die Ultramagnetic MCs kombinieren funkige Songs mit rockigen Beats und obskuren lyrischen Anspielungen und können auf eine Reihe von Premieren verweisen: Sie waren die erste Rap-Gruppe, die einen Sampler als Instrument einsetzte, die erste, die ausgiebig mit Live-Instrumenten arbeitete und die erste, die einen ehemaligen Psychiatriepatienten (Kool Keith) am Mikrofon hatte.

Frühe Singles wie »Something Else« und »Space Groove« wurden zum festen Bestandteil von Blockpartys und schlugen Wellen im Underground, so dass die Gruppe schließlich bei dem von Disco dominierten Label Next Plateau landete, wo sie ihr unterschätztes Debüt veröffentlichte. In den folgenden Jahren wechselte die Gruppe von Label zu Label und veröffentlichte Alben auf Mercury und Wild Pitch, bevor sie sich trennte, um verschiedene Projekte zu verfolgen. Bei dieser besonderen Veranstaltung werden Kool Keith und Ced Gee klassische Ultramagnetic MCs-Songs vortragen und Geschichten über die Entstehung ihres ikonoklastischen Katalogs erzählen.

Nachdem die dänische Melodic-Death/Thrash-Metal-Band AVARICE in den örtlichen Clubs Feuer und Flamme war, ist sie nun endlich bereit, ihr mit Spannung erwartetes selbstbetiteltes Debütalbum im Jahr 2023 zu veröffentlichen. Das Album enthält zehn knallharte Tracks, die sich um die mythologischen Geschichten der Antike über Bestrafung und extreme Gier drehen - daher der Band- und Albumname "Avarice". Für die Aufnahme und Produktion des Albums hat sich die Band mit dem erfolgreichen dänischen Produzenten Chris Kreutzfeldt (CABAL, Ghost Iris und Møl - um nur einige zu nennen) zusammengetan. Das Album unterstreicht in perfekter Weise den Status von Avarice als Vorreiter des Old-School-Death/Thrash-Sounds der 2000er Jahre - allerdings mit einer neuen und kraftvollen Interpretation des Genres.

Das Album fängt die brutale, intensive und rohe Live-Energie von Avarice ein und lässt sich von Pionieren wie Slayer, Sepultura, HateSphere und Power Trip inspirieren.
Avarice wurde 2007 von ein paar Teenagern gegründet, im selben Jahr, in dem das Kollektiv auch den Aarhus Metal Contest gewann und Shows und Festivals mit Bands wie Kreator, Soilwork, Volbeat, Mnemic, Dawn of Demise und Mercenary spielte. Nach einer mehrjährigen Pause wurde Avarice 2021 wieder ins Leben gerufen, und in diesem Jahr wurde die EP "Reborn in Blood" veröffentlicht. Die EP wurde sowohl von den Fans als auch von den Kritikern erstaunlich gut aufgenommen, was sie auf ihren Weg zu UPRISING! Records führte.

Dream Wife melden sich in elektrisierender Form mit dem komplett selbstgeschriebenen und -produzierten Album 'Social Lubrication' zurück. Der einzige äußere Einfluss sind die Schwergewicht-Mixer Alan Moulder (Nine Inch Nails, Yeah Yeah Yeahs, The Killers, Depeche Mode) und Caesar Edmunds (Wet Leg, Beach House). Auf dem aufrührerischen Werk greift das Trio wieder große Themen auf seine charakteristisch-unverfrorene Art an, verschmelzt das Politische mit dem Verspielten und versteckt entscheidende Messages in heißen Hymnen übers Rumknutschen, Spaß haben und neugierig bleiben.

'Social Lubrication', in den Worten der Band, ist: 'Hyper-lustvoller Rock'n'Roll mit einem politischen Schlag, der die Alchemie der Anziehung, der Lust am Leben erforscht, die Gemeinschaft umarmt und das Patriarchat herausfordert. Mit einer gesunden Portion Verspieltheit und Spaß.'

'Dream Wife just want to dismantle the patriarchy. The UK art punks make music that’s roiling with feminist rage and Spice Girls attitude.' - Rolling Stone

Mit Hits wie “Rock Around The Clock” , “See You Later Alligator”, “Shake Rattle And Roll” hat sich Bill Haley in die Geschichtsbücher des Rock’n’Roll geschrieben.

Für alle Vinylliebhaber gibt es ab sofort eine Zusammenstellung mit allen Hits der Rock’n’Roll Legende.

With hits like „Rock Around The Clock“, „See You Later Alligator“, „Shake Rattle And Roll“, Bill Haley made his mark in the annals of rock‘n‘roll. „See You Later Alligator“, „Shake Rattle And Roll“, Bill Haley has made his mark in the records of rock‘n‘roll.

For all vinyl lovers, a compilation with all the hits by the rock‘n‘roll legend is now available.