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Catorce reflexiones sobre el fin (Fourteen Reflections on the End) originated from an installation exhibited at the Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, Mexico, in 2019. Fourteen magnetic bodies of tape that dialogued with the fourteen pieces of electroacoustic music now contained in this album composed from the sound anthology of Angélica Castelló. Thus, Catorce reflexiones sobre el fin is a complex piece consisting of multiple parts that, although articulated with each other, hold a life of their own.

Like every body, these have a unique history made up of mixed fragments spun by Angélica, ranging from field recordings, references, and self-references to previous pieces, experiences, and voice recordings made specifically for these compositions re-recorded in various formats, from lo to high fidelity, analog and digital, composed, decomposed and recomposed (Castelló, A., 2019). Likewise, as any body, they also reflect on their end, whether absolute or temporal, of the many ways of being finite and of saying goodbye.

During the Catorce reflexiones sobre el fin, Castelló takes you on a journey that is difficult to locate. An ethereal space between shattered glass, stridulation of cicadas, war drums, murmurs in French, Italian maledictions, and soft recitations in Spanish. From uproar to solace, all wrapped in a soft abstraction that only allows access to the subtle whisper of these expressions. A gesture between invitation and sharing because who does not recognize oneself in this emotional storm?

First, the approach of the winds, the first breeze that caresses the body. Then the bewilderment announced by the scent of uncertainty condensed in the air’s humidity. The prelude to the storm, to something that will shake you from head to toe, something from which there will be no return.

To the acceleration of the winds comes the percussions, the tremor of the storm with its lightning. la Ira (1). A vibration running through the whole body, unstoppable. This reverberating sound, resulting from its re-percussion with our body acoustics, owes its tones and echoes to the cavities and organs of different masses. From what is hollow and what is full; what is void and what is matter. There is no turning back. It is a dive into the void; to fight and resist because there is no other way to go. It is a matter of survival.

Ma fin est mon commencement Et mon commencement ma fin (2)

After this, the cicada resumes at the crack of dawn, a gentle breeze, and solitude, that temporarily musical silence of embraces (3) with hints of harpsichord and bells.

The breaking of the waves in Sicily is accompanied by the antenna that picks up radio transmissions that already invite other tastes. The Mediterranean and its currents mingle and divide tense routes of escape, exchange, and struggle between Blutorangen, tides, and birdsongs.

An immersion into deep waters.

And in the end, we all commit sins! Queste maledette! (4)

Lorena Moreno Vera, 2023

»Don’t Ever Let Me Know« is Sheffield’s first solo release since 2018’s »Repair Me Now« (Glistening Examples) and is a work in a similar mode to that album in that it comprises two lengthy pieces of multiple movements and moods. For this new work, and as a kind of ode to his late father, Sheffield has employed samples entirely taken from (or inspired by) the city in which both men were born. In this way, the sounds have been utilized as a kind of shorthand for the specific subjects at hand. The two audio assembla ges, meanwhile, mirror the ways in which loss and memory are processed – with both melancholy and wonder in equal measure: at once beautiful and confounding.

Colin Andrew Sheffield (b. 1976, El Paso TX) is a composer whose work is focused on the recontextualization of samples derived from various commercially available recordings – generally those taken from his own expansive collection of records, tapes, and compact discs. Conceptually his output is akin to plunderphonics-style sound collage, though aesthetically it is seemingly closer to soundscapes of ambient drone. Since his earliest recordings from the 1990s, his work has developed into a kind of hybrid of the aforementioned approaches.

Lange vergriffene Aufnahme aus den zweiten 70er Jahren von Beverly Glenn Copeland und bei Sammlern sehr begehrtes klassisches Album. Für diese Veröffentlichung von Guy Davie remastert und neu geschnitten, mit 'Color of Anyhow' und 'Erzili'.

Debütalbum der Stuttgarter Hard Rock/Metal Band Front Row Warriors. 2019 von Jay-G, (Drums/ Shining, Sharon), Elkie Gee (Gesang / Ampyre, Antares) und Sorin Badin, einem bekannten rumänischen Gitarristen (Cardinal, Samsara, Crystal Maze) gegründet. Hinzu kamen noch Richie Seibel (Keyboards/ Lanfear, Ivanhoe, Them) und Timo Michels (Bass / 5. Staffel, Pump) und Gitarrist Stef Binnig-Gollub (Septagon). Eine musikalische Reise durch die Ära des Hardrock und Metal der letzten 30 Jahre, mit herausragender Gitarren- und Keyboardarbeit und eingängigen Hooklines. Jedes Bandmitglied repräsentiert einen der verschiedenen Stile und Einflüsse, die den Sound der Front Row Warriors ausmachen. Die Band wurde 2021 vom Verband Deutscher Rock- und Popmusiker zum "Besten Hardrock-Act Deutschlands" gekürt. Die gelungene Mischung aus AOR, getriebenem 80er- und 90er-inspiriertem Hardrock und flotten Uptempo-Nummern sowie epischen Balladen findet sich nun auch dem mit Spannung erwarteten Debüt. Als Special Guest glänzt der US-amerikanische Sänger Todd Michael Hall (J. Starr's Burning Starr, Riot V) auf dem Song "Dystopian Times", für den Sängerin Elkie vom Deutschen Rock- und Popmusikerverband zur besten Hardrock-Sängerin des Jahres 2022 gewählt wurde.

BLACKSCAPE ist der Schlag ins Gesicht, nach dem du dich sehnst. Verschwende keinen Gedanken an den Schmerz, wenn du dich dieser musikalischen Lawine hingibst, denn du wirst reichlich belohnt werden!
"Suffocated By The Sun", das Debütalbum des schwedischen Trios ist vollgepackt mit schweren Riffs und einer Mischung aus Thrash Metal und Death Metal, die dich mit ihren majestätischen Melodien in ihren Bann ziehen und dich mit einer heftigen Dosis Metal fertig machen wird.
Die eingängigen Kompositionen des Albums beinhalten eine Fülle an innovativer Gitarrenarbeit, halsbrecherische Drums, kreischende Soli und brutalem Leadgesang.
Taucht tief in die Lyrics ein und erforscht die inneren menschlichen Konflikte in absurden Realitäten und schmerzhaften existenziellen Erweckungen.
Die Tracks des Albums verkörpern Metal in Perfektion und markieren den Beginn einer neuen skandinavischen Metal-Macht, die man im Auge behalten muss: BLACKSCAPE.

"Bastian Epple makes an eagerly anticipated return to marionette under his elusive MinaeMinae guise that imagines rich sonic architectures for the journeying spirit to voyage to. Räumlichkeit is Epple’s debut album and third release to date following Gestrüpp from 2020, venturing further into melodic electronic nostalgia and percussive beat oriented soundscapes.

Growing up in a small village in southern Germany, Bastian Epple was never interested in kitschy folk sounds, rather he took solace in the time he would spend meditating to repetitive and hypnotic patterns. His guitar strumming and what sounded to his mother like a young Philip Glass on a cheap Casio keyboard encouraged little Epple to tread on this self-taught path of developing his own musical language. This led him to start experimenting with a tape recorder and layering sounds with non-musical samples to eventually working with a DAW.

Bastian went on to study Media Art at the Center for Art and Media (ZKM) in Karlsruhe and graduated with a diploma in film and documentary media - where he now works as a freelance filmmaker and lecturer at Stuttgart Media University. However, this never stopped him from creating and playing with wide-eyed sounds, eventually amassing a vast collection of tunes and finally emerging from this anonymity.

Utilizing modular synth, self made tape echos, synthetic sounds, recordings of ethnic percussion and guitar, MinaeMinae understands musical material similar to documentary footage which he would splice, repitch, and rearrange intuitively into captivating worlds."

One of Japan’s most riveting artists follows that KAKUHAN mindmelt from last year (our number 5 album, 2022) with an engrossing suite of wild field recordings and polymetric percussion featuring a whole raft of additional players weaving drums, wind and brass instruments, cello and electronics into a bewildering Acousmatic matrix. Highly recommended listening if you’re into Marginal Consort, Beatrice Dillon, Will Guthrie, Mark Fell, François Bayle.

Having made his mark on these pages over the last few years with appearances as part of Japan’s cult entities Goat and YPY, Koshiro Hino’s turn last year as KAKUHAN took things to a whole other level with an album that felt like some alchemical mix of elements borrowed from Autechre, Photek, Arthur Russell and Mica Levi - a complete stylistic futureshock that worked as well in the club as it did fuelling extended flights of the imagination.

For 2023, Hino takes us into a completely different headspace, assembling a cast of 11 players - the mighty Joe Talia and KAKUHAN’s other half Yuki Nakagawa among them - for a suite of untamed field recordings, clanging percussion, brass and synthesis that are about as far removed from the diaristic ambient de jour as you could possibly imagine. Instead, the ensemble conjure vibrant sound ecologies teeming with detail, mirroring the natural world and communal traditions to form shapeshifting, organismic soundworlds.

‘Geist II’ was written for 20 speakers, referencing François Bayle’s acousmatic music and David Tudor’s electro-acoustic environments. It paints a richly detailed scene of a nocturnal rainforest, replete with avian hoots and a skin-crawling patina of insectoid chatter that moves around the soundfield, stealthily growing in density with a more “musical” presence of super low end drone and drums converging form the peripheries to a ritualistic climax. In the second part, focus shifts to remarkably pure percussion-like tropical rain, invaded by swarms of scuttling and winged invertebrates that give way to a water music-like polymetric slosh, resolving to ringing tones and more mellifluous gestures that hark back to GRM’s most poetic, romantic urges.

It's a deeply psychedelic experience that harmonises tiny electronic fluctuations with bird calls and scraped, resonant drones that phase in-and-out of the mix. It's sound you can practically chew, and another crucial despatch from the contemporary Japanese avant-garde.

Berlin-based artist Werner Soyeaux under his stage name Black Davil is a core part of the Berlin collective Ick Mach Welle. Schnall Schnall is his debut solo artist EP on Killekill, with own productions accompanied by collaborations with Bettina and DJ Normal 4, alongside remixes by Rhyw and Gesloten Cirkel.

The EP opens with the dark intro Alptraum, which Gesloten Cirkel transforms into an ill-tempered acid-electro monster. The title track Schnall Schnall provides a stark contrast to these, with bright overtones existing alongside deeply rooted sonic bedrock.

Rhyw adds a level of abstraction and futurism with his remix of this track, whilst retaining the dub-influenced vibe of the original.

Following on from this Geldschere is collaboration with Dusseldorf artist DJ Normal 4, with Black Davil contributing his own lyrics and voice, to create a track that could be fittingly described as "Acid Punk Rock"!

The final track on the release is a cheeky ode to the Ick Mach Welle family. Here the Davil's passion for Hardtekk, Gabber and similar rough styles of music become clear.

Das Amsterdamer Indie-Rock-Quartett Loupe erkundet auf seinem Debütalbum 'Do You Ever Wonder What Comes Next?' Themen des jungen Erwachsenwerdens, des Lebens in der Großstadt und menschlicher Beziehungen in einem Geflecht aus mitreißenden Harmonien, frei fließenden Rhythmen und ausdrucksstarkem Gesang. Dabei gelingt es der Band, einen zugleich aufregenden wie hypnotisierenden Sound zu entwickeln.

Loupe sind Julia Korthouwer (Gesang, Keybord - sie/ihre), Jasmine van der Waals (Gitarre - they/them), Lana Kooper (Bass - sie/ihre) und Annemarie van der Born (Schlagzeug - sie/ihre). Fu?r die Band fällt mit ihrer viel beachteten, ersten Single 'Leave Me There' plötzlich alles an seinen richtigen Platz. Loupe veröffentlichen zwei fantastische EPs - 'Older' (2021) und 'Spring '19' (2022) - und erspielen sich den Ruf einer beeindruckenden Live-Band. So werden sie gleich zweimal hintereinander zum Eurosonic Festival eingeladen und begleiten Bands wie Porridge Radio, Moss oder Lovejoy.

Nun veröffentlichen Loupe ihr Debütalbum 'Do You Ever Wonder What Comes Next?'. Darauf betrachten sie das Erwachsenwerden aus unterschiedlichen Perspektiven. Die Stücke erzählen von Selbstermächtigung, von der Suche nach dem eigenen Weg und einem eigenen Platz. Was die Band antreibt, ist das "Was kommt als Nächstes?" in der großen Frage, die der Albumtitel aufmacht; die ständige Bewegung, um diesen Silberstreifen über den Horizont hinaus zu jagen: unablässig auf der Suche nach Mut, Trost und Abenteuer im ruhelosen Jetzt.

Ein Album, das sich mit beiden Seiten von Liebe, Freundschaft und Erlösung beschäftigt, nicht mit Trostlosigkeit oder Verzweiflung. Allerdings gibt es in diesen zehn Liedern jede Menge menschliche Schatten. PJ Harvey hat drei Songs geschrieben. Nick Cave war Co-Autor von drei Tracks und seine Bad Seeds unterstützen bei diesen Tracks. Außerdem schrieb Faithful jeweils einen Song zusammen mit Damon Albarn von Blur und dem Komponisten Jon Brion. Neben Harvey und Cave halfen Rob Ellis und Hal Willner bei der Produktion. Die Lieder sind tadellos sequenziert und wirken alle wie ein Stück, verbunden durch emotionale Themen. 'Before the Poison' ist poetisch und beunruhigend. Es steht im Marianne Faithful-Katalog ganz für sich, ähnlich wie 'Broken English' - dieses Mal jedoch auf der anderen Seite des Spiegels. Die wertige limitierte 180 Gr.-LP-Neuauflage kommt in Clear Vinyl!

"Ob man sie nun Darkwave, Synth-Pop, Post-Punk, EBM oder anders nennen sollte, was Body of Light machen, ist Tanzmusik. Und was die Tanzmusik angeht, so trifft sie jede Genusszone genau ins Schwarze." - Treble Bitter Reflection, das vierte Album der Wüstenbrüder Alex und Andrew Jarson alias Body Of Light, verfeinert ihren schwelenden, stürmischen Synth-Pop zu einer transformativen Suite von Hymnen, Träumereien und Abrechnungen. Nach dem Neo-EBM-Klassiker "Time To Kill" (2019) suchten sie nach Inspirationen aus versteckten Momenten in ihren eigenen Arkanen - Kassetten aus der Kindheit, Heimvideos, verworfene Demos - und stellten sich die Frage: "Wie können wir das wachsen lassen?" Gesampelte Schnipsel von Stimmen, Geräuschen, Synthesizern und Feldaufnahmen flackern in der Peripherie der 11 Tracks von Bitter Reflection auf und murmeln wie halb vergessene Nostalgien oder verdrängte Erinnerungen. Zusammen mit Josh Eustis von Telefon Tel Aviv, haben Body Of Light in Los Angeles eine erweiterte Palette von Live-Instrumenten - Klavier, Bass, Saxophon, Akustikgitarre - zusätzlich zu alten Akai-Samplern, Moogs und archaischer Hardware in Bitter Reflection integriert, was dem Album eine eklektische, unvorhersehbare Sound-Palette verleiht. Dies ist Musik zwischen den Zwillingsflammen von Wahrheit und Sehnsucht, Romantik und Realität, Katharsis und Kontrolle, geboren aus einem Band, das durch Jahre, Träume und Blut besiegelt wurde. Bitter Reflection führt durch eine Galerie der anhaltenden Faszinationen von Body Of Light: Depeche-eske Deklarationen des Schreckens und des Exzesses, grüblerische Dancefloor-Epiphanien, liebeskranke Spiegel-Balladen mit orchestralen Stabs von Art Of Noise und sanfte Thomas-Dolby-Melancholien der Stadtsilhouette.

"Ob man sie nun Darkwave, Synth-Pop, Post-Punk, EBM oder anders nennen sollte, was Body of Light machen, ist Tanzmusik. Und was die Tanzmusik angeht, so trifft sie jede Genusszone genau ins Schwarze." - Treble Bitter Reflection, das vierte Album der Wüstenbrüder Alex und Andrew Jarson alias Body Of Light, verfeinert ihren schwelenden, stürmischen Synth-Pop zu einer transformativen Suite von Hymnen, Träumereien und Abrechnungen. Nach dem Neo-EBM-Klassiker "Time To Kill" (2019) suchten sie nach Inspirationen aus versteckten Momenten in ihren eigenen Arkanen - Kassetten aus der Kindheit, Heimvideos, verworfene Demos - und stellten sich die Frage: "Wie können wir das wachsen lassen?" Gesampelte Schnipsel von Stimmen, Geräuschen, Synthesizern und Feldaufnahmen flackern in der Peripherie der 11 Tracks von Bitter Reflection auf und murmeln wie halb vergessene Nostalgien oder verdrängte Erinnerungen. Zusammen mit Josh Eustis von Telefon Tel Aviv, haben Body Of Light in Los Angeles eine erweiterte Palette von Live-Instrumenten - Klavier, Bass, Saxophon, Akustikgitarre - zusätzlich zu alten Akai-Samplern, Moogs und archaischer Hardware in Bitter Reflection integriert, was dem Album eine eklektische, unvorhersehbare Sound-Palette verleiht. Dies ist Musik zwischen den Zwillingsflammen von Wahrheit und Sehnsucht, Romantik und Realität, Katharsis und Kontrolle, geboren aus einem Band, das durch Jahre, Träume und Blut besiegelt wurde. Bitter Reflection führt durch eine Galerie der anhaltenden Faszinationen von Body Of Light: Depeche-eske Deklarationen des Schreckens und des Exzesses, grüblerische Dancefloor-Epiphanien, liebeskranke Spiegel-Balladen mit orchestralen Stabs von Art Of Noise und sanfte Thomas-Dolby-Melancholien der Stadtsilhouette.

Niemand hätte im Jahr 2023 damit gerechnet, dass beim Keep It True Festival die ganze Halle den Refrain von „Somewhere Up In The Mountains“, die heute sehr rare Single aus dem Jahr 1981, mitsingt und dann auch noch ein neues, quasi erstes Album erscheint! Gute Zeiten für NWOBHM Fans!

MARQUIS DE SADE aus London wurden 1979 gegründet neben der heute unbezahlbaren 7“ Single „Somewhere Up In The Mountains/Black Angel“ gab es 1981 auch noch ein Tape mit vier Songs. Bassist Pete Gordelier ging in Folge zu Angel Witch und ist auf diversen Alben zu hören. Keyboarder San Remo startete 1982 mit Sanctus, deren gesammelte Werke (zwei Tapes) 2015 bei High Roller veröffentlicht wurden.

2005 wurden die Aufnahmen von MARQUIS DE SADE (Single und Tape) als Bootleg veröffentlicht. High Roller Records folgten schließlich 2012 mit einer offiziellen Version auf CD und LP. 2015 coverten Roxxcalibur den Song „Somewhere Up In The Mountains“ auf ihrem dritten, erfolgreichen Album „Gems Of The NWOBHM“ und verhalfen dem Titel zu zusätzlicher Popularität. Diese Umstände führten schließlich 2019 zur Reunion von MARQUIS DE SADE, nach einem Todesfall nun zu fünft mit drei Originalmitgliedern. Alte und
neue Ideen wurden ausgearbeitet und man nahm nach all den Jahren endlich das erste Album „Chapter II“ auf. Zeitgleich konnte man nach Corona die ersten erfolgreichen Clubshows spielen und schließlich, im April 2023, der Ritterschlag auf dem renommierten Szenefestival Keep It True bei Tauberbischofsheim.

„Chapter II“ ist nicht nur ein Fest für NWOBHM Fans und Liebhabern von britischem Heavyrock im Allgemeinen, sondern weist auch epische und pompöse Elemente der Marke Magnum auf. Die natürlich gehaltene Produktion, getrennt für CD und Vinyl gemastert, sorgt für ein authentisches und dennoch druckvolles Hörerlebnis.

Nobody would have expected in 2023 that at the „Keep It True Festival“ the whole hall sings along the chorus of „Somewhere Up In The Mountains“, the now very rare single from 1981, and then also a new, practically first album is released! Good times for NWOBHM fans!

MARQUIS DE SADE from London were founded in 1979 and besides the today priceless 7“ single „Somewhere Up In The Mountains/Black Angel“ there was also a tape with four songs in 1981. Bassist Pete Gordelier subsequently joined Angel Witch and can be heard on several albums. Keyboardist San Remo started Sanctus in 1982, whose collected works (two tapes) were released by High Roller in 2015.
In 2005, the recordings of MARQUIS DE SADE (single and tape) were released as a bootleg. High Roller Records finally followed up in 2012 with an official version on CD and LP. In 2015, Roxxcalibur covered the song „Somewhere Up In The Mountains“ on their third successful album „Gems Of The NWOBHM“ and helped the track gain additional popularity.

These circumstances finally led to the reunion of MARQUIS DE SADE in 2019, now with five original members after a death. Old and new ideas were worked out and they finally recorded the first album „Chapter II“ after all these years. At the same time they were able to play the first successful club shows after Corona and finally, in April 2023, the accolade at the renowned scene festival Keep It True near Tauberbischofsheim.

„Chapter II“ is not only a feast for NWOBHM fans and lovers of British heavy rock in general, but also features epic and pompous elements of the Magnum brand. The naturally kept production, mastered separately for CD and vinyl, makes for an authentic yet powerful listening experience.

Das Tingvall Trio feiert 2023 sein zwanzigjähriges Bandjubiläum. Besonders bemerkenswert ist, dass das Trio seit der Gründung bis zum vorliegenden neunten Album, BIRDS, immer in der gleichen Besetzung agiert. Neben dem Pianisten und Namensgeber Martin Tingvall am Piano sind dies Omar Rodriguez Calvo am Kontrabass und Jürgen Spiegel, der für Drums und Percussion verantwortlich zeichnet. Und die Drei in Hamburg ansässigen Musiker haben es geschafft, in diesen vielen Jahren eine Erfolgsgeschichte zu schreiben, die ihresgleichen sucht: mehrere ECHO JAZZ Preise als Ensemble und Live-Act des Jahres, insgesamt sechs JAZZ Awards in Gold, zwei Impala Awards für internationale Verkäufe, eine ganze Serie von No.1 Jazz Chart Alben und viermalige hohe Platzierungen in den Deutschen Top 100 Album Charts - im deutschen Jazz durchaus als herausragend zu bezeichnen. Mit BIRDS erreicht diese Entwicklung nun ihren vorläufigen Höhepunkt.
Wie immer ist Martin Tingvall für alle Kompositionen verantwortlich, die Stücke wurden aber vom Trio gemeinsam in Proben und Konzerten zur Aufnahmereife in Arrangement und Spiel erarbeitet. Und natürlich findet man auf dem Album wieder Titel mit Ohrwurmcharakter, wie etwa 'Woodpecker', 'Hummingbird' oder 'Air Guitar'. Wunderbare Balladen wie 'The Day After' mit einem gestrichenen Kontrabass von Omar Rodriguez Calvo, wechseln sich ab mit Stücken wie 'Africa', das sich in seiner Leichtigkeit sofort in die Gehörgänge schraubt. 'SOS', der Hilferuf, unserer Erde endlich eine Überlebensperspektive zu geben, bietet virtuosen Tingvall Trio Sound und eine berührende Komposition. Mit seinem Solo - Stück 'Call For Peace' steuert Martin Tingvall abschließend einen besonders introvertierten Moment bei.

Gold farbenes Vinyl! De Augustines erstes Soloalbum seit seinem dritten Album, dem von Thomas Bartlett produzierten Tomb (2019), und dem Nachfolger von A Beginner's Mind (2021), einer von der Kritik gefeierten Kollaboration mit Sufjan Stevens, ist eine Rückkehr des südkalifornischen Künstlers zu dem in sich geschlossenen Ansatz seines Debüts Spirals of Silence (2015) und Swim Inside the Moon (2017). De Augustine verbrachte fast drei Jahre damit, allein zu arbeiten und die unendlichen Weiten seiner Vorstellungskraft zu erforschen, um ein allumfassendes Werk zu schaffen, das nach seiner eigenen quixotischen Logik existiert und eine psychische Landschaft bewohnt, die so sublim und mystisch ist wie ein Fiebertraum oder ein Märchen. Er schrieb, arrangierte, nahm auf, produzierte und mischte Toil and Trouble allein und formte den kunstvollen, detaillierten Sound des Albums, indem er auf 27 verschiedenen Instrumenten spielte (darunter so seltsame Dinge wie ein Xylophon aus Glas). Inmitten dieses höchst experimentellen Prozesses durchlebte er eine ephemere, aber alptraumhafte Zeit mit jenseitigen Empfindungen und übernatürlichen Visionen - eine Erfahrung, die die Entstehung des Albums kurzzeitig unterbrochen hat, aber letztendlich dazu beitrug, die immense emotionale Tiefe von Toil and Trouble zu bereichern. "Dieses Album entstand aus dem Nachdenken über den Wahnsinn der Welt und wie überwältigend das sein kann", sagt De Augustine. "Ich habe eine Art Gegenwelt als Leitfaden benutzt, um zu verstehen, was hier eigentlich vor sich geht - ich musste mich selbst aus der Realität herausnehmen, um zu versuchen, die Realität zu verstehen." Das Ergebnis ist das bisher visionärste Werk eines einzigartigen Songwriters, das abwechselnd betörend, niederschmetternd und unaussprechlich schön ist und seine tiefe Fähigkeit offenbart, Schmerz in außergewöhnliche Schönheit zu verwandeln.

Zweieinhalb Jahre nach "Moral Panic" sind die Engländer von Nothing But Thieves mit ihrem vierten Album zurück: "Dead Club City". Darauf zu hören ist u.a. die erste Single "Welcome To The DCC" - ein Rocksong mit einem Hauch von Funk und 80er-Jahre-Einflüssen. Nothing But Thieves hat weltweit 1,2 Millionen Alben verkauft und wurde über 2 Milliarden Mal gestreamt!

Blue Vinyl

Zweifelsohne ist es ARCH ENEMY gelungen, ihr bisher eingängigstes und modernstes Songwriting zu präsentieren, ohne dabei ihre brutale Härte und ihre extremen Wurzeln zu verraten. Die sanft eingefügten Keyboard-Layer und der atmosphärische, melodische Background-Gesang haben ARCH ENEMYs einzigartiger, tödlicher Kombination aus den besten Elementen des klassischen Heavy Metal, unerbittlichen Thrash/Death Metal-Ausbrüchen, betörenden Melodien und einer beeindruckenden, insgesamt modernen Brutalität der Darbietung einen ganz neuen Dreh der Vielfalt und Intensität verliehen. Diese Wiederveröffentlichung ist erhältlich als: - Schweres 180g Vinyl als schwarze sowie farbige Version, jeweils inklusive 2-seitigem Einleger- Special Edition CD, in "PocketPac" (umweltfreundliche Verpackung) und mit 20-seitigem Booklet

Black Vinyl

Zweifelsohne ist es ARCH ENEMY gelungen, ihr bisher eingängigstes und modernstes Songwriting zu präsentieren, ohne dabei ihre brutale Härte und ihre extremen Wurzeln zu verraten. Die sanft eingefügten Keyboard-Layer und der atmosphärische, melodische Background-Gesang haben ARCH ENEMYs einzigartiger, tödlicher Kombination aus den besten Elementen des klassischen Heavy Metal, unerbittlichen Thrash/Death Metal-Ausbrüchen, betörenden Melodien und einer beeindruckenden, insgesamt modernen Brutalität der Darbietung einen ganz neuen Dreh der Vielfalt und Intensität verliehen. Diese Wiederveröffentlichung ist erhältlich als: - Schweres 180g Vinyl als schwarze sowie farbige Version, jeweils inklusive 2-seitigem Einleger- Special Edition CD, in "PocketPac" (umweltfreundliche Verpackung) und mit 20-seitigem Booklet

Hannah Peel's viel beachteter Score zur sky orignal Science-Fiction-Serie 'The Midwich Cuckoos'. Nominiert für den Music Producers Guild Award in der Kategorie "Original Score Recording Of The Year".

Die sky orignal Serie 'The Midwich Cuckoos' basiert auf dem Science-Fiction-Roman von John Wyndham aus dem Jahr 1957 und erzählt die Geschichte eines englischen Dorfes, in dem die Frauen auf mysteriöse Weise schwanger werden.
Einzigartig und aufwändig produziert, harmoniert Hannah Peel's Klanglandschaft nahezu perfekt mit dem Sounddesign der sky-Adaption.
Mit analogen Synthesizern, Tonbandmanipulationen, Drones, Holzbläsern und Melodien, die den Gesang des Kuckucks widerschallen, schafft Peel einen Score, der ein perfektes Gleichgewicht herstellt zwischen den organischen Instrumenten und Melodien und der zunehmend düsteren elektronischen "Invasion".

Für ihren Score wurde Hannah Peel für den Music Producers Guild Award in der Kategorie "Original Score Recording Of The Year" nominiert.

- Ltd. Col. LP: (Transparent Yellow Vinyl)

Das neue Album 'History' erforscht die Wurzeln des Blues und begreift die Musik als Muse.

Auf ihrem dritten Album haben sich Bokanté dem Blues zugewandt und die Wurzeln des Genres in Westafrika und der arabischen Welt über die Diaspora bis in die retro-moderne Gegenwart zurückverfolgt. Die neun Titel erzählen - mit Texten, die hauptsächlich auf Guadeloupe-Kreolisch gesungen werden - von Außenseitern und Visionären, von Erinnerungen und Freude, von schwarzer Geschichte, globaler Einheit und der Sinnlosigkeit des Krieges. Von der Zeit, sich auszuruhen, zu fühlen und zu lieben. Von der erlösenden Kraft der Musik - als Vermittler, als Wegbereiter für Veränderungen, als Muse.

In 'History' geht Bokanté noch weiter und kleidet traditionelle Instrumente wie die arabische Oud, die westafrikanische Ngoni und die nordafrikanische Guembri, die von den marokkanischen Gnawa Maalems bevorzugte Basslaute, in westliche Kleidung.

Der Schattenmann-Stil anno 2023 klingt kraftvoll und dynamisch, die Gitarren erweisen sich einmal mehr als wahre Riff-Monster, Schlagzeug und Bass als erbarmungslos antreibende Groove-Maschinerie. Veredelt wird das beinharte Sound-Konglomerat durch einen ausdrucksstarken Leadgesang und durch dezente, raffiniert eingewobene Synthie-Klänge. Veröffentlicht wird ‚Día de Muertos‘ am 30. Juni 2023 über AFM Records, bereits vorab werden fünf Singles ausgekoppelt, darunter “Jeder ist schlecht“ und “Dickpic“, in denen sich SCHATTENMANN gewohnt gesellschaftskritisch geben.

Ghanas Linda Ayupuka spielt zeremonielle Fra Fra-Musik über schnelle Feuertempi und hypnotische Drumloops, die auf eine internationale Palette elektronischer Tanzstile verweisen, vom DJ-geführten Balani Show-Straßensound Malis über Electro-Acholi bis zu modernem Dancehall/R&B. Auf 'God Created Everything' fängt sie die Unmittelbarkeit früher Aufnahmen von Größen wie Oumou Sangaré und Rokia Traoré ein, um sich als neues westafrikanisches Gesangstalent zu präsentieren. Ihr Produzent Francis Ayamga (Top Link Studios), Live-Drummer von Ghanas King Ayisoba und Produzent der meisten Tracks auf dessen jüngstem Album für Glitterbeat, hebt Lindas Gesang mit seiner spielerischen Produktion von Laptop-DJ-Samples und abstürzenden Drum-Pads in den Himmel.

"(Linda) exists somewhere between the Malian singer Oumou Sangare´ and the lo-fi-to-the-future beats heard on the Nyege Nyege Tapes label." - NPR - All Songs Considered - Best Of 2022

"Combining traditional instrumentation and call-and-response vocals with sparkling synths, rapid-fire beats, and drum machine polyrhythms. Ayupuka achieves an electrifying syncretism on this album, giving Fra Fra gospel its rightful place on the global dance music stage." - BANDCAMP, Best Of 2022

"An uptempo blend of choral chants and sparkling, 80s electro synths." - THE GUARDIAN, Albums Of The Month

"Linda Ayupuka fait du gospel façon disco au Ghana et chante son amour de Dieu sur des synthés entêtants." - LE MONDE

"A mashup of gospel, disco and savannah sounds, produced with all the D.I.Y vim of Balani Show, Nyege Nyege Tapes and the Awesome Tapes roster." - PAN AFRICAN MUSIC - Best Of 2022

"Super interesting!" - GILLES PETERSON, BBC 6MUSIC

'Chaos For The Fly', das Solo-Debütalbum des Fontaines D.C. Sängers, erscheint am 30. Juni via Partisan Records.

Das gesamte Album, jeden einzelnen Teil, von den Chord Progressions bis hin zu den String Arrangements, so Chatten, konnte er mit einem Mal hören. Bei einem windgepeitschten Nachtspaziergang entlang des Stoney Beach, dreißig Meilen nördlich von Dublin. Er arbeitete die Songs mit der Gitarre aus und nahm erste Demos auf, ganz alleine. 'Chaos For The Fly' handelt von Isolation und Verletzlichkeit. Vom Verlust des Glaubens an die Menschheit. Und an sich selbst. Die Songs haben meist einen dunklen Unterton und strahlen doch eine berauschende Stärke aus. Chatten verarbeitet auf dem Album schmerzliche Emotionen, Geschichten aus seinem Leben und verpackt sie auf eindrucksvolle Art und Weise in seine bisher wohl poetischsten Texte.

Koproduziert hat wie auch schon die Alben seiner Band der langjährige Fontaines D.C. Produzent Dan Carey.

Ein einzigartiges Album, das 1999 seiner Zeit weit voraus war und ein absoluter Klassiker ist! Dieses Album ist eine Mischung aus Folk, Death Metal und Pagan Metal. Zum ersten Mal auf Vinyl!Ich lernte Hollenthon 1999 kennen, als "Domus Mundi" veröffentlicht wurde. "Domus Mundi" ist seitdem ein Lieblingsalbum, das ich mir immer wieder gerne anhöre, weil es einen unendlichen Wiederspielwert hat und eineneinzigartigen Stils, den keine andere Metal-Band nachahmen kann. Umso erstaunlicher, dass alles von einem Mann geschaffen und arrangiert wurde, nämlich von Martin Schirenc, der vor allem durch seine Arbeit bei Pungent Stench bekannt ist.Dieses Album lässt sich am besten als orchestraler Extrem-Metal beschreiben, aber auch episch, volkstümlich und mittelalterlich sind angemessene Adjektive für dieses Werk. Schirenc beweist, dass er nicht nur ein
großartigerSchirenc beweist, dass er nicht nur ein großartiger Gitarrist ist, sondern auch ein brillanter Arrangeur, der gregorianische Gesänge, Spoken Word, ethnische Musik aus dem Nahen Osten, neuseeländische Kriegsgesänge und jede Menge klassische Musik in seine Musik integriert.

Die Samples reichen von Rimsky-Korsakoffs "Sheherezade" bis zu einem Dudelsackfilm aus dem Film Braveheart, zu gesprochenen Samples aus Ridley Scotts Legend und vielem mehr. Diese Samples verleihen dem Album eine einzigartige Note und machen es extrem abwechslungsreich, etwas, das man so noch nie gehört hat. Schirenc verwendet einfache Songstrukturen und setzt Hooks in seiner Gitarrenarbeit ein, um lange Songs und sich wiederholende Strukturen interessant zu halten.

Wenn Afrob ein neues Album produziert, darf man zurecht alles erwarten. Er lässt sich nicht beschränken und geht jeden Weg. Das gilt auch für „König ohne Land“. Die neue Platte erscheint im Juni ’23 und stellt die Vielfalt des Godfather of Deutschem Rap erneut unter Beweis. Seit 25 Jahren dabei, ist er der letzte seiner Art und der erste, der voran in eine neue Richtung geht. Er repräsentiert HipHop immer
noch wie am ersten Tag. Er ist so real wie man es nur sein kann. Er kennt die Geschichte des Games und ist immer offen für neue Sounds. Und genau so ist auch die neue Platte. Von der Ansage im Intro bis zum letzten Gospel im Schlussstück rundet sie sich musikalisch wie textlich.

The Expert vereint auf RITUAL Elemente aus Jazz und 1960er Psychedelia. Kombiniert mit MC Stik Figa in seiner ehrlichsten und persönlichsten Form, wird das Album zu einem überwältigenden Gesamtkunstwerk. Die Art und Weise, wie Jazzeinflüsse mit psychedelischer Produktion kollidieren, treibt sowohl den Dubliner Produzenten als auch den MC aus Kansas in neues Hip-Hop-Terrain. Zu allem gesellen sich Features von Blu, Solemn Brigham (Marlowe), Defcee, Sleep Sinatra, Tanya Morgan und Daniel Luke hinzu.

"The record is colorful, psychedelic, energetic. Revolutionary hip-hop." - NPR Music

"A psych-rock-tinged boom-bap opus." - Okayplayer

From Elvis in Memphis retains the distinction of being the most cohesive, passionate, mature, and emotionally invested record Elvis Presley ever made. Named one of the 500 Greatest Albums of All Time by Rolling Stone, the white-soul landmark features backing by "The "Memphis Boys" and teems with rhythm-heavy country, gospel, R&B, and blues. Lauded for its natural, open sonics, the 1969 set now comes across with remarkable clarity, presence, and warmth courtesy of a premium restoration befitting a king.

Mastered from the original master tapes, pressed on MoFi SuperVinyl at RTI, and strictly limited to 10,000 numbered copies, Mobile Fidelity's UltraDisc One-Step 180g 45RPM 2LP box set of From Elvis in Memphis unearths the ravishing inner detail, sticky rhythms, and brilliant arrangements of Chips Moman's inspired production. In short, this unparalleled reissue unlocks the spirit and gestalt of the recording and takes you inside American Sound Studio. It also brings you up close and personal with Presley's singing – widely considered by many to represent the finest of his career – located dead-centre amidst the instrumental hurricane. Equally impressive are the contributions of the aforementioned Boys, and how their Southern-brewed playing – a balance of leisure with swiftness, grandiosity with concision, freedom with control – dovetails with Presley's vernacular.

The lavish packaging and gorgeous presentation of the UD1S From Elvis in Memphis pressing befit its extremely select status. Housed in a deluxe box, it features special foil-stamped jackets and faithful-to-the-original graphics that illuminate the splendor of the recording. No expense has been spared. Aurally and visually, this UD1S reissue exists as a curatorial artifact meant to be preserved, pored over, touched, and examined. It is made for discerning listeners that prize sound quality and production, and who desire to fully immerse themselves in the art – and everything involved with the album, from the images to the finishes.

Sharing much in common with the full, rich, orchestrated Stax Records sound, From Elvis in Memphis oozes with choice nuances and distinctive flourishes that on this ultra-hi-fi edition not only arise with previously unheard transparency and sharpness, but complement and serve the whole. Take the specific tonalities and blending of violas, cellos, and horns that communicate mood and serve as counterpoints. Or lively performances of the backing quintet, and how the piano and Hammond organ trace the lines of the melodies and Presley's lead. Listen to the uplifting support provided by the cadre of backing vocalists (more than a dozen credited), unrivalled in Presley's canon and a precursor to the approach he'd soon adopt in Las Vegas.

Of course, From Elvis in Memphis precedes the icon's transition into his glitzy jumpsuit phase – and follows his merciful move away from the hoary soundtrack work that consumed nearly a decade of his creative life and prompted a rebirth that began in 1968. As the bridge between eras, the record seizes on Presley's rejuvenated attitude and commitment to quality, facets that drip from the fervency with which he delivers every word. For the same reasons, and for the fact it traces back to Presley's original roots and hip-shaking guise, the album further remains a cornerstone of American music history.

Writing about the work's 40th anniversary for Rolling Stone, James Hunter correctly observed: "From Elvis in Memphis represented the full-on immersion in the Memphis idea of Elvis Presley, the American singer second only to Frank Sinatra for the ability to conjure a particular sonic universe with his merest vocal utterance. And from the album's first song, in which a bluesy Elvis espies a woman 'Wearin' That Loved On Look,' to its last, in which a more straight-up-pop Elvis regrets the injustices of life 'In the Ghetto,' his fully engaged, newly energized voice finds its most logical album setting in years."

Incredibly, Presley and company completed more than two dozen cuts for From Elvis in Memphis. One, "Suspicious Minds," turned into the vocalist's final chart-topping single and lingers as one of his most beloved rock n' roll numbers. Even though it never formally appeared on the record, the non-album song is included here as a bonus track and attains newfound depth, energy, and swagger. Coupled with the other dozen tracks – including the sultry "Power of My Love," balladic take of Dallas Frazier's "True Love Travels on a Gravel Road," and driving cover of Hank Snow's I'm Moving On" – it makes for the finest Elvis listening experience available.

Die äußerst einflussreichen Khanate kehren mit ihrem ersten Album seit 14 Jahren zurück und entwickeln ihren einzigartigen und charakteristischen präzisen, zeitlich abstrakten Doom über alle Grenzen hinaus. Khanate sind Stephen O'Malley (Sunn O))), KTL), James Plotkin (OLD, Scorn, Phantomsmasher), Alan Dubin (OLD, Gnaw) und Tim Wyskida (Blind Idiot God). Die Saat für To Be Cruel wurde im Oktober 2017 gepflanzt, als Tim und Stephen eine Woche in der englischen Landschaft im Orgone Studio mit Jamie Gomez Arrellano verbrachten. James begann, diese Sessions zu umfassenden Musiksuiten zu verarbeiten, ein Prozess, den die Band klassischerweise bei allen ihren früheren Alben angewandt hat. Im Frühjahr 2018 wurden erste Songarrangements vorgeschlagen und in der zweiten Jahreshälfte wurden Bass-, Synthesizer- und Gesangsspuren hinzugefügt. 2019 wurde das Schreiben und Aufnehmen abgeschlossen, bevor es 2020 an Randall Dunn übergeben wurde, der es zusammen mit der Band abmischte. Die drei Songs, aus denen To Be Cruel besteht, sind komplex, kraftvoll und vielschichtig. Die Musik ist allumfassend, trocken, lebendig, reichhaltig und überaus hart.

Die äußerst einflussreichen Khanate kehren mit ihrem ersten Album seit 14 Jahren zurück und entwickeln ihren einzigartigen und charakteristischen präzisen, zeitlich abstrakten Doom über alle Grenzen hinaus. Khanate sind Stephen O'Malley (Sunn O))), KTL), James Plotkin (OLD, Scorn, Phantomsmasher), Alan Dubin (OLD, Gnaw) und Tim Wyskida (Blind Idiot God). Die Saat für To Be Cruel wurde im Oktober 2017 gepflanzt, als Tim und Stephen eine Woche in der englischen Landschaft im Orgone Studio mit Jamie Gomez Arrellano verbrachten. James begann, diese Sessions zu umfassenden Musiksuiten zu verarbeiten, ein Prozess, den die Band klassischerweise bei allen ihren früheren Alben angewandt hat. Im Frühjahr 2018 wurden erste Songarrangements vorgeschlagen und in der zweiten Jahreshälfte wurden Bass-, Synthesizer- und Gesangsspuren hinzugefügt. 2019 wurde das Schreiben und Aufnehmen abgeschlossen, bevor es 2020 an Randall Dunn übergeben wurde, der es zusammen mit der Band abmischte. Die drei Songs, aus denen To Be Cruel besteht, sind komplex, kraftvoll und vielschichtig. Die Musik ist allumfassend, trocken, lebendig, reichhaltig und überaus hart.

Seit Mitte der 90er-Jahre verbreiten die Norweger Nocturnal Breed mit ihrer extremen Interpretation von geschwärztem Thrash Metal Schrecken und Zerstörung in der Metal-Szene. Und das tun sie auch mit ihrem siebten Album 'Carry The Beast'. Nocturnal Breed, jetzt als Trio unterwegs, shredden wie eh und je und haben diesmal sogar Old-School-Heavy Metal in den Mix eingebracht. Es gibt also eine kleine Weiterentwicklung des Klangs, ohne zu sehr mit dem alten Sound zu brechen. Das Album spiegelt viele der dunkleren Seiten der Menschheit wider, die in den letzten zwei bis drei Jahren in den Vordergrund gerückt sind. Ohne modernes Equipment aufgenommen, ist der Sound gnadenlos ungezügelt und roh wie eine Kriegswunde.

Kultrocker orchestrieren Anti-Nazi Kampf auf der dunklen Seite des Mondes.

Nach der Veröffentlichung der 'Love Is Still Alive' EP präsentiert die slowenische Kultband Laibach ihr brandneues Album und den Soundtrack zu 'IRON SKY : THE COMING RACE.'

'The Coming Race' (Regie: Timo Vuorensola, 2019) ist die Fortsetzung des Films 'Iron Sky' (2012), in dem Nazis planen, die Welt zu übernehmen, nachdem sie in einer geheimen Militärbasis auf der dunklen Seite des Mondes geschlummert haben. Laibach wurden beauftragt, die Musik für die finnische düstere Komödie zu komponieren, die Kultstatus erlangte und über Crowdfunding mehr als 1 Million Dollar einbrachte, wobei ihr Original-Soundtrack weithin gelobt wurde.

Dieser Soundtrack ist genauso episch und cineastisch wie der erste und bietet eine musikalische Reise mit orchestralen Scores und Bonussongs auf der CD und dem Download, darunter der Track 'The Coming Race', der die kraftvollen Vocals der slowenischen Grammy-Gewinnerin Amaya in den Laibach-Mix einbringt.

Schwarze LP mit ausführlichen Linernotes und Download Codes für Bonus-Songs

Seit Mitte der 90er-Jahre verbreiten die Norweger Nocturnal Breed mit ihrer extremen Interpretation von geschwärztem Thrash Metal Schrecken und Zerstörung in der Metal-Szene. Und das tun sie auch mit ihrem siebten Album 'Carry The Beast'. Nocturnal Breed, jetzt als Trio unterwegs, shredden wie eh und je und haben diesmal sogar Old-School-Heavy Metal in den Mix eingebracht. Es gibt also eine kleine Weiterentwicklung des Klangs, ohne zu sehr mit dem alten Sound zu brechen. Das Album spiegelt viele der dunkleren Seiten der Menschheit wider, die in den letzten zwei bis drei Jahren in den Vordergrund gerückt sind. Ohne modernes Equipment aufgenommen, ist der Sound gnadenlos ungezügelt und roh wie eine Kriegswunde.

Vor etwas mehr als einem Jahrzehnt schlief Logic auf Big Lenbos Kellercouch in College Park, Maryland. Monate später unterschrieb er seinen ersten Plattenvertrag und sein Leben änderte sich für immer. Als seine Karriere Fahrt aufnahm, gab Logic alles für seine Arbeit. Jahrelang machte er ein Album nach dem anderen, eine Tour nach der anderen, ein Interview nach dem anderen. Und es zahlte sich aus - allerdings zu einem hohen Preis für seine psychische Gesundheit. Logic wusste, wenn er seine Beziehung zur Musik fortsetzen wollte, musste er dies zu seinen eigenen Bedingungen tun. Hier kommt "College Park", Logics erstes unabhängiges Album. In "College Park" erzählt Logic die Geschichte eines Jungen aus Maryland, der es leid war, auf Sofas zu schlafen... und das auf die einzige Art und Weise änderte, die er kannte.

Das zweite Album des Duos wartet mit einer brutalen Wand aus Riffs auf, gepaart mit kriechenden, düster-hypnotischen Gitarrenleads, die sich unter die Haut graben – eine kranke und nervenaufreibende Mischung aus Death Metal mit Crustund Doom-Elementen. Reiferts' unverwechselbarer Gesang sprudelt aus den Tiefen des Wahnsinns und untermalt die verdrehten Riffs aus Greg Wilkinsons Hexenkessel des mentalen Chaos.

Das zweite Album des Duos wartet mit einer brutalen Wand aus Riffs auf, gepaart mit kriechenden, düster-hypnotischen Gitarrenleads, die sich unter die Haut graben – eine kranke und nervenaufreibende Mischung aus Death Metal mit Crustund Doom-Elementen. Reiferts' unverwechselbarer Gesang sprudelt aus den Tiefen des Wahnsinns und untermalt die verdrehten Riffs aus Greg Wilkinsons Hexenkessel des mentalen Chaos.

Sarah Connors drittes Studioalbum ”Key To My Soul” wurde bereits bei seiner Erstveröffentlichung im Jahr 2003 ein weiterer Erfolg für die deutsche Sängerin. Das Album eroberte die deutsche Pop-Landschaft
im Sturm und erreichte Platz 8 der Charts, in denen es sich für fast 30 Wochen hielt. Sarah Connors gefühlvoller Gesang und sanften Melodien berührten die Herzen der Zuhörer und weiter zementierten Sarah Connors besonderen Status in der deutschen Musikszene.

MEANTIME das neue Album des kanadischen Songwriters Grant Davidson aka Slow Leaves, handelt vom Warten auf etwas Bedeutsames im Leben und davon, wie all die alltäglichen Dinge, die während des Wartens passieren, das eigentlich Bedeutsame ausmachen. Wenn man blinzelt, verpasst man es; wenn man zu viel nachdenkt, verpasst man es. Wenn man Glück hat, gibt es in der Zwischenzeit die Liebe und den Tod und nicht viel weniger. Das Album ist durchzogen von einer eleganten Erdigkeit, Meantime ist eine Sammlung von Folksongs, die mit paisleyfarbenen 1960er- und 70er-Jahre-Tönen verziert sind. Während die Musik eine Retro-Sensibilität aufweist, wird diese durch eine Unmittelbarkeit in den Texten ausgeglichen, die ihn fest in der heutigen Zeit verankert. Slow Leaves ist ein in sich geschlossenes Soloprojekt, bei dem Davidson jeden Aspekt der Musik und ihrer Präsentation kuratiert, einschließlich der Rolle des Multiinstrumentalisten, Produzenten, Coverdesigners, Fotografen und Videofilmers. Er betrachtet die Gesamtheit dieser verschiedenen Aspekte als wesentliche Teile eines größeren Projekts der Selbsterkenntnis durch künstlerische Methoden. Sein Folk- und Psych-Rock-Stil erinnert an ältere Songwriter wie Mickey Newbury, Nick Drake, Roky Erickson, Gene Clark und Neil Young. Aber sie leben auch in der Welt der modernen Klassiker wie Andy Shauf, Bonny "Prince" Billy, Bedouine, Big Thief und Bill Callahan. Seine seidige Stimme wurde schon mit Roy Orbison oder Bryan Ferry verglichen.

Wenn Afrob ein neues Album produziert, darf man zurecht alles erwarten. Er lässt sich nicht beschränken und geht jeden Weg. Das gilt auch für „König ohne Land“. Die neue Platte erscheint im Juni ’23 und stellt die Vielfalt des Godfather of Deutschem Rap erneut unter Beweis. Seit 25 Jahren dabei, ist er der letzte seiner Art und der erste, der voran in eine neue Richtung geht. Er repräsentiert HipHop immer
noch wie am ersten Tag. Er ist so real wie man es nur sein kann. Er kennt die Geschichte des Games und ist immer offen für neue Sounds. Und genau so ist auch die neue Platte. Von der Ansage im Intro bis zum letzten Gospel im Schlussstück rundet sie sich musikalisch wie textlich.

Zweieinhalb Jahre nach "Moral Panic" sind die Engländer von Nothing But Thieves mit ihrem vierten Album zurück: "Dead Club City". Darauf zu hören ist u.a. die erste Single "Welcome To The DCC" - ein Rocksong mit einem Hauch von Funk und 80er-Jahre-Einflüssen. Nothing But Thieves hat weltweit 1,2 Millionen Alben verkauft und wurde über 2 Milliarden Mal gestreamt!

Richie Culver had been waiting his whole life to record I was born by the sea. His debut album immediately and messily inscribed the artist into the canon of outsider music and experimental electronics, serving both as an arresting statement of intent and a painful reckoning with the difficult path that lead up to it, stealing one last glance back at a place he always knew he had to escape. Between grim lamentations, faded memories and anxiety attacks, all told with searing honesty and disarming openness, I was born by the sea excavates a space for hope, finding Culver digging through Humberside silt to find a world weary optimism, the raw material from which his visual and sound art is shaped. For this collection of expansions and inversions, Culver invites a collection of kindred spirits, contemporary inspirations and old heroes to wade into the salt water of his formative years spent living for impromptu raves and afterparties, connecting vivid memories of his birth place of Withernsea to artists hailing from as nearby as Preston and Bridlington, further afield, from Manchester and London, Berlin and Paris, before returning back to Hull, to where it all began.

For some, responding to I was born by the sea means diving even deeper into the record’s furthest reaches. Space Afrika clear away the pummelling loops of noise from ‘It’s hard to get to know you,’ revealing a cool and cavernous expanse in its wake. Distant chatter, previously heard as though through thin, plasterboard walls, now echoes from outside the maddening claustrophobia of the original’s Sisyphean sonics, illuminated as a dense storm cloud suspended amidst a more open scene, washed clean by a lighter rain, allowing the tender heart of the track to beat clear. London producer MOBBS stretches out ‘Pigeon Flesh’ into an epic, 10-minute, cold-sweat spiral, strung-out tension wrung from disconnected phone tones twisted in unexpected directions, snatches of Culver’s voice turned inside-out and deep fried bass threatening to tip the track over into oblivion, the build-and-release of a nervous breakdown experienced in real time. In an act of subversive self-reflection, Morgane Polanski switches one kind of ennui for another in her adaption of ‘I was born by the sea,’ swapping the sea for the city, English seaside towns in January for summer evenings in Paris and flashing lighthouses and sparkling oil rigs for the Eiffel Tower and the traffic around L’Arc de Triomphe. Even Culver finds time to revisit ‘Dream About Yourself,’ a track taken from his EP Post Traumatic Fantasy, breathing new words into its glacial drift, the half-remembered testimony of a shut-in: Woke up in the evening / Pray for me / Don’t trust anyone / Pray for algorithm. Reframed in a more melancholy light, the track’s reverberant keys even more clearly evoke a mournful nostalgia, fresh pain felt in old wounds.

Others find a parallel universe in Culver’s visceral world building. Rainy Miller flips the script with a scorched, avant-drill rework of ‘Daytime TV’, threading puncturing hi-hats and queasy low-end surge through the track’s steady ambient cascade, invoking the irresistible Preston beat magic of Miller’s own essential debut album, Desquamation. Aho Ssan melts away the crystalline textures of ‘Love Like an Abscess’ with the ominous crackle of a nascent fire, building through swathes of organic Max/MSP squelch and brittle, nails-down-chalkboard scrape, swelling and metastasising the original to spill over Culver’s desperate hymn to corporeal desire, at once flesh and not. Teresa Winter transports us an hour up the coast from Withernsea to her native Bridlington, replacing the sea wall of synthesis on ‘Nervous Energy’ with muffled ASMR murk and fever dream whispers, transforming Culver’s unflinching observations into a haunting call-and-response, filling in the blanks with her own eerie utterances, a fleeting conversation with a ghost. In a touching victory lap, Fila Brazillia, eccentric stalwarts of beloved ‘90s trip hop imprint Pork Recordings, whose performances at Hull institution The Lamp convinced a young Culver of the necessity to make his mark on club culture, resurface for their first remix in 20 years. Steve Cobby and David McSherry lead a low-slung, heartfelt stroll back through a suite of tracks from I was born by the sea, tracing a full circle saunter from Culver’s origins to his current musical practice, the sounds of his present repurposed by the sound of his youth. In a gesture that reflects the emotional complexity of the project, Fila Brazillia find joy at the end of Culver’s troubled reflection, picking out an undeniable groove in the stasis of feeling trapped in your hometown. Underlining Hull’s vital musical legacy, from Baby Mammoth to Throbbing Gristle, Cobby and McSherry demonstrate that, though there are certainly storms, by the sea there is also sun and through the fog, if you listen, you can hear a singular sound, a sound now carried by Richie Culver.

Participant is a record label and creative studio run by William Markarian-Martin and Richie Culver