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Der mehrfach mit dem GRAMMY Award ausgezeichnete Bass-Virtuose und Sänger, Thundercat, wird am 1. März 2024 eine ganz besondere Deluxe-Edition seines zweiten Albums, „Apocalypse“, veröffentlichen, das sein zehnjähriges Jubiläum seit der ursprünglichen Veröffentlichung im Jahr 2013 feiert.?? Die Neuauflage enthält zwei bisher unveröffentlichte Tracks, „Before I Loved Myself ‚I‘ Pooped My Ankles (True)“, aufgenommen mit Austin Peralta und Taylor Graves, und „Paris“ (mit Mono/ Poly). Die Deluxe-LP enthält außerdem ein spezielles holografisches Regenbogen-Artwork in einem transparenten PVC-Schuber mit einer holografischen Röntgen-Aufnahme seines Schädels.?? Vollgepackt mit Perlen wie den zertifizierten Klassikern „Heartbreaks + Setbacks“, „Lotus And The Jondy“, „Tron Song“ und dem kosmischen Funk-Geschoss, „Oh Sheit, It's X“, bringt Thundercat eine Fusion aus Pop, Soul, Electronica, Prog-Rock und Funk in eine unerforschte Dimension mit seinen charakteristischen Basslines, die himmelhoch schweben und auf den astralen Touch des Executive Producers Flying Lotus treffen.

Inmitten des kosmischen Echos hallt ein eindringlicher Schrei durch die unendlichen Weiten, der vom wachsamen Sonar eines Satelliten in der Umlaufbahn aufgefangen wird. DARKSPACE, das aus Wroth, Yhs und Zharaal bestehende Dreigestirn, wendet sich an die Bewohner der Erde. Sie sind in die Kategorien I bis III I eingeteilt und haben die Menschheit in den letzten Jahrzehnten seit ihrer Gründung mit ihren Übertragungen aus dem Weltall in ihren Bann gezogen.

DARKSPACE nimmt erneut Kontakt zu den Erdbewohnern auf - einedunkle Manifestation des Black Metals, scheinbar aus den Tiefen eines stellaren Schwarzen Lochs entsprungen, präsentiert eine jenseitige Reise durch den Kosmos. Mit einer eiskalten Umarmung und psychedelischer Leitfähigkeit präsentieren die mysteriösen Gestalten ein einzigartiges Album mit atmosphärischem Black Metal jenseits des menschlichen Verständnisses. Fraktale elektronische Samples schneiden sich durch Schichten von außerirdischen Drones und manifestieren eine immersive Erfahrung, die die Grenzen des konventionellen Black Metal-Genres sprengt. Gesangsübertragungen, die wie ein Flüstern aus dem All klingen, sind nahtlos in den Mix eingeflochten und verleihen den außerweltlichen Klängen eine eindringliche Dimension.

Menschen, macht euch bereit für eine Reise jenseits der bekannten Gefilde. DARKSPACE lädt euch ein, in die rätselhaften Weiten von "Dark Space -II" einzutauchen, wo sich die Grenzen der Realität auflösen und die jenseitigen Spuren des Black Metal mit unvergleichlicher Intensität erklingen.

VLTIMAS sind bereits als Legenden gestartet. Flo Mournier trommelt seit den ersten Exhumierungen des kanadischen Undergrounds für CRYPTOPSY, Rune Eriksen übernahm das Axtschwingen der zweiten großen Ära von MAYHEM. Und wer könnte David Vincent vergessen, den überlebensgroßen Sänger von MORBID ANGEL.

Aber diese Teufel waren nicht damit zufrieden, unter den Göttern zu leben. Stattdessen haben sie sich zu den legendären Helden der Unterwelt zusammengeschlossen. Ihr erstes Album als VLTIMAS wurde mit einer begeisterten Prozession von Teufelshörnern begrüßt. "Something Wicked Marches In" wurde vom Zero Tolerance Magazine und BangerTV zum Album des Jahres gewählt. "Wahrscheinlich wird es den Hörern mit einer unglaublichen Brachialgewalt den Arsch aufreißen", lobte Blabbermouth.

Mit "Epic"erklimmen VLTIMAS noch größere satanische Höhen. "Miserere" heult über einen geschwärzten Himmel, durchzogen von Tremolo-Picking, durchdringender als der Ruf einer Sirene. "Scorcher" macht seinem Namen alle Ehre und lässt sämtliche Gesichter schmelzen, mit Blastsbeats, die heißer brennen als ein Waldbrand. "Undefeated, we are sure to remain", brüllt Vincent mit schauriger Bravour über dem sich stetig aufbauenden "Invictus".

Mit "Epic" sind VLTIMAS mächtiger denn je!

FFO: MORBID ANGEL, MAYHEM, CRYPTOPSY

VLTIMAS sind bereits als Legenden gestartet. Flo Mournier trommelt seit den ersten Exhumierungen des kanadischen Undergrounds für CRYPTOPSY, Rune Eriksen übernahm das Axtschwingen der zweiten großen Ära von MAYHEM. Und wer könnte David Vincent vergessen, den überlebensgroßen Sänger von MORBID ANGEL.

Aber diese Teufel waren nicht damit zufrieden, unter den Göttern zu leben. Stattdessen haben sie sich zu den legendären Helden der Unterwelt zusammengeschlossen. Ihr erstes Album als VLTIMAS wurde mit einer begeisterten Prozession von Teufelshörnern begrüßt. "Something Wicked Marches In" wurde vom Zero Tolerance Magazine und BangerTV zum Album des Jahres gewählt. "Wahrscheinlich wird es den Hörern mit einer unglaublichen Brachialgewalt den Arsch aufreißen", lobte Blabbermouth.

Mit "Epic"erklimmen VLTIMAS noch größere satanische Höhen. "Miserere" heult über einen geschwärzten Himmel, durchzogen von Tremolo-Picking, durchdringender als der Ruf einer Sirene. "Scorcher" macht seinem Namen alle Ehre und lässt sämtliche Gesichter schmelzen, mit Blastsbeats, die heißer brennen als ein Waldbrand. "Undefeated, we are sure to remain", brüllt Vincent mit schauriger Bravour über dem sich stetig aufbauenden "Invictus".

Mit "Epic" sind VLTIMAS mächtiger denn je!

FFO: MORBID ANGEL, MAYHEM, CRYPTOPSY

VLTIMAS sind bereits als Legenden gestartet. Flo Mournier trommelt seit den ersten Exhumierungen des kanadischen Undergrounds für CRYPTOPSY, Rune Eriksen übernahm das Axtschwingen der zweiten großen Ära von MAYHEM. Und wer könnte David Vincent vergessen, den überlebensgroßen Sänger von MORBID ANGEL.

Aber diese Teufel waren nicht damit zufrieden, unter den Göttern zu leben. Stattdessen haben sie sich zu den legendären Helden der Unterwelt zusammengeschlossen. Ihr erstes Album als VLTIMAS wurde mit einer begeisterten Prozession von Teufelshörnern begrüßt. "Something Wicked Marches In" wurde vom Zero Tolerance Magazine und BangerTV zum Album des Jahres gewählt. "Wahrscheinlich wird es den Hörern mit einer unglaublichen Brachialgewalt den Arsch aufreißen", lobte Blabbermouth.

Mit "Epic"erklimmen VLTIMAS noch größere satanische Höhen. "Miserere" heult über einen geschwärzten Himmel, durchzogen von Tremolo-Picking, durchdringender als der Ruf einer Sirene. "Scorcher" macht seinem Namen alle Ehre und lässt sämtliche Gesichter schmelzen, mit Blastsbeats, die heißer brennen als ein Waldbrand. "Undefeated, we are sure to remain", brüllt Vincent mit schauriger Bravour über dem sich stetig aufbauenden "Invictus".

Mit "Epic" sind VLTIMAS mächtiger denn je!

FFO: MORBID ANGEL, MAYHEM, CRYPTOPSY

Gut Ding will Weile haben und das trifft auch auf ATROPHY zu, die nun endlich ihr neues Album "Asylum" veröffentlichen!
"Asylum" ist der nächste Meilenstein in der Geschichte von ATROPHY.
Unter Beibehaltung des Tempos von "Socialized Hate" und des Grooves von "Violent By Nature" enthält das Album eine große Portion Heaviness, die dafür sorgt, dass das Album einem befriedigenden akustischen Tritt in die Fresse gleicht.
Der lyrische Fokus liegt nach wie vor auf den gesellschaftlichen Missständen, vom Aufstand bis hin zur Gehirnwäsche durch die großen Nachrichtensender und den offensichtlichen Folgen für die Menschen, die einfach nur um ihr Leben kämpfen.

Gut Ding will Weile haben und das trifft auch auf ATROPHY zu, die nun endlich ihr neues Album "Asylum" veröffentlichen!
"Asylum" ist der nächste Meilenstein in der Geschichte von ATROPHY.
Unter Beibehaltung des Tempos von "Socialized Hate" und des Grooves von "Violent By Nature" enthält das Album eine große Portion Heaviness, die dafür sorgt, dass das Album einem befriedigenden akustischen Tritt in die Fresse gleicht.
Der lyrische Fokus liegt nach wie vor auf den gesellschaftlichen Missständen, vom Aufstand bis hin zur Gehirnwäsche durch die großen Nachrichtensender und den offensichtlichen Folgen für die Menschen, die einfach nur um ihr Leben kämpfen.

Gut Ding will Weile haben und das trifft auch auf ATROPHY zu, die nun endlich ihr neues Album "Asylum" veröffentlichen!
"Asylum" ist der nächste Meilenstein in der Geschichte von ATROPHY.
Unter Beibehaltung des Tempos von "Socialized Hate" und des Grooves von "Violent By Nature" enthält das Album eine große Portion Heaviness, die dafür sorgt, dass das Album einem befriedigenden akustischen Tritt in die Fresse gleicht.
Der lyrische Fokus liegt nach wie vor auf den gesellschaftlichen Missständen, vom Aufstand bis hin zur Gehirnwäsche durch die großen Nachrichtensender und den offensichtlichen Folgen für die Menschen, die einfach nur um ihr Leben kämpfen.

Emil Brandqvist hat sich mittlerweile in der Elite europäischer Jazz Musiker einen festen Platz erspielt. Der Schlagzeuger aus Göteborg hat vor allem mit seinem Trio gemeinsam mit Pianist Tuomas A. Turunen und Bassist Max Thornberg für Furore gesorgt, unlängst wurde das Trio für 50 Millionen weltweite Streams ihrer Musik ausgezeichnet und das letzte Album 'Layers Of Life' stieg bis auf No.2 der Deutschen Jazzcharts. Mit 'Interludes' bietet er jetzt eigene Kompositionen in vielfältigen Instrumentierungen an, wobei diese Sammlung von Stücken insgesamt neun Werke zusammenfasst, die bereits als Songzyklus "Three Songs Part 1 - 3" ausschließlich digital verfügbar waren. Entstanden in den letzten vier Jahren hören wir unter anderem Instrumente wie Lap Steel Gitarre, Pumporgel, Bass Klarinette, Violine, Stimmen oder Tastenfidel. Emil Brandqvist selbst spielt auf dem Album neben Schlagzeug und Percussion auch Piano und Rhodes, tritt allerdings bei einigen Stücken auch nur als Komponist auf. Die gemeinsame Grundstimmung des Albums ist sehr ruhig und eine wunderbare Reise in gedankenverlorene Stille des Nordens. Erwähnenswert ist auch die Tatsache, dass das Album ein wahres Familienprojekt ist: neben seiner Frau Nina Ewald und dem Bruder Martin Brandqvist, welcher diverse Blasinstrumente beiträgt, beschließt Vater Hakan Brandqvist an der Orgel im Stück 'Honeysuckle' das Album. Das Artwork steuerte Emils zweiter Bruder Jakob Brandqvist bei.
'Interludes' erscheint zur Frühjahrstour des Emil Brandqvist Trios als 180g Vinyl Edition in limitierter Auflage!

The Chronicles Of Father Robin ist eine norwegische Prog-Rock-Supergruppe, deren Mitglieder von den norwegischen Symphonie-Prog-Masters Wobbler, den immer undefinierbaren Tusmørke, den erfahrenen Post-Rockern The Samuel Jackson Five und dem schwer fassbaren Prog-Juwel Jordsjø stammen. 'The Songs & Tales Of Airoea', an dem seit 30 Jahren gearbeitet wird, ist ein zusammenhängendes Dreifach-Konzeptalbum mit insgesamt 18 Songs, die über einen Zeitraum von drei Jahrzehnten in einer alternativen archaischen Welt angesiedelt sind. Die erste beiden Alben, 'Book I' & 'Book II', erscheinen nun als CD und LP. Durch lange Jam-Sessions und fein abgestimmte Arrangements entwickelte die Band ein fortlaufendes System, in dem jeder Song mit den anderen verknüpft ist. Ganzheitliche Impulsivität und Ideen, altruistische Freundschaft, Musik, Fantasien und ein schlüssiges Konzept.
Beginnend mit dem sakralen und atmosphärischen Over Westwinds führt 'Book II' weiter auf eine dynamische musikalische Reise durch üppige und abwechslungsreiche Klanglandschaften, die Visionen der goldenen Ära des Progressive Rock hervorrufen. Mit dem geschmackvollen Einsatz verschiedener Instrumente wie Flöte, Mellotron und Glockenspiel und alles verpackt in einer dynamischen und organischen Produktion, sind beide Alben Juwelen, die es für jeden Fan von Progressive Rock zu entdecken gilt.
'Book III' erscheint hoffentlich zeitnah.

Color Vinyl

Das Jahr 2024 steht für Il Civetto im Zeichen eines neuen Albums mit neuer Single und einer Tour: »Liebe auf Eis«. Im April und Mai 2024 begeben sich Il Civetto dann auf ihre bislang größte Tour. Schon immer ging es in der flirrenden Pop-Internationale von Il Civetto um Fernweh, Sehnsucht und das Gefühl, unterwegs zu sein. Die Musik dieser Band imaginiert gleichzeitig den Vibe einer lauen Sommernacht und den Kater danach. Mit ihrem letzten Album »Späti del Sol« hatten sie diesen Möglichkeitsraum bis in die letzten Winkel ausgelotet, mit »Liebe auf Eis« geht die Berliner Band noch einen Schritt weiter. So kann man den Titel als Symbolbild für alles verstehen, um das es bei dieser Band geht. Euphorie und Melancholie sind bei Il Civetto kein Gegensatzpaar, wo Licht ist, ist auch Schatten. Gesellschaftlich, privat, auf allen Ebenen - darin liegt der besondere Zauber dieser Gruppe von Freunden. Es geht in ihrer Musik darum, Widersprüche auszuhalten, Gräben zu überbrücken, die gesellschaftliche Kälte in polarisierten Zeiten mit Liebe zu überwinden - »Liebe auf Eis«. Überhaupt sind Il Civetto auf dem neuen Album persönlicher geworden, noch näher an ihren Themen. »Es wird einen Song über meine Jugend geben, einen anderen für meinen Vater und auch die Liebeslieder sind noch von eigenen Erfahrungen geprägt«, sagt Keiditsch. Aufgenommen haben sie »Liebe auf Eis« erneut mit dem Produzenten Ralf Christian Mayer (u.a. Clueso, Cro, Zimmer90, F4), der die Vision dieser Band schon immer am besten verstanden hat. Produkt-Nachhaltigkeit: FSC zertifiziertes Material, Umweltfreundliche Farbe & Lacke, Nutzung erneuerbarer Energien bei Herstellung.

'Battle Songs of the Damned', das neueste Werk von Mr. Irish Bastard, präsentiert sich als eine kraftvolle Fusion aus Punk-Rock und Irish-Folk. In den Texten des Albums wird die Geschichte der Iren in Amerika lebendig, mit besonderem Augenmerk auf New York's Irish Navy und humorvollen Erzählungen von Raufereien auf Bostoner Hochzeiten. Mr. Irish Bastard verknüpfen in ihrem unverwechselbaren Stil charmanten Witz mit kräftigen Punkrock-Gitarrenklängen und lebhaften Fiddle- sowie Tin Whistle-Melodien und schaffen damit ein mitreißendes Hörerlebnis.

Wer sich auf den Weg nach Louisiana macht, kehrt meist nicht auf dem gleichen Weg wieder zurück. Die Songs von BROTHER DEGE atmen die schwüle Luft der sumpfigen Wälder im Mississippi-Delta und beschwören die Geister der Bayous herauf. In den Adern des für den GRAMMY Award nominierten Singer & Songwriter Dege Legg, der seine musikalische Heimat an den Kreuzwegen aus mitreißendem Rock'n'Roll, wortgewandtem American Folk und psychedelischer Glückseligkeit gefunden hat, fließt das heiße Blut seiner Heimat in Form von surrenden Slide-Gitarren, unverfälschtem Gesang und schweißgetränkter Poesie. Mit der Magie des tiefen amerikanischen Südens zieht BROTHER DEGE auf seinem sechsten Album "Aurora" die Hörer in den Banner seiner üppigen musikalischen Welt. Sein Aufstieg fand beinahe im Stillen statt und das, obwohl der Amerikaner zig Millionen Streams generiert hat und seine breite Anerkennung sogar von keinem geringeren als Quentin Tarantino honoriert wurde, der persönlich den Song "Too Old to Die Young" für eine Schlüsselsequenz in seinem Film "Django Unchained" auswählte. Die Musik von Dege Legg lässt kühne Hooks über einer Unterströmung aus bluesiger Verzerrung aufblitzen. Dabei kanalisiert er seine Liebe für die Klassiker der Siebziger und Achtziger in einer höchst individuellen Variante des Southern Rock in den Sound des 21. Jahrhunderts. Aus diesem stilistischen Nebel erwächst eine unvergleichliche Klangvision, die Alt-Americana gleichermaßen Schärfe und Gusto verleiht. Als Dege Legg im Jahr 2004 unter dem Namen BROTHER DEGE mit seinem Debütalbum "Trailerville" in der Szene des Südens aufkreuzte, war sein höchst individueller Sound bereits voll ausgeprägt. Schon der zweite Langspieler "Folk Songs of the American Longhair" brachte gleich mehrere Hymnen hervor, darunter auch "Too Old to Die Young". Dege Legg nutzte diesen Schwung, um gleich eine ganze Reihe von Fan-Favoriten zu veröffentlichen: "How To Kill A Horse" (2013), "Scorched Earth Policy" (2015) und "Farmer's Almanac" (2018). Es lässt sich nicht leugnen, dass BROTHER DEGE stark von der Musik und den Klängen des Deep South der USA beeinflusst ist, gegen die er in seiner wilden Jugend noch rebellierte. Doch obwohl seine Wurzeln stark hervortreten, übersetzt der amerikanische Gitarrist und Sänger die Songs seines neuen Meisterwerks "Aurora" noch einen Schritt weiter in die universelle Sprache des Rock'n'Roll. Aber Vorsicht: Wer sich einfach zurücklehnt, die Augen schließt und dieses wunderbare Album auf sich wirken lässt, könnte in Louisiana aufwachen!

Wer sich auf den Weg nach Louisiana macht, kehrt meist nicht auf dem gleichen Weg wieder zurück. Die Songs von BROTHER DEGE atmen die schwüle Luft der sumpfigen Wälder im Mississippi-Delta und beschwören die Geister der Bayous herauf. In den Adern des für den GRAMMY Award nominierten Singer & Songwriter Dege Legg, der seine musikalische Heimat an den Kreuzwegen aus mitreißendem Rock'n'Roll, wortgewandtem American Folk und psychedelischer Glückseligkeit gefunden hat, fließt das heiße Blut seiner Heimat in Form von surrenden Slide-Gitarren, unverfälschtem Gesang und schweißgetränkter Poesie. Mit der Magie des tiefen amerikanischen Südens zieht BROTHER DEGE auf seinem sechsten Album "Aurora" die Hörer in den Banner seiner üppigen musikalischen Welt. Sein Aufstieg fand beinahe im Stillen statt und das, obwohl der Amerikaner zig Millionen Streams generiert hat und seine breite Anerkennung sogar von keinem geringeren als Quentin Tarantino honoriert wurde, der persönlich den Song "Too Old to Die Young" für eine Schlüsselsequenz in seinem Film "Django Unchained" auswählte. Die Musik von Dege Legg lässt kühne Hooks über einer Unterströmung aus bluesiger Verzerrung aufblitzen. Dabei kanalisiert er seine Liebe für die Klassiker der Siebziger und Achtziger in einer höchst individuellen Variante des Southern Rock in den Sound des 21. Jahrhunderts. Aus diesem stilistischen Nebel erwächst eine unvergleichliche Klangvision, die Alt-Americana gleichermaßen Schärfe und Gusto verleiht. Als Dege Legg im Jahr 2004 unter dem Namen BROTHER DEGE mit seinem Debütalbum "Trailerville" in der Szene des Südens aufkreuzte, war sein höchst individueller Sound bereits voll ausgeprägt. Schon der zweite Langspieler "Folk Songs of the American Longhair" brachte gleich mehrere Hymnen hervor, darunter auch "Too Old to Die Young". Dege Legg nutzte diesen Schwung, um gleich eine ganze Reihe von Fan-Favoriten zu veröffentlichen: "How To Kill A Horse" (2013), "Scorched Earth Policy" (2015) und "Farmer's Almanac" (2018). Es lässt sich nicht leugnen, dass BROTHER DEGE stark von der Musik und den Klängen des Deep South der USA beeinflusst ist, gegen die er in seiner wilden Jugend noch rebellierte. Doch obwohl seine Wurzeln stark hervortreten, übersetzt der amerikanische Gitarrist und Sänger die Songs seines neuen Meisterwerks "Aurora" noch einen Schritt weiter in die universelle Sprache des Rock'n'Roll. Aber Vorsicht: Wer sich einfach zurücklehnt, die Augen schließt und dieses wunderbare Album auf sich wirken lässt, könnte in Louisiana aufwachen!

Everything Everything, die für ihre innovative Mischung aus dystopischen Konzepten und experimentellem Art-Pop bekannt sind, kündigen ihr siebtes Studioalbum "Mountainhead" für den 1. März an. Dieses Album setzt ihre lange Tradition fort, gesellschaftliche Themen und kulturelle Trends zu erforschen. Die Band hat bereits beeindruckende Erfolge erzielt, darunter fünf Ivor-Novello-Nominierungen, zwei Mercury-Preis-Nominierungen und fünf aufeinanderfolgende Top-10-Alben. Ihre Musik zeichnet sich durch unkonventionelle Gesangssamples, Synthesizer und exzentrische Melodien aus, die eine faszinierende und einnehmende Atmosphäre schaffen. Mountainhead" vertieft ihre einzigartige Fähigkeit, die möglichen Auswirkungen zukünftiger Technologie auf unsere Gesellschaft zu erforschen. "Mountainhead" konzentriert sich auf das Konzept eines dystopischen Szenarios, in dem die Gesellschaft einen metaphorischen Berg errichtet. Menschen am unteren Ende dieser sozialen Hierarchie arbeiten unermüdlich, um die Elite an der Spitze zu unterstützen. Dieses Konzept dient als Metapher für verschiedene Aspekte unseres gegenwärtigen Lebens, von Kapitalismus bis hin zu Umweltschutz und Prominentenverehrung.

Die Stimme von Creed! - Das mitreißende neue Album des Grammy-Preisträgers SCOTT STAPP!
Der mehrfach Grammy-Award-Nominierte und -Gewinner SCOTT STAPP setzt seine triumphale Rückkehr als Solo Künstler fort und veröffentlicht am
15.03.2024 sein brandneues Album Higher Power via Napalm Records. Als eine der bekanntesten Stimmen der Rockmusik ist Stapp "bereit für
ein großes Jahrzehnt. Er kling genauso kraftvoll wie vor 25 Jahren und enthüllt die Härte, die in seiner ikonischen Stimme ruht (Loudwire). Das
kommende Album ist der Nachfolger des 2019 erschienenen The Space Between the Shadows, das neben unzähligen weiteren Top-Chartpositionen
auf Platz 3 der US Current Rock Albums Charts, der US Current Hard Music Albums Charts und der UK Official Rock and Metal Charts einstieg. Higher
Power besteht aus 10 unvergesslichen Tracks – darunter absolute Radio Hymnen, gefühlvolle Balladen, absolute Metal Banger und Heavy-Rock Hits –
und besticht durchweg mit Brillanz und inbrünstiger Energie. Dabei werden Themen wie Verlust, Frustration, Verrat und Beinahe-Niederlagen
besprochen. Neben SCOTT STAPPs unverkennbarem Gesang und seinen herausragenden Songwriter-Fähigkeiten bietet Higher Power bestechende
Auftritte der Hardrock-Queen Dorothy, des mehrfach ausgezeichneten Gitarren-Virtuosen Yiannis Papadopoulos und einen Song den der mehrfach
Grammy-prämierte Songwriter und Musiker Steve McEwan mitgeschrieben. Higher Power wurde von Marti Frederiksen und Scott Stevens produziert,
wobei Stapp selbst als Co-Produzent

Ätherische Traumdüsternis mit einer Stimme, die so einzigartig ist, dass ein völlig neues Genre geschaffen werden musste, um alle vier Oktaven unterzubringen. Der "Ecto-Pop" von Happy Rhodes, der klassische Musik mit Synthesizer und akustischer Gitarre mischt, hat sich außerhalb des Bundesstaates New York nie richtig durchgesetzt, aber das hat die Gothic-Americana-Königin Marissa Nadler nicht davon abgehalten, "Where Do I Go" 2018 neu zu interpretieren. Sowohl das Original als auch das Cover sind hier in einer eleganten schwarz-silbernen Hülle mit geprägter Blindenschrift für Sehbehinderte untergebracht.

Die unverbesserlichen Headbanger von LEATHER LUNG lassen die Party steigen! Der Fünfer aus Boston, Massachusetts hat das Flehen seiner enthusiastischen Fangemeinde nach einer vollen Dröhnung Boogie Metal erhört und legt mit "Graveyard Grin" endlich das Debütalbum vor. Die Neuengländer halten mit diesem Kracher aus Stoner Metal, Doom, einer Prise Sludge und einem eingängigen Kick die großen Versprechen, die ihre bisherigen EPs abgegeben haben: Angefangen mit "Reap What You Sow" (2014) und gefolgt von "Lost in Temptation" (2016), "Lonesome, On'ry and Evil" (2019) und "Dive Bar Devil" (2022) haben sich LEATHER LUNG bereits in die Herzen ihrer wachsenden Anhängerschar gespielt. Der wilde Haufen von langjährigen Freunden formierte sich in der Bostoner Punk- und Hardcore-Szene aus reinem Spaß an Doom und Stoner Metal. Anfangs als Vierer unterwegs erspielten sich LEATHER LUNG schnell einen exzellenten Ruf in der lokalen Szene und bald darauf quer durch die USA, zum Beispiel beim DesertFest New York und dem Psycho Las Vegas, sowie über ihre Veröffentlichungen sukzessive auch in Europa. Aufgebrezelt mit einem zweiten Gitarristen sind LEATHER LUNG inzwischen zu fünft und bereit, die Welt mit "Graveside Grin" zu erobern. Die Freaks von der Ostküste können es kaum erwarten, endlich wieder auf die Straße zu kommen, um erstmals eine globale Party zu feiern.

1995 war das Jahr, in dem ein neuer Stern am Himmel des Gothic Metal erschien. Liv Kristine Espenæs, die engelhafte Sopranstimme im Wechsel mit den Growls von Raymond I. Rohonyi von THEATRE OF TRAGEDY, hat seitdem viele Bands ihres Genres inspiriert. Robert Müller (Hammer), Dezember 1997, schrieb in einer Kurzbiografie folgende Zeilen: „Mit ihrer hohen, klaren, emotional ausdrucksstarken Stimme stand Liv Kristine immer im Mittelpunkt der Aufmerksamkeit. Da liegt es nahe, die Schönheit dieser Stimme in reiner Form, in einer Soloproduktion einzufangen.“ 1997 unterzeichnete Liv Kristine einen Solovertrag bei Massacre Records/Torsten Hartmann. Liv Kristine, die damals Masterstudentin in Englisch und Deutsch war, pendelte zwischen der Universität Stuttgart und den Aufnahmen im illinois Studio. Darüber hinaus tourte sie mit dem äußerst erfolgreichen THEATRE OF TRAGEDY um die Welt. Ein ganz besonderer, persönlicher Höhepunkt für Liv Kristine war der 24. Oktober 1997, als sie Nick Holmes (PARADISE LOST & HOST) an einem kalten Herbstmorgen von einer Tournee in Ludwigsburg, Deutschland, abholte. Nach einer Tasse schwarzem Tee und einer Scheibe Marmeladenbrot, wurden die Gesangsaufnahmen für die einfache, feine Gothic-Ballade „3 a.m.“ abgeschlossen. Beide haben einen Metal-Hintergrund, aber die Verschmelzung der beiden Stimmen ist einzigartig. Viel Subtilität, Magie und persönlichen Ausdruck stecken auch in den anderen Kompositionen auf Liv Kristines allererster SoloVeröffentlichung, die teilweise sogar in ihrer Muttersprache Norwegisch gesungen wurden. „Portrait: Ei tulle med øyne blå“, basierend auf einem alten norwegischen Kinderlied aus dem Jahr 1905, wurde im Juni 2023 von Geir „Gerlioz“ Bratland (DIMMU BORGIR) von Grund auf neu interpretiert und aufgenommen, ausschließlich für die Neuveröffentlichung von „Deus ex Machina“. Liv Kristine kennt diese Melodie seit ihren ersten Lebenswochen, denn ihre Mutter und Großmutter haben der kleinen „Stine“ dieses Lied als Gute-Nacht-Schlaflied vorgesungen. Bereits im Alter von sechs Jahren zeigte Liv Kristine eine besondere Empfänglichkeit für das Verständnis von Musik und den verschiedenen Arten des Singens. Es verging kein Tag, an dem das kleine, blonde Mädchen nicht sang und verträumt vor dem Spiegel stand. Das Lied „In the Heart of Juliet“ beschreibt, wie sie ihre Kindheit bewusst und unbewusst erlebte, die Glücksgefühle, ihre Liebe zu magischen Melodien, die Wunder der Natur und ihrer Jahreszeiten, aber auch die Freiheit des Seins. Bis heute bezeichnet sie das besondere Erlebnis des Singens als „my magic Bubble“.

Dabbing (LIVE) Rosin in Europe is BONGZILLA brand new live album. All the songs were recorded during "Dabbing Across Europe &UK Tour" in Spring-Summer 2023 !! A1-B3 Recorded Live at Paradise Island A2-A3-B2 Recorded Live at Minoga in Poznan, Poland A4-B1 Recorded Live at Voodoo in Belfast, Ireland Mixed and Mastered by Shane Trimble at Sletner Sound

Dabbing (LIVE) Rosin in Europe is BONGZILLA brand new live album. All the songs were recorded during "Dabbing Across Europe &UK Tour" in Spring-Summer 2023 !! A1-B3 Recorded Live at Paradise Island A2-A3-B2 Recorded Live at Minoga in Poznan, Poland A4-B1 Recorded Live at Voodoo in Belfast, Ireland Mixed and Mastered by Shane Trimble at Sletner Sound

Some artists embrace their success by repeating the steps that originally granted them fame. Billy Joel did the opposite, refusing to be contained by prescribed approaches or constrained by a given label. The follow-up to the breakthrough The Stranger, 52nd Street further expands on its predecessor's bold production techniques and inventive arrangements, incorporating more sophisticated textures as well as reflecting a jazz edge gleaned from New York City's thriving club scene.

A key piece of Mobile Fidelity's Billy Joel catalogue restoration series, 52nd Street is here sourced from the original master tapes and pressed on 45RPM 180g LP at RTI. The wider and deeper grooves – as well as the meticulous mastering – yield resplendent dynamics, broad soundstages, three-dimensional perspectives, and tonal balances absent from prior editions. This is how you want to experience the 1978 LP that captured the Grammy Award for Album of the Year.

Teaming again with producer Phil Ramone, Joel capitalizes on his momentum, churning out another direct-sounding affair replete with captivating melodic devices, showmanship accents, and penetrating lyrics. The singer's concision and focus is evident via the tune's lengths, with only "Until the Night" breaking the six-minute mark. Hit singles "Big Shot" and "My Life" rattle forth with an urgency and intensity that Joel had not previously demonstrated, the combination of passionate deliveries, snide overtones, and insistent grooves setting the table for what follows.

Broadening his palette, and drawing from New York's thriving jazz club scene and the city's late-70s grit, Joel splashes Latin and jazz colours on several pieces, employing veterans such as Dave Grusin and Freddie Hubbard to contribute along with a cast that includes a team of background vocalists and horn players. Everything is tastefully appointed, and yet the vocalist's trademark Broadway gaze and knack for the grand gesture coincide with the straight-ahead swagger.

52nd Street is one of the main reasons why Joel has always been championed for consistency. Everything here, from the production to the stand-up songs, helped redefine mainstream pop-rock. Decades later, it's finally available in fidelity that nears that of the Columbia Records' master tapes produced right on 52nd Street.

Ätherische Traumdüsternis mit einer Stimme, die so einzigartig ist, dass ein völlig neues Genre geschaffen werden musste, um alle vier Oktaven unterzubringen. Der "Ecto-Pop" von Happy Rhodes, der klassische Musik mit Synthesizer und akustischer Gitarre mischt, hat sich außerhalb des Bundesstaates New York nie richtig durchgesetzt, aber das hat die Gothic-Americana-Königin Marissa Nadler nicht davon abgehalten, "Where Do I Go" 2018 neu zu interpretieren. Sowohl das Original als auch das Cover sind hier in einer eleganten schwarz-silbernen Hülle mit geprägter Blindenschrift für Sehbehinderte untergebracht.

Die verdammt allergrößte Band des Universums ist zurück mit ihrem zweiten Album, offenbar direkt aus der Andromeda-Galaxie reingeschlittert! Intergalaktischer Lo-Fi-Garagenpunk! Bone (The Anomalys, Gitarre) & Jackie (The Jackets, Gesang & Schlagzeug) aka Plush Stuffed Huge Penis & Hungry Oversized Vagina veranstalten dieses Super Lo-Fi Trash Rock'n'Roll Bad Taste B-Movie Horros-SciFi-Sex-Märchen! Seit zehn Jahren verbreiten THE SEX ORGANS mit Hilfe ihrer menschlichen Sklavenfirma VOODOO RHYTHM RECORDS gnadenlos ihre Weltraum-Botschaft! Diesmal sind sie zu dem Schluss gekommen, dass die ganze Erde am Abgrund steht und es keine Hoffnung mehr gibt ... außer sich den Machenschaften der 'Sex Organs' überhaupt zu unterwerfen. In den 12 Manifesten dieser einzigartigen Platte zeigen sie uns, wie es richtig geht: "The ultimate soundtrack to the downfall" - Sex ist unvermeidbar... Als tiefschwarze Vinyl-LP mit bedrucktem Insert und DLC oder Gatefold-Sleeve CD mit 12seitigem Booklet erhältlich! Geschichte: The Sex Organs wurden 2014 von Bone (NL/The Anomalys) und Jackie (CH/The Jackets) gegründet und wurden sofort zu einem Kult-Act, der in ganz Europa auf den besten Garagenfestivals und Clubs spielte und eine Welle von Rock'n'Roll "Sexcitement" auslöste - genau dann, wenn es nötig war! Sie spielten auch in etablierten Museen, auf Film- und Comicfestivals, gingen auf Tournee in Kanada und wurden (stolz) aus dem Schloss Dracula in Transsylvanien verbannt (wahre Geschichte)! Die Sex Organs zu sein, mag eine Herausforderung sein, aber niemals langweilig!Die Sex Organs spielen wilden, schweißtreibenden Trash and Roll, der den Zuhörer Song für Song zu einem explosiven Höhepunkt treibt! Das ist so primitiv wie es nur geht - ein Stehschlagzeug, eine Gitarre und Texte über den sexuellen Zustand der modernen Zeit, in der wir leben!

Hinter dem Bandnamen Potato Beach versteckt sich ein Wiener Indie-Surf Kollektiv rund um Mastermind Jannik Rieß. Bislang gab es eine EP, die als Tape erschienen ist. Der Strand ist für alle da! "Back on the road, driving slowly, sipping coke" - Mit den ersten Zeilen auf "DIP IN" legt Jannik Rieß direkt ein Geständnis ab. Der deutsche Wahlwiener und Multiinstrumentalist hinter dem Musikprojekt Potato Beach, bekennt sich mit seinem Debüt zum Softdrink bei Einhalten des Tempolimits - und damit zur eigenen Kartoffeligkeit. Sympathisch! Potato Beach's durchaus nostalgischer Garage-Rock versucht gar nicht erst, dem Bravado und Machismo alter (The Kinks) oder neuer (Foxygen) Inspirationen nachzueifern. Rieß erzählt lieber seine eigenen Geschichten in der lähmenden Sommerhitze Wiens, irgendwo zwischen zu lang jung bleiben und zu früh alt werden. Die Platte braucht keine waghalsigen Salti vom Zehner schlagen, um in die Tiefe zu gehen. Vielmehr lädt sie uns dazu ein, mit baumelnden Füßen am Beckenrand tief ins Rot-Weiß der Freibadpommes zu tauchen. Schmeckt vertraut - und ziemlich lecker. So wabern simple, aber sorgfältig arrangierte Vintage-Riffs und schrullige Orgeln wie Hitzeschlieren am Horizont, wenn Rieß "Why are we feeling guilty for not doing anything?" oder "How can anyone go to work?" die blöden Fragen stellt, über die wir alle rätseln. Potato Beach's Selbstreflexionen sind am Puls der Zeit getaktet und sprechen dabei ganz ungezwungen 0,5 bis 2,5 Kartoffelgenerationen von der Pelle. So handeln sie nicht etwa von Heroin und Manic Pixie Dream Girls, sondern von Ghosting, Fernbeziehungen oder dem Gefühl der Einsamkeit unter Vielen. Potato Beach befreit den Küstenrock der 60er vom alten Rost und verleiht ihm mit ehrlichen, nachdenklichen und bodenständigen Anekdoten einen zeitgenössischen Anstrich. Dass Potato Beach mit "DIP IN" nicht dem Mackertum seiner Blaupausen folgt, ist kein Zufall. Nachdem Rieß' musikalische Vorbilder durch ihren Sexismus unhörbar wurden, sah er sich gezwungen, seine Lieblingsmusik selbst neu zu schreiben. Dass er das komplette Instrumentarium und den Gesang der 11 Tracks im Alleingang aufgenommen hat, zeigt: Dem ist das wirklich wichtig. Hingabe, Leidenschaft und Weltschmerz hallen jedenfalls deutlich hörbar aus dem Röhrenverstärker. Nur vereinzelt tauchen Vertraute Musiker:innen der Schwesterbands Peter the Human Boy oder Gardens auf, um ein Cello hier oder ein Keyboard dort einzuspielen. Die sind auch dabei, wenn die Freibäder Wiens warm genug werden, um die Platte live zu performen. Bis dahin sorgt "DIP IN" mit seiner warmen Melancholie für süße Tagträume vom Sehnsuchtsort Strand. "DIP IN" erinnert uns: Ob Potaetoe oder Potahtoh, every Body is a Beach Body!

Gut Ding will Weile haben und das trifft auch auf ATROPHY zu, die nun endlich ihr neues Album "Asylum" veröffentlichen!
"Asylum" ist der nächste Meilenstein in der Geschichte von ATROPHY.
Unter Beibehaltung des Tempos von "Socialized Hate" und des Grooves von "Violent By Nature" enthält das Album eine große Portion Heaviness, die dafür sorgt, dass das Album einem befriedigenden akustischen Tritt in die Fresse gleicht.
Der lyrische Fokus liegt nach wie vor auf den gesellschaftlichen Missständen, vom Aufstand bis hin zur Gehirnwäsche durch die großen Nachrichtensender und den offensichtlichen Folgen für die Menschen, die einfach nur um ihr Leben kämpfen.

Deer Jade – Jukurpa

Tired of grey skies and long faces? We’ve got a serious dose of musical vitamin D for you! Deer Jade is hailing from the picturesque Lake of Geneva, an area about which the late Jean Paul Belmondo had to say a thing or two. Her infectious smile and uplifting energy behind the decks already made her a household name in clubs and festivals around the globe. This solo debut is an expression of her strong self confidence and in-syncness with the world surrounding her. “Jukurpa” might be just one of the most flamboyant house tunes you’ll come across this year, readymade for swaying to on an early summer morning dancefloor. “Cosmic Dream” is of a more introspective nature, putting gentle psychedelic synth movements to good use. There’s a lot of heart in Deer Jade’s music. We’re happy to give it a home.

David Hasert & Niconé – Wasting My Time With You

Tired of grey skies and long faces? We’ve got a serious dose of musical vitamin D for you! ?This Cologne – Berlin joint venture is shedding rays of sun galore with this lost in reverie deep house jam. Built around a catchy as hell soul vocal and occasional piano outbursts “Wasting My Time With You” will certainly be one of our favorite tunes to waste our time to in 2024.

Deer Jade – Jukurpa

Hast Du genug von grauem Himmel und langen Gesichtern? Wir haben eine ordentliche Dosis musikalisches Vitamin D für Dich! Deer Jade stammt vom pittoresken Genfer See, einer Gegend, über die der unvergessliche Jean Paul Belmondo so einiges zu sagen hatte. Ihr ansteckendes Lächeln und ihre mitreissende Energie hinter den Decks haben sie bereits zum gerne gesehenen Gast in Clubs und auf Festivals rund um den Globus gemacht. Dieses Solo-Debüt ist Ausdruck ihres starken Selbstbewusstseins und ihrer Verbundenheit mit der Welt, die sie umgibt. “Jukurpa” ist vielleicht einer der extravagantesten House-Tunes, die man in diesem Jahr zu hören bekommt, wie geschaffen zum Mitschunkeln an einem frühen Sommermorgen. “Cosmic Dream” ist von eher introspektiver Natur und holt uns mit sanften psychedelischen Synthesizer-Bewegungen ab. In der Musik von Deer Jade steckt eine Menge Herzblut. Wir freuen uns, dass sie es bei uns verschüttet.

David Hasert & Niconé – Wasting My Time With You

Hast Du genug von grauem Himmel und langen Gesichtern? Wir haben eine ordentliche Dosis musikalisches Vitamin D für Dich! Das Köln-Berliner Joint Venture versprüht mit diesem verträumten Deep-House-Jam jede Menge Sonnenstrahlen. ?”Wasting My Time With You” ist mit seinen ?catchy Soul-? Vocals und gelegentlichen Klavier?-?Kaskaden sicherlich einer unserer Lieblingssongs, mit dem wir im Jahr 2024 unsere Zeit verschwenden werden.

Der Soundtrack zum Kult-Animationsfilm „Blue Giant“ kommt nach Deutschland - als limitierte blaue Doppel-LP! Der erfolgreiche Film basiert auf dem gleichnamigen auch in Deutschland erschienenen Manga-Comic, der weltweit über 11 Millionen Mal verkauft wurde. Er erzählt auf mitreißende Art die Geschichte eines jungen japanischen Saxofonisten und seinem steinigen, aber letztendlich erfolgreichen Weg in die internationale Jazz-Szene. Der Film war in Asien ein großer Kinoerfolg und wird ab Juni dieses Jahres erstmals auch in Deutschland im Heimkino zu sehen sein (Blu-ray bei PLAION). Die Musik zu „Blue Giant“ stammt von der Grammy-ausgezeichneten japanischen Pianistin und Komponistin Hiromi und ist mit seinen packenden Jazz- und Funk-Sounds integraler Bestandteil des „Blue Giant“-Erfolges.

Michael A. Muller, Multiinstrumentalist und Mitbegründer von Balmorhea, hat sich ganz ins Komponieren vertieft und veröffentlicht sein DG-Debüt Mirror Music. Reflexion ist das Thema dieses Albums. In Zusammenarbeit mit elf Künstlern sind zehn Tracks entstanden, die auf Mullers Ambient-Kompositionen basieren. Muller schrieb sie am Mellotron, einem Oberheim Two-Voice Synthesizer und einer Rhodes-Orgel und teilte sie mit den Musikern, wobei jeder für sich einen Part in einem bestimmten Stück übernahm. Mirror Music eröffnet mit der taktilen, offen gestimmten zwölfsaitigen Gitarre von Danny Paul Grody, geht über in die irisierende Pedal-Steel-Gitarre von Chuck Johnson und mündet ins vokal Atmosphärische von Vestals. Es folgen Jonathan Sielaffs Bassklarinette und Ilyas Ahmeds Gitarre, die einsamen Wüstenklänge von Douglas McCombs von Tortoise, die flirrenden Rhythmen des indonesisch-australischen Perkussionisten Rama Parwata, die modularen Synthesizer-Reflexionen von Jefre Cantu-Ledesma, der samtige Gesang von Hania Rani, die weichen Soundmodulationen von Jon Porras und schließlich das gefühlvolle Cello von Clarice Jensen. Mirror Music kommt am 1. März 2024 digital heraus und am 15. März als LP in limitierter Auflage.

Das Album ist nachdenklicher, ruhiger und wenn man es so will auch erwachsener. Die Musik wurde übermüdet und gestresst im stillen Kämmerlein geschrieben, als die Kids endlich im Bett waren. Die Texte unter dem Eindruck wochenlanger Selbstisolation. Da war einfach kein Platz mehr für überschwängliche Wut. Dafür aber für Melancholie ("Denken & Danken"), ein Lächeln ("Gesichtsmuskelzerrung") oder Selbstreflektion ("Ernährungsberatung")

"Es war ein langes Jahr, weil ich so langsam war" lautet der Einstieg zum neuen Album "endlich Wienerlieder". (Release 15.03.2024, Medienmanufaktur Wien). Das Album ist Ninos Großvater Rudolf Mandl gewidmet, einem Wienerlied-Sänger. Für Nino eine "Hommage an meine familiäre Verbindung zur Wiener Musiktradition." Ob Nino nun von Heurigen zu Heurigen ziehen wird, um den lustigen Gesellschaften seine Liedkunst zu schenken, kann man nicht versprechen. Was man definitiv bekommt, ist eine tiefe Auseinandersetzung des Künstlers mit seinem Lebensmittelpunkt, aus verschiedenen Lebensepochen. Damit besteht eine gewisse Verwandtschaft zu Ninos "Kochbuch Take 16". Spezialgäste sind mit dabei am Album. So singt er gemeinsam mit Ernst Molden bei seiner Version von "La Paloma" eine Ode an die Wiener und Wienerinnen.

"Ausgezeichneter Gruselrock! Allein die Songtitel: ,The Dead Won't Sleep", ,Forbidden Forest", ,At The Mountains of Madness" oder ,Stone Age Funeral"! Da krieg ich gleich gute Laune von, das sind die wichtigen Dinge im Leben. Musikalisch befinden wir uns ungefähr in 1970, und die Rockmusik wird irgendwie heavy & treibend und vor allem düster und unheimlich. Mountain Witch verschreiben sich auf ihrer zweiten Platte erneut diesem Sound, den Black Sabbath und andere in die Welt gerufen haben, und mit ihrem Vintage Equipment Wahn kommen sie so dicht dran, dass man es nicht für möglich hält, dass das eine neue Platte sein soll. Erfreulich finde ich, dass hier mehr gesungen wird als auf dem Debut ,Cold River", das steht den Songs ausgezeichnet und unterstreicht eben das eingangs erwähnte Gruselfeeling. Wer auch nur am Rande was hält auf alten Hardrock oder konsequenten Stoner, muss unbedingt reinhören. Absolutes Meisterwerk ist der gut sieben Minuten lange ,At The Mountains of Madness", der sich langsam aufbaut und eine recht eigene Note mitbringt, außerdem gruselt es mich hier am meisten, wenn kurz vor Schluss dieser Psychedelik-Part verhältnismässig weit raus rudert für Berghexen-Verhältnisse. Gut gemacht! Wer also auf alten Kram wie Witchfinder General, Legend, Manilla Road, epic 70ies Protometal oder neueren Kram wie Demon Head, Kadavar oder natürlich die erste Mountain Witch Platte steht, sollte unbedingt zugreifen, es hat eine Entwicklung im Songwriting stattgefunden, die ich so nicht vorhergesehen habe. An den Songs ist kein Gramm Fett zuviel, die sehnigen Songs hauchen einem wie ein Knochenmann in den Nacken, wenn der getragene Titelsong losgeht, verbreitet sich Nebel aus einem anderen Jahrhundert in meinem Zimmer und wenn ich Glück habe, nimmt er mich nicht mit oder löst mir das Fleisch vom Skelett. Das meine ich ernst! Der Chor! Top! ,Isle of Bones" wird dann so melancholisch, fast eisig, dass es ein perfekter, hypnotischer Rausschmeißer ist, der einen die Platte einfach nochmal umdrehen lässt!" Tobi Neumann

MIKE TRAMP ist wahrscheinlich der einzige Mensch, der jemals auf einem Album über Jolly Cola, die Beatles, Sauerkraut und Karate gesungen hat. So
geschehen auf "For første gang", das 2022 erschien und Mike Tramps allererstes Album in dänischer Sprache war.
Mit "Mand af en tid" tut er es wieder. Diesmal geht es in den Liedern um alles Mögliche, von Andy Warhols Fifteen Minutes of Fame bis zu Ingrid &
Lillebror, Muhammad Ali, Ole Olsen und Entenbraten. Und wieder geschieht das alles auf Dänisch. So zeigt Mike Tramp, dass es kein Spaß war, als er
zur Überraschung der meisten eine Platte in seiner Muttersprache veröffentlichte, nachdem er mehr als 45 Jahre lang auf Englisch gesungen hatte.
Die dänischen Lieder sind eine Möglichkeit, einige der Geschichten zu erzählen und die Erfahrungen zu teilen, die sich im Laufe seines Lebens
angesammelt haben.
"Viele von denen, die ich bei meinen Konzerten treffe, sind mir immer gefolgt, und wir sind fast zusammen aufgewachsen. Ich spüre, dass es für sie
etwas ganz Besonderes ist, wenn ich plötzlich auf Dänisch singe. Sie können sich in den Geschichten und Liedern wiedererkennen, weil ich über etwas
singe, das mir selbst etwas bedeutet. Ich bin ein erwachsener Mann, der von allem ein bisschen was probiert hat, aber ich bin immer noch da und
muss nicht dem neuesten Trend hinterherlaufen. Ich weiß, wer ich bin und stehe dazu. Deshalb konnte die Platte auch nicht anders heißen als "Man
of a time"".

DIE LEGENDÄREN ALBEN DER INTERNATIONALEN POP-IKONE BRITNEY SPEARS AUF FARBIGEM VINYL ERHÄLTLICH! Zusammengenommen stellen diese Alben einen beeindruckenden Wandel in der Popmusik dar, vom Ende eines Jahrtausends zum Beginn eines neuen. Britneys avantgardistische Pop-Kollaborationen und ihr sich ständig weiterentwickelnder Musikstil haben sie zu einer kulturellen Ikone gemacht, die Generationen beeinflusst hat. Insgesamt erreichten alle ihre Alben die Top 5 der Billboard 200 - fünf davon den ersten Platz. Mit weltweit fast 150 Millionen verkauften Tonträgern ist Britney Spears eine der erfolgreichsten Künstlerinnen in der Geschichte der Popmusik und hat mehrere Platinauszeichnungen und Grammy Awards gewonnen.l.

Die Paradise Phantoms, führende Funkgruppe aus Madrid,
veröffentlichen im März 2024 „Ten“, ihr bis dato ultimatives
Album.

Nach den Singles „Tonight“, ein kraftvoller, super-funkiger
Track, „Una Y No Más“, die erste spanischsprachige Single der
Phantoms und dem nicht zuletzt in den USA besonders
erfolgreichen „Cannestereo“ folgt nun das Album mit 10
Songs zum 10jährigen Bandjubiläum. Musikalisch einen Bogen
spannend von Funk bis Electronica und 80er New Wave, mit
Einflüssen von Acts wie Chic, Chromeo, George Clinto, Daft
Punk, Duran Duran, Jamiroquai und Rick James.
Die Paradise Phantoms sind Marcos Miranda (Bass, Gesang)
und Iván Redondo (Gitarre, Keyboards, Programming), die im
Studio und auf der Bühne mit verschiedenen Musiker*innen
zusammenarbeiten. Sie werden das Album in 2024 in Spanien
und Deutschland live präsentieren

Endlich wieder ein Lebenszeichen der legendären Indie-Rock-Band Grandaddy aus Kalifornien. Im Februar 2024 wird ihr brandneues Studioalbum „Blu
Wav“ via Dangerbird Records erscheinen. Kürzlich feierten Grandaddy ihr Schaffen mit einer Reihe von Wiederveröffentlichungen zum 20-jährigen
Bestehen, darunter das hochgelobte Sumday Twunny-Boxset, das von Pitchfork als „Best New Reissue“ ausgezeichnet wurde. Auf Wunsch der Familie
seines Freundes und Psychedelic-Pop-Kollegen Mark Linkous steuerte Lytle auch Gesang zu einem posthumen Sparklehorse-Album bei. Grandaddy
haben fünf offizielle LPs veröffentlicht, zuletzt 2017 das Album „Last Place“. Zu den Mitgliedern von Grandaddy gehören Jason Lytle, Aaron Burtch,
Jim Fairchild, Tim Dryden und der 2017 verstorbene Kevin Garcia.

Hakushi Hasegawa sind ein Musikerinnen aus Tokio, Japan, und die ersten japanische Künstler, welche beim Label Brainfeeder unter Vertrag stehen. Im Einklang mit dem Ethos von Brainfeeder, seit der Gründung des Labels im Jahr 2008 Künstler zu suchen, die außerhalb der Genregrenzen agieren, ist Hakushis Musik schwer zu kategorisieren, da they sich zwischen mehreren Genres bewegen: Alternative, Elektronik, Jazz, Pop/J-Pop. Manchmal ist sie hübsch, manchmal ist sie sehr intensiv und rasant. They veröffentlichen seit 2018 und haben sich in Japan mit einer Reihe von wunderbar wilden Veröffentlichungen bereits einen Namen gemacht und begonnen, international eine Kultanhängerschaft aufzubauen. Zu den bisherigen Kollabos gehören Kid Fresino, yuigot, TOKYO SKA PARADISE ORCHESTRA, Yukichikasaku/men und Eye from Boredoms. "Somoku Hodo" war Hakushis Debütveröffentlichung im Jahr 2018 als Teenager, mit den Fan-Favoriten 'Somoku' und 'Doku' - ein hyperspeed Junglist-Jazz-Workout, der frühes Squarepusher-Material positiv langweilig klingen lässt. Ihr Debütalbum "Air Ni Ni" folgte ein Jahr später im Jahr 2019 und festigte ihren Ruf als eine der aufregendsten und abenteuerlichsten Künstlerinnen Japans. Hakushi traten im Mai 2020 auf dem von Porter Robinson moderierten Online-Festival "Secret Sky" auf (4 Millionen Zuschauer) und zierten im September 2020 das Cover der einflussreichen Musikzeitschrift "MUSIC MAGAZINE".

Format: Limitierte Erstauflage des Klassikers auf durchscheinendem grünem Vinyl inklusive dem bisher unveröffentlichten Track 'Doku (SCREWED) und MP3 Download Code. Illustration von Momoka Aiso. Gestaltung von Takeaki Emori.

30 Jahre Metal: Drei Jahrzehnte lang hat Wade Black mit Bands wie Crimson Glory, Leatherwolf, Seven Witches, Leash Law und Chalice of Sin den Metal gelebt und international getourt. Wade, dem Veränderungen weder fremd sind noch Angst davor hat, ein Katalysator dafür zu sein, kündigt sowohl Neuerungen als auch einige sehr verlockende Teaser für die Dinge an, die im Jahr 2024 kommen werden. Geschmiedet aus über einem Jahrzehnt des gemeinsamen Schreibens, Aufnehmens und Tourens haben Wade und Rich einen Songwriting-Stil entwickelt, der nicht von dieser Welt ist - das ist auch der der Grund, warum sie den Namen Astronomica gewählt haben. Sie glauben, dass dies der beste Weg ist, um ihren Sound zu beschreiben. Ein Blick in die Zukunft: Sie freuen sich darauf, Musik zu machen, die das Herz, den Verstand und die Vorstellungskraft ihrer Fans anspricht - sie auf eine Reise zu weit entfernten Orten mitnimmt und sie dazu inspiriert, ihr Bestes zu geben! Sie bereiten sich auch darauf vor, ihren Fans eine super Live-Show zu bieten und freuen sich darauf, all ihre METAL-Fäuste in die Luft zu strecken, wenn die Band die Bühne dezimiert. See you soon!

Die "Gothics" glaubten an das Do-it-yourself-Punk-Ethos, dass jeder ein Instrument in die Hand nehmen könne. Graue Wolken zogen auf, und in der unwahrscheinlichen Stadt Hamburg gründete eine dreiste und eindringliche Bande von fünf Frauen, Caro May, Rita Simon, Manuela Rickers, Fiona Sangster und Anja Huwe, Xmal Deutschland. Und wie es sich für einen echten Punk gehört, taten sie dies ohne musikalische Vorkenntnisse. Die 7“ Single "Schwarze Welt" wurde 1981 auf dem lokalen Punk-Label ZickZack veröffentlicht und stellte die Band als einen beunruhigenden Schwarm von Intensität vor. Die Dringlichkeit des repetitiven Klagelieds, die wirbelnde Manie, die sich auf der B-Seite mit "Die Wolken" und "Großstadtindianer" fortsetzt, deren krude Synthesizer-Geräusche die Spannung noch steigern. Vor allem der einzigartig giftige deutsche Gesang von Huwe wurde schnell in die ungezügelte und aufkeimende Szene der glamourösen Düsternis eingebettet. Die Unabhängigkeit des Punks vom starren Griff der Tradition erlaubte es der Band, Trost in einer Anti-Establishment-Kunst und -Musik zu finden, weit entfernt von den Konventionen der Vergangenheit. Mit ihrem Pfauenhaar und den dick mit Kajal umrandeten Augen bewahrte sich die Musik von Xmal Deutschland sowohl eine Unruhe als auch eine Zartheit, die mit der Veröffentlichung der Single "Incubus Succubus" im Jahr 1982 die Grenzen der "Neuen Deutschen Welle" (ähnlich wie ihre Kollegen und Freunde DAF und Einstürzende Neubauten) überschritt. Sie wurde sofort zu einem Post-Punk-Klassiker. Die Gitarre wühlt sich durch die Melodie, während die schaurige Primitivität von Huwes Stimme andeutet, dass sie vielleicht, nur vielleicht, die alptraumhafte Kreatur ist, vor der man sich in Acht nehmen muss. Die B-Seiten, "Zu Jung Zu Alt" und "Blut Ist Liebe", halten sich an strenge militaristische Tanzbeats, während sie in Aufregung wimmeln. Im selben Jahr trat die Band in London als Support für die Cocteau Twins auf; das war die Plattform, die sie brauchten, um in die Arme der zerrissenen Netzmassen zu stürzen. „Early Singles 1981-1982“, ist eine Karte der grundlegenden Bewegungen von Xmal Deutschland, nur Sekunden vor dem Abheben. Die Bonustracks auf der Compilation, "Kaelbermarsch" und eine düstere Live-Version von "Allein", unterstreichen die Verschmelzung von Härte mit der quixotischen Dekadenz atmosphärischer Synthesizer. Das Streben der Band nach etwas Größerem ist spürbar, zu einer Zeit, in der nach dem Aufkommen von Punk neue Möglichkeiten des Musikmachens offenstanden.

Slimelord, Englands eigenartigste Death Metal-Kuriosität, hat auf ihrem Debütalbum "Chytridiomycosis Relinquished" eine wilde und halluzinatorische Geschichte aus den unterirdischen Tiefen zusammengetragen. Das Logbuch der Suche verwebt sich mit den ungewöhnlichsten Elementen der Geologie, alten Mythen, Weltgeschichte, Umweltschutz und Fantasie. Ein Konzept, das so detailliert und komplex bizarr ist wie die Musik selbst.

Nach mehreren hochgelobten EP-Veröffentlichungen sumpfiger Death- und Doom-Abartigkeiten zeigen sich Slimelord auf "Chytridiomycosis Relinquished" in Bezug auf Geschwindigkeit und Schwere in ihrer bisher stärksten Form. Das gewaltige Riffing, gepaart mit ihrer Fähigkeit, verträumte, abgedrehte Wiederholungen und improvisierte Unorthodoxie zu beschwören, wird durch überlagerte Effektpedale und sogar Field-Recordings ergänzt, um eine Atmosphäre von extremer Dichte und exzentrischer Mythosbildung zu schaffen, die ein völliges Eintauchen in die Dunkelheit ermöglicht.

Mit Brad Moores filmischen und unheimlichen visuellen Landschaften, die Slimelords surreale Saga in eine lebendige Realität verwandeln, und zusätzlichen Story-Ebenen jenseits der Texte, die in der Veröffentlichung enthalten sind, präsentiert "Chytridiomycosis Relinquished" eine enorme Weiterentwicklung der musikalischen Komposition und des Produktionswertes. Die umfassende musikalische und ästhetische Vision von Slimelord dringt wie ein Pilz in das Substrat ein, von dem sie sich ernährt.